Mit den kulturpolitisch wichtigsten Sätzen dieses zehnten Sächsischen Theatertreffens überraschte gleich zum Auftakt am 3. Mai der Schirmherr und sächsische Ministerpräsident Michael Kretschmer. Er sprach das Dilemma der Haustarife bei den Kulturraumtheatern und -orchestern an. Das könne „nicht richtig sein“. Man müsse auch die Kulturleute in den ländlichen Räumen „ordentlich bezahlen“. Die Finanzen dafür seien bereits vorgesehen, man müsse nur noch das passende Modell finden. Der 43-jährige und erst seit fünf Monaten forsch amtierende Ministerpräsident machte sich damit selbst zum Teil einer dramaturgisch interessanten Inszenierung. Denn zu Jahresbeginn hatte das Wissenschafts- und Kunstministerium vom neuen Regierungskabinett den Auftrag erhalten, einen Ausweg aus der Haustariffalle zu erarbeiten. Die „Großverbraucher“ jenseits der direkt vom Freistaat getragenen beiden Dresdner Staatstheater überleben seit zwei Jahrzehnten nur dank des Lohnverzichts ihrer Künstler. Eine Rückkehr zum Flächentarif verlangte nicht nur finanziell den großen Sprung von rund 13 Millionen Euro Mehreinsatz. Auch formal ist das Vorhaben heikel. Der Freistaat darf nicht einfach zusätzliche Gelder zweckgebunden an die Kulturräume geben, denn die entscheiden nach dem Kulturraumgesetz autonom, was sie wie hoch fördern. Beim Theatertreffen stand nun der Ministerpräsident plötzlich als Protagonist vorn an der Rampe. Weit hinten am Sternenhimmel blieben Finanz- und Kunstministerium, die Mitte Mai eine solche...

Das Sächsische Theatertreffen in Dresden gibt sich ein digitales Motto, findet aber letztlich seine Brisanz ganz klassisch im analogen Spiel

Ohne Netz und doppelten Boden

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Einem Tsunami gleich türmte sich das Medieninteresse im Vorfeld der Inszenierung von „Mein Kampf“ am Theater Konstanz auf. Es hatte sich an der äußerst provokanten Idee der Regie entzündet, die Vergabe der Eintrittskarten an das Tragen von Davidstern oder Hakenkreuz zu koppeln. Bei der Premiere jedoch blieb von der geplanten Einbeziehung des Publikums nichts mehr übrig. Insofern konnte der Rezensent die zweite Aufführung in wohltuender Ruhe besuchen, ohne Polizeischutz und ohne Medienvertreter, welche sich vornehmlich für den Skandal interessierten. Der Blick auf die Inszenierung war frei. Im Publikum sitzt Klaus Redlin, langjähriger Protagonist des Konstanzer Schauspielensembles und inzwischen in Rente. Er hatte den Schlomo Herzl aus Taboris Farce im Konstanzer Theater der neunziger Jahre selbst gespielt. Seine private Einschätzung als Zuschauer nach dem Schlussapplaus? „Schwer zu verdauen“ sei diese Inszenierung. Das war beschreibend gemeint, nicht wertend. Dem ist wenig hinzuzufügen. Tatsächlich geht Serdar Somuncus Blick nicht primär zurück in die frühe Zeit der Wiener Kunstakademie, in der Tabori sein Stück spielen lässt: Hitler als Versager trifft auf den Juden Schlomo Herzl. Somuncus Interesse speist sich aus der Gegenwart. Er leuchtet Grundgedanken des Nationalsozialismus grell aus, die sich heute wieder im Aufwind befinden. Seine Inszenierung zielt auf die Aktualität von Rassismus...

Theater Konstanz: „Mein Kampf“ von George Tabori. Regie Serdar Somuncu, Ausstattung Damian Hitz

Konstanz: Mein Krampf

Im deutschsprachigen Feuilleton wird das Kostümbild als Kunstform einvernehmlich totgeschwiegen. Eine befremdliche Tradition, die Konsequenzen hat. Weder als Hymne noch als Verriss wird es diskutiert. Ist das Kostümbild im Theater so belanglos? Ich lese Kritiken über Inszenierungen, in denen hochgeschätzte Kolleginnen die Kostüme entworfen haben. Sie tauchen in den Besprechungen nicht auf. Als wären nicht Abend für Abend Hunderte von Zuschauern Betrachter eines großen Ganzen, in dessen Mittelpunkt der Schauspieler steht – zu 99 Prozent nicht nackt. Für den Schauspieler ist das Kostüm die zweite Haut. Es hat einen wesentlichen Anteil daran, ob und wie es dem Schauspieler gelingt, sich in eine Figur zu finden. Das Kostüm kann seine gesamte Körperlichkeit extrem forcieren und beeinträchtigen. Es kann ihn die Geschlechter wechseln lassen und die Jahrhunderte. Der Schauspieler kann zum Tier werden oder zum Pausenbrot. Dabei sind bereits Details ausschlaggebend. Ein Schuhwerk etwa beeinflusst Gang und Haltung. Wenn ich den Prinzen von Homburg in einem knielangen Nachthemd und lediglich mit Strümpfen an den Füßen auftreten lasse, ist das eine Herausforderung für den Schauspieler, vielleicht sogar eine Zumutung. Indem ich die Figur das Kostüm im Verlauf der Inszenierung nicht ein einziges Mal wechseln lasse, wird sie aus der Ebene des Traumes nie...

Über die Missachtung des Kostümbilds im deutschsprachigen Feuilleton

… dann spielt doch alles nackt!

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Das staatliche Jugendtheater Jaunimo teatras neu auszurichten, war das Ziel von Audronis Liuga, als er von der Intendanz des Nationaltheaters Vilnius an das kleinere Haus im historischen Zentrum der litauischen Hauptstadt wechselte. Für die erste Spielzeit lud er die dänische Regisseurin Kirsten Dehlholm sowie Árpád Schilling ein und holte Eimuntas Nekrošius in das Theater zurück, in dem dessen Karriere vor fast vierzig Jahren begann. Ein Showcase, den Liuga gemeinsam mit dem ebenfalls in Vilnius gelegenen OKT / Vilniaus miesto teatras von Oskaras Koršunovas ausrichtete, stellte die Arbeiten gemeinsam mit Inszenierungen jüngerer litauischer Regisseure vor. Nekrošius, international bekannt vor allem durch seine philosophisch-metaphorischen Shakespeare-Inszenierungen, entwickelte ein Stück zu Leben und Werk der weißrussischen Nobelpreisträgerin Swetlana Alexijewitsch unter dem Titel „Zink“. In Zinksärgen kamen die Gefallenen aus Afghanistan in ihr Heimatland zurück. Die andere in dem Stück behandelte Katastrophe aus der späten Sowjetunion ist Tschernobyl. Doch es geht vielmehr um das Leben der Autorin, die sich in der einsamen Beschäftigung mit diesen Themen auch Angriffen von unerwarteter Seite ausgesetzt sieht. So werfen ihr Soldatenmütter vor, mit den Opfern im Westen gut Geld zu verdienen – und verdrehen das moralische Dilemma einer ganzen Gesellschaft, begleitet von deutlichen Untertönen postsowjetischer Gegenwartsmentalität. Diese für Nekrošius’...

Ein Showcase am Jaunimo teatras in Vilnius beschäftigt sich mit Kindheitsängsten und Machtfantasien

Der Fänger im Mais

Frühlingstheater

Ihr Stück „europa flieht nach europa“ greift einen Urmythos auf: die Entführung der phönizischen Tochter Europa durch Zeus in Gestalt eines Stiers. Der Titel benennt die Bewegung, die sie vollzieht: von Nordafrika gen Norden, eben Richtung Europa, was natürlich aktuelle Assoziationen hervorruft. Wie kamen Sie auf das Material des Stücks? Mich haben die Ursprünge Europas interessiert, auch das Bild der entführten und möglicherweise vergewaltigten Frau. Das ist schon ein seltsamer Mythos, nach dem ein ganzer Kontinent benannt wird. Der Name wurde ja ursprünglich für den jüdisch-christlich geprägten westeuropäischen Teil verwendet. Wenn man sich die europäische Geschichte ansieht, gibt es eigentlich keinen richtigen Anfang, es gibt immer noch irgendetwas davor. Wenn man an die Völkerwanderungen denkt, die Einflüsse der Griechen und Römer, die ja ebenfalls expandierten, dann der ganze Einfluss der alten Mittelmeerkulturen. Diese ganze unkoordinierte, komplizierte Geschichte … Ich habe die mythologische Figur aus ihrem eigenen Mythos heraus in weitere verschiedene Tableaus hineinstolpern lassen. Die ursprüngliche Idee war, dass sie in unterschiedlichen Zeiten wiedergeboren wird, sich ständig in anderen Szenen wiederfindet. Sie wird in Vergangenes und Imaginiertes hineinkatapultiert. Die erste Idee lag dann ein gutes Jahr auf Eis, weil ich zunächst „Diese Mauer fasst sich selbst zusammen und der Stern...

Die Dramatikerin Miroslava Svolikova über ihr Stück „europa flieht nach europa“ im Gespräch mit Thomas Irmer

Geschichte als Karneval

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Alles total anders

„Heute morgen, um 4 Uhr 11.“ Beats, Beats, Beats in Tokio, New York und Berlin. Ichentgrenzung und Zeitverlust. Über die Nacht herrschen die Maschinen. So war das Gefühl Mitte der neunziger Jahre, als der Autor Rainald Goetz auf seinen Trips durch die Clubs die Nachtseite der damaligen Gegenwart sezierte. Heute ist diese Subkultur zu einem Tool des City Marketings verkommen. Heiße Dates werden nicht mehr auf dem Dancefloor, sondern auf Tinder geschmiedet, während sich das Stakkato der industriellen Produktion zum Säuseln künstlicher Intelligenz gewandelt hat. Call me Siri oder Alexa. Entkörperlichte Stimmen. In der Tischlerei der Deutschen Oper Berlin ist die Sängerin Dorothea Herbert daher wie ein seltenes Exemplar ausgestellt. In einer gläsernen Kabine sitzend, singt sie Ausschnitte aus Erich Wolfgang Korngolds Oper „Das Wunder der Heliane“. Der Zuschauer sieht sie zwar, aber hört sie nicht, zumindest nicht so, wie es die Konvention der Oper verlangt. Ihre Stimme ist ortlos, wandert elektronisch verzerrt quer durch den Raum. Im Gefüge der Oper, wo Stimme und Körper derart emotional verknüpft sind, kommt dieser Moment einer Zertrümmerung gleich. Das Elektroduo Amnesia Scanner würde sagen: einer Umprogrammierung. Die Reihe Aus dem Hinterhalt der Deutschen Oper Berlin soll ein Beschuss der Oper aus verdeckter Stellung...

Wie die Reihe Aus dem Hinterhalt der Deutschen Oper Berlin und das Festival MaerzMusik Einblicke in die Factory des zeitgenössischen Komponierens bieten

4 Uhr 11

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Gerd Hartmann, Nicole Hummel, erinnern Sie sich noch, wann die Arbeit des Theaters Thikwa zum ersten Mal ausgezeichnet wurde? Gerd Hartmann: Gleich die erste Thikwa-Produktion der Mitgründerin Christine Vogt wurde 1991 ausgezeichnet, und zwar mit dem Karl-Hofer-Preis der Universität der Künste Berlin. Das war damals eine kleine Sensation, weil ja Menschen mit geistiger Behinderung zu der Zeit vielfach noch die „Kunstfähigkeit“ abgesprochen wurde. Nicole Hummel: In den neunziger Jahren wurde das, was wir machen, vor allem als sozialtherapeutisches Projekt marginalisiert. Hartmann: Theater und überhaupt Kunst von Menschen mit geistiger Behinderung hat damals in Pfarrsälen und als Freizeitbeschäftigung stattgefunden. Wir haben als Pioniere den Schritt vollzogen zu sagen, hier findet Kunst statt, und zwar inklusive Kunst, auch wenn es diesen Begriff damals noch nicht gab. Das hieß: zusammen mit professionellen Schauspielern. In unserer allerersten Produktion war zum Beispiel schon Adriana Altaras beteiligt. War der Impuls Ihrer Arbeit anfangs Opposition dagegen, nicht ernst genommen zu werden? Hartmann: Ich habe mein erstes Stück für Thikwa 1993 inszeniert – und zwar von vornherein in der Absicht, einen guten Theaterabend auf die Beine zu stellen. Ich hatte nie einen inklusiven Gedanken oder einen Aktion-Mensch-Blick. Generell war es immer unsere Stärke, dass Künstler zu uns gestoßen...

Gerd Hartmann und Nicole Hummel leiten das Theater Thikwa – was es so einzigartig macht, erzählen sie im Gespräch mit Patrick Wildermann

… und Action!

Berliner Chaos-Tage

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Pollesch ohne Pollesch

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

Autoren Juni 2018/Vorschau

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Ayad Akhtar ist als Sohn pakistanischer Eltern im Mittleren Westen der USA aufgewachsen. Bisher begab er sich in seinen Stücken wie „Geächtet“ meist auf das Konfliktfeld interkultureller Konfrontation. „Junk“ scheint da aus der Reihe zu fallen. Akhtar taucht darin ein in den US-amerikanischen Finanzkapitalismus. Die Hauptfigur, Bob Merkin, schuf der Autor nach realem Vorbild: Michael Milken galt als der „Junk Bond King“ der achtziger Jahre. Mit hochverzinslichen Schrottanleihen köderte er Investoren, um mit deren Geld feindliche Übernahmen kriselnder Unternehmen einzufädeln. Das Zinsversprechen war dabei allein mit dem Kapital der erst noch zu kaufenden Firmen zu halten. Eine hochriskante Wette auf die Zukunft. Aber im Erfolgsfall auch höchst profitabel. „Junk“ spielt also zu dem Zeitpunkt der Kapitalismusgeschichte, da sich der Finanzsektor von der Realwirtschaft abkoppelte. Milken heißt hier Merkin, und die Firma, die sich dessen Angriff ausgesetzt sieht, Everson Steel. Ein taumelnder Industrieriese mit glorreicher Vergangenheit. Befeuert wird die Geburt des Finanzkapitalismus im Stück durch die Aufstiegssehnsüchte religiöser und ethnischer Minderheiten. Hier kommt Akhtars Kernthema also doch ins Spiel. Firmenpatriarch Everson steht für das alte Amerika und die bröckelnde Dominanz weißer Männer. Merkin ist Jude. Unter den Beratern, Investoren und Spekulanten, die auf beiden Seiten mit in die Übernahmeschlacht ziehen, finden...

Deutsches Schauspielhaus Hamburg/Residenztheater München

Hamburg/München: Im Casino-Kapitalismus

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Nationalsozial-charaktermasken

Editorial

Es fällt alles auseinander und ist doch katastrophisch miteinander verbunden. Wie das? Es ist beides: Hier ist die Desintegration, die alles in Stücke haut und verteilt – dort tritt der Sog hinzu, der das Ungute mit dem verbindet, was auch nicht besser ist. Man nennt dies die Dialektik der Verschlimmerung, und die Preise steigen. Eben noch kostete ein Flug von Wien nach Berlin 63 Euro, nun sind es schon 270. Mieter können gar nicht tief genug sitzen, um zu verhindern, dass die Dielen sich versilbern und sie, instinktiv oder gezwungen, in bestehende Lücken kriechen, von wo aus sie keine Quelle mehr erreichen. Das Geld in seinen vielen erbärmlichen Summen ist stets etwa 60 000 Kilometer vom Standort der Bedürftigen entfernt. Das ist Routine, wie auch Haarausfall für viele Menschen Routine ist. Die Hotels sind seit wenigen Stunden nicht mehr erreichbar. Irgendwelche undurchsichtigen Systeme spucken winzige Zimmer in Außenbezirken für mehrere hundert Euro die Nacht auf das Display. Nur noch vier Plätze! Vier Plätze, während 42 000 Anfragen unsere Server überlasten, ihr lieben dürren Premiumkunden. Gesegnet seid ihr und dürr! Zukünftige Premiumkunden speicheln bitte sorgfältig die Kontakte ein und machen sich bereit, im Morgengrauen auf den verspäteten Airportexpress zu warten, der...

Reiserbüro Rinck: Das Unbewusste schaut raus

„Das lernen wir hieraus, daß handeln … die Seele der Welt sei … daß ohne denselben all unser Genuß all unsere Empfindungen, all unser Wissen doch nur ein Leiden, doch nur ein aufgeschobener Tod sind. Das lernen wir daraus, daß diese unsre handelnde Kraft nicht eher ruhe, nicht eher ablasse zu wirken, zu regen, zu toben, als bis sie uns Freiheit um uns her verschafft, Platz zu handeln“, schrieb Jakob M. R. Lenz um 1774. Die Umnachtung zwang ihn in einer Moskauer Seitenstraße nieder, als in Frankreich das Septembermassaker unter Justizminister Georges Danton der Revolution ihren gewaltigen Höhepunkt gab. Diese historischen Momente der Verzweiflung, das Ringen um Befreiung, das Scheitern, sind in dem Werk des jungen Dichters Georg Büchner in Beziehung gesetzt. Das Fragment-Festival Büchner in Leipzig widmete sich einer Gesamtschau seiner Werke unter der Leitung der Schaubühne Lindenfels in Kooperation mit dem Institut für Theaterwissenschaft der hiesigen Universität. Zu sehen waren unter anderem die Aufführungen „Lenz“, „Purge“ und „Georg Büchner Fragmentstück“. Mit „Purge“ – Französisch für „Säuberung“ – ist die Bearbeitung von „Dantons Tod“ der Straßburger Theatergruppe Dinoponera / Howl Factory übertitelt. Als Teil der „Trilogie des Ausnahmezustands“ hat sie es sich zur Aufgabe gemacht, mittels Büchners Stück eine...

Das Fragment-Festival Büchner an der Schaubühne Lindenfels Leipzig widmet sich einer Gesamtschau von Georg Büchner

Handeln zur Freiheit

Das Schild lügt nicht. „Schöne Aussicht“ verspricht es. Blickt man von der Anhöhe hinunter auf die Altstadt von Wasserburg, bietet sich in der Tat ein postkartenkitschiger Anblick: Eingefasst in eine Schlaufe des Inns ragen da Kirchtürme und historische Häuser in den Himmel. Und sofort erschließt sich einem das Motto, das sich das Theater Wasserburg in dieser Spielzeit gegeben hat: „Kein schöner Land“. Fürwahr, schöner geht’s kaum, die Idylle scheint nicht steigerbar. Aber natürlich lässt sich das Motto auch anders deuten. Als Negation: Nicht schön, die Verhältnisse, in denen wir heute leben! Kein schöner Land eben. Wasserburg am Inn liegt rund siebzig Kilometer östlich von München verkehrstechnisch schlecht angebunden etwas ab vom Schuss. Da droht Beschaulichkeit schnell in Behäbigkeit zu kippen. Umso bemerkenswerter also, dass es in dieser Kleinstadt mit gut 12 000 Einwohnern ein professionelles Privat - theater gibt, das sich nicht der Zuschauerbespaßung verschrieben hat und mittlerweile auch Münchner Publikum zieht. „Ich bin hier angetreten, um auf einem gewissen Niveau zu arbeiten, unter dem ich mir nichts gefallen lasse“, stellt Uwe Bertram, der künstlerische Leiter des Hauses, klar. „Das verstört manche, andere bindet es dafür umso enger.“ Auf halbem Weg zwischen Altstadt und „Schöner Aussicht“ am steil ansteigenden Inn-Ufer...

Siebzig Kilometer östlich von München gelegen, genießt das Theater Wasserburg die Freiheit jenseits der Großstadt

Die Cowboys von Oberbayern

Samtener Schutzraum

Darwin-Theater

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Drei Tage in Südkorea, dem diesjährigen Gastland des Heidelberger Stückemarkts Seoul. Eine der pulsierendsten Städte dieser Erde. Innerhalb weniger Jahrzehnte, nach dem zerstörerischen Koreakrieg (1950–53), wurde die Stadt mithilfe ihrer Bewohner wiederaufgebaut. Sie ist dabei in rasanter Geschwindigkeit zu einer hochtechnologisierten Megacity avanciert: Häuser wurden hochgezogen, um Wohnraum und Bürogebäude zu schaffen, die zahlreichen zerbombten Geschäfte wiedereröffnet, öffentliche Einrichtungen, vor allem Kulturstätten, neu aufpoliert. Auf das Wirtschaftswunder folgte ein farbenfroher...

Romeo und Julian

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Vorabfotos des Projekts „Brecht in der Auto-Werkstatt“

Helene Weigels Mercedes-Benz Ponton

In den sechziger und siebziger Jahren als Gegenentwurf zum Stadttheater gegründet, später partiell zu dessen Zwergenversion degeneriert, entwickelte sich die freie Szene in den letzten beiden Dekaden dank eigener Professionalisierungsschübe, eines immer differenzierteren Fördersystems und auch neuer Ausbildungsund Studiengänge zu einem Netzwerk aus Gruppen, Produktionshäusern und Festivalplattformen. Es wuchs zur zweiten Säule der Theaterlandschaft in Deutschland heran. Perspektivisch deutet sich eine Hybridisierung der Theaterlandschaft an, die selbst immer stärker hybride Verbindungen mit der ersten Säule, den Stadt- und Staatstheatern, eingeht. Das Licht eines einzelnen Scheinwerfers streift durch den Raum. Es tastet über die silbrig glänzende Oberfläche einer von Luft unterspülten Plastikplane, die den größten Teil des Bühnenraums der Berliner Sophiensaele einnimmt. Eine Performerin tritt auf und wirft kleine Objekte auf die geblähte Folie. Auf ihr breiten sich Wellenmuster aus, von kleinsten Bewegungen bis hin zu tsunamiartigen Dimensionen. So beginnt im Februar 2018 „Still Lives“, eine von der bildenden Künstlerin Naoko Tanaka konzipierte Reise in einen neuen Wahrnehmungs- und Assoziationsraum. Eine Menschenmenge wogt an Absperrgittern auf und ab. Polizisten beobachten das Geschehen. Plötzlich gibt ein Gitterfeld nach. Die Menge flutet auf den Rasen vor dem Berliner Reichstag. Erste Rasenstücke werden ausgestochen, Holzkreuze in den Boden gerammt. Die Aktion mit dem Titel...

Eine Standortbestimmung der freien darstellenden Künste – ästhetisch, strukturell und strategisch

Quo vadis, freie Szene?

Schau mal einer an

Das Theater Thikwa ist ein Theater des ungezähmten Spiels“, sagt die Jurorin Dorte Lena Eilers in ihrer Rede zur Verleihung des Martin-Linzer-Theaterpreises 2018. Mit dem jährlich von Theater der Zeit vergebenen Preis werden Ensembles oder freie Gruppen für herausragende künstlerische Leistungen ausgezeichnet. Das Theater Thikwa mit seiner Spielstätte in Berlin-Kreuzberg bewegt sich an den Rändern des Konventionellen, arbeitet mit behinderten und nichtbehinderten Spielern von höchster Eigenheit. Das zieht auch immer...

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Sabrina Zwach, Olaf Nicolai, am 18. Januar 1967 kauft Helene Weigel als Dienstwagen für das Berliner Ensemble einen Mercedes-Benz Ponton. In der DDR sind zu dieser Zeit die Auswirkungen des 11. Plenums des ZK der SED zu spüren, Künstler und Intellektuelle werden als Gegner des Sozialismus gebrandmarkt. Im Westen erreicht die Studentenbewegung ihre Hochphase. Muss dieser Wagen, der als erstes Mercedes-Modell der Nachkriegszeit für das Wirtschaftswunder der BRD stand, nicht wie eine rollende Provokation gewirkt haben? Sabrina Zwach: Helene Weigel war eine harte Verhandlerin. Sie hatte sowohl künstlerische als auch ökonomische Belange fest im Blick. Sie war Kommunistin, aber auch Österreicherin, was sie taktisch klug einzusetzen wusste. Werner Riemann, einer der ältesten Mitarbeiter des BE, hat uns erzählt, wie Weigel mit dem Mercedes Ponton ganz nach Belieben Dinge, Gedanken, Menschen über die so nah am BE gelegene Grenze habe transportieren können. Dieser Wagen konnte scheinbar mühelos alle Widerstände dieser Zeit überwinden. Ein Glücksvehikel. Ein transitorischer Ort. Olaf Nicolai: Weigel hat das Auto wohl wie ein Produktionsmittel verstanden, und davon wollte sie eben die besten haben. Sind für die Weltrevolution die besten Dinge nicht gerade gut genug!? Doch nicht einmal Walter Ulbricht fuhr so ein Auto – obwohl er gerne hätte....

Der Künstler Olaf Nicolai und die Dramaturgin Sabrina Zwach über Helene Weigels Mercedes Ponton und das Projekt „Brecht in der Auto-Werkstatt“ im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Helenes Auto

Wie er da in der schon starken Frühjahrssonne aus dem Bühneneingang tritt, einen Meter und sechsundneunzig Zentimeter groß, kräftig, leicht angegraut, sieht er aus wie ein typischer Hauptdarsteller, Marke Heldenspieler bei Feierabend. Das ist er auch, am Deutschen Nationaltheater in Weimar war er schon Mephisto, Nathan, Baumeister Solness, Oberst Butler und Dorfrichter Adam. Aber wenn Sebastian Kowski sie spielt, dann sind sie immer erschüttert in ihrem Selbstverständnis, gebrochene Charaktere. Obwohl Kowskis Nathan eben in der Sonntagnachmittagsvorstellung anfangs daherkam, als könnte ihn nichts erschüttern. Sein Haus ist abgebrannt, na und, baut er es eben schnell wieder auf. Recha, seine Ziehtochter, ist auf wundersame Weise gerettet worden, ein Glück, aber haltet euch nicht auf mit Sentimentalitäten. Dieser Nathan, im Anzug eines Geschäftsmannes, wirkt wie jemand, der immer einen vollen Terminkalender hat. Und legt ihm Lessing nicht die Worte in den Mund: „Begreifst du aber, wieviel andächtig schwärmen leichter als gut handeln ist?“ Dieser Nathan predigt nicht. Die Ringparabel, mit der er die gefährliche Frage nach der einzig wahren Religion abwehrt, ist kein pathetischer Aufruf zur Toleranz, sondern die erfahrungsweise Selbstrettung von einem, der sich – als Jude immer beargwöhnt und am Rande stehend – schon oft mittels Klugheit selbst retten musste. Dieser...

Der Schauspieler Sebastian Kowski zeigt am Nationaltheater Weimar klassische Hauptrollen als moderne Charaktere

Der pragmatische Held

Angstlos! Heimatlos?

Vorm Großen Haus gruppiert sich die Royal Family um eine Wanderbühne, einen sogenannten Thespiskarren. Allen voran der herrlich großmäulige Schauspieler Sebastian Brandes als König Gunther. Er verleitet Passanten zum Hingucken, aber auch Spielmann Volker, der hier der Puppenbauer und -spieler Michael Pietsch ist, lässt die Drachen tanzen. Letzterer ist ein guter Freund und langjähriger Kompagnon des Regisseurs Jan-Christoph Gockel. Gemeinsam haben sie schon viele Abende bestritten, wobei Pietsch in erster Linie die kunstfertigen Holzpuppen erschafft, oftmals Wiedergänger der Schauspielerinnen und Schauspieler. Diesmal stellt er sie in den Dienst der Nibelungensage. Locker nach Friedrich Hebbel und mit Einsprengseln von Heiner Müller wuchtet Hausregisseur Gockel den Stoff in Mainz auf die große Bühne und lässt sich dafür fast vier Stunden Zeit. In seinem ungestümen Zugriff hat das oft mehr von einer Fastnachtsposse als von einem Sagenstoff, doch vermutlich sind der Schnittstellen vieler. So beherrscht drinnen im Saal erst einmal wieder der Thespiskarren von draußen die Bühne. Imaginarium steht darüber. Am linken Rand hat sich der schwedische Musiker Andreas Catjar aufgebaut, der den Abend mit Musik von Ambient bis Kuschel untermalt und später auch noch als König Etzel in Erscheinung tritt. Auffälliger agiert der deutsche Sagenheld schlechthin, Siegfried, der in Mainz nicht blond...

Staatstheater Mainz: „Die Nibelungen“ nach Friedrich Hebbel. Regie Jan-Christoph Gockel, Bühne Julia Kurzweg, Kostüme Sophie du Vinage

Mainz: Eine Puppenhorde Hunnen

Ran ans Märchen! 

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Stef Lernous’ Freiburger Uraufführung ist ein sinnliches Gemälde. Es fesselt Auge und Ohr, vereint Spiel und Gesang. Freiburger Schauspieler und Opernsänger bilden zusammen mit Künstlern der belgischen Formation Abattoir Fermé das gemischte Ensemble. Die Freiburger Uraufführung wirkt durch die Kraft des Visuellen. Ein Handlungskontinuum gibt es nicht. Assoziationen sind das Bindeglied zwischen einem opulenten Bilderreichtum und dem Kopfkino der Zuschauer. Jedes Gemälde bedarf allerdings eines Rahmens. „Träumend plant der Geist seine eigene Wirklichkeit“, formulierte Kierkegaard. Das trifft mit Worten sehr präzise, was in Freiburg wortlos funktioniert. Der Anfang: Eine Frau in typischer Schwarzwaldtracht (Tine Van den Wyngaert) steht vor einem riesigen Bühnenvorhang, auf dem die farbige Zeichnung eines machtvollen Waldes bis zum Bühnenhimmel ragt. Die Farbpalette reicht vom kräftigen Herbstrot bis zu schwarzer Undurchdringlichkeit. Anziehend wirkt das, aber auch gefährlich. Van den Wyngaerts Gesang beschwört die Absolutheit des Traumes. Ihre Darbietung von Roy Orbisons „In Dreams“ gerinnt zum gellenden Schrei. Der Vorhang fällt und wird mit der Sängerin in ein Loch im Bühnenboden gezogen. Die Sicht auf eine albtraumhafte Szenerie wird frei: eine hölzerne Schwarzwaldstube, die Sven van Kuijk wie ein Filmset mit einer unendlichen Fülle an Details ausgestattet hat, samt Versatzstücken ländlicher Tradition wie Herrgottswinkel, Hirschgeweih und Ofen. Diese...

Theater Freiburg: „The Black Forest Chainsaw Opera“ (UA) von Stef Lernous. Regie Stef Lernous, Bühne Sven van Kuijk, Kostüme Stef Lernous und Ensemble

Freiburg: Die Absolutheit des Traumes

szenen und zwischenszenen europa flieht nach europa 1) die schwestern der zeit gerechtigkeit für alle (karneval) 2) traum einer empfängnis der unfall im wald ist ein gott, der wächst nach 3) chor der wissbegierigen die sonnengöttin ein stück für mindestens vier, besser noch fünf darsteller oder aber so viele wie möglich: am besten gleich das ganze ensemble. der chor der schwestern besteht aus zwei personen; die schwestern der zeit und die kleinen könige aus drei personen; der chor der putzkolonnen sowie der chor der wissbegierigen aus mindestens drei, die kinder aus mehreren personen. europa und der stier chor der schwestern die schwestern der zeit das leben die kleinen könige der gelehrte zwei bauern ein kind ein conquistador ein priester ein pfarrer chor der putzkolonnen der regenbogen der wissenschaftler chor der wissbegierigen die kinder usw. / ... / markiert chorisch gesprochenes. mehrfigurenpassagen werden ansonsten abwechselnd gesprochen. europa flieht nach europa europa ich bin mit meinen schwestern im wasser gewesen, wir haben kränze in die luft geworfen und über unsere köpfe gesetzt. wir standen knöcheltief im offenen meer, das sich lange in die weite streckt, bevor es an tiefe gewinnt. von weitem hat eine stierherde sich uns genähert. die erste...

ein dramatisches gedicht in mehreren tableaus

europa flieht nach europa

Meldungen

Das erste Mal sah ich sie in „Kroko“ von Sylke Enders – das ist der superste deutsche Film, den ich kenne – und ich fand sie unglaublich cool – ich sah Heidi Bruck – sie klopfte mit der Hand ein bisschen gegen eine Tür und sagte, sie sei wütend, weil ihre Mutter sie wieder nicht in der WG besuchen komme – ich dachte, das ist eine tolle Art, wütend zu sein – ich habe das später oft selbst versucht – am Ende des Films ist sie erlöst, denn sie erzählt, dass jemand ihr gesagt habe, sie solle sich nicht so verrückt machen – ich fand das einen super Vorschlag – auch Alexander Lange spielte in dem Film mit und war sehr, sehr lustig! – er spielte jemanden, der immer genervt ist, weil die anderen nichts kapieren – besonders lustig war er, als er den Abhang runterfährt. Einige Jahre später kam ich mit unserer Performancegruppe aus Togo (in Westafrika) bei „Lomé in Leuchtfarben und als Marshmallow“ zum ersten Mal live mit den Thikwas zusammen – nun war Heidi Bruck in echt dabei – und Peter Pankow – und Cornelia Glowniewski – wir hatten vier Tage Zeit, uns zu verständigen – die...

Die Thikwas und ich

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Figurationen im Film

Das Theater Thikwa ist ein Theater des ungezähmten Spiels. Wo sich andernorts Handwerk, Technik, Theorie, mitunter gar Routinen in den Vordergrund drängen, trifft man hier auf ein Spiel, das anderen Regeln folgt. Wenn es überhaupt Regeln kennt oder folgt. Das Ensemble des Theater Thikwa besteht aus lauter Charaktertypen, aus einer Gruppe von Künstlern höchster Eigenheit, die sich in den seltensten Fällen in eine klar umrissene Rolle pressen lassen. Sie repräsentieren...

Martin Linzer Theaterpreis 2018

Der Notfall als Prinzip

Die digitale Masse

Der Künstler Olaf Nicolai und die Dramaturgin Sabrina Zwach über Helene Weigels Mercedes Ponton und das Projekt „Brecht in der Auto-Werkstatt“ im Gespräch mit Dorte Lena Eilers Sabrina Zwach, Olaf Nicolai, am 18. Januar 1967 kauft Helene Weigel als Dienstwagen für das Berliner Ensemble einen Mercedes-Benz Ponton. In der DDR sind zu dieser Zeit die Auswirkungen des 11. Plenums des ZK der SED zu spüren, Künstler und Intellektuelle werden als...

Am 29. Mai erhielt der schottische Schriftsteller John Burnside für „Coldhaven“ in Köln den Hörspielpreis der Kriegsblinden, die renommierteste Auszeichnung für dieses Genre im deutschsprachigen Raum. Die Geschichte um das Verschwinden von zwei jungen Menschen in einem fiktiven Dorf an der Küste Schottlands wurde für den produzierenden SWR geschrieben, von Bernhard Robben und Klaus Buhlert übersetzt und von Letzterem auch fürs Radio inszeniert. Auf den ersten Blick eine dörfliche Kriminalgeschichte, holt Burnside gleich nach zwei Seiten aus: Zum einen verwebt er die ländliche Lebenswelt mit den Legenden und Gespenstergeschichten der schottischen Folklore, zum anderen beweist der Autor einen scharfen Blick für den Zerfall der Dorfgemeinschaften im Sog der Globalisierung. Darin lässt sich das mit Corinna Harfouch, Astrid Meyerfeldt und Felix Goeser als Erzähler hochkarätig besetzte Stück sogar auch politisch verstehen: als Parabel über den menschliche Beziehungen zersetzenden Verdacht in Zeiten ungeklärter Fakten. Buhlert hat vor allem mit ungewöhnlichen Sounds gearbeitet, die etwa als hyperrealistische Plätscherlaute die Atmosphäre des Unheimlichen bereichern und so zu dem Klangkunstwerk Hörspiel beitragen. Aus einem breiten Jahrgang ragten in den Schlussvoten noch zwei weitere Stücke heraus. Jan Wagners „Gold. Revue“ (Deutschlandfunk / SWR) ist eine ungewöhnlich erzählte Geschichte des wertvollen Metalls. Von seinen Anfängen im Erz...

John Burnsides „Coldhaven“ wird mit dem Hörspielpreis der Kriegsblinden ausgezeichnet

Vom Ende der Dörfer, vom Ende des Lebens

Das Theater mit den Finanzen

Die performative Baustelle

Staatstheater Nürnberg: Globaler Zelluntergang

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

Ausgestopft und mit kalten Glasaugen stehen ein Tiger und ein Löwe im Haus der Schriftsteller in Tiflis. Neben den Trophäen erschoss sich am 22. Juli 1937 der Dichter Paolo Iaschwili. Vor der Schriftstellergewerkschaft sollte er einen Kollegen denunzieren. Deshalb wählte er den Suizid. Säuberungsaktionen des Diktators Josef Stalin fielen allein in Georgien 150 Künstler zum Opfer. Ihre Geschichten betrachtet der 36-jährige Autor Davit Gabunia im Stück „Tiger und Löwe“, das am Staatstheater Karlsruhe uraufgeführt wurde. Dem georgischen Regisseur Data Tavadze, Preisträger des Fast Forward Festivals 2016 in Braunschweig, gelingt ein zeitloses Plädoyer gegen das Vergessen. Der kritische Blick auf den schwierigen Umgang der Georgier mit ihrer Vergangenheit kommt jedoch zu kurz. Die Koproduktion mit dem Royal District Theatre Tiflis schließt Lücken in der kollektiven Erinnerung. Bereits 2015 kam mit „Stolpersteine Staatstheater“ ein Stück über jüdische Künstler in Karlsruhe heraus, die von den Nationalsozialisten vertrieben und ermordet wurden. Das Dokumentartheater von Hans-Werner Kroesinger und Regine Dura war 2016 zum Berliner Theatertreffen eingeladen und tourte in viele Länder. Nun fällt der Blick auf Stalins Heimat Georgien. Bis zum Ende der Sowjetunion wurde er nicht nur dort verehrt. Gerade die ältere Generation tut sich bis heute schwer, die Verbrechen seiner Diktatur zu benennen....

Badisches Staatstheater Karlsruhe: „Tiger und Löwe“ (UA) von Data Tavadze und Davit Gabunia. Regie Data Tavadze, Ausstattung Sebastian Hannak

Karlsruhe: Der gesenkte Blick

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Theater ist überlebensnotwendig

Unabhängig davon, wie man zu der Aktionsgruppe mit dem prätentiösen Namen Zentrum für Politische Schönheit (ZPS) stehen mag, wird man nicht leugnen können, dass nahezu jede Aktion des ZPS in einer breiteren Öffentlichkeit kontrovers diskutiert wurde. Man mag das selbst schon für ein Anzeichen von Qualität halten, wobei es zunächst nur einen Erfolg im Ringen um das knappe Gut der medialen Aufmerksamkeit anzeigt. Man kann der Gruppe also zugutehalten, dass sie es in der Disziplin Inszenierung von Eklats zu einiger Meisterschaft gebracht hat, wie die unter anderem für das Maxim Gorki Theater Berlin tätige Autorin Mely Kiyak in dem kürzlich erschienenen Buch „Haltung als Handlung. Das Zentrum für Politische Schönheit“ konstatiert. Das ZPS hat ein feines Gespür dafür, wie sich mit gezielt inszenierten Verletzungen der Konventionen des Medien- und Politikbetriebs Aufmerksamkeit erregen lässt. Über die Zwecke, die damit verfolgt werden, wird noch zu sprechen sein. Das ZPS reklamiert für sich selbst einen „aggressiven Humanismus“ und beabsichtigt ja durchaus, mit jedem inszenierten Skandal auf einen zugrunde liegenden Skandal der gesellschaftlichen Wirklichkeit zu verweisen. Von der Inszenierungspraxis erinnert das ZPS an den Fotografen Oliviero Toscani, der in den neunziger Jahren mit Bildern von blutbeschmierten Neugeborenen, zum Tode verurteilten Inhaftierten, blutdurchtränkten Uniformen mit...

Das Buch „Haltung als Handlung“ versammelt und dokumentiert alle bisherigen Arbeiten des Zentrums für Politische Schönheit

Aufklärungsstandort Deutschland

Brennender Schatten

Staatstheater Mainz: Apfelstrudel aus der Tube

Sollte man sich eigentlich geschmeichelt fühlen, wenn ein ausgewiesener Intellektueller wie der Chilene Roberto Bolaño mit spürbarem Respekt deutsche Kunst und Kultur zitiert? Leibniz, Kant, Hegel; Bach (Franzosen sagen: „Back“), Mozart, Beethoven; Goethe, Schiller, Hölderlin – nicht nur einmal werden diese Namen im Roman „2666“ des Schriftstellers, der von 1953 bis 2003 lebte, genannt. Und da die Adaption des jungen Franzosen Julien Gosselin der Vorlage konsequent folgt, entsprechend oft auch an diesem Theaterabend oder besser -tag, der sich über zwölf Stunden erstreckt (drei Stunden Pausen inklusive). Im fünften und letzten Teil kommt dann ein ehemaliger NS-Offizier zu Wort, der berichtet, wie er in Polen eine große Zahl griechischer Juden habe exekutieren lassen und sich zugutehält, dass einige von ihnen, dank seiner Großzügigkeit, hätten fliehen können. Dieser Monolog wird in einem glasklaren, gut artikulierten, wenn auch nicht akzentfreien Deutsch vorgetragen. Bolaños postum veröffentlichtes Werk besteht aus fünf großen Teilen. Vor allem geht es um den fiktiven deutschen Schriftsteller Benno von Archimboldi, eigentlich Hans Reiter, geboren 1920, angeblich der bedeutendste deutschsprachige Autor des 20. Jahrhunderts (es wird dann relativiert: nach Kafka), der in völliger Zurückgezogenheit an einem unbekannten Ort lebt. Im zweiten Erzählkomplex steht eine Figur im Mittelpunkt, die sich als Reiters...

Schauspiel Köln: „2666“ nach dem Roman von Roberto Bolaño. Regie Julien Gosselin, Bühne Hubert Colas, Kostüme Caroline Tavernier

Köln: Die Frauen von Santa Teresa

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

Eine Wette auf die Zukunft

TdZ on Tour

R Ä U M E

Ein Gespräch über Gegenwart und Perspektiven der freien darstellenden Künste – mit Claudia Bosse vom theatercombinat Wien, Tina Pfurr vom Ballhaus Ost und LAFT Berlin sowie Simon Kubisch von der Gruppe KGI mit Tom Mustroph und Dorte Lena Eilers Dorte Lena Eilers: Claudia Bosse, Tina Pfurr, Simon Kubisch, Sie sind aus künstlerischen Gründen in die freien Szene gegangen, teils eher zufällig, teils nach frustrierenden Erfahrungen im Stadttheater. Sie haben sich...

Wir müssen leider Anträge schreiben

Fünf Jahre Armin Petras: Kaum angefangen, sind sie – wusch! – auch schon wieder vorbei. Fast zumindest. In diesen Tagen redete man in Stuttgart viel über Berlin. Genauer gesagt, über den Petras-Stellvertreter Klaus Dörr, der, zunächst als geschäftsführender Direktor ins Dercon-Team an die Volksbühne geholt, nun nach dessen Abgang das Haus als Übergangsintendant und Krisenmanager leitet. Kein Wunder, dass im Suchlauf nach möglichen Dercon-Nachfolgern sehr häufig Armin Petras genannt wurde, der im Sommer Stuttgart verlässt. Denn Dörr ist seit zwölf Jahren Petras-Vize, von Gorki-Zeiten bis aktuell in Stuttgart. Seine Berufung nach Berlin, so orakelten einige, könnte eine Weichenstellung in Richtung Petras sein – auch ein Leitungskollektiv scheint nicht ausgeschlossen. Doch Petras, von Theater der Zeit Mitte April zur Dercon-Nachfolge befragt, will erst mal an seinem Vorhaben festhalten, nach Jahren der Nonstop-Leitungsverantwortung kürzer zu treten und nicht sofort in die nächste Intendanz zu hetzen. Ab kommender Spielzeit ist er als Hausregisseur in Bremen verpflichtet. Die Frage nach einer neuen Intendanz, so Petras, schließe er nicht aus, doch sie stelle sich ihm eher später als früher. Abschied und Aufbruch In Stuttgart herrscht derweil Abschiedsstimmung, die ja immer auch gleichzeitig Aufbruchsstimmung ist. Die Geschichte der Ära Petras verlief, wie in vielen Fällen, im...

Nach einem starken Start und den Mühen der Ebene folgt nun der Endspurt – Armin Petras hat in den fünf Jahren seiner Intendanz am Schauspiel Stuttgart eine große ästhetische Vielfalt eröffnet

Kreative Unruhe

Guy Montag will sich aus den Fängen einer Feuerwehr, die Bücher verbrennt, statt Brände zu löschen, befreien. Seine Frau Mildred hingegen nicht. Sie erstickt ihre Gewissensbisse im Luxus. In Ray Bradburys dystopischem Roman „Fahrenheit 451“ aus dem Jahr 1953 findet der Regisseur Wilke Weermann viel von der Lebenshaltung seiner Generation wieder. „Der Trend zu Landlust und anderen Wohlfühlfluchten ist bedenklich“, sagt der 25-Jährige, der die politische Krise der Gegenwart mit Sorge verfolgt. Ums Bauchgefühl allein dürfe es keinem mehr gehen. Deshalb bezieht er in seinen Arbeiten deutlich Position. In Bradburys Text fügt Weermann eigene Passagen ein, die seine Sicht spiegeln: „Es ist kein Zufall, dass eine Gesellschaft, die alles wegwirft, nachdem sie es benutzt hat, eine Gesellschaft der Einwegtaschentücher, auch eine Gesellschaft ist, die sich nicht erinnern mag.“ Diese Geschichtslosigkeit macht ihm Angst. Mit seiner Inszenierung des modernen Klassikers „Fahrenheit 451“ am Schauspiel Nord des Staatstheaters in Stuttgart führt Weermann den Zuschauern ihre Ignoranz vor Augen. Sie tragen Funkkopfhörer, aus denen seichter Jazz der fünfziger Jahre ertönt. Zugleich spielen sich auf der Puppenheimbühne von Johanna Stenzel düstere Szenen ab. Die Sprache ist von den Körpern getrennt, die Menschen verlieren ihre Stimmen. Texte werden über Mikrofone eingespielt. Mit dieser Theatersprache fordert...

Der Regisseur und Autor Wilke Weermann erforscht neue Möglichkeiten des Theaters im Digitalzeitalter

Gegen Wohlfühlfluchten

Das Ährenfeld als stille Utopie

Schauspiel Essen: Unnachgiebig behutsam

Regionalität sollte nicht mit Provinzialität verwechselt werden. Eine sächsische Kulturraumbühne wie das Deutsch-Sorbische Volkstheater Bautzen hat in der jüngsten Vergangenheit gezeigt, dass sie Gegenwartsthemen ambitioniert aufgreifen kann, ohne im hausbackenen Folklorismus steckenzubleiben. „Mein vermessenes Land“ von Jurij Koch und Oliver Bukowskis „Birkenbiegen“ bearbeiteten den Kohlefraß am Sorbenland beziehungsweise Abwanderung und Strukturwandel in der Lausitz. So gesehen konnte man von den „Lausitzer Quartieren“ so etwas wie ein Lausitzer Nationalepos erwarten. Ein Stück, das den gleich von drei Bühnen in Cottbus, Senftenberg und Bautzen ausgeschriebenen Theaterpreis Lausitzen gewinnt, kann wohl kaum danebenliegen. Überdies verspricht es einen weiten Bogen über zweihundert Jahre Regionalgeschichte zu schlagen. Doch gerade an der großen illustrierten Lausitzgeschichte verschluckt sich der im Bautzener Haus gut bekannte und erfahrene Leipziger Autor Ralph Oehme. An der Idee, am Plot gibt es eigentlich nichts zu meckern. Der Autor stellt ein und dieselbe fiktive Vater-Mutter-Kind-Familie in vier historische Umbruchzeiten. Er lässt sie arbeiten, feiern, leiden, politisch umherirren und überleben. 1815 bezahlen sie in der Lausitz für die sächsische Paktiererei mit Napoleon mit der Abtretung schlesischer Gebiete an Preußen. Nach dem Ende des Ersten Weltkrieges beißen sich die Arbeiter-und-Soldaten-Räte am sorbischen Nationalismus die Zähne aus. 1945 gilt es, sich flugs mit den sowjetischen Besatzern...

Deutsch-sorbisches Volkstheater Bautzen: „Lausitzer Quartiere oder Der Russe im Keller“ (UA) von Ralph Oehme. Regie Lutz Hillmann, Ausstattung Miroslaw Nowotny

Bautzen: Mir fährt das Karussell zu schnell

Dramaturgie der Solidarität

Vor gut einem Jahr hat der Postbote die bislang letzte Post von A. in einer Fensternische meiner Unterkunft abgelegt. Auf der Postkarte, hergestellt im S. Fischer Verlag Frankfurt, steht mit gelber Schrift auf schwarzem Grund: „Das Theater ohne Schriftsteller ist ein Theater der Hanswursten.“ Herbert Achternbusch Gelb ist meiner Erinnerung nach eine von zwei Lieblingsfarben des A. Die andere ist blau. Gemischt ergeben sie schwarz. Theater war nicht das bevorzugte künstlerische Ausdrucksmittel unter den mindestens fünf, derer sich A. bedient hat, um was zu tun und dabei trotzdem nicht zu arbeiten, bevor er sich vor einigen Jahren ins vorfinale Garnichts-mehr-Tun zurückgezogen hat. Zuvor hat er in den circa fünfzig Jahren seines Tuns ein Gesamtwerk aus etwa dreißig Filmen, bis zu dreißig Theaterstücken (von denen weit über die Hälfte aufgeführt worden ist), zahllosen Prosatexten und Romanen und einigen hundert Bildern und Plastiken geschaffen. Trotz seiner reservierten Haltung dem Theater gegenüber wählte er seine Lieblingsfarben, um mit diesem Satz dem Theater und seinen zurzeit vergessenen Schriftstellern einen letzten, provokanten Rempler zu geben. Aus einer Zeit kommend, in der Dichter im Auftrag ihrer aristokratischen Auftraggeber das Ansehen feudaler Herrschaft zu mehren hatten und nicht zu kritisieren, hatte der Hanswurst die Rolle des Nichteinverstandenen...

Warum die Münchner Kammerspiele nicht mit der Berliner Volksbühne vergleichbar sind

Dorfrichter und Hanswurst

Juni 2018

Premieren

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Dorte Lena Eilers: Claudia Bosse, Tina Pfurr, Simon Kubisch, Sie sind aus künstlerischen Gründen in die freie Szene gegangen, teils eher zufällig, teils nach frustrierenden Erfahrungen im Stadttheater. Sie haben sich dort weiterentwickeln können, auch die freie darstellende Kunst hat sich weiterentwickelt. Dennoch scheint es, als produziere die Erfolgsgeschichte auch Nachteile. Wie schätzen Sie das ein? Claudia Bosse: Ich glaube inzwischen, dass die Gründe, weswegen ich mich für die freie Szene entschieden habe, gar nicht mehr existieren. Das betrifft die Zeit, die man für Arbeitsprozesse zur Verfügung hat, und damit die Sorgfalt. Die organisatorische Arbeit gewinnt gegenüber der künstlerischen die Oberhand. Die Veränderung der kuratorischen Praxis in den Produktionshäusern oder die Mittelvergaben in Wien etwa führen aus meiner Sicht zu einer Reduktion der Autonomie des Künstlers. Tom Mustroph: Dabei ist die Förderung doch quantitativ und qualitativ mehr geworden, in Berlin beispielsweise hat die rot-rotgrüne Regierung den Kulturetat um 15 Prozent erhöht, die Infrastruktur als solche ist gewachsen. Wie erklären Sie sich das? Bosse: Die Mittel sind nicht mehr geworden, zumindest nicht in Wien, sondern stagnieren seit 16 Jahren beziehungsweise sind rückläufig. Hinzu kommt eine kulturpolitisch intendierte Bündelung freier Künstler an Produktionshäusern. Themensetzungen erfolgen immer mehr über Kuratoren und über die...

Über Gegenwart und Perspektiven der freien Szene – Claudia Bosse vom theatercombinat Wien, Tina Pfurr vom Ballhaus Ost und LAFT Berlin sowie Simon Kubisch von der Gruppe KGI im Gespräch

„Es ist selten, dass man auf jemanden trifft, der die Stille komponiert“, sagte Robert Wilson anlässlich der Uraufführung von Arvo Pärts „Adam’s Passion“ 2015 in Tallinn. Wilson kennt die Musik von Pärt seit den frühen achtziger Jahren und schätzt an dessen Kompositionen vor allem den „geistigen Raum, den sie schaffen – einen Raum ungeheurer Freiheit“. Beide begegneten sich im November 2009 während einer Audienz bei Papst Benedikt XVI., bei der in der Sixtinischen Kapelle auch Werke von Pärt aufgeführt wurden. Damals entstand die Idee einer Zusammenarbeit, die schließlich zu „Adam’s Passion“ führte. Das Werk besteht aus der Wilson gewidmeten „Sequentia“ von 2014, „Adam’s Lament“ von 2010 nach einem Text des Heiligen Siluan von Athos, dem Pärt-Klassiker „Tabula rasa“ von 1977 sowie dem „Miserere“ nach dem Psalm 50 von 1989. Die deutsche Erstaufführung war ein nachträglicher Höhepunkt des Festivals Baltikum, mit dem der Intendant des Konzerthauses Berlin, Sebastian Nordmann, und sein Chefdirigent Iván Fischer in diesem Frühjahr Komponisten, Orchester und Solisten aus Estland, Lettland und Litauen vorstellten. Wilson hat für diese Berliner Fassung eine Guckkastenbühne mit blauer Opera (eine kompakte, aber gleichzeitig transparente Rückwand) ins Konzerthaus gebaut, von der ein Steg bis in die Mitte des Zuschauerraums führt. Das Konzerthausorchester und...

Konzerthaus Berlin: „Adam’s Passion“ von Arvo Pärt und Robert Wilson. Regie und Bühne Robert Wilson, Kostüme Carlos Soto

Berlin: Bilder der Stille

Anfangszeiten der Inklusion

Federico Fellini schrieb sie auf, Franz Fühmann auch – Träume, die oft nicht von Albträumen zu unterscheiden sind. Was sich darin abspielt, bedient sich zwar unserer taghellen Logik, bleibt aber einer anderen Wirklichkeit verhaftet: der Nachtseite unserer Existenz. Der surreale Gestus von Fellinis „Schiff der Träume“ hat eben auch damit zu tun, dass ein Schiff eine Art künstliche Insel ist, eine Realität in einer anderen, viel größeren Realität, der des Meeres ausgesetzt. Darum ist die Seefahrt immer eine gefährliche Sache, selbst auf einem Luxusliner wie der Gloria N. – oder gerade auf diesem schwimmenden Oberschichtenbollwerk? Konstanze Lauterbach hat mit ihrer Inszenierung von „Schiff der Träume“ am Volkstheater Rostock die Herausforderung angenommen, die in Nietzsches Ruf „Auf die Schiffe, ihr Philosophen!“ liegt. Was meinte er damit? Sollten sie sich ihre abstrakten Kategorien vom Sturm unterwegs aus den Köpfen blasen lassen, oder wollte er sie zu anderen Kontinenten schicken, gar in die Verbannung auf eine einsame Insel? Die Kombination von geschlossener Gesellschaft, Schiff und Meer bietet unendlich viele Assoziationsmöglichkeiten, zumal an vorhersehbarer Stelle dann auch noch das Störelement Schiffbrüchige hinzukommt. Wesentlich für das Gelingen der Inszenierung wäre nun, diese Traumfacetten immer wieder auf die ihnen zugrunde liegende schnöde Realität zurückzuverweisen und mit...

Volkstheater Rostock: „Schiff der Träume“ nach Federico Fellini. Regie und Kostüme Konstanze Lauterbach, Bühne Ariane Salzbrunn

Rostock: Schwimmendes Panoptikum

Eine Frau bringt ihrem Bruder die Nachricht vom Tod des Vaters. Man hat sich lange nicht gesehen, anfangs sind Schüchternheit und Entfremdung spürbar, aber nach und nach setzt sich ein Gefühl der Solidarität, der „Brüderlichkeit“ an die Stelle der Distanz. Die Schwester (Amal Omran) wird den Bruder, einen schlanken, bärtigen Mann (Houssein Almoreey), sogar zärtlich umarmen, auf der Suche nach Geborgenheit. Der tote Vater, „großgewachsen und gutaussehend“, war Offizier in der syrischen Armee. Der Riss, der durch die Gesellschaft geht, spaltet auch die kleine Familie. Das Stück von Rafat Alzakout und Amal Omran, die auch die Schwester spielt, heißt „Ya Kebir“, zu Deutsch: „Oh Herr!“ Der Herr ist offenbar (auch) der Vater. Später in der Publikumsdiskussion im Theater an der Ruhr wird jemand feststellen, dass vermutlich jeder in Syrien ein Tagebuch über den Bürgerkrieg verfassen könne, von dem der Bruder in „Ya Kebir“ meint, dass er nie zu Ende gehen werde. Eine Art imaginäres kollektives Journal ist die Basis für diesen Text des Collective Ma’louba – aber auch für jedes andere Stück, das im Rahmen des kleinen Festivals Theaterlandschaft Mittelmeer zur Aufführung kam, ob aus Irak, Libanon, Syrien oder Tunesien. So ähnlich sind einander die Erfahrungen, die die Menschen in...

Die Theaterlandschaft Mittelmeer am Theater an der Ruhr zeigt Stücke aus Nordafrika und dem Mittleren Osten, die vor allem eines thematisieren – Gewalt

Bleierne Zeit

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

Guilt-Trip durchs Vogtland

Seoul. Eine der pulsierendsten Städte dieser Erde. Innerhalb weniger Jahrzehnte, nach dem zerstörerischen Koreakrieg (1950–53), wurde die Stadt mithilfe ihrer Bewohner wiederaufgebaut. Sie ist dabei in rasanter Geschwindigkeit zu einer hochtechnologisierten Megacity avanciert: Häuser wurden hochgezogen, die zahlreichen zerbombten Geschäfte wiedereröffnet, öffentliche Einrichtungen, vor allem Kulturstätten, neu aufpoliert. Auf das Wirtschaftswunder folgte ein farbenfroher Kapitalismus. Südkorea, einst eines der ärmsten Länder der Welt, transformierte in Rekordzeit zu einem gewaltigen Handelszentrum. Eine Wiedervereinigung mit dem totalitär geführten Nordkorea ist trotz der derzeitigen Entspannungspolitik bislang nicht in Sicht – der Wunsch danach aber beständig groß. Könnte das ehemals geteilte Deutschland dafür ein Vorbild sein? Das Interesse am kulturellen Austausch zumindest ist offensichtlich, wie die große Anzahl an Journalisten zeigt, die zur Pressekonferenz des Heidelberger Stückemarkts 2018 in Seoul gekommen sind. Südkorea ist in diesem Jahr Gastland. Die beiderseitigen Erwartungen sind dabei sehr hoch, die Stimmung ist euphorisch, nahezu optimistisch. „Unser Anliegen ist es, Theaterszenen miteinander zu vernetzen und den Dialog zu fördern“, sagt Marla Stukenberg, die Leiterin des Goethe-Instituts Korea. Gemeinsam mit dem Arts Council Korea soll ein langfristiges Netzwerk geschaffen werden. Es geht um Austausch und gegenseitige Unterstützung. In Südkorea wird Theater mit dem Herzen gemacht. Wer die gesellschaftlichen Probleme verstehen...

Drei Tage in Südkorea, dem diesjährigen Gastland des Heidelberger Stückemarkts

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

„L’Orfeo“ erklingt in der Psychiatrie. In einem Wasserspeicher im Berliner Stadtteil Prenzlauer Berg öffnet sich die Tür zu Dantes „Inferno“. Monteverdi findet sich in der Wrestling-Arena wieder. Und Carmen trägt kein rotes Kleid. Wo das Berliner Musiktheaterkollektiv glanz&amp;krawall zu Werke geht, muss man eines jedenfalls nicht fürchten: Opernkonventionen. Jenseits von Plüsch und Pomp schafft die Gruppe Produktionen, „die niedrigschwelliger sind und sich nicht diesen elitären Anstrich geben“, wie es Regisseurin Marielle Sterra ausdrückt. Die ist im Verbund glanz&amp;krawall, zu dem im Kern noch der Dramaturg Dennis Depta und die Bühnenund Kostümbildnerin Kim Scharnitzky gehören, passenderweise auch die einzige Künstlerin mit Ausbildung in klassischer Musik. Sterra studiert in Zürich und an der Berliner Hochschule für Musik „Hanns Eisler“, wo sie wegen einer unglücklichen Fügung die Einzige in ihrem Jahrgang war – und schon deshalb früh auf die Suche nach Kollaborationen ging. Mit Depta, der neben dem Theater in einer Indierock-Band spielt, und Scharnitzky, die ihre Profession unter anderem an der Technischen Universität Berlin gelernt hat, arbeitet Sterra seit 2014 am Grenzabbau zwischen E- und U-Kultur. Das ist im schubladenverliebten deutschen Kulturbetrieb bekanntlich eines der härteren Unterfangen. „Wir versuchen, Krawall in den Musiktheaterbetrieb zu bringen, aber auch den Glanz ins Schauspiel“, beschreibt...

Das Berliner Musiktheaterkollektiv glanz&krawall erkundet den Grenzbereich zwischen E- und U-Kultur

Jenseits von Plüsch und Pomp

The Ghost, The Voice, The Faceless

Das Schöne an La Ribot ist, dass sie keine Tabus kennt – deshalb ist ihre Kunst so subversiv und hintergründig wie kaum eine andere in der zeitgenössischen Tanz- und Performance-Szene Europas. Sie probiert ihre Themen stets am eigenen Körper aus, den sie nackt oder bekleidet, entfesselt oder unterwürfig in den Ring schickt, um Position zu beziehen im Krieg der Geschlechter und Bekenntnisse. Diese Positionen sind nachdrücklich radikal, doch ohne Verbissenheit, oft humorvoll, aber nie bequem. In ihrem frühen Solo „Se vende“ (1997) trägt sie ein Schild mit der Aufschrift „Zu verkaufen“ vor der Brust und einen hölzernen Klappstuhl vorm Geschlecht, der sie mit heftigem Auf- und Zuklappen bedrängt und beim Orgasmus mit den Scharnieren quietscht. Das ist komisch und schrecklich zugleich, Inbegriff der Ribot’schen Konzeptkunst avant la lettre. Tatsächlich hat sie Strömungen wie Konzepttanz oder Live Art miterfunden, ohne sich dessen recht bewusst zu sein. Sie experimentiert bis heute mit vielen Formen, ohne sich um gerade angesagte Moden zu scheren, aber bei einem Gastspiel im Londoner Institute of Contemporary Arts, der Wiege der Live Art, stieß sie mit dem Zeitgeist zusammen und wurde von diesem vereinnahmt. Dabei, das muss hier gesagt werden, sind ihre konzeptionellen Ansätze so viel intelligenter,...

Die Choreografin La Ribot kennt keine Tabus und schickt ihren Körper nackt oder bekleidet, entfesselt oder unterwürfig in den Ring

Solo!

Die Zukunft nebenan

Ein Bild bleibt: Christine (Agnes Kammerer) klebt am Boden fest, im Halbkreis um sie herum die männlichen Bewohner des Hotels, stehend. Sie reden ihr ein, sie sei mit jedem von ihnen intim gewesen. Das Mädchen, das seiner Wahrnehmung nicht mehr trauen kann, zuckt wie eine Fliege in der Falle. Der schräg gekippte Spiegel an der Bühnenrückseite zeigt das Geschehen als Draufsicht, lässt das Publikum die dominante Männerperspektive einnehmen. Eine ausweglose Situation, und doch wird Christine die Einzige sein, die der klebrigen Hotelfalle am Ende des Abends entkommt. Was ihr dabei hilft, ist das, was im Hotel Mangelware ist: Geld. In das Hotel „Zur schönen Aussicht“ kommt schon lange kein Gast mehr. Einzig Ada Freifrau von Stetten bewohnt eines der Zimmer und tyrannisiert dabei genussvoll die männliche Belegschaft. Die Herren haben ihr Geld entweder verspielt wie ihr Bruder Emanuel, schlecht investiert wie Hoteldirektor Strasser oder sind Bedienstete. Und so geben sie für Ada die Marionetten, oder besser „Sklaven!“, wie diese freudvoll ausruft, und stecken in der ehemaligen Idylle fest. Sinnbild dafür ist die Bühne, über die Stefanie Grau eine zuckerwattefarbene Klebeschicht verteilt hat, die jeden Schritt zur Mühsal macht. Die besonders durchtriebenen Figuren Horváths bekommen gar extra Gaffa-Tape unter die Schuhe,...

Oldenburgisches Staatstheater: „Zur schönen Aussicht“ von Ödön von Horváth. Regie Lucia Bihler, Bühne Stefanie Grau, Kostüme Leonie Falke

Oldenburg: Klebrige Angelegenheit

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Carena Schlewitt, als Sie 2008 als Leiterin der Kaserne Basel antraten, lag das Haus am Boden. Was hatte Sie daran gereizt, trotzdem nach Basel zu kommen? Ich bin sehr offen und direkt an die Aufgabe herangegangen, ohne vorher im Netz bis in die Tiefen zu recherchieren, wie man es vielleicht heute machen würde. Für mich waren das interdisziplinäre und freie Produktionsund Gastspielhaus mit Theater, Tanz und Musik sowie die Kulturregion reizvoll. Und es war meine erste Leitungstätigkeit. Und diese Lust ist Ihnen nicht vergangen, als Sie sich dem Schuldenberg gegenübersahen? Ich hatte tatsächlich nicht nur einen Neustart, sondern auch eine schwierige Geschichte zu bewältigen. Da habe ich mich schon manchmal gefragt, ob ich mich auf die Aufgabe eingelassen hätte, wenn ich das alles gewusst hätte. Es waren zu Beginn zweieinhalb harte Jahre, bis das Haus 2010 eine erste Subventionserhöhung entgegennehmen konnte. Und auch dann war noch ein weiter Weg zu gehen. Auch um die freie Szene stand es nicht sonderlich gut. Ich wurde anfangs oft darauf angesprochen, dass es in Basel ja fast keine freie Szene gibt. Aber unser Dramaturg Tobias Brenk und ich haben sehr schnell verschiedene Einzelfiguren, Künstler verschiedener Genres getroffen und sie nach ihren Ideen und Bedürfnissen...

Was macht das Theater, Carena Schlewitt?

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

Die Nachricht von Christa Gottschalks Tod kam für mich und alle Mitarbeiter des Schauspiels Leipzig sehr überraschend. Noch im März 2018 trafen wir uns vor einer Veranstaltung, bei der sie über ihre persönliche Sicht auf das Theater in der DDR sprach. Da saß sie, wie immer kerzengerade, ganz wach, perfekt formulierend: Christa Gottschalk, eine groß gewachsene, sehr schlanke, schnell denkende, kluge Frau mit blitzenden Augen, für die die Wörter „Grandezza“ oder „Grande Dame“ erfunden zu sein schienen, saß da und äußerte sich zu ihren ersten Theatererfahrungen nach dem Krieg, ihren Eindrücken in der Wendezeit – und auch, immer noch sehr am Hier und Jetzt interessiert, zu aktuellen Themen wie der MeToo-Debatte und Diskussionen um prekäre Arbeitsverhältnisse und den Begriff des Ensembletheaters. Ihre präzisen Formulierungen und Gedanken brachten den Saal nicht nur oft zum Schmunzeln und Frau Gottschalk viel Respekt entgegen – allen Anwesenden war nach der Veranstaltung klar, diese Frau hatte gelernt, sich auf und jenseits des Theaters durchzusetzen. Christa Gottschalk hat am Schauspiel Leipzig, am Deutschen Nationaltheater Weimar und am Deutschen Theater Berlin so ziemlich alles gespielt, was man als Schauspielerin in einem Bühnenleben spielen kann: Sie war zehn Jahre lang das Gretchen im ersten Leipziger „Faust“ nach dem...

Zum Tod der großen Schauspielerin Christa Gottschalk

Leipziger Grande Dame

Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

Der Kultur-Kahlschlag droht

Theodor W. Adornos berühmte Feststellung „Es gibt kein richtiges Leben im falschen“ könnte man als das Motto des diesjährigen Heidelberger Stückemarkts bezeichnen. Zehn Tage voller Gefühlsturbulenzen und schmerzhafter Selbsterkenntnisprozesse auf den Bühnen sind vorbei. Zehn Tage, in denen der Zuschauer allerlei Figuren begegnete, die mit sich oder mit ihrer Zeit hadern und gegen eigene Lebenslügen ankämpfen. In dem herausragend arrangierten Gastspiel von Ewald Palmetshofers „Vor Sonnenaufgang“ (Theater Basel) unter der Regie von Nora Schlocker zerbricht über Nacht eine ganze Familie an ihrem eigens geschaffenen Gefängnis, und in der funkensprühenden Wiener Inszenierung „Ja, eh! Beisl, Bier und Bachmannpreis“ (Rabenhof Theater), beruhend auf Texten von Stefanie Sargnagel, hadert die Endzwanzigergeneration mit ihrer Identität und dem Überangebot an Möglichkeiten in der Spätmoderne. Auch das Eröffnungsstück stand ganz im Zeichen der Reflexion bitterer Wahrheiten. Mit „Kluge Gefühle“ traf die Autorin Maryam Zaree zwar im vergangenen Jahr ins Herz der Jury, die ihr den renommierten Stückepreis verlieh, die Realisierung des Stücks mochte jedoch trotz schauspielerischer Grandezza wenig überzeugen. Das Drama um eine erfolgreiche Anwältin (Sophie Melbinger), welche unversehens mit der tragischen Vergangenheit ihrer Mutter, einem Folteropfer der iranischen Despotie, konfrontiert wird, bleibt durch ambitionslose Regie (Isabel Osthues) sowie ein einfallsloses Bühnenbild (Jeremias Böttcher) fad. Lediglich...

Theater Thikwa Berlin: Ungezähmtes Spiel

Neuerscheinungen im Verlag