Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

■ Der Gründer des Merlin Verlags feierte im Dezember des vergangenen Jahres seinen 85. Geburtstag. Der am 18. Dezember 1927 in Hamburg geborene Andreas J. Meyer machte seine Ausbildung zum Verlagsbuchhändler in Heidelberg. Anschließend studierte er Kunstgeschichte, Soziologie und Politische Wissenschaften in Hamburg. Am 14. November 1957 gründete er dort, zunächst als Bühnenvertrieb, den Merlin Verlag. Bis zur Übergabe 2005 an seine Tochter Katharina E. Meyer, blieb Andreas J. Meyer Geschäftsführer des Verlags. Wir gratulieren nachträglich. ■ Markus Müller, seit 2006 Intendant am Oldenburger Staatstheater wird zur Spielzeit 2014/15 in selber Funktion ans Staatstheater Mainz wechseln. Er wird den dortigen Intendanten Matthias Fontheim ablösen. ■ Thomas Schmidt, der langjähriger Geschäftsführer des Deutschen Nationaltheaters Weimar, gibt zum Ende der Spielzeit 2012/13 seine Position auf. Nachdem Stephan Märki das Haus als Intendant verlassen hatte, führt Schmidt das DNT derzeit kommissarisch. Zum Beginn der Spielzeit 2013/14 wird Hasko Weber, der derzeitige Intendant des Stuttgarter Staatsschauspiels, die Intendanz übernehmen. Thomas Schmidt ist seit 2003 in Weimar tätig. ■ Der Dirigent, Komponist und derzeitige stellvertretende Musikdirektor am Staatstheater Oldenburg Thomas Dorsch wird ab der Spielzeit 2012/13 der neue Musikdirektor am Theater Lüneburg sein. Bereits in der Spielzeit 2011/12 war er als Dirigent in Lüneburg tätig....

Meldungen

Auch in Leipzig zeigte sich Romeo Castelluccis Inszenierung „Sul concetto di volto nel figlio di Dio“ (Über das Konzept des Angesichts bei Gottes Sohn), die zwei Jahre nach ihrer Uraufführung nun die 22. euro-scene eröffnete, über die Kritik erhaben. Erstmals in einer Kirche gespielt, überstand das gemalte Antlitz von Jesus Christus den Plastikhandgranatenbewurf durch Kinder erneut schadlos, was, wenn überhaupt, lediglich als eine zu satte Apotheose zu kritisieren wäre. Die Szene erklärt die Frage nach der Würde des Menschen zur Glaubenssache. Zuvor hat ein junger berufsgestresster Mann angesichts der Betreuung seines inkontinenten alten Vaters die Nerven verloren. Castelluccis Inszenierung überblendet Naturalismus und Symbolismus. In der strengen Komposition von Bildern, Tönen, Gesten und wenigen Worten steht sie auch für die kuratorische Handschrift der Festivalleitung. Was Ann-Elisabeth Wolff nach Leipzig einlädt, hat sich meist allen barocken Beiwerks entledigt. Es sind häufig Beobachtungen unter dem Brennglas: Körper und Seelen werden seziert wie eine Zwiebel, die Schicht für Schicht ihre Haut verliert. Dasselbe auch in den Choreografien „Ch(ose)“ und „Circle moods“, die unabhängig voneinander in Frankreich entstanden, in Leipzig aber zu einem Aufführungsabend zusammengespannt sind. Sandrine Buring zeigt sich in „Ch(ose)“ nackt unter einer Glasglocke, die von der Bühnendecke hängt und nur schulterbreit ist....

Das Festival euro-scene in Leipzig kämpft um den Fortbestand

Unter dem Brennglas

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Nacheinander präsentieren sich 14 größtenteils junge Männer wie auf einem Laufsteg, als übten sie sich im Imponieren und in Selbstpräsentation. Die Arbeit der Maskenbildnerin im Theaterteam hat Spuren hinterlassen: Man will gestylt, schön und stark sein. Und dazugehören, zur Gang. Vor allem Michael, der Hinzugekommene, der Außenseiter. Doch erst einmal blühen ihm Aufnahmerituale, die tiefste Erniedrigung verlangen. Beim Wäscheaufhängen erscheinen ihm auf der Leinwand Bilder aus seiner Kindheit. „Du träumst zu viel“, herrscht ihn der Anführer der Gang an. Noch einmal wird Michael zusammengeschlagen, dann darf er schwören und ist „einer von uns“. – Was hat er davon? Es ist mit den Händen zu greifen, wie die Insassen der Justizvollzugsanstalt Zeithain bei Riesa in Sachsen ihre Erfahrungen und kriminellen Karrieren in diese Stückentwicklung einarbeiten. „Schön oder Biest“ haben sie ihre jüngste Inszenierung getauft, wobei das französische Märchenvorbild nur sehr entfernt anklingt. „Wir haben es zu unserer Geschichte gemacht“, sagen sie anschließend im Publikumsgespräch. Eine rote Rose kommt immerhin vor. Es ist eine Geschichte vom Ringen der Mächte des Guten mit denen des Bösen. Man kennt die Delikte der Spieler nicht und kann auch die Verbrechen der Gang nur ahnen. Dass diese Verurteilten vor allem durch den Helden Michael aber auch...

Wie im „Knasttheater“ der sächsischen Justizvollzugsanstalt Zeithain ein französisches Märchen zur eigenen Geschichte wird

Einer von uns

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Januar 2013

Premieren

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Paul Claudels „Der seidene Schuh“ ist „ein wahnsinniges Stück“, so bekennt es eine darin vorkommende Figur. Die Unspielbarkeit des 1925 erschienenen Dramas über eine unerfüllte Liebe in aristokratischen Kreisen zur Zeit der spanischen Conquistadores sehen versprengte Theater hin und wieder als Herausforderung. Dabei möchte man das 380 Seiten starke Stück mit über 70 Figuren und Schauplätzen auf mehreren Kontinenten sowie auf hoher See inklusive Walfischwanderung am besten gleich nach Hollywood schicken. Die Lösung hierzulande: eine Serie. Ein Gebiet, auf dem sich das Wiener Schauspielhaus in den letzten Jahren wahrlich Lorbeeren verdient hat. Kleinode steckten in den bis zu zehnteiligen Theaterserien, in denen junge Regisseurinnen und Regisseure im Nebenhaus des Theaters oder an Realschauplätzen Bruno Kreisky, Sigmund Freud oder Die zehn Gebote abklopften. Der Erfolg war beachtlich. Jetzt hat das Serienprinzip die Hauptbühne erobert: „Der seidene Schuh“ als Vierteiler. Das in vier Tage gegliederte Schmachtwerk ist wie gemacht für das auf Empathie bauende Serienzeitalter: Die unglücklich verheiratete Doña Proëza verhandelt mit sich und ihrem Gott in dramatischen Schritten die schlussendlich aufs Jenseits vertagte Liebe zu dem ihr aus Glaubensgründen auf Erden verwehrten Don Rodrigo. Beide sind überzeugte Christen, aber auf unterschiedlichem Niveau: Sie muss sich ihm getreu dem Sakrament körperlich verwehren,...

Schauspielhaus Wien: „Die Glückspilger“; „Wo du nicht bist“; „Die Eroberung der Einsamkeit“; „Das Boot der Millionen“

Wien: Vier Tage für ein Halleluja

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Der Debütfilm der jungen Regisseurin Hanna Doose, Staub auf unseren Herzen, beschreibt eine zerrissene Familie, deren Mitglieder den Weg zueinander mühsam neu zu ertasten beginnen. Die Tochter, eine erfolglose Schauspielerin (Stephanie Stremler), macht die Unsicherheit einer 30-Jährigen, die sich erfolglos von einem Casting zum nächsten hangelt, physisch erfahrbar: Ihre geduckte Körperhaltung, die schleppende Suche nach den richtigen Worten, ihr Aufbäumen und ihre Zusammenbrüche rufen beim Zuschauer höchst disparate Gefühlsregungen hervor. An ihrer Seite spielt, als letzte Rolle der im vergangenen Juli verstorbenen Darstellerin, Susanne Lothar das energische und dabei tief verletzliche Muttertier: eine Psychologin, die alles kontrollieren und bewältigen will und doch keine Hilfe für die Tochter sein kann. Aus Österreich kommt die Paradies-Trilogie von Ulrich Seidl, zunächst Paradies: Liebe, das Porträt einer alleinstehenden Mutter um die fünfzig, die ihren Urlaub als Sextouristin in Kenia verbringt. Ein dokumentarisch grundierter Spielfilm, der ohne jede falsche Sentimentalität sarkastisch und tieftraurig zugleich über den Verlust jedes echten Gefühls in einer postkolonialen Sexmaschinerie reflektiert. Seidl ist sezierend schmerzhaft; die Schauspielerin Margarethe Tiesel stellt sich ihm dafür mit allen Sinnen und ihrer ganzen Körperlichkeit zur Verfügung. In seinem Regiedebüt Quartett fabuliert der 75-jährige Dustin Hoffman nach dem gleichnamigen Bühnenstück von Ronald Harwood von betagten Opernsängern...

Film: Muttertier, Sextouristin, Diva

Der Materialergründer

Sieh dir an, wie hübsch und reizend sie ist“, sagt der frisch gebackene Ehemann Jørgen Tesman über seine neue Frau. Was so ziemlich das Letzte ist, was einem halbwegs klarsichtigen Beobachter zu Hedda Tesman, geborene Gabler, einfiele. Mit dem Allerweltswort hübsch, in dem das Nette, Adrette anklingt, hat deren stolze Schönheit ungefähr so viel gemein wie ihr Lebensideal mit der Rolle vom Heimchen am Herd, die ihr die Konvention des...

Wie Birgit Minichmayr einem immer entwischt, wenn man glaubt, sie zu kennen. Ein Porträt

Die kühle Braut

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Shane Drinion arbeitet am langweiligsten Ort der Welt, in einer Finanzbehörde. Der Buchhalter ist nicht vermögend, nicht gutaussehend, nicht erfolgreich, also frei von sämtlichen Insignien des westlichen Statusstrebens. Aber wenn er sich mit Detailliebe in seine Akten versenkt, gerät der Mann in einen buddhistischen Schwebezustand der vollkommenen Glücksseligkeit. Shane Drinion ist der Held aus David Foster Wallace’ Roman „The Pale King“. Und er ist der Namensstifter eines Performancekollektivs, das sich im Studiengang Schauspiel von Luk Perceval an der Akademie für Darstellende Kunst in Ludwigsburg zusammengefunden hat. Mit Wallace’ Figur eint die Gruppe „eine Arbeitsweise, die sehr aufs Detail fokussiert ist“, wie Regisseur Sebastian Lang erklärt. Überhaupt begriffen er und seine Mitstreiter das Theater als Gegenentwurf zum Entertainmentdiktat von Kino und DVD-Serien, als Ort nämlich, „wo man das Vergnügen hat, in Ruhe sehr genau beobachten zu können“. Shane Drinion arbeitet in wechselnden Konstellationen und besteht derzeit im Kern aus fünf Mitgliedern – neben Lang sind das die Schauspieler/-innen Odine Johne, Michaela Schulz, Leo van Kann und Benjamin-Lew Klon. Sie alle zählten 2008 zum Gründungsjahrgang der Akademie in Baden-Württemberg, wo sie, bedingt durchs unvermeidliche Aufbauchaos, „im guten wie im schlechten Sinn große Freiheit genossen“, wie Lang sagt. Im Grunde waren sie Autodidakten....

Das Performancekollektiv Shane Drinion durchmisst detailverliebt den Resonanzraum des Persönlichen

Im Ich-Labyrinth

Die internationale Arbeitsplattform „Panorama Sur“ fördert den Austausch von Theaterschaffenden in Südamerika. 2012 fand das Projekt im dritten Jahr statt. Auf wessen Initiative hin wurde es entwickelt und welcher Vorbereitungszeit bedurfte es? Für das Pilotprojekt 2010, „Escena Sur“ in Buenos Aires, hatte die Siemens Stiftung ungefähr ein Jahr Vorlauf. Angefangen haben wir mit einer Analyse der Bedürfnisse und Notwendigkeiten: „Was fehlt?“ Die einhellige Antwort war, dass ein Raum für Zusammenarbeit,...

Joachim Gerstmeier, Projektleiter Kultur der Siemens Stiftung, über Möglichkeiten, die südamerikanische Theaterszene zu vernetzen im Gespräch mit Paul Tischler

Produktives Pingpong

„Das Meer unterdrückt bald sein eigenes Rauschen.“ Georg Seidel, „Carmen Kittel“ Am Ende ist nicht klar, ob Carmen Kittel nun überhaupt jemals schwanger gewesen ist. Vielleicht hat sie von Anfang an gelogen, vielleicht doch abgetrieben oder gar das Kind erstickt, wie sie sagt? Jedenfalls: Es folgt ihr nichts nach. Keine Hoffnung ist mit dieser Generation von Plebejern in der späten DDR verbunden. Es ist in Georg Seidels Augen eine verlorene Generation. Nein, sie probt nicht den Aufstand gegen die herrschenden Alten, sie verweigert sich, duckt sich weg. „Rost“ heißt das Wort, das Seidel für diesen Zustand fand. Was passiert mit jungen Menschen in der allgegenwärtigen Langeweile, der Trostlosigkeit ihrer Existenz? Alles an dieser DDR-Endzeit erinnert Seidel an Kartoffeln, dieses „dumpfe Gemüse“. Wenn man eine Revolution unter Deutschen machen wollte, dann müsste man erst einmal ihre Ernährungsgewohnheiten ändern. Der Herbst 89 war im Frühjahr desselben Jahres (da entstand die Neufassung des 1986 geschriebenen Textes) noch nicht vorhersehbar, zu fest schien der graue Beton, der diese Kleinwelt zusammenhielt. Und Carmen Kittel, das Heimkind in seiner ersten eigenen Wohnung, schwebt über dem Abgrund der Asozialität, keine werdende „Arbeiterpersönlichkeit“, keine „Kampfreserve der Partei“, sondern ganz unten: in der Schälküche, wo sie den blöden Kartoffeln...

Georg Seidels DDR-Endzeitstück „Carmen Kittel“

Der Totengräber

„Estragon: Komm, wir gehen! Wladimir: Wir können nicht. Estragon: Warum nicht? Wladimir: Wir warten auf Godot. Estragon: Ah!“ – Samuel Becketts Warten auf Godot wird in diesem Januar 60 Jahre alt. Das zum Klassiker gewordene Stück wurde am 5. Januar 1953 in Paris uraufgeführt, was der Anfang vom Ruhm sowohl des Textes als auch des Autors war. Sechs Jahrzehnte nach der Uraufführung präsentiert der WDR nun eine Hörspielperle: Die Aufnahme dokumentiert in einer Kunstkopfproduktion Samuel Becketts eigene Inszenierung von „Warten auf Godot“, die am 8. März 1975 am Berliner Schillertheater mit Horst Bollmann, Stefan Wigger, Klaus Herm, Carl Raddatz und Torsten Sense Premiere feierte. Erinnert sei auch an einen, der schon an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert absurde Theaterstücke schrieb, die aber genauso wenig erfolgreich waren wie seine Romane und sein Versuch, ein Perpetuum mobile zu konstruieren. Paul Scheerbart (1863–1915) war seiner Zeit voraus, er kämpfte zeitlebens um Anerkennung, die er aber erst postum erhalten sollte. Tod eines deutschen Clowns vom früh verstorbenen Holger Jackisch stellt eine Episode aus dem Leben des Dichters dar: Inmitten der deutsch-nationalistischen Euphorie zu Beginn des Ersten Weltkriegs tritt er 1914 in den Hungerstreik gegen den Krieg. Zum 150. Geburtstag erinnert der MDR...

Hörspiel: Von tragisch-lächerlichen Clowns

Kompositionsprinzip Collage

Aus der dunklen Ecke am Bühnenrand ertönt das Klagelied einer gequälten Kreatur. In einem einzigen langen Satz gibt die Souffleuse Auskunft über die raumgreifende Sopranistin, die am Stadttheater ihr Unwesen treibt. Die große Gilsbrod, Schrecken und Stolz des Intendanten, hat sich versungen. Auf dem Weg zum viergestrichenen C wartet sie mit bohrendem Blick und flatterndem Zäpfchen auf den richtigen Text, den die Souffleuse nicht geben kann. Denn sie muss schrecklich lachen, und es entlädt sich derweil ihr eigener Lebenstext, eine Tirade an Kränkungen und Sehnsüchten. In diesem gedehnten Moment verhaken sich die Blicke der Frauen, und über unzählige gedankliche Schleifen nähert sich die Erzählerin ihrer Gegenspielerin an. Zuvor erinnert sie sich mit einer Mischung aus Hass und Anteilnahme, wie die Gilsbrod jene goldene Muschel von der Bühne verbannte, in der doch schon die Mutter der Erzählerin souffliert hatte. Ihr fällt ein, wie Klassenkameraden sie, die angehende Theaterflüsterin, als Kind hänselten und über Nacht auf dem Spielplatz fesselten, wie erst vor Kurzem der geliebte Marlin als frischer Wind am Theater auftauchte. Marlin, dem sie so gern ihre goldbarocke Muschel und ihre Schmetterlinge hatte zeigen wollen. Doch auch die Gilsbrod musste leiden von Anfang an. Sich über die Ungerechtigkeit des Lebens ereifernd,...

Sabine Bergk: Gilsbrod. Novelle. Dittrich Verlag, Berlin 2012, 120 S., 14,80 EUR.

Vom Außenseitertum einer Souffleuse

„Gutes Theater ist wie eine gelungene spiritistische Sitzung, und eine gute Figur ist wie ein faszinierend realer Geist“, zitiert das Ulmer Programmheft Michał Walczak. So gesehen dürfte Jarosław Past dem Figurenideal des polnischen Dramatikers ziemlich nahe kommen: Wie ein Geist aus der Vergangenheit kreuzt der Mann mit dem sprechenden Nachnamen am Tag der Verlobung von Eliza und Konrad auf. Er ist Elizas Exgeliebter und steht nicht ganz zufällig vor der Wohnungstür des jungen Pärchens. Eliza selbst hat ihm tags zuvor eine SMS geschrieben, offensichtlich ist sie sich ihrer Liebe zu Konrad nicht ganz so sicher. Den Geist, den sie rief, wird Eliza nun aber nicht mehr los: Als Past zudringlich wird (Volkram Zschiesche spielt ihn als Paradegigolo mit schmalem Oberlippenbärtchen über süffisant geschürzten Lippen), drischt Eliza mit einem Kerzenleuchter auf ihn ein, bis das Hirn spritzt; doch der (Schein-)Tote erwacht im Folgenden immer wieder zu neuem Leben, mal röchelnd, mal stotternd, mal putzmunter, als wäre nichts gewesen. Ob es sich bei Jarosław Past um eine reale Erscheinung oder aber um eine fixe Idee der von Bindungsangst geplagten Eliza handelt, lässt der Autor damit offen. Michał Walczak (Jahrgang 1979) zählt derzeit zu den profiliertesten Dramatikern seiner Heimat. Meist kreisen seine Stücke...

Theater Ulm: „Die Elchjagd“ (DSE) von Micha³ Walczak. Regie Fanny Brunner, Ausstattung Mona Hapke

Ulm: Die Leiche im Schrank

Wer Arzt werden möchte, muss Versuchstier sein wollen“, bemerkte einmal Sloterdijk, als er über den Titel seines Buches „Selbstversuch“ sprach. Und so begeben sich die Mitglieder des vierköpfigen Theater- und Performancekollektivs OnElf vor der Realisierung jedes Projektes zunächst einmal auf die Suche nach Antworten auf ihre eigenen Fragen, nach scheinbar disparaten Stoffen und Orten, um Konstruktionsmaterial für neue Stoffe/Räume zu gewinnen. Sie frequentieren Orte, an denen sich Menschen aufhalten, die sich mit dem Kollektiv auf eine gemeinsame Entdeckungsreise, auf ein Spiel mit „Wahrem“/ „Unwahrem“ einlassen wollen. Aus den gesammelten Fragmenten und Erfahrungen entstehen dann Erzählungen, Performances oder Installationen in den auf den ersten Blick fürs Theater fremden (Nicht-)Orten: einem ehemaligen Gefängnis und Asylbewerberheim, einer Kirche, einer afghanischen Begegnungsstätte oder einem Museum. Die im Sommer 2011 in Berlin gegründete Truppe um Elena Basteri (Tanz- und Theaterkuratorin sowie ‑kritikerin), Johannes Kup (wissenschaftlicher Mitarbeiter für Theaterpädagogik an der UdK Berlin), Anne Phillips-Krug (Kulturjournalistin, Hispanistin) und Christian Wilhelm (Politikwissenschaftler an der HU Berlin) arbeitet mit performativen Formen des site specific und biografi schen Theaters vorwiegend zu aktuellen soziopolitischen Fragen. Auf der Grundlage dieser ortsspezifischbiografischen Herangehensweise realisierten sie 2012 ihr dreiteiliges Projekt „Heimat Asyl: Vater Land – Mutter Sprache – Jugend Zimmer“ an drei „Orten...

Das Performancekollektiv OnElf beschäftigt sich mit soziopolitischen Themen direkt vor Ort: in den Kiezen Berlins

Im Garten Eden von Neukölln

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

La Beauté du Diable“ des aus Benin stammenden Tänzerchoreografen Koffi Kôkô ist ein sehr radikales Stück, das keine Kompromisse an die aktuelle Tanz- oder Theaterszene macht. Und doch ist es zugleich ein absolut zeitgenössisches Stück. Damit hält Koffi Kôkô an seinem Weg fest: Auf der einen Seite nutzt er das immense Wissen seiner traditionellen spirituellen und rituellen Kultur, auf der anderen Seite sucht er den Ort der westlichen Theatertradition, die Blackbox. Auf der Bühne, der Plattform des „leeren Rituals“, wie es Eugenio Barba nennt, nimmt er die Zuschauer mit auf eine Reise zur anderen Seite der Existenz. Koffi Kôkô liebt das Paradox, und er ist ein Meister der komplexen Metapher. „Auf einer ersten Ebene interessiert mich das menschliche Wesen. Was tragen wir in uns, was bedeuten Begriffe wie das Gute, das Böse, Enttäuschung oder Glück auf einer körperlichen Ebene? Hölle und Teufel, Paradies und Gott, das sind Metaphern für das, was in uns existiert. Aber unsere Erziehung hat uns mitgenommen auf einen Weg, der zwischen Gut und Böse, zwischen Gott und Teufel als äußeren Kräften unterscheidet. Und auf einer zweiten Ebene reflektiere ich meinen eigenen Weg, auf dem ich neue Erfahrungen, eigene Geheimnisse aufdecke und diese mit anderen kommuniziere.“ Auf...

„La Beauté du Diable“ von Koffi Kôkô und sein konsequenter Weg einer Spiritualität im Theater

Die andere Seite der Existenz

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

Bis in die philosophischen Abgründe hinein zeigt sich der Faust-Stoff in seiner Leipziger Bearbeitung von den Schlacken der Geschichte befreit. Selten ist der Ideen- und Dramensaboteur Sebastian Hartmann über den Akt der Destruktion hinaus so weit zu einer eigenen Theatersprache vorgedrungen. Selten hat er sich so rücksichtslos auf das diabolische Spiel der Welt eingelassen, es mit ihm getrieben, ohne bloß oberflächlich seine Wut zu formulieren und Kunst mit billigem Protest zu verwechseln. Das Opfer, das Hartmann dafür bringt, ist nicht weniger als: das Drama selbst. Am Anfang der Inszenierung – der samtrote Bühnenvorhang öffnet sich mit üppig-schönen Faltenwürfen – brennt artig ein Bühnenfeuerwerk ab. Es knallt, funkelt, stinkt und die Bühne versinkt im Rauch. Der Teufel kann nicht mehr weit sein. Doch er wird nie als eine eigenständige Rolle an diesem Abend zu sehen sein. Keiner und keine der insgesamt elf Darsteller und Darstellerinnen wird es durchgehend mit einem der Goethe’schen Charaktere aufnehmen. Über diese szenische Totalverweigerung hinaus kauft Hartmann dem Spracherzieher Goethe, der die deutsche Sprache bühnenreif drechselte, keinen einzigen Vers, kein einziges Wort mehr ab. Und wenn an diesem Abend doch einmal gesprochen wird, so in fiktiven Lauten. Lallen, murmeln, streiten, begehren – dazu bedarf es keiner der...

Centraltheater Leipzig: „mein faust“. Regie und Bühne Sebastian Hartmann, Kostüme Adriana Braga Peretzki

Leipzig: Leipziger Sezession

„Work hard, play hard?“

Der genetische Code Amerikas

Herr Duric, gerade habe ich einen kleinen Text von Ihnen gelesen, in dem Sie sich ein Theater wünschen, das weniger Zirkus und mehr wie ein Zoo ist. Was stört Sie am Zirkus? Ich musste, da ich Vater bin, jetzt nach Jahren wieder einmal in den Zirkus gehen, und ich empfand dort ein Unbehagen, das ich schon früher hatte. Obwohl der Zirkus eine wunderbare Revuehaftigkeit hat, mochte ich die gesamte Stimmung überhaupt nicht. Und sie hat mich stark an das Theater erinnert, insofern es sich immer mehr zu einem Sensationsraum entwickelt hat, zu einer Art Durchlauferhitzer: Alles soll kurz und möglichst witzig behandelt werden, die großen Fragen werden unterteilt in kleine Nummern und häppchenweise serviert, und der Intendant ist der Direktor. Natürlich gilt das nicht immer und nicht ausschließlich, aber die Tendenz des Theaters führt hin zum Zirkus. Warum aber das Gegenbild des Zoos? Weil da erst einmal gar nichts passiert. Vielleicht ist das Stagnation, aber trotzdem schien es mir plötzlich spannender zu sein. Aber ist nicht der Zoo gegenüber dem Zirkus die repräsentativere Veranstaltung? Das gilt vielleicht eher für die äußere Form. Ich glaube, dass sich bei unseren Arbeiten die äußere Form mehr als Zirkus präsentiert, aber die Inhalte mehr...

Was macht das Theater, Nikola Duric?

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

In der DDR war ja vieles einfacher. Ein Umweltaktivist war ein potenzieller Staatsfeind, die Berliner Umweltbibliothek in der Zionskirche ein feindliches Agentennest, und das aus einem sehr einfachen, irgendwie plausiblen Grund: Die ohnehin marode Industrie konnte sich die sachgerechte Entsorgung ihrer umweltschädlichen Abfallprodukte nicht leisten. Verstrahlte Halden im Erzgebirge, dicke Luft über Bitterfeld, Badeverbote an märkischen Seen. Umweltschutz – ein Tabuthema, und so war ein Stück wie Ibsens „Volksfeind“ nicht wirklich erwünscht. Die öffentlich kaum beachtete Aufführung in den Kammerspielen des Deutschen Theaters Berlin (mit Kurt Böwe) kam 1975 eher zu früh, die 1988 in Karl-Marx-Stadt eher zu spät. Da hatte man schon ganz andere Sorgen, und Regisseur Frank Castorf hat denn auch weniger die Qualität des Badewassers bei den Stockmanns interessiert als die „Zustandsbilder gesellschaftlicher Frustrationen, um Figuren- und Stückproblematik in die Gegenwart zu verlängern“ (TdZ 5/1988). Dr. Stockmann (der Intellektuelle) konnte seine Probleme nur noch im Suff ertragen, und sein Bruder Peter (die Staatsmacht) hätte in seiner schwarzen Nieder-Tracht auch gut einen KZ-Kommandanten abgeben können. Kurz zur Erinnerung: Der Badearzt Dr. Stockmann entdeckt, dass das Wasser, das den Kurpatienten Heilung bringen soll, hochgradig verseucht das Gegenteil bewirkt, diese Entdeckung jedoch der Stadt statt des erhofften Wohlstands nun das...

„Ein Volksfeind“ von Henrik Ibsen – das Stück des Jahres?

Linzers Eck: Einer gegen den Rest der Welt

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Jeroen Willems ist wahrscheinlich der beeindruckendste Schauspieler, den ich je auf einer Theaterbühne gesehen habe. Wer einmal „Zwei Stimmen“ (Regie Johan Simons) gesehen hat, ein Solo nach Texten von Pasolini, das 1997 in der Toneelschuur in Haarlem (Niederlande) Premiere hatte, weiß, was das heißt. Diese Inszenierung lief 15 Jahre lang um die ganze Welt, ohne zu altern: „An einer abgegessenen Dinner-Tafel mit weißem Tischtuch sitzt einsam ein Mann im Smoking, der Rest der Tischgesellschaft scheint sich schon verabschiedet zu haben. Von einem auf den nächsten Stuhl wechselnd, portraitiert der wunderbare Jeroen Willems fünf Machthaber aus der heutigen Zeit: einen Intellektuellen, einen Unternehmer, einen kriminellen Topmanager, einen Kleriker und den Vorstandsvorsitzenden eines Großkonzerns.“ (Ankündigungstext „Zwei Stimmen“, Münchner Kammerspiele 2012) Ich kannte niemanden sonst, der so viel Angst davor hatte, auf die Bühne zu gehen, der sich schon Stunden vorher mit Dingen gequält hat, die kein Mensch aussprechen kann. Allen seinen Auftritten konnte man diese Angst anmerken und dabei zuschauen, wie sie sich allmählich in Kraft und Präsenz, Konzentration und Schönheit verwandelt hat. Jeroen Willems ist gerade mal 50 Jahre alt geworden. Er ist am 3. Dezember 2012 während einer Probe für die 125-Jahr-Feier des königlichen Carré-Theaters in Amsterdam zusammengebrochen und konnte...

Zum Tod des niederländischen Schauspielers Jeroen Willems

Der eigensinnige König

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Das Grotowski-Institut in Wrocław lud als Masters in Residence neben Eugenio Barba und Anatolij Wasiljew den griechischen Regisseur Theodoros Terzopoulos ein, der das Programm für die polnische Erstaufführung von Heiner Müllers „Mauser“ nutzte. Das Credo dieser Inszenierung findet sich in Terzopoulos’ für diesen Anlass ins Polnische übersetztem Kunstessay „Im Labyrinth. Theodoros Terzopoulos begegnet Heiner Müller“. Eine Sammlung von Aphorismen zentriert sich um Müllers Auseinandersetzung mit Mythos, Tod und Tragödie: „Heiners Obsession galt immer dieser verborgenen Seite der Existenz.“ Vor diesem Horizont balanciert die Inszenierung auf dem schmalen Grat zwischen dem politisch revolutionären Gehalt und einer fast mythischen Sinngebung des Sinnlosen der menschlichen Existenz angesichts der Allmacht des Todes. Dem Regisseur gelingt dabei ein ergreifender, beinahe kathartischer Effekt. Etwas mehr als dreißig Zuschauer sitzen einander auf der Bühne gegenüber. Zwischen ihnen befindet sich eine Konstruktion, die einem hohen Tisch ähnelt. Auf die Plätze im Zuschauerraum sind Porträts gestellt. Unter ihnen Papst Johannes Paul II., Lech Wałesa, Adam Michnik oder auch Krzysztof Penderecki, Andrzej Wajda, Tadeusz Kantor und Jerzy Grotowski. Die meisten Gesichter gehören Unbekannten. Handelt es sich um Zeugen der Geschichte? Um Richter? Um Ankläger oder um Angeklagte? An der hinteren Seite der Installation sitzt eine Kommissarin (Jolanta Góralczyk), die Vorsitzende...

Grotowski-Institut: „Mauser“ (PEA) von Heiner Müller. Übersetzung Mateusz Borowski und Małgorzata Sugiera, Regie und Installation Theodoros Terzopoulos

Wrocław: Tod den Feinden der Revolution

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Was ist eine „ägyptische Haltung“? Um darüber mit Rebecca Riedel zu reden, sollte man Hauptmanns „Bahnwärter Thiel“ kennen, den Armin Petras jüngst am Maxim Gorki Theater Berlin inszeniert hat. Zu der Inszenierung entwarf sie die Videoprojektion. Man sollte einiges über Scherenschnitt wissen, über Schattenspiele und Lichtquellen, Expressionismus und Märchen. Rebecca Riedel hat in ihr Atelier am Kottbusser Tor eingeladen. Sie hole mich besser am Platz ab, die Wegbeschreibung sei zu kompliziert. So stehe ich dann also pünktlich neben Pennern, Süchtigen und Dealern am Kottbusser Tor, bekanntermaßen einem der „Kriminalitätsschwerpunkte“ Berlins. Passanten mustern mich, ob ich eher zu denen gehöre, die hier Drogen kaufen oder verkaufen. Um Drogen und Rausch geht es auch in Rebecca Riedels Arbeiten, irgendwie jedenfalls. Sie trage einen knallroten Anorak, daran werde ich sie erkennen, hatte sie am Telefon gesagt. Es ist schon etwas abseitig, hier am Kottbusser Tor zu stehen und nach Frauen in roten Anoraks Ausschau zu halten. Und doch passt es. Dieser Bedenklichkeit allzeit bewusst, halte ich lieber erst einmal den Mund und lasse einige rote Jacken unangesprochen an mir vorbeiziehen. Was sich als richtig erweist. Denn als sie schließlich über den Platz kommt, gibt es gar keinen Zweifel daran, wer sie ist. Knallrot,...

Wie Rebecca Riedels bildstrudelndes Doppelspiel aus Theater und Film vor aller Augen Relationen verschiebt – bis der Albtraum regiert

Schöne neue Welt

Reenactment – schon das Wort allein verleitet zum Raunen. Geheimnisvoll, fast gespenstisch geistert es seit einigen Jahren durch das Theater. Das Re-Inszenieren von Geschichte oder deren Abbild in den Medien ist in Mode. Weil es dem Theater das wiederzugeben scheint, was es in seinem Streben nach Anti- Illusion und ironischer Brechung längst verloren hat: die Verstörung, in diesem Fall hervorgerufen durch das Wiedergängerische des historischen Moments, der dem Zuschauer einem „Wachtraum“ gleich mit „gespenstischer Kraft“ gegenübertritt. „Was getan wurde, wird wieder getan.“ (Milo Rau) Nun könnte man dieses Raunen jedoch auch für ein Nuscheln halten. Denn niemand weiß genau, was Reenactment eigentlich meint. Ist es das Nachstellen historischer Referenzbilder wie in Hofmann &amp; Lindholms „Serie Deutschland“? Ist es das Nachspielen von Andy Warhols Film „Kitchen“ durch das Performancekollektiv Gob Squad, die das Original (bewusst) gar nicht kannten? Oder ist es die Performance „The Vitruvian Body“ von Boryana Rossa, die sich auf gar kein Original bezog, sondern bloß die Mythologisierung der Performancekunst an sich reenactete? Der Band „Theater als Zeitmaschine“, entstanden anlässlich einer Tagung des Herder-Kollegs für transdisziplinäre Kulturforschung an der Universität Hildesheim, lässt all diese künstlerischen Positionen gewollt disparat nebeneinander stehen. Es gebe keine Definition des Begriffs, so die Herausgeber...

Jens Roselt und Ulf Otto (Hrsg.): Theater als Zeitmaschine. Zur performativen Praxis des Reenactments. transcript Verlag, Bielefeld 2012, 264 S., 27,80 EUR.

Was getan wurde, wird wieder getan

Der Klang von Glocken ist etwas, das den Technoproduzenten Hendrik Weber aus Berlin seit Langem fasziniert. Der sakral anmutende, metallische Ton zählt zu den wiederkehrenden Momenten seiner Tracks, neben einem Fundus anderer warmer Klänge mit erzählerischer Qualität. Weber alias Pantha Du Prince wird deshalb auch als „Romantiker des Minimal Techno“ bezeichnet. Sein jüngstes Projekt führt ihn jetzt an die natürlichen Quellen seiner Soundtexturen. „Elements Of Lights“ heißt das im Januar erscheinende Album, auf dem elektronische House-Beats auf eine Vielfalt hallender Glocken und anderer metallischer Percussioninstrumente treffen. Dafür arbeitet der Musiker mit einer Gruppe norwegischer Multi-Instrumentalisten zusammen, darunter Martin Horntveth von der Indie-Avantgarde-Truppe Jaga Jazzist. Unter dem Namen „The Bell Laboratory“ bedient das Ensemble u. a. ein Carillon, einen zentnerschweren Spieltisch mit 50 Glocken. Verknüpft mit dem durchgängigen elektronischen Puls wirkt die Innenmechanik der minimalistischen Musik dem Techno doch verwandter als dem Song oder Lied – wenngleich sich die Sphären spannend durchdringen. Im Programm der Berliner Transmediale und ihres Musikablegers Club Transmediale (CTM) ist Pantha Du Prince damit gut aufgehoben. Seit einigen Jahren agiert das Festival inspirierend experimentierwillig an der Schnittstelle zwischen Klubkultur, Neuer Musik und Indie-Avantgarde. Das wechselnde Leitthema lautet diesen Winter „The Golden Age“ – eine Anspielung auf die...

Musik: Die Fülle in der Beschränkung

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Kann Kunst, kann Theater heilen? Geht es, wenn im Zusammenhang von Kunst über Veränderung gesprochen wird, weniger um die Erweiterung von Bewusstseinslagen als um eine heilende Wirkung? Der aus Benin stammende Voodoo-Priester und tanzende Choreograf Koffi Kôkô erklärt das 21. Jahrhundert zum Jahrhundert der Spiritualität. „Der Mensch hat die Natur zu sehr herausgefordert. Wenn wir sehen, wie dieser Teufel in uns mit der Welt umgegangen ist, dann ist da eine...

Editorial

Festival der Besessenen

Kürzlich erzählte mir ein befreundeter Regisseur, der sich mal wieder mit einem Wust von Projektanträgen herumschlug, er versuche jetzt, ein „agrarisches Verhältnis“ dazu zu entwickeln. Er betrachte sich selbst als Bauer, der zu bestimmten Jahreszeiten zum Säen auszöge, um dann neun Monate später – vielleicht – die Ernte einzufahren. Außerdem habe er begonnen, sich Arbeitszeiten und Feiertage nach einem eigenen Bauernkalender einzurichten. Ich fand diese Haltung sehr gut. Es mag ja sein, dass der neoliberale Kapitalismus das sogenannte „Bodenprinzip“ und die mit ihm verbundenen Traditionen endgültig aufgegeben hat; aber das hat er nur getan, um all das auf anderen Ebenen wieder neu einzurichten. Auch im „Global Village“ des 21. Jahrhunderts arbeiten Moderne und Antimoderne immer in- und miteinander. Unser Boden heißt Kulturbürokratie, unsere Burg Hauptstadtkulturfonds. Und es braucht nach wie vor eine gewaltige Bauernschläue und ein ganzes Arsenal von Bauernregeln, um die Scheunen einigermaßen zu füllen: An Ägidius man säen muss, an Mariae Geburt müssen die Anträge furt. Wer da vom Dorf stammt und sich der Riten der Großväter erinnert, ist im Vorteil, und zwar umso mehr, als seit geraumer Zeit ein Dauerhagel namens „Finanzkrise“ bei vielen Antragsbauern eine Missernte nach der anderen produziert. Das gilt aber nicht nur für...

Spieß voran, drauf und dran!

kirschs kontexte

in eigener sache

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

David Hockney (Jahrgang 1937) ist, wie praktisch jeder Begleittext zu seinem OEuvre betont, ein weltberühmter und ewig aktueller Künstler von enormer und weitreichender Anziehungskraft. Der Besuch jener großen und wichtigen Ausstellung im Museum Ludwig – die als geringfügig geänderte Version der im vergangenen Jahr von Marco Livingstone und Edith Devaney für die Royal Academy London kuratierten Schau präsentiert wird – lässt tief in seine unzähligen farbenprächtigen Landschaftsbilder jüngerer Zeit eintauchen. Über eine halbe Million Besucher pilgerten in die Londoner Galerie. Ist Hockney vielleicht einer „jener“ wirklich demokratischen lebenden Künstler, die die Welt der Malerei und des Kunstschaffens tatsächlich vermitteln und zugänglich machen? Am Beginn seiner Geschichte steht eines seiner frühen und wirkmächtigsten Werke: „We Two Boys Together Clinging“ (1961) ist jedoch mit seinen Figurenskizzen, Textkritzeleien und offen schwulen Motiven nur ein dezenter Verweis auf das, was folgen soll. Später begründen seine Bilder von Los Angeles, die zu Ikonen wurden – Porträts der Stars der Kunstszene, lichtleichte Interieurs und die berühmten Swimmingpools – seinen Ruf, wenngleich häufig konnotiert mit Begriffen, die die Homoerotik und progressive Sexualpolitik, für die Hockney auch steht, elegant überspielen. Hockney ist ein Künstler, der sich leidenschaftlich und explizit seinem eigenen Diskurs über das Schaffen von Bildern und...

Kunst: Ein Zurückgekehrter

Die Völker zu verbinden, indem man sie miteinander ins Spiel bringt, ist zwar kein neuer, aber doch ein einleuchtender Gedanke. Die unternehmensverbundene gemeinnützige Robert Bosch Stiftung hat jüngst beschlossen, ihre Kulturförderung auszuweiten – und dabei das Theater für sich entdeckt. „Weil es den Beteiligten, Akteuren wie Zuschauern, eine unmittelbare Begegnung ermöglicht“, wie Maja Pflüger betont. Sie leitet für die Stiftung das neu aufgelegte Förderprogramm „Szenenwechsel“, das internationale künstlerische Kooperationen anbahnen...

Das neue Förderprogramm „Szenenwechsel“ der Robert Bosch Stiftung und des Internationalen Theaterinstituts

Wenn der Staat ausfällt

„Bandenkrieg in Schlechtes Viertel eskaliert“, teilt die Nachrichtenzeile mit, die in Endlosschleife über die Bildschirme läuft. Und: „Steigende Mordrate im Problembezirk Schlechtes Viertel“. Die Bilder, die dazu zu sehen sind, zeigen das ganz normale Kassel. Vorbeifahrende Autos, die Fußgängerzone, nichts, was Angst machen müsste. Aufgenommen aber sind sie mit jener hauruckzoomenden Wackelkamera, die man aus der Kriegsberichterstattung kennt. Und die noch das belangloseste Bild mit Dramatik aufladen kann. Mitunter liegen eben die Schrecken der Welt nur im Auge des Betrachters. In den Regieanweisungen zu ihrem neuesten Stück „Testosteron“ hat sich Rebekka Kricheldorf zur Illustration der Horrorbotschaften aus der Draußenwelt eigentlich ganz schlicht Ausschnitte aus Kriegsfilmen gewünscht. Bei der Uraufführung, die Schirin Khodadadian jetzt auf der Studiobühne des Kasseler Staatstheaters besorgte, wurde daraus ein schönes Irritationsmoment. Nicht die einzige Abweichung von der Vorlage, die sich die Regisseurin erlaubt. Doch einer der wenigen Einfälle, mit denen Khodadadian etwas feiner schleift, was Kricheldorf eine „schwarze Parabel“ genannt hat. Und was als Märchengroteske wohl besser beschrieben wäre. So wie im Wohnzimmer der Klemmers muss man es sich wohl, realistisch betrachtet, nach dem Happy End im Märchen vorstellen. Strotzend vor Gold, Wohlstand und Langeweile. Aber wir sind ja im 21. Jahrhundert, und somit auch videoüberwacht,...

Staatstheater Kassel: „Testosteron“ (UA) von Rebekka Kricheldorf. Regie Schirin Khodadadian, Ausstattung Ulrike Obermüller

Kassel: Hure zu adoptieren

Im gierigen Sex donnern zwei Körper an die Bühnenwände, bis zur totalen Erschöpfung. Doch die zwei Welten, in denen George und Leila leben, berühren sich kaum. George, der alternde, arbeitslose Alkoholiker, ist zu kaputt, um noch sein Leben zu ändern. Leila, die junge Frau mit den arabischen Wurzeln, sehnt sich fort in die ihr unbekannte Heimat ihres Vaters. Nach „Arabien, wo alles gut werden kann“, wo es noch Herzlichkeit gibt und Schutz vor dem Gefühl, sich falsch und fremd zu fühlen in diesem Land, hier „auf der verlorenen Seite der Welt“. Ziemlich am Nullpunkt steht die Begegnung der Kulturen in Azar Mortazavis Stück „Ich wünsch mir eins“, das nun im emma-theater des Osnabrücker Theaters aus der Taufe gehoben wurde. Hier der abgetakelte George „mit Bier im Herzen“, dort die schöne Leila, die neben ihm einschlafen will, sich ein Familienleben und ein Kind von ihm wünscht. Azar Mortazavi, mit iranischen Wurzeln selbst Kind zweier Kulturen, hat für ihr Erstlingsdrama „Todesnachricht“ 2010 den renommierten Else-Lasker-Schüler-Stückepreis erhalten. Ein neues Drama hat sie gerade fertiggestellt, ein Romanprojekt wächst. Gerade hat die erst 28-Jährige ein Studium in Kulturjournalismus und Kreativem Schreiben in Hildesheim abgeschlossen. So fremd und unversöhnlich stehen sich die Welten gegenüber, dass man...

Theater Osnabrück: „Ich wünsch mir eins“ (UA) von Azar Mortazavi. Regie Annette Pullen, Ausstattung Gregor Sturm

Osnabrück: Auf der verlorenen Seite der Welt

Er hat Charisma und eine eigene Meinung. Er ist streitbar und weiß, dass er polarisiert. Er führte ein großes Ensemble erfolgreich und überregional beachtet durch mehr als 30 Jahre. Dabei war er nicht streng, aber konsequent. Er hasste Ignoranz und Faulheit. Er liebte das Theater im guten Sinne. Er war stets aufgeschlossen für Neues und achtete das Alte, das zu pflegen ihm überantwortet worden war: Professor Carl Riha, der am 25. Januar 2013 sein neuntes Lebensjahrzehnt vollenden kann in geistiger Frische und körperlich dem Alter entsprechend guter Verfassung. Er hat sich zeitlebens zu seiner Herkunft aus der Schule Walter Felsensteins bekannt und dessen „realistisches Musiktheater“ vielleicht am konsequentesten von allen Felsenstein-Schülern an einem „normalen“ Theater durchgesetzt. Dabei hat er die Achtung vor dem Publikum nie verloren, das er stets ernst genommen und im Laufe der Jahre nicht nur erzogen, sondern auch auf seine Methode eingeschworen hat. Das Opernhaus Karl-Marx-Stadt im heutigen Chemnitz war im wahrsten Sinne des Wortes sein Haus, hier hat er von 1957 bis 1989 als Operndirektor nicht nur die wesentlichen Werke des klassischen Repertoires, sondern auch viele neue Werke inszeniert und ein Ensemble aufgebaut und gepflegt, das die Vielfalt des Repertoires großartig bedienen konnte. Es ist unmöglich,...

Carl Riha, dem ehemaligen Operndirektor in Karl-Marx-Stadt, zum 90. Geburtstag

Von ihm lernen

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

Etwa um 1970 lernte ich über einen Freund aus der damaligen Bewegung gegen das Apartheidregime in Südafrika einen Ägypter kennen, der schon seit mehreren Jahren in Deutschland lebte und arbeitete und dem wegen seiner linkspolitischen Aktivitäten ständig die Ausweisung aus Deutschland drohte. Sein Hauptwidersacher war der damalige Münchner Kreisverwaltungsreferent und Schwulentoilettenreiniger Peter Gauweiler. Magdy, der Ägypter, war ein überzeugter Widersacher politisch motivierten Unrechts und als Araber folgerichtig auch engagiert für den Kampf der Palästinenser gegen den israelischen Staat und den Zionismus. Von ihm erfuhr ich von gesellschaftlichen und politischen Zusammenhängen und davon, dass alle Ordnung auf Erden nicht von Gott, sondern von Menschen gemacht sei. Gegenüber dem fröhlichen Gesell ohne Hang zu Problemen und ausufernden Interessen, der ich damals war, wurde Magdy zu dem, der diesen vom Himmel heruntergeholt und auf zwei Beine in die gesellschaftliche Wirklichkeit hineingestellt hat. Es dauerte nicht lang, und auch ich war ein Freund der Palästinenser, obwohl ich keinen kannte, und die Zionisten waren auch meine Feinde, obwohl ich von denen auch keinen kannte. Dass hinter Zionisten Juden standen und Juden und Deutsche in einem ganz besonderen Verhältnis zueinander, das sagte mir Magdy nicht. Ich errang nach und nach so was wie ein politisches Bewusstsein....

Das Bleibende

The Case of Digital Arts

Videoarbeiten

Künstlerinsert

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Sie war Gretchen und war Helena. Brillierte als Titelfigur in „Die bitteren Tränen der Petra von Kant“ und natürlich als Mutter Courage. Unvergessen, wie sie in „Guten Morgen, du Schöne“ die Erika verkörperte. Als sie 2008, nun schon als Grande Dame des Deutschen Nationaltheaters Weimar, im „Faust“ des jungen Tilmann Köhler die Zueignung sprechen durfte, sprach aus ihr nicht nur Goethe, sondern auch die Erinnerung. „Ihr naht euch wieder, schwankende Gestalten“, bei diesen Worten, erzählte sie, habe sie Kollegen vor sich gesehen, die bereits gegangen waren: Fred Diesko, der in Weimar Mephisto war. Fritz Bennewitz, der sie von Meiningen in die Klassikstadt geholt und in fast allen seinen Inszenierungen besetzt hatte. Ihre erste Rolle am Nationaltheater, dem sie über 50 Jahre die Treue hielt, war Fausts Margarethe unter Otto Lang. Und nur Monate ist es her, da rollte sie einen Treckerreifen über dieselbe Bühne – als griechische Mythenmutter, die schon alles gesehen hat. Es sollte, obgleich sie mit 76 geistig sehr agil, im Herzen jung und schauspielerisch voller Tatendrang war, neben ihrem Part im Erfurter Musical „My Fair Lady“ ihre letzte Rolle werden. Am 17. Juli 2012 ist die Schauspielerin Rosemarie Deibel gestorben. Unweigerlich wird man, wenn demnächst ein anderer...

Zum Tod der Schauspielerin Rosemarie Deibel

Die Grande Dame

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Der Berliner Regisseur Peter Krüger ist seit 1996 im Rahmen humanitärer Aktionen im Nordkaukasus unterwegs. 2004 begann er dort Projekte mit Texten von Bertolt Brecht zu initiieren. Hier berichtet er aus Inguschetien, wo er gemeinsam mit dem Studio für Theater und Kino Bart in Nasran vom 10. bis 17. September 2012 „Tage mit Bertolt Brecht“ veranstaltete. Nasran, Samstag, 24. August 2012 Die Situation ist schwierig. Am Tage meiner Ankunft wurden in Nasran 14 Polizisten durch einen Bombenaschlag getötet und 64 verletzt. Auch die Anreise war kompliziert. Der Nordkaukasus ist immer noch ein unsicheres Gebiet, der Alltag sehr eingeschränkt. Vom Hotel aus werde ich stets nur in Begleitung in das 400 Meter entfernte Theater gefahren. In Berlin hatte bis zum Schluss hektisches Arbeiten geherrscht. Die russische Post nimmt Waren für Privatpersonen nur bis zu einem Preis von 287 Dollar an. Wir mussten unsere Ausstellung „Bertolt Brecht und das Berliner Ensemble“ in zwei Geschenkpartien umdeklarieren. Poster, Fotos, Programmhefte, Bücher und anderes gingen mit DHL auf den Weg. Für die Ausstellungstechnik wählten wir eine russische Spedition. Gebe Gott, dass alles zur rechten Zeit eintrifft. Sonntag, 26. August Ein Ruhetag, den ich mit Planungsgesprächen verbringe. Der Schauspieler Murtas Osiew leitet unser Projekt für das...

Über ein Brecht-Projekt in Inguschetien. Ein Tagebuch

Und dann kamen die Kriege

Herr Kauffmann, die Zeiten sind unsicherer geworden, hat die Wirtschaft trotzdem noch Spaß am Sponsoring? Der Spaßfaktor dürfte nicht entscheidend sein. Das Sponsoring von Unternehmen und der Finanzwirtschaft hat, glaube ich, nicht nachgelassen. Das Sponsoring für die Kultur ist allerdings mit Blick auf die immensen Summen, die für den Sport verausgabt werden, verhältnismäßig gering. Was mir und auch anderen immer mehr auffällt, ist die Tatsache, dass neben das übliche Sponsoring...

Große Wirtschaftsunternehmen wollen Kultur nicht mehr nur sponsern, sondern selbst gestalten. Der Kulturmanager Bernd Kauffmann im Gespräch mit Frank Raddatz

Vom „Kälbchen“ des Selbermachens

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Der Knall bleibt ihm als erster Klang der Liebe in Erinnerung. Als es an der Kühltheke passiert, ist Jakob erstaunt darüber, welch feine Unterschiede es inzwischen im Quarksegment gibt. Über die feinen Unterschiede im wechselseitigen Aufeinandereinwirken von Akteuren oder Systemen weiß der Doktorand der Kommunikationswissenschaft gut Bescheid, erforscht er doch die Interaktionstheorie im Verhältnis zur Religionsphilosophie Martin Bubers, was aber „den Smalltalk nicht leichter“ macht, wie der Erzähler weiß. Im Supermarkt hat der als Kundenberater einer Bausparkasse jobbende Jakob nun buchstäblich rosige Aussichten: Auf dem Boden vor dem Kühlregal vermischt sich Sahne mit tiefgefrorenen Himbeeren, die eine schöne Unbekannte knallend hat fallen lassen. Wären wir mit Autor Martin Heckmanns, der sein neues Stück mit dem hübsch verallgemeinernden Titel „Einer und Eine“ als Auftragswerk für das Mannheimer Nationaltheater geschrieben hat, nicht unter die intellektuellen Zweifler geraten, würde man den hollywoodschmonzettentauglichen Stückauftakt mit der „Liebe auf den ersten Blick“ beschreiben. Aber so einfach ist es nicht, auch nicht für Grete, die an ihrer Magisterarbeit über den frühen Rilke feilt und nebenher Bedienungsanleitungen aus dem Französischen übersetzt. Die Arbeit macht sie trotz schwelenden Jungakademikerelends gerne, sie hilft ihr aber nicht über Wortfindungsstörungen im zwischengeschlechtlichen Verlegenheitsdialog hinweg. Im Studio des Werkhauses muss Schauspielerin Sabine...

Nationaltheater Mannheim: „Einer und Eine“ (UA) von Martin Heckmanns. Regie Dominic Friedel, Ausstattung Karoline Bierner

Mannheim: Amouröse Etüde

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Das freie Theater gibt es nicht“, lautet der Titel einiger Thesen, die Annemarie Matzke auf der Website der Impulse Theater Biennale 2013 vorstellt. Trotzdem braucht auch ein Phantomtheater Geld. Und genau das erweist sich im Augenblick als Problem. Das Impulse-Festival ist unterfinanziert, denn bislang ist nur eine Förderung von weniger als 600 000 Euro gesichert. Ein Betrag, der 150 000 Euro unter dem notwendigen Mindestbudget liegt und 300 000 Euro weniger ausmacht als 2011 zur Verfügung standen. 300 000 Euro schoss zwischen 2007 und 2011 die Bundeskulturstiftung zu. Mit der letzten Förderung kündigte sie an, dass nach den Regeln des Hauses nach dreimaliger Förderung keine weiteren Subsidien mehr gewährt werden dürfen. Die knifflige Frage, wie trotz dieser Regularien gleichzeitig dem Berliner Theatertreffen jedes Jahr Unterstützung gewährt werden kann, erscheint unserem Laienverstand ähnlich unlösbar wie die Quadratur des Kreises. Wer gehofft hatte, dass das Land NRW einspringen würde, um die Finanzierungslücke zu stopfen, sah sich dieser Tage bitter enttäuscht. Gerade mal 50 Riesen ist man bereit lockerzumachen. NRW will sparen und dabei die Gelegenheit nutzen, sich ein wenig lächerlich zu machen, indem der Posten von 0,34 Prozent, welche die Kultur im Etat des Landes einnimmt, auf lumpige 0,30 Prozent gedrückt wird....

Über das drohende Ende der Impulse Theater Biennale in Nordrhein-Westfalen

Ohne Moos nix los

Personen CARMEN SONJA ACHIM HARALD LEPS FRAU SCHALLER FRAU WOLF FRAU SCHUBERT FRAU TSCHIRCH KRAATZ STEIN I. Teil 1. Vorraum einer Tanzbar. Carmen, Frau Schaller. Frau Schaller Carmen, mach dir die Lippen rot, hier ist es schön. Ab. Auftritt Sonja. Sonja Eh, willst du rein in ein besseres Leben. Ich kenn eine, die hat einen Typen aufgerissen hier, fett war der, eklig. Sie geht mit dem nach Hause, alles Plüsch, schlimm. Dann, der will die sofort heiraten. Du, die heiraten auch, drei Tage später ist der tot, der Fettsack. Sie hat ihn totgeritten. Aber dann hat die alles geerbt, das Haus, sein Geld. Ich war mal bei der, die raucht nur noch mit Mundstück und langweilt sich tot. Frau Tschirch kommt aus dem Barraum. Frau Tschirch Kommst du, Carmen? Geht ab. Sonja Wer isn die? Carmen Wir sind von Arbeit hier. Sonja Machst noch Kartoffeln. Carmen nickt mit dem Kopf. Kartoffeln sind ein dumpfes Gemüse. Ich gehe. Du tackelst ja so. Carmen Meine Schuhe sind mir zu groß. Sonja Bist besoffen. Ich bin auch oft besoffen. Was guckstn so. Kennste den Witz. Sitzt ein Mann in der Kneipe, sagt, ich bin gleich wieder da,...

Carmen Kittel

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Explodierendes Dokumentartheater

„Die Bilder übermalen sich“, so lautet ein Satz, den Christoph Schlingensief häufig gebrauchte und den er auch kurz vor seinem Tod, in einem Blogeintrag vom 7. August 2010, noch einmal variierte. Die Bilder übermalen sich – das gilt natürlich auch zwei Jahre später und umso mehr, als inzwischen einiges Neue an Material veröffentlicht worden ist. Zum Beispiel das Buch „Ich weiß, ich war’s“, herausgegeben von Schlingensiefs Witwe Aino Laberenz, eine Transkription von Tonbändern mit Lebenserinnerungen. („Tonband“ – so steht es im Vorwort: ein schöner Anachronismus, der darauf verweist, wie wichtig für Schlingensief seine Anfänge mit Medien à la Super 8 immer geblieben sind.) Nun hatte Schlingensief, so Laberenz, die Bänder nicht besprochen, um eine Autobiografie vorzubereiten, sondern um beim Erinnern vergessen und damit vielleicht auch neu anfangen zu können – auch dies war also ein Übermalungsprojekt. Herausgekommen ist freilich doch eine Art Autobiografie, wenn auch eine, die sich nicht um die Phantasmen der Chronologie und der Vollständigkeit schert, dafür allen möglichen Assoziationen folgt und dabei auch noch Platz für wunderbar boshafte Spitzen findet, gegen die Zwangsboheme am Prenzlauer Berg etwa oder, natürlich, das Stadttheater samt journalistischem Anhang. (Insgesamt ist Schlingensiefs Ton allerdings versöhnlicher als früher, was nicht heißt, dass er...

Christoph Schlingensief: Ich weiß, ich war’s. Kiepenheuer & Witsch, Köln 2012, 304 S., 19,99 EUR.; Peter Kern Collection: Hamlet – This is your family. DVD, Filmgalerie 451, 2012, 80 Min., 12,99 EUR.

Die Materialverarbeitungsmaschine

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Mit der inhaltlichen Zielsetzung, jungen internationalen Regietalenten eine Präsentations- Plattform zu bieten, bestätigt die zweite Ausgabe von Fast Forward – Europäisches Festival für junge Regie ein Profil, das es kein zweites Mal im deutschsprachigen Raum gibt und das etabliert zu werden lohnt. Kuratorisch betrachtet ist Barbara Engelhardt, die im Alleingang acht Produktionen aus sechs Ländern mitgebracht hat, ein vielfältiges Programm gelungen. Hin und her eilend zwischen den kleinen Spielstätten des Braunschweiger Staatstheaters und dem LOTTheater, waren an zwei von vier Festivaltagen fünf Produktionen zu sehen, die auf ihre je eigene Weise Berechtigung fanden, eingeladen zu werden. Simon Kubisch beispielsweise, alsbald Absolvent der Berliner Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“, brachte mit „Der Bürger“ einen vergessenen Roman von Leonhard Frank aus der Zeit der Weimarer Republik auf die Bühne (das ist sein Verdienst) und lässt (dann aber gewohnt schauspielertheaternd) von einem Brecht’schen Erzähler das Leben eines Bankierssohns nachzeichnen, dessen jugendliche Radikalisierungsbestrebungen recht schnell in Resignation umschlagen. Die szenische Bebilderung zeigt dann: Der Klassenkampf wird zum Klassenkrampf, und weil man „irgendwann nur noch seinen eigenen Bedürfnissen folgt“, landet der Protagonist dann doch als Banker bei der Immobilienspekulation. – Repräsentativ für die Ausbildungsstätte ist das allemal, so leistet die „Ernst Busch“ einen etwas staubigen...

Das Festival Fast Forward blickt von Braunschweig aus in Europas Theaterzukunft

Ade Maria

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Es ist häufig festgestellt worden, dass das Werk Georg Büchners von einer Kluft durchzogen ist, die, den tiefsten Schichten der Geschichte entspringend, die Erdbebenlandschaften des 20. Jahrhunderts geprägt hat. „Hessischer Landbote“ versus „Fatalismusbrief“, Robespierre versus Danton, „Woyzeck“ versus „Leonce und Lena“, kalter Medizinerblick versus „Der Mond ein blutig Eisen“-Romantik – halt- und ruhelos springt Büchners Schreiben zwischen zwei unversöhnlichen Polen hin und her, die immer neue Varianten ihrer selbst generieren. Helmut Schäfer, künstlerischer Leiter und Dramaturg des Mülheimer Theaters an der Ruhr, hat es anlässlich Roberto Ciullis Inszenierung von „Dantons Tod“ (2004) einmal so ausgedrückt: Robespierre und Danton bezeichnen zwei Möglichkeiten, die miteinander im Widerstreit liegen, die aber unterirdisch miteinander kommunizieren. Die Linie Robespierre führt, über „Woyzeck“ und über das Herrschaftswissen des medizinischen Diskurses, zu den großen Katastrophen des 20. Jahrhunderts, zum Schreckensort des Lagers; die Linie Danton hingegen, über „Leonce und Lena“, zum kulturindustriellen Leerlauf und der weltmüden Melancholie des Konsumkapitalismus. Auf beide Linien aber könnte man, mit unterschiedlichen Akzenten, die Formel „Anything goes!“ anwenden, wobei gilt: Wo alles möglich ist, da ist zugleich auch nichts mehr möglich … Nun wird seit geraumer Zeit der „Danton“-und-„Leonce und Lena“-Pol als derjenige wahrgenommen, der stärker mit unserer heutigen Verfasstheit kommuniziert. Geschichtsfatalismus,...

Das Büchner-Jahr 2013 beginnt mit „Woyzeck“ in Mülheim an der Ruhr und einer Büchner-Revue in Düsseldorf

Anatomie oder Talkshow?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Selbst Intendant Holger Schultze räumt ein, sich im neuen Haus schon mal „gnadenlos verlaufen“ zu haben. Das Heidelberger Theater, saniert für rund 60 Millionen Euro, hat nach drei Jahren Umbauzeit wieder eröffnet – als umsortierter, weitläufiger Komplex aus mehreren, auch denkmalgeschützten Bauten unter einem verbindenden Dach. Während andere Bühnen unter Spardiktaten ächzen, bekommt Heidelberg ein neues Theater, und das auch noch zum geplanten Termin (während Stuttgart noch immer vergeblich auf das Ende eines nötig gewordenen zweiten Sanierungsdurchgangs wartet). Hier goldverzierter Deckenstuck, dort helle, schlanke Betonpfeiler: Das umgebaute Heidelberger Theater ist ein Haus der Kontraste geworden – zwischen Schmuckkästchen und modernem Tempel, Spätklassizismus und 21. Jahrhundert. Die Eröffnung feierte man mit einem großen „Blind Date“, an dem fast 50 Theater aus der ganzen Republik teilnahmen. Und mittendrin in dieser Sympathiewoge schwamm Intendant Holger Schultze, der diese Aufbruchstimmung auch mit harten Zahlen belegen konnte – mit einer Verdreifachung der Festabonnements. „Wir könnten Sie jetzt alle hochfahren lassen“, eröffnete Schultze der erstaunten Theatergemeinde und meinte damit die neuen Hubpodien, mit denen sich eine Schräge, aber auch eine Boxring-Arena herstellen lässt. Der Umbau war unumgänglich: 2006 musste das traditionsreiche, mehrfach renovierte Haus, 1853 von Friedrich Lendorf erbaut, aus Sicherheitsgründen vorübergehend geschlossen werden. Mit Beginn...

In Heidelberg eröffnet nach drei Jahren Sanierung ein neues Haus – und das sogar pünktlich

Im Zickzack zum Glück

Dützchen ist tot. Und alle, die erleben durften, wie er im Theater geboren wurde, werden sich ein Leben lang daran erinnern. In Friedrich Karl Waechters „Kiebich und Dutz“ gab Heinz Werner Kraehkamp dereinst das Kleinkind und überzeugte mit virtuoser Spielfreude – zunächst im Schauspiel Frankfurt, dann im Kinofilm. Für die Fernsehfassung erhielt er 1986 zusammen mit Michael Altmann den Grimme-Preis. „Es gab sie, die Zeiten, in denen das Kindertheater Klassiker hervorgebracht hat“, heißt es auf seiner Website. Er und Altmann waren es auch, die 1975 anlässlich der Experimenta zusammen mit Barbara Sukowa Waechters „Schule mit Clowns“ zur Uraufführung brachten. Als Hartmann &amp; Braun, eine Anspielung auf ein Frankfurter Unternehmen, setzten sie Maßstäbe für absurdes komödiantisches Theater; mit „Das Ende vom Anfang“ gastierte das Traumpaar mehr als 500 Mal auf deutschen Bühnen. Heinz Werner Kraehkamp, in Wixhausen bei Darmstadt geboren, war ein Volksschauspieler im hessischsten Sinne – mit Erfahrungen als Artistikclown im Zirkus und als Stuntman bei den Cascadeuren. Noch während der Studienzeit an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Frankfurt am Main spielte er in den 1960er Jahren an der Seite von Liesel Christ in der „Familie Hasselbach“, nach der Jahrtausendwende dann u. a. als Dorfrichter Adam im...

Birgit Minichmayr

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