Berliner Ensemble: Mit Blitzeinschlag

Der Heidelberger Stückemarkt 2025 hat China als Gastland des Jahres gewählt. Die sechs eingeladenen Werke wurden fast alle während der Pandemie geschaffen oder erstaufgeführt und geben somit einen Einblick in das Erscheinungsbild und die Ausrichtung des chinesischen Theaters der letzten fünf Jahre. Thematisch behandeln sie Familienbeziehungen, Migration, Feminismus sowie die historische Interpretation und Dekonstruktion literarischer Klassiker. Sie zeichnen sich sowohl durch Literarizität als auch durch politische Relevanz aus und setzen sich intensiv mit der Realität auseinander. Han Jings „Vierundzwanzig Stunden vor Neujahr werden wir des Lebens müde“ beginnt mit der familiären Szenerie des chinesischen Neujahrsfests, einer der wichtigsten Traditionen in China. Die Autorin versucht, durch das Schreiben ihre eigene Familiengeschichte zu verstehen. Die zu Beginn des Stückes erwähnte Erbkrankheit der Familie wird zum Ausgangspunkt für eine tiefgehende Auseinandersetzung mit der Familiengeschichte. Wie die Autorin selbst sagt: „Man muss sich daran erinnern, wie die vergangenen Generationen gelebt haben.“ Mit dem allmählichen Zerfall des traditionellen Familien­lebens durch die Ein-Kind-Politik ist das gemeinsame Feiern des Neujahrs in Großfamilien zu einer Seltenheit geworden. Während die jüngere Generation in dem Stück nicht nach Hause zurückkehren kann, wird sie von den älteren Familienmitgliedern dennoch schmerzlich vermisst. Han Jing selbst war während des Neujahrsfests 2019 bis 2020...

Neue chinesische Dramatik beim Heidelberger Stückemarkt

Wenn Essen keinen Trost mehr spendet

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Von der Sonne in den Swimming Pool und zurück 

Unsere erste Spielzeit ist etwa 200 Tage alt. Das Wissen um diese Aufgabe ist nun schon fast zwei Jahre da. Noch ein halbes Jahr länger denken wir daran rum. Wir sind fünf: Azeret Koua, Céline Karow, Daniele Szeredy, Josef Bäcker und Lukas Pergande. Fünf Menschen mit unterschiedlichen Perspektiven, Meinungen, Bedürfnissen. Aber kein Kollektiv. Wir leiten ein Haus mit knapp über 50 Mitarbeitenden mit unterschiedlichen Perspektiven, Meinungen, Bedürfnissen. Das Theaterhaus Jena ist traditionell ein Haus für Experimente. Hier soll Theater nicht nur geprobt und aufgeführt, sondern auch strukturell erprobt und weiterentwickelt werden. Ein Leitungsteam darf hier maximal sieben Jahre sein, danach wird Platz gemacht für ein neues Leitungsteam und neue Experimente. Was ist bisher unser größtes Experiment? Vielleicht die anonymisierte Teilausschreibung des Spielplans? Die öffentliche Suche nach einem neuen Ensemble? Der Theateraustausch, in dem Spieler:innen und Produktionen zwischen Budapest und Jena hin und her wechseln? Das für uns größte Experiment sind wohl wir selber: fünf unterschiedliche Menschen, die die Aufgabe und auch das Vertrauen bekommen haben, ein Haus zu leiten. Und das ohne vorherige Leitungserfahrung. Für uns fünf ist das neu. Neuer Arbeitsbereich, neues Umfeld, neue Stadt, neue Verantwortung und eine Kolumne in der TdZ. Wie eine Kolumne schreiben, zu fünft?...

Hier schreiben unsere Kolumnist:innen im monatlichen Wechsel: die Schriftstellerin und Übersetzerin Terézia Mora, die Dramaturgin Anna Bertram und ein Team vom Theaterhaus Jena.

Mitten im Ausprobieren

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Liebe lässt die europäische Eiszeit schmelzen 

Hannah Helbig: Ich starte ja das Stück mit einem Einspieler aus dem Vertrag, den ich für die Hospitanz am Berliner Ensemble unterschrieben habe. Darin gibt es eine Art Schweigeklausel. Doch die ist gar nicht nötig, die Leute schweigen bereits aus Angst vor einem Jobverlust. Ich erzähle überhaupt nichts Neues, alle kennen solche Geschichten. Sie werden nur nicht öffentlich erzählt. Das muss aber passieren. Und ich hatte die Hoffnung, dass sich Leute melden, die ähnliche Erfahrungen gemacht haben, und ein Nachdenken darüber beginnt. Christian Feras Kaddoura: Bei mir ist es etwas anders. Mein Abend ist auch ein Liebesbrief an den Beruf der Regieassistenz, ich habe auch gute Erfahrungen gemacht. Als ich mir deine Performance angeschaut habe, dachte ich, wow, ich habe wirklich mit vielen Regisseurinnen und Regisseuren zusammengearbeitet, die selbst assistiert haben. Da war immer eine Wertschätzung für das, was man tut. Klar, es gibt immer Arschlöcher, aber das, was du erlebt hast, ist schon hart. Ich mache den Beruf weiter sehr gerne. Es kamen viele Assistierende nach der Vorstellung zu mir und haben mir erzählt, wie sehr sie das berührt hat. Hast du nach deinen Erlebnissen überhaupt noch einmal eine Hospitanz am Stadttheater gemacht? HH: Tatsächlich nicht. Ich hab noch...

Sie schneiden Äpfel, richten die Probebühne ein, organisieren, helfen, wo sie können – und manchmal wissen die Regisseur:innen nicht einmal ihre Namen. Eine Hospitantin und ein Assistent haben nun unabhängig voneinander ihre Erlebnisse in Performances auf die Bühne gebracht. Hannah Helbig hat am Berliner Ensemble bei Oliver Reeses Inszenierung von Thomas Bernhards „Der Theatermacher“ hospitiert. Und dabei erlebt, dass der BE-Intendant sich ihr gegenüber fast so rücksichtslos verhielt wie der größenwahnsinnige Bruscon auf der Bühne. Am Ende von „Strukturen und Menschen – Tagebuch einer Hospitantin 2.0“ spielt sie Sprachnachrichten aus dieser Zeit vor, in der sie sehr emotional einer Freundin von den Demütigungen berichtet. Christian Feras Kaddoura ist Regieassistent am Bochumer Schauspielhaus. Sein Stück „Überbrückungszeit – Die Leiden des jungen Feras“ ist viel freundlicher. Aber auch er erzählt davon, dass die Freude am Theater erst zurückkehrte, als er sich wegen eines drohenden Burn-outs für eine Woche krankgemeldet hat. Ein Gespräch über sehr verschiedene Erlebnisse am deutschen Stadttheater.

Zwei „Helferlein“ erheben die Stimme – Hannah Helbig und Christian Feras Kaddoura erzählen in Performances von der Arbeit als Hospitantin und Regieassistent

Burn-out und Weinkrämpfe

Er brauchte einen längeren Anlauf, aber dann gelangte er an den Ort, wo er sich richtig entfalten und seine Inszenierungen in ein inniges Bündnis mit dem Publikum bringen konnte, Theatergeschichte im letzten Jahrzehnt der DDR in Dresden. Wolfgang Engel, geboren am 13. August 1943, fing als Bühnenarbeiter in seiner Geburtsstadt Schwerin an. Später kam ein Elevenvertrag dazu, bis ihm 1965 die Bühnenreife bescheinigt wurde – ein Überspringen der Schauspielschule. Auch die spätere Regiearbeit erlernte er direkt aus der Praxis auf dem Wege von Assistenzen. Als er dann 1980 über Stationen am Theater der Freundschaft (heute Theater an der Parkaue) und dem Dresden schon nahen Radebeul am Staatsschauspiel ankam, versuchte er es als Einstieg mit einem „Volksliederabend“. Ein Teil des konservativ gestimmten Publikums aus dem Dresdner Restbürgertum zerriss in der Kassenhalle demonstrativ die Abo­scheine – so etwas könne auf keinen Fall Theater sein. Doch schon mit der nächsten Inszenierung wendete sich das Blatt. In „Maria Stuart“ mit der blutjungen Dagmar Manzel war bereits alles angelegt, was Engel zu seiner Spezialität machen würde. Einen Klassiker für die Gegenwart durchsichtig werden zu lassen, dabei auch recht frech mit Symbolen und Gesten der Macht umzugehen: Die Königin winkte in erstarrter Haltung mit ihren Staatsbeamten...

Zum Tod des Regisseurs und Schauspielers Wolfgang Engel

Spiele des kritischen Aufbruchs

Ackerbauer oder Pferdetreiber wollte Polonius üblicherweise lieber sein als länger Minister, falls der Prinz von Dänemark seine Tochter Ophelia nicht liebte und deshalb wahnsinnig wurde. In Naumburgs „Hamlet“-Fassung, mit der eine Eröffnungsinszenierung für Ende April vorbereitet wurde, fällt stattdessen das Wort: Schweinepriester. Das steht nicht bei Marius von Mayenburg, dessen Shakespeare-Übertragung sie verwenden. Das war ein Angebot von Polonius-Darsteller Markus Fennert. Bei Mayenburg steht indes tatsächlich der „Hamlet“-Satz: „Wir sind allesamt absolute Schweine.“ Lange Theatergeschichte Mit Schweinen hat’s Naumburgs Theater fortan gewissermaßen. Und Schwein gehabt hat’s obendrein. Deutschlands kleinstes Stadttheater bezog endlich den Alten Schlachthof und vergrößerte sich somit deutlich. Räumlich, nicht personell. Es gibt zwar, finanziert von der Ostdeutschen Sparkassenstiftung, einen „Hamlet“ mit insgesamt neun Schauspielern. Ansonsten bleibt’s aber bei vier festen Stellen fürs Ensemble und acht für alle Mitarbeiter drum herum. Dafür bietet allein schon die Studiobühne mit 70 Plätzen zehn mehr als das alte Stammhaus. Im neuen Theatersaal, in der Grundkonzeption eine flexible Raumbühne, gibt’s derweil 110 Plätze auf der Tribüne. „Das sieht sehr viel mehr nach Theater aus und nicht mehr nach Wohnzimmer“, sagt Markus Fennert. Er meint „diesen piefigen Raum“, von dem Intendant und Regisseur Stefan Neugebauer spricht: das jahrzehntelange Domizil am Salztor in der...

Naumburg: Deutschlands kleinstes Stadttheater erweitert sich im Alten Schlachthof räumlich und konzeptionell

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Stiller Abbau?

Samtener Schutzraum

Leere Bühnen  für volle Köpfe?

Schau mal einer an

Das Nest sauber halten

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Das Gesicht der Sängerin ist mehrere Meter über der Bühne. Ihren Körper sieht man nicht, dafür eine digitale Projektion. Olympia ist ein Automat, einzig geschaffen, um Männerfantasien zu bedienen. Im zweiten Akt der Oper „Hoffmanns Erzählungen“ in der Deutschen Oper am Rhein Düsseldorf interagiert das Ensemble mit Videobildern. Dafür ist das britische Theaterkollektiv 1927 bekannt, es hat auch die berühmte cineastische „Zauberflöte“ von Barrie Kosky gestaltet. Hoffmann steht auf dem Boden unter Olympia. Beide bekommen in der Projektion weiße Flügel, scheinen wie Engel in den Himmel zu schweben – und stürzen ab. Solche Bilder sind mit konventionellen Bühnenbildern kaum möglich oder extrem aufwendig. Digitale Projektionen geben den Regieteams viele Möglichkeiten. Deshalb setzen sie sich durch, nicht nur in Experimentalformaten der Off-Szene, sondern auch auf den großen Bühnen. Es entstehen neue Berufsbilder. Sie tragen verschiedene Namen und haben unterschiedliche konkrete Aufgaben. Aber alle haben mit Digitalität zu tun und verbinden Kunst und Technologie. Eben das ist die Aufgabe der vor sechs Jahren gegründeten Akademie für Theater und Digitalität in Dortmund. Neben der künstlerisch-technischen Forschung und der Fort- und Weiterbildung war von Beginn an auch die Ausbildung eine der geplanten Säulen. Seit Dezember 2018 wurde er geplant, nun hat er begonnen, der...

Die Akademie für Theater und Digitalität in Dortmund startet einen Masterstudiengang

Neue Berufsfelder erfinden

Thomas Irmer: Was war Ihr Ansatz für diese neue Herausforderung? Und warum haben Sie diesen kuratorischen Job in solch schwierigen Zeiten angenommen? Willem Dafoe: Oh, es schien für mich eine interessante Herausforderung zu sein. Es ist nicht das, was ich normalerweise mache. Es gab mir die Möglichkeit, ein Programm zu gestalten, das genau den Dingen entspricht, die ich am Theater liebe. Venedig, die Biennale – das ist eine hervorragend organisierte Institution. Sie verfügen über wunderschöne Räume. Wenn man hierherkommt und sich die Spielstätten anschaut, ist man einfach überwältigt von ihrer Schönheit – hier muss einfach großartiges Theater rein. Ich habe also diese Struktur im Rücken und kann ein gutes Programm entwerfen. Das ist eine Herausforderung, aber genau das hat mich gereizt. Sind Sie durch alle Theaterhauptstädte der Welt gereist? Ihr Programm sieht eher so aus, als hätten Sie von Anfang an ein klares Konzept gehabt. WD: Als man mir im Juli letzten Jahres die Berufung bestätigte, dachte ich ehrlich gesagt: Der einzige Weg, wie ich hier wirklich etwas zusammenbringen kann, ist, das zu tun, was ich kenne. Ich wollte nicht „einkaufen“ gehen, nicht herumreisen, um zu sehen, was gerade „angesagt“ oder „aktuell“ ist. Also stattdessen … WD: … habe ich...

Willem Dafoe über die Biennale teatro in Venedig im Gespräch mit Thomas Irmer

Ich arbeite einfach gern

Erst der Wald, dann der Boden

Die Party läuft schon, als das Publikum den Saal betritt. Zwei geschwungene Treppen führen zur Band nach oben, eine Sängerin intoniert „Puttin on the Ritz“ und andere Jazzstandards. Ein großes Tanzensemble kombiniert Line Dances mit Paarhüpfen in Glitzerkostümen aus den zwanziger Jahren. Wir sind gleich mittendrin in einer der Partys, die der mysteriöse Jay Gatsby in seiner mondänen Villa schmeißt. Wer in den ersten Reihen sitzt, hat sogar Chancen auf eine Tüte Popcorn. Es ist ein toller Einstieg in die stimmungsvolle und knackige Bühnenfassung eins der großen amerikanischen Romane des 20. Jahrhunderts. Rebekka Kricheldorf hat in ihrer Bearbeitung dafür gesorgt, dass nicht nur verletzte Männerseelen im Zentrum stehen. Die meisten Frauen sind zwar Projektionsflächen erotischer Begierden und machen das Spiel auch mit. Aber sie tun es aus eigenem Antrieb, versuchen ihre Vorteile daraus zu ziehen, reißen an sich, was sie können, voller Lebensgier und Lüsternheit. Ein junger Mann ergreift das Wort. „Nein, ich bin nicht der große Gatsby“, sagt er. Es ist Nick, der Erzähler, der ein viel kleineres, viel bescheideneres Haus direkt neben der Villa gemietet hat. Er will seine Cousine besuchen und gerät bald in den Bann des reichen Mannes. Mit all dem Luxus kann Nick zwar nichts...

„Der große Gatsby“ von Rebekka Kricheldorf nach F. Scott Fitzgerald – Inszenierung und Bühne Malte Kreutzfeld, Kostüme Sandra Maria Paluch, Musikalische Leitung Oliver Siegel, Choreografie Felix Berning

Theater Bielefeld: Verloren im Rausch

Mit der Pfeilspitze ins Herz hinein

Bewegen, Zeichnen, Überzeichnen

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

In der Kammer des Deutschen Theaters winden sich fossile Wesen. Sie sprechen aus einem vernebelten Aquarium, krabbeln über den Boden und treten dicht an uns heran. Ihre Gesichter sind faltig – lange Nasen, schiefe Zähne, zottelige Haare – und ihr Humor: scharfsinnig. Sie kommen von weit unten, aus den tiefsten Schichten dieser Erde, aus der schwarzen Einheit. Sie sind das Erdöl, das Objekt der Begierde, nach dem der freie Markt hemmungslos bohrt. Sie sind der Chor der toten Tiere, den die Regisseurin Theresa Thomasberger für ihre Inszenierung von Amir Gudarzis „Wonderwomb“ zum Leben erweckt. In einer schnellen Szenenabfolge führt er uns mitten in einen Wirbel erschreckender Gleichzeitigkeit: zwischen einem Drohnenangriff in Bagdad und einem durch romantische Zurückweisung aus der Bahn geworfenen New Yorker Börsenspekulanten. Der Chor begleitet uns auf eine Expedition durch die finsteren Abgründe der Petromaskulinität – der patriarchalen Struktur unserer globalen Klimapolitik. Fast wie ein Gruselkabinett. Eine Horrorshow? Ein bisschen von beidem, aber mit einem wesentlichen Unterschied: Es wird nicht vor Angst geschrien. Es wird gelacht. Und in dieser Setzung liegt bereits eine der Kernkompetenzen Thomasbergers. Da, wo Macht verhärtet, greift die Regisseurin beherzt zu und lädt zum Lachen ein. Denn solange wir lachen können, sind wir dem...

Die Regisseurin Theresa Thomasberger ist Feministin – und baut Gruselkabinette

Zwischen Finsternis und Lachen

Publikumserregung mit Extradimension

Thomas Irmer: Wenn Sie jetzt an den gerade verstorbenen Trolle denken, was fällt Ihnen als Erstes ein? Frank Castorf: Er hat immer so leise, gleichmäßig gesprochen, immer freundlich mit seinem blauen Pullover, einem Seemannspullover. Trolle war an einigen Punkten eng mit Ihrer eigenen Geschichte im Theater verbunden, Ihre Uraufführung von „Hermes in der Stadt“ 1992 gilt für den damals schon fast 50-jährigen Autor als später Durchbruch. FC: Es war noch kurz vor der Volksbühne, da war ich an einem Theater, was noch ein Deutsches, also ein ostdeutsches Theater war. Die hatten einen Intendanten, Dieter Mann, einen Künstler, der sich sehr eingesetzt hat für alles, was man so als Aufbruch bezeichnet hat. Davon ist nichts übrig geblieben. Aber hier schließt sich für mich ein Kreis, weil ich ja jetzt gerade in Dresden mit Büchners „Dantons Tod“ beschäftigt bin. Ich sollte schon 1987 am DT anfangen. Da haben sie mir damals „Die Sache Danton“ von Stanislawa Przybyszewska angeboten, die die Französische Revolution in zwei Stücken bearbeitet hat nach den gleichen Quellen, die Büchner auch zur Verfügung hatte. Ende der 1920er Jahre hatte sie „Die Sache Danton“ geschrieben und auch „Thermidor“ über das Ende der Jakobiner. Ein gewaltiges Stück, es war ihre Abrechnung...

Frank Castorf erinnert sich an Trolle im Gespräch mit Thomas Irmer

Dramatiker der Sprachexplosionen

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Mit zwei Wassereimern läuft ein Mann durch die Stadt. Mitten in der Nacht steigt er in die Linie 5, um an den Stadtrand zu fahren, Da gießt er einen Baum. Er sei „einer, der glaubt, dass er mit zwei Eimern die Welt retten könne“, sagt sein Arbeitskollege Albert. Eine Welt, die nicht nur wegen des Klimawandels aus den Fugen geraten ist. In solch unsicheren Zeiten arbeitet Luc Teichmann als Versicherer. In ihrem Monodrama „Eschenliebe“ erzählt die Dramatikerin Theresia Walser nicht nur die Geschichte eines Menschen, der eins werden will mit der Natur. Mit ihrer Sprachkunst erschafft sie das Porträt eines Mannes, der dem Gefängnis seiner Büros entflieht. Dabei entfaltet sie einen Humor, der ansteckt. Die Regisseurin und Dramaturgin Tina Brüggemann fördert in ihrer Inszenierung am Theater der Stadt Aalen die erotische Komponente des Textes zu Tage. Auf diesen Spagat lässt sich der Schauspieler Philipp Dürschmied mit enormer Kraft ein. Dass seine Figur mehr ist als der frustrierte Sachbearbeiter, der gefangen ist auf seinem Bürostuhl, das spürt man schnell. Mit leiser Stimme flirtet er mit seinem Baum, den er liebevoll „Ash“ nennt. Das ist die englische Übersetzung für Esche – das Wort hat aber eine doppelte Bedeutung und steht auch für...

„Eschenliebe“ von Theresia Walser – Regie und Bühne Tina Brüggemann, Kostüme Stephanie Krey

Theater der Stadt Aalen: Komödienkunst wie ein Windhauch in den Wipfeln

Deutsches Nationaltheater Weimar: Drei Fiktionen für dreizehn Millionen Schicksale

Woran erkennt man eine Kulturjournalistin in einer veritablen Lebenskrise? Erstens: Sie benutzt das Wort veritabel anstelle von „echt“. Zweitens: Sie geht nicht mehr ins Theater. Warum? Weil das Theater sie nicht mehr berührt. Theater ist Beruf. Zitatfetzen, Punchlines, Szenenbeschreibungen und Assoziationen, mehr oder weniger lesbar in ein A5-Notizbuch gekritzelt. Bis zu einem Tag im Mai vergangenen Jahres. Auf der Bühne im Schauspiel Leipzig flippen zwei Herren in einem Wald Steine. Sie kommen ins Gespräch und stellen fest, dass sie beide Fußballprofis sind, beide bei Real Madrid spielen und beide – was für ein Zufall – bereits dreimal die Champions League gewonnen haben. Da passiert es: Die Kritikerin schmunzelt. Aus dem Schmunzeln wird lautes Lachen. Und gleich darauf Rührung, wenn sich beide – stets in der dritten Person Plural – die wohl höflichsten Komplimente der Theatergeschichte machen: „Ich sprach von ihren Augen und wie sehr ich sie mag. Und dass sie dann am schönsten sind, wenn sie mich ansehen.“ Ruhige, unaufgeregte Blicke, geradezu minimale Gesten des Sich-Annäherns, ein schüchternes Lächeln und dann: „Sie haben recht, ich sehe sie.“ *Boom*, entwaffnet. Ich frage mich, wann ich das letzte Mal zwei Menschen so zärtlich miteinander habe umgehen sehen. Im echten Leben UND auf...

An dieser Stelle greift TdZ-Redakteurin Lina Wölfel Phänomene der
Theaterwelt auf.

Wir gehen rein

Beim Gastspiel des ukrainischen Ivan Franko Nationaltheaters aus Kiew in Stuttgart flossen Tränen. „Die Hexe von Konotop“, eine Erzählung des Autors Hryhorij Kvitka-Osnovyanenko aus dem Jahr 1833, berührte nicht nur die Geflüchteten aus dem kriegsgeschüttelten Land im ausverkauften Schauspielhaus. Als die Zuschauer:innen den Saal verließen, sangen sie gemeinsam. Beim Europäischen Theaterfestival war Iwan Urywskyjs aktuelle Inszenierung des Stückes zu sehen. Der Text zählt für Schüler:innen in der Ukraine zur Pflichtlektüre. In der Satire bietet eine starke Frau aus einem kleinen Dorf den russischen Militärs die Stirn. In Kriegszeiten gewinnt dieser Plot eine neue, beklemmende Aktualität. Selbst in die ukrainischen Kinos kam „Die Hexe von Konotop“. Mit ihrem Horrorstreifen trafen Regisseur Andriy Kolesnyk und Drehbuchautor Yaroslav Wojciešek 2024 aber offenbar nicht den Nerv des Publikums. Dagegen fand Regisseur Urywskyj im Nationaltheater zu einer zeitlosen, klugen Theatersprache. Drei fahl geschminkte Schauspielerinnen sitzen am Anfang an einer Mauer. Der geweißelte Stein scheint sie zu verschlingen. Doch sie rühren sich nicht. Bis sie von den russischen Soldaten als Hexen gebrandmarkt werden. Folkloristische Musik und die grausame Poesie des Textes verschmelzen in der Regiearbeit zu einer faszinierenden Ästhetik. „Die Eigenheiten des ukrainischen Theaters entdecken“ wollte Burkard C. Kosminski, der Stuttgarter Schauspiel-Intendant, mit dem Gastspiel. Zu...

Das Europäische Theaterfestival in Stuttgart löst den Dramatiker:innenpreis des Landes Baden-Württemberg ab

Nichts weniger als die Freiheit steht auf dem Spiel

Der Notfall als Prinzip

Neue Dramatik trifft Figurentheater

Dober Dan, Ljubljana

RambaZamba Theater Berlin: Riesenspaß mit Hintersinn

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Es ist Kriegsende, Millionen Deutsche sind auf der Flucht aus Polen, die Frau zieht einen Leiterwagen auf Wegen übers Land, vollgepackt mit dem lieben Bisschen und drei Kindern, und als sie in das Dorf zurückkommt, in dem sie früher gelebt hat, hilft sie, die DDR aufzubauen. Früher hießen Serien noch Mehrteiler. Jedenfalls haben diesen Mehrteiler „Wege übers Land“ fast 80 Prozent der DDR-Bevölkerung angesehen, ein Straßenfeger an drei Abenden im September 1968. Es gehört schon Chuzpe dazu, diesen bedeutungsgeladenen Stoff auf eine Theaterbühne zu bringen. Es ist seine letzte Inszenierung, bevor Schauspielchef Maik Priebe das Theater Neubrandenburg/ Neustrelitz verlässt. „Wege übers Land“, erstmals auf einer Theaterbühne, unweit des Ortes also, an dem Helmut Sakowski dieses überaus erfolgreiche Nachkriegsepos geschrieben hat. Und wenn’s ginge, wünschte man auch diesem Theaterabend 80 Prozent der Deutschen als Zuschauer:innen. Gertrud Habersaat wird hier gespielt von Stephanie Schönfeld, von Maik Priebe als Gast für die Inszenierung eingeladen, eine Schauspielerin, die man aus Andreas-Dresen-Filmen kennt. Fünf Stunden lang war sie als Gertud Habersaat in dieser Inszenierung fast ununterbrochen auf der Bühne. Sie ist die Figur, an der sich einerseits die Geschichte horizontal durch die Zeit bewegt. Als Gertud Habersaat macht sie andererseits selbst auch noch eine persönliche...

„Wege übers Land“ nach dem Roman von Helmut Sakowski – Regie Maik Priebe, Bühnenbild Susanne Maier-Staufen, Kostümbild Christine Jacob, Sounddesign Johannes Winde, Dramaturgie Annett Hardegen

Theater und Orchester GmbH Neubrandenburg / Neustrelitz: Zugvögel in Sepia

Lego meets Ikea

Was wäre die deutsche Literatur ohne die kleinen, wagemutigen Verlage, die so viele Erstdrucke nachmals berühmter Werke in die Welt gesetzt haben, häufig anonym, um sich selbst und den Autor nicht zu gefährden, manchmal mit imaginierten Namen und Druckorten? In der Weygandschen Buchhandlung erschien 1774 der Erstdruck von „Werthers Leiden“, und der Verleger hatte nichts davon, als sich, von Rechtsverhältnissen unbehelligt, die Nachdrucker zuhauf auf den exzeptionellen Text stürzten. Wer kennt noch die Eichenbergischen Erben, bei denen im gleichen Jahr die zweite Auflage des „Götz von Berlichingen“ erschien; der Erstdruck hatte nicht nur den Verlag, sondern auch den Autor verschwiegen. Novalis’ Schriften kamen 1802 in der Berliner „Buchhandlung der Realschule“ heraus, und 1835 verlegte J. D. Sauerländer Büchners „Dantons Tod“ in so wenigen Exemplaren, daß eines davon heute 4500 Euro kostet. Aber das Stück war in der Welt, keine Erbin konnte es mehr verbrennen. Was wäre aus Nietzsche geworden, wenn nicht der Leipziger Kleinverleger Fritzsch Geld und Mut an den exzentrischen Weltbetrachter gesetzt hätte? So könnten wir fortfahren und würden begreifen, daß bis heute die Entdeckerlust und Risikobereitschaft kleiner, auf der Initiative wagemutiger Literaturfreunde beruhender Verlage ein Netz über Deutschland spannen, ohne dessen stille Tragfähigkeit das, was wir Literaturgesellschaft und...

Laudatio zum Kurt-Wolff-Preis 2025 an den Verlag Theater der Zeit

Ruhm den Kleinen!

Ich arbeite seit fünf Jahren in Thüringen. Erfurt ist die einzige Landeshauptstadt, die kein eigenes Schauspiel- und Tanzensemble mehr hat. Die Idee der Fusionierung der Schauspiel- und Tanzsparte mit dem Nationaltheater Weimar als spätere Folge der politischen Umbrüche 1989 scheiterte. Entsprechend dieser emotionalen und kulturellen Lücke wurde nicht nur ein gesamter Kulturort samt Sparten geschlossen, sondern ein Publikum sich selbst über-, ja, sogar zurückgelassen. Diese kulturpolitische Entscheidung vor nun über 20 Jahren hat emotionale Wunden bei den Einwohner:innen Erfurts hinterlassen. So steht auf der Wand im Eingangsbereich zur großen Bühne geschrieben: „Heute fehlt der Stadt ein entschiedenes Profil, nämlich das Schauspiel. Nicht nur als Haus.“ Das ehemalige Alte Schauspielhaus ist ein architektonisches Mahnmal gegen den Kulturabbau. Doch mit diesem Denkmal zeigen sich die Erfurter:innen nicht einverstanden und beweisen 2019, wie die Zivilgesellschaft einem Kulturort seine Würde zurückgibt. Es wurde eine Kultur­genossenschaft (KulturQuartier Schauspielhaus) gegründet, die in kurzer Zeit Genossenschaftsanteile im Wert von einer Millionen Euro verzeichnet und damit das Gebäude der Stadt abkaufte. Die Bürger:innen der Stadt nutzen die Idee der Allmende und kaufen bis heute Anteile im Wert von 1000 Euro. Auf diesem emotionalen Humus baut das PHOENIX Theaterfestival auf und schafft gemeinsam mit den Partner:innen des KulturQuartiers sowie...

Vom Wenden der Not in einer Zeit ohne Antworten

Thüringer Befund

Bodyhorror/Tarantino

Bilder im Takt eines Textes

R Ä U M E

Alle Kritiker:innen, Kurator:innen, Festivalleitungen, Produzent:innen und Dramaturg:innen kennen diese Theaterreisen. Zu Showcases und Festivals. Müde von der Reise, angekommen in einer Stadt, in der man vornehmlich das Theater sehen wird, ist es schön, alte Bekannte zu treffen, die man genau zu diesen Anlässen und nur in diesen Kontexten trifft. Die einladenden Institutionen, Häuser und Festivals sorgen für angenehme Unterbringung, erweisen größte Gastfreundschaft und bieten bei Snacks und Getränken Raum für gemeinsamen Austausch. Das Programm zu sehen, ist der eine Aspekt, der andere ist die internationale Vernetzung der Akteur:innen. Alle Anwesenden sind es gewohnt, viel Theater zu sehen. Theater ist der Beruf (s. auch <a href="https://tdz.de/artikel/633a946a-9cd4-49d3-8cab-951a091e834f">„Wir gehen rein“</a>). Das Gesehene wird anhand hoher, internationaler Maßstäbe bemessen. Alle sind hier fürs Theater, alle nehmen Reisen und Mühen auf sich. Der Austausch – gerade in diesen Zeiten – ist nicht nur ideell wichtig, sondern in diesen Kontexten, in denen es auch immer um Verkaufsinteressen von Produktionen und die Sichtbarkeit der Häuser und Institutionen geht, essenziell. Das Jan Kochanowski Theater Opole macht beim jährlichen Showcase mit Übertiteln die Produktionen der vergangenen Saison zugänglich. In dieser Ausgabe zum 50-jährigen Bestehen des Theaters waren auch Gastspiele dabei. So wurde das Wochenende mit „Madre“, einer Produktion von...

Polnisches Theater beim Showcase in Opole – sakrales Planking inklusive

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

sogar theater Zürich: Easy said, but schwer getan

Das Ährenfeld als stille Utopie

Unruhig kreisen Vögel im digitalen Raum. Die Welt der Protagonistin Lise Mundus im Roman „Gesichter“ ist aus den Fugen geraten. Feste Fundamente, auf denen sie sich einst bewegt hat, wanken. Eingesperrt in einer Klinik, nimmt sie ihre Umgebung anders wahr. In dieser wirren Welt bewegt sich die Schauspielerin Sibylle Canonica. Bedrohlich bewegt sich die schwere, düstere Decke auf die leidende Frau herab. Dieses Gefängnis hat die Autorin Tove Ditlevsen in ihrer ausdrucksstarken, emotionsgelähmten Sprache brillant beschrieben. Auf der Bühne des Marstall-Theaters im Residenztheater München spielt sie in einem ungewöhnlichen Raum. Denn unsichere Böden und einstürzende Mauern erlebt das Publikum virtuell. Die Zuschauer:innen tragen Augmented-Reality-Brillen. Das Projekt hat Digitaldramaturg Ilja Mirsky gemeinsam mit der jungen Regisseurin Elsa-Sophie Jach realisiert. „Die Grenzen zwischen Realität und Illusion verschwimmen zu lassen“, das reizt den 29-jährigen Experten für digitales Theater. Er hat an der Universität in Hamburg einen Master-Abschluss in Performance Studies gemacht, in Tübingen studierte er Kognitionswissenschaften. Die Schnittstellen von Schauspielkunst und digitalen Medien auszuloten, findet er spannend. Stellenprofil selbst entwerfen Am bayerischen Staatstheater kümmert er sich seit der Spielzeit 2022/23 um die neuen technischen Möglichkeiten am Theater. Auch als Produktionsdramaturg bringt er seine Expertise in die Inszenierungen des „Resi“ ein. Dass sich Ensemblemitglied...

Ilja Mirsky realisiert am Residenztheater in München Visionen eines immersiven Theaters und unterrichtet an der Akademie für Darstellende Kunst in Ludwigsburg

Berufsbild: Digitaldramaturg

Ja, er lebt noch – oder: Brecht is back!

Dramaturgie der Solidarität

Belgrad: Nikita Milivojević nicht als künstlerischer Leiter von BITEF verlängert

Zerbrochene Familiengeschichten

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Ermahnt, kurz zu sprechen, maximal fünf Minuten, bleiben drei Gesichtspunkte, die es vor allem wert sind, heute hier vorgebracht zu werden. Zunächst: Auch ich danke der Kurt Wolff Stiftung, dass sie heute den Kurt-Wolff-Preis an unseren Verlag, an Theater der Zeit, verleiht – und das völlig zu Recht. Vielleicht darf ich, der ich den Verlag 1993 gründete, mit Partnern, einer von Ihnen ist heute unter uns: es ist Friedrich Dieckmann, vielleicht darf ich den Preis auch als wertschätzende Krönung meiner Arbeit über mehr als 30 Jahre werten. Der heutige Tag ist eine große Genugtuung und Ehre für mich. Ich teile sie mit allen Mitarbeiterinnen und Mitarbeitern des Verlags. Was auch gerechtfertigt wäre: Hätten wir den Preis bereits eher, vielleicht zehn Jahre eher zugesprochen bekommen, so hätte es ein Mann noch erleben können, dem der Verlag viel verdankt. Ich hätte es ihm sehr sehr gegönnt. Ich spreche von Martin Linzer, dem lang gedienten Redakteur der Zeitschrift Theater der Zeit und ersten frei gewählten Chefredakteur nach der Wende. Ich nehme ihn symbolisch mit auf in den Kreis der heute hier Prämierten, dessen Denk- und Arbeitsethos die wesentliche Grundlage des Arbeitens in unserem Verlag bildete und noch immer bildet. Der das TdZ-Gen begründete...

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Das Thema Hitze  wird in Zukunft  auch dazugehören

Lara Wenzel: Die Antike ist voll von ambivalenten Frauenfiguren. In deinen Königinnen-Dramen erzählst du die Mythen um Phädra, <a href="https://tdz.de/artikel/6878e64d-8c33-415f-973c-617244d40bd6">Penthesilea</a> und <a href="https://tdz.de/artikel/f28c78e8-8138-4be3-91a1-30d926b8aa88">Klytämnestra</a> neu. Wieso hast du dich gerade für diese drei Figuren entschieden? Nino Haratischwili: Eigentlich kann man endlos so weitermachen. Ich habe mich bei den Figuren danach gesehnt, dass man nicht klar sagen kann, das ist eine ‚gute‘ Figur. Es sollten keine klassischen Opfer, liebenden Mütter, ergebenen Ehefrauen sein. Ich wollte mich schon länger mit Phädra beschäftigen. So ist 2023 „Phädra, in Flammen“ entstanden. Als ich begann, daran zu schreiben, war ich gerade in Georgien, wo es politisch auf und ab ging. Das hat das Drama in eine ganz andere Richtung gezogen. Diese Auseinandersetzung wühlte mich weiter auf und so kam ich auf <a href="https://tdz.de/artikel/6878e64d-8c33-415f-973c-617244d40bd6">Penthesilea</a> und <a href="https://tdz.de/artikel/f28c78e8-8138-4be3-91a1-30d926b8aa88">Klytämnestra</a>. Was die drei eint, ist der Machtstatus. Es sind privilegierte und streitbare Frauen. Die Frauen sind zwar mächtig, aber diese Macht bringt ihnen nicht viel. Sie enden tot auf der Bühne – wie es in Tragödien oft der Fall ist. NH: Ganz kann ich nicht zustimmen, denn es geht bei Penthesilea und Klytämnestra um selbstbestimmte Tode. Das entspricht nicht dem Ophelia-Prinzip, denn das Geschlechterverhältnis ist hier nicht so eindeutig. In meiner Version dient...

Nino Haratischwili über ihre Antiken-Trilogie, Hoffnung und Verzweiflung in Georgien im Gespräch mit Lara Wenzel

Die Rache der Königinnen

Die Signatur unserer Zeit

Die Grenzen der Freiheit

Stück Labor 2023/24

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

München: Auswahl für Radikal jung Festival

Mit blinkenden Lichtern, grotesken Körpern und zum himmelschreienden Lügen lockt der Jahrmarkt als Ort der Grenzüberschreitung. Ob in Büchners „Woyzeck“ oder Ödön von Horváths „Kasimir und Karoline“, dort treffen sich Arbeiter:innen, um die Zwänge des Tages abzustreifen, zu gaffen und zu träumen. Hinkemann wechselt in Ernst Tollers gleichnamiger Tragödie die Seiten. Vor dem ersten Weltkrieg stand er noch in der Fabrik, danach findet er traumatisiert und versehrt keine Anstellung mehr. Einst ein stolzer Arbeiter verdingt sich Eugen Hinkemann nun als Jahrmarktsattraktion. Der abgehalfterte Budenbesitzer, karikaturartig gespielt von Grian Duesberg, bewirbt den „Bärenmenschen“ spöttisch als deutschen Mythos und Helden, den man für ein paar Mark dabei beobachten kann, wie er lebenden Mäusen und Ratten die Kehle durchbeißt. Die Entmenschlichung Hinkemanns vollzieht sich vor dem expressionistischen Triptychon „Der Krieg“ von Otto Dix, mit dem Bühnen- und Kostümbildnerin Barbara B. Blaschke das bunte Rummeltreiben kontrastiert. Der deutsche Nationalismus und seine in Schützengräben und Gasangriffen ausgetragenen Folgen bilden den Hintergrund des 1923 uraufgeführten Dramas. Ausgehend vom Schicksal Hinkemanns, dem auf dem Schlachtfeld der Penis und sein männliches Selbstbewusstsein weggeschossen wurden, fragt Toller welchen Platz die innerlich und äußerlich verwundeten Kriegsheimkehrer in der Weimarer Republik haben können. Dabei geht der Sozialist Toller auch mit seinen...

„Hinkemann“ von Ernst Toller – Regie Manuel Schöbel, Bühne und Kostüm Barbara Blaschke, Komposition Berthold Brauer

Landesbühne Sachsen: Vom Mann zum Homunkulus

Mit nachhaltiger Kunst  die Menschen berühren

Am 25. September letzten Jahres betrat Milo Rau die Bühne des Madlenianum-Theaters in Belgrad, um die Eröffnungsrede der 58. Ausgabe des Belgrader Internationalen Theaterfestivals ­(Bitef) zu halten. In seiner typischen, mitreißenden Art kritisierte er die europäische Heuchelei in Bezug auf Nachhaltigkeitsfragen und verwies dabei speziell auf das geplante Lithiumabbauprojekt von Rio Tinto im Jadar-Tal, gegen das es in Serbien großen öffentlichen Widerstand gibt. Olaf Scholz hatte Serbien kürzlich besucht, um die europäische Lithiumversorgung zu sichern, und Rau, dessen Inszenierung von „Antigone im Amazonas“ Teil des Festivalprogramms war, verglich ihn mit Kreon. Die Rede wurde an dem Abend mit Jubel und Applaus aufgenommen, doch die Stadtbehörden zeigten sich deutlich weniger erfreut. Während des Festivals machten sie ihren Unmut deutlich und setzten die Organisatoren unter Druck, sich von Raus Aussagen zu distanzieren. Der Druck schien zunächst nachzulassen, Anfang dieses Jahres erfuhr Nikita Milivojević, der seit 2023 als Künstlerischer Leiter von Bitef tätig war, dass sein Mandat nicht verlängert wurde. Milivojević ist überzeugt, dass diese Entscheidung politisch motiviert war. „Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“, sagt er. Derzeit ist unklar, wer die Position übernehmen wird oder ob überhaupt ein neuer Künstlerischer Leiter ernannt wird. Das bringt das Festival in eine schwierige Lage....

Nachdem Nikita Milivojević als Künstlerischer Leiter von Bitef abgesetzt wurde, ist unklar, ob das serbische Theaterfestival im September überhaupt stattfinden kann – währenddessen erlebt das Land die größte Protestwelle seiner Geschichte

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Schauspiel Stuttgart: Überleben in der Karaokebar

Die Unsterblichkeit des Theaters

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Was macht das Theater, Alexander Scheer?

Im Protest gegen die Haushaltskürzungen verhüllten Studierende der Universität der Künste das Gebäude in der Hardenbergstraße in Charlottenburg. „Dieser schwarze Balken soll ein Trauergewand für unsere Universität sein und symbolisieren, dass durch die Kürzungen ein wichtiger Teil der Berliner Kultur- und Wissensproduktion verhindert, quasi geschwärzt, wird“, erklären die Aktiven der Initiative Bildung Braucht Budget!. Die studentische Gruppe setzt sich gegen die Kürzungen des Etats durch den Berliner Senat ein. Statt rund 100 Millionen Euro, die die UdK zuvor von der Stadt erhielt, soll die Ausbildungsstätte nun acht Prozent weniger bekommen. Viele Kosten der Universität sind fix, nennenswerte Rücklagen fehlen ebenfalls. Gekürzt werden kann vor allem beim Lehrpersonal, was Einsparungen in Höhe von 30 Prozent in den Fakultäten zur Folge hat. Praktisch heißt das, dass offene Stellen nicht nachbesetzt, festangestellte Mitarbeiter:innen durch Lehraufträge auf Honorarbasis ersetzt werden und sich die Qualität der Lehre verschlechtert. Mit der Aktion Ende Februar mobilisierte die Protestgruppe viel Aufmerksamkeit; jetzt fragen sich die Aktiven, wie sie im Sommersemester Protest und Lehre verbinden können. Ein Arrangement mit den geschrumpften Ressourcen kommt für sie nicht infrage. Sie arbeiten weiter daran, in Zusammenarbeit mit der Unileitung und den Dozierenden die Lehre experimentell fortzusetzen und so gleichzeitig den Protest nach...

Die Folgen der Kürzungspolitik betreffen nicht nur die Lehre an der Berliner UdK

Wenn die Unis Trauer tragen

Die Zukunft nebenan

Bevor du deine erste Festivalausgabe präsentiert hast, gab es Kürzungsankündigungen durch die Stadt Köln. Das Programm wirkt aber noch umfangreicher als vorher. Wie geht das zusammen? FW: Die Kürzungen aus Köln scheinen zum Glück zumindest für diese Ausgabe vom Tisch. Uns wurde der volle Beitrag aus Köln für die Impulse zugesagt, auch wenn der Haushalt noch nicht final verabschiedet ist. Dass das Festivalprogramm umfangreicher wirkt, liegt wahrscheinlich an der veränderten Programmstruktur: Wir präsentieren das Festival nun an drei verlängerten Wochenenden nacheinander mit Produktionen aus allen drei Programmschienen, Showcase, Post-West und Impulse meets …, in allen drei Festivalstädten Mülheim an der Ruhr, Köln und Düsseldorf. Der Showcase umfasst elf Produktionen. Viele Performances sind dabei, auch populäre Formen wie Stand-up oder True Crime werden bedient. Die Off-Szene wirkt in ihrer Vielfalt oft unübersichtlich. Welche inhaltlichen und ästhetischen Trends lassen sich ausmachen? FW: Ich würde sagen, die Freie Szene ist so vielfältig und unterschiedlich wie die Gesellschaft. Klar greifen die Künstler:innen Fragen auf, die sie persönlich beschäftigen, auch politisch. Diese werden oft sehr originell und unerwartet mit anderen Erzählungen und Themen verknüpft – sei es eine Haartransplantation mit einem Klassenaufstieg, Schwarze Schlagerstars und Pina Bausch oder die radioaktive Wolke von Tschernobyl mit KI-Clouds....

Im Gespräch mit Stefan Keim

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Das Problem mit der Apokalyptik

Kampf im Käfig

Feminismus neu ausrichten

Aufführungsrechte: Verlag der Autoren Frankfurt am Main, 2025 Ein Interview mit der Autorin zum Stück finden Sie <a href="https://tdz.de/artikel/bffc3bc7-8eef-4834-a626-bef4772ab159">hier</a>. PERSONEN Klytämnestra, einst berühmt für ihre Klugheit, mit der sie jeden, der es wagte, sich darauf einzulassen, in einer Weise betörte, wie es ihre physische Schönheit allein niemals vermocht hätte. Doch hat die zehnjährige Abwesenheit ihres Mannes sie verwandelt, was weder das Schicksal noch die männergeschriebenen Gesetze vorgesehen hatten. Und dieser Triumph bereitet ihr eine Freude, die sie mit niemandem teilt, Götter bewahret … Ihr Schmerz, der ihren Gesichtszügen eingeschrieben ist, wirkt majestätisch, und so auch ihre Macht, die die gefährlichste auf Erden ist: eine, die durch Leid erlangt worden ist. Das Begehren, das sie nun in anderen weckt, tanzt einen erotischen Tanz mit dem Tod. Das Seil, auf dem sie in ihrer Lebensmitte gekonnt balanciert, ist in einer fatalen Höhe gespannt, weshalb es nur wenige wagen sich dort aufzuhalten: mit ihr auf Augenhöhe. Agamemnon, zum Herrschen geboren und doch immer im Schatten stehend: im Schatten seines dauererfolgreichen Bruders, im Schatten seiner Fehler, im Schatten seines verfluchten Geschlechts, im Schatten der Götter. Ein Mann, der einst liebte und die Liebe nun als Narkotikum braucht: maßlos und uneingeschränkt, zu jeder Tages- und...

Willem Dafoe – Biennale teatro in Venedig

Neuerscheinungen im Verlag