Totkürzungen drohen

Die Heterotopien erhalten

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Ein großes Wasserbecken besetzt die Mitte des Gemäldes „Der Jungbrunnen“ von Lucas Cranach d. Ä., links tapern gebrechliche Frauen mit hängenden Brüsten hinein, rechts hüpfen die Verjüngten fidel, nass und nackt heraus: Es braucht keinen Gott, um den Tod abzuwenden, sondern einen Maler. „Wenn nichts mehr hilft, hilft Cranach“, lautet das Mantra des Ich-Erzählers in dem zweiten Roman der österreichischen Autorin (und Malerin) Teresa Präauer. Denn auch in Johnny und Jean stehen nicht weniger als Kunst und Leben und vor allem deren Zusammenhang auf dem Spiel. Mit einer Nacherzählung ist diesem Roman mithin wenig gedient, da er seinen inhaltlichen Konformismus mit sichtlich ironischem Vergnügen ausstellt. Zwei Jungs vom Dorf ziehen in die „zweitgrößte Stadt“ des Landes, um Künstler zu werden, und in den Sommerferien fährt man auf Interrail. Der eine reüssiert bei Kommilitonen, Galeristinnen und Kritikern. Der andere, der Ich-Erzähler, zeichnet erst nur Fische, dann das Nichts in Form weiß grundierter Leinwände, dann wieder Fische; nichts wünscht er sich sehnlicher, als mit dem einen befreundet zu sein (außer vielleicht das erste Mal Sex zu haben). Der Titel des Romans nennt die Namen der beiden – und nennt sie doch nicht, denn weder heißt Jean Jean noch Johnny Johnny. So taufen...

Cranach, hilf!

Literatur

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Zu viele Köche verderben die Kunst? Nicht bei The Loose Collective, wenn auch in den heißen Vorbereitungsphasen ihrer Produktionen zahlreiche Ideen in den Topf geworfen werden. Für das neueste Projekt „The Music of Sound“ (2015), angelehnt an das 1960er-Jahre-Musical „The Sound of Music“, steht jetzt schon einiges zur Verhandlung: von „Kuhglockentechno“ über „Modellbausehnsüchte“ bis hin zu dem „Alpenbausatz aus dem 3D-Drucker mit Liedern zum Mitsingen!“. Und wenn das nach totaler Überforderung und Zuvielauf-einmal klingt, dann ist das typisch für The Loose Collective. Immer wieder nimmt sich das Acht-Personen-Kollektiv überdimensionale, „kollektive“ Themen vor, um ihre verschiedenen subjektiven Zugänge in der gemeinschaftlichen Arbeit zu vereinen. Widersprüche und Kontraste sollen dabei gezielt nebeneinander bestehen. In „Here Comes The Crook“ (2010) wählten sie als Textvorlage das allererste Broadway-Musical, „The Black Crook“ von 1866, und machten daraus ein ironisches, poppig-buntes Performance-Tanz-Konzert. 2012 wagten sie sich in „The Old Testament according to The Loose Collective“ an das gesamte Alte Testament und inszenierten es als eine Geschichte der Gemeinschaftsbildung. In lachsfarbenen Sechziger-Jahre-Kostümen wird eine furchtlos zusammengeschnittene Bibelfassung performt, welche die Schwere des jahrhundertealten Textes durch neue Frische, Komik und Musikalität ersetzt. Auch in „The Game Game“ (2013) widmeten sie sich einem kollektiven Thema, bei dem Teams und...

The Loose Collective erzählt in seinen poppigen Musik- und Tanzperformances Geschichten der Gemeinschaftsbildung

Schmeiß dein Ego weg!

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Dies ist die Uraufführung eines sogenannten Klassenzimmerstücks; es wird – bis auf Ausnahmen – gar nicht im Theater, sondern in der Schule gespielt. Ist das nun gut für das Theater, wenn es sich auf fremdes Terrain begibt? Auf alle Fälle ist es gefährlich, denn im Klassenzimmer hat nicht der Schauspieler mit seinem Text ein Heimspiel, sondern die Schüler – und die muss man erst einmal auf eine Weise bezaubern, dass sie nicht das tun, was sie immer tun, wenn der Unterricht sie langweilt: stören. Annett Siegmund spielt in „Zehn klei- ne Marzipanschweine“ jene Frau N., die als alleinerziehende Mutter ihren zwölfjährigen Sohn und sich allein durchbringen muss – mit Hartz IV. Nun hat sie in einem Delikatessengeschäft zehn Marzipanschweinchen mitgehen lassen, für ein Schulfrühstück des Sohnes. Da sie so etwas nicht zum ersten Mal gemacht hat, wird sie zu 14 Monaten Gefängnis verurteilt; der Sohn kommt ins Heim. Das klingt hammerhart, das ist es auch – zumal, wenn man weiß, dass deutsche Gerichte in Wiederholungsfällen selbst bei Bagatellvergehen tatsächlich so hart urteilen. Da will jemand nicht einsehen, dass er, was er nicht kaufen kann, nicht einfach mitnehmen darf, gibt sich vor Gericht auch noch renitent – und dann nehmen die...

Theater der Altmark: „Zehn kleine Marzipanschweine“ (UA) von Jörg Menke-Peitzmeyer. Regie David Lenard

Stendal: Die Themenfalle

Früher hat er immer diese Vision gehabt: Er hackt sich mit einem Beil die linke Hand ab, so schnell, dass die Hand es gar nicht merkt und dadurch unversehrt bleibt. Hab ich schon mal gemacht, sag ich und zieh meinen linken Ärmel zurück. Und? Siehst du was? Die Hand sieht gut aus. Eben. Es funktioniert. Eine Woche lang hat Alexeij Sagerer, Deutschlands bekanntester Theateranarchist, 7 Stühle versteigert, auf eBay und in einer öffentlichen Auktion in München. Diese Stühle tragen die Spuren des proT, seines Theaters seit 45 Jahren. Zuschauer saßen darauf oder Schauspieler, je nachdem. Und als Objekte spielten sie auch selber mit. Schon bei der Eröffnung am 27. November 1969 waren sie dabei. „Gschaegn is gschaegn“ hieß das erste Stück oder, fürs Edinburgh Festival und die Welt gesagt, „Done is done“. Die Stühle wurden mit Respekt vor ihrem Alter klar lackiert und von Sagerer handsigniert. Als die Stühle noch jung waren, in den siebziger Jahren, da spielte das proT den „Tieger von Äschnapur“, mehrere Folgen. Und weil über all die Jahre nie eine Vorstellung ausgefallen war, hörte Tiegerjäger Sagerer die Alarmglocke läuten, als der Techniker auf eine trinklustige Bauernhochzeit wollte, so dass am Abend von Technik im Ernst nicht...

Done is done: Alexeij Sagerer hat 7 Theaterstühle versteigert

Das einzige Opfer eines Massenmordes

<h1>Kunst ohne Vorwarnung</h1> Das Künstlerduo Wermke/Leinkauf und das Zentrum für Politische Schönheit über abgeschraubte Mauerkreuze, weiße Flaggen auf der Brooklyn Bridge und die Zukunft der Volksbühne im Gespräch mit Matthias Dell Wir wollen über Kunst sprechen, die in den öffentlichen Raum geht und in der Tagespolitik ankommt. Vielleicht fangen wir mit einem konkreten Ort an, den Sie beide gut kennen: dem Berliner Regierungsviertel. Mischa Leinkauf (Wermke/Leinkauf): Ganz aktuell – der...

Langfassung des Gesprächs mit Wermke/Leinkauf und dem Zentrum für Politische Schönheit

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Wenn dieses Heft gedruckt ist, wird wohl geklärt sein, was mit dem Mülheimer Ringlokschuppen geschieht – jenem freien Theaterhaus also, das sich in über zehn Jahren zu einem der wichtigsten, experimentierfreudigsten und speziell gegenüber beginnenden Künstlern offensten Orte (nicht nur) im Ruhrgebiet entwickelt hat und Ende 2014 ruinöse 400 000 Euro Defizit bekanntgeben musste. Nostalgische Rückblicke sind sinnlos, und die wichtigen Worte sind gesagt, mehrfach und in Varianten. Man kann sie auf der Internetseite des Schuppens nachlesen; hier mag ein Zitat genügen: Solche Orte aufzugeben, ist „der Dummheit vergleichbar, in Zei- ten einer Krise die Entwicklungsabteilung eines Unternehmens zu schließen oder die Saatkartoffeln zu verkaufen, weil man denkt, damit etwas sparen zu können“. Was also bleibt noch zu sagen? Vielleicht das: Abseits der individuell aufzuklärenden Momente muss das Fiasko als Krisensymptom in einem größeren institutionellen Umbruch gesehen werden, der sich im letzten Jahrzehnt zugespitzt hat und dringend politischer Lösungen bedarf. Gerade mit (wenn nicht sogar wegen) seiner so überaus produktiven Neugier für das Kommende, noch Unbekannte war der Ringlokschuppen ja von Anfang an eine prekäre Gründung: ein eklatant unterfinanziertes Gebilde, das sich in einer Förderlandschaft zu halten versucht, deren Unübersichtlichkeit mittlerweile jeder Beschreibung spottet. Wer einmal auf eigene Faust versucht...

Warum die drohende Insolvenz des Mülheimer Ringlokschuppen ein Symptom ist

kirschs kontexte: Sie war die Erste nicht

Hamburger Marathon

Wenn Peter von Bagh fragt: „Möchtest du ein Glas Wasser, bevor wir weitermachen?“, dann antwortet Aki Kaurismäki: „Gern. Ich rege mich eigentlich nie auf.“ Und so wie in dieser kurzen Gesprächssequenz vom Einfachen zum Komplexen, vom Pragmatischen zum Semantischen weitergegangen wird, so verhalten sich die in der Monografie abgedruckten Gespräche zwischen den beiden Filmliebhabern in ihrer Gesamtheit. Denn es sind Gespräche, keine zielgerichteten Interviews, die sich assoziativ rund um Kaurismäkis künstlerisches Werk, sein Woher und Wohin und den finnischen Film im Allgemeinen aufbauen. Peter von Bagh, der 2014 verstorbene Filmhistoriker und Regisseur, lernte Kaurismäki Ende der 1970er Jahre kennen. Über Jahre hinweg haben die beiden zusammengearbeitet, zum Beispiel beim Midnight Sun Film Festival in Sodankylä, Finnland, und miteinander diskutiert. Nun liegt die deutsche Übersetzung von „Kaurismäki über Kaurismäki“ vor; auf Finnisch war dieses Resümee der Arbeiten des finnischen Filmregisseurs schon 2006 und in überarbeiteter Version 2012 erschienen. Die Monografie enthält neben einem zentralen auch zahlreiche kleinere, sich um bestimmte Themen oder Filme kreisende Gespräche. Eine Filmografie liefert ausführliche Kommentare und Essays zu zentralen Motiven und Personen im Werk von Kaurismäki. Der Band enthält außerdem ein Film-Review von Kaurismäki selbst und ermöglicht durch reichlich assoziatives Bild- und Textmaterial einen weiten Einblick...

Kaurismäki über Kaurismäki. Hg. von Peter von Bagh, Alexander Verlag, Berlin 2014, 288 S., 38 EUR.

Beredter Finne

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Der Materialergründer

■ Wilfried Schulz, Intendant des Staatsschauspiels Dresden, wird mit der Spielzeit 2016/17 als Generalintendant an das Schauspielhaus Düsseldorf gehen. Derzeit wird das Haus, das seit 2011 in einer Krise steckt, interimistisch von Günther Beelitz geführt, der dort bereits von 1976 bis 1986 als Generalintendant tätig war. ■ Der Intendant des Hessischen Staatstheaters Wiesbaden Uwe Eric Laufenberg wird 2016 in Bayreuth die Wagner-Oper „Parsifal“ inszenieren. Er springt für Jonathan Meese ein, von dem sich die Festspielleitung trennte, da sein Konzept für die Neuinszenierung nicht finanzierbar gewesen sein soll. ■ Tomas Zierhofer-Kin wird Intendant der Wiener Festwochen. Der 46-jährige Kulturmanager aus Salzburg ist derzeit Leiter des Donaufestivals in Krems. 2016 soll er auf Markus Hinterhäuser folgen, der als Intendant zu den Salzburger Festspielen wechselt. ■ Wie der Regierende Bürgermeister von Berlin Klaus Wowereit in einer Pressekonferenz am 1. Dezember 2014 mitteilte, übernimmt Oliver Reese, der derzeitige Intendant des Frankfurter Schauspiels, 2017 die Leitung des Berliner Ensembles. In einer kurzen Erklärung kündigte Reese ein Autorentheater in der Tradition von Bertolt Brecht und Heiner Müller als wesentlichen Bestandteil seiner Arbeit am BE an. ■ Die Sanierung der Berliner Staatsoper Unter den Linden verteuert sich weiter. Die Baukosten sollen nochmal um rund 90 Millionen Euro...

Meldungen

Am Anfang ist das Dunkel. Nur einige Möwen schreien ins Blicklose hinein. Und täusche ich mich, mischt sich nicht schon hier – wie zufällig – jenes merkwürdige Geräusch darunter, eine Art Knarren im Gebälk, ein ungut knisterndes Etwas: die Zeit? So lichtlos beginnt am Hamburger Thalia Theater Johan Simons’ Inszenierung nach Motiven von Siegfried Lenz’ „Deutsch- stunde“. Eine Selbsterforschung, Reise ins Herz der Finsternis des eigenen Herkommens, das immer ein Doppeltes meint: Familie und Zeitgeschichte. Dann der erste Satz: „Sie haben mir eine Strafarbeit aufgegeben.“ Noch erleuchtet die kleine Flamme, von der im Folgenden immer wieder die Rede sein wird, nicht die Szenerie, denn es ist von den „Freuden der Pflicht“ die Rede. Darüber sollte er einen Aufsatz schreiben, aber dazu fiel ihm erst nichts und dann zu viel ein, um es aufschreiben zu können. Also gab er ein leeres Blatt ab. Nun muss Siggi Jepsen hundert Tage Strafarbeit leisten: Erinnerungsarbeit! Aber die Vergangenheit ist für ihn gar nicht vergangen – darum sitzt er nun auch in einer Zelle, denn er hat Bilder des bedeutenden Malers Max Ludwig Nansen gestohlen (Emil Nolde nachempfunden, der in der NS-Zeit Malverbot hatte), aber so würde er das – mit Recht – nicht sehen....

Thalia Theater: „Deutschstunde“ von Siegfried Lenz. Regie Johan Simons, Bühne Bettina Pommer, Kostüme Henriette Müller

Hamburg: Das Gesetz in mir

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Kompositionsprinzip Collage

Dieser Roman ist wie unterwegs geschrieben. Oder im Rausch. Oder sehr wütend. Seine Phantasie ist eine, die so nahe an unseren Möglichkeiten liegt, dass es fast unheimlich ist: Im Jahr 2015 wird aus den 53 Städten des Ruhrgebiets eine einzige: die Ruhrstadt, genannt die 54. Stadt. Die ehemaligen Städte werden zu Stadtteilen einer Megacity. Dabei arbeitet jede der ehemals klammen Kommunen ihre eigene Corporate Identity heraus: In Wesel wird gedichtet, in Essen werden Filme gedreht, Dortmund ist für Mode zuständig, Bottrop wird ein Fitnessparadies, im grauen Oberhausen regieren die Transen, und Duisburg wird die Lagerhalle des fusionierten Potts. Die Phantasmagorie des Autors Jörg Albrecht hat Hand und Fuß. Lange schon wird das arbeitslos gewordene Ruhrgebiet als Hort der Kreativwirtschaft ausgerufen. „Anarchie in Ruhrstadt“ heißt nun der in diesem Jahr erschienene Roman von Albrecht, der dem Lieblingskind von Wirtschaftsförderung und Kulturpolitik endlich einmal die Maske vom Gesicht reißt und zur Grundlage eines aufregenden theatralen Abenteuers wurde: Die Gruppen kainkollektiv, LIGNA, Invisible Playground und copy &amp; waste waren sich schnell einig, das gemeinsam geplante Projekt, Auftakt einer langfristig angelegten Kooperation zwischen dem Theater Oberhausen und dem Ringlokschuppen in Mülheim an der Ruhr, nahmen sich des Romanthemas an. Gemeinsam richteten sie im September...

„54. Stadt“, ein Kooperationsprojekt vom Theater Oberhausen und dem Ringlokschuppen in Mülheim an der Ruhr, entwirft eine dystopische Vision für das Ruhrgebiet

Die Megacity

Angstlos! Heimatlos?

Bühnen

Das Berliner Ensemble, Bertolt Brechts und Helene Weigels Kreation, war ursprünglich ein Ensemble ohne Haus, aber mit einem klaren, selbstgestellten Auftrag: die deutsche Theaterkunst und, in ihrem Zentrum, die Schauspielkunst zu erneuern, denn: „Das Poetische war ins Deklamatorische entartet, das Artistische ins Künstliche, Trumpf war Äußerlichkeit und falsche Innigkeit. Anstatt des Beispielhaften gab es das Repräsentative, anstatt der Leidenschaft Temperament.“ (Brecht) Hinter dem Begriff „Berliner Ensemble“ stand der Gedanke, frei vom kapitalistischen Verwertungszwang eine experimentell zu erarbeitende Ästhetik im Dialog mit Zuschauern, die sich zu einem Publikum konstituieren, auszuformulieren und fortwährend zu erfrischen. „Man muss merken, dass da viele Künstler als ein Kollektiv (Ensemble) an der Arbeit sind, Geschichten, Ideen, Kunststücke gemeinsam dem Publikum zu übermitteln.“ (Brecht). Das BE war beispiellos in Deutschland, in Ost und West gleichermaßen, es war der Stachel im managerial geführten und kulturbürokratisch fundierten Stadttheatersystem, weshalb es jedoch, koste es, was es wolle, in dieses System zurückexpediert werden musste. Es kostete viel, bis endlich Claus Peymann diese Aufgabe für den Senat in einem ersten großen Schritt anging. Im Herbst 2014 folgte der ultimative Schritt. Klaus Wowereit griff zum Telefonhörer – in welch trüber Stunde wohl, und wer hielt ihm den Hörer, um auszureißen den Stachel? –,...

Berliner Ensemble 2017 oder Klaus Wowereit telefoniert

Eine Shakespeare-Übersetzung anzufertigen, ist ein undankbares Geschäft: Man hoppelt dem exorbitanten sprachlichen Einfallsreichtum des Genies hinterher und muss doch feststellen, dass der Igel – ob er nun Shakespeare heißt oder bisweilen gar August Wilhelm Schlegel – immer schon da ist. Die Übersetzung von Thomas Melle fürs Bonner Schauspiel zieht sich mit einigem Anstand aus der Affäre – und doch bleibt auch hier schon mal ein schales Gefühl, wenn Shakespeares opulenter Barbesitz an goldenen Metaphern gegen gängige zeitgenössische Münze getauscht wird; da steht dann eben ein eher graues „ausixen“, „bespaßen“ oder „entsorgen“ neben „barschen Trompeten“, die plötzlich dröhnen wie falsch gestimmt. Wenn Falstaff andererseits bei Schlegel bekennt: „Blitz, ich bin so melancholisch wie ein Brummkater“, stöhnt er bei Melle: „Mich nimmt die Melancholie grad von hinten.“ Warum nicht? Plastischer ist das auf jeden Fall, vielleicht sogar witziger. Die Königsdramen als Serie, das war die Idee. Um insgesamt fünf Dramen, darunter zwei Mehrteiler, in zwei Abende zu packen, reichen keine behutsamen Striche aus; ganze Themenblöcke müssen weggeschafft werden wie olles Gerümpel. Um nur ein Beispiel zu nennen: Die unübertroffen schöne Werbungsszene Heinrichs V. um die französische Prinzessin Katharina, im Original prunkvolle zehn Seiten lang, ist in der Bearbeitung auf eine einzige Seite...

Alice Buddeberg und Thomas Melle skelettieren in Bonn Shakespeares Königsdramen, bis eine vielsagende Tautologie bleibt: I am I

Lufttanz und Tränental

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Lise Risom Olsen, was hat Sie nach Berlin geführt? Bergen ist eine schöne, aber auch etwas kleine Stadt. Da kann man sich etwas begrenzt fühlen. Deshalb habe ich entschieden, dass ich umziehen muss. Und Berlin hatte ich immer gemocht, wenn ich hier war. Auch wegen des Theaters, hier gibt es alles zu sehen. Also habe ich mir gedacht, dass ich doch Deutsch lernen könnte. Das war vor zwei Jahren. Und wie sind Sie in dem Berliner „Tatort“ gelandet? Ich hatte Glück. Klaus Krämer, der Regisseur und Drehbuchautor, hatte mich gefunden. Eigentlich wollte er nur mit einer Norwegerin über die Rolle reden, die er im Sinn hatte. Und dann war ich zum Casting eingeladen. Für Krämer stand also schon früh fest, dass er eine Studentin aus Norwegen wollte? Aus Skandinavien. Er wollte jemanden, dem die Stadt fremd war. Wie war der Montag nach der Ausstrahlung für Sie? Der „Tatort“ ist nach Fußballspielen die meistgeschaute Fernsehsendung. Das hatte ich gehört. Aber ich war nicht vorbereitet, dass die Popularität so groß ist. Allein die Zahl – zehn Millionen Zuschauer! Das ist zweimal Norwegen. Wurden Sie erkannt? Ja. Zumal ich gerade umgezogen war und so naiv zu denken, ich könne am Montag danach mal...

Was macht das Theater, Lise Risom Olsen?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Eigentlich geht es Bautzen gut. Die Stadt ist nicht arm, seit fast tausend Jahren lebt man hier bikulturell mit der Minderheit der Sorben zusammen (auch Sachsens Ministerpräsident Stanislaw Tillich ist ein gebürtiger Sorbe) – und trotzdem geistert die Stadt als Synonym für Fremdenfeindlichkeit durch die Medien. Wie kann das sein? Im Grunde hat Bautzen die gleichen Probleme wie Berlin oder das Ruhrgebiet. In Großstädten und Ballungsräumen vollzieht sich längst ein Strukturwandel. Die Globalisierung hat Deutschland einerseits zum Exportweltmeister gemacht mit gigantischen Gewinnen. Das finden die meisten im Allgemeinen nicht schlecht, im besonderen Fall dann aber doch. Denn die Kehrseite davon ist, dass das Land selbst immer internationaler wird. Die immer noch kiezige Weltstadt Berlin erfährt es gerade in aller Ambivalenz. Plötzlich weiß, wer nachts mit der S-Bahn fährt, wie es den Venezianern seit Jahrhunderten geht, wenn sich tagtäglich ein Strom von Fremden über die Stadt ergießt. Die Venezianer waren jedoch schon immer weltläufig genug, das nicht bloß als Ärgernis zu sehen, sondern als Motor der eigenen Entwicklung. Man kann nicht sagen, dass sie jemals Opfer der dort massenhaft ankommenden Fremden waren (vom Eroberer Napoleon mal abgesehen). Natürlich ist es nicht angenehm, sich regelmäßig in Gruppen von angetrunkenen partywütigen jungen Spaniern...

Bautzen, das Deutsch-Sorbische Volkstheater und die Rechtsradikalen

Angriff auf die Vielfalt

<h1>In meinem Alter rauche ich immer noch heimlich</h1> Für meinen Sohn Azzedine Personen: Fatima, Masseuse, 50 Jahre Zaya, junge Fundamentalistin, 30 Jahre Madame Mouni, eine nach Frankreich Ausgewanderte, 50 Jahre Samia, Masseuse, 29 Jahre Nadia, Studentin, 26 Jahre Louisa, Hausfrau, 60 Jahre Aïcha, Schwiegermutter, 65 Jahre Kaltoum, Lehrerin, 35 Jahre Myriam, junges schwangeres Mädchen Erster Teil Fatima, Samia, Myriam Szene 1 Im Halbdunkel erkennt man die Umrisse einer nackten Frau, die sich hektisch den Körper mit Wasser bespritzt, vor allem ihre Geschlechtsteile. Nachdem sie sich langsam beruhigt hat, umhüllt sie sich mit einem Pestemal (Leibtuch, Anm. d. Übers.), setzt sich auf den Nabelstein (Stein in der Mitte des Hamams, Anm. d. Übers.) und zündet sich eine Zigarette an. Nach und nach erblicken wir die Frau, Fatima. Mit überkreuzten Beinen, geradem Rücken, fernem Blick zieht sie an der Zigarette, als ob es die letzte ihres Lebens wäre ... Wir sind im beheizten Raum eines Hamams. Boden und Wände gefliest, ein gro ßes Becken an der mittleren Wand, andere, kleinere, im Raum verstreut. Pestemals, kupferne Schalen, Badeschuhe, Handtücher etc. Dunst und Dampf, man hört Wasser tropfen. In der Mitte befindet sich der heiße Nabelstein aus beigem Marmor, auf welchem Fatima sitzt....

In meinem Alter rauche ich immer noch heimlich

Es müssen Köpfe rollen

Was macht das Theater, Alexander Karschnia?

Die Lautstärke ist am Maximum – nun wenden sich die Köpfe dem Zeppelin zu, auf den in der Inszenierung von Horváths „Kasimir und Karoline“ eingangs alle starren. Das zigarrenähnliche Flugobjekt muss sich das Publikum im Theater Basel allerdings vorstellen. Regisseurin Ulrike Quade lässt den Zeppelin auf der kleinen Bühne nämlich nicht fliegen. Sie baut dafür auf eine Lichtbatterie und ein Technogewitter – als Heilsversprechen für eine bessere Zukunft nach der Weltwirtschaftskrise Ende der 1920er Jahre. Nichts erinnert bei Quade und in Floriaan Ganzevoorts Raumgestaltung an Horváths Oktoberfest, wo sich der „abgebaute“ Kasimir sein Leid von der Seele redet und nicht verstehen kann, dass sich seine Karoline dennoch amüsieren will. Von Horváths Örtlichkeiten ist Quades Inszenierung (mit Mitgliedern der Amsterdamer Ulrike Quade Company und dem Basler Ensemble) ebenso meilenweit entfernt wie von der vermeintlichen Beiläufigkeit, mit der Horváth Existenzen vernichtet und die Liebe zerbrechen lässt. Das alles will Ulrike Quade zwar erzählen, aber ausschließlich in „Bildern, Bildern, Bildern. Atmosphäre“, wie das Programmheft sie zitiert. Schon vor Aufführungsbeginn verharren die Protagonisten in gleichsam festgefrorenen Posen, die sich erst durch eine gewaltige Beschallung lösen. Und wo landen wir? Auf einer Party mit gestylten Gästen, die ihre Hüften zu hippem, dröhnendem Sound kreisen lassen...

Theater Basel: „Kasimir und Karoline“ von Ödön von Horváth. Regie Ulrike Quade, Bühne Floriaan Ganzevoort, Kostüme Jacqueline Steijlen

Basel: Surreale Bilderflut

<h1>Unterwegs in offener Landschaft</h1> Am 22. Juli 2014 wehten zwei weiße Fahnen auf der Brooklyn Bridge in New York. Ein Moment der Irritation für Pendler, Passanten, Presseleute, in deren Blick die Brücke an diesem Morgen geriet, denn in dem gewohnten Bild krönen zwei rotweiß-blaue US-Flaggen das Bauwerk. Ein Polizeieinsatz beendete zumindest den Zustand der Unsicherheit, die weißen Fahnen wurden eingeholt. Das Rätselraten über die „mysterious white flags“ war damit aber nicht gelöst; es dauerte drei Wochen, bis das Berliner Künstlerduo Wermke/Leinkauf in einem Interview mit der New York Times seine Autorschaft zu erkennen gab und Sinnangebote zur Verfügung stellte. Etwa: Am 22. Juli 1869, also 145 Jahre zuvor, war John August Roebling, der Erbauer der Brücke, gestorben, ein deutsch-amerikanischer Verbindungsmann, der in Mühlhausen, Thüringen, geboren war. Am 3. November 2014, einem Montag, verschickten die Theatermacher vom Zentrum für Politische Schönheit (ZPS) um 8.36 Uhr eine Pressemeldung, in der der „Erste Europäische Mauerfall“ annonciert wurde – ein Aufruf zum Crowdfunding für zwei Reisebusse, die am Freitag darauf mit Aktivisten nach Bulgarien starten sollten, um dort mit mitgeführtem Haushaltsgerät ein Loch in den Zaun der EU-Außengrenze zu schneiden. Auch hier wurde ein Sinnangebot gemacht. Unter der Überschrift „Übrigens“ informierte das ZPS: „Die...

Unterwegs in offener Landschaft

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Martin Heidegger war nicht nur ein großer Denker, er war auch eine echte Kanone im Bett. Zumindest dem lustvollen Frauenstöhnen nach zu urteilen, das, verantwortet durch des Philosophen Liebeskunst, ausgiebig tremolieren darf. Per Einspielung aus dem Off über die „Ostflügel“-Bühne des Chemnitzer Schauspiels hinweg. Dort nämlich ist jetzt eines der eigentümlichsten Liebespaare der deutschen Geistesgeschichte in Szene gesetzt worden. Und die ihm wohl wichtige Beweisführung, dass dieses Liebespaar nicht nur zu intellektuellen, sondern auch zu erotischen Höhenflügen befähigt war, erbringt Regisseur Bogdan Koca in Form des besagten auditiven Beischlafs dann auch gleich ziemlich zu Beginn seiner Inszenierung. „Hannahs Dämon“ heißt die und ist die deutschsprachige Erstaufführung eines Stückes des Franzosen Antoine Rault. Womit schon der Titel verrät, welche Frau da just in Verzückung jauchzt. Ja, Hannah Arendt hat einen Orgasmus. Wobei die Zeitform falsch ist. Denn lange ist sie her, die Verzückung. Einst, 1924 an der Uni Marburg, konnte die noch lodern zwischen Hannah, der 18-jährigen Studentin, und Martin, der da schon der Professor Heidegger war. Außerdem verheiratet, gut doppelt so alt wie seine Geliebte – und zwei Jahre vor der Publikation von „Sein und Zeit“ stehend. Es müssen Tage wie ein einziges Versprechen auf die Zukunft gewesen sein. Was...

Schauspiel Chemnitz: „Hannahs Dämon“ (DSE) von Antoine Rault. Regie und Ausstattung Bogdan Koca

Chemnitz: Hannahs Orgasmus

Gegen die Vereinzelung

Zehn mal zehn Prozent

Manche ihrer Bühnenräume tauchen aus großer Tiefe empor, sind beladen mit Dunkelheit wie Frachtkähne aus der Unterwelt. Erleuchtung heißt hier nicht weniger als das, was Aufklärung immer betreibt: eine Sache ans Licht bringen. Verstehen ist dabei im unmittelbarsten Sinne aufzufassen als das, was sich zuerst dem Auge mitteilt. Die Romantiker wussten, das Auge kann die Sonne nur sehen, weil es selbst sonnenhaft ist. Magda Willis Bühnenbilder, die besten der über vierzig jedenfalls, die die Mittdreißigerin bislang schuf, sind sämtlich Beiträge zu einer Architektur des Lichts. Es sind philosophische Fingerzeige auf das, was derartige Lichtspiele idealerweise sein können: kosmologische Grundierungen des Kommenden zwischen Auf- und Untergang. Licht ist eine unser Bild von Realität verändernde Kraft, denn es vermag auszustrahlen, die Dunkelheit zu durchdringen und an ihre Stelle ein sich erst nach und nach zu erkennen gebendes Ordnungsprinzip zu setzen. „Nur die Sonne war Zeuge“ heißt ein berühmter Film mit Alain Delon. Immerhin, dieser Zeuge ist allgegenwärtig und unbestechlich dazu. Und das schon lange vor der Erfindung der Elektrizität bei Rembrandt, auf dessen Bildern sich das Licht immer erst mühsam gegen eine feindliche Übermacht des Dunkels ins Freie kämpfen muss. „In medio noctis vim suam lux exerit“, hat er unter eine seiner...

Kann man den Augen noch trauen? – Die Bühnenbildnerin Magda Willi zeigt das Licht als eine unser Bild von Realität verändernde Kraft

Architektin des Lichts

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Theater ist überlebensnotwendig

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Friedrich Hebbel schien der Heide nicht zu trauen: „Hinaus aus der Stadt! Und da dehnt sie sich / Die Heide, nebelnd, gespenstiglich / Die Winde darüber sausend / Ach, wär hier ein Schritt, wie tausend! / Und alles so still, und alles so stumm / Man sieht sich umsonst nach Lebendigem um.“ Was Hermann Löns das Landschaftsideal, beschrieb Hebbel in „Der Heideknabe“ als gespenstische Ödnis. Inmitten dieser also: Celle. Eine niedersächsische Kleinstadt wie alle anderen oder eine bedeutende Kreisstadt, ein Touristenmagnet? Vorort von Hannover oder südliches Tor zur Lüneburger Heide? Immerhin, der ICE hält. Und es gibt ein Theater. „Schönen guten Tag, Döring mein Name.“ – „Ja, meiner auch.“ Der neue Schlossherr empfängt mich am Portal und stellt gleich klar, dass er das eigentlich gar nicht sei, ein Schlossherr. Im Gebäude befänden sich ja, erzählt er während der dann doch recht schlossherrenmäßigen Fahrstuhlfahrt nach ganz oben, nicht nur das Theater, sondern auch das Residenzmuseum, die Schlosskapelle und so weiter. Dann geht es noch – das ist dann gar nicht mehr so schlossherrenmäßig – eine absurd steile Treppe in Richtung Dachboden, und wir stehen in der niedrigen, gerade so bezugsfertigen Intendanz. Andreas Döring, zuvor Intendant am Jungen Theater Göttingen und selbst...

Mit zwei Ensemblestücken eröffnet Andreas Döring seine Intendanz am umstrukturierten Schlosstheater Celle

Der Heideknabe

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Was tun Frauen, wenn sie unter sich sind? Natürlich. Sie reden über Männer. Was sonst? Aber indem sie über Männer reden, reden sie schließlich über sich selbst. In einem algerischen Hamam ist das nicht anders als in einer trendigen Bar in Paris, Berlin oder New York. Oder doch? Dass die neun höchst unterschiedlichen Frauen, die in Rayhanas Stück „In meinem Alter rauche ich immer noch heimlich“ im Dampfbad zusammenkommen, sich genauso über der Liebe Lust und Frust austauschen, wie es die Protagonistinnen populärer Fernsehserien tun, dass sie gemeinsam ablästern, übereinander her- und sich gegenseitig aufziehen, dass sie von ihren Beziehungen und ihrem Sexleben, ihrem Singledasein und ihren erotischen Erfahrungen in der Ehe und außerhalb der Ehe sprechen, ist, obwohl erwartbar, nicht weniger als eine Sensation. Denn es geht hier um arabische Frauen, um Frauen also, die sonst keine eigene Stimme haben, vor allem keine öffentliche, und das macht aus ihrem dirty talk schon an sich ein Politikum. Ebenso virtuos wie riskant spielt Rayhana mit dem doppelten Boden von Intimität und Publizität. Ihr Stück durchbricht das Sprechverbot, indem es dieses selbst zum Thema macht. Wie groß die Provokation tatsächlich war, zeigte sich spätestens, als Rayhana Opfer eines Anschlags auf ihr Leben...

Zum Stück „In meinem Alter rauche ich immer noch heimlich“ der algerischen Autorin Rayhana

Operation Odysseus

Wir wollen über Kunst sprechen, die in den öffentlichen Raum geht und in der Tagespolitik ankommt. Vielleicht fangen wir mit einem konkreten Ort an, den Sie beide gut kennen: dem Berliner Regierungsviertel. Mischa Leinkauf (Wermke/Leinkauf): Ganz aktuell – der Betonpfeiler in der Mitte der Doppelbrücke zwischen dem Marie-Elisabeth-Lüders-Haus und dem Paul-Löbe-Haus wackelt. Das haben wir neulich entdeckt. Ein tolles Bild: Der Pfeiler, über den die höhere Beamtenlaufbahn führt, wackelt. Philipp Ruch (Zentrum für Politische Schönheit): Wir waren da schon öfters, mit mindestens fünf großen Aktionen. 2009 kamen wir auf Pferden geritten, um einen Anschlag mit Thesen auf den Bundestag zu verüben. Das ginge heute nicht mehr. Die Verwaltung hat das Parlament meterhoch abgezäunt, um es vom Volk fernzuhalten. Wir müssen uns im Regierungsviertel alle größeren Aktionen genehmigen lassen. Es geht nicht mehr ohne. Kriegen Sie die Genehmigungen? Ruch: Eigentlich schon. Die Wiese vor dem Bundestag gehört in die Zuständigkeit von fünf Stellen: Bundesinnenministerium, Bundestagsverwaltung, LKA, BKA und Grünflächenamt Mitte. Letzteres ist mit Abstand die schlimmste, weil die eine Bewässerungsanlage für eine halbe Million Euro im Rasen verbaut haben. Die darf nicht beschädigt werden, deshalb genehmigen die gar nichts. Wenn da eine Demonstration stattfindet, können Sie davon ausgehen, dass die nicht...

Das Künstlerduo Wermke/Leinkauf und das Zentrum für Politische Schönheit über abgeschraubte Mauerkreuze, weiße Flaggen auf der Brooklyn Bridge und die Zukunft der Volksbühne im Gespräch mit M. Dell

Kunst ohne Vorwarnung

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Konstantin ist verliebt. In O. Er ist ihr so zugeneigt, dass er vornüberfällt. Angesichts O.s vergisst der auch sonst leidgeprüfte Junge, schmächtig und mit großen Segelohren, dass er stottert. Das Besondere daran: Konstantin hat O. erfunden. „Die sogenannte Wirklichkeit stellte sich Konstantin manchmal vor wie seinen Schulhof, an allen Seiten von einem Gitter- zaun begrenzt. (…) Und weil die Wirklichkeit ein Schulhof war und Konstantins Gedanken Gitter überwinden konnten und weil er selbst bestimmen wollte, wohin es ging mit ihm, deshalb schrieb sich Konstantin eine eigene Geschichte.“ – Martin Heckmanns hat mit „Konstantin im Wörterwald“ ein modernes Märchen geschrieben, das nicht nur, sehr theatermäßig, das Verhältnis von Realität und Fiktion befragt, sondern das vor allem die Heilungskräfte der Phantasie würdigt, die Macht der Imagination. Zwar macht das Wort Wasser niemanden nass, aber durch das Schreiben verändert sich etwas in Konstantin, der sich als Protagonist in sein eigenes Abenteuer hinein- und sich somit freischreibt von der Angst zu versagen, kurz: Er schreibt sich die Welt, wie sie ihm gefällt: „Konstantin zähmte das Ungeheuer, indem er es beschrieb. Er machte es klein mit jedem Satz, in den er das Untier zerlegte.“ Im Rückgriff auf John L. Austin könnte man das als angewandte...

Martin Heckmanns: Konstantin im Wörterwald (Dramatiker erzählen für Kinder). mixtvision Verlag, München 2014, 80 S., 17,90 EUR.

Von einem, der Schriftsteller wurde

Zufluchtsort vor der Welt

TdZ on Tour

Am 24. Oktober 2014 wurde am Ballhausplatz in Wien das erste Denkmal für die Verfolgten der NS-Militärjustiz in Österreich eröffnet. Die nationalsozialistische Militärjustiz verhängte während des Zweiten Weltkrieges mehr als 30 000 Todesurteile, wovon die meisten gegen Deserteure und sogenannte »Wehrkraftzersetzer« ergingen. 2009 rehabilitierte der Nationalrat die Opfer der Verfolgung durch die Wehrmachtsgerichte, und 2010 beschloss die Stadt Wien die Errichtung eines Denkmals und betraute die KÖR GmbH damit, einen Wettbewerb auszuloben. Die realisierte Skulptur Olaf Nicolais greift klassische Elemente eines Mahnmals — »Sockel« und »Inschrift« — auf, arrangiert diese im bewussten Gegensatz zu traditionellen Kriegerdenkmälern ohne jedes symbolische Sockelobjekt. Ein überdimensionales, liegendes »X« bildet den dreistufigen Sockel, in dessen dritte Ebene die nur von oben lesbare Inschrift eingelassen ist. Sie zitiert einen »konkreten Text« des schottischen Künstlers Ian Hamilton Finlay (1925 – 2006), der mit wesentlichen Vertretern der sprachkritischen und experimentellen Wiener Künstlerszene befreundet war. Um den Text all alone (Abb. S. 4) lesen zu können, muss man auf den Sockel steigen, somit die Skulptur benutzen. Für die Eröffnung wurde Olaf Nicolais Logik einer »offenen Skulptur« durch die Choreografie von Laurent Chétouane erfahrbar. Auf Einladung von Olaf Nicolai, der KÖR GmbH und dem Tanzquartier Wien nutzte der Tänzer Mikael...

X (all alone) / Material

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

1 „And now I have to learn to breath the air of democracy“, sagte Müller in einem Interview am 10. November 1989 in New York, wohin er tags zuvor aufgebrochen war. Zur Unzeit am falschen Ort, was soll er da, was soll er, nach seinen Gefühlen, seinen Erwartungen gefragt, zur Antwort geben? War es der doppelte Jetlag, Zeitzonensprung zugleich und plötzliche Zeitenwende, der ihm den seltsamen Satz eingab, der nur dann nicht devot klingt, wenn man Ironie in ihn hineinliest, Ironie, gemischt mit einem Vorgefühl von Ungemach. Denn was hätte er nun ernstlich lernen sollen, der weltweit gefeierte Regisseur und Bühnenautor, an westliche Luft seit langem gewöhnt? Dass die siegreiche Staatsform ihn von jetzt an überall erwarten würde, auswärts wie daheim? Oder ahnte er, dass man ihm alsbald die Gretchenfrage stellen könnte: Wie halten Sie’s mit der Demokratie?, und übte sich, der Falle zu entkommen, schon einmal in der Rolle des Lernbereiten? Wenige Tage zuvor, am 4. November, hatte Müller seine Haltung auf eine das Publikum doppelt irritierende Weise öffentlich gemacht. Hunderttausende waren auf dem Berliner Alexanderplatz zusammengeströmt, um Reden zur Feier und zur Ermutigung des soeben erwachten „Volkes“ anzuhören. Als einziger der dort zu Wort kommenden ostdeutschen „Kulturschaffenden“ sprach...

Heiner Müller, die Demokratie, das Ereignis und der Schrecken

Geschieht es?

Festival der Besessenen

Wie läuft man durch unberührten Schnee? Durch dieses verwegene Weiß, das sich im Herbst über das Land legt und bis zum Sommer nicht weicht? Das in der Polarsonne glitzert wie Millionen Diamanten, doch wenn es schlecht läuft, einen wie Blei zu Boden zieht? Wie durchquert man dieses Eis, das bis zum Horizont verlängert in nicht allzu weiter Ferne die Beringsee erreicht? Einer nach dem anderen, der Theaterdirektor voran, in komischen Verrenkungen in die Fußstapfen des Vorhergehenden tretend, um ja nicht zu fallen? Oder jeder für sich, dem unwirschen Knirschen der eigenen Schritte lauschend, das sich ein paar Meter weiter mit dem rätselhaften Grummeln des Flusses vereint. Die Jakuten, Kinder des großen Flusses Lena, schrieb der jakutische Schriftsteller Suorun Omolloon, bergen ein jahrhundertealtes Geheimnis in sich. Es stamme aus einer Zeit, als es noch keine Zeit gab, und handele von Tod und Zerstörung, Asche und Rauch. Und vom Triumph, wenn das Leben gewinnt. Das mache jeden hier, auf seine Art, zum Dichter. Es rumpelt. Und der Jeep neigt sich nach links. Panisch schaue ich David an. Doch der schaut unerschrocken nach vorn. „Lena“, ruft Anatoli Nikolajew und deutet mit dem Finger auf das Display des Radios, aus dem leise jakutischer Ethnopop...

Der Schuss, der Schamane und die Weisheit der Frau – Das Akademische Sacha-Theater im ostsibirischen Jakutsk erzählt Geschichten aus der kältesten Stadt der Welt

Läufer im Schnee

Der Chor (der Besucherinnen und Besucher) war mitunter kammermusikalisch ausgedünnt, aber das Programm des zweitägigen internationalen Kolloquiums „Einar Schleef – Material und Materialität: über das Thea- ter hinaus“ in Paris am 28. und 29. November 2014 offenbarte das Gesamtkunstwerk Schleef und zog alle Register: In Vorträgen, Podiumsdiskussionen, Inszenierungsausschnitten und einer Lesung trat Schleef als Autor, Regisseur, Bühnenbildner, Chorleiter, Schauspieler, Fotograf und Maler – und damit als Ausnahmefigur des europäischen Theaters – in Erscheinung. Entsprechend breit waren die Kooperationspartner aufgestellt: das Goethe-Institut, das Théâtre national de la Colline, die Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3 öffneten ihre Säle, unterstützt von der Berliner Humboldt-Universität und gefördert von CEREG (Centre d’Études et de Recherches sur l’Espace Germanophone), für das umfassende Programm. Der Treibstoff Sprache wurde bei Schleef auf der Bühne als körperlicher Akt kenntlich, die Zugehörigkeit zum Chor – erwünscht oder erlitten – immer der Prüfstein des Individuums – im antiken Sinn des Theaters, das den Konflikt zwischen Individuum und Chor exponiert. Die Tragödie wohnt dabei im Körper, der jenseits von Ideologie und moralischen Dichotomien existiert und zugleich als Erinnerungsspeicher (deutscher Gewaltgeschichte) Formiertheit und Fragilität offenlegt, wie u. a. Hans-Thies Lehmann und Helene Varopoulou anhand der Frankfurter Inszenierungen (1986–1990) andeuteten. Charlotte Bomy und...

Zum Pariser Kolloquium „Einar Schleef – Material und Materialität: über das Theater hinaus“

Treibstoff Sprache

Disappearing Birdie Coonan

Während des Kalten Krieges war das Bitef das einzige Theaterfestival in Europa, bei dem sich West und Ost nachhaltig begegneten – und das Jahr für Jahr. Man war neugierig aufeinander, kannte man sich doch meist vom Namen her, aber eben nicht persönlich. Wir diskutierten nächtelang, tranken viel und verbrüderschwesterten uns mit Inbrunst (nur zwischen Bundes- und DDR-Deutschen blieb es stets reserviert, zu groß war das gegenseitige Misstrauen, erst mit Beginn der Perestroika wurde es etwas lockerer). Mira Trailovic war die Direktorin, Jovan Cirilov Dramaturg und Kodirektor des 1967 in Belgrad gegründeten Festivals, und sie bestellten das Feld, auf dem die Ost-West-Begegnungen blühten, mit großer Leidenschaft. Ihre Großzügigkeit und Gastfreundschaft waren legendär. Als „Mira I., Königin von Serbien“, wie wir sie liebevoll nannten, 1989 starb, übernahm Jovan Cirilov allein die Verantwortung für das Festival und behielt sie, in den letzten Jahren unterstützt von Anja Suša, bis zu seinem Tod. Er war ganz anders als Mira, nicht exzentrisch, sondern bescheiden, ein gebildeter, freundlicher Mann, der ein halbes Dutzend Sprachen beherrschte und jedes Theater dieser Erde zu kennen schien. Aber Jovan war ja nicht nur Theatermensch, er war auch Schriftsteller, Philosoph, Philologe, Journalist, Intellektueller. Er schrieb Gedichte, Theaterstücke und Romane, Kritiken, Essays und...

Zum Tod von Jovan Ćirilov, Leiter des Bitef-Festivals in Belgrad

Widerstand inmitten des Wahnsinns

Hoffnung schaffen

Der Januar scheint der ideale Zeitpunkt für zeitgenössische Musik zu sein. Etliche Szenefestivals haben sich auf diesen Monat kapriziert. Mag sein, dass da die Aufbruchstimmung mitspielt – neues Jahr, neue Vorsätze, neue Musik. Ultraschall Berlin, eins der wichtigsten Branchentreffen bundesweit und seit 16 Jahren am Start, bietet wieder prominente Gäste: Vom Publikumsliebling unter den Neutönern, Jörg Widmann, bis hin zu noch immer abenteuerlustigen Altmeistern wie Helmut Lachenmann reicht das Spektrum. Schon der Prolog am 16. Januar im Berghain zeigt, dass man bei Ultraschall den missionarischen Ernst vieler Festivals gern auch leicht unterlaufen will: Da nämlich wird der 1 000 052. Geburtstag der Kunst an sich gefeiert, mit Bezug auf den schillernden französischen Fluxuskünstler, Résistance-Kämpfer, Coca-Cola-Mitarbeiter und Zen-Buddhisten Robert Filliou, der 1963 einfach mal frech den millionsten Art’s Birthday ausrief. Es wird ein Vorspiel der speziellen Art: mit Schellackplatten und Aufnahmen von hinduistischen Bestattungsritualen, mit Dudelsack und Live-Elektronik. Interdisziplinär interessant dürfte auch „Sommertag“ werden, ein Kammermusiktheater nach dem gleichnamigen Stück des häufig gespielten norwegischen Dramatikers Jon Fosse, komponiert von dem 65-jährigen früheren Klinikarzt Nikolaus Brass. Das Thema: die Aufhebung der Zeit. In Hamburg auf Kampnagel feiert der klub katarakt immerhin schon zehnten Geburtstag. Stilistische Offenheit ist hier Programm. Sozusagen Sounds für...

Von der Aufhebung der Zeit

Musik

Inklusive Ansätze erproben!

Manche Gegensätze sind nicht aus der Welt zu kriegen. Zum Beispiel der zwischen dem zweckdienlichen Bauen und einer zweckfreien, modernen Kunst. Adolf Loos hat das vor 100 Jahren schon auf den Punkt gebracht. Kunst sei niemandem verantwortlich, ein Haus wohl aber schon. Es hat allem zu dienen, besonders unserer Bequemlichkeit. Weil der Mensch seiner Ansicht nach alles lieben würde, was einem bequemen Leben nützt, hasst er alles, was ihn da herausreißen will. Genau das allerdings macht die Kunst, sie will infrage stellen und Neues versuchen. Folglich hätte sie es schwer, Freunde zu finden. Da überlegt man sich, ob wir da heute schon einen Schritt weitergekommen sind. Die Arbeiten der Berliner Künstlerin Andrea Pichl erzählen von dieser zwiespältigen Beziehung von trister Wohnfunktion und einer zumeist unverhofften und auf den ersten Blick verborgenen ästhetischen Qualität. Sie durchstreift seit Jahren auf ihren Reisen und Studienaufenthalten die überall auf der Welt unbeliebten Neubaugebiete und Wohnanlagen, sammelt architektonische Details und fotografiert die Fassadenansichten. Mittlerweile verfügt sie über ein riesiges Archiv an Hochhauskomplexen und industriellen Wohnungsbauten und beginnt das in einer Reihe von Kunstwerken und Ausstellungen auszuwerten. Das Kunstmuseum Moritzburg hat die aus Sachsen-Anhalt stammende Künstlerin letztes Jahr gebeten, anlässlich des 50. Geburtstages von Halle-Neustadt einen...

Über Unter- und Rückseiten

Kunst

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Mit dem Theater die Welt verändern

Guilt-Trip durchs Vogtland

Aachen Theater G. Orwell: Farm der Tiere (E. Hannemann, 08.01.); I. Keun/D. Maslowska: Urban Girls (J. Nordalm, 09.01.); n. M. Bulgakov: Der Meister und Margarita (B. Sonnenbichler, 10.01.) Aalen Theater G. Büchner: Dantons Tod (T. Kleinknecht, 17.01.) Annaberg-Buchholz Eduard-von-Winterstein-Theater B. Brecht: Mutter Courage und ihre Kinder (K. G. Kayser, 25.01.) Baden-Baden Theater A. Camus: Das Missverständnis (N. May, 30.01.) Basel Kaserne L. Nufer: Im Bau (L. Nufer, 08.01., UA); M. Schwald: Together (M. Schwald, 28.01., UA) Theater H. Ibsen: Die Wildente (A. Niemeyer, 17.01.); n. T. Mann: Der Zauberberg (T. Luz, 23.01.); F. Rame: Sex? Aber mit Vergnügen! (C. Vetsch, 29.01.) Bautzen Deutsch-Sorbisches Volkstheater M. Köbeli: Zimmer frei (M. Nagatis a., 24.01.) Bayreuth studiobühne P. Barz: Nie sollst du mich befragen (B. Franz, 11.01.) Berlin Ballhaus Naunynstrasse N. Haakh: Tableau (R. Youzbashi Dizaji, 08.01., UA) Deutsches Theater N. Payne: Constellations (H. M. Cirpici, 08.01.); D. Loher: Gaunerstück (A. Zandwijk, 15.01., UA); n. I. Bergmann: Herbstsonate (J. Bosse, 23.01.) Maxim Gorki Theater H. Müller: Zement (S. Baumgarten, 16.01.) Schaubühne am Lehniner Platz C. Wolf: Der geteilte Himmel (A. Petras, 13.01.); E. Kästner: Fabian – Der Gang vor die Hunde (P. Kleinert, 24.01.) Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz n. M. Maeterlinck: Pelléas und Mélisande...

Januar 2015

Premieren

Was ist Theater?

Wenn’s um ein neues Logo geht, stehen anderswo ganze Designbüros auf der Matte. Am Landestheater Tübingen, kurz LTT, begnügt man sich zum Start der Intendanz Thorsten Weckherlins mit einem simplen Kartoffeldruck: ein schräges Stempelemblem, das die LTT-Lettern in einem schwungvollen Oval zeigt. Mehr nicht. Die Schlichtheit dieses Symbols ist auch programmatisch motiviert: sparsam (in finanziell engen Etatzeiten), aber auch direkt, klar, pfiffig, spielerisch. Thorsten Weckherlin, vorher langjähriger Chef der Burghofbühne Dinslaken, hat sich als Krisenmanager bewährt, denn er hat dieses kleinste und zeitweise schließungsbedrohte Landestheater in Nordrhein-Westfalen wieder zum Blühen gebracht. Aber er gilt auch – ein nicht unwichtiger Faktor bei seiner Berufung – als Abstecherprofi; in NRW bespielte er an die 130 Orte. Er sei nun mal „ein Wandertheatermensch aus ganzem Herzen“, sagt Weckherlin. Dabei leitet er jetzt mit dem LTT die wohl – wie manche sagen – ehrgeizigste, aber auch zickigste unter den drei Südwest-Landesbühnen. Nach der arbeitergeprägten „Ruhrpott-Mentalität“ in NRW kam ihm Tübingen, das noch immer weltgeistdurchwehte Unidorf am Neckar, wie eine „Insel der Glückseligen“ vor. Vorgängerin Simone Sterr hatte das LTT mit zeitgenössisch und osteuropäisch akzentuierten Spielplänen profiliert. Ihm, dem 51-jährigen gebürtigen Hamburger, eilt eher der Ruf eines Pragmatikers voraus („Ich habe Angst, dass das Theater...

Thorsten Weckherlin startet am Landestheater Tübingen mit einer Reihe von Systemverweigerer-Stücken

Die Wut entscheidet

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Die Kopfschmerzen von Herrn R. bereiten seinem Hausarzt: Kopfzerbrechen. Diagnose: unerklärlich. Der Doktor ist nicht der Einzige, dem die Ratlosigkeit ins Gesicht geschrieben steht. In Susanne Kennedys Inszenierung tragen die Schauspieler Masken, mit denen sie aussehen wie von einer Gesichtslähmung befallen. Löcher für Augen und Mund erlauben nur minimales Mienenspiel. Vorherrschend bleibt der festgefrorene Ausdruck eines schockierten Stumpfsinns, einer tief sitzenden Überforderung mit dem Leben, aus dem ein Ausbruch dringend geboten scheint. Das Fragezeichen am Titelende dieses Theaterabends: Die Figuren schleppen es hier als unlösbares Rätsel mit sich herum. Die quälende Frage nach dem Warum stellt sich nach jedem Amoklauf. Bei Herrn R. aber, der scheinbar unvermittelt Frau, Kind und eine Nachbarin erschlägt, versagen die Erklärungsmuster, die üblicherweise als Antwort herhalten müssen. Weder lebt er in zerrütteten Verhältnissen noch ist er arbeitslos oder wird gemobbt. Herr R. führt ein ganz normales Durchschnittsleben – wie alle um ihn herum. Insofern erscheint es eher zufällig, dass gerade er zum Gewalttäter wird. Es könnte ebenso gut ein anderer sein. An den Münchner Kammerspielen tragen denn auch gleich drei Darsteller abwechselnd die Maske des Herrn R. zum identischen Alltagslook aus Rollkragenpulli, schmuckloser Lederjacke und Bluejeans (Kostüme Lotte Goos), wobei Edmund Telgenkämper die konsterniert-melancholische Spielart...

Münchner Kammerspiele: „Warum läuft Herr R. Amok?“ nach dem Film von Rainer Werner Fassbinder und Michael Fengler. Regie Susanne Kennedy, Bühne Lena Newton, Kostüme Lotte Goos

München: Nachhaltig verstörend

Der blassblaue Himmel: gepixelt, statisch, beinahe virtuell. Schemenhaft recken sich zwei Überwachungskameras in die Höhe. Im Vordergrund: weiße Buchstaben, vereinzelt, in vertikal abfallender Schriftgröße. FREIHEIT. Der erste Buchstabe ein überdimensionales Versprechen, der letzte verschwindend klein. Verstummt die verheißungsvolle Parole? Das Plakat zum 9. Festival Politik im Freien Theater liest sich als kontroverse Setzung. Und tatsächlich: Im idyllischen Freiburg fokussieren viele Aufführungen primär einen negativen Freiheitsbegriff. Thematisiert werden bestehende Unfreiheiten individueller, familiärer, gesellschaftlicher, politischer, globaler Art. Mit einer enormen künstlerischen Bandbreite eingeladener Produktionen wurde das Festival zum Ereignis: Ästhetisch anspruchsvolles dokumentarisches Theater (Corinne Maier, „Past is Pre- sent“; Milo Rau, „The Civil Wars“) stand neben spielerischer Reflexion gesellschaftlicher Unfreiheit (Nicoleta Esinencu und Jessica Glause, „Dear Moldova, can we kiss just a little bit?“; Béla Pintér, „Unsere Geheimnisse“). Theatralisch brutale Inszenierung jugendlicher Desorientierung und Gewalt (Sebastian Nübling, „Morning“) neben heiter-beschwingter, bewusst fragmentarischer Reflexion postkapitalistischer Ökoprinzipien (Martin Schick, „Not my piece“). Die künstlerisch effektvolle Überhöhung stereotyper Klischees über Menschen mit Downsyndrom (Monster Truck, „Dschingis Khan“) neben einer spielerischen Feier des nackten, endlichen Körpers (Doris Uhlich, „More than naked“). Und nur einmal: politischer Erziehungsdiskurs. Hans-Werner Kroesingers Berliner HAU-Produktion „Frontex Security“ bildet zwar von der Aufführungsfolge her die Mitte des Festivals; was die Eindeutigkeit von...

Das 9. Festival Politik im Freien Theater in Freiburg thematisiert Freiheit als stets unerfüllte Sehnsucht

Explosiver Rausch

Das Figurentheater Wilde &amp; Vogel gehört zu den besten in der Republik. In den 18 Jahren seines Bestehens, zunächst in Stuttgart, seit 2009 in Leipzig, hat es an die drei Dutzend Produktionen und Koproduktionen herausgebracht, bei allen wichtigen Figurentheater-Festivals in Europa gespielt, darüber hinaus von Sibirien bis Indonesien, von den USA bis Afrika und Japan, und hat dabei zahlreiche Preise gewonnen. Durch immer wieder neue Experimente haben sie die Tradition, Ästhetik und Erzählweise des Metiers verändert und, gemeinsam mit anderen Künstlern, Formen und Formate des Marionetten-/Puppen-/Figuren-/Objekttheaters auf Augenhöhe mit dem „Menschentheater“ gebracht. Und mit dem Lindenfels Westflügel Leipzig schufen sich die Wildvögel ein formidables Nest, in dem sie proben, spielen und befreundete Gruppen präsentieren können. Eine langjährige Arbeitsbeziehung verbindet Charlotte Wilde und Michael Vogel mit der Stadt Białystok im äußersten Osten Polens; sie haben an der dortigen Theaterakademie mehrfach unterrichtet, was dazu führte, dass die Studenten die Kompania Doomsday gründeten. Mit der gab es seither fünf Koproduktionen – die jüngste fand 2014 im Rahmen des Förderprogramms Szenenwechsel des Internationalen Theaterinstituts (ITI) und der Robert Bosch Stiftung statt. Neben den Apokalyptikern, die inzwischen als Grupa Coincidentia firmieren, und den Leipzigern nahmen dieses Mal auch Mitglieder des Białystoker Puppentheaters BTL teil, in...

Szenenwechsel: „Faza REM Phase“schlägt Schneisen durchs Traumdickicht

Mr. Sandman

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Die Kopfhörer sind ein Relikt des rumänischen Staatssicherheitsdienstes. In den 1980er Jahren begnügte sich die Securitate im Deutschen Staatstheater Timisoara / Temeswar (DSTT) nicht mehr damit, Zusammenfassungen der gespielten Stücke zu lesen, sie wollte jedes auf der Bühne gesprochene Wort verstehen. Deshalb wurden Kopfhörer mit Simultanübersetzung eingeführt, damals noch verdrahtet. Heute dient der über Funk gesendete Text nicht mehr der Überwachung durch ungebetene Gäste, sondern erfüllt einen zivilen Nutzen: Das deutschsprachige Theater soll allen offenstehen. Friedrich Kittler hätte seine Freude gehabt. Rund 320 000 Menschen leben in Timisoara, nur noch ein paar Tausend davon sind Nachkommen jener deutschen Minderheit, von deren einstiger Größe eine Einrichtung wie das Deutsche Staatstheater kündet. Das residiert in einem stolzen Theaterbau, der sich mit einer ziemlich wuchtigen Betonfassade der Piata Victoriei, dem Siegesplatz, zuwendet. 1989 fanden hier die ersten Demonstrationen gegen Ceausescu statt, und im November 2014, 25 Jahre später, am Tag der Eröffnung des Festivals Eurothalia im Deutschen Staatstheater, sieht es fast nach einem Reenactment aus: Ein paar Hundert Leute sind zusammengekommen, um eine Woche vor der Stichwahl zur rumänischen Präsidentschaft für Klaus Iohannis, den Bürgermeister von Sibiu (Hermannstadt), zu demonstrieren. Den tatsächlich knappen Sieg des deutschstämmigen Iohannis über den amtierenden Ministerpräsidenten Victor Ponta...

Mit dem Festival Eurothalia will sich das Deutsche Staatstheater in Timişoara unverzichtbar machen

Flucht vor Folklore

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Wer August Strindbergs „Fräulein Julie“ gesehen hat, vor genau 40 Jahren am Berliner Ensemble, mit Jutta Hoffmann in der Titelrolle und Jürgen Holtz als Diener Jean, der wird sie sein Lebtag nicht vergessen. Das böse Spiel mit Klassenverhältnissen, die über den Haufen geworfen werden, durfte damals in der DDR nicht sein, die Inszenierung von Einar Schleef und B. K. Tragelehn wurde nach wenigen Abenden verboten. Die Neuverfilmung von Fräulein Julie durch Liv Ullmann ist leider kein Aufreger. Die Ullmann, einst eine der Musen von Ingmar Bergman und herausragende Protagonistin vieler seiner Arbeiten, versuchte die Erfahrungen ihres Lebens und ihrer Kunst in die Adaption des Strindberg-Stücks einzubringen. Sie inszenierte gemächlich, detailbesessen und in erlesenem Dekor, aber einen modernen gedanklichen Zugang zum Stoff fand sie nicht. Was bleibt, sind die Darsteller: Jessica Chastain als Julie, laut und leise, herrschsüchtig und unterwürfig, eine Schauspielerin mit enormer Bandbreite. An ihrer Seite Colin Farrell als Diener und Samantha Morton als Köchin: verhaftet in den Denk- und Handlungsweisen des späten 19. Jahrhunderts – doch das ist zu wenig für zweieinhalb Stunden Klassikerkino. Devid Striesow, Thorsten Merten und zahlreiche junge Darsteller sind in Burhan Qurbanis Wir sind jung. Wir sind stark zu sehen, ein Film, der die...

Das Lächeln der Mittsommernacht

Film

Explodierendes Dokumentartheater

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Als Thomas Freyers „Mein deutsches deutsches Land“ für das Staatsschauspiel Dresden entstand, war von den „Patriotischen Europäern gegen die Islamisierung des Abendlandes“ (Pegida) auf Dresdens Straßen noch nichts zu sehen. Regisseur Tilmann Köhler jedoch reagierte schnell und übernahm zur Uraufführung Anfang Dezember das Transparent „Heimatschutz statt Islamisierung“, das so auch auf den „Pegida“-Montagsdemonstrationen zu sehen war. Offenbar sehen Regie und Autor denselben Schoß noch fruchtbar, wie ihn Brecht im Epilog des „Arturo Ui“ beschrieb. Aus dem kriechen, von den Veranstaltern nur mühsam kaschiert, die Ressentiments gegen Ausländer und den Islam bei „Pegida“ ebenso hervor wie rechte Organisationsformen bis hin zum Terror. Der „Nationalsozialistische Untergrund“ blieb nicht beim „gesunden Volksempfinden“ des Heimatschutzes stehen, das Trio vollstreckte in brutaler Konsequenz. „Keine Reden, keine Politik mehr“, heißt es im Text. An einer Reihe westdeutscher Theater diente der NSU schon als Stückvorlage. Thomas Freyers Verarbeitung ist kein Dokumentarspiel, aber die im Mittelpunkt stehenden Mutmaßungen über den Umgang von Politik und Behörden mit der Mordserie klingen plausibel. Der häufig mit ostdeutschen Themen befasste Autor zeigt Leidenschaft und Biss, die eher in makabre Realsatire als in Agitation münden. Mit dem Versuch, den gesamten NSU-Komplex zu erfassen, hat er sich indes etwas übernommen. Die Umsetzung des Textes...

Thomas Freyers NSU-Stück „Mein deutsches deutsches Land“ gewinnt am Staatsschauspiel Dresden durch die „Pegida“-Demonstrationen makabre Aktualität

Gestern, heute, morgen

Berlin. Regierungsviertel. Eine Handvoll Menschen macht sich an einem Zaun zu schaffen. Nahezu unbemerkt von Passanten, Presse, Polizei werden an diesem Tag aus der hochsicherheitsüberwachten Bannmeile des Bundestags 14 Kreuze entwendet. Gedenktafeln an die Mauertoten, die nun, pünktlich zum 25. Jahrestages des Mauerfalls am 9. November 2014 auf Reisen geschickt werden sollen: an die „Mauern“ der Europäischen Union, an denen nach wie vor Menschen sterben. Wenige Tage später wird das...

Editorial

Hinter einem transparenten Vorhang erscheint eine lange Tafel. Wie in einem Fellini-Film sitzen die etwa 20 Gäste um den Tisch herum und werden bewirtet und unterhalten. Ihre Stimmen sind in angeregte Gespräche verwickelt, die in dem hohen weißen Raum widerhallen. Die am Eröffnungstag des Favoriten-Festivals herumstrolchenden Zuschauer, die wie Zaungäste hinter den durchsichtigen Lamellen auftauchen, werden sanft, aber entschieden zurückgewiesen: Eine geschlossene Gesellschaft tagt und trifft sich. Auch in anderen Räumen des seit 2009 leer stehenden Museums Ostwall sind die ansonsten weit offenen Durchgänge und Türen mit Molton abgehangen und mit Seilen abgesperrt; „Bitte Ruhe – Probe“ hängt vor dem einen Ausstellungsraum, vor einem anderen baut sich ein Wachposten auf. Doch der erste Eindruck täuscht – es sind die letzten Vorbereitungen zu einem Veranstaltungsmarathon, den das traditionsreiche von der Stadt Dortmund ausgerichtete, in diesem Jahr neu konzeptionierte Festival des freien Theaters in NRW in diesem Jahr im und ums Museum anbietet. Die beiden neuen jungen Kuratorinnen Felizitas Kleine und Johanna-Yasirra Kluhs – Kleine leitete von 2010 bis 2012 das Theater der Keller, und Kluhs war bereits 2012 als Assistentin der künstlerischen Leitung bei den Favoriten dabei – haben sich zur Aufgabe gemacht, das ganze Festival zu einer einzigen großen Koproduktion...

Keine Bestenliste, sondern eine Werkschau: Das Dortmunder Theaterfestival Favoriten vernetzt sich unter neuer Leitung zu einer großen Koproduktion

Repertoire der Vertiefung

Zwischen Illusion und Ideologie

Der kleine Prinz ist gestrandet. Mitten in der Wüste. Wie wir. Mit schlaffen Rotoren steht ein Hubschrauber auf dem Feld. Ein Hubschrauber? Ja. Und auch die Wüste ist nicht wirklich heiß. Statt Staub und Sand erstrecken sich hier Eis und Schnee. „Berlin?“, sagt der kleine Prinz und blickt uns schelmisch an. In Berlin, ja, da sei er selbst schon einmal gewesen. Und wie er das so sagt, hier drinnen, während...

Asteroid Y 16 – Der kleine Prinz – Die erste inklusive Theatergruppe im ostsibirischen Jakutsk

Der Kultur-Kahlschlag droht

Wenn Thiemo Strutzenberger auf der Bühne steht und das Wort ergreift, dann muss man tatsächlich von einem „Ergreifen“ sprechen. Er holt den Text mit einem gewissen Druck aus der papierenen Uneindeutigkeit, presst ihn aus seinem Körper. Oft sind es die Lippen, die sich dabei am stärksten bewegen. Der Schauspieler, der seit 2010 zum viel beschäftigten Stammensemble des Wiener Schauspielhauses gehört, bohrt gegebenenfalls auch Redelöcher in die Luft, wenn es darum geht, den Anliegen seiner Figuren Gehör zu verschaffen. Als Don Rodrigo trat er in Paul Claudels Monumentaldrama „Der seidene Schuh“ seinen Kontrahenten mit ölig abgeschmurgelten Pamphleten entgegen. Die harten Worte eines Täters ließ er als Maximilian Aue (in Jonathan Littells „Die Wohlgesinnten“) wie einen warmen Brei aus sich herausträufeln. Er macht das mit einer ganz eigenen Rhythmik, die sich oft gegen Sinneinheiten des Gesagten auflehnt. Thiemo Strutzenberger dehnt Silben, lässt öfter mal Diphthonge durchhängen, als ginge so noch mehr Klang aus ihnen hervor. Das alles wirkt keineswegs aufgesetzt. Das gesteigerte Bewusstsein für den Akt des Sprechens macht die Besonderheit des 33-jährigen Schauspielers aus. Das hängt damit zusammen, dass Thiemo Strutzenberger auch selbst schreibt. Schon während der Schulzeit in Oberösterreich wuchs das Interesse am literarischen Schreiben. Ermutigt von Lehrern, entstanden Texte,...

Thiemo Strutzenberger erforscht Sprache, indem er beim Spielen schreibt und beim Schreiben spielt

Wörter wie Körper

„Einsame Menschen“, 1890 geschrieben, ist Gerhart Hauptmanns drittes Stück. Der Theologe Johannes Vockerat und seine Frau Käthe haben eben ihr erstes Kind bekommen, die Eltern Vockerat sind zur Tauffeier an den Müggelsee gereist, während Künstlerfreund Braun, der Agnostiker vom Dienst, ein bisschen herummault. Plötzlich und unangemeldet taucht ein weiterer Gast auf: Anna Mahr, Studentin und Freundin von Braun, macht Zwischenstation auf dem Weg nach Zürich. Johannes, der an seiner geistlichen Berufung zweifelt und sich in seiner jungen Ehe mit der unbedarften Käthe langweilt, ist beim ersten Anblick „dieser Person“ – so nennen die Eltern sie – hingerissen. Was Johannes nach besten Kräften als bloße geistige Sympathie zu tarnen versucht, entwickelt sich zu einer Amour fou, die am Ende nur noch die Frage offenlässt, welches Opfer sie fordert: Anna, Käthe oder Johannes. Oder anders gesagt, welches Prinzip über welches andere triumphiert: der Status quo, die bestehende Ehe über den Ruf der Freiheit, oder umgekehrt? Der Bochumer Hausregisseur Roger Vontobel lässt keinen Pfarrer predigen, um die Taufe des Stammhalters zu feiern. Es sind vielmehr zwei Musiker, die in einer Art Hauskonzert – die Vockerats sitzen dem Duo andächtig in einer Reihe gegenüber – erbauliches Liedgut zum Besten geben. Damit schlägt Vontobel einen...

Feuer und Eis

Neuerscheinungen im Verlag