Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Seitdem Angela Merkel Bundesministerin (ausschließlich – Sic!) für Frauen und die Jugend (1991–94) war und die gesamtdeutschen Theatermacher*innen für und mit dem jungen Publikum sich bei dem Theatertreffen AUGENBLICK MAL! in Berlin treffen, seitdem erlebe ich das Ringen von uns Künstler*innen und Macher*innen um den richtigen Ton und die richtige Form der Auseinandersetzung um die darstellende Kunst für das junge Publikum. Viele brachten in den 1990er Jahren Erfahrungen von regionale Arbeitstreffen in Ost und Süd mit. Die harte Auseinandersetzung war gefordert, denn nur diese würde langfristig die Qualität der Inszenierungen heben, so das Verständnis von vielen Akteuren und wenigen Akteurinnen der Szene. In einigen regionalen Festivals war der Begriff „Arbeitstreffen“ schon gesetzt (und in Baden-Württemberg z. B. auch finanziert), der Anspruch damit formuliert, dass Festivals in mehrere Richtungen wirken sollen: Sichtbar machen der Sparte bei Fachpublikum, breiteres Angebot für das lokale Publikum und schließlich der Auftrag gemeinsam und kollegial sich und damit die Theatersprachen weiterzuentwickeln und die Qualität zu heben. Womit die alten Hasen recht haben: Wir Kolleg*innen untereinander können wertvolle Partner*innen in der Weiterentwicklung der darstellenden Kunst füreinander sein. Keine*r hat so viel Fachwissen, Erfahrung, Experimentierfreude und Kreativität wie die Kolleg*innen aus anderen Theatern für junges Publikum und teilt...

Ein Essay

Kollegiale Beratung – eine Herausforderung

PROLOG Es ist heiß in der Stadt. Die Fassaden beginnen zu glühen. In einem kühlen Raum in einem großen Gebäude sortieren drei Menschen ihre Notizzettel. Ein Beamer surrt. Menschen strömen in den Raum. Junge und erwachsene Künstler*innen, Theatervermittler*innen, ein paar Dramaturg*innen. Alle sind hier aus dem gleichen Grund: Um über Adultismus im Theater zu sprechen. Thalia, Pauri und Larissa blicken sich an, dann treten sie gemeinsam auf. SZENE 1: ADULTISMUS IM ALLTAG „Endlich habe ich ein ‚Wort‘ für das Ganze!“ Der Workshop beginnt mit der Frage nach alltäglichen Situationen, in denen sich Adultismus zeigt. Die Teilnehmer*innen schreiben mit bunten Stiften auf bunte Zettel. Wann habe ich Adultismus erlebt? (Auswahl) • Immer und überall • Aufsteh- und Bettgehzeiten, Kleiderauswahl • Kita, Schule, Lerninhalte, Hausaufgabenkontrolle • Essenszeiten, Essensauswahl und -menge, Tischregeln • Sport, Rausgehen, Gesundheit • Hobbies, Freizeitgestaltung, Medienzeit/Medienkonsum • Fragen müssen für alles: „Darf ich…?“ • Ruhe, Lautstärke, Privater Raum • Verbote jeglicher Art, Regeln, Bestrafungen – auch von fremden Erwachsenen • Entscheidungen, Kritik üben, politischer Aktivismus • Fehlendes Wahlrecht • Finanzielle Abhängigkeit • „Jetzt unterhalten sich die Erwachsenen!“ • „Jaja, ich war auch mal so idealistisch wie du, aber wenn du erwachsen bist, wirst du sehen, das ist unrealistisch und...

Larissa, Pauri und Thalia lernten sich 2021 in einem Online-Workshop zum Thema „Adultismus und Theater“ kennen. Seitdem haben sie sich in unterschiedlichen Kontexten weiter damit auseinandergesetzt und in mehreren Workshops mit jugendlichen und erwachsenen Theaterschaffenden über Hürden im Theatersystem gesprochen. Eine Auswahl des gesammelten Wissens, der Gedanken und Ideen fassen sie nun in Form eines imaginierten Workshops zusammen.

Dokumentation eines fiktiven Workshops zu Adultismus am Theater

Spielen ist eine ernstzunehmende Arbeit

Wir, die Festivalphilosoph*innen, sind 10 junge Menschen zwischen 11 und 15 Jahren, die gerne Theater schauen, nachdenken, diskutieren, Menschen kennenlernen, kreativ werden und Zeit am Theater verbringen. Wir begleiten das internationale Festival SCHÖNE AUSSICHT am Jungen Ensemble Stuttgart und schauen einen Großteil der Stücke an, sprechen darüber, machen Rückspiele für die Ensembles, hinterlassen Spuren durch Interventionen, beginnen Gespräche und geben Feedback. Uns gibt es seit zwei Jahren. Das erste Mal auf der SCHÖNEN AUSSICHT 2021, die teilweise digital stattfand. Trotz Corona, Abständen und Masken sind wir ziemlich schnell zu einer Gruppe zusammengewachsen, die einen aktiven Part auf dem Festival einnahm und bald war für uns klar war, dass es weitergehen muss. 2022 wurden die Festivalphilosoph*innen erweitert. So trafen wir uns ab März wöchentlich, damit wir uns inhaltlich und methodisch auf das nächste Festival vorbereiten konnten. Denn bei der SCHÖNEN AUSSICHT 2022 übernahmen wir weitere Aufgaben: Manche von uns moderierten die feierliche Eröffnung des Festivals, andere lasen aus den prämierten Stücken bei der Verleihung des Jugendtheaterpreises Baden-Württemberg und wieder andere waren Teil der Kitchentable-Conversation – einem Gesprächsformat über Theater mit TEEN Botschafter*innen aus Dänemark und Italien. Vielleicht erinnern sich jetzt ein paar von den Leser*innen an uns oder eine unserer...

Die Festivalphilosoph*innen am Jungen Ensemble Stuttgart

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Der Materialergründer

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

KATRIN: Was war dir in der Konzeption im Austausch mit den vier theaterpädagogischen Abteilungen wichtig, Marguerite? MARGUERITE: Mir war zu Beginn sehr wichtig, worüber wir ‚eigentlich reden‘, wenn wir über queer oder queere Projekte sprechen, weil jede*r hat ja eine eigene Definition des Begriffes queer und ich wollte einen Austausch über die Perspektiven der Kolleg*innen haben. KATRIN: Den Punkt kann ich gut verstehen. Ich hatte zwischendurch auch die Sorge, dass wir den Begriff queer teilweise sehr oberflächlich, vielleicht auch als ‚Modeerscheinung‘, verwenden könnten. Deshalb war mir die queere Selbstpositionierung von uns beiden sowie die der Kolleg*innen sehr wichtig. Auch unser Fokus auf den (queeren) Generationendialog, wenn wir dann mit den jungen Menschen, also den Teilnehmer*innen, zusammenkommen. <blockquote> Was heißt queer für euch? </blockquote> MARGUERITE: Was heißt queer für euch? Was habt ihr mit queer bisher so erlebt? Auch oder vor allem am Theater? JOSE: Ich benutze den Begriff queer erst seit ein paar Jahren für mich, ich glaube, seit ich neunzehn bin. Entdeckt habe ich ihn für mich, weil er so umfassend ist und so viel Freiraum und Identitätsfragen zulässt. In meiner Kindheit hatte ich keine queeren Vorbilder und mein ganzes Wissen rund um Gender-...

Per Videokonferenz und gemeinsamem Online-Schreibtool tauschten sich Marguerite Windblut (Theaterpädagog*in), Carolin von Ohle (FSJ Kultur/Teilnehmer*in) aus Essen sowie Jose (Teilnehmer*in) und Katrin Maiwald (Theaterpädagog*in) aus Leipzig stellvertretend für alle vier beteiligten Theater über ihre Erfahrungen in der Konzeption und Umsetzung des Projektes aus. Darüber hinaus benannten sie ihre daraus resultierenden Wünsche und Visionen für eine queere, machtkritische Theaterpädagogik und die Zukunft am Theater.

Ein Gespräch zu QUEERTOWNS

„Queer sein bedeutet für mich, das Leben zu genießen. Und es anderen möglich zu machen, es genießen zu können.“

Kompositionsprinzip Collage

STÜCKRAD: Wie bekommt man überhaupt Publikum beschrieben oder erfasst? Es gibt in der Stadtforschung den Begriff des Habitus der Stadt. Das heißt, wir müssten uns unsere Städte genau anschauen. Welchen Habitus haben diese Städte und wie passt da Theater rein? Wie beeinflusst Theater diesen Habitus? Das sind für die Spielplangestaltung wichtige Grundkenntnisse. Der Habitus von Eisenach ist durchaus kompliziert. Diese Stadt ist sehr heterogen. Es gibt eine große Spanne zwischen Arm und Reich. Die Brüche in der Stadtgeschichte gehören mit dazu: große Entwicklungsvisionen, aber auch große Rückfälle und Enttäuschungen. So reiht sich auch die Theatergeschichte in die Stadtgeschichte mit ein und beide beeinflussen einander. Wenn wir Floskeln wie „Kultur im Wandel“ beschwören, dann tun wir so, als wenn es eine „statische Kultur“ gäbe, dabei wandelt sich (Stadt-)Kultur eigentlich immer. MACHA: Ich habe das Gefühl, dass es in Förderstrukturen einen starken Fokus auf Wandel- und Transformationsprozesse im Osten gibt. Das ist einerseits gut, denn es führt zu mehr Sichtbarkeit der Herausforderungen im Osten. Es führt auch zu einer Neubewertung, einem anderen Blick auf Veränderungen. Aber sind die Begriffe des Wandels und der Transformation nicht oft „schönfärbend“? STÜCKRAD: Ja, die Begriffe kaschieren viel, worüber man eigentlich differenzierter nachdenken müsste....

Wissenschaftlerin und Politikerin Juliane Stückrad und Dramaturg Christoph Macha schauen in Eisenach genauer hin und beschreiben, wo es Forschungsbedarf zur Nachwendezeit gibt und welche Rolle Theater für junges Publikum spielt, um eine Sprache für Erlebtes, Erinnertes, Verändertes zu finden.

Forschungsfragen zum Kinder- und Jugendtheater im Osten Deutschlands, am Beispiel Eisenach

Wende und Wandel

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

THILO: Wie haben sich Theaterräume und Theatertechnik in den letzten Jahren verändert? STEVEN: Das Grundprinzip der klassischen Theaterräume ist ein schwarzer Raum, der unsichtbar drum herum ist und der alle technischen Möglichkeiten bietet, um da was machen zu können. Darüber hinaus gibt’s natürlich genügend Räume, in denen man Theater spielen kann – das kann auch mal ein heller Raum sein, ein öffentlicher Platz, eine alte Fabrikhalle oder irgendwas. Es braucht wohl den schwarzen Theaterraum und da muss auch weiterhin was stattfinden, finde ich – und trotzdem kann gleichzeitig auch andernorts was anderes stattfinden. Vielleicht ist das auch old school, weiß ich nicht, aber dieser klassische Theaterraum hat, wenn du mich fragst, seine Berechtigung und wird die auch vorerst behalten. Ich bin jetzt über 20 Jahre im Theater und habe schon viele Wellen miterlebt – das Theater hat immer überlebt. Ich kann mich noch an einige Intendanz-Wechsel erinnern, bei denen gesagt wurde: „Wir erfinden jetzt das Theater neu und jetzt wird alles anders!“ Letztendlich war das vielleicht inhaltlich neu, aber die Technik an sich hat sich nicht groß verändert. Vielleicht ist das Spektrum breiter geworden: Es ist mehr Video geworden, mehr Tontechnik, mehr Beleuchtungstechnik – alles technischer. Und...

Was passiert eigentlich, wenn ich ein Scheinwerferkabel mit einer Axt durchtrenne?“, heißt es mit der Axt in der Hand. Im nächsten Moment fällt das Licht aus. Im übernächsten scheint es auf der Hinterbühne zu brennen – dann völliges Chaos: Feuerlöscher-Einsatz, Scheinwerfer, die von der Decke fallen und auf das Publikum zu schwingen, Notfalllampen leuchten auf, Wände fallen um, die Bühne bricht zusammen. Der Beitrag von Technik und Ausstattung zum Abschied von Brigitte Dethier als JES-Intendantin heißt „DAS WAR’S JES!“ und zeigt: dieser vermeintlich karge, schwarze Theaterraum kann mich mit seiner Technik also doch noch überraschen.

Thilo Grawe im Gespräch mit Steven Gorecki

Theaterapparat, der (Stand jetzt)

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

„Work hard, play hard?“

Theater von und für junge Menschen ist unglaublich wichtig. Die Vermittlung aktueller, wichtiger und kritischer Themen steht hierbei auch beim Jugendtheater oft im Vordergrund. Doch, warum spielt gerade diese Vermittlung eine große und wichtige Rolle? Weshalb sind aktuelle Themen im Theater so wichtig? Theater ist Kunst. Kunst verbindet, löst Gefühle aus und lässt nachdenken. Gerade diese Aspekte machen das Theater zu so einem wichtigen Ort für Kultur und Gesellschaft. Unsere Welt verändert sich ständig, Kunst beschäftigt sich oft mit dem, was gerade so passiert. Was die Menschen im Moment denken, fühlen, erleben – ob als Gesellschaft oder als Einzelperson. Kunst reflektiert Menschen. Beim Theater kommt hierbei aber hinzu, dass man die Menschen direkt ansprechen kann. Mit Schauspiel, Bühnenbild, Sound und vielem mehr wird einem hier Kunst noch einmal viel nähergebracht. Man steht als Produktion direkt und aktiv mit dem Publikum in Verbindung: Das bewirkt viel. Menschen fühlen sich angesprochen, bewegt und vielleicht sogar inspiriert. Schwierige Themen können so also viel direkter und durch verschiedenste künstlerische Mittel kommuniziert und interpretiert werden. Gerade das macht Theater so attraktiv. Wie reagiert das Publikum? Vor allem kann Theater Veränderung bewirken. Es können Verhaltensweisen, Denkmuster und Herangehensweisen der Menschen grundsätzlich positiv verändert werden. Eins wird...

Theater als Verbindung zwischen Mensch und Kunst

Der genetische Code Amerikas

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Ist von Theater und Digitalität die Rede, so denken viele vermutlich zunächst an das Streamen von Aufführungen, wie es in den letzten zweieinhalb Jahren gezwungenermaßen oft stattfinden musste. Intensiv wurden Theater-Streams dabei bald auch auf ihre künstlerischen Potenziale hin ausgelotet, wenn beispielsweise die Rolle der Kamera als Gestaltungsmittel erforscht wurde oder wenn im Rahmen von Zoom-Performances Interaktionsmöglichkeiten für die Spielenden und ihr verstreutes Publikum entstanden. Doch so spannend diese Ansätze sind – letztlich kratzen sie nur an der Oberfläche dessen, was Digitaltheater alles sein kann. Zumeist wird hier nämlich auf bereits vorhandene Video- oder Kommunikations- Plattformen zurückgegriffen, die dann künstlerisch bespielt werden. Dafür aber müssen die Inszenierungen zwangsläufig den Möglichkeiten und Grenzen von Computerprogrammen angepasst werden, die oft für ganz andere Zwecke entwickelt wurden. Sicherlich lassen sich derartige Beschränkungen bis zu einem gewissen Grad auch als kreative Herausforderung begreifen. Zu gestalterischen Mitteln, die einen ähnlichen Stellenwert und eine ähnliche Aussagekraft wie etwa das Bühnen- oder Kostümbild einer Produktion haben können, werden digitale Elemente aber erst dann in vollem Umfang, wenn in der Theaterarbeit eigens auf das Konzept einer Inszenierung zugeschnittene Soft- oder gar Hardware zur Verfügung steht. So ambitioniert dies zunächst klingen mag – erste Schritte in diese Richtung wurden...

Über die Zusammenarbeit mit Digitalexpert*innen

Programmieren auf der Probe?

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Der jugendliche Körper wird viel kommentiert und erlebt, es wird sich an ihn erinnert, er wird verehrt, versteckt und kritisiert. Er verändert sich. Schnell, zu langsam oder nur minimal. Im popkulturellen Geschehen wird er oft dargestellt, aber dann meistens von Körpern, die ihm eigentlich längst entwachsen sind. Jeder Körper ist, wird oder war einmal Teil der Jugend und es ist fair, diejenigen, die diesen Platz gerade belegen, zeigen zu lassen, wer sie sind. Viele Jugendliche, die ins Theater gehen, vermissen viel von ihrer Realität in dem, was sie auf der Bühne präsentiert sehen. Das ist nicht die Schuld von Theatermachenden, denn „die Jugend“ ist schwer zu definieren. Wir sind unterschiedlich. Aber es gibt Probleme und Gefühle, die uns im Stillen verbinden. Es ist unwahrscheinlich, dass wir darüber sprechen, bevor wir mitbekommen, wie es anderen damit geht. Dargestellte Geschichten, Körper und Erfahrung können uns die Scham nehmen und uns verdeutlichen, dass wir nicht allein sind. Ich möchte nicht allein sein, wenn mir auffällt, wie einsam der Kampf gegen die gewohnte Unterdrückung ist. Ich möchte, dass es noch hell draußen ist, wenn ich merke, wie lange auch ich schon Sachen sage, Sachen denke, Sachen meine, an denen sich gestoßen wird. Meine Sachen,...

Sich selbst ein Haus sein

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Vom Recht auf kulturelle Teilhabe Für „das Recht aller Kinder und Jugendlichen auf gleichberechtigte Teilhabe an Kunst und Kultur“ einzutreten – dazu fordert gleich der erste Satz des ASSITEJ-Manifests auf.1 Diese Teilhabe „Kinder(n) und Jugendliche(n) mit Behinderungen oder aus Risikolagen“ zu ermöglichen wird anschließend noch hervorgehoben. Die Problematik des Begriffs der Teilhabe beschreibt Nickie Miles-Wildin, Regisseurin und Rollstuhl-Nutzerin u. a. bei der britischen Graeae Theatre Company, so: „Es ist ein Unterschied, ob ich bei der Party mit im Raum sein darf oder ob ich zum Tanzen aufgefordert werde.“2 Worum geht es uns also, wenn wir uns vornehmen, Teilhabe zu ermöglichen? Akzeptieren wir notwendige Kompromisse, damit auch junge Menschen mit Behinderungen Zugang zu Räumen erhalten, die wir bereits bewohnen? Oder fordern wir zum Tanz auf? Das heißt: Wünschen wir uns einen Austausch, der beide Seiten in Bewegung bringt? Erwarten wir von der Perspektive eines inklusiven Publikums, dass sie unsere Arbeit verändern und bereichern wird? A wie Access Theater als Medium der physischen Präsenz kann auf allen Sinnesebenen kommunizieren, doch visuelle und akustische Zeichen dominieren unsere ästhetische Praxis. Obwohl die kulturelle Teilhabe aller Kinder und Jugendlichen ein erklärtes Ziel der darstellenden Künste für junges Publikum ist, schließen unsere künstlerischen...

Ein Erfahrungsbericht aus der Theaterarbeit für Menschen mit und ohne Seheinschränkungen

Hören, fühlen, riechen

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Festival der Besessenen

Für dieses Jahrbuch haben wir hinausgerufen in die Welt der Darstellenden Künste für junges Publikum und haben gefragt: Worüber habt ihr nachgedacht und welche künstlerischen Experimente wagt ihr? Was entsteht, wohin geht die Reise, worauf kann sich das Publikum und können wir uns freuen? Wir haben uns über die vielen Ideen und Vorschläge gefreut und danken allen Autor*innen herzlich für ihre Texte! Zugleich haben sie Fragen aufgeworfen, mit denen wir im Vorfeld nicht gerechnet hatten: Wie sollten wir damit umgehen, dass auf unseren Call vor allem Männer reagiert hatten und alle Vorschläge aus der weißen Theaterlandcommunity stammten? Wie ernst sollte es uns sein mit der Offenheit des Calls, unserer selbstauferlegten Spielregel, nicht redaktionell einzugreifen, also: keine Autor*innen gezielt anzusprechen, keine Themen von unserer Seite aus zu setzen – also in der Konsequenz nicht das zu tun, was wir als Herausgeberinnen und Redaktion immer für unsere Expertise und Aufgabe halten? So waren wir gleich mittendrin im Nachdenken, um das wir auch die Autor*innen gebeten haben. Und haben entschieden, die Leerstellen im Heft zu belassen. Allen Impulsen, die hier versammelt sind, ist etwas gemeinsam: Die Haltungen sind nicht neutral. Sie sind politisch in ihrem künstlerischen Wollen, in ihrem Eintreten für die Kunst...

„Die allgemeine Zuneigung für Kinder kann nicht wettmachen, dass sie in vieler Hinsicht Bürger*innen zweiter Klasse sind. Gerade am Platz der Kinderrechte muss klar gesagt werden: Kinder haben viel weniger Rechte als Erwachsene. [Im Theater können wir] beeinflussen, wie Kinder und Erwachsene sich begegnen. Hier spielen wir mit anderen Verhältnissen von Kindern und Erwachsenen – solange, bis uns die Unterscheidung von Kindern und Erwachsenen endlich nicht mehr so wichtig erscheint.“ Sibylle Peters, FUNDUS THEATER | Forschungstheater Hamburg, während der ASSITEJ-Werkstatt am 11. September 2022

Editorial

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

„Aber da ist doch dieser tolle Vogelmann mit den Federn! Eine Königin, ein Prinz, der eine Prinzessin rettet, der Kampf mit der Schlange! Das darf man doch den Kindern nicht nehmen!“1 So klangen Kommentare einiger Eltern, die ich für die Vorüberlegungen zu diesem Text ganz polemisch fragte: Warum eigentlich immer Die Zauberflöte als Oper für Kinder? Bevor wir die gewagte These aufstellen, dass Die Zauberflöte im Grunde genommen keine Oper für Kinder ist und wir ihnen unbedacht eine der beliebtesten Opern ‚nehmen‘, schauen wir uns erstmal eine dieser zahlreichen Inszenierungen an, die große Bühnen bespielen und Grundschulkinder in Massen durch das Theater schleusen. Die Zauberflöte für Kinder in einer Bearbeitung von Patrick Lange und Carsten Kochan im großen Haus des Staatstheaters Wiesbaden beginnt mit einer partizipativen Schauspieleinlage. Eine Putzfrau fegt die Bühne und unterhält sich mit der Dirigentin. Beide wundern sich, wo eigentlich die Sänger*innen sind. Schnell wird klar: Unterstützung muss aus dem Publikum kommen. Gesucht werden zunächst drei Knaben. Es schießen die Finger in die Höhe, es kommt zu Missverständnissen, vier Kinder landen auf der Bühne, eines wird enttäuscht zurückgeschickt. Eine Königin wird gesucht, eine Prinzessin wird gefunden, die Besetzung hat sich unter das Publikum gemischt. Die Putzfrau...

Die Zauberflöte ist keine Oper für Kinder!?

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

,,You can’t erase diversity! Wir sollten dankbar sein, dass es so viel Schönheit und Einzigartigkeit auf dieser Welt gibt. Denn es gibt sie und wir müssen lernen sie anzunehmen und zu akzeptieren. Vor uns liegt noch ein langer Weg, den wir gemeinsam gehen müssen, um diese Welt und uns selbst offener werden zu lassen. Wir sind […] ja auf einem unendlichen Weg unterwegs, denn das Ziel wird nie wahrhaftig erreicht werden. Trotzdem müssen wir dafür kämpfen, daran glauben, die Hoffnung nicht aufgeben, irgendwann am Ende des Weges anzukommen. Nur so können wir etwas verändern.“ (Zitat aus See the real me, Heather High) Seit drei Jahren bin ich Teil der Jugendgruppe Die Tonne am Theater Reutlingen. In dieser Zeit habe ich viele neue Erfahrungen gesammelt, neue Menschen kennengelernt, mich mit verschiedenen Thematiken auseinandergesetzt und einen sehr bereichernden Einblick in die Theaterwelt bekommen. Insgesamt kann ich sagen, dass das Theater mir in den letzten Jahren sehr viel gegeben hat und immer noch gibt. Ich bin in vielen Bereichen über mich selbst hinausgewachsen und hatte die Möglichkeit meine Leidenschaft für das Schreiben mit Theater zu verbinden. Theater bedeutet für mich, gemeinsam etwas zu erschaffen, nicht nur für uns selbst, sondern auch...

Wege zu mir, über uns, zu euch

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

<blockquote> Überall, wo die Kunst selbst noch kein rechtes Regulativ hat, (…) richtet der Dilettantismus mehr Schaden an und wird anmaßender. Der schlimmste Fall ist bei der Schauspielkunst. (Goethe/Schiller 1964: 748) </blockquote> Eine traditionelle Sicht auf Dilettantismus, wie sie Schiller und Goethe geprägt haben (vgl. Goethe/Schiller 1964), charakterisiert eine*n Dilettant*in drei Eigenschaften: (1) Der Nachahmungstrieb und damit verbunden die Neigung, selbst Kunst zu produzieren. (2) Die Neigung, alles zusammenzuraffen und zu sammeln, was der Kunst ‚verdächtig‘ sei, ohne Kriterien für diese ‚Sammelwut‘ anzulegen; und eine – und das ist vielleicht der größte Vorwurf – (3) Nicht-Ernsthaftigkeit in Bezug auf die Produktion von Kunst und damit auf den Gegenstand der Kunst selbst. Was Dilettant*innen mangele, sei die Kenntnis der Regeln, die nur durch ein intensives Studium erlangt werden kann. Führt man sich vor Augen, dass das Theaterspiel mit ungelernten Spieler*innen inzwischen ein wesentliches Feld sowohl Kultureller und Ästhetischer Bildung als auch im professionellen Theater etablierte Praxis ist, lässt sich feststellen, dass diese zwar nicht mehr den traditionellen Regeln der Darstellungskunst folgen, sondern ihre eigenen „Regulative“ gefunden haben. Was aber kann Dilettantismus als ästhetische Strategie gerade in den Darstellenden Künsten für junges Publikum und mit Kindern und Jugendlichen an ästhetischem Mehrwert bringen? Bei der...

Den Dilettantismus feiern – statt negieren!

Explodierendes Dokumentartheater

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Die vierte Wand in der Kunst der Gegenwart

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Body Boom Boom Brain, PINSKER+BERNHARDT, Künstler*innenhaus Mousonturm, Junges Nationaltheater Mannheim 2022.

Bambi & Die Themen, Junges Schauspiel D’haus, Düsseldorf 2021.

Robin und die Hoods, pulk fiktion, Köln 2021.

"We Want YOU to Change the System"

Annika Bode

Frederick die Maus, vorschlag:hammer, Duisburg 2021.

HARVEST, Theater o.N., Berlin 2021

DINGE DINGEN, Julia Keren Turbahn + Jan Rozman, Berlin 2022.

Die Verdunkelung II – Coronaleuchten, Piccolo Theater Cottbus, 2021

Lyriks … von Unendlichkeit umarmt, Theater an der Ruhr, Mülheim a.d.R. 2021.

Überbordend sinnlich, international gefeiert, diversitätsoffen und jenseits von disziplinären Grenzen, zugleich angefeindet, verbrämt, umkämpft: Die Intendanz von Benjamin von Blomberg und Nicolas Stemann am Schauspielhaus Zürich war eine richtungsweisende Zeit. Als alphabetisches Glossar verpackt, evoziert der vorliegende Reader die Hoffnungen und Versprechen, die mit der Intendanz verbunden waren, repräsentiert die vielfältigen Handschriften der beteiligten Künstler:innen und ruft öffentliche Debatten um die Neuausrichtung des Schauspielhauses auf.
Was also bleibt, von diesem Versuch das Stadttheater für das 21. Jahrhundert neu zu denken? Theater Is Dead. Long Live Theater. Schauspielhaus Zürich 2019 – 2024 gibt darauf keine finalen Antworten, sondern versammelt Material, das für zukünftige Erneuerungsversuche relevant sein könnte. Dabei entsteht ein künstlerischer Text- und Bildband, der einen erweiterten Theaterbegriff feiert und die in Zürich entstandenen Arbeiten zwischen Theater, Tanz, Film und den performativen Künsten abbildet und kontextualisiert.
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Schauspielhaus Zürich 2019 – 2024 

Theater is Dead. Long Live Theater

„Kultur macht stark!“ ist die Behauptung hinter Programmen wie Wege ins Theater, Zur Bühne, tanz + theater machen stark, ChanceTanz und anderen, die für bisher nicht erreichte junge Zielgruppen Zugänge zu den Darstellenden Künsten schaffen wollen. Wie verändert sich dadurch das Selbstverständnis der Macherinnen und Macher? Wie sieht die Zukunft aus? In der Praxis zeigt sich immer wieder, wie sehr strukturelle Veränderungen, neue, visionäre Wege und zukunftsweisende Projekte von Menschen ausgehen.
IXYPSILONZETT Jahrbuch 2022 feiert diese Menschen als Vorbilder: Es will über Zugänglichkeit und Teilhabe, über Macht und Öffentlichkeit nachdenken. Im Fokus der Publikation stehen Utopien, die in positiven Beispielen sichtbar werden: Es geht um einen utopischen Atem auf verschiedenen Ebenen des Systems ‚Theater‘.
 
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