Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Ein Festival für „Städte­bewoh­ner*in­nen“ sollte es werden – für, in und mit den Menschen aus Augsburg. Dazu wurden die Spielorte in der gesamten Stadt gestreut, die Lage „marginalisierter“ Menschen in der Stadt „sichtbar“ und die Zuschauerinnen und Zuschauer selbst zu Spielenden gemacht. In seiner letzten zu ver­antwor­tenden Festival-Ausgabe brachte Patrick Wengenroth wieder mal verschiedene performative Formate und Gruppen nach Bayern, deren Arbeiten er im Jargon des Engagements unter dem Festival-Motto subsumierte: „Moral to go“. Ästhetischer Schwerpunkt war die ­Erweiterung des Begriffs der Theaterkunst aus der Perspek­tive des Per­formativen, für die Thea­terkollektive wie Raum+Zeit, andcompany&amp;Co oder She She Pop stehen, auch im Sinne einer „Konfrontation Brechts mit der Gegenwart und der Gegenwart mit Brecht“, so Wen­genroth. Die Gruppe Raum+Zeit (Alexandra Althoff, Lothar Kittstein und Bernhard Mikeska) holte in ihrer szenischen Installation „Anti­gone::Comeback“ Brecht dann auch ganz wörtlich in die Gegenwart – in die der Besucherinnen und Besucher, die nicht mehr nur zusahen und zuhörten, sondern angesehen und angesprochen wurden. Die Situation: Proben zu Brechts „Antigone“. Mittels einer VR-Brille, als Helene Weigel auf der Bühne stehend, wurde man von Brecht angewiesen, vor allem aber zurechtgewiesen – so sollte der Seelenzustand Weigels während der Proben selbst erfahren werden. Beklemmende Szenen, die jedoch gegen...

Zum dritten und letzten Mal erlebte Augsburg das Brechtfestival unter der Leitung von Patrick Wengenroth

Hoffnung im Widerspruch

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

Mit 21 Jahren beginnt Lion Feuchtwanger damit, ein Tagebuch zu führen. Eine Gewohnheit, der er in der Folge fast ausnahmslos täglich nachging und die er bis an sein Lebensende nicht aufgeben sollte. In diesem Alter kommt Feuchtwanger auch zu der Erkenntnis, dass er Grabbe ähnele, sicher bessere Stücke als Oscar Wilde schreiben könne, und fasst den Entschluss, ein „großes“ Drama zu verfassen. Auch ein Titel fällt ihm ein: „Ich!“ Das ist keine unverzeihliche Arroganz, sondern die Arroganz eines jungen Mannes, der weiß oder nur ahnt, dass aus ihm ein bedeutender Schriftsteller werden wird. Aufschluss über Feuchtwangers Weg zu seinen großen Werken – und zu seinem Ruhm – geben die nun erstmals unter dem Titel „Ein möglichst intensives Leben“ publizierten Tagebücher, ein zweifelsohne editorisches Mammutprojekt, an dem sich der Aufbau Verlag versucht hat. Feuchtwanger hat hier keine Aufzeichnungen für die Nachwelt gemacht, keine Verteidigung abgegeben oder einen großzügigen Blick auf den Schreibtisch des Genies gewährt. Die Notizen galten ihm selbst, sind vollkommen unliterarisch, nehmen in den meisten Fällen nur zwei, drei Zeilen in Anspruch und setzen mitunter ein Wissen voraus, das der Leser nicht haben kann. Der Verlag wirbt für das Buch mit dem Slogan „Feuchtwanger ohne Filter“ – und doch...

Lion Feuchtwanger: Ein möglichst intensives Leben. Die Tagebücher. Hg. von Nele Holdack, Marje Schuetze-Coburn, Michaela Ullmann, Aufbau Verlag, Berlin 2018, 640 Seiten, 26 EUR.

Ich!

Herr Carp, Ihre einprägsame Metapher für das Theater Freiburg, der „Weltempfänger“, gilt weiterhin, inzwischen sind Sie in der zweiten Spielzeit. Auf welche Resonanz stößt Ihre Arbeit in der Stadt? Freiburg ist eine international ausgerichtete „Geistesstadt“. Von daher passt der „Weltempfänger“ sehr gut. Er beschreibt die Tatsache, dass wir mit vielen verschiedenen Regisseurinnen und Regisseuren aus unterschiedlichen Ländern, ja Kulturkreisen arbeiten. So präsentieren wir viele unterschiedliche Blickwinkel des Theaters auf die Welt. Eine Bereicherung nicht nur für das Publikum und das Ensemble: Davon profitieren die Häuser als Institutionen. Auch wenn es am Anfang viel kommunikativer Arbeit bedarf. Können Sie diese Kommunikationsarbeit im Sinne einer ­Herausforderung konkretisieren? Sie brauchen ein internationales Netzwerk, um gute Empfehlungen zu bekommen, und reisen viel. Dabei sieht man nicht nur Dinge, die einen begeistern. Es ist eine aufwendigere Vorgehensweise, weil man die Institution und die Künst­lerin / den Künstler zusammenbringen muss. Welche Folgen für die Art der Narration hat Ihr Modell des Weltempfängers? Narration ist mir sehr wichtig. Ich fand immer, dass die Menschen, die aus der rein deutschen Theatertradition kommen, sehr stark über Form und Mittel reflektieren. Mir kam es wenigstens so vor, als ob ihr Schwerpunkt weniger auf dem Inhalt oder auf dem lag, was...

Der Freiburger Intendant Peter Carp im Gespräch mit Bodo Blitz

Das Entdeckerhaus

Das Theater war immer der Ort, an dem eine Gesellschaft auch ihre Konflikte verhandelte, indem auf der Bühne die widerstreitenden individuellen, religiösen oder politischen Interessen, die das Miteinander bestimmten, gestalteten und gefährdeten, von den Figuren stellvertretend ausagiert wurden. Dass dies heute nicht mehr ausschließlich im Sinne einer Übersetzung ins Fiktionale, Mythologische oder Symbolische geschieht, sondern sich die Konflikte der Gegenwart unmittelbar auf der Bühne abbilden, ist nicht nur neuen interventionistischen, Dokumentartheater- und Bürgerbühnen-Formaten oder dem Artivism eines Milo Rau oder des Zentrums für Politische Schönheit geschuldet, die die Realität zu ihrem Stoff machen. Und es sei auch dahingestellt, ob schlechte politische Zeiten gute Zeiten für das Theater als Kunstform sind. Doch angesichts der gesellschaftlichen Umbrüche und politischen Verwerfungen in Deutschland, in Europa und weltweit kann sich ein Theater, das sich immer noch als Agora der Gesellschaft, vielleicht auch als moralische oder paradigmatische Anstalt begreift, tatsächlich nicht nicht dazu verhalten. Zurzeit aber ist das Theater selbst zum Gegenstand eines politischen Konflikts geworden: genannt „Kulturkampf von rechts“. Und die Frage ist, ob dieser Kampf auf einer realen oder symbolischen Ebene stattfindet. Ob es bei diesem Kampf ausschließlich um die Freiheit der Kunst geht oder eben um viel mehr. „Rechts“ meint hier im...

Wie die AfD mit ihrer Kulturpolitik die Theater attackiert – und glänzendem Protest begegnet

Kulturkampf oder alles nur Theater?

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Claus Leggewie: Herr Jongen, zum Aufwärmen: Was haben Sie als Letztes im Theater gesehen? Marc Jongen: Das war, wenn ich nicht irre, an der Berliner Schaubühne ein Stück mit dem famosen Lars Eidinger: „Dämonen“ von Lars Norén. Eine sehr hysterische Inszenierung von Thomas ­Ostermeier, allerdings grandios gemacht, inklusive Urinieren und allem, was so zum modernen Regietheater noch dazugehört. Leggewie: Das stört Sie? Jongen: Nicht notwendigerweise, wenn es gut gemacht ist. Mich stört nur, wenn solche Effekte in klassischen Stücken benutzt werden, die das gar nicht nötig haben, wo der Effekt das Stück dann verzerrend überlagert. Bei diesem Stück war alles kohärent. Leggewie: Ich fand „Die Perser“ von Aischylos in der Inszenierung von Ulrich Rasche am Schauspiel Frankfurt großartig. Ein Stück, in dem der Autor eines siegreichen Volkes sich in die Position eines besiegten Volkes, nämlich die Perser, hineinversetzt und in deren Leid. Das bringt mich gleich zu einem Stück, das Ihr Parteikollege Andreas Edwin Kalbitz sehr angegriffen hat: „KRG. – Eine Heimatbetrachtung“ am Piccolo Theater in Cottbus. Dieses Stück macht fast dasselbe wie Aischylos. Es versetzt uns in die ­Situation von Geflüchteten, nur unter umgekehrten Vorzeichen, wir müssen in ein anderes Land fliehen, weil Deutschland eine faschistische Diktatur geworden ist....

Ein Streitgespräch zwischen dem Politikwissenschaftler Claus Leggewie und Marc Jongen, dem kulturpolitischen Sprecher der AfD-Bundestagsfraktion

Bitte konkret!

Hamlet sein

„Fuck the Pain Away!“ Zu diesem Song der kanadischen Elektroclash-Performerin Peaches soll angeblich Madonna ihr Fitness-Training absolviert haben. Derzeit donnert er, live skandiert von Peaches herself, in einer Produktion der Stuttgarter Staatstheater von der Bühne. Und zwar in „Die Sieben Todsünden / Seven Heavenly Sins“, einem Dreisparten-Projekt von Oper, Ballett und Schauspiel. Hochkulturferne Profis wie Peaches, die seit Jahren mit queeren Songs wie „Fatherfucker“ gegen Rollenzwänge ansingt, könnten für frischen Wind sorgen, so das Kalkül. Peaches hatte schon in Monteverdis „Orfeo“ am Ber­liner HAU gezeigt, dass sie mehr kann als Porno-Poesie zu Groovebox-Sounds. Regisseurin Anna-Sophie Mahler hat den Stuttgarter „Todsünden“-Abend als dreiteilige Collage angelegt. Den Auftakt ­bildet das Brecht-Weill’sche Ballett mit Gesang „Die Sieben Todsünden“ (1933), an dem Peaches als singende Erzählerin der Hauptfigur Anna mitwirkt. In einem zweiten Durchgang, betitelt als Gegenentwurf: „Seven Heavenly Sins“, agiert Peaches als Peaches, lässt sich wie eine ­Punk-Queen vom Bühnenhimmel abseilen und interpretiert die Tod­sünden mal ganz anders – ­hedonistisch, feministisch, offensiv. Im Schluss­teil zu Charles Ives’ mystisch raunender Musik „The Un­answered Question“, bei der sieben Mal ein fragendes Motiv ertönt, tanzt die 64-jährige Melinda Witham das letzte Solo ihrer langen Ballettkarriere. Die verbindende Idee des Ganzen: Eine Frau namens Anna blickt auf...

Staatstheater Stuttgart: „Die Sieben Todsünden / Seven Heavenly Sins“ von Kurt Weill / Bertolt Brecht und Peaches. Regie Anna-Sophie Mahler

Stuttgart: Dick in the Air

Avatare übernehmen die Rollen der Schauspieler in Peer Ripbergers Stückentwicklung „Im Rausch der Maschinen oder Das Recht auf Faulheit“. Im historischen Gewölbe des Zimmertheaters Tübingen experimentiert das neue Leitungsteam mit digitalen Medien. Karl Marx’ Theorie des Klassenkampfs liest das Ensem­ble neu. Immer mehr Arbeitsabläufe werden automatisiert, weshalb also nicht die Spielerinnen und Spieler ersetzen? „Siri, zeig mir meinen Avatar.“ Augenblicke später sprechen deren Eben­bilder auf vier Bildschirmen, gezeichnet im Comic-Stil. Daneben räkeln sich die vier Akteure auf dem Bett. Ripbergers Sprache ist griffig. Die Sätze hämmern mitreißend wie Techno-Sound. „Zusammen sind wir mehr als ein Virus, zusammen sind wir ein Faulheitsgerinnsel“, doziert das mediale Ebenbild von Christopher Wittkopp. Derweil genießt der Spieler, der kurz zuvor noch sozialistische Thesen hinterfragte, die Auszeit, die ihm die Technik schenkt. In einer Kombination aus Kingsize-Bett und Bällebad, die der Designer Stephan Potengowski schuf, vermittelt das Quartett das Lebensgefühl einer Generation, für die das Recht auf Faulheit selbstverständlich wird. Peer Ripbergers Theater bietet Denkanstöße statt Antworten. Sein Stil ist spielerisch. Der Autor und Regisseur fordert, dass die Schauspieler über das nachdenken, was sie verkörpern. Er nennt sie Performer: „Ich möchte mit Leuten arbeiten, die mit dem Publikum direkt kommunizieren.“ Diesen Draht finden die Akteure leicht:...

Innovative Kunst im Digitalzeitalter – Unter der neuen Intendanz von Dieter und Peer Ripberger soll aus dem Zimmertheater Tübingen ein Institut für theatrale Zukunftsforschung werden

Mit Marx und Siri im Bälleparadies

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

„Neigschmeckt“ steht auf dem Spielzeitheft 2018/19 des Theaters Ulm. Das ist Schwäbisch und signalisiert, dass die Neuen am Haus nicht aus dem „Ländle“ kommen. Innen im Heft sieht man Fotos der unterschiedlichsten Ulmer Bürger in ihren unterschiedlichen Wohnzimmern. Und ganz unten auf dem ansonsten reinweißen Cover des Heftes sitzt ein Ulmer Spatz mit Halm im Schnabel. Ein mehr als deutliches Signal der neuen Leitung des Dreispartenhauses, die bei dessen erster Neuausrichtung nach zwölf Jahren freundlich Hallo sagen und dezente Duftmarken setzen muss. Das Thema Bürgertum und das neue Spatzenlogo sind zwei davon. Ja, sagt Kay Metzger, das mit dem Spatzen habe nicht jedem gefallen. Man habe als „Neigschmeckte“ nicht damit gerechnet, dass es den Ulmern gar nicht so lieb sein könnte, wenn ihr traditionelles Signet plötzlich überall auftaucht. „Wir wollten eigentlich nur unterstreichen: wir und Ulm.“ Dennoch fühlten sich einige zu penetrant umarmt. Aber alles in allem, so der neue Intendant, sei dieser Sturm im Wasserglas längst verebbt. Ende Februar hat das Team um Metzger Inhalte und ästhetische Stoßrichtung ­seiner zweiten Spielzeit am ältesten Stadttheater Deutschlands ­bekanntgegeben und für die erste dabei offenbar nur Lob ein­geheimst. Die Schwäbische Zeitung zitierte einen Stadtrat, der im Kulturausschuss von steigender „Suchtgefahr“ schwadronierte. Freilich...

Der neue Intendant Kay Metzger erobert Ulm mit einem Mix aus lokalen und globalen Themen – und einem Schauspielensemble, das Spaß macht

Wir und die Stadt

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Die dunkle blaue See zieht Ellida Wangel in den Bann. Henrik Ibsens „Frau vom Meer“ zeigt die Schauspielerin Anna Gesa-Raija Lappe als eine Fremde. Wie im Fiebertraum bewegt sie sich durch das Haus des Arztes Wangel, ihres Ehemanns, der ihre Sehnsüchte nicht erkennt. Eisige Kälte umfängt die Künstlerin in dem schmerzhaften Augenblick, wenn sie sich von ihrem Gatten emanzipiert. Doch sie erkennt ihre eigene Kraft. Wie existen­ziell dieser Kampf für Ibsens Dramenfigur aus dem 19. Jahrhundert ist, zeigt die 28-Jährige in Anna Bergmanns Inszenierung „Nora, Hedda und ihre Schwestern“. Klug und fesselnd verkörpert sie die Rolle. Das entsetzliche Fremdsein ist in jeder Geste, in den widerstrebenden Bewegungen ihres sportlichen und doch zarten Körpers zu spüren. Seit September gehört die Hamburgerin fest zum Ensemble der Karlsruher Schauspieldirektorin Anna Bergmann. Der Aufbruch mit dem weiblichen Führungsteam, das auch am Regiepult ausschließlich mit Frauen arbeitet, fasziniert Lappe. Aber die junge Schauspielerin betrachtet die Szene realis­tisch, sieht, dass noch viel passieren muss, bis sich die Strukturen am Theater so ändern, bis sie für Frauen gerechter werden. Der Blick von Regisseurin Bergmann und Autorin Ulrike Syha auf Ibsens starke Frauen war für Anna Gesa-Raija Lappe ein Auftakt nach Maß. „Theater spielen bedeutet für mich zu...

Zwischen entsetzlichem Fremdsein und emanzipatorischer Kraft – die Karlsruher Schauspielerin Anna Gesa-Raija Lappe

Die Sehnsuchtsforscherin

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Frau Laaser, sind angesichts der Kolonial­geschichte alle weißen Europäerinnen und Europäer Rassisten? Nein. Ich sage nicht, dass wir Rassisten sind, sondern frage, ob unsere Gesellschaft ein strukturelles rassistisches Thema hat. Man muss unterscheiden: Ist eine Aussage rassistisch oder ist der, der sie macht, rassistisch? Nicht jeder, der sich einmal rassistisch äußert, ist auch ein Rassist. Aber die Aussage ist gegebenenfalls ein Ausdruck dieser rassistischen Strukturen. Inwieweit kann man diesem strukturellen Rassismus mit einer Vertragsklausel begegnen? Dass man das kann, ist auf jeden Fall Julia Wisserts und meine Überzeugung bei der Klausel. Aufklärung hilft! Mir haben Workshops, Bücher etc. geholfen, einen anderen Blick auf die eigenen Denkmuster zu bekommen. Wenn ich aus einer Gesellschaft komme, in der strukturell rassistische Denkmuster existieren, muss ich erst einmal eine Außenperspektive einnehmen, um das zu erkennen. In dieser Hinsicht funktio­nieren Workshops sehr gut. Die Klausel setzt zwar an einem anderen Punkt an. Aber kann sie auch etwas an der Situation ändern, dass Hauptrollen auf deutschsprachigen Bühnen meist von weißen Schauspielerinnen und Schauspielern verkörpert werden? Die Art und Weise, in der Rollen besetzt werden, hat auf jeden Fall eine starke Außenwirkung. Die Klausel dockt natürlich erst einmal an einen Bereich an, der eher betriebsintern ist. Aber...

Was macht das Theater, Sonja Laaser?

Delay, Verspätung, ist eines der Schlüsselwörter in Thomas Köcks Stück „atlas“. Ein verspäteter Anschlussflug reißt ein Loch in die Zeit, Wartezeit für eine junge Frau, „totzeit die / einzig wahre utopie vielleicht“, heißt es. Ortlos, eingespannt im Transitbereich eines Flughafens, füllt sich dieses Loch, stürzen von den Bewusstseinsrändern her fragmentarisch erinnerte Szenen, Geschichten, Lebensläufe, Orte und Zeiten hinein, heften sich vage aneinander, formieren sich zu einer Geschichte und zu Geschichte. Denn auch die großen Zeitläufte scheinen angehalten – Historie tritt in die REM-Phase, in der die Ereignisse verarbeitet werden. Nur dass das bei Köck keine Traumarbeit ist, sondern politische Traumata-Arbeit. Anhand einer einzigen Familiengeschichte betreibt „atlas“ eine Geschichtsschreibung, die von den menschlichen Kollateralschäden der Weltpolitik erzählt, unausgesprochen vererbt über Generationen. Der Tan Son Nhat International Airport in Ho-Chi-Minh-Stadt im Süden Vietnams, auf dem die junge Frau unfreiwillig festsitzt, ist Zwischenstopp einer Recherchereise, auf der sie nach dem Tod ihrer Mutter einer Familientragödie nachgeht. Es wird eine vietnamesisch-deutsche Familienaufstellung, inklusive Kaltem Krieg, Exil, Mauerfall und dauernder Angst. Also auch eine Migrationsgeschichte: Die Mutter, angeblich ein Waisenkind, kam als vietnamesische Vertragsarbeiterin in die DDR, bekam dort trotz Ausreiseandrohung im Falle einer Schwangerschaft ein Kind, diese Tochter. Vor 1989 in Wohnblöcken kaserniert,...

Schauspiel Leipzig: „atlas“ von Thomas Köck (UA). Regie Philipp Preuss, Ausstattung Ramallah Aubrecht

Leipzig: Traumata-Arbeit

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Flugzeuge, Schmetterlinge, rosa gebratener Lammlachs, wohlige Wohlstandssattheit – nein, sie spüren nur „diese Leere im Bauch“. Haben immer schneller, besser, schöner Markttauglichkeit bewiesen und sich dabei verloren. Ihr Leben ist die Arbeit, ist nur Mittel zum Karrierezweck, längst nicht mehr genussvoller Ausdruck, also Verwirklichung der Persönlichkeit. Eine Entfremdung. Die damit einhergehenden Kompromisse und Lebens­lügen führen allerdings nicht zum Vergessen der eigentlichen Motivation, etwas zu tun. Alexandra Badea gönnt in ihrem Stück „Extremophil“ drei anonymen Figuren eines durchökonomisierten Alltags daher einen Moment der Einkehr, über den verlorenen Glauben an die individuelle Autonomie zu räsonieren. Lässt Erinnerungen an Identitätsentwürfe aufsteigen, dazugehörende moralische Werte und Ziele. Daraus müsste sich doch in Midlife-Crisis-Zeiten noch mal Energie gewinnen lassen. In Tim Egloffs Inszenierung am Stadttheater Bremerhaven hockt das müde Trio in einer trostlos sterilen Wartehalle. In sich versunken, ausdruckslos starrend. Nie wird ihnen der Ausruf entgegenschallen, dass nun ein Flugzeug, Zug oder Bus zur Abfahrt bereitstehe, also einen Ausweg aus ihrem monadisch isolierten Zustand anböte. Den muss jeder selbst finden. Aus der Distanz der zweiten Person Singular werden in inneren Monologen eigene Frustrationen analysiert. Abwechselnd reißen die Darsteller auf der Bühne die Augen auf, drehen sich sitzend zum Publikum oder gehen an die Rampe, reden...

Stadttheater Bremerhaven: „Extremophil“ von Alexandra Badea Regie Tim Egloff Ausstattung Cornelia Schmidt

Bremerhaven: Authentizität? Überleben!

Allianzen bilden

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Katrin Brack, in René Polleschs „Carol Reed“, einer Ihrer jüngsten Arbeiten am Burgtheater Wien, werden Sie bezichtigt, das Bühnenbild geklaut zu haben. Die Schauspieler betreten die Bühne und sind total perplex. „Mon Dieu, wo ist denn das Bühnenbild!?!“, fragt Martin Wuttke. Birgit Minichmayr hat sofort Sie in Verdacht: Madame Brack hat es mitgehen lassen. Genau, sogar mein Name fällt (lacht). Da war ich ganz schön baff. Natürlich kenne ich das aus anderen Pollesch-Stücken. Da wird alles zum Material, alles wird verhandelt, auch das Bühnenbild: Ist es das richtige oder das falsche? Aber so ausführlich habe ich es noch nicht erlebt. Ich habe ihn anfangs sogar gebeten, diese Passa­gen etwas zu reduzieren. Seine Stücktexte entstehen ja während der Proben. Stattdessen hat er zusätzlich meinen Namen eingefügt. Ungewohnt! Aber spannend. Eine ganz neue Erfahrung. Sie haben mit Regisseuren wie Dimiter Gotscheff und Luk Percevalgearbeitet. „Carol Reed“ ist Ihre erste Zusammenarbeit mit Pollesch. Wie verlief diese Kollaboration? René hat zu mir gesagt: Mach ein Bühnenbild. Weiter nichts. Für ihn ist ja jeder autonom, die Kostümbildnerin, die Schauspieler, die Beleuchter … Auch das war für mich neu, gleichzeitig aber wahnsinnig toll, weil es einem eine unglaubliche Freiheit gibt. Ich habe ihm vorgeschlagen,...

Katrin Brack über Pollesch, Hitchcock und das Eigenleben ihrer Bühnen. Ein Gespräch anlässlich der Verleihung des Hein-Heckroth-Preises mit Dorte Lena Eilers

Die Bühne spricht

Dieses Stück ist eines der übergeschnapptesten im Dramenkosmos William Shakespeares. Schon sein Titel lässt nichts Ernstes vermuten: „Twelfth Night, or What You Will“. Die zwölfte Nacht meint den zwölften Tag nach Weihnachten, den Dreikönigstag also, der einstmals ganz im Zeichen von Jux und Tollerei stand. In Wiesbaden indes beginnt alles wunderbar förmlich. Der Pianist und Schauspieler Andrej Agranovski, der an diesem Abend als Narr fungiert, betritt die Bühne des Kleinen Hauses, setzt sich ans dort wartende Klavier, popelt fachmännisch in und an den Saiten herum, präpariert hier und dort und entlockt dem schwarzen Zauberkasten sodann die Geräuschkulisse eines veritablen Schiffbruchs, samt Sturmgetöse und heftigem Wellengang. Genau das steht schließlich am Beginn von Shakespeares Stück. Die beiden Zwillinge Sebastian und ­Viola werden auf diese Weise auseinander­gerissen und wähnen sich später mutter­seelen­allein und den jeweils anderen tot. Viola (Lina ­Habicht) verkleidet sich kurzerhand als halbstarker Kerl Cesario und heuert beim Herzog Orsino von Illyrien an (Matze Vogel). Dieser wiederum ist unsterblich verliebt in die reiche Gräfin Olivia (Llewellyn Reichman). Die aber erweist sich wahlweise als furioses Flintenweib oder als trauernde Eisprinzessin, die sich höchstens für den feinsinnig femininen Cesario erwärmt. Nach zwei Stunden haben sich alle Figuren ausgiebig verwechselt und wieder schön...

Hessisches Staatstheater Wiesbaden: „Was ihr wollt“ von William Shakespeare. Regie Ulrike Arnold, Bühne Bartholomäus Martin Kleppek, Kostüme Anne Buffetrille

Wiesbaden: La-La-Shakespeare-Land

Jetzt ist alles politisch

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Ihr Weg zum Theater war ein Kraftakt, einer von vielen. Denn aufgewachsen war die 1934 in Schwerin geborene Christine Gloger in ­einem Kinderheim. Ende der vierziger Jahre begann sie in Rostock-Warnemünde in einer Weberei zu arbeiten. Plötzlich aber findet sie sich 1954 auf der Theaterhochschule in Leipzig wieder. Etwas, das so wohl nur in der ­frühen DDR möglich war, wo, wer es wirklich wollte, solche Träume leben konnte. Wahrscheinlich verhalfen ihr die Härten ihrer Biografie, die sie doch nie haben abstumpfen können, dazu, eine ideale Brecht-Schauspielerin zu werden. Als sie in ihrem Erstengagement in Meiningen mit der „Dreigroschenoper“ am Berliner Ensemble gastierte, ließ ihre Polly sofort aufmerken. Es war diese markant-direkte Art, die ihrem Spiel Wucht gab. Helene Weigel engagierte sie sofort, und so spielte sie ab 1959 drei Jahr­zehnte lang prägende Rollen, vor allem in Brecht-Stücken. Das Rollenverzeichnis ist lang, von Virginia in „Leben des Galilei“, Mascha in „Die Mutter“ von Brecht/Gorki, Jane Larry in „Im Dickicht der Städte“, Amalie in „Trommeln in der Nacht“ bis zu Dascha Tschumalowa in Heiner Müllers „Zement“. Von Helene Weigel übernahm sie die Titelrolle in „Die Gewehre der Frau Carrar“ – all das am BE der Wekwerth-Ära, wo man keine Tabus mehr brach,...

In Erinnerung an die Schauspielerin Christine Gloger

(Un)heilige Mütter

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Peter Carp und sein Team begreifen das Freiburger Theater auch in der zweiten Spielzeit als „Weltempfänger“. Dieses Kommunikationsbild aus den Anfängen des Radios vereint die Zuschauer als Empfänger mit internationalen Regisseurinnen und Regisseuren als Sender. In Freiburg inszenieren mit dem Belgier Stef Lernous oder dem Iraner Amir Reza Koohestani bereits am Theater Oberhausen bewährte Kräfte. Neue Sendeplätze gingen etwa an die Polin Ewelina Marciniak oder an den Slowenen Jernej ­Lorenci, den Träger des Europäischen Theaterpreises für neue theatrale Realitäten. Der Radar überregionaler Aufmerksamkeit ist Carp sehr wichtig. Insbesondere im Großen Haus bleibt der Ehrgeiz spürbar, den großen Wurf zu landen. Wen der Freiburger Intendant als langjähriger und ausgewiesener Spezialist für internationale Regie sich entwickeln lässt, der kann – wenn es gut läuft – vielleicht eine oder zwei Spielzeiten später an den großen Häusern inszenieren. Carps Energie gilt vielversprechenden Künstlern, nicht Konzepten. Ein Blick auf die beiden aktuellen Inszenierungen Marciniaks und Lorencis zeigt, welche Theatermittel dabei hoch im Kurs stehen: Bildhaftigkeit und Narration. Lorenci adaptiert mit „Das Nibelungenlied“ eine der großen europäischen Erzählungen, und das auf diskursive Weise. Die Narration, indes nicht im klassisch psychologischen Sinne, steht bei ihm im Mittelpunkt: Schauspieler in ihrer Rolle als Schauspieler betreten die Bühne, setzen...

Das Theater Freiburg peilt mit Intendant Peter Carp ehrgeizige Ziele an

Sender und Empfänger Sehnsucht nach der großen Narration

Was folgt

15 Jahre ist es her, da sollte der Schriftsteller und Dramatiker Christoph Hein der Intendant des Deutschen Theaters in Berlin werden. Ein unglaubliches Rauschen ging durch den deutschen Blätterwald, von „Ostalgie“ und ähnlichem war in den ­Medien die Rede, als ob man schon aus moralischen Gründen verhindern müsse, dass einer, der in der DDR lebte und arbeitete, das erste Theater der neuen Bundeshauptstadt leite. Widerstand kam auch aus der Politik. „Man kann dem Senat nicht vorwerfen, irgendetwas unterlassen zu haben, um meine Intendanz zu verhindern“, resümiert Hein in seiner jüngsten Suhrkamp-Veröffentlichung „Gegenlauschangriff. Anekdoten aus dem letzten deutsch-deutschen Kriege“. In der Sammlung von Anekdoten ist jene über die gescheiterte Intendanz die umfangreichste, wenn auch ohne Pointe. Außer vielleicht jener, dass noch in den Diskussionen um Chris Dercons Berufung an die Berliner Volksbühne etwas widerhallte von der erzwungenen Aufgabe Heins – zwei Momente in den Verteilungskämpfen der ehemals geteilten Stadt, geprägt durch westelbische Arroganz. Am 8. April wird Christoph Hein 75 Jahre alt. Verstand er sich selbst mehr als Dramatiker, ist er doch vor allem für seine Prosa bekannt. Mit „Gegenlauschangriff“ blickt der Schriftsteller zurück, auf die DDR, den Beitritt zur BRD und all die Verwicklungen, die sich im Anschluss daran ergeben...

Christoph Hein wird 75 Jahre alt – und schließt in seinem jüngsten Buch die Wirklichkeit eines geteilten Landes auf

Bildkorrektur

Rechnung an Theater der Zeit

Hello from the other side, I must have called a thousand times.“ Wenn Sie diese Liedzeile lesen, haben Sie möglicherweise sofort die Stimme der Sängerin Adele im Ohr. Immer wenn ich nun diese kraftvolle Herzschmerz-Ballade über vergangene Liebesbeziehungen höre, sehe ich Marielle Schavan vor mir, wie sie den Song, über Videokamera vergrößert, von ihrer Vulva schamlippensynchronisieren lässt. In der Performance „Oh My“ von Henrike Iglesias tritt die Frau nicht mit ihrem Verflossenen, sondern buchstäblich mit ihrer eigenen „Scham“ in Dialog. Diese überraschend explizite und humorvolle Umdeutung des Songs gehört zu den denkwürdigsten Szenen meines vergangenen Theaterjahrs. Bereits seit 2012 – also weit vor den Debatten um #aufschrei und #MeToo und vor den auf die Institution Stadttheater bezogenen Aktivitäten des Vereins Pro Quote Bühne und der Vernetzungs­plattform Theater.Frauen – bringt das ­Kollektiv Henrike Iglesias dezidiert feministische Diskurse, Perspektiven und Darstellungspraktiken auf die Theaterbühnen Deutschlands und der Schweiz. Anna Fries, Laura Naumann, Marielle Schavan und Sophia Schroth haben sich während ihres Studiums in Hildesheim kennengelernt und bilden das queerfeministische Kollektiv Henrike Iglesias, zu dem inzwischen auch Eva G. Alonso (Licht, Video) und Malu Peeters (Sounddesign) zählen. Die Produktion „I Can Be Your Hero Baby“ (2014) verschränkte „Germany’s Next Topmodel“ mit dem gesellschaftlich...

Das Berliner Kollektiv Henrike Iglesias betreibt humorvoll und explizit feministische Aufklärungsarbeit

Fort Grrrrrl

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Kann sein, dass bei den Franzosen in letzter Zeit mehr Politik ins kulturelle Gefüge gesickert ist als bei den Deutschen. Auf der Berlinale jedenfalls, die als politisches Festival gilt, hoben bei der diesjährigen Preisverleihung zwar einige Gewinner in ihren Dankesreden das jeweilige Thema ihres Films in den Vordergrund. Etwa die Hälfte der anderen Gewinner aber machte eher den Eindruck, als ob vor allem die Chance zum Eintritt in die gesellschaftliche Welt des Films, beziehungsweise das tiefere Eindringen in diese, Antrieb gewesen wäre, ein irgendwie politisch geartetes Thema gewählt zu haben. Ist ja auch nicht weiter schlimm. Immerhin rechtfertigte keiner dieser Filme das Dealen mit Waffen – wie zum Beispiel die Bundesregierung mit halsbrecherischen Verrenkungen immer wieder aufs Neue. Wenn man Interviews derzeitiger Stars des literarischen französischen Kulturbetriebs liest, geht es ebenfalls ums Politische im sozialen und gesellschaftlichen Raum – um Ursache, Wirkung und Parteilichkeit also, und die Antworten gehen meist an die Wurzeln. Virginie Despentes zum Beispiel bezeichnet in einem Gespräch mit dem Schweizer Tagesanzeiger „die Austeritätspolitik in allen Ländern Europas“ als „Vernichtungskrieg, der alle sozialen Errungenschaften … zerstören soll. Man will die europäischen Bevölkerungen auf das Armuts- und Elendslevel des 18. Jahrhunderts zurückfahren … Nie war die Klasse der...

Über das aggressive Wirtschaften der Reichen und Reichsten

Die Erniedrigten und Beleidigten

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Als Ulrich Eckhardt, promovierter Jurist und ausgebildeter Musiker, 1973 aus Bonn, wo er drei Jahre als Kulturreferent gewirkt hatte, nach Westberlin berufen wurde, um die Position eines Intendanten und Geschäftsführers der Berliner Festspiele zu übernehmen, da hatte ein Mann seinen Ort gefunden und der Ort seinen Mann. Der 39-jährige Westfale trat, zwei Jahre nach dem Grundlagenvertrag zwischen den beiden deutschen Nachkriegsstaaten, mit dem festen Vorsatz an, in der ehemaligen Frontstadt ein Tor zu öffnen, das bisher verschlossen gewesen war, das Tor zu dem östlichen, sozialistisch formierten Europa. Um nicht in Konflikt mit dem sozialistischen Lager zu geraten, das die Dreisektorenstadt wegen ihrer Anbindung an die deutsche Westrepublik mit einem Bann belegt hatte, war er auf den Gedanken gekommen, die vor allem mit Bundesmitteln finanzierten Festspiele aus einer Institution des Senats in eine GmbH zu überführen; fortan firmierte sie als Privatunternehmen. So war er bestens gerüstet für eine Aufgabe, die er 28 Jahre lang mit einer Empathie, Erfindungslust und Motivierungsgabe erfüllte, die geografisch wie thematisch keine Grenzen kannten, obwohl er realiter immer wieder an solche stieß. In einem Buch, das im Berliner Siebenhaar Verlag erschienen ist, hat Eckhardt unter dem Titel „Über Mauern geschaut. Was Kultur kann – und soll“ Bericht...

Ulrich Eckhardt: Über Mauern geschaut. Was Kultur kann – und soll. Siebenhaar Verlag, Berlin 2018, 320 Seiten, 29,90 EUR.

Der geniale Impresario

Derman sendedir

In seinem späteren Spiel lag etwas Majestätisches, Stolzes – durchzogen von Wärme, auf den Punkt fixiert in Sprache und Ak­tion. Joachim Tomaschewsky, ein Gentleman, ein Doyen auf der Szene, der seinen Stachel pfeilschnell ins Ziel bringen konnte, genauso wie er es verstand, in stummer Präsenz zu glänzen. Unvergessen in den Inszenierungen von Frank Castorf: Herr Korbes – eine Figur nach dem gleichnamigen Grimm’schen Märchen in „Räuber nach Schiller“, ab 1992 als der wiedergeborene böse Mann Korbes, der mit seiner Anwesenheit den Vorgang des Unlösbaren anzweifelt, um am Schluss festzustellen: „So ist es!“ Einfach, still und groß. Oder im Jahr 1996 in „Golden fließt der Stahl / Wolokolamsker Chaussee“ von Karl Grünberg / Heiner Müller – Joachim Tomaschewsky als Frau Mucha: Verfremdung durch Zurückhaltung und Ruhe für eine irritierte kopfscheue Figur. Dann das Abenteuer mit Christoph Schlingensief. Wieder eine neue Erfahrung, es kam ein anderes wildes Leben! Leben! Leben! ins Schiff. Später, im Jahre 2006, eine Sternstunde des Theaters, eine Szene mit Susanne Düllmann in „Gier nach Gold“ nach Frank Norris: Eine Tasse Tee wird zum Fetisch einer großen Affinität, der sich beide nicht versichern können. Da wurde umeinander geschlichen in laut­loser Unsicherheit. Das Begehren zurück­halten, es nicht fassen können. Das...

Zum Tod des Schauspielers Joachim Tomaschewsky

Monolith mit Passion – ein Theater voller Leben! Leben! Leben!

Ich weiß nicht, was Sie sehen, wenn Sie vor die Tür gehen. Vielleicht das Meer oder den Wald oder die Berge. Natur ist schön, sie hat so etwas Unschuldiges. Wenn ich vor die Tür gehe, sehe ich Armut. Ich sehe nicht nur Obdachlose und Bettler, sondern Menschen, denen die Entbehrung ins Gesicht geschrieben ist. Armut macht keine zarten Gesichtszüge, sondern harte. Arme Menschen sterben im Durchschnitt ein Lebensjahrzehnt vor den reichen. Édouard Louis hat darüber in „Wer hat meinen Vater umgebracht“ geschrieben. In dem Berliner Stadtteil, in dem ich lebe, sind über ein Viertel der Menschen auf Sozialleistungen angewiesen, sie sind aus verschiedenen Gründen, die außerhalb ihres Einflusses liegen, nicht in der Lage, ihr Überleben zu bestreiten – gleichzeitig steigen die Mieten berlinweit am stärksten. Selten sieht man solches Elend auf den Theaterbühnen. Ich bin persönlich nicht daran interessiert, dass man die Armen auf die Bühnen der Republik zerrt, damit sie dort wie Exoten begafft werden. Außerdem sehe ich das ja jeden Tag. Warum also auch noch im Theater? Zeigen muss man, wie die Armut ursächlich mit dem Reichtum entsteht. Das hat etwas mit der eigentümlichen Produk­tionsweise zu tun, die unserer Gesellschaft zugrunde liegt. Die funktioniert nämlich in Widersprüchen. Und...

Geschichten vom Herrn K.: Armutsursachen bekämpfen

Die Stress-Knoten auflösen

Auf dem langen Flur der AfD-Fraktion im Sächsischen Landtag hängen zwischen den Abgeordnetenbüros Porträts berühmter Deutscher. Ob es immer nachahmenswerte Vorbilder sind, sei dahingestellt, denn Karl der Große beispielsweise hatte um 800 nach Christus gerade den Sachsen übelst mitgespielt. Aber auf die Weimarer Dichterfürsten, auf Carl Maria von Weber, Richard Wagner, Friedrich Nietzsche und erst recht Wilhelm von Humboldt oder Gotthold Ephraim Lessing wird man sich verständigen können. Hoffnungsvolle Auspizien auf ein Gespräch mit den weit und breit einzigen kulturaffinen Politikern der AfD Sachsen, zumal beide der „Alternativen Mitte“ zuzurechnen sind. Die Grafikdesignerin Karin Wilke hat lange im westdeutschen Norden gelebt und ist die kulturpolitische Sprecherin der Landtagsfraktion. Ihr Mitarbeiter Thomas Hartung hat als Germanist promoviert und steckt hinter den kulturpolitischen Passagen des Programms zur Landtagswahl am 1. September 2019. Was aber auch in einem offenen Gespräch nicht gelingen will, ist die Verständigung auf Grundwerte, für die all jene Dichter und Denker und Maler und Komponisten draußen auf dem Flur stehen. „Wir empfinden uns als die Verteidiger des Grundgesetzes“, erklärt Karin Wilke leidenschaftlich und meint damit in erster Linie die Meinungsfreiheit des Artikels fünf. Zugleich stellt Thomas Hartung die Allgemeinverbindlichkeit solcher Werte infrage. „Dieses schleichende gesinnungsethisch orientierte Bild einer idealen...

Die Konfliktlinien zwischen Theatern und der AfD in Sachsen

Auf Kollisionskurs

Manifeste alleine sind es nicht. Die reichen nicht aus. Inflationär erscheinen sie in diesen Tagen, immer wieder tauchen sie auf, und dann tauchen sie wieder ab, Kundgebungen, Stellungnahmen, öffentliche Positionierungen. Immer wieder erzeugen sie Medienaufmerksamkeit, dann verpuffen sie wieder. Dann wird es wieder still. Solidaritätsadressen sind gut, reichen aber auch nicht aus. Umso besser, wenn das direkte Gespräch dazukommt. Einfach mal anrufen – braucht ihr etwas? Aber Solidarität zu zeigen reicht auch nicht immer aus, man sollte erst einmal fragen, ob sie überhaupt gewünscht ist und wie sie gewünscht ist. Sich in Verbindung zu setzen reicht insofern nicht aus. Die Frage, wann Solidarität in etwas anderes umschlägt, ist sehr umsichtig im Vorfeld zu stellen. Wann sie übergriffig wird, das kann man schnell übersehen. Es kann manchmal darum gehen, Sichtbarkeit für die Akteure vor Ort zu schaffen, die sich oft seit Jahren gegen Angriffe wehren. Und sie nicht mit der eigenen Sichtbarkeit zu verdrängen. Plötzlich gibt es nur noch Feine Sahne Fischfilet. Plötzlich kommt Berlin. Oder Wien. Und zeigt der Provinz, wie das geht. Mit welchen Mitteln man Solidarität zeigt, das zu fragen reicht auch nicht aus. Die künstlerischen Mittel geraten an Grenzen, weil sie vielleicht von denen nicht wahrgenommen werden,...

Unschärfe Stellung

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Stücke über Migration, wohin man schaut. Überall begegnen uns Flüchtlingsschicksale, traurige Biografien, die von Entwurzelung und nicht erreichter Ankunft zeugen. Man kennt diese Stücke, wo sich dann im Laufe des Abends die Identitäten vermischen und natio­nale Grenzregime als Konstruktionen entlarvt werden. Zweifelsohne sind auch solcherlei inzwischen verstetigte Erzählmuster in der Uraufführung von „Zwischenraum (Istanbul – Heidelberg)“ vorzufinden. Doch Zinnure Türe, Autorin und Regisseurin des Stücks, bietet erfreulicherweise auch abseitige Momente, die dem Fremden seine Rätselhaftigkeit und Exotik lassen. Zu Beginn wird nicht lange gezetert. Auf die Bühne stürzen durch die Tür nach und nach vier Schauspieler. Man weiß nicht, was sie trieb oder woher sie kommen. Sie gehen durch den Raum, der mit einem Laufsteg, einem Schreibtisch und einem hängenden Leuchter ausgestattet ist. Mal werden sie sich mit Pfauenfederkragen schmücken, mal Popcorn von einem am oberen Bühnenrand befind­lichen, schwarzen Automaten empfangen, mal wird auf einem Overheadprojektor ein Gemisch aus Wasser, Brause und Insektenbeinchen erzeugt. Und gleich zu Beginn erlischt für kurze Zeit das Licht, bevor Christina Rubruck mit Streichhölzern durch die Dunkelheit zieht und fragt: „Wohin geht der Mensch, wenn er geht?“ Dass sich an diesem Abend nur die wenigsten Bilder ganz erschließen, ist nicht unbedingt ein Malus. Vielmehr ergibt...

Theater Heidelberg: „Zwischenraum (Istanbul – Heidelberg)“, Rechercheprojekt von Zinnure Türe (UA). Regie Zinnure Türe, Ausstattung Stephanie Karl

Heidelberg: Polyphonie der Schicksale

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

„Die Freiheit der Kunst ist ein Gradmesser gesellschaftlicher und demokratischer Freiheit. Die Länder bekennen sich dazu, diese Freiheiten zu schützen und zu einem Maßstab ihrer Kulturpolitik zu machen.“ Mit dieser Erklärung setzte Mitte März die neu gegründete Kulturministerkonferenz in Deutschland ein deutliches Zeichen gegen rechts. Denn spätestens seit dem Einzug der AfD in den Deutschen Bundestag wird die Freiheit der Kunst öffentlich infrage gestellt. Parlamentarische Anfragen, Forderungen nach Subventionskürzungen und...

Editorial

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Die Angstlust des Mannes vor der begehrenden Frau wird Gestalt im „Urweib“ als „wildem Tier“. So wie Frank Wedekind seine Lulu in der schwül temperierten „Monstertragödie“ wider die wilhelminische Heuchlermoral entwarf. Eine Femme fatale der vorletzten Jahrhundertwende, undomestiziert, unwiderstehlich, ungezügelt – Unheil bringend. In den Hirnen des Stückpersonals irrlichtert sie als Ausbund fataler Weiblichkeit, bedroht also das klassische Geschlechterbild von männlicher Dominanz – und regt die derart Verunsicherten an, Macht über Lulu zu gewinnen, also Gewalt auszuüben. Das zu tun, was dank der längst überfälligen #MeToo-Debatte mal wieder grundsätzlich angeprangert wird. Nicht um dummdösige Verfehlungen einiger widerlicher Machos geht es, sondern um alltägliche Anzüglichkeiten, die ein Klima schaffen für verbal grobe Belästigungen, dreiste Berührungen, rohe Übergriffe bis hin zu Vergewaltigungen. So scheint es heute unmöglich, zumindest am politisch sensiblen Stadttheater, Wedekinds kerlig provokante Sicht zu reproduzieren, die sinnlich ­schillernde Lulu zur Täterin zu machen, die ihre ungezügelte ­Lebens- und Liebesgier befriedigt, während die kirre gemachten, übergriffig gewordenen Männer abwinken dürfen: Sie seien ja auch nur aus Fleisch und Blut. Diese Perspektive verschwand ­allerdings bereits im vergangenen Jahrhundert von deutschen Bühnen. Regisseure entwerfen vielmehr Sittenbilder der Ent­würdigung und Verdinglichung als Ausdruck sozialer Kräfteverhältnisse. Lulu ist Opfer einer patriarchal verkorksten Welt –...

von dieser Emanzipation: „Lulu“ in Zeiten von #MeToo in Wilhelmshaven und Bremen

Du sollst dir ein Bildnis machen …

Diese Geschichte führt uns aus Europa ins Kampfgebiet des sogenannten IS. Es ist die Geschichte von Michael, der von Wien nach Rojava reist, um als Kämpfer die Demokratische Föderation Nordsyrien, ein de facto ­autonomes Gebiet, gegen den IS, gegen das Assad-Regime, gegen die Türkei zu verteidigen. Autor Ibrahim Amir erzählt sie in seinem neuen Stück „Rojava”, erzählt von einem ­idealistischen Europäer, der mithelfen will, einen kurdischen Traum, ein „modernes, demokratisches System, ökologisch orientiert” aufzubauen. Am Volkstheater Wien hat Regisseur Sandy Lopičić sie uraufgeführt. Nachdem 2016 die Uraufführung von Amirs Text „Homohalal” am Volkstheater kurzfristig abgesagt worden war und vergangene Spielzeit mit „Heimwärts” ein am Schauspiel Köln uraufgeführter Text in der kleinen Spielstätte Volx/Margareten zu sehen gewesen war, schaffte es „Rojava” nun auf die Bühne des großen Hauses. Dort hat Bühnen- und Kostümbildnerin Vibeke Andersen den Kriegsschauplatz als eine Art Stonehenge arrangiert: Zerbrochene Betonplatten und gekappte Strommasten bilden einen Halbkreis. Michael, den der Schauspieler Peter Fasching spielerisch auf sehr jugendliche Aufregung abonniert, steht dort mit Gitarrenkoffer und Weltverbesserungswunsch und trifft auf die Realität, also auf Krieg. „Entschuldige! Du bist, wie mir scheint, ein Opfer deiner Zwangsstörungen, du leidest am Helfersyndrom oder sowas Ähnliches. Oder hast du etwa Depressionen und willst dich...

Volkstheater Wien: „Rojava” von Ibrahim Amir (UA). Regie Sandy Lopičić, Ausstattung Vibeke Andersen

Wien: Kriegsromantik

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Ich bin jetzt so lang neben den Mächtigen hergerannt und habe nach ihren Knöcheln geschnappt, ohne daß sie auch nur einen Kratzer davongetragen hätten, ich laufe immer noch, aber jetzt habe ich das Gefühl, daß aus dieser Sandbahn heraus – die Strecke ist noch hie und da mit altem Blut gesprenkelt – etwas nach mir schnappt. Und ich kann nichts davontragen, nicht einmal eine Wunde, und ich habe nichts mehr davon, daß ich schreie und beiße, es tut niemandem weh, und es befreit mich selbst nicht. Niemand hat etwas davon, die Wirklichkeit ist wie Gallerte, halb durchsichtig, aber weiter unten, in der Tiefe, sieht man nichts mehr, man sieht nur, was man uns an der Oberfläche sehen läßt, und das schaut doch recht harmlos aus. Auch das Neujahrskonzert wird nicht abgesagt, flüstern mir die Geigen zu. Und ich fürchte mich trotzdem. Das ist nur teilweise auf mein Alter zurückzuführen, in dem man sich natürlich hilfloser fühlt. Hätte ich noch den Mut, den ich einmal hatte, würde ich die Erstürmung des Bundesamts für Verfassungsschutz mit Hilfe einer bewaffneten, wenn auch wahrscheinlich unbedarften Polizei-Einheit, die Durchsuchung nach Akten, wer weiß, welchen Inhalts, wer kann es sich denken?, einen Putschversuch nennen, einen versuchten...

Worte schweigen, flüstern Geigen

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

„Is my future all in the past“

Er wirkte wie ein Vertrauter, aber blieb dabei fremd. Kein Unbekannter, jedoch ein Unerkannter, der sein Geheimnis zu hüten wusste – und das bis zuletzt. So kann man im Werk, das Bruno Ganz uns hinterließ, immer wieder neu auf Entdeckungsreise gehen. Seine Theaterarbeiten bleiben allein im Gedächtnis derer, die dabei waren, sofern sie nicht aufgezeichnet wurden (und das sind einige), aber welch gewaltiger Kosmos an Filmen, die er prägte! Wer denkt an Volker Schlöndorffs „Die Fälschung“ von 1981! Allein diese Rolle als Kriegsberichterstatter Georg Laschen würde ausreichen, ihn als Filmschauspieler unsterblich zu machen. Wer fälscht hier was? Wir blicken nach Beirut zur Zeit des Bürgerkriegs. Wie wir die Konflikte in dieser Region seit Jahrzehnten wahrnehmen, das ist eine Frage der Bilder und der damit verbundenen Meldungen, die uns erreichen – oder auch nicht. Der Journalist als ein Fälscher im Dienste politischer Interessen? Diese Anmutung des auf einem Buch von Nicolas Born beruhenden Films möchte ich gern zurückweisen. Wie sie auch Georg Laschen im Film zurückweist. Er lügt doch nicht! Aber dann haben wir teil an einer gefährlichen Reise ins Ich von Laschen, mitten in den Straßen von Beirut, wo „am Tage die Heckenschützen ihre Waffen putzen und die Opfer der...

Zum Tode des großen Schauspielers Bruno Ganz

Zwischen Himmel und Hölle

Elfie Steinheuer lebt in einer beschaulichen Welt. Die Fenster der zweistöckigen Fachwerkhäuser sind heimelig beleuchtet. Es ist Feierabendzeit. Zeit für die Familie, die Kinder oder die Probe des Männergesangsvereins. Zufriedene Menschen. Hinter jedem Fenster wohnt das Glück. Zu kaufen gibt es dieses bei der Modellbaufirma Noch im Internet. „Stadt, Land und Dorf – Idylle und Beschaulichkeit“ heißt die Kategorie, unter der man die Bestandteile dieses Wohlfühlszena­rios im Miniaturformat bestellen kann. Mach dir deine Welt, wie sie dir gefällt. Aber wehe, es kommt jemand und spielt sein eigenes Spiel mit diesen Puppen. Tankred Dorsts bislang unveröffentlichtes Drehbuch „Eine Mordgeschichte“ aus dem Jahr 1988 erzählt von einer schaurigen Kleinstadt und ihren Menschen. Alles wirkt dort sehr konventionell und überschaubar, wäre da nicht der ICE, der wie eine lauernde silberne Schlange auf Sarah-Katharina Karls Bühne die Modelleisenbahnstadt unablässig umkreist. Bernhard Glocksin, Leiter der Neuköllner Oper und enger Freund Tankred Dorsts, hat sich mit der Adaption des Drehbuchs zwei Jahre nach dem Tod des Dramatikers einen Wunsch erfüllt. Eines Tages, schreibt er im Programmheft, habe Dorst ihm dieses Manuskript in die Hände gedrückt. „Hat mir der Jürgen Jürges vorbeigebracht“, habe Dorst gemurmelt. Jürges, der derzeit als Kameramann von Ilya Krzhyanowskys Mammutprojekt „DAU“ wieder im...

Neuköllner Oper: „Elfie“ (UA) von W. Böhmer und M. G. Berger nach „Eine Mordgeschichte“ von Tankred Dorst in Mitarbeit von Ursula Ehler. Regie Martin G. Berger, Ausstattung Sarah-Katharina Karl

Berlin: In den dunklen Häusern liegen Leichen

Autoren April 2019 / Vorschau

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Thomas Köck, Sie haben 2016 zusammen mit Jörg Albrecht, Thomas Arzt, Sandra Gugić und Gerhild Steinbuch die Autor*in­nengruppe Nazis &amp; Goldmund gegründet, zunächst in Form einer Internetplattform, auf der Sie wöchentlich mit künstlerischen und essayistischen Texten auf rechte, nationalistische und autoritäre politische Tendenzen weltweit reagiert, ja, gegen sie angeschrieben haben. Die öffentliche Einmischung von Künst­lern in den politischen Diskurs erlebt mit dem erstarkenden Extremismus eine Renaissance, ein kollektiver Zusammenschluss ist allerdings die Ausnahme. Warum haben Sie sich zusammengeschlossen? Ich glaube, zu einem großen Teil, um sich überhaupt erst mal irgendwie zu äußern. Zu der Zeit drehten sich alle Gespräche zwischen uns eigentlich immer um die gleichen Themen: den Rechtsruck und die offensichtliche Sprachverdrehung der Neonationalisten, die sich wunderbar mit diesem neoliberalen, pseudo­freundlichen Managerdeng­lisch ergänzen. Außerdem wollten wir so eine Art digitale Antwort auf die digitalen Netzwerke der Identitären Bewegung kreieren und natürlich die Alternativrealitäten im Internet spiegeln. Wichtig war uns auch, auf eine daraus resultierende Verflachung von Inhalten und Themen zu reagieren, die mit dem neoliberalen Umbau einhergeht. Das hängt ja alles zusammen: die Kürzung von Finanzmitteln für Bildungseinrichtungen, der Umbau von Universitäten zu Unternehmen, die wie verrückt Drittmittel einwerben und im citation indexraufklettern wollen, die sogenannte Buchkrise, die Theater­krise,...

Der Dramatiker Thomas Köck über die mit vier Kollegen gegründete Autor*inneninitiative Nazis & Goldmund im Gespräch mit Anja Nioduschewski

Fiesta Antifa

Meldungen

Open Table: Uncanny Valley

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Premieren April 2019

vielleicht sollte man sich wieder mit dem gespenst beschäftigen, vielleicht gerade jetzt, denkt sich ein chor, während er etwas erschöpft durch den immerwiederkehrenden deutschen herbst läuft. und immer wieder das gleiche: keine blühenden landschaften mehr, wo sind die denn bloß hin? diese blühenden landschaften, die einst versprochen wurden? blühende landschaften, paradiesische gärten und leuchtende wiesen wurden doch versprochen. jetzt sieht der chor wie immer nur all das laub, das über den boden weht, verlassene bahn­höfe, verschlossene türen, vergessene wege, verschlossene hauseingänge, unbewohnte mietshäuser, zerschlagene fassaden, jedes jahr das gleiche, denkt er sich, der chor und abgerissene wahlplakate hängen da auch noch an der wand an der der müde chor vorüberspaziert. vielleicht sollte man sich einfach wieder mit dem gespenst beschäftigen, wann auch immer dieses jetzt einmal gewesen sein wird, wann auch immer dieses jetzt einmal stattgefunden haben wird, denkt sich ein chor, dem gerade die worte fehlen, weil er müde ist, immer wieder die gleichen probleme in immer wieder der gleichen leier anzukreiden, weil er müde geworden ist, dieser chor, immer wieder und immer wieder dabei zuzusehen, wie immer und immer wieder, seit es chöre gibt, man sich mit den gleichen problemen, mit den gleichen flachpfeifen, denkt er sich, der...

blühende landschaften – wir werden sie jagen!

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

TdZ on Tour

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Der Himmel und die Donau: grau. Linz galt seiner Schwerindustrie wegen immer als Aschen­brödel unter den österreichischen Lan­des­haupt­städten. Und trotzdem trägt Linz den Beinamen Stahlstadt selbstbewusst. Auf den Stahlkonzern VOEST, den größten Arbeiter­geber des Landes, ist die Bevölkerung stolz. So wie die Turiner auf Fiat oder die Wolfsburger auf VW. Diesem hohen Identifikationsgrad trägt das Landestheater mit einem neuen Stück Rechnung. Das Dokumentartheaterduo Hans-Werner Kroesinger und Regine Dura erzählt in den Kammerspielen des Hauses die turbulente Geschichte des 1938 als Hermann-Göring-Werke gegründeten Unternehmens nach. Und besiegelt das Ganze schon im Titel als „Mythos VOEST“. Eine sagenhafte Geschichte steht also an, und diese wird geliefert. In zweieinhalb Stunden spielen fünf Schauspielerinnen und Schauspieler in rasantem Tempo die Firmengeschichte nach. Dura und Kroesinger haben ausgiebig recherchiert, Interviews geführt, Dokumente zusammengetragen und alles aufbereitet zu einer die Höhen und Tiefen des Konzerns chronologisch durchlaufenden Show. Warum aber den Linzerinnen und Linzern ihre eigene VOEST-Geschichte vorspielen? Trägt man damit nicht Torf ins Moor? Das ist die eine Crux dieses Inszenierungskonzepts. Die andere: Eine quasi abgeschlossene, historisch ausgewogene Rückschau birgt keine großen Konfliktangebote. Man referiert das Bekannte, das macht die Sache als Theaterabend durchaus zäh. Ein mittig auf der Drehbühne platzierter, aus Stahlgittern bestehender Kubus...

Landestheater Linz: „Mythos VOEST“ von Regine Dura (UA) Regie Hans-Werner Kroesinger, Ausstattung und Videodesign Rob Moonen

Linz: Durst vorm Hochofen

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Bruno Ganz has been the ultimate movie hero for me since "The American Friend". I was very lucky to work with him before his death. He was a brave and extremely charismatic man, not to say a very gifted actor. I texted with him three days before he passed away and I sensed the gallows humor in his response. He claimed that he was very happy with the film we made together, which I would like to believe in.

Bruno Ganz

Schach ist ein Spiel für Strategen. Da wird taktisch kalkuliert, um den eigenen Wirkungsbereich zu vergrößern. Auch jenseits des Bretts beherrschen einige dieses Spiel perfekt. Betrachten wir den Theaterstreit an der Theater, Oper und Orchester GmbH Halle (TOOH), der am 22. Februar mit der Nichtverlängerung des Opernintendanten Florian Lutz in eine neue Runde ging, daher einmal als Schachspiel. Da gibt es auf der einen Seite diejenigen, die im Laufe der Intendanz von Lutz die Freude an der Oper verloren haben. Dazu gehören ein schwer zu beziffernder Teil des Publikums, ein Großteil des Orchesters, die designierte Generalmusikdirektorin Ariane Matiakh sowie eine knappe Mehrheit der neun Aufsichtsratsmitglieder der TOOH. Auch TOOH-Geschäftsführer Stefan Rosinski zählt dazu. Auf der anderen Seite stehen der ebenso schwer zu beziffernde andere Teil des Publikums, ein Großteil der Presse, über neunzig Unterzeichner eines offenen Briefes (darunter etliche Intendanten), sowie der Hallenser Oberbürgermeister Bernd Wiegand, der gleichzeitig Aufsichtsratsvorsitzender ist. Künstlerisch gesehen könnte dieses „Spiel“ durchaus spannend verlaufen. Lutz vertritt eine Ästhetik, die frei mit der Geschlossenheit eines Werkes umgeht: Die Musik darf unterbrochen werden, das Sujet wird aktualisiert, Sänger, Musiker, Zuschauer sitzen mitunter im ganzen Raum verteilt. Den Aufsichtsrats­mitgliedern muss diese an anderen Opernhäusern mit Erfolg erprobte Ästhetik derart...

Der Gesellschaftsvertrag der TOOH muss verändert werden, um statt destruktiver Strategiespiele eine funktionierende Leitungsstruktur in Halle zu ermöglichen

Auf die Straße, Intendanten!

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Von einem glücklichen Zufall zu sprechen verbietet sich natürlich von selbst. Trotzdem hat der „Offene Brief zur Situation in Dresden“, den das Landesbüro Darstellende Künste Sachsen e. V. am 6. Februar 2019 veröffentlicht hat, dem zu ebendiesem Zeitpunkt im Freien Werkstatt Theater statt­findenden flausen+bundeskongress#2 eine zusätzliche Dringlichkeit verliehen. Während in Köln Theatermacher aus Deutschland und dem Ausland unter dem doppeldeutigen ­Motto „The Politics of Art“ über die Gefährdungen wie über die Möglichkeiten der freien Szene in einer Welt gesprochen haben, in der populistische Strömungen immer stärkeren Einfluss gewinnen, hat sich im Rat der Stadt Dresden eine neue bürgerlich-konservative Allianz formiert, die mit der Unterstützung der AfD-Stadträte eine längst beschlossene Erhöhung der Fördermittel für Projekte aus den Bereichen kommunale Kultur, Soziales und Gleichstellung zurücknehmen wollte und dies dann am 8. Februar zumindest in Teilen auch getan hat. Die auf dem flausen-Kongress geführten Diskussionen bekamen durch die Entwicklungen in Dresden eine klare Stoßrichtung. „Die Brüsseler Erklärung wurde am 1. Juli 2018 erdacht, und ich hätte nicht gedacht, dass es jetzt schon so schnell in Deutschland Tendenzen geben würde, die diesen Appell für die Freiheit der Kunst nötig machen.“ Diese Beobachtung, die der Bundestagsabgeordnete (Bündnis 90/Die Grünen) und Mitinitiator der „Brüsseler Erklärung“ Erhard...

Umkämpfte Vielfalt

Neuerscheinungen im Verlag