Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Da schlotterten den Zeitgenossen die Knie: ein ungeheuerlicher Angriff auf die Krone der Schöpfung, was Julien Offray de La Mettrie 1748 im Skandalbuch „Der Mensch als Maschine“ behauptet hatte. Und genau darum ging’s: Wer oder was hat Angst, warum schlottern die Beine? Für den französischen Arzt und Frühaufklärer war die Sache klar: Die Seele ist nicht Herr im eigenen Haus, und die Menschen sind „nur Tiere und aufrecht kriechende Maschinen“. Ein rücksichtsloser Wahrheitssucher, der auf alle wissenschaftsethischen Grenzen pfiff. Vernunft, Geist und Freiheit: ab auf den Müllhaufen der Geschichte! Und dann auch noch „Der Mensch als Pflanze“! Keine scharfe Trennung zwischen Flora und Fauna, die Natur: ein Ineinanderfließen. Ein Buch voll erotischer Anspielungen: die Frau – eine Blume, ihre Brust – eine Knospe, die pflanzliche Befruchtung – ein Abbild des Geschlechtsakts. Was für ein frivoles Denken, ein gefährlicher Irrweg! Aber dann starb der wollüstige Philosoph drei Jahre später ausgerechnet nach dem Verzehr einer üppigen Pastete: ab auf den Müllhaufen der Geschichte! Und genau dort wird der Mensch wirklich zur Pflanze: Für das Künstlertrio Kommando Himmelfahrt ist der Ideenmüllhaufen ein Garten, in dem das Neue wächst, wo Fehlentwicklungen und Verworfenes verrückte Blüten treiben. Wie La Mettrie, der heute als Entdecker des...

Die Gruppe Kommando Himmelfahrt steht für groß gedachtes, aber zugleich lustvoll verspieltes Musik- und Ideentheater

Musiktheatrale Archäologie

Cox Habbema, die Fremde, kam mit ihrer Stimme (violagefärbt, holländisch schmeichelnd) 1969 in unsere DDR-Enklave, von jenem anderen, fernen, uns unerreichbaren Stern: Amsterdam, Welthafen, Paralleluniversum. Cox Habbema, als Schauspielerin immer Wesen aus einer Zwischenwelt – nicht nur im Film, nicht nur im Drachendrama auf der Theaterbühne märchenhaft und mehr wissend, immer die kluge Tochter, schön, goldhaarumwallt und in stiller, warmherziger Überlegenheit. Sie sah genau auf die Dinge, mit Vernunft und wohlwollender Unbestechlichkeit, quasi real angewandter Poesie. Irgendwie sehr sozialistisch! Als ich 1977 nach Berlin reiste, fand im Deutschen Theater just die 500. Aufführung von Jewgeni Schwarz’ „Der Drache“ statt: mit Rolf Ludwig, Eberhard Esche, Horst Drinda – und als Else: Cox Habbema. Da stand sie, gab Widerworte und Zärtlichkeit, zeigte widerstreitende Gefühle und Gedanken, ganz stark, ganz präzise, störrisch liebend, mit Vehemenz. Jahrzehnte später wurde auf dem Prenzlauer Berg ein kleines Theaterchen mit ihrem Namen eröffnet: für die Peter-Hacks-Gesellschaft. Cox Habbema unterstützte es, engagierte sich, jahrelang, um bis zuletzt das Werk des befreundeten Dichters und Dramatikers präsent zu halten inmitten einer Welt bornierter Ignoranz, wissentlicher Unwissenheit (Ende 2015 wurde es geschlossen). Dort durfte ich ihr begegnen. Da stand sie, ganz wirklich unwirklich, wie immer, schön, wie immer, sanft. Sie konnte...

Im April starb die niederländische Schauspielerin und Theaterregisseurin Cox Habbema

Wirklich unwirklich

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Umpf umpf umpf umpf umpf. Zum basslastigen Beat wackelt sich eine Kontorsionistin warm. Umpf. Eine Hand auf die Stütze. Umpf. Zweite Hand auf die Stütze. Umpf umpf umpf. Ihre Beine gleiten wie an Fäden gezogen im waghalsigsten Spagat in die Luft und biegen sich so weit über ihren Kopf zurück, dass die eigene Wirbelsäule allein vom Zusehen knirscht. Unweigerlich schiebe ich mein Becken vor und drücke meinen Rücken rund. Autsch. Lisa Angberg grüßt die sich an ihr vorbeistaunenden deutschen Pressereisenden fröhlich, während sie in einem Meter Höhe ihre equilibristischen Bewegungsabläufe übt. Immer wieder von vorn. Umpf. Eine Hand auf die Stütze. Umpf. Zweite Hand auf die Stütze. Umpf umpf umpf. Drinnen dumpfer Techno, draußen enervierender Plastikpop. Mitten im Vietnamesenmarkt in Prags 7. Bezirk liegt der ehemalige Schlachthof, den sich der tschechische Cirk La Putyka unter dem Namen Jatka 78 zur neuen Heimat machen konnte, nachdem die ursprüngliche abgebrannt war. Der damalige Bürgermeister war ein großer Fan der 2009 von den Brüdern Rostislav und Vít Novák, der achten Generation einer berühmten tschechischen Puppenspieler-Dynastie, gegründeten Zirkustruppe und sicherte ihr die Hallen für fünf Jahre zu. Dort hat der tschechische Neue Zirkus seit November 2014 einen idealen Ort, der gleichermaßen als Spielstätte, Musikclub...

In der Prager Spielstätte Jatka 78 und am Berliner Chamäleon Theater arbeitet der tschechische Cirk La Putyka an einer Vision des Neuen Zirkus

Im surrealen Partykeller

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Wie kann man im Angesicht eines solchen Umfelds nicht zu „Der Menschen Feind“ werden? Die Gesellschaft „aus dem Stande des niedrigen Adels“ ist von geradezu bornierter Dekadenz. Trifft sie sich, mündet das in softe Sadomasospielereien wie Dauersaunaschwitzen oder Gesichterdrücken. So zu erleben im Salon von Célimème, der adretten Sexbombe ohne Inhalt und Adressatin großer männlicher Sehnsüchte. Einer hat sogar ihr Konterfei auf seine Eichel tätowieren lassen. Sagt er, denn sehen tut man es zum Glück nicht. Molière ist das nur am Rande. Der Autor PeterLicht hat aus dem „Menschenfeind“ des französischen Komödiendichters „Der Menschen Feind“ gemacht und der Geschichte, die auch im Original mehr von der bissigen Situationskomik lebt als von einem spannungsvollen Handlungsgerüst, quasi das letzte bisschen Geschichte ausgetrieben. Und natürlich wurde aus Molières groteskem Hofstaat des 17. Jahrhunderts eine Gruppe Menschen von heute. Aus Alceste wird Kasti und aus Célimène Celi. Die Inszenierung von Claudia Bauer im Schauspielhaus des Theaters Basel sieht das mit den Menschen von heute allerdings nicht so eindeutig. Mit grotesken Riesen- oder gar Ganzkörperperücken auf dem Kopf und um den Leib (Bühne und Kostüme Patricia Talacko und Dirk Thiele) verfremdet sie die Figuren vollends zu Karikaturen. Und so agieren sie dann auch auf der...

Theater Basel: „Der Menschen Feind“ (UA) von PeterLicht nach Molière. Regie Claudia Bauer, Ausstattung Patricia Talacko und Dirk Thiele

Basel: Gesichterdrücken

Sepp Bierbichlers behutsames Ausbreiten der Fragestellung, warum die den Münchner Kammerspielen angegliederte Schauspielschule nach Otto Falckenberg benannt worden ist, hat mir sehr gefallen. Gerade deshalb hat mich die Pointe des letzten Satzes seiner Ausführungen verstört. Zwar hat Gustaf Gründgens in seiner Antrittsrede am Deutschen Schauspielhaus in Hamburg 1955 vor dem Ensemble erklärt, dass ihn die Berufung an das Staatliche Schauspielhaus am Gendarmenmarkt in Berlin 1934 völlig unvorbereitet getroffen habe und er aus Verantwortungsgefühl, an das man bei ihm appelliert habe, darauf eingegangen sei. Liest man jedoch in dem von Peter Suhrkamp 1953 herausgegebenen Band „Wirklichkeit des Theaters“ die Rede nach, die Gründgens 1932 unter dem Titel „Zur Situation des Schauspielers“ gehalten hat, stellt man mit Erschrecken fest, dass seine Entscheidung für die sich abzeichnende neue Ordnung längst gefallen war. Er positioniert sich darin gegen Max Reinhardt, der gerade seiner Bitte entsprochen hatte, seinen seit 1928 laufenden Vertrag aufzulösen. Als Hauptargument benutzt er den Hinweis auf die Entfremdung zwischen Theater und eigentlichem Leben, was in der Öffentlichkeit damals intellektuelle (wenn nicht jüdische) Zersetzung hieß: „Wo sind die Führer, denen die Schau- spieler sich anvertrauen können?“ Das Signal war eindeutig. 1944 aber bestätigte Gründgens sich und seinen Getreuen als ihre eigentliche Leistung...

Anmerkung zur Kolumne von Josef Bierbichler in TdZ 4/2016

Leserbrief

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Leningrad im Zweiten Weltkrieg. Die Bevölkerung wird mit System ausgehungert, während die deutschen Truppen rund um die eingekesselte Stadt vor Hunger und Kälte verrückt werden. In diese trostlose historische Szenerie, mitten in eines der größten Kriegsverbrechen der deutschen Wehrmacht, platzieren der Kieler Erfolgsautor Feridun Zaimoglu und sein Koautor Günter Senkel ihre Auseinandersetzung mit den Zehn Geboten. Cut. Der Kommandant einer israelischen Panzereinheit, der eigentlich nur mal beherzt in freier Natur pinkeln will, wird davon durch eine libanesische Eselin abgehalten. – Mit dieser augenzwinkernden Einstiegsszene schickt der israelische Dramatiker Shlomo Moskovitz den Brigadegeneral Adam während der Belagerung einer feindlichen Stadt auf einen Parforceritt durch dessen persönliche Geschichte. Moskovitz stellt die Frage nach Moral und Verantwortung im schwelenden Nahostkonflikt, wobei seine brillante Tragikomödie auf einem tatsächlichen Fall von Gehorsamsverweigerung eines israelischen Brigadeoffiziers basiert. Zwei Stücke, zwei Regisseure, ein Bühnenbild. – Für das deutsch-israelische Projekt gab das Schauspiel Kiel zwei Stücke in Auftrag, die sich mit den ethischen Eckpfeilern der christlich-jüdischen Religion beschäftigen sollten. Beide stellen die Wirksamkeit moralischer Grundsätze in einer Kriegssituation auf den Prüfstein. Die Ergebnisse der beiden Teams könnten unterschiedlicher nicht sein, sie ergänzen sich aber auf überraschende Weise. Zaimoglu und Senkel gehen hart mit ihren Figuren ins Gericht. Eine...

Schauspiel Kiel: „Die Zehn Gebote“ (UA) von Feridun Zaimoglu/Günter Senkel und Shlomo Moskovitz. Regie Annette Pullen (Teil 1), Dedi Baron (Teil 2), Bühne Lars Peter, Kostüme Barbara Eigner (Teil 1),

Kiel: Teppich der Erinnerung

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Schwechat 2000: Eine 15 000-Einwohner-Arbeiterstadt an der Grenze zu Wien mit Höchstbeschäftigung durch den Flughafen Wien und Großbetriebe. Sommertheater-Nestroy-Spiele für ein Wiener Publikum und ein zum Theater umgebautes Kino, das vor allem Kleinkunstgastspiele zeigt. Kulturelles Brachland. Die Intendanz wird ausgeschrieben, der junge Regisseur und Theatermanager Johannes C. Hoflehner überzeugt mit seinem klar strukturierten Konzept: mindestens zwei Neuproduktionen jährlich mit einem zeitgenössischen Stück und einem Klassiker sowie Sprechtheater-Gastspiele, themenbezogene Veranstaltungen und ein Programm für Kinder und Jugendliche. Dem neuen Namen Theater Forum Schwechat folgen 2003 und 2008 Umbauten, die aus dem verwinkelten Bau optisch ein offenes, einladendes Haus machen, das die künstlerische Ambition widerspiegelt. Von Beginn an setzt Hoflehner auf die Utopie der Satire. Das seit 2002 höchst erfolgreiche jährliche Schwechater Satirefestival versammelt weit über 100 aktuelle und arrivierte bissige Künstler und neue Talente aus dem deutschsprachigen Raum. Einigen Auftritten folgen Stückaufträge für gesellschaftsreflektierende Komödien, z. B. an Daniel Glatt- auer, Hannes Vogler und I Stangl. Einen Schritt weiter in Richtung Experiment geht 2013/14 das Satirestudio – in der einjährigen Koautorschaft der Poetry-Slammerin und Romanautorin Nadja Bucher mit dem Jungdramatiker Benedict Thill entsteht die rasante und zitatenreiche Gesellschaftssatire „Ein Grund zur Sorge“. Insgesamt sind unter Hoflehner 41 Inszenierungen am Haus herausgekommen,...

Der Intendant Johannes C. Hoflehner verlässt nach 16 Jahren das österreichische Theater Forum Schwechat

Die Utopie der Satire

Der Materialergründer

Es gibt Kompromisse im Leben, auch faule. Aber eine Unterwerfung liegt jenseits davon, hat etwas mit Auslöschung des Bisherigen zu tun: Der eine herrscht, der andere unterwirft sich ihm. Eine überaus provokante Zuspitzung bereits im Titel jenes Science-Fiction-Sujets, das Michel Houellebecq entwirft. Doch das Jahr 2022, in dem er in „Unterwerfung“ seine Geschichte eines muslimisch regierten Frankreichs ansiedelt, ist nicht mehr weit. Und Schüsse von Islamisten auf Cafébesucher in Paris...

„Unterwerfung“ von Michel Houellebecq in Hamburg, Dresden und Berlin

Ein Pakt mit wem?

Das hat es so noch nie beim Stückemarkt gegeben: eine gemeinsame Erklärung der Autoren, ein „Heidelberger Manifest“. Unterzeichnet haben acht von zehn Teilnehmern des Autorenwettbewerbs. Die Zehn-Punkte-Erklärung, angestiftet von der Autorin Maria Milisavljevic, fordert: „Glaube an das Theater“, „Erzähle“, „Vertraue der Macht deiner Worte“, „Schaffe eine Vision“. Es heißt da: „Theater ist Dialog“. Und: „Mach dir bewusst, dass das Theater die Wirklichkeit formt. Es verändert die Welt. Letztendlich geht es um Liebe.“ Sicher, derlei Sätze lassen sich leicht als naive Allgemeinplätze wegwischen. Doch vielleicht schlägt sich in ihnen – angesichts der Terroranschläge im Stückemarkt-Gastland Belgien – auch eine neue Art des Zusammenrückens nieder. So gelesen, ist vor allem der Gestus wichtig: als Aufforderung, Ermunterung, Ermutigung. Von 93 Einsendungen zum deutschsprachigen Autorenwettbewerb schafften sechs den Einzug in die Finalrunde. Da sich viele Autoren bei mehreren Ausschreibungen bewerben, kam auch die Schweizerin Martina Clavadetscher mit „Umständliche Rettung“ in die Endauswahl, obwohl sie kurz vorher mit diesem Stück schon den Essener Autorenpreis gewonnen hatte. In dem biblisch grundierten Text über eine nahöstliche Stadt geht es um Erlösung, Strafe und Apokalypse. Ebenso Stefan Hornbach: Er hatte mit seiner Krankheitsstudie „Über meine Leiche“ bereits den Osnabrücker Dramatikerpreis 2015 ergattert und gelangte damit auch ins Heidelberger...

Das Gastland Belgien wirft beim Heidelberger Stückemarkt 2016 Fragen nach der politischen Relevanz des Theaters auf

Das verwundete Land

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

In seiner künstlerischen Funktion als Opernregisseur hat sich Rainer Mennicken, der zehn Jahre lang als Intendant die Geschicke des Linzer Landestheaters verantwortet hat, mit einer bezaubernden Inszenierung verabschiedet: Engelbert Humperdincks „Hänsel und Gretel“ erblühte voll Charme und Witz in Mennickens magisch-geheimnisvollem Bühnenraum und wurde zu einem beglückenden Abend für alle, die Kinder geblieben sind. Der Linzer Theaterleiter hatte mehrere Male mit seinen dynamischen, fantasievollen, in der Menschenführung klug gearbeiteten Inszenierungen überzeugt und somit auch als Werkinterpret die Geschichte seiner Intendanz bereichert. Die Bedeutung Rainer Mennickens, der 2006 in der Nachfolge von Michael Klügl die Führung des oberösterreichischen Dreispartentheaters übernahm, lässt sich lapidar formulieren: Er war der richtige Mann zur richtigen Zeit am richtigen Platz. Mit seiner Wortgewandtheit und Eleganz repräsentierte er gegenüber dem Publikum und nach außen hin das Landestheater als künstlerischen und gesellschaftlichen Brennpunkt. Im April 2013 wurde mit der Uraufführung der Oper „Spuren der Verirrten“ von Philip Glass nach einem Text von Peter Handke das von dem britischen Architekten Terry Pawson entworfene neue Musiktheater eröffnet. Ein monumentales Kulturereignis für die Stadt Linz, das Land, die Region. Und damit rückte die oberösterreichische Landesbühne auch in die internationale Aufmerksamkeit. Für dieses wundervolle neue Haus am Volksgarten 1 setzte Rainer Mennicken...

Rainer Mennicken verabschiedet sich als Intendant des Landestheaters Linz

Liaison aus Regionalität und Weltläufigkeit

Der erste Tag in Prishtina ist grau und verregnet. Mit Jeton, den ich ein Jahr nicht gesehen habe, das letzte Mal im Amerikanischen Krankenhaus, nachdem er operiert worden war, sitze ich in einer Cafébar, damit wir uns in zwei Stunden alles erzählen, was schon wieder passiert ist mittlerweile. Draußen vor der Tür dann bleibt er kurz stehen und sagt: Das ist Prishtina. Na ja, der Blickwinkel hat etwas Deprimierendes, die heruntergekommenen Wohnblöcke mit ihren dunkelgrünen Fassaden, noch dazu der Regen. In einem der Blöcke ist im Parterre Qendra Multimedia untergebracht, Jetons Theaterguerilla aus sechs jungen Leuten, MacBooks, Bücher, Plakate, Espressomaschine, hinten eine Blackbox mit hölzerner Zuschauertribüne. Mit den Jahren ist Jeton Neziraj zum international bekanntesten Kosovo-Dramatiker aufgestiegen. Nebenbei bringt er Bücher heraus, teils aus Originalsprachen ins Albanische übersetzt. Er ist auch mein Verleger. Verfolgst du, was vorgeht zwischen Serbien und Kosovo?, wird die schwedische Kinderbuchautorin Viveka Sjögren gefragt. Und während sie überlegt, ob sie Ja oder Nein sagen soll, kommt schon die zweite Frage: Könnte es nicht gefährlich sein, dass du hier auftrittst? Diesmal ist Viveka schnell: Ich hoffe, nicht. Gestellt hat die Fragen Saša Ilić, ein serbischer Schriftsteller, mit dem Jeton Jahr für Jahr das Polip-Festival aufzieht. Mit Charme...

Nix aber: In Kosovo foppt ein Festival den Balkan

Bist auch du Albaner?

Meldungen

Neun Gestalten in Burkas drehen sich sehr langsam zum Publikum um. Blasse, ernste Gesichter lugen aus dem Einheitsschwarz: eine Wand aus Fremdheit! Mit diesem Bild beginnt Brit Bartkowiaks Inszenierung von „In meinem Alter rauche ich immer noch heimlich“. Davon ausgehend fächert sie wirkungsvoll die Individualitäten auf, die die algerische Autorin und Schauspielerin Rayhana den neun Frauen in ihrem 2010 in Paris uraufgeführten Stück mitgegeben hat. Ihr Blick hinter die Schleier torpediert sowohl die westliche Vorstellung von der islamischen Frau wie auch das Selbstverständnis vieler islamischer Männer. Als barttragende Ehrenmörder kommen sie vor, als sabbernde Kinderschänder und Paschas – es gibt in dem Stück aber auch einen Mann, der elf Jahre lang nur mit Blicken um seine Geliebte warb und von dem diese nicht lassen kann. Nicht nur in sexueller Hinsicht. Es geht viel und direkt um Sex – und eigentlich nur um Männer. Das pointen- und temporeiche Stück erinnert an die US-amerikanische Serie „Sex and the City“ – aber ohne Antibabypille und das Recht auf Selbstentfaltung. Der Fundamentalismus, zeigt uns Rayhana, kommt aus Europa in die „sicheren Herkunftsländer“ des Maghreb zurück, wie der Bruder der schwangeren Myriam, deren Leben in dieser Neun-Frauen-Komödie auf dem Spiel steht. Rayhana selbst floh vor...

Stadttheater Ingolstadt: „In meinem Alter rauche ich immer noch heimlich“ (DSE) von Rayhana. Regie Brit Bartkowiak, Bühne Nikolaus Frinke, Kostüme Carolin Schogs

Ingolstadt: Was ist ein Mann?

Kompositionsprinzip Collage

Das viel gespielte Theaterstück „Die lächerliche Finsternis“ von Wolfram Lotz wurde Anfang letzten Jahres schließlich auch in dem Medium produziert, für das es ursprünglich einmal geschrieben wurde: Das Hörspiel von Leonhard Koppelmann (SWR 2) führt diese übereinandergeschichteten Fortschreibungen von Joseph Conrads „Herz der Finsternis“ und Francis Ford Coppolas Film „Apocalypse Now“ in einen surrealen Bundeswehreinsatz in den „Regenwäldern Afghanistans“. Wo die Theaterinszenierungen letztlich doch einen einheitlichen Spielansatz für Lotz’ Collage suchen – zwischen der Patrouillenfahrt im Krieg und dem vor dem Seegericht sich verteidigenden somalischen Fischer mit Piratendiplom –, können die einzelnen Geschichten als Hörspiel unverbundener, assoziationsschroff arrangiert werden. Koppelmann nimmt sich außerdem Zeit für jene rätselhafte Szene mit den Kindern in einer deutschen Idylle, die plötzlich auf Droge sind. Das macht das Hörstück noch herausfordernder als die gefeierte Burgtheater-Version in der Regie von Dušan David Parízek – und völlig zu Recht gelangte es ins Finale der letzten drei beim Wettbewerb um den Hörspielpreis der Kriegsblinden mit 22 Arbeiten aus Deutschland, Österreich und der Schweiz. Eine andere Art von Welttheater im Kleinen stellt „The King is Gone – Des Bayernkönigs Revolutionstage“ (BR) dar. Ausgehend von historischen Fakten – am Ende des Ersten Weltkriegs wird der letzte bayerische König Ludwig III....

Sibylle Berg wurde mit dem 65. Hörspielpreis der Kriegsblinden ausgezeichnet

Zerrissene Leben

Menschen aller Altersgruppen strömen am Theater vorbei. Sie steigen von der Berliner S-Bahnstation Greifswalder Straße in die Straßenbahnen um, die sie weiter hinaus in den Osten der Stadt oder zurück ins Herz des Prenzlauer Bergs oder nach Mitte befördern. Zuweilen schaut Tim Sandweg fasziniert auf dieses Getümmel. Die Schaubude steckt mitten im Leben. Eigentlich spielt sich das Theater draußen ab, denkt er dann. Und natürlich reizt es ihn, diesen Menschenstrom in sein Theater umzuleiten. Nicht den ganzen, denn dann wäre das Haus auch nur eine Transitzone mit Geeile, Geschubse und Tunnelblick. Immerhin schauen manche der Umsteigenden ins Schaufenster und verharren kurz. Denn anders als die grellen Lichtkästen der umliegenden Geschäfte, die Tassen und Decken sowie die neueste Rindfleischlieferung geradezu auf den Sehnerv brennen wollen, bergen die Vitrinen der Schaubude Geheimnisse. Kaum beleuchtet sind sie. Zur Eröffnung von Sandwegs Intendanz im Herbst 2015 waren einzelne Objekte ausgestellt, wie ein Miniatur-Leuchtturm, ein echtes Fernglas und Herzen vieler Arten und Größen. Die Objekte erzählten Geschichten von der Liebe. Wer neugierig geworden war, kam dann zur Ausstellung „Irgendwas mit Liebe“ ins Foyer und las im zugehörigen Katalog die Geschichten zu den Objekten nach. Solcherart Installationstheater ist ein erster Schritt, um die Leute von draußen...

Der neue Intendant der Schaubude Berlin Tim Sandweg sucht neue Schnittstellen für das Puppen-, Figuren und Objekttheater

Das Internet der Dinge

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Thomas Köck, wir porträtieren in diesem Heft die französische Schauspielerin Isabelle Huppert. Eine interessante Koinzidenz, denn in Ihrem Stück „Isabelle H.“ ist sie die titelgebende Protagonistin. Sie verkörpert dort, ganz engagierter Filmstar, die Rolle eines Flüchtlings. Wie kam es zu dieser Rollenzuschreibung? Wegen ihrer Filme. Sie schafft es als Schauspielerin, Leid sichtbar zu machen, ohne sich oder ihre Figuren dadurch zu entwürdigen. Die Frage ist doch: Wie kann man dem Geflüchteten, der ja medial oft entwürdigt wird, kein Gesicht bekommt, eine Art von Würde zurückgeben? Huppert lotet in vielen ihrer Filme den Bereich der Fremdheit aus. Darum ging es auch mir in dem Stück: sich mit dem Thema Fremdheit auseinanderzusetzen. Da steht jemand und behauptet, sie sei Isabelle Huppert. Am besten wäre es natürlich, wenn sie es selbst spielen würde. Die hoch dotierte Starschauspielerin, die den Flüchtling gibt – darin steckt aber auch ein enormer Zynismus. Genau, das läuft natürlich unterbödig mit. Sie zeichnen in Ihren Stücken – auch „jenseits von fukuyama“ gehört dazu – eine Art Pathologie der Gegenwart, ausgehend von den 1990er Jahren, in denen das unendliche Wachstum erfunden wurde. In „paradies fluten“, das wir hier abdrucken, bricht schließlich alles zusammen: Es kommt zu einer fast biblischen Katastrophe,...

Der österreichische Autor Thomas Köck über sein Stück „paradies fluten (verirrte sinfonie)“ im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Mythologie des Kapitalismus

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Philipp Otto Runge, eigentlich Maler, hatte das Märchen von der maßlosen Fischersfrau 1806 geschrieben, die Brüder Grimm nahmen es in ihre berühmte Sammlung auf, heute gehört „Der Fischer und seine Frau“ zum deutschen Literaturkanon – doch seine Weisheit leitet uns nicht gerade: Erscheint der Wunsch nach Ausbruch aus sozialer Not noch völlig legitim, so führt dessen Umschlagen in Hybris und maßlose materielle Ansprüche in die Sackgasse. Unter den zahlreichen Bühnenfassungen und Verfilmungen des Märchenstoffes wird eine leicht vergessen, die am Puppentheater Dresden 1976 allerdings nur eine einzige Aufführung erlebte. Einar Schleef überwand in damals noch ungewohnter Weise den Dualismus zwischen Guckkasten und Publikum und fragte die Kinder im Publikum nach ihren Wünschen und Träumen. Das missfiel kulturpolitisch und rief Änderungswünsche hervor, denen Schleef allerdings nicht mehr nachkam, weil er im Jahr der Biermann-Ausbürgerung in den Westen ging. Diese Fassung hat das Dresdner Theater Junge Generation, unter dessen Dach das Puppentheater mittlerweile angesiedelt ist, jetzt wiederentdeckt und um eine internationale Dimension bereichert. Der Butt schwimmt nämlich im Weltmeer und pendelt sozusagen zwischen der vietnamesischen Halong-Bucht und der Elbe. Das Jugendtheater Hanoi und das Goethe-Institut holten Regisseur Dominik Günther nach dem „Kaukasischen Kreide- kreis“ dafür zum zweiten Mal nach Nordvietnam. Das ihm...

Jugendthewater Hanoi/TJG Dresden: „Der Fischer und seine Frau“ von Einar Schleef nach den Brüdern Grimm. Regie Dominik Günther, Ausstattung Doan Bang

Dresden/Hanoi: Eine Mär von Maßlosigkeit

Im Rahmen des Festivals Cheers for Fears im März 2016 am Ringlokschuppen Ruhr in Mülheim diskutierten Florian Malzacher und Bernd Stegemann über die politischen Potenziale zeitgenössischer darstellender Kunst. Wie wird das zukünftige Theater aussehen, und welche gesellschaftliche Relevanz wird es für sich beanspruchen? Ist eine Grenzziehung zwischen Theater und Performance heute noch angemessen? Das Gespräch führten Matthias Frense, künstlerischer Leiter des Ringlokschuppens Ruhr, und Sebastian Brohn, Dramaturg am Ringlokschuppen Ruhr. Matthias Frense: Ihr beide habt Bücher publiziert, die nach den politischen Potenzialen des Theaters fragen. Unter welchen Voraussetzungen ist Theater heute politisches Theater? Florian Malzacher: Für mich hat politisches Theater sehr viel auch mit der Form zu tun, der Form, in der wir zusammenkommen: Die Frage ist, wie Theater in seinen Inhalten und in seiner Form politisch sein kann. Ich finde es nicht hilfreich zu sagen, jedes Theater sei, weil bereits in der Ästhetik ein bestimmtes politisches Potenzial liege, per se politisch. Ich bin für eine Stärkung des Begriffs des Politischen. Wenn Theater also politisch sein will, muss es politische Inhalte verhandeln. Aber es ist ebenso wichtig, dass Theater als Raum sowie in der Wahl seiner ästhetischen Mittel selbst politisch ist. In einer Zeit, wo öffentlicher Raum bekanntlich knapp ist,...

Was ist politisches Theater? – Florian Malzacher, Leiter des Impulse Theater Festivals, und Bernd Stegemann, Autor und Dramaturg, im Gespräch mit Matthias Frense und Sebastian Brohn

Zwischen Tahrir-Platz und Stadttheater

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Sie werden sich noch wundern, was alles gehen wird!“, sagt er, Norbert Hofer, der FPÖ-Kandidat in der Stichwahl um das österreichische Bundespräsidentenamt, und deutet damit an, dass sich sein Amtsverständnis grundlegend von dem seiner Vorgänger und seines Mitbewerbers unterscheidet. Hofer, der wie Donald Trump zu Selbstverteidigungszwecken gern eine Waffe mit sich trägt und eine Ministerin mit Kopftuch nicht angeloben würde, tritt gegen seinen Konkurrenten Alexander Van der Bellen von den Grünen an, der sich weitestgehend überparteilich und der Verantwortung des Amtes bewusst gibt. Aber auch er schien nach dem ersten Wahlgang einigermaßen verwundert über die großen Gewinne des Herrn Hofer. Doch wer schon mal an den Stammtischen der Alpenrepublik Platz genommen hat, dem ist jegliche Verwunderung über die politische Lage in diesem Land abhandengekommen. Aber auch wenn man sich nicht mehr wundert, schlägt einem die mehrheitlich nationalkonservative Gesinnung der Österreicherinnen und Österreicher immer wieder übelst auf den Magen. Was da an historischem Reflux aus den tiefsten Abgründen des österreichischen Magens immer wieder heraufrülpst, kann sich in noch so schöne Floskeln kleiden, wird man doch den sauren Beigeschmack nicht los. Immer wieder lässt sich da eine völkische Gesinnung durchschmecken, immer wieder wird da die Gewaltbereitschaft im Ernstfall betont. Es ist gerade...

maulheldenplatzen

Es müssen Köpfe rollen

„Work hard, play hard?“

Filminstallation

Der genetische Code Amerikas

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Es war ein zufälliges, aber passendes Zusammentreffen: dass in Deutschland im Mai dieses Jahres mit dem Südafrikaner Mpumelelo Paul Grootboom einer der Protagonisten des Forschungsateliers „Theatre in Transformation“ den Jürgen Bansemer &amp; Ute Nyssen Dramatikerpreis verliehen bekam, während den deutschen Besucher der gleichnamigen Konferenz in Südafrika im März, jenseits von Aufklärungs- oder gar Revolutionsromantik, so etwas wie eine tragische Sehnsucht überkam, als er die bei der Konferenz gedankenschwer und mit heftigem Ernst geführten Diskussionen zur Zukunft des Theaters verfolgte. Solche intensiven und respektvoll nahegehenden Gespräche zwischen den Akteuren und Protagonisten des Theaters hätten wir uns zum Beispiel nach der deutsch-deutschen Vereinigung gewünscht (oder nach dem Krieg), als es darum ging, am Ausgang einer Epoche aus schweren Verstrickungen Konsequenzen für die Zukunft des Theaters zu ziehen. Dabei ist das Ende der Apartheid, markiert durch die ersten freien Wahlen 1994 und den Regierungsantritt des African National Congress mit dem befreiten Nelson Mandela an der Spitze, schon 22 Jahre her. Gleichwohl ist – das zeigten die Diskussionen überdeutlich – nach wie vor unklar und umstritten, welche Rolle das Theater in der gegenwärtigen Gesellschaft und bei der Ausbildung einer südafrikanischen „Rainbow Nation“ spielen kann und soll. Um diese Frage ging es in dem Forschungsatelier,...

„Theatre in Transformation“ – eine Konferenz in Südafrika zeigt die Theaterszene des Landes auf der Suche nach ihrer zukünftigen Rolle

Soul Food

Jeden Archäologen in Rente zieht es nach Trier, weiß Ulf Frötzschner. Dann laufen sie durch die Fußgängerzone und grüßen sich fragend, ob der andere bereits Entdeckungen gemacht habe. Vor 2000 Jahren kamen die Römer nach Trier, und das Amphitheater aus dem zweiten Jahrhundert scheint immer noch intakt. Doch Ulf Frötzschner ist gar kein Archäologe und erst recht kein Rentner, sondern seit dieser Spielzeit Schauspieldirektor am Theater Trier. Er trägt eine Mischung aus Freizeit- und Trainingsanzug, im etwas wirren dunklen Haar zeigen sich erste graue Fäden. Aber der Eindruck täuscht, dieser berufserfahrene Dramaturg, der in der Wendezeit an der Humboldt-Universität Berlin Theaterwissenschaft studierte, ist mit der neuen Intendanz von Karl M. Sibelius hierhergekommen, um das Theater der Stadt, das vor drei Jahren noch vor der Schließung stand, zu revolutionieren, aber so, dass die Trierer nicht gleich davonlaufen. Machen sie auch nicht, im Gegenteil, viele neue junge Zuschauer sind bereits dazugekommen. Bis zu seiner ersten Spielzeit in Trier war der gebürtige Thüringer aus Schleiz Dramaturg in Luzern gewesen. Nun also diese von Weinbergen schier umzingelte Stadt. Eine museal wirkende Idylle an der Mosel, in der Mitte der riesige Dom, der wie eine Festung des katholischen Glaubens über allem thront. In dieser kreuzkatholischen...

Das Theater Trier probt unter neuem Leitungsteam die Genreüberschreitung

Einübung ins Absurde

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Es gehört keine besondere Prophetengabe dazu, ein erneuertes Interesse an Brecht in den kommenden Jahren vorherzusagen. Zum einen rückt der 70. Todestag des Dichters näher, sodass vom 1. Januar 2027 an Brecht „frei“ sein wird. Auch wenn die Zulassungspolitik der Erben schon etwas nachgiebiger geworden ist, lässt sich vorhersehen, dass ein unvoreingenommener Blick auf Brecht jenseits der orthodoxen Rezeption auf dem Wege ist. Zum anderen ist gesellschaftlich und politisch viel in Bewegung geraten. Die politische Mentalität hat sich verändert. Neue politische Fronten sind aufgetaucht, eine verschärfte Kritik und Selbstkritik der (westlichen) Demokratien verbindet sich mit dem Gefühl, dass die eigene Verantwortung Europas und des Westens für die Katastrophen im Süden der Welt verleugnet wird. In dieser veränderten Lage tritt immer deutlicher hervor, dass längst vergessene Kategorien wie Kapital und Geldzirkulation, Bankenmacht und Ausbeutung wieder aktuell klingen. Das verbliebene Restvertrauen in die sogenannten Eliten ist mehr oder minder ruiniert. Immer weniger akzeptieren die Menschen die Tatsache des obszönen Reichtums einer kleinen Gruppe, der für diese eine unfasslich große Macht bedeutet, die keinerlei Kontrolle oder Legitimität unterliegt. Weltweit ist zu beobachten, dass die Formen der Repräsentation in die Krise geraten sind. Immer öfter geben große Menschenmassen auf den Straßen ihren Forderungen Ausdruck....

Warum Brecht, richtig gelesen, ein wichtiger Komplize für das Theater der Zukunft ist

Selbstzündung

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

„Möglicherweise habe ich mich zur Gesprächs- lust für dieses Buch durchgerungen, weil ich in den letzten Jahren so vielen Leuten begegnet bin, die mir vorschreiben wollten, wie ich gelebt haben soll“, bekennt Dieter Mann im Vorwort zu seiner „Autobiographie in Gesprächen“. Darin erzählt der ehemalige Protagonist und Intendant des Deutschen Theaters in Berlin seine Theatergeschichten aus über 40 Bühnenjahren, die zum Großteil auch ein Stück DDR-Geschichte sind. Er erzählt nachdenklich und mit Berliner Humor ein Theatermärchen von einem verschwundenen Reich, von alten Königen und Königinnen, von Zauberern und Drachen. Gleichzeitig erinnert er an den hoffnungsvollen Aufbruch nach 1945, an die Tragikomödien des Sozialismus im Kalten Krieg sowie an die Farce seines Untergangs 1989, in der die Theater des Landes zum letzten Mal zur Bühne der Politik wurden. Ich habe Dieter Mann 1978 als Ariel in Friedo Solters Inszenierung von Shakespeares „Der Sturm“ gesehen, in der er ein erdverbundener Luftgeist war, der zugleich fliegen konnte. Mich beeindruckten seine Wandlungsfähigkeit und sprachliche Präzision, die scharf gezeichneten Widersprüche, mit denen er Shakespeares Zauberwesen als Zeitgenossen voller Zweifel und Fragen spielte. Für uns angehende Regisseure, Dramaturgen und Schauspieler war es ein Glücksfall, ihn Anfang der achtziger Jahre in dem grandiosen Ensemble des DT sehen...

Dieter Mann: Schöne Vorstellung. Eine Autobiographie in Gesprächen mit Hans-Dieter Schütt. Aufbau Verlag, Berlin 2016, 332 S., 19,95 EUR.

Ein Diener fürs Bestmögliche

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Völlig unerwartet starb der slowenische Regisseur Tomaž Pandur am 12. April dieses Jahres – Herzinfarkt auf der Probe zu „Lear“ in Skopje. 1963 in die goldene Zeit Jugoslawiens hineingeboren, wuchs Pandur in Maribor auf und wurde in den besonders in Slowenien von neuen Kunstbewegungen durchströmten 1980er Jahren an der Akademie für Theater, Radio, Film und Fernsehen in Ljubljana ausgebildet. Schon seine erste Inszenierung „Scheherezade“ machte 1988 derart Furore, dass er ein Jahr später in Maribor zum wahrscheinlich jüngsten Intendanten in ganz Europa berufen wurde. Ausgerechnet während des Zerfalls von Jugoslawien führte er das Nationaltheater Maribor – de facto das Stadttheater einer Regionalhauptstadt – zu internationaler Beachtung. Seine eigenen Arbeiten wie „Hamlet“ und „Faust“, auch eine erste Variante seiner später spektakulären Dante-Adaptionen waren traumhafte Zeitreisen mit klassischen Texten. Für die Theaterszene des nun unabhängigen Sloweniens wirkte es beflügelnd, dass man durch einen 30-jährigen Regisseur in der Welt vertreten war, der zugleich auch die Theaterwelt ins beschauliche Maribor brachte. Dennoch war diese Periode 1996 abrupt beendet, als er das Intendantenamt nach einer Kontroverse wegen Etatüberziehungen niederlegte und in die USA ging. Pandur bereitete sich dort auf eine breit angelegte Arbeit in verschiedenen Theatern Europas vor, zu denen schließlich auch das Thalia Theater...

Zum Tod Tomaž Pandurs

Brückenbauer und Zeitreisender

Günstige Zeiten für Theater sind nicht unbedingt Zeiten, in denen leicht zu leben ist. Schon ein flüchtiger Blick in jedes Lehrbuch für Theatergeschichte zeigt ja: Die europäische Bühne erlebte ihre „Blüten“ immer in jenen Schwellenzeiten, die von einem extremen Wandel aller Vorstellungen und Gebräuche geprägt waren. Man kann es regelrecht durchgehen: Zu den Entstehungsbedingungen der antiken Tragödie gehörten eine Transformation des „Orts des Heiligen“ und die Geburt des modernen Subjekts aus der Erfahrung radikaler Ohnmacht. Das elisabethanische Theater, die französische Klassik und das barocke Trauerspiel lassen sich als Theater vor einem sich entleerenden christlichen Himmel im Zuge des Wechsels zum kopernikanischen Weltbild und dann zum modernen Rationalismus verstehen. Die bürgerliche Schauspielkunst des 18. Jahrhunderts hatte teil an dem Versuch, die Kontingenzschocks einer säkularen Moderne mit den Phantasmen der Natürlichkeit und des „Menschen“ zu verdecken; gesellschaftlich entsprach ihr der fatale Naturkult der Französischen Revolution, aber auch die Formulierung der Menschenrechte. Der Theaterentwurf Brechts wiederum verstand sich als Antwort auf ein „wissenschaftliches Zeitalter“, dessen Einsichten sich der Alltagsanschauung in extremo entzogen; zeitgleich ging es Artaud um eine Form, die das Verständnis des Verhältnisses von Natur und Kultur in epochaler Weise verschieben sollte. Wohin man also blickt – stets waren es Zeiten radikaler...

Gute Wünsche zum Ende der Spielzeit

kirschs kontexte: Günstige Zeiten für Theater

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Als wir kürzlich mit einem Kollegen aus den USA zusammensaßen, kamen wir unweigerlich und ohne Umschweife auf „die Lage“ zu sprechen. Im österreichischen Fernsehen hatten sich zwei Tage zuvor die beiden Präsidentschaftskandidaten Alexander Van der Bellen (Grüne) und Norbert Hofer (FPÖ) ein hochnotpeinliches TV-Duell geliefert. „Wie nehmt ihr“, fragten wir den Kollegen, „die gegenwärtige Lage in Europa wahr?“ „Nun ja“, sagte er. „Wir vergleichen das tatsächlich mit Donald Trump.“ Eine...

Editorial

Die Frage nach den Wörtern

Auf die Frage, wie es ihm mit den Reaktionen auf „Schuld und Sühne“ gegangen sei, sagt Paul Behren nur: „Gut.“ Ohne Ausrufezeichen und fast zweifelnd, so als würde er von seinem Gegenüber eine Ergänzung erwarten. Und zu ergänzen gäbe es vieles, denn Behren als Raskolnikow in Christian Stückls Dostojewski-Inszenierung ist ein Aufmerksamkeitsmagnet, selbst wenn er nur still herumsteht: fahrig, fiebrig, überwach und dabei als Schauspieler gelassen wie ein Alter. Den Mord an der Pfandleiherin hat seine Figur da schon hinter sich. Und während ihr Kopf noch daran glaubt, groß zu sein wie Napoleon oder Mohammed – ein Mörder zwar, aber für ein höheres Ziel –, beißt sie bereits das Gewissen. Wie Behren diese Zerrissenheit spielt – gemein und faszinierend, aggressiv und verletzlich –, atmet sie auch etwas von der notorischen Selbstüberschätzung und dem Minderwertigkeitskomplex der Jugend. Der junge „Rodja“ Raskolnikow war Paul Behrens erste Hauptrolle am Münchner Volkstheater, wohin er zu Beginn dieser Spielzeit direkt von der Folkwang Universität der Künste in Bochum engagiert wurde. Und sie schlug bei Publikum und Presse ein wie an diesem Haus zuvor nur Brigitte Hobmeiers „Geierwally“ 2002 und Nico Holonics’ „Richard III.“ 2008. Damit hängt die Messlatte hoch für den 24-Jährigen, der auch ins...

Schauspieler mit Zirkushintergrund – Paul Behren empfiehlt sich am Münchner Volkstheater für sensible Kippfiguren

Böser Clown, zarter Mörder

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Der 28 Jahre alte Berliner Regisseur Ersan Mondtag ist ein viel beschäftigter Mann und sein Kalender auch in der nächsten Spielzeit ziemlich voll. Das hat natürlich auch mit der Einladung seiner Kasseler Inszenierung „Tyrannis“ zum diesjährigen Theatertreffen zu tun. Am Schauspiel Frankfurt war Mondtag in der Spielzeit 2013/14 Mitglied des sogenannten Regie-Studios, das dem Nachwuchs die Möglichkeit gibt, sich in der kleinsten Spielstätte des Hauses, der Box, zu entwickeln und auszutoben. Jetzt inszenierte er in den dortigen Kammerspielen einen Abend nach dem Oskar-Roehler-Film „Der alte Affe Angst“ aus dem Jahr 2003. Bei Roehler verausgabten sich Marie Bäumer als Kinderärztin Marie und André Hennicke als Theaterregisseur Robert in einer unerbittlichen Liebesgeschichte in ein großartiges Happy End hinein: zwei Königskinder, die in die Liebe laufen wie in ein offenes Messer. In Frankfurt verkörpern jetzt Linda Pöppel und Max Mayer das unmögliche Paar. Beide tragen hier schneeweiße Kleidung und wirken wahlweise wie Insassen einer Klinik oder wie von einem anderen Stern. Während sich Marie anfangs nur durch angestrengte Schrei-Arien artikuliert, nölt Robert näselnd jedweden Einwand vom nicht vorhandenen Tisch. Zwischen ihnen sitzt – einer griechischen Statue gleich – die wunderbare Schauspielerin Kate Strong, die einen statthaften Klumpen rohen Fleisches im Schoß hält, der...

Schauspiel Frankfurt: „Der alte Affe Angst“ (UA) nach Oskar Roehler. Regie Ersan Mondtag, Bühne Stefan Britze, Kostüme Raphaela Rose

Frankfurt am Main: Liebe, desinfiziert

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Festival der Besessenen

Stefan Stern, alle Welt will nach Berlin, Sie gehen freiwillig von Berlin nach Frankfurt (Oder). Warum? Was mich am meisten interessiert, sind Orte und Menschen, die Potenzial haben. Ich hatte in Berlin das Gefühl, immer mehr an die Grenzen des Machbaren zu stoßen. Frankfurt ist zugleich meine Heimatstadt. Ich bin hier geboren und aufgewachsen und hatte schon als Kind die Idee, der Stadt etwas zurückzugeben. Das ist soziales Denken zu einem ungewöhnlich frühen Zeitpunkt. Gut, ich war kein Kind mehr, sondern Jugendlicher, junger Erwachsener. Ich habe im Jahr 2000 miterlebt, wie hier das Kleist-Theater geschlossen wurde. Ich war in der letzten Vorstellung. Ich habe Rotz und Wasser geheult und immer noch gehofft, dass sich der eiserne Vorhang hebt und die Schauspieler wieder rauskommen zum Applaus. Aber die kamen nicht. Ich habe das als einen Riss empfunden und gedacht: Hier muss wieder Theater her. Kann man einer Stadt anmerken, dass ein Theater fehlt? Ja, man spürt das. Ein Theater kann Themen setzen, die für die Stadt wichtig sind. Ich habe das Gefühl, dass eine Stadt, die kein Theater hat, ihre Identität nicht komplett ausleben kann. Welche Themen setzt jetzt das Moderne Theater Oderland? Wir haben viele Themen. Das Problem der Arbeitslosigkeit...

Was macht das Theater, Stefan Stern?

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Inklusive Ansätze erproben!

Weggefallen aus dem Dasein: Mamal ist verschwunden. Fünf Menschen, die mit Mamal zu tun hatten, bilden das Beziehungsgeflecht des Dramas. Ihre Spurensuche führt an die Ränder der kaum greifbaren Existenz Mamals, berühren dabei Themen wie Flucht, Gewalt, Heimatlosigkeit, Asyl, Vereinzelung, Abhängigkeit. Mehdi Moradpour gestaltet in „Mumien. Ein Heimspiel“ existenzielle Recherchen. Es verwundert nicht, dass der Autor mit diesem Stück den letztjährigen, dritten Autorenwettbewerb der Theater Konstanz und St. Gallen gewann: Moradpours Sprache ist musikalisch und poetisch, lyrisch und hermetisch, ein lockendes Geheimnis. Rätselhaftigkeit ist dem Text eingeschrieben und bildet eine funktionale Brücke zum Inhalt: Wo ist Mamal? Die Konstanzer Uraufführung nimmt auf kluge Weise die Bildlichkeit ernst, mit der Moradpours Figuren über ihre suchenden Worte Mamals Existenz sezieren, ja präparieren. Glaskästen, die sich verschieben lassen, die für eine museale Ausstellung arrangiert werden können. Am Anfang einzeln gereiht, am Ende kreisförmig aneinandergeschoben, immer geprägt von Isolation. Diese Metapher der Ausstattung trägt. Sie versinnbildlicht von Anfang an, wie sehr das Sichtbare einer Existenz dessen Kern verbirgt. Es ist letztlich zweitrangig, ob die Schauspieler in den Glaskästen entweder zum Standbild erstarrt oder in Bewegung agieren – hinter die äußere Fassade werden wir Zuschauer nicht blicken. Das Spiel von Abwesenheit und Anwesenheit erhält eine...

Theater Konstanz: „Mumien. Ein Heimspiel“ (UA) von Mehdi Moradpour. Regie Andreas Bauer, Ausstattung Christian Pölzler

Konstanz: Vom Wegfallen

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

TdZ on Tour

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Das Gespräch mit Thomas Köck fand in der Woche vor der Stichwahl zum österreichischen Präsidenten statt. Norbert Hofer von der FPÖ und Alexander van der Bellen von den Grünen lieferten sich bis zuletzt ein Kopf-an-Kopf-Rennen. Am 23. Mai wurde bekannt gegeben, dass Alexander van der Bellen mit knapper Mehrheit die Wahl gewonnen hat. Wir nutzen die Onlinepublikation dieses Gesprächs, um über die Folgen der Präsidentschaftswahl zu sprechen. Thomas Köck, wir...

Das Gespräch hat noch nicht begonnen, der Chabrol-Film im Kopf der Interviewerin schon. Ein kleines, nobles Hotel in Paris. Draußen unaufhörlicher Regen. Drinnen schickt ein beleibter Amerikaner seine unpässliche Frau aufs Zimmer. Gedämpfte Unterhaltungen. In das Warten hinein ein entschuldigender Anruf aus dem Pressebüro, Madame Huppert verspätet sich. Also doch eine Konvention, die die Meisterin der unkonventionellen Rollen beherrscht, denkt die Interviewerin noch: die Diva, die auf sich warten lässt. Dann guckt Isabelle Huppert plötzlich um die Ecke, ohne Leibgarde, ohne PR-Konvoi. Schwarzer Mantel, Blässe. Fast hätte man das Gesicht nicht erkannt, es lächelt. Natürlich: kein Chabrol-Film. Isabelle Huppert weiß trotzdem, was sie sagen will und was nicht. Sie ist, was zu erwarten war, ganz anders als erwartet. Geerdet. Freundlich. Geduldig. Und, manchmal, beinahe koboldhaft. Isabelle Huppert, in einem Interview sagten Sie kürzlich: „Ich mache Theater weiterhin als Amateurin.“ Sie, Amateurin? Ich empfinde mich nicht als Theaterschauspielerin. Das gibt mir eine große Freiheit. Im Theater fühlt man sich oft verpflichtet, auch Theater zu machen. Ich empfinde diese Verpflichtung nicht. Was heißt das? Sie sind freier, weil es für Sie nicht nur das Theater gibt? Ich habe den Eindruck, dass das Theater immer noch zu oft Opfer von Konventionen ist. Natürlich...

Isabelle Huppert, die Grande Dame des französischen Films, spielt endlich wieder Theater: „Phèdre(s)“ in der Regie von Krzysztof Warlikowski. Ein Gespräch mit Lena Schneider

Die Brandwunde des Begehrens

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Der Wunsch, durch die Zeit zu reisen, ist alt. Noch besser wäre es, ihre Grenzen aufzuheben und den Zeitverlauf selbst zu bestimmen. Künstler haben dies schon oft versucht. William Kentridge baut sein gesamtes künstlerisches Werk darauf auf. Der 61-jährige südafrikanische Künstler erkundet in seinen Filmen, ob die Welt sich zurückdrehen und die Zeit rückwärtslaufen könnte. Würden wir uns besser erinnern? Kentridges mittlerweile preisgekrönte Filme und Zeichnungen thematisieren den alles verändernden...

Der Universalkünstler William Kentridge zeigt sein transdisziplinäres Gesamtwerk erstmals in Berlin

Auf der Suche nach der verlorenen Zeit

Mit dem Theater die Welt verändern

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Das Kleist-Archiv Sembdner in Heilbronn und sein Direktor Günther Emig haben sich seit Jahren mit Veröffentlichungen unterschiedlicher Art und einer gehaltvollen Internetseite (<a href="http://www.kleist.org" target="_blank">www.kleist.org</a>) um Kleist verdient gemacht. Ende 2015 ist hier nun auch zu einer selten beachteten, aber aufschlussreichen literarischen Beziehung beigetragen worden: der zwischen Kleists „Amphitryon“ von 1806/07, dem „Lustspiel nach Molière“, und Molières „Amphitrion“ von 1668. Die von Klaus Kanzog herausgegebene „vergleichende Edition“ druckt erstmals so weit und so präzise als möglich beide Stücke parallel; Molière nach den „Œuvres“, Paris 1734, Kleist nach der Erstausgabe, Dresden 1807. Das von Kanzog schon in den 1980er Jahren betriebene Unternehmen hatte viele Hindernisse zu überwinden. Dabei halfen ihm die „französischdeutsche Parallelisierung“ durch Michaela Angermaier und zuletzt die komplizierte „technische Umsetzung“ durch Günther Emig. Kanzogs Vorwort geht auf die Geschichte des Urteils über beide „Amphitryons“ und ihr Verhältnis zueinander ein, beschreibt die Entwicklung des Editionsprojekts, die Textgrundlage und -gestaltung und wendet sich endlich dem „Erkenntnisgewinn“ einer solchen „synoptischen Übersicht“ zu. Dabei betont er die in Textlücken und -überschüssen auf beiden Seiten sichtbar werdende übersetzerische und dramaturgische Leistung Kleists, der, seiner Zeit angemessen und hier hauptsächlich abweichend von Molière, Alkmene, die Frau, zur zentralen und tragischen Gestalt machte. Kanzog geht dazu...

Molière „Amphitrion“ – Heinrich von Kleist „Amphitryon“. Vergleichende Edition. Hg. von Klaus Kanzog, Kleist-Archiv Sembdner, Heilbronn 2015, 160 S., 30 EUR.

Brandenburgisch gelitten und gefreut

Da baumelt sie im Bühnenhimmel! Mit dickem Wattonbauch und fusseligen Härchen. Oder besser: er, Rufus, der letzte noch lebende Patient im Sanatorium der „Mad Madams“. Oder noch besser: sie, Rufus und seine schizophrenen Persönlichkeiten Dr. Orko, ein Wissenschaftsgenie aus der Tundra, und Man at Arms, seines Zeichens Straßenkämpfer. Zu Jefferson Airplanes „White Rabbit“ fliegt Rufus zufrieden und im Rhythmus zuckend über die Bretter und bekommt den Traum erfüllt, den Pino, das Akademikerkind aus Sulzbach, hinter der Hecke mit kreisförmigem Haarausfall und dem verzweifelten Wunsch, Künstlerin zu sein, so beharrlich als Prozesskunst-Manœuvre in „Kings“ probte. Rufus und Pino – das sind Figuren, die die Autorin und Regisseurin Nora Abdel-Maksoud der Schauspielerin Stella Hilb in ihren Inszenierungen „Mad Madams“ am Neuen Theater in Halle und „Kings“ am Berliner Ballhaus Naunynstraße förmlich auf den Leib geschrieben hat. Ein großes, seltenes Theaterglück für eine junge Schauspielerin, zu deren größten Talenten ein uneitles, urkomisches und doch äußerst genaues und überlegtes Spiel gehört. Besonders eindrücklich auch die Körperlichkeit und Energie, mit der sie ihre Figuren zu (er)finden wie auszustatten vermag. Stella Hilbs Verkörperung des watschelnden, pupsenden und Nüsschen knabbernden Rufus, der sich in permanentem Widerstreit mit den anderen Stimmen seines Ichs befindet und das hehre Ziel...

Die Schauspielerin Stella Hilb zieht gegen die emotionale Verkrüppelung zu Felde

Vom Ich zum Wir

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Explodierendes Dokumentartheater

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Juni 2016

Premieren

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Wie sie in Worte fassen: die eigene Wut über das Wüten der ganzen Welt, das doch eigentlich sprachlos macht? Wut über die Aggression, die die Wutbürger von Pegida auf die Straße tragen, oder über die Wut- und Bluttaten der Attentäter, deren Anschläge auf die Redaktion des Satiremagazins Charlie Hebdo und einen jüdischen Supermarkt in Paris Anfang 2015 Schreibanlass waren für das neue Jelinek-Stück. Dieses Stück selbst ist die Antwort auf die Frage nach dem Wie. Jelinek lässt der Wut (vordergründig) freien Lauf: „Wut“ ist ein vielstimmiger Chor der Wütenden, aus dem auch die Verstimmung der Autorin herauszuhören ist, die damit – scheinbar auf selber Stufe – neben dem Geifern von Pegida und dem Hass islamistischer Terroristen steht. Was Elfriede Jelineks Zürnen jedoch maßgeblich von dem aller Tollwütigen unterscheidet: Sie wandelt negative in kreative Energie um. Ihr Schreibfuror ist immer auch (und egal wie wild wuchernd ihre Texte ausfallen) ein gebändigter Furor, die Domestizierung destruktiver Kräfte. Jelinek lässt alle zu Wort kommen: Wutbürger und Wahnsinnstäter. Dabei dreht sie ihnen aber nicht das Wort im Munde herum. Vielmehr nimmt sie es ihnen aus dem Mund heraus, um es durch den Jelinek’schen Sprachwolf zu drehen. Ein Drehen und Wenden ist das, das die...

Münchner Kammerspiele: „Wut“ (UA) von Elfriede Jelinek. Regie Nicolas Stemann, Bühne Katrin Nottrodt, Kostüme Katrin Wolfermann

München: Wo ist wo?

Es sei die beste Inszenierung in Plauen seit Jahren, raunt die junge Garderobiere schon vorab dem Besucher aus Dresden zu. Nicht nur ergreifend, sondern in ihrer Reduktion auf Wesentliches bestechend, ergänzt diese im Besucherdienst aushelfende Germanistin und Theaterfreundin ihr Urteil. Nach mehr als zweieinhalb Stunden Aufführungsdauer sind dem eigentlich nur noch Details hinzuzufügen. Und das auch erst, nachdem Erregung und Betroffenheit ein wenig abgeklungen sind. Dem auffallend jungen Publikum, das hervorragende Schauspielerleistungen zu honorieren gehabt hätte, erging es offenbar ähnlich: Nach zwei Vorhängen wurde es wieder still im Saal. Warum das Theater Plauen-Zwickau gerade jetzt mit seiner Inszenierung von „Jeder stirbt für sich allein“ an den Widerstand in der Nazi-Zeit erinnert, lässt das Programmheft ahnen. Auf zwei Seiten werden gewaltfreie Protestbewegungen der Gegenwart vorgestellt, von Occupy bis zur spanischen Movimiento 15-M. Der Vergleich ist freilich nur bedingt zulässig, denn heute geht es nicht wie bei Fallada gleich um Leben oder Tod. Das Heft druckt auch den Wortlaut jener Karten ab, die der im Berliner Arbeiterbezirk Wedding lebende Otto Hampel einst heimlich verteilte. Es sind in fehlerhaftem proletarischen Deutsch gehaltene Aufrufe zum Widerstand gegen Hitler. Der authentische Fall diente Hans Fallada als Vorbild für seinen 1947 erschienenen Roman; aus dem 1943...

Theater Plauen-Zwickau: „Jeder stirbt für sich allein“ nach Hans Fallada. Regie Till Weinheimer, Ausstattung Sibylle Gädeke

Plauen: Politisches Menetekel

besetzung ad libitum ich empfehle ein erschöpftes tanzensemble ein ertrinkendes symphonieorchester zwei überlebende in klimakapseln postparzen nennen wir sie eine durchschnittliche weiße mitteleuropäische familienaufstellung der 90er jahre als schreckgespenster ein bühnenfüllendes schiffswrack ein verlassenes paradies mehrere alternativen (stumm) unmögliche oder einfach schlecht erinnerte erinnerungen die die bühne nach und nach überfluten die unsichtbare hand des marktes im duell mit der unsichtbaren hand des autors des weiteren gilt regieanweisungen sind wie kriegsgeräusche zu lesen tänzerinnen sind unbedingt eingeladen sich den text anzueignen da viele tanzensembles mehrsprachig besetzt sind kann und soll der text gerne übersetzt werden auch falsch damit der text auch was davon hat gern auch simultan und von allen seiten die erinnerungen die die bühne überfluten dürfen und sollen auch sehr gerne solche der schauspielerinnen tänzerinnen intendantinnen musikerinnen regisseurinnen etc sein wenn auf live-musik zurückgegriffen wird sollte diese derangiert werden nicht weichzeichnen ruhig grotesk und clownesk denken also ein ensemble dem das wasser bis zum kopf steht beispielsweise mit muscheln in den trompeten und sand der aus den cellobäuchen fließt vielleicht auch einfach das erste mitteleuropäische flüchtlingsorchester oder ein ensemble dessen mitglieder nach und nach deportiert oder erschossen werden und verschwinden während des abends und die verlassenen instrumente für...

teil eins der klimatrilogie

paradies fluten (verirrte sinfonie)

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Ich bin mit Rolf Stiska verabredet. „Moin, Herr Direktor!“, bellt er mir ironisch mit einem Grinsen im rechten Mundwinkel gut gelaunt entgegen. Er hat einen schwarzen Cordanzug an und ein schwarzes Hemd. Er ist groß und hager. Sein Kopf ist kahl wie eh und je. Ich weiß, dass es heute einer meiner letzten Besuche in seinem Büro sein wird. Es fällt mir nicht leicht, ihn darauf vorzubereiten, dass es Leute gibt, die es gern hätten, wenn wir in irgendeiner Art und Weise einen feierlichen Abschied für ihn machen würden. Im feinsten nörgelnden Sächsisch raunzt er mir entgegen: „Das könnt ihr gerne machen, aber ich bin nicht da! Ich höre hier auf, und gut is’!“ Als ich ihm hierauf entgegne, dass er sich damit trösten kann, dass so ein Fest ja immer für die „Hinterbliebenen“ da ist, nicht für die, die gehen, muss er grinsen. Irgendwie will ich rauskriegen, ob es ihn wirklich nicht interessiert, nicht bewegt oder ob ihm ein solches Begängnis tatsächlich einfach nur zuwider wäre, weil er nicht so gern in der Öffentlichkeit steht. Denn dass er seine Arbeit liebt, das steht außer Frage. Er sitzt mit leichtem Rundrücken in seinem Stuhl, auf den Oberschenkeln jeweils die Ellenbogen,...

Isabelle Huppert: Exklusiv im Gespräch

Neuerscheinungen im Verlag