Auf Augenhöhe, von Anfang an

Gespräch mit der KI aus dem Internet

Mit Toten zu sprechen ist ein Thema, das sich quer durch die Kulturgeschichte zieht. Avatare lebender Menschen zu erstellen, mit denen man nach ihrem Tod im Kontakt bleiben kann, ist längst keine Science-Fiction mehr. Es gibt Menschen, die noch zu Lebzeiten eine KI trainieren, so echt wie möglich mit ihren Hinterbliebenen zu interagieren. Andere digitale Doppelgänger werden nach dem Ableben des jeweiligen Menschen mit allen verfügbaren Informationen gefüttert. Doch lassen sich damit wirklich Trauer und Abschied erleichtern? Oder liegt darin sogar eine Art Überwindung der Sterblichkeit? Einige Romane und Filme haben diese Fragen schon gestellt. Auf überwältigend eindringliche Weise tut es auch die installative Performance „[EOL]. End of Life“, die vom Berliner Theatertreffen bis zu Impulse auf vielen bedeutenden Festivals zu sehen war. Exakt 9,6 Quadratmeter groß ist der Raum, in den das Publikum einzeln geschickt wird. Er bietet genug Bewegungsraum, um mit VR-Brille und Kopfhörern in fremde Welten einzutauchen. Der erste Teil ist spielerisch. Eine glatte KI-Frau führt uns in einen Aufzug. Wir sollen für die Firma IRL virtuelle Räume checken, die seit über zehn Jahren nicht mehr genutzt werden. Wir sollen melden, ob es sich um intakte Orte handelt, die weiter existieren sollen, oder um verwahrloste virtuelle Ruinen,...

Das Regieduo DARUM setzt sich in der VR-Performance „[EOL]. End of Life“ mit Trauer in Zeiten von KI-Avataren auseinander

An der Grenze zum Leben

Die Grenzen zwischen Dokumentation und Fiktion verwischen

Das Gym, die Bühne und ein Gebirge aus Bildern

Schlosstheater Moers: Einsamkeit ist keine Metapher

Theater als Denkmaschine 

Sicherheit und trotzdem Sorgen

Donnerstag, 09. April 2026

Landestheater Tübingen: Kampf um die sterbende Demokratie

Theater Lüneburg: Erinnern muss wehtun

Theater Marie: Zwischen Verantwortung, Schein und Sein

Die Abwertung von Care-Themen ist misogyn

Dienstag, 10. März 2026

„Man kann die Demokratie auch aus Faulheit verlieren“

Eine neue Form des Lebens

Montag, 16. März 2026

Donnerstag, 26. März 2026

neues theater Halle: Partitur der agralen Enge

Sogar für Festivalpublikum

Die Dramaturgie der Gruppe drückt ins Stück

Montag, 30. März 2026

Überzeugungstäter im Mehrspartenbereich

Freitag, 27. Februar 2026

Montag, 23. März 2026

Huch, das Zimmer bewegt sich!

Schauspielhaus Zürich: Die Leerstelle im Monster

Dienstag, 03. März 2026

Für die gekürzte, geliebte Neue Dramatik 

Zwischen Offenheit und Angst ums nächste Engagement

Theater Bielefeld: Helden sind Monster

Der Faktor Zufall – Performances fernab von der Bühne

Brennende Herzen

„Angst ist in unserer Zeit allgegenwärtig“

Mittwoch, 18.03.2026

Tschechische Bilderlust beim Festival One Flew over the Puppetee´ s Nest

Rauf auf große Bühnen!

Schritt für Schritt

Der einsame Krieger

Mit Tanz und Schattenspiel für Freiräume im Freiheitsentzug

Mittwoch, 11. März 2026

Schauspiel Dortmund: Funkelnde Tränen

Montag, 23. Februar 2026

Schauspiel Wuppertal: Erkundungen aus der Komfortzone

Montag, 09. März 2026

Staatstheater Saarbrücken: Nur weil einer nicht hinhört

Ein sächsischer Elisabethaner

Das Dunkel: Ein Gegenlicht

Theaterfamilie versus Familie

Theater Aachen: Zwei Stunden Zuhören

„Bei ihr war es schnell klar“

Kaleidoskop der Wunden

Heino tritt auf, mit rotem Jackett, schwarzer Brille und blondem Haar. Da kommt Jürgen Drews, offenes weißes Hemd zur Föhnfrisur, Naja, Roberto Blanco sieht nicht ganz so aus wie das Original. „Ich nehm dir alles weg – ein Schlagerballett“ heißt die Eröffnungsinszenierung des Impulse Festivals von Joana Tischkau. Schlagerseligkeit kommt nur in ganz seltenen Fällen auf. Denn eigentlich ist das ein getarnter Abend über Pina Bausch. Eine Figur nennt sich auch gleich zu Beginn „Pain“, das sei aus den Buchstaben ihres richtigen Namens zusammengesetzt. Das Ensemble zeigt Szenen, die sich oft mit leichten Veränderungen wiederholen. Lachen wird zu hysterischem Lachen wird zum Heulen, das wieder in Lachen übergeht. Einmal marschieren alle in einer Reihe über die Bühne und vollführen die gleichen Bewegungen – auch das ist typisch für Bausch. Ein spannender Abend, aber es stellt sich auch die Frage, ob so eine Hommage an die Tradition die richtige Eröffnung für das Impulse-Festival ist. Auch wenn es eine Erinnerung an die große Erneuerung des Tanzes in den siebziger und achtziger Jahren ist? Am Tag darauf folgt ein Solo: „Hairkunft“ von Hendrik Quast. Der Performer zeigt blutige Videos seiner eigenen Haartransplantation, erzählt schlechte Witze, spricht mit seiner Bettwäsche und matscht mit Lebensmitteln...

Pina Bausch und Schlingensief – das Impulse Festival 2025 präsentiert Erinnerungen an die Impulsegeber von einst

Sie leben noch (weiter)

Der Messingkauf im Curazän

 Bühnen Bern: Männerfantasien zerbersten lassen

Die zweite Raumzeitmaterialisierung

Wer setzt den perfekten Haken?

Geisterstück

Die Zwischenmomente erwischen

Was macht das Theater, Martin Heckmanns?

Das globale Upcycling-Prinzip

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Schauspiel

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Letzter Aufguss

Zusammen mit Kai Krösche gründete sie 2018 das Regieduo DARUM – der Name ist inspiriert durch einen Dialog aus Büchners „Woyzeck“.

Claire Cunningham in „Songs of the Wayfarer“ beim Impulse-Festival 2025

Szene aus „[EOL]. End of Life“, eine virtuelle Ruinenlandschaft. Performative Installation in Virtual Reality von DARUM (Victoria Halper und Kai Krösche). Eine Ko-Produktion von DARUM und brut Wien

„[EOL]. End of Life“, eine virtuelle Ruinenlandschaft, wurde zum Berliner Theatertreffen 2025 eingeladen

Das Märzheft 2026 von „Theater der Zeit“ widmet sich dem Schwerpunkt „Bühnenmütter und Mütternarrative“ und fragt, wie sich künstlerische Arbeit und Fürsorge heute vereinbaren lassen. Interviews, Essays und Erfahrungsberichte – unter anderem von Jorinde Dröse, Carola von Seckendorff, Elisabeth Köstner und zu den Arbeiten und u. a. Pina Bergemann – beleuchten strukturelle Hürden, Initiativen wie den Verein Bühnenmütter e. V. und das Projekt Culture.Care sowie aktuelle Mutter-Stoffe auf deutschsprachigen Bühnen.
Der Stückabdruck diesmal: Noam Brusilovskys „Fake Jews“, uraufgeführt am Deutschen Theater Berlin.
Außerdem: Berichte zur neuen Intendanz am Schauspiel Leipzig, zum  Festival Premières am Le Maillon in Straßbourg, ein Inszenierungsbericht von der „Möwe“ gleich zweimal in Norddeutschland sowie, wie immer: das Kunstinsert (diesmal zu den Stadtraum-Pionier:innen Angie Hiesl/Roland Kaiser) Kolumnen und Buchrezensionen.
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Bühnenmütter und Mütternarrative

Mit Humor ist es so eine Sache, auch im Theater. Es gibt ihn, aber er ist schwer zu greifen, und noch schwerer ist es, darüber zu diskutieren, ohne dabei den Humor zu verlieren. Als TdZ den Regisseur Antú Romero Nunes nach seiner Premiere von Shakespeares „Was ihr wollt“ am Berliner Ensemble (auf dem Titel) deswegen anriefen, schien er gleichsam auf eine solche Gelegenheit gewartet zu haben. Nunes, Absolvent der Berliner Hochschule für Theaterkunst Ernst Busch als Regisseur, ist in mehreren Kulturen zu Hause und kann deshalb von innen und außen auf das Thema Humor im deutschen Theater schauen. Das Gespräch war nach dem Interview lange noch nicht beendet und ging immer weiter. Wie auch das über die sogenannte Wertigkeit von Komödien, die als relevante Problemstücke wie Dietmar Jacobs’ „Extrawurst“ großes Publikum ins Theater ziehen. Seine fein gebauten Stücke sind Blockbuster des Theaters und deshalb nicht so leicht einzuordnen. Lachen ist Selbstklärung.
Daneben bietet das Januar-Heft einen Ausblick auf Theater der Welt in Chemnitz 2026, einen Bericht vom Festival Science and Theatre in Heilbronn (mit starkem Fokus auf KI, XR und digitale Ästhetiken) sowie einen Blick auf den Neustart des ETA Hoffmann Theaters Bamberg unter John von Düffel.
Und wie immer: einen Stückabdruck (diesmal die Fassung von Ruth Maria Thomas’ „Die schönste Version“ aus Cottbus), neuen Kolumnist*innen und einer neuen Ausgabe der Serie zu Grenzphänomenen von Theater und Sport.
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Humor auf der Bühne

Checklisten, Best-Practice-Beispiele und konkrete Methoden für kulturelle Teilhabe und Mehrsprachigkeit
Community-Booster: durch kollaborative Netzwerke diversitätsbewusstes Kinder- und Jugendtheaterarbeit positionieren
Teilhabe und Mehrsprachigkeit als ästhetisches Potenzial im Theater für junges Publikum begreifen. Begegnungsraum für junge Menschen mit unterschiedlichen gesellschaftlichen Privilegierungs- und Marginalisierungserfahrungen sein. Neues proletarisches Theater mit jungen Menschen machen. Bewusst Intersektionalität mitdenken und gleichberechtigt Theater schaffen. Sich selbst sowie die eigenen Arbeitsstrukturen machtkritisch befragen und geduldig in Bewegung bringen.
Was wie eine Utopie klingt, ist im Programm „Perspektiv:Wechsel“ der ASSITEJ seit 2022 vielerorts passiert. Und wird auch darüber hinaus in den Darstellenden Künsten für und von jungen Menschen immer öfter praktiziert. Welche (un-)sichtbaren Hürden müssen dabei überwunden werden? Wie können konkrete Schritte geplant und umgesetzt werden? Und warum überhaupt Perspektivwechsel? Dieses „winterheft“ versammelt Praxisberichte in Form von Texten, Videos und Audioformaten, vielstimmige Argumentationen, machtkritische Positionen und Plädoyers dafür nicht mehr allein zu träumen, sondern sich zu verbünden.
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Perspektiv:Wechsel

Spielerische Übungen und künstlerische Experimente für Stimme und Sprechen
94 große Karten und Begleitheft
Ein Kartenset für alle, die Lust haben, gemeinsam die eigene Stimme zu erkunden. 94 Karten in fünf Bereichen laden zu einem spielerischen und vielfältigen Umgang mit Stimme im Theater ein. Übungen, Spiele, Experimente und Wissenskarten fördern künstlerisches Ausprobieren und bewusstes Wahrnehmen. Dafür kommen Perspektiven aus der Stimm- und Sprechbildung, der Theaterpädagogik sowie den Künsten zusammen. Für mutige Stimmen in Theater und Performance, in Bildung, Schule und im Alltag. 
38 Karten üben + wahrnehmen – geben Übungen zu allen Aspekten der Sprechstimme an die Hand – zusammen oder allein.
28 Karten spielen + experimentieren – sind von künstlerischen Beispielen inspiriert und laden ein, gemeinsam Theater und Performancekunst zu machen.
11 Karten Wissen – vermitteln Grundlagenwissen zur Stimme und räumen mit Missverständnissen auf.
6 Karten Material – stellen Gestaltungsmittel und nützliche Begriffe zur Verfügung.
3 Karten Formen – ergänzen eure künstlerischen Experimente.
8 Karten Miteinander – unterstützen eure Zusammenarbeit und regen zum Austausch an.
Konzipiert und geschrieben von Marit Fiedler, Caroline Intrup, Isabelle Zinsmaier, Matthias Dreyer.
Entstanden im Projekt „Fokus Stimme“, Studiengang Lehramt Theater, Hochschule für Musik und Theater Rostock mit freundlicher Unterstützung durch die Stiftung Innovation in der Hochschullehre.
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<a href="../../api/files/4a2c9dd6-094e-4968-9919-3ce1f582de2a/psst-Begleitheft.pdf">Begleitheft herunterladen</a>

PSST! Mit Stimme Theater machen

Die Februar-Ausgabe von Theater der Zeit rückt das Theater in der Ukraine ins Zentrum – als Kunstform im Ausnahmezustand, die zugleich Verteidigung, Selbstbehauptung und Zukunftsentwurf einer von Krieg belagerten Gesellschaft ist. Das kulturelle Leben ist, eines der perversen Kriegsziele Russlands, nicht zum Erliegen gekommen, während der Krieg – zumindest seit der Totalinvasion – diesen Februar ins fünfte Jahr geht. Der Schwerpunkt des Heftes fragt, welche Rolle internationale Kooperation wirklich spielt – und wo sie bislang ausbleibt. Reportage, Essay und Gespräch zeichnen eine Landschaft, in der Luftalarm, Drohnen und Frontberichte den Alltag markieren, während Projekte wie das Ukrainomania-Vorhaben des Wiener Volkstheaters und des Nationaltheaters Maria Zankovetska in Lviv exemplarisch zeigen, wie gemeinsame künstlerische Arbeit neue Räume für Erinnerung und Solidarität eröffnet.​
Flankiert wird der Schwerpunkt von Beiträgen, die andere Bruchstellen der Gegenwart vermessen: ein Bericht über die „Rasenmäherpolitik“ in Baden-Württemberg analysiert, wie Kulturkürzungen ganze Szenen in Stuttgart und Karlsruhe strukturell gefährden, während ein Essay zu René Pollesch die Frage stellt, wie sich kollektive Unbehaustheit und Theaterästhetik nach seinem Tod weiterschreiben lassen.  Mit dem Fokus auf neue Schweizer Dramatik im Rahmen vom Abdruck der im Schweizer „Stück Labor 2024/25 entstandenen Stücke, öffnet die Ausgabe zugleich einen Laborraum für Texte, die Übergangsrituale, Jugendkulturen und postkoloniale Verwerfungen erkunden. Guido Lambrecht, der mit der Monumentalperformance von „Serotonin“​ am Hans Otto Theater Potsdam gerade zum Theatertreffen eingeladen wurde, beantwortet die Frage: „Was macht das Theater?“ Und wie immer: Kolumnen, Kritiken und das Kunstinsert, dieses Mal mit der neuen permanenten Lichtinstallation von James Turrel: „Beyond Horizons“, in Oelsnitz/Erzgebirge.
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Theater in der Ukraine

Palucca (1902–1993) wollte nicht hübsch und lieblich tanzen und war noch keinesfalls berühmt, als sie im Alter von 23 Jahren eine private Tanzschule gründete. In diesem Band kommen Menschen zu Wort, die eine Beziehung zu Palucca, zur Palucca Schule (gegründet 1925, heute Hochschule), Mut im Kopf und Mumm in den Knochen haben. Sie taten und tun das vorzugsweise in Projekten, mit denen Menschen im und mit Tanz zu Veränderungen angestiftet und befähigt werden, gesellschaftliche Missstände mit Leib und Seele anzugehen. Das erfordert ziemlich viel Mut.
Für den Soziologen Dirk Baecker ist Mut ein Kalkül. Für Palucca war Mut eine Voraussetzung für Kunst. Studierende des 2. und 3. Studienjahres Bachelor Tanz der Palucca Hochschule für Tanz Dresden verraten, wie sich Mut einstellen kann, selbst wenn sie Angst haben. Das könnte man sich glatt zu Herzen nehmen, und dann ist Mut zu haben vielleicht gar keine Kunst?
 
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Faszination und Verantwortung

Mut Palucca

Nach dem Tod von Heiner Müller am 30. Dezember 1995 entstand das erste TdZ-Arbeitsbuch mit dem Titel „Kalkfell“. Es folgten ein zweiter „Kalkfell“-Band und viele Einzelstudien und Aufsatzbände in der TdZ-Recherchen-Reihe sowie in der Zeitschrift immer mal wieder Texte aus Müllers Nachlass, die im Entstehen der Werkausgabe bei Suhrkamp entdeckt wurden. Dazu opulente Bände zu Müllers eigener Inszenierungsarbeit und B. K. Trage­lehns Müller-Inszenierungen. Die Biografie Heiner Müllers war indes bisher kein ausgeprägtes Feld bei Theater der Zeit. Im hier aus Anlass des kleinen Gedenkjubiläums zusammengestellten Schwerpunkt finden Sie neben den Beiträgen von Kristin Schulz und Wolfgang Storch die Erinnerungen von Hans-Jochen Vogel an seinen Cousin Heiner. Die Lebenswege gingen schnell weit auseinander – Müller verließ schon jung den erzgebirgischen Herkunftsraum und ging nach Berlin, ­Vogel blieb in der Gegend und wurde Studentenpfarrer in Karl-Marx-Stadt beziehungsweise Chemnitz. Verbunden blieben sie durch das Interesse aneinander – und deshalb ist Vogels (online vollständig zu lesendes) Memoir ein erhellendes Stück Müller-­Literatur heute.
Mit Tilda Swinton kommt man in die verschiedensten Bereiche von Film und Theater, so wie das Kunstinsert an ihre Zusammenarbeit mit Derek Jarman und Pedro Almodóvar erinnert. Ihre Zeit mit Christoph Schlingensief ist legendär und nebenbei war bei der Arbeit an diesem Beitrag auch noch von ihrer Rückkehr auf die Bühne zu erfahren. 1982 schrieb der Regisseur Manfred Karge sein erstes Stück, „Jacke wie Hose“, über eine Frau, die in der Weltwirtschaftskrise von 1929 die Stelle ihres verstorbenen Mannes annimmt und fortan, heute würde man sagen, als ‚männlich gelesen‘ weiterleben muss. 1987 spielte Swinton am Londoner Royal Court Theatre die englische Erstaufführung – und 2026 wird sie diese „Man to Man“-Szenen wieder am Royal Court spielen, mit einem geplanten Gastspiel im Berliner Ensemble.
Ein kuratiertes Insert befasst mit Machtmissbrauch in den Darstellenden Künsten – das Netzwerktreffen von Helvetiarockt und m2act.
Über gleich zwei Neustarts berichtet das Heft, in Hamburg und in Freiburg, genauso wie über Festivalberichte. Weiterhin, wie immer: der Stückabdruck (diesmal von Gerhild Steinbuch) unsere Kolumnen.
 
 
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Zwischen Bühne und Film

Tilda Swinton

Im Jahr 2025 feiert das Rheinische Landestheater sein einhundertjähriges Bestehen – und 25 Jahre den festen Ort mit bespielten Bühnen in der Oberstraße. Gemeinsam mit verschiedenen Wegbegleiter:innen und (Theater-)Expert:innen blickt das Haus auf ein Jahrhundert Theater in Neuss, Nordrhein-Westfalen und entfernteren Orten zurück; die Doppelfunktion als Haus mit einem festen Ensemble in einer rheinischen Großstadt, das zusätzlich als Landestheater mit seinem Programm (auch über die Landesgrenzen Nordrhein-Westfalens hinaus) Kultur in die Fläche und Orte ohne eigene Theaterbetriebe bringt, ist als spannende Institution eine nähere Betrachtung wert. Gleichzeitig bietet das Jubiläum bei aller Nostalgie auch genügend Anlass, um zusammen so manchen Ausblick in die Zukunft zu werfen – voller Vorfreude auf Alles, was kommt!
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Ein Jahrhundert Rheinisches Landestheater Neuss

Blick zurück nach vorn

Opulent bebilderte Buchausgabe, die die musiktheattrale Installation visuell und textlich dokumentiert
Künstlerisches Mahnmal über Krieg, Zerstörung und menschliche Resilienz
Die mit dem OPUS KLASSIK 2025 ausgezeichnete musiktheatrale Installation des Mozartfests Würzburg setzte sich künstlerisch mit der Bombardierung Würzburgs am 16. März 1945 auseinander. 80 Jahre nach der Zerstörung der Barockstadt verschmolzen Lyrik von u. a. Paul Celan und Bertolt Brecht, Zeitzeugenberichte und Musikwerke aus vier Jahrhunderten zu einem sinnlichen Klangerlebnis, das historische Narben ertastet und Brücken zur Gegenwart schlägt. 
Im historischen Mutterhaus der Erlöserschwestern, wo 500 Menschen die Bombennacht im Luftschutzkeller überlebten, entstand eine immersive Theaterform, die Erinnerungskultur neu denkt. Werke von Mozart, Mahler, Schumann und Copland trafen auf zeitgenössische Interpretation und machten Kriegstraumatisierung unmittelbar erfahrbar. Die visuelle Gestaltung mit eindrucksvollen Fotos dokumentiert die Installation sowie ihre Genese und ermöglicht es, das Konzert anhand des Buches wieder nachzuempfinden. Ein künstlerisches Mahnmal, das zum Gedenken und Nachdenken anregt.
„Hell ist die Nacht“ ist eine Produktion vom Mozartfest Würzburg. Regie Max Koch, Dramaturgie Tamara Yasmin Quick, Musikalische Leitung Ulrich Cornelius Maier
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Eine Dokumentation

Hell ist die Nacht

Games, Übungen, Show- und Langformate sind in Form einer umfassenden Liste im vierten Band der Reihe Improvisationstheater enthalten. Darunter Games für jeden Zweck: Theater-Workshops, Shows und Gruppen-Warm-Ups. Sie sind nach ­ Kategorien ­ unterteilt: Körperliche, verbale, erzählerische, szenische Games. Außerdem enthalten sindzahlreiche musikalische Formate und anspruchsvolle Langformen sowie einige Klassiker als auch Inspirationen für Schauspieltrainings und Impro-Shows.
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Games und Formate. Ein Nachschlagewerk

Improvisationstheater (Bd. 4)

Die Buchpremiere findet am 12.04.2026 am Berliner Ensemble (Neues Haus) um 15.00 Uhr statt.
„Brecht gebrauchen, ohne ihn zu kritisieren, ist Verrat“, hat B. K. Tragelehns künstlerischer Weggefährte Heiner Müller konstatiert. Als letzter Meisterschüler Bertolt Brechts in den 1950er Jahren hat Tragelehn dessen Erbe nie zum Museumsgut erstarren lassen. Seine aufstörenden Inszenierungen, zeitweise gemeinsam mit Einar Schleef, haben in Ost und West Theatergeschichte geschrieben.
Das Lesebuch „Roter Stern in den Wolken 3" erscheint anlässlich des 90. Geburtstags von B. K. Tragelehn und versammelt Gespräche, Gedichte und Aufsätze aus seinen letzten Schaffensjahren. Die Beiträge dokumentieren seine fortwährende Auseinandersetzung mit Brecht und Heiner Müller und zeigen Tragelehn als scharfsinnigen Analytiker des Gegenwartstheaters wie der Theatergeschichte. Sie reflektieren die Rolle der Darstellenden Kunst in ihren gesellschaftlichen Zusammenhängen – und machen diesen Band zu einem unverzichtbaren Dokument deutscher Theaterkultur.
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Aufsätze, Reden, Gespräche, Gedichte. Ein Lesebuch

Roter Stern in den Wolken 3

25 Jahre Förderung neuer schweizer Dramatik
Der DRAMENPROZESSOR gehört seit 25 Jahren zu den wichtigsten Förderprogrammen für zeitgenössische Dramatik in der Schweiz. Über 60 Autor*innen haben hier unter professioneller Begleitung innovative Theatertexte entwickelt – von den großen Fragen der Gegenwart bis zum gesellschaftlichen Wandel im Theaterbetrieb. Im jetzt vorliegenden Buch beleuchten Anna Bertram, Nathalie Eckstein und Lina Wölfel die Geschichte und die Transformation dieser einzigartigen Institution. Das Porträt stellt den DRAMENPROZESSOR als Werkstatt für Gegenwartsdramatik und als Ort für politisch-ästhetisches Umdenken vor – weit über die Grenzen klassischer Theaterarbeit hinaus.
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25 Jahre Gegenwart schreiben

Kinder ins Spiel bringen – double 53 widmet sich dem Puppen-, Figuren- und Objekttheater für junges Publikum. Der genauere Blick zeigt: In einer offensiven Neuentdeckung des kindlichen Publikums und einem klaren Bekenntnis zu Kindern als kompetenten Zuschauer:innen liegt künstlerisches Entwicklungspotenzial für das Puppen- und Figurentheater.
Gerd Taube eröffnet den Thementeil mit einer kritischen Bestandsaufnahme des historischen Erbes und des heutigen Selbstverständnisses des Puppentheaters zwischen Kindertheater und zeitgenössischer Kunstform. Dramaturg:innen aus Chemnitz, Dresden, Bautzen und Gelsenkirchen berichten über Produktionsbedingungen in der kleinsten Sparte des Stadttheaterbetriebs. Sibylle Peters, Ellinor Lidén und weitere Autor:innen beleuchten Forschungstheater, Publikumsforschung und Figurentheaterpädagogik.​
Dazu: Festivalberichte aus Polen, Prag und Braunschweig, ein Essay zur William-Kentridge-Ausstellung in der Dresdner Puppentheatersammlung sowie ein Rückblick auf zwei Jahre Vernetzungsarbeit im Bündnis KompleXX Figurentheater. Im Schweizer Fenster: Porträt der scheidenden Leiterin des Figurentheaters Winterthur und ein Gespräch über Inklusion am Theater Stadelhofen
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Puppentheater für junges Publikum

Kinder ins Spiel bringen 

Künstlerische Intelligenz?

Die Aprilausgabe widmet ihren Schwerpunkt dem Gefängnistheater — einer Theaterform, die weit über Resozialisierungsmaßnahmen hinausgeht. Im Mittelpunkt steht das Berliner Projekt aufBruch, das seit 1997 in Haftanstalten öffentlich zugängliches Theater produziert, zuletzt Becketts „Warten auf Godot“ in der JVA Plötzensee. Weitere Beiträge beleuchten Gefängnistheater in Baden-Württemberg, Frankreich sowie im Film.
Zum 90. Geburtstag des Regisseurs und Dichters B. K. Tragelehn erscheinen zwei Porträts — über sein Lebenswerk zwischen Brecht und Heiner Müller sowie sein umfangreiches Shakespeare-Übersetzungswerk. Außerdem: Eva Mattes kommt mit ihrer dritten Zusammenarbeit mit Roberto Ciulli am Theater an der Ruhr ans Theater zurück. Die Fotografin Luna Zscharnt stellt in einem Kunstinsert ihre Bühnenfotografie vor.
Im Magazinteil analysiert Michael Helbing die Theaterpolitik der AfD Sachsen-Anhalt, Lina Wölfel kommentiert das Klassiker-Mashup-Poptheater in ihrer Kolumne. Außerdem: Fabienne Dürs neues Stück „Geisterstück“, ein Bericht über Dokumentartheater am Schauspiel Köln sowie ein Film-Essay über Einar Schleef.
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Gefängnistheater

Fortschreibung von Brechts „Messingkauf“ für die Gegenwart
Konkrete Impulse für heutige Theaterarbeit
Wie sieht ein Theater aus, das die lokalen und globalen Beziehungen aller Lebewesen wirklich ernst nimmt? Der Messingkauf im Curazän knüpft an Bertolt Brechts fragmentarischen Klassiker Der Messingkauf an und fragt nach der gesellschaftlichen Rolle des Theaters in dunklen Zeiten. Das Curazän – eine imaginierte Gegenwartsepoche der „cura“, der Sorge gegenüber und von allen Lebensformen – bildet dabei den gedanklichen Rahmen für eine neue Theaterpraxis jenseits des Anthropozäns.  
Gemeinsam mit Theatermacher:innen, Philosoph:innen, Jurist:innen, Journalist:innen und Aktivist:innen entwickeln Teresa Kovacs und Kevin Rittberger neue Perspektiven für ein regeneratives Theater, das ökologische Krisen ebenso denken kann wie den Aufstieg des Faschismus. Polyloge und Prosastücke bilden eine praxisnahe Theatertheorie für das 21. Jahrhundert – zwischen ökologischer Neuverortung und dem Mut zu radikalen Neuanfängen.
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Neuerscheinungen im Verlag