Fluid, Trans, Drag

Cripped Curricula

Es geht nur gemeinsam

Das Programm ARTplus

Voll Feuer für Figurentheater

Theater Oberhausen: Die Menschheits-Show wird abgesetzt

Man muss diesen mehr als 200 Jahre alten Text, der vor bald 500 Jahren speilt, nicht zwingend erst zu uns heranholen, ihn also „heutig“ machen, um seine gegenwärtige Sprengkraft zu erkennen. Dass sich aus Kleists Novelle vom Querulanten, Wutbürger und Gerechtigkeitsfanatiker Michael Kohlhaas ein Stück zur Stunde machen lässt, liegt geradezu auf der Hand und ist zuletzt ja auch vielfach versucht worden: in Görlitz-Zittau, Bregenz, Berlin, Saarbrücken, Darmstadt, … Insofern erübrigte sich im Grunde eine Frage der Dramaturgin im Meininger Programmheft: „Ist es wieder Zeit, sich mit ihm zu beschäftigen?“ Ja, bestätigt der Autor gleichwohl, es sei „bestimmt eine passende Zeit, den ,Kohlhaas‘ einer erneuten Lektüre zu unterziehen.“ Der Autor verweist, wie sein Stück, auf missbräuchliche Indienstnahmen des Titelhelden als Freiheits- oder Widerstandskämpfer durch Nationalsozialisten, DDR-Kommunisten oder westdeutsche 68er-Bewegte; wie junge Rechtsextreme heutzutage aus der Novelle die Rechtfertigungslehre für ihre Bewegung ableiten, die den ohnehin schwankenden demokratischen Staat zu beseitigen gedenkt, inszenierte bereits vor sieben Jahren Sebastian Martin in Weimar mit Entlarvungsstrategie. Jener Autor indes heißt natürlich nicht Heinrich von Kleist, der seinen eigenen Freitod mit einem solchen verknüpfte, der ebenfalls Grenzen zum Missbrauch überschritt. Er heißt Björn SC Deigner, den in den vergangenen Jahren vor allem Bamberg schon dreimal...

„Kleists ‚Kohlhaas‘ dargestellt durch das Liebhabertheater ‚Die freche Distel’“ von Björn SC Deigner (UA) – Regie Cornelius Benedikt Edlefsen, Bühne und Kostüme Jenny Schleif

Staatstheater Meiningen: Einem Stück gehen die Gäule durch

Figurentheater zwischen Tradition und Transformation

Ich sehe was, was du nicht siehst

Wir wollen alle sehen! Wege in die Darstellende Kunst für Menschen mit Behinderung

Den Stein zeigen

Theater Oberhausen: No King today

Studieren mit Behinderung – (k)ein Privileg

Versuche einer thematischen Ordnung

Theater Thikwa Berlin: Dinner-Theater mal anders

Unregelmäßigkeiten im Brandschutzsystem

„Ich bin nur durch die Welt gerannt“

„Gesellschaft besteht aus Menschen und Menschen können Dinge ändern“

Ein Paar, äußerlich noch zusammen, innerlich längst getrennt. Er hatte zwischenzeitlich eine Katrin, sie hatte ebenfalls einen Lover, der es aber auch nicht gebracht hat. Irgendwie. „Irgendwie“ ist ihr Lieblingswort, die Welterklärungsformel aller Ratlosen. So wie dieses gescheiterte Paar auf der Bühne sitzt, hätte man auch einen Scherbenhaufen hinwerfen und nach einer Stunde wieder aufkehren können. War wohl nichts. Was voller Hoffnung begann, endete voller Verzweiflung, Suizid der Mutter nicht ausgeschlossen. Wir befinden uns im Stück „Tiefer Grund“ im ETA Hoffmann Theater in Bamberg. Außen vor dem Theater wallt dichter Nebel durch die Gassen der Altstadt, eine spukhafte Szenerie, wie von ETA Hoffmann selbst ersonnen, der hier gelebt hat, nur ein paar Schritte weiter in einem handtuchschmalen Haus, von 1808 bis 1813 war das. Auch deshalb hätte ihm „Tiefer Grund“ womöglich gefallen, seiner Schwere und Düsternis wegen. Da ist dieses Paar, im Stück einfach nur „Vater“ und „Mutter“ genannt, das sich immer wieder gegen seine Selbstzweifel versichern muss. „Wir waren doch liebevolle Eltern oder nicht?“, murmelt es dann. Im Friedwald am Baum ihres verstorbenen Sohnes haben sie sich nach Jahren der Trennung wieder getroffen. Heute wäre sein 23. Geburtstag gewesen. Später werden sie eine Kerze anzünden. Nur: Mit jeder neuen...

„Tiefer Grund“ von Björn SC Deigner (UA) – Regie Sibylle Broll-Pape, Bühne, Kostüme, Video Trixy Royeck 

ETA Hoffmann Theater Bamberg: „Wir waren doch liebevolle Eltern oder nicht?“

Not Just Any’s Body And Mind

Was macht das Theater, Daniel Schüßler?

Über Zeitenwenden hinaus

Wer liest noch Dramen? oder: Plädoyer für die Pause

Seine Arbeit war autobiografisch

Kultur- und Musikmanagement mit Hürden

Challenge(d) Bodies

Konstruierte Körper

Identitätskämpfe im Grenzgebiet

Von gelenkten und ungelenken Diskursformaten

Im Ozean aus Klang und Licht

„Die Vielfalt ist das Herz der Freien Szene“

Respekt und Vertrauen

Inszenierte Körper

Das Kerngeschäft im Theater sind Feelings

Teufelsgeige

Filmstills

Grenzmauern und Schützengräben

Bühnen Bern: Verstörende Wortströme der Suchenden

Reflexion fördern

Als Antanas Mockus 1995 Bürgermeister von Bogotá wurde, galt die kolumbianische Hauptstadt als eine der gefährlichsten Metropolen der Welt. Das neue Stadtoberhaupt – Philosoph und Mathematiker von Beruf – brachte zur Bekämpfung der hohen Kriminalitätsrate lauter Ideen mit, die dem Image vom welt­fremden Theoretiker alle Ehre machten. So bestand eine seiner ersten Amtshandlungen darin, die korrupte Verkehrspolizei zu ersetzen – durch Pantomimekünstler. Für ihr Fehlverhalten von Mimesis- und Ironie-Fachkräften durch den Kakao gezogen zu werden, würde potenzielle Verkehrssünder – so glaubte Mockus – wirksamer abschrecken als die einschlägigen Bußgeldverfahren. Außerdem standen in Bogotá bald Tauschaktionen auf der Agenda, bei denen jeder, der eine Waffe abgab, im Gegenzug Kinderspielzeug ausgehändigt bekam. Pistolen zu Puppenstuben und Polizisten zu Performern? Was aus gängiger realpolitischer Sicht als rührend idealistische Spinnerei erscheint, zeitigte de facto erstaunliche Ergebnisse. Die Zahl der Verkehrsunfälle sank während Mockus’ knapp dreijähriger Amtszeit um mehr als fünfzig Prozent, die Mordrate gar um siebzig. Mit dieser Erfolgsgeschichte des „artivistischen“ Eingreif­theaters – einer Praxis also, die Kunst (art) mit Aktivismus ­(activism) verbindet – beginnt das vor sechs Jahren von Florian ­Malzacher zusammen mit dem Festival steirischer herbst heraus­gegebene Buch „Truth is Concrete. A Handbook for Artistic Strategies in Real...

Polizeikritik hat Hochkonjunktur im Theater – Björn SC Deigners Schiller-Überschreibung „Die Polizey“ in Bamberg und Kevin Rittbergers „Schwarzer Block“ in Berlin

Pistolen zu Puppenstuben!

Rückwärts durch die Zeit der Gegenwart

Landestheater Tübingen: Heimat in der ganzen Welt wiederfinden

Wo Masturbation auf Donauwalzer trifft

Solidarität und Glitzer

Trans*respekt versus anti-trans Gewalt

Die Pflanze, die ich also bin

Drei Schauspieler hinter Glas: hineingestellt in die eingefrorene Szene einer historistischen „Hamlet“-Aufführung, ausgestellt wie im Museum. „O schmölze doch dies allzu feste Fleisch“, könnte jemand rufen; das führte zur schönen Bedeutungsverschiebung bei Shakespeare. Stattdessen meldet sich, mit Konsonantenschwäche, „tie teutsche Theatertirektion“ über die Sprechanlage; das ist auch lustig. Es werde, heißt es tief bedauernd, „keine Geschichte im klassisch-bür­gerlichen, bürgerlich-klassischen, bürgerlich-bürgerlichen oder klassisch-klassischen Sinne aufgeführt“. Dafür geht es, fügen wir hinzu, recht werkgetreu zu. Anders als vor vier Jahren am Deutschen Theater Berlin: Dort provozierte Sebastian Hartmann einen Skandal, als er Björn SC Deigners Stück „In Stanniolpapier“ über Missbrauchs- und Gewalterfahrungen vergewaltigte, höchstens ein Fünftel des Textes überleben ließ und man ihm das Label Uraufführung entzog. Seitdem besorgte Bambergs ETA Hoffmann Theater drei Deigner-Uraufführungen binnen zwei Jahren: Auf „Der Reichskanzler von Atlantis“ und „Die Polizey“ (nach Schiller) folgte nun „Der endlos tippende Affe“. Sie haben kaum was gestrichen und spielen beinahe vom Blatt; Mirjam Loibl inszeniert das gewissermaßen musikalisch, wie ein ­szenisches Konzert. Der endlos tippende Affe ist ein Gedankenspiel. Er brächte demnach, drückte er bis in alle Ewigkeit sinnlos auf einer Schreibmaschine herum, irgendwann zum Beispiel sämtliche Shakespeare-Werke hervor. Ein Theorem der Wahrscheinlichkeit. „Der endlos tippende Affe“ von Deigner ist...

ETA Hoffmann Theater: „Der endlos tippende Affe“ von Björn SC Deigner (UA). Regie Mirjam Loibl, Ausstatter Thilo Ullrich

Bamberg: Ein Anti-Theatertext

Living Beneath

Veropern

Körperpolitik ohne Ende

Was macht das Theater, Yvonne Griesel?

Vorwort

Münchner Kammerspiele: Lokalgeschichte meets historische Schuld

Vertonen

„Ich lausche meinem Körper die choreografische Form ab“

Über das Solo zur Solidarität

Körper und Körperlichkeit

Unsere Körper sind Text

Die Rückkehr der großen Geschichten

Ride & Resistance

Die Hüfte ist das Zentrum

Der kluge Mann baut vor

Salzgebäck und Puppenstars

Staatstheater Kassel: Die Liebe in Zeiten des Postkolonialismus

Landestheater Linz: Vor mir stehen sechs Millionen Ankläger

Die Gewalt geht vom Volke aus

Nicht nur Gestell für Stimmbänder und Handgesten

Von Sprachverbotsversuchen, Sprechermöglichungen und Körperwirklichkeiten

Auf dem Gipfel der Verzweiflung

Tanzen zwischen künstlerischer Perfektion und Höchstleistungssport

Spielart-Festival München: „Sie sind gelaufen, damit ich gehen kann“

Kein Leuchten, ein Glühen

Ausgebeuteter Körper

Unidentical Dude

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Der endlos tippende Affe

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Theater in der Finsternis: Klein Zaches genannt Zinnober

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Sinn -  Theater in der Finsternis

In Stanniolpapier

Kommissar Grimmig reist nach Hesperien

Björn SC Deigner, geboren 1983 in Heidelberg, studierte Angewandte Theaterwissenschaft in Gießen. Deigner ist Autor für Theater und Hörspiel, sowie Sounddesigner und Komponist an verschiedenen deutschsprachigen Stadttheatern (u.a. Deutsches Theater Berlin, Thalia Theater Hamburg, Burgtheater Wien). Björn SC Deigner lebt und arbeitet in Berlin.

Ein recht werkgetreues Gedankenspiel: „Der endlos tippende Affe“ von Björn SC Deigner, in einer Inszenierung von Mirjam Loibl am ETA Hoffmann Theater in Bamberg.

Florian Walter und Barbara Wurster in „Tiefer Grund“ von Björn SC Deigner in der Regie von Sibylle Brock-Pape am ETA Hoffmann Theater Bamberg

Joscijka Abels‘ historischer Roman, setzt sich auf komplexe und tiefgründige Weise mit zentralen Fragen der menschlichen Existenz auseinander. Durch den Dialog der Romanfiguren enthüllt sich die performative Natur des Lebens, in der die Grenzen zwischen Realität und Inszenierung im „teatro mundi“ (Welttheater) verschwimmen. Die Reflexion über Kunst, Philosophie und Politik macht Abels Roman zu einer anspruchsvollen und lohnenden Lektüre.
Es ist im Jahre 1464, als Bernardo Rossellino, aus einer Zeitschleife zurückkehrend, sich in der Bibliothek seines von ihm erbauten Palazzo Piccolomini in Pienza wiederfindet. Wer er ist, weiß er nicht mehr. Und so beginnt für ihn die Suche nach seiner Identität. Wer war jener Gamberelli, von dem alle sprachen? Bernardo begegnet einer Abendgesellschaft, darunter Papst Pius II., vormals Eneas Silvio Piccolomini, dem Philosophen und Kleriker Cusanus, auch bekannt als Nikolaus von Kues, dem vielseitigen Architekten Leon Battista Alberti, seinem Tugendfreund Filarete und dem Mathematiker Paolo dal Pozzo Toscanelli. Sie versammeln sich jeden Abend um ein in der Mitte des Bibliotheksaales eingelassenes Spielfeld und widmen sich mit einer runden, ausgehöhlten Kugel dem Globusspiel. Es ist das Weisheitsspiel des Cusanus, in dem es gelingen soll, gleichsam durch einen Spiegel und im Rätselbild auf die Möglichkeiten in dieser Welt und in uns zu sehen. Was ist das Geheimnis des Enea Silvio Piccolomini? Warum hatte man die von Bernardo gebaute Erinnerungsarchitektur, das von diesem Papst gewünschte Memoriale an seinem Heimatort, so geändert? Wieso hatte sich über die cusanische Reform des julianischen Kalenders nicht nur ein Schleier, sondern der Mantel des Vergessens gelegt?
Die abendlichen Dialoge kreisen um nahezu alle Grundfragen, die aus der Renaissance überliefert sind. Die Runde öffnet sich den Quellen der griechisch-römischen Antike und reflektiert über die Beziehungen zwischen Architektur, Kunst und Wissenschaft, über die Wirklichkeit und Möglichkeit in der sichtbaren Malkunst, über den Ursprung der Welt, das Phänomen der Zeit und das Nebeneinander der Religionen.
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Kaleidoskop der Stimmen und Bilder

Julianische Tage im Schatten der Piazza

Über Theater und Polizei

Der Lieblingsfeind steht links

Mit zahlreichen Beispielen und Tipps wird in diesem Band das Entstehen gemeinsam improvisierter Szenen erläutert. Wie beginnen wir Szenen? Wie führen wir sie fort? Und wie beenden wir sie? Wie schaffen wir eine stabile Plattform? Und wie improvisieren wir ohne Plattformen? Wie erschaffen wir kraftvolle szenische Konflikte und wie spielt man intime Szenen? Wie unterstützen wir unsere Partner auf der Bühne und aus dem Off? Wie entsteht Komik und wie erschaffen wir berührende Szenen?
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Die Magie der Szene

Improvisationstheater (Bd. 3)

„Highland Child“ vereint Bildkunst und Lyrik von Mark Sieczkarek in einem eigenständigen Künstlerbuch: Zeichnungen, kleine Malereien und Collagen begegnen 48 englischsprachigen Gedichten, deren deutsche Übertragungen jedem Exemplar als Einleger beiliegen. Als Tänzer des Tanztheaters Wuppertal Pina Bausch in den 80er Jahren (u. a. „Viktor“, „Ahnen“, „Kontakthof“, „Das Frühlingsopfer“, „Nelken“) und seit 1988 mit über 50 eigenen Produktionen als Tänzer und Choreograph, entfaltet er in diesem Band ein sehr persönliches Universum – Menschen aus seiner nächsten Umgebung, Begegnungen aus der internationalen Tanzszene, Erinnerungen und Gedankenskizzen.
Die Arbeiten in Farbe und Schwarz-Weiß zeigen seine poetische Spannung zwischen Bewegung und Bild. Entstanden ist ein sorgfältig gestaltetes und liebevoll illustriertes Hardcover, das die künstlerische Handschrift Sieczkareks in ihrer Vielschichtigkeit sichtbar macht – ein in seiner Interdisziplinarität beeindruckender Künstler, der über Tanz, Kostüm und Bühnenbild wirkte und sich ebenso hingebungsvoll Zeichnungen, Film und Dichtung widmete.
 
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Art and poetry by Mark Sieczkarek

Highland Child

Die 52. Ausgabe von double. Magazin für Puppen-, Figuren- und Objekttheater widmet sich der Figut des Caspar als Superhelden, Spaßmachern und Systemsprenger. Kann die Figur überhaupt im Heute bestehen, ohne ihre anarchische Energie zu verlieren?
Im Zentrum stehen die lustigen Figuren des europäischen Puppenspiels in all ihren Ambivalenzen und Transformationen. Fachbeiträge reflektieren kulturelle Erbe-Diskurse, Genderaspekte und die künstlerisch-ästhetische Entwicklung der komischen Handpuppe vom Kasper bis Punch als Spiegel gesellschaftlicher Herausforderungen und Widerstände. Internationale Festivalberichte, Interviews und Analysen nehmen die Vernetzung der Szene genauso in den Blick wie aktuelle Initiativen zur Unesco-Nominierung.

Kasper und Co. in schwierigen Zeiten

Superheld, Spaßmacher, Systemsprenger

„Open the curtains. Zum Werk von Mark Sieczkarek“ lädt als Journal zu einer Erkundungsreise in das facettenreich inspirierende Schaffen des Choreografen und Künstlers Mark Sieczkarek (10. 9. 1962 bis 8. 9. 2025) ein. In Schottland geboren, kam er über Pina Bausch nach Wuppertal und folgte dann bald seinem eigenen künstlerischen Weg. Anlass für das Journal war die Ausstellung „paths through my garden – Kunst von Mark Sieczkarek“ vom 9. bis 26. Oktober 2025 im Schauspielhaus/ Pina Bausch Zentrum under construction in Wuppertal. Bis zu seinem Tod hat der Künstler die Werkschau mit vorbereitet. Im Journal finden fotografische Aufnahmen seiner Choreografien, Bühnenbilder und Kostüme ihren Raum, die in über 50 Produktionen in vier Jahrzehnten entstanden sind, ebenso wie Verweise auf seine Filme und Skizzen, Zeichnungen und Bilder. Ergänzt werden die Zeugnisse seiner vielfältigen künstlerischen Aktivität durch Stimmen und Betrachtungen mehrerer künstlerischer Weggefährt:innen.
In „Highland Child“ beendet Mark Sieczkarek sein letztes Gedicht „The end“ mit der Zeile „Open the curtains“. Zeitgleich zum Journal erscheint dieser Band als 2025 zusammengeführte Sammlung eigener Bilder und Gedichte. Sieczkareks letztes Lebensjahr war geprägt von den Herausforderungen der Krankheit ALS. Journal und Künstlerbuch laden nun als posthume Würdigung in Mark Sieczkareks sanftes und zugewandtes, irritierendes und rebellisches Universum ein.
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Zum Werk von Mark Sieczkarek

Open the curtains

In der Spielzeit 2025/2026 feiert das Theater der Stadt Aalen zwei Jubiläen: Vor 35 Jahren wurde in der größten Stadt des Ostalbkreises ein Theater gegründet, das vor fünf Jahren in die deutlich größere und mit zahlreichen Architekturpreisen ausgezeichnete Spielstätte im KulturBahnhof (KUBAA) zog. Anknüpfend an die Publikation „Klein und kraftvoll. 20 Jahre Theater der Stadt Aalen“, beleuchtet die neue Jubiläumsschrift die letzten 15 Jahre. In diesen standen neben zahlreichen, auf Aalens Partnerstädte abgestimmten Uraufführungen, vor allem spartenübergreifende Arbeiten mit Artistik, Tanz und Videoprojektionen im Mittelpunkt. Weiterhin prägten das Haus der Ausbau der Sparte Junges Theater, ebenso wie der Umzug in den KulturBahnhof. In „Strahlkraft und Neugier“ geben Mitarbeitende und wegbegleitende Personen Einblick in diese Entwicklungen.

Neue Akzente im Kulturbahnhof (KUBAA) durch das Theater der Stadt Aalen

Strahlkraft und Neugier

Neue Theatertexte verstehen und schreiben: Der nächste Band aus der erfolgreichen „Lektionen“-Reihe ist ein unverzichtbarer Leitfaden für alle, die sich mit zeitgenössischer Dramatik auseinandersetzen. Expert:innen aus Literatur- und Theaterwissenschaft sowie der Schreibpraxis beleuchten praxisnah, analytisch und didaktisch zentrale Aspekte und Herausforderungen moderner Dramatik.
Wie hat sich die dramatische Sprache nach der Postdramatik verändert? Welche Rolle spielen Musikalität, Körperlichkeit und Mehrsprachigkeit? Wie lassen sich Texte interpretieren, die Genregrenzen bewusst überschreiten? Der Band bietet nicht nur theoretische Grundlagen, sondern auch praktische Einblicke in das Schreiben, Übersetzen und Inszenieren neuer Theatertexte. Eine Übersicht zu Ausbildungsmöglichkeiten und Publikationsadressen rundet diese bisher einmalige Zusammenschau zur Gegenwartsdramatik ab.
Mit Beiträgen von Adrienn Bazsó, Anton Bröll, Paul Brodowsky, Edith Draxl, Anne Fleig, Pola Groß, Tina Hartmann, Fabian Hinrichs, Maria Kuberg, Felix Lempp, Ilja Mirsky, Ramona Mosse, Clemens Özelt, Artur Pełka, Kathrin Röggla, Hannah von Sass, Martin Jörg Schäfer, Martin Schneider, Nele Stuhler, Irina Sulaver und Giulia Weis.

„Ist’s vorüber, lacht man drüber“ – Ute Nyssens Verlegergeschichte eröffnet faszinierende Einblicke in die geistigen Grundlagen heutiger Theaterprogramme und beleuchtet das Schicksal neuer Bühnenstücke. Die Autorin schildert den Weg einer kleinen, aber engagierten Gemeinschaft von Bühnenverleger:innen, die diese Werke entdecken und in der deutschsprachigen Theaterwelt fördern.
Nach einer prägenden Zeit in einem Buchverlag entschied sich Ute Nyssen endgültig für den Beruf der Bühnenverlegerin. Gemeinsam mit ihrem Lebenspartner, dem Verlagslektor Jürgen Bansemer (1933–2006), verwirklichte sie 1981 ihren Traum von Selbstständigkeit und gründete den Ute Nyssen &amp; J. Bansemer Theaterverlag. Der Verlag etablierte sich rasch als bedeutender Akteur in der deutschsprachigen Theaterlandschaft.
Mit großer Authentizität und Leidenschaft erzählt Nyssen von ihrer Liebe zu Literatur, Sprache und Theater, von der Entdeckung und Förderung herausragender Dramatiker:innen wie Elfriede Jelinek, Tankred Dorst, Thomas Jonigk und Heinar Kipphardt. Ebenso schildert sie die Herausforderungen im Umgang mit Autorenrechten, Übersetzungen und Bühnenproduktionen sowie die besonderen Anforderungen, die sich aus der Arbeit als Medienagentur seit den späten 1980er-Jahren ergaben.
Ute Nyssen möchte mit ihrer Verlegergeschichte den Geist und die Aufbruchsstimmung der 1968er Jahre weitertragen und die heutige Generation zu Mut, Kreativität und unternehmerischem Denken inspirieren. Dieses Buch ist ein unverzichtbarer Begleiter für alle Theater- und Literaturbegeisterten, die tiefere Einblicke in die Mechanismen des deutschsprachigen Sprechtheaters gewinnen möchten.
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Ist’s vorüber, lacht man drüber

Klaus Zehelein hat das neue deutschsprachige Musiktheater entscheidend geprägt. Seine Arbeit als Dramaturg und Intendant kann mit Blick auf die Erfindung und Ausgestaltung einer Oper für den modernen Menschen als modellhaft gelten. Fernab von Vorstellungen eines auf „Aktualisierung“ zielenden Regietheaters gewinnen Zeheleins Ideen eines heutigen Musiktheaters durch die intensive Auseinandersetzung mit der Geschichte der Werke zukunftsträchtige Brisanz. Die Autobiographie folgt den Stationen seines Wirkens – von den Anfängen in Kiel und Oldenburg hin zu den Zeiten des Aufbruchs in Frankfurt und Stuttgart bis zu seiner Tätigkeit als Präsident der Bayerischen Theaterakademie und des Deutschen Bühnenvereins. Sie zeigt, was Musiktheater sein kann: ein Ort unerhörter Augenblicke, die die Gegenwart neu entdecken lassen.
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Autobiographie

Unerhörte Augenblicke

Essays und Berichte beleuchten die Spannweite zeitgenössischer Oper zwischen innovativer Werkschöpfung, szenischen Experimenten und erzählorientierter Rückbesinnung: Egbert Tholl skizziert die Oper als „Labor der Gegenwart“ mit Beispielen von AR-„Parsifal“ bis Florentina Holzingers „Sancta“ an der Staatsoper Stuttgart, während Stefan Keim die Rückkehr großer Geschichten in den USA und Großbritannien nachzeichnet – von Jake Heggies „Dead Man Walking“ bis Missy Mazzolis „The Listeners“ und Charlotte Brays „American Mother“. Ulrike Hartung porträtiert die freie Kompanie Novoflot als utopisch-resonantes Gegenmodell zum Repertoirebetrieb, und Lara Wenzel berichtet über das Aufbruchs-Festival der freien Musiktheaterszene in Leipzig. Ein zentrales Stück dieser Ausgabe ist Jenny Erpenbecks Libretto „Rummelplatz“ (nach Werner Bräunig), das im Abdruck den thematischen Faden durchzieht.
Im Gespräch erinnert Musikerin Anna Calvi an Robert Wilsons musikalisches Theater; weitere Akzente setzen ein Porträt von Marie Zielcke, ein Interview mit Thomas Krüger zur „Politik im Freien Theater“, sowie Friedrich Dieckmanns Essay zu Adolf Dresen. Der Report-Teil umfasst u. a. die Ruhrtriennale (Ivo van Hoves „Songdrama“) und das Kunstfest Weimar; die Laudatio zum Martin-Linzer-Theaterpreis würdigt das Theater Magdeburg. Dazu: gesammelte Kurzkritiken, Kolumnen und ein Vorabdruck aus Klaus Zeheleins „Musiktheater für unsere Zeit“.
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Neues Musiktheater

Kunstinsert William Kentridge

Freiheit und Grenzen der Körperlichkeit

Henry Hübchen

Buchpremiere am 12. November 2025 um 19 Uhr, Einar &amp; Bert Theaterbuchhandlung Berlin
Der Maler und Bühnenbildner Gero Troike geht spazieren und schaut sich um. Das ist alles: Augen auf und durch – die Stunde, den Tag. Die unmittelbare alltägliche Nähe als aufregender Kosmos, als unglaubliches Abenteuerfeld … Hans-Dieter Schütt hat die radikal naiven Weg- und Welt-Beobachtungen Troikes, die in ihrer Unverblümtheit an Robert Walser erinnern, mit autobiographischen Texten des Theatermannes verknüpft. Es fügt sich mit Porträts des Fotografen Manfred Haupthoff – Troike im Atelier – zu einem so sperrigen wie warmherzigen (Lebens-)Künstlerbuch.
„Ein wundersamer Band. Derart erpicht auf Kreuz und Quer. Eines Lebens Lauf, aber den beileibe nicht landläufig protokolliert.“ So schreibt Schütt im Vorwort. Fotos und Malerei. Bilder und Buchstaben. Die Zeiten im Buch springen, die Gedanken springen mit – nichts möge da zur falschen Ruhe kommen. Seine Texte schreibt Troike mit einer alten Schreibmaschine. Sie ist die alte Welt: Sie klappert hinterher, und der Autor ist wie der vergebliche Glückssucher, der Lotto-Verlierer: Er vertippt sich regelmäßig. Und tippt doch weiter. Troikes Manuskripte: Pflege und Schutz des individuellen Fehlers als trotziger Selbstwert in einer nervös hastenden Gesellschaft.
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In unmittelbarer Nähe

Gero Troike

Neuerscheinungen im Verlag