Geht es um Exil?

Shakespeare, Brecht, Müller

Was ist eigentlich die Singstimme?

Begriffsbestimmung Theaterpädagogische Interventionen in psychiatrischen Arbeitsfeldern, z. B. der Kinder- und Jugendpsychiatrie, bewegen sich eindeutig in einem therapeutischen Milieu. Die Trennungslinie ist offensichtlich: Pädagogik, als ein erzieherisches Anliegen, transformiert sich in den therapeutischen Kontext, sobald diese Schnittstelle im „Container“ der Patientengruppe, für Patienten und Leitung gleichermaßen, therapeutisch erlebbar wird. Aus diesem Grunde sind ein angemessenes Fachwissen um Diagnostik, Befunderhebung, psychische Krankheiten, dissoziale Störungsbilder sinnvoll. Dieses Fachwissen ist (noch) kein Bestandteil einer theaterpädagogischen Ausbildung, auch nicht annähernd. Deshalb wird im Weiteren die Begrifflichkeit „Theatertherapie“ verwendet. Ursprünge Die Geschichte der Theaterpädagogik, stark geprägt von Stanislawski, Brecht, Boal u. a., ist für eine Theaterpädagogik an der Schnittstelle zur Therapie und darüber hinaus richtungsweisend. Das betrifft die Arbeit mit der Gruppe als Patientengruppe, stellvertretend für „Gesellschaft“ und „Individuum“ und ihre gestalterischen Kräfte in einer kommunikativen Abhängigkeit zueinander. Die Patientengruppe im Theater, als Repräsentantin einer Gesellschaft und ihrer Ausprägungen, re-inszeniert immer auch „Gesellschaft“. Dieses sich in referenzieller Weise nährende kommunikative duale System bildet auch im theatertherapeutischen Kontext eine feste Einheit. Der Arzt Jacob Levy Moreno, Begründer des Psychodramas und begeisterter Theaterspieler, beobachtete dieses Zusammenspiel von Individuum und Gesellschaft im Spiegel des ICH, DU und WIR und entwickelte daraus seine Theorie und Praxis für ein Theater...

Theaterpädagogik in der Psychiatrie

Kassandra – Das Ende der Ereignisse

Straßentheater in Deutschlands Osten

Faszinierende Gestaltwandlerin

Radau im Klangraum

Mecklenburgisches Staatstheater Schwerin: Strampeln bis zur Unmündigkeit

Das, was am Ende bleibt und anfangs war

Erleuchtung und Ernüchterung

Residenztheater München: Fünf Fremde im Gefühlsgewitter

Alles unter einem Dach

The Sound of Diversity

Kunst-Trabant in Wolfen-Nord

Den inneren Kompass stärken

Das größte Privileg ist, mit den eigenen Leuten zu arbeiten

Proxemik im Film

Mit dem Schriftbild ins Gespräch kommen

Zum zweiten Mal alles verloren

Die Kunst des Dazwischen

Vom Dunklen im Menschen

Laying down a Path in Talking

Die Absicht trägt die Stimme

Ästhetiken des Zugangs

Chorsprechen

Der Standard, die Akzente und Vergemeinschaftungen

20 Jahre Bundesverband Theater im Öffentlichen Raum

Recitar cantar

Nachhaltigkeit ist ein Teamsport

Sprechen in den Studiengängen Dramaturgie und Regie

Vielfalt als Kompetenz

Was macht das Theater, Rebekah Rota?

Vom singenden Sprechen im Musiktheater

Mich stört manchmal, dass Lohnarbeit im Theater mit Freundschaft verwechselt wird

Beobachtungen aus Puppenperspektive

Kein Kiesel, kein Korken

Klimakatastrophe, Wohnungsnot und Deep Fakes

Exodus

Demokratie als Event

Schauspiel Leipzig: Lasst uns einen Kirschbaum pflanzen!

Staatstheater Hannover: „Inception“ in manisch-depressiv

Müssen wir das wirklich alles mitnehmen? Ja!

Hören mit Akzent

„Sprechen, Sprechen und nochmals Sprechen“

Das integrative Moment der deutschen Sprache im theatralen Kontext

Kampnagel/Thalia Theater Hamburg: Zorn mit Wohlfühlfaktor

Mainfranken Theater Würzburg: Vom Wert der kleinen Freuden

Die Hände hinter dem roten Sommerkleid

Notizen

Digitales Theater: Erweiterung der Theaterinstitution?

Unabhängige Integration

Dinge unterwegs

„Im Moment sein – dann geschieht alles von selbst“

Seit 20 Jahren unterwegs in die Fremde

Wenn Klang eine Rolle spielt

Diversität divers begegnen

Editorial

Die Welt, (k)ein Spiel

Lehrmaterial Text

Von Puppen, Platzproblemen und Provisorien

„Wir müssen die Rezitative auf ihre szenische Aussage hin genau betrachten“

Mehr Resonanz!

Kontakt im Raum V

Kaserne Basel: Wirklichkeit erscheint

Textflächen entziffern, Textflächen sprechen

Das Boot, Beckenbauer und der Dialekt

Freeing the Natural Standard

Mehr Licht für die Nische

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Material im Figurentheater

Arbeitsbuch

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Klimawandel

Corona

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

double

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Musiktheater

Queeres Theater

Europa

Theater der Zeit

Politische Konfliktzonen

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Tanz

Performance

Kunstinsert

Debatte

Asien

Tschechien

Brandenburg

Edition Bayerische Theaterakademie August Everding

Keine Spielstätte

Wissenschaft

Lektionen

Hessen

Berlin

Post-Ost(deutsch)

Dramaturgie

Afrika

Russland

III. Arbeitsfelder

International

Praxiswissen

Digitales Theater

Kinder- & Jugendtheater

Recherchen

Akteur:innen

Dramatik

Baden-Württemberg

Puppen-, Figuren- & Objekttheater

Regie

Theaterkritiken

Schleswig-Holstein

Festivals

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Sprechen 

Digitale Reihe

Bertolt Brecht

Freie Szene

Sprechtheater

Kritiken

Stücke

Tarife & Theater

Bühne & Film

Kostüm und Bühne

Horror, das Unheimliche auf der Bühne

Scène

Kulturkürzungen

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Dr.
Gründer des Instituts Theaterpädagogische Arbeits - gemeinschaft e.V. in Ostfriesland. Langjährige Erfahrungen in (Sozial-) Pädagogik und Psychiatrie. Interkulturelle Theaterarbeiten u. a. in Bosnien, Peru, Kolumbien, Südafrika, Brasilien, mit Kriegskindern, Straßenkindern.

Theater der Zeit 11/2026

Theater überall! – Cover

Theater der Zeit 9/2026

double 54 – Dinge unterwegs

Wie wollen wir sprechen? Wie sollen wir sprechen? Der Band thematisiert eine zentrale Komponente darstellender Künste: das Sprechen auf der Bühne und in den Medien. Er verknüpft aktuelle Praktiken und Diskurse mit Fragen des institutionellen Wandels und mit einer Reflexion über gegenwärtige Ausbildungsverhältnisse. Beiträge aus Wissenschaft und Ausbildungspraxis beleuchten die Bedeutung des Sprechens im Sprech- und Musiktheater, in die Geschichte und Institutionalisierung der Sprechausbildung sowie ihren derzeitigen Herausforderungen. Welchen Wert räumen wir der Standardaussprache und einem von ihr abweichenden Sprechen ein? Inwiefern bestimmen leibliche und materielle Aspekte des Sprechens den Unterricht? Welche spezifischen Ästhetiken werden fokussiert? Und welche Rolle spielen stimmgesundheitliche Aspekte?Mit Beiträgen von Helmut Becker, Wolf-Dieter Ernst, Uwe Hollmach, Salome Kammer, Doris Kolesch, Christiane Plank, Tim Schüler u. v. m.

Sprechen in Theater, Ausbildung und Praxis

Sprechen Gestalten

Die Mobilität von Tanz- und Theaterproduktionen wächst: Festivals und Häuser zeigen vermehrt Gastspiele und entwickeln transnationale Koproduktionen. Zugleich wird diese Praxis kritisch hinterfragt. Seit der Covid-19-Pandemie haben hybride Formate zugenommen, Aufführungen verlagerten sich auf den Bildschirm, und neue Strategien entstanden, die ohne Live-Publikum vor Ort funktionieren. Auch im Hinblick auf Klimagerechtigkeit stellt sich die Frage nach verantwortungsvollen Zirkulationsformen. Behinderte Theater- und Tanzschaffende haben schon längst Erfahrungen mit erschwerter Mobilität gemacht und daraus eigene Ästhetiken und Arbeitsweisen entwickelt. Ihre Erfahrungen wurden in den bisherigen Debatten jedoch kaum mitgedacht. Der Sammelband erweitert die Diskussion um Im/Mobilität in den Darstellenden Künsten um eine Disability-Perspektive und versammelt künstlerische Beiträge, Essays und wissenschaftliche Analysen. Auditive Formate, Videos und Zusammenfassungen in Leichter Sprache eröffnen barrierearme Zugänge für ein breiteres Publikum.Der Band erscheint zugleich als MIMOS – Schweizer Jahrbuch Darstellende Künste Nr. 87–2026, herausgegeben von der Schweizerischen Gesellschaft für Theaterkultur (SGTK) mit Unterstützung der Schweizerischen Akademie der Geistes- und Sozialwissenschaften (SAGW). Ein Teil der Auflage enthält eine französischsprachige Broschüre mit Abstracts der Beiträge.

Zugänglichkeit und Verantwortung in den performativen Künsten

Im/Mobile Möglichkeiten

Was bleibt, wenn mit der Heimat auch das eigene Theater verloren geht? Die Novemberausgabe widmet sich russischen Theaterkünstler:innen im Exil – ihren Verlusten, neuen Arbeitszusammenhängen und dem Verhältnis zu einem Land, das Krieg gegen die Ukraine führt. Kirill Serebrennikow spricht über sein Berliner Festival Kirill &amp; Friends, Marina Davydova über erzwungene Emigration und die Erfahrung, zum zweiten Mal alles zu verlieren. Olga Fedyanina und Vera Martynov erkunden die Bedingungen künstlerischer Arbeit fern der Heimat. Dazu: Viktor Jerofejews bislang unaufgeführtes Stück „Puschkins Kinder“ und ein Gespräch mit dem Autor.
Außerdem im Heft: Bernadette Sonnenbichlers Aufbruch in Heidelberg, Çağla Ilks Start am Berliner Maxim Gorki Theater mit Sarkis und Miriam Tscholl über 80 Jahre Theater der Jungen Welt in Leipzig. Wir untersuchen faschistische Verführungen in Frank Castorfs „Mephisto“ und würdigen das Meininger Schauspielensemble mit dem Martin-Linzer-Theaterpreis 2026. Außerdem, wie immer: Kolumnen, und Kritiken.

Russische Theaterkünstler im Exil

Musiktheater zwischen Krise, Kanonkritik und Zukunftsentwürfen: Das Oktoberheft von Theater der Zeit fragt nach den ästhetischen und politischen Möglichkeiten einer Kunstform, die sich zunehmend für gesellschaftliche Gegenwart öffnet. Hannah Schmidt untersucht neue Tendenzen im zeitgenössischen Musiktheater – von Pandemieerfahrungen und Machtmissbrauch bis zu den großen Erfolgen aktueller Opernproduktionen. Stefan Keim sucht nach Hoffnungserzählungen und Utopien in neuen Opernstoffen. Im Gespräch mit Andrea Moses geht es darum, problematische Aspekte des klassischen Repertoires nicht zu glätten, sondern produktiv und unterhaltsam auf die Bühne zu bringen. Ein Porträt stellt die Regisseurin Ilaria Lanzino vor, Friedrich Dieckmann schreibt über Achim Freyers szenische „Winterreise“. Außerdem: Marina Abramović über ihre Arbeit, Elfriede Jelinek zum 80. Geburtstag, neue tschechische Dramatik, das Zürcher Theater Spektakel und die Ruhrtriennale.

Krise, Kanonkritik und Zukunft

Neues Musiktheater

Was muss mit, wenn Figurentheater auf Reisen geht? Und wie prägt der Platz im Kofferraum die Kunst auf der Bühne? Die neue Ausgabe von &lt;em&gt;double&lt;/em&gt; widmet sich unter dem Titel „Dinge unterwegs“ der (Im-)Mobilität im Figurentheater. Im Mittelpunkt stehen nicht die reisenden Künstler*innen, sondern ihre Puppen, Bühnenbilder und Requisiten – und die oft unsichtbare Arbeit, die sie in Bewegung hält.Regisseur Tin Grabnar spricht über das europäische Projekt „Transport“, das globale Warenströme in Miniaturtableaus auf die Bühne bringt. Wilde &amp; Vogel berichten von Touralltag und Zollbürokratie, das Kollektiv Panne Fatale testet Transportmittel zwischen Fahrradanhänger und Mülltonne. Weitere Beiträge fragen nach Klimabilanzen und den Wegen der Dinge ins Museum. Außerdem im Heft: 20 Jahre Freaks und Fremde, Festivalberichte von Bochum bis Berlin, Einblicke in die Figurentheaterszene von Buenos Aires und das neue Magdeburger Zentrum quartier p.

(Im-)Mobilität im Figurentheater

Das Juni-Heft von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Horror, das Unheimliche auf der Bühne“ und verbindet ästhetische, kulturpolitische und traumagesellschaftliche Perspektiven. Essays von Joseph Pearson und Hannah von Sass, Stefan Keim und Horrorspezialist Jörg Buttgereit untersuchen das Unheimliche in Schauspiel und Musiktheater – das auch bei den Bayerischen Theatertagen in Form von Stephen Kings „The Shining“ als Oper in Regensburg wieder auftaucht.
Das Magazin verhandelt zudem aktuelle Konflikte um Theaterbauten und Kulturpolitik – exemplarisch am Chemnitzer Schauspielhaus.
Das Stück im Juniheft: Kevin Rittbergers „Wunde Stadt“ verhandelt das Attentat von Magdeburg, flankiert von einem Stückgespräch.
Kolumnen von Mateja Meded („Habitus-Passing“) und Lina Wölfel („Wir gehen nicht rein“) reflektieren Klassenverhältnisse, Diversität und Auswahlmacht im Theaterbetrieb, während Berichte von Festivals und Ausstellungen (u. a. Heidelberger Stückemarkt, Bayerische Theatertage, Bühnenbildklasse Düsseldorf, Brecht-Journal) den Blick auf internationale Szenen und Theatergeschichte erweitern.
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BUCHPREMIERE: 15.10.26, Einar &amp; Bert, Winsstr. 72, 10405 Berlin, 19 Uhr, Eintritt frei.
Wie demokratisch sind unsere Theater? Kulturelle Teilhabe ist die zentrale Herausforderung für Theater und Kulturpolitik – zwischen Sparzwang, Publikumsrückgang und gesellschaftlicher Verantwortung. „Demokratisches Theater“ untersucht erstmals im internationalen Vergleich, wie öffentlich geförderte Theater und Kulturpolitik in Deutschland, England und Frankreich den Auftrag kultureller Teilhabe verstehen und welche Strategien sie dafür entwickeln.
Auf Grundlage von Demokratietheorien, Kulturmanagement- und Kulturvermittlungsdiskursen zeigt die empirische Studie von Maria Nesemann deutliche Unterschiede in der theater- und kulturpolitischen Praxis – und im Verständnis davon, worin der gesellschaftliche Auftrag von Theater besteht. Die Publikation macht sichtbar, dass Teilhabe ein komplexer, nicht widerspruchsfreier Begriff ist.
Das Buch liefert praxisrelevante Impulse für Theaterschaffende, Kulturpolitik und Forschung und zeigt Wege auf, wie Teilhabe zwischen künstlerischer Autonomie und gesellschaftlicher Öffnung gestaltet werden kann.

Teilhabe am öffentlich geförderten Theater in Deutschland, England und Frankreich

Demokratisches Theater

Mit ihrer 25. Ausgabe feiert die Anthologie „SCÈNE. Neue französischsprachige Theaterstücke“ ein Jubiläum. Erstmals verantworten Marina Skalova und Frank Weigand als neues Herausgeber*innenteam die Textauswahl – im Zeichen aktueller gesellschaftlicher Debatten. Acht Stücke aus Frankreich, Belgien, der Schweiz und Québec erzählen von Marginalisierung, institutioneller Gewalt und prekären Lebensrealitäten. Sie verhandeln Rassismus, Polizeigewalt, Chemsex, Pestizidskandale, Arbeitsunsicherheit und den Militärputsch in Ägypten 2013. Formal loten die Texte die Grenzen zwischen zeitgenössischer Dramatik und experimenteller Sprachkunstaus – von großen Ensemblestücken bis zu intimen Monologen. SCÈNE 25 demonstriert einmal mehr die Vielgestaltigkeit frankophoner Gegenwartsdramatik und ihre Relevanz für deutschsprachige Bühnen.

Neue französischsprachige Theaterstücke

„Setting the Stage, Vol. 3 – Contemporary Spaces“ versammelt Positionen zu Bühnenbild und Szenografie aus dem Kunstinsert der Zeitschrift Theater der Zeit und richtet den Blick – im Vorfeld der Prager Quadriennale 2027 – auf die produktive Kraft von Bühne, Raum und Körper für das zeitgenössische Theater. In vier thematischen Kapiteln – Körper/Raum, Politische Topografien, Mediale und digitale Räume sowie Architektur/Natur – zeigen international arbeitende Künstler:innen, wie der Bühnenraum zum aktivierenden Gestaltungsmittel wird. Ihre Arbeiten machen sichtbar, wie aus Abwesenheit Präsenz entsteht, wie Stille Bedeutung trägt und wie Räume politische und ästhetische Aussagen provozieren.Mit Beiträgen u. a. von James Turrell, Anne Imhof, Lars Ramberg, Markus Selg und Henrike Naumann. Gespräche, Porträts, Werkdokumentationen und umfangreiches Bildmaterial eröffnen unmittelbare Einblicke in künstlerische Haltungen und Arbeitsweisen. Der Band setzt die editorische Linie fort, die Theater der Zeit mit den Vorgängerbänden „Das Bild der Bühne“ (1998) und „Setting the Stage, Vol. 2“ (2015) etabliert hat.

Contemporary Spaces

Setting the Stage, Vol. 3

Mensch-Technik-Verhältnis auf der Bühne
Inszenierungspraktiken und Kooperationsmodi
Ausgehend von der Frage nach einem post-anthropozentrischen Verständnis von Theater entfaltet Marcel J. V. Kieslich in seiner Studie eine theoretisch wie praktisch fundierte Untersuchung der szenischen Robotik. Im Zentrum steht die Analyse mehr-als-menschlicher Relationen und ihrer ästhetischen wie ontologischen Implikationen für die performativen Künste. Kieslich entwickelt auf dieser Basis neue Inszenierungspraktiken, die den Roboter nicht allein als technisches Artefakt, sondern als relationales Gegenüber begreifen. Dieses Spannungsfeld zwischen algorithmischer Steuerung und emergenter Autonomie fasst er unter dem Begriff der „Informierten Unbestimmtheit“. Im Zusammenspiel von Kunst- und Wissenschaftsforschung skizziert das Buch Kooperationsmodi, die das Verhältnis von Mensch und Technik in der Theaterpraxis neu bestimmen und einen Beitrag zur aktuellen Debatte um posthumanistische Ansätze in der Theaterforschung leisten.
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Zur Robotik im Theater

Informierte Unbestimmtheit

Die Rettung der Welt gelingt im öffentlichen Raum. Gut, der Anspruch ist ein bisschen vermessen. Aber für alle, die draußen spielen, ist der Himmel das Dach und der Horizont weit gespannt.Zum 20. Jubiläum des Bundesverbands Theater im Öffentlichen Raum zieht dieses Buch Bilanz über Geschichte, Ästhetik und Praxis einer besonderen Theatersparte. Es erzählt von ihrer Entwicklung in beiden deutschen Staaten und der vereinigten Bundesrepublik, von Kreisshows und ortsspezifischen Inszenierungen und von der Nähe zum zeitgenössischen Zirkus.Vor allem aber zeigt sich: Theater im öffentlichen Raum erreicht sein Publikum unmittelbar, weil es Menschen dort begegnet, wo sie sich im Alltag aufhalten.Die Corona-Pandemie wurde zur Herausforderung und zum Experimentierfeld zugleich. Der Band fragt nach digitalen Möglichkeiten, nach der wachsenden Bedeutung von Festivals und nach dem öffentlichen Raum als Ort gemeinsamer Erfahrung. Künstlerisch gestaltete Begegnungen setzen Vereinsamung und Radikalisierung etwas entgegen, doch dafür braucht es Öffentlichkeit – und öffentliche Mittel.So wird die Bilanz zugleich zur Kampfschrift: für die Rettung der Kunstform und des öffentlichen Raums als Ort künstlerischer Freiheit.

Theater überall!

Exklusive Einblicke in bisher unveröffentlichtes Bildmaterial eines preisgekrönten Kinder- und Jugendtheaters
Praxisnahe Inspiration für Pädagog:innen und Kulturschaffende
Seit 40 Jahren sprudelt in Nürnberg „die Pfütze“ – unerschöpflich, lebendig, widerspenstig. Was als kleine, private Initiative begann, ist heute ein einzigartiges Haus für junges Publikum: ein Ort, an dem Musik, Sprache und Bewegung zu einer eigenen, poetischen Ästhetik verschmelzen. Dieses Buch erzählt von Menschen, Ideen und Zufällen, die das theater pfütze geprägt haben – von Aufbrüchen, einem Theaterneubau und der unerschütterlichen Überzeugung, dass Kunst kein Alter kennt und Bewusstsein für gesellschaftliche Verantwortung braucht. Es ist eine Hommage an die Neugier, den Humor, das Staunen und an viele Künstler:innen, die dieses Haus mitgestaltet haben sowie an sein treues Publikum. Doch der Blick geht weiter: in die Zukunft eines Theaters, das nie stehen bleibt, das sich neu erfindet und fragt, was und wie wir morgen erzählen wollen. „Pfütze“ – das ist kein Name, sondern eine Haltung: spielerisch, tief, frei.
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40 Jahre theater pfütze

Mutige Sprünge und große Wellen

Einzigartige Datentiefe: Interviews und empirische Belege veränderter Programmgestaltung nach der Pandemie
Praxisrelevante Insights
Wie behauptet sich öffentlich finanziertes Theater, wenn Bühnen schließen müssen? Angelika Endres zeigt in ihrer interdisziplinären Studie, dass die Lockdowns die Häuser in Deutschland, England und der Schweiz nicht lähmten, sondern einen bemerkenswerten Wandel in der Programmgestaltung auslösten. Streaming-Premieren, XR-Inszenierungen, partizipative Stadtteilprojekte, Diskursformate und sogar medizinische Angebote erweiterten das Repertoire. Auf Basis von 25 Formattypen, Angebotsanalysen und 33 Expert*innen-Interviews belegt Endres, dass Theater auf den gestiegenen Legitimationsdruck mit neuen Rollen reagieren: als Gemeinschaftsraum, „Dritter Ort“, Placemaker und Labor angewandter Praxis. Der Begriff „Reformatting Turn“ markiert diesen Paradigmenwechsel, der klassische Spartengrenzen auflöst und Kopräsenz um digitale Ko-Zeitlichkeit ergänzt. Das Buch liefert praxisnahe Argumente für Kulturpolitik, Dramaturgie und Wissenschaft – und beantwortet die Frage, was Theater künftig alles sein kann.

Neuformatierung, Transformation, Legitimation

Theater in der Pandemie

Deutschlands Theater stehen vor einer gewaltigen Bauaufgabe: Sanierung, Neubau, Interim – und die Frage, wie Theaterhäuser künftig als offene Orte der Stadtgesellschaft funktionieren können. Der Schwerpunkt dieser Ausgabe bilanziert Projekte von Hamburg bis Chemnitz, von Köln und Düsseldorf über Mannheim, Stuttgart und Karlsruhe bis Weimar und Wuppertal. Es geht um explodierende Kosten, Denkmalschutz, Nachhaltigkeit, politische Entscheidungen und die Folgen langer Ausweichspielzeiten für Ensembles und Publikum.Außerdem: Dorotty Szalma über Kulturpolitik, Demokratie und die AfD in Sachsen-Anhalt; ein erstmals gedrucktes Drehbuch von Thomas Brasch, „Alles Glück der Welt“; ein Porträt des Regisseurs und Videokünstlers Bert Zander sowie ein Nachruf auf den prägenden Dramaturgen Dieter Sturm. Reportagen vom Festival d’Avignon, von Theater der Welt in Chemnitz, dem Münchner Schultheaterfestival und dem Figurentheater-Festival Blickwechsel in Magdeburg ergänzen das Heft.

Sanierung, Neubau, Interim und andere Kostenfragen

Theaterbauten

Zahlreiche Institutionen des Kinder- und Jugendtheaters feiern Jubiläum: Im November 1946 wurde mit dem Theater der Jungen Welt in Leipzig die erste Spielstätte für junges Publikum in Deutschland eröffnet. 1966 entstand der Interessenverband ASSITEJ Deutschland – ebenso wie das Berliner „THEATER FÜR KINDER im Reichskabarett", aus dem sich das GRIPS Theater entwickelte.
Das sommerheft greift diese Jubiläen auf und fragt angesichts aktueller Kürzungsszenarien, welche gesellschaftspolitischen und künstlerischen Entwicklungen vergangene Gründungen ermöglicht haben. Zugleich blickt das Magazin nach vorn: Theaterschaffende teilen ihre Visionen für Junges Theater, plädieren für kulturelle Grundversorgung junger Menschen als Basis einer demokratischen Gesellschaft und legen Potenziale des „Nicht-Wissens“ frei. Die Bildstrecke dokumentiert Ideen Jugendlicher im Planungsteam des neuen Theaterhauses für junges Publikum in Frankfurt am Main. Der internationale Beitrag rückt den globalen Einsatz der ASSITEJ für Kinder im Zeichen künstlerischer Vielfalt ins Zentrum.
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Norbert Knitsch

Theaterpädagogik in der Psychiatrie

Neuerscheinungen im Verlag