Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Florence von Gerkan, Sie sind seit „Hashirigaki“ aus dem Jahr 2000 bei allen großen Musiktheaterproduktionen von Heiner Goebbels für das Kostümbild verantwortlich, zuletzt für seine Inszenierung von „Delusion of the Fury“ von Harry Partch auf der Ruhrtriennale. Heiner Goebbels ist sehr entschieden in seinem Einsatz der künstlerischen Mittel auf der Bühne, das heißt Musik, Licht, Bühnenbild, Kostüme etc., die in ihrem je eigenen Wirken zusammenkommen müssen. Was bedeutet das für die Zusammenarbeit mit ihm? Ich würde nicht sagen, dass Heiner Goebbels das getrennt voneinander betrachtet, sondern dass er jeden künstlerischen Beitrag – sei es Licht, Bühne, Kostüme, Requisite – wertschätzt. Was ich lieben gelernt und für mich selbst auch als Arbeitsform gefunden habe: Aus einer gemeinsamen konzeptionellen Vorarbeit, in der man Gedanken austauscht, Bilder betrachtet, Musik hört, Texte liest und im Modell ausprobiert und spielt, geht man mit den einzelnen künstlerischen Mitarbeitern in einen kollektiven Arbeitsprozess, der deshalb so fruchtbar wird, weil er so reich ist an dem, was jeder mitbringt. Und er kann ja nur dann so reich sein, wenn man emanzipiert wird und diesen Raum bekommt, um dazu beizutragen. Bei der Aufführung von „Delusion“ in Bochum bewegen sich die mehr als zwanzig beteiligten Musiker in einer Selbstverständlichkeit über...

Die Kostümbildnerin Florence von Gerkan über Kostüme, die so vielschichtig und flüchtig sind wie die Menschen, die sie tragen, im Gespräch mit Nicole Gronemeyer

Menschenbilder

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Freddy Krueger und Chucky, die Mörderpuppe

Birgit Minichmayer Martin Wuttke Franz Beil ChrisTine Groß Trystan Püttner Esther / Odile / Arthur / Franz / Lucien 1. CLIP – Madison 1 Musik: Einlassmusik: „First of the Gang to Die“. Musik: Madison. Alle auf von rechts. Madison-Dance. Tr, T &amp; F nach und nach ab. M &amp; B tanzen alleine. Musik aus: Zeichen B. B &amp; M gehen nach vorne, M im Folgenden je nach Text Gebiss raus und rein. B: Weißt du, ich sah einmal eine berühmte Schauspielerin, in deren Vorstellung ich gehen wollte, Fiona Shaw, kurz vor ihrem Auftritt, vor dem Bühneneingang des Theaters, aus ihrem Taxi steigen. Sie war zu spät, aber überhaupt nicht in Eile. Sie stieg aus, mit mindestens zehn Einkaufstüten, auf denen Chanel und Vuitton stand, sehr elegant, äußerst mondän. Ich selbst war der Meinung, dass für die Zigarette, die ich rauchte, schon kaum mehr Zeit war. Ich rauchte äußerst hektisch und so, aber wusste eben auch, was ich der Straße schuldig war. So wie sie eben. Ich wusste nicht, ob es sich überhaupt noch lohnte, ins Theater zu gehen. Würde ich sie da genauso erleben können, in totaler Geberlaune? Dazu ist man ja nicht immer in der Lage. Oder wann...

Nach Balzac

Glanz und Elend der Kurtisanen

Von Schulterschlüssen und Zirkusküssen

Nach wie vor eins der kreativsten Foren aktueller Tonkunst ist Wien Modern – Das Festival für Musik der Gegenwart. Das Spektrum ist riesig, reicht vom Low Frequency Orchestra, das nachts um halb elf im Jazzclub Porgy &amp; Bess auftritt, bis hin zum ehrwürdigen ORF Radio-Symphonieorchester, das im Konzerthaus zur „Tanzmusik für Fortgeschrittene“ aufspielt. Richtig gelesen: Die als hirnlastig verrufene Gegenwartsmusik will hier „zu spontaner Bewegung animieren“, wie es heißt – in Form von zehn Uraufführungen bekennender Neutöner mit Titeln wie „Ein Walzer“, „Bossa Nova Arabica“ oder „Pussy-(r)- Polka“. Wien Modern bietet gar Festival-Klingeltöne fürs Mobiltelefon an – etwa „Kempelen’s Ring“, eine digital angereicherte Cyborg-Minuten- Oper von Pia Palme aus menschenähnlich blökenden Stimmen, erzeugt auf einer historischen Sprechmaschine, die ein gewisser Wolfgang von Kempelen um 1791 entworfen hat. Vielfältig vernetzt ist Wien Modern auch mit der Theaterszene. So hat Albert Ostermaier das Libretto zu einer Oper von Peter Eötvös geschrieben: „Paradise reloaded (Lilith)“. Und Nurkan Erpulat („Verrücktes Blut“) trägt einen Text zum Kurzopernabend „Gates/Gäste“ bei. Titel: „Gate as my asshole“. Einen exquisiten Ruf haben sich die Internationalen Weingartener Tage für Neue Musik erworben, die jedes Jahr einen Komponisten einladen, dessen Werke dann ein Wochenende lang aufgeführt und debattiert werden. Stolz erinnern...

Pussy-(r)-Polka und Klingeltöne

Musik

Ein Buch zum Film. So angekündigt möchte man es eigentlich lieber nicht lesen. Der Titel macht es nicht besser: „Verschwende deine Zeit“. Ja ja, denkt man, welch müde Aufforderung. Das sagt man eben so, aber spätestens mit dem Eintritt in die Arbeitswelt … Der Protagonist aus Julian Pörksens Kurzfilm „Sometimes we sit and think and sometimes we just sit“, den er im Rahmen seines Dramaturgiestudiums in Leipzig gedreht hat, greift zu einer radikalen Methode: Er, um die 50, verlässt freiwillig seine eigentlich intakte Familie und zieht in ein Altersheim, um dort fortan den Rest seines Lebens zu verleben. Untätig. Nichtsnützig. Dass die Marktwirtschaft uns alle zur Durchökonomisierung sämtlicher Lebensbereiche zwingt und wir in unserer Meisterschaft der Selbstoptimierung und des Zeitmanagements um die Wette eifern, ist nichts Neues. Der Autor, ehemals Assistent von Christoph Schlingensief, kreidet in der theoretischen Unterfütterung des Films an, dass selbst in Diskursen zu Entschleunigung oder zur Müdigkeitsgesellschaft das Nützlichkeitsparadigma nicht angetastet wird. Alles ist dem Dogma der Produktivität untergeordnet: Wenn ich mich in der privaten Sphäre für Ereignisarmut entscheide, dann nur zum Zwecke der Regeneration. Julian Pörksen plädiert nun also für die Verschwendung von Zeit – ohne schlechtes Gewissen und ohne ein zwanghaftes „um zu“. Damit...

Julian Pörksen: Verschwende deine Zeit. Ein Plädoyer. Alexander Verlag, Berlin 2013, 110 S., 9,90 EUR.

Die dunkle Seite der Ökonomie?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Als im Oktober der 300. Geburtstag Denis Diderots zu feiern war, konnte man viel über den genialen Projektemacher und Enzyklopädisten des 18. Jahrhunderts lesen, über den Romancier, der schon in der Geburtsstunde des bürgerlichen Romans avantgardistische Gegenentwürfe vorlegte, oder auch über den glänzenden Essayisten, der sich als sprunghafter Denker der Oberflächen um einiges zeitgemäßer ausnimmt als der tiefschürfende, selbstquälerische Jaques Rousseau. Seltsam unterbelichtet blieb allerdings, dass Diderot auch dem Theater ein Erbe hinterlassen hat, das freilich weit zwiespältiger ist – schließlich führte der französische Aufklärer Begriff und Konzept der „Vierten Wand“ ein. Tatsächlich zeugt es von der ganzen Widersprüchlichkeit des 18. Jahrhunderts, dass derselbe Schriftsteller, der einen so hinreißend in alle Richtungen fliehenden Roman wie „Jacques le fataliste“ schrieb, gleichzeitig etwas so Langweiliges wie diese unsichtbare Bühnenwand entwerfen konnte. Oder sich trotz seines Sinns für Sprünge und Dissonanzen allen Ernstes in Theateraufführungen die Ohren zuhielt, um zu prüfen, ob man den Sinn des Gesprochenen auch allein an den Gesten der Spieler ablesen könne – womit er zum Kronzeugen eines Bebilderungszwangs wurde, der vor allem das Fernsehen so oft unter seinen Möglichkeiten bleiben lässt. Allerdings: Die Aufklärer waren eben nicht so unaufgeklärt, wie spätere Kritiker es haben wollten, und in ihren...

Diderots Dialektik oder 300 Jahre Vierte Wand

kirschs kontexte

In seiner Autobiografie „Angst vor dem Glück“ schrieb Walter Schmidinger, er sei ein glückliches Kind gewesen. Verträumt und ängstlich. Beides ist er geblieben. Nur das Glück war plötzlich weg, kam ihm später wie etwas Unheimliches vor. Die Familie Schmidinger: arm, der Vater kam als Schwerinvalide aus dem Ersten Weltkrieg. Kindheit ist Kriegszeit in Linz, dort wurde er 1933 geboren. Ein fanatisches Nazi-Nest, Krebszelle der „Bewegung“. Nachmittags saßen er und ein Freund oft im Rosenstübl, einem Tanzlokal mit glänzender Tanzfläche in der Mitte, und erledigten dort ihre Schularbeiten. Dieser Ort faszinierte ihn. „Später erfuhr ich, dass Adolf Eichmann oft in dieser Bar getanzt hat.“ Es gibt keine Inseln der Unschuld im Meer der Geschichte, wo die Trümmer zerborstener Ideologien treiben. Obwohl man in Linz noch lange nach dem Krieg nicht glaubt, dass sie wirklich zerborsten seien. Die ältere Schwester heiratet einen SS-Mann. Als der an der Front ist, beginnt sie eine Affäre mit einem italienischen Gastarbeiter. Nazi-Linz ist empört. Die Mutter wird zur Gestapo vorgeladen, und als sie wiederkommt, spricht sie kein Wort mehr. Kurz darauf ist sie verschwunden – für immer. Der Ehemann der Schwester verlangt nicht nur die Scheidung, sondern auch, dass die Frau (und Mutter zweier Kinder) ins...

Zum Tod des Schauspielers Walter Schmidinger

„Monotone Musik der Seele“

Der Materialergründer

Gläserklirren, Hühnergegacker, Wiehern, Gewittergrollen, ein knarrender Sessel. Die Regisseurin Mélanie Huber erzählt mit Tönen, bebildert mit Geräuschen, musiziert mit Wörtern. Etwa in der intimen Aufführung „Kleist in Thun – Porträt des Künstlers als verzweifelter Kleist“ am Theater Stadelhofen Zürich, in der sie Robert Walsers starken Sprachbildern mit schlichter, auf eine Holzpuppe fokussierter szenischer Aktion begegnet und sowohl die Schweizer Berglandschaft wie auch die bedrückend klaustrophobische Innenwelt des einsamen Autors durch die Akustik eröffnet. Prominenter Bestandteil des Bühnenbilds ihrer Inszenierung von Ingeborg Bachmanns Radioskript „Die Radiofamilie“ am Schauspielhaus Zürich war ein die ganze Bühne durchziehendes Frequenzband. Leichtfüßig die Frequenzen wechselnd, führte Huber in der von Stephan Teuwissen neu montierten Fassung humorvoll durch die populäre Familiensoap aus den fünfziger Jahren. Wenn man auf dem Frequenzband von Hubers Arbeiten hin und her springt, trifft man auf sehr unterschiedliche Klänge: den frechen Remix von „Radiofamilie“, die zarte Melancholie des Walser-Abends, die strenge Reduktion ihrer Arbeit zu Paul Claudels „Der seidene Schuh“ am Schauspielhaus Wien, die rhythmische Umsetzung von Händl Klaus’ „Dunkel lockende Welt“, das sie am Schauspielhaus Zürich mutig mit zwei Männern statt mit zwei Frauen und einem Mann besetzte. Was die Inszenierungen verbindet, ist ihre außergewöhnliche, begeisternde Musikalität. Bei Mélanie Huber wird alles...

Die Schweizer Regisseurin Mélanie Huber inszeniert mit Tönen und Geräuschen – selbst Sprache wird bei ihr Klang

Die Wortmusikerin

Glück, Glück, Glück, Glück, Glück. Man kann sich gar nicht retten davor, wenn Hotels „El Dorado“ heißen und selbst ein schäbiges Chinarestaurant als „Lucky Happiness Golden Express“ das Megasuperglück verheißt. „Life can be so sweet“, haben Louis Armstrong und Frank Sinatra gesungen, „on the sunny side of the street.“ Das klingt froh und ist doch eher die Anleitung zum Unglücklichsein: Die Sonnenseite, das ist immer die andere. Wo man nicht ist, aber unbedingt hinwill. Andrew hat den Songklassiker zur Hymne seiner Familie gemacht; er hat ihn seiner Frau in der Hochzeitsnacht vorgesungen und sie später den beiden Töchtern. Mit Erfolg, muss man sagen: Seine Frau Vivian hat ihn vor langen Jahren verlassen, weil sie meinte, nicht genug lieben zu können. Die Töchter sind neurotisch. Und er selbst jagt noch im Sterbebett dem verlorenen Glück hinterher. Mit „Lucky Happiness Golden Express“, das, inszeniert von Intendant Thomas Bockelmann, jetzt zum Spielzeitauftakt am Kasseler Staatstheater uraufgeführt wurde, hat der junge US-amerikanische Dramatiker Noah Haidle ein klug komponiertes Stück über Glück und Unglück vorgelegt – und über die Macht, die eine verklärte Vergangenheit über das Leben gewinnen kann. Haidle, geboren 1978, stammt aus Michigan, wo die siechende Autoindustrie Stadt um Stadt sterben lässt, wo...

Staatstheater Kassel: „Lucky Happiness Golden Express“ (UA) von Noah Haidle. Regie Thomas Bockelmann, Bühne Etienne Pluss, Kostüme Ulrike Obermüller

Kassel: Jagd nach dem verlorenen Glück

To try, to fail, to try again

Kompositionsprinzip Collage

Als die Berlusconi-Regierung im Juni 2011 überraschend den italienischen Theaterverband ETI abschaffte, sollte das ungeahnte Folgen haben, die bis heute andauern. Zwar weinte dem ETI niemand eine Träne nach, doch stand bis dato eines der schönsten Theater Italiens unter der Leitung des Verbandes: das Teatro Valle im Zentrum Roms. Ein Juwel aus dem 18. Jahrhundert mit großer Tradition; 1921 wurde hier Pirandellos „Sechs Personen suchen einen Autor“ uraufgeführt. Nachdem der ETI, der in diesem Haus mehr schlecht als recht einen regulären Spielbetrieb eingerichtet hatte und Workshops abhielt, aufgelöst worden war, stand das Theater vor einem ungewissen Schicksal. Niemandem war klar, was man mit dem Gebäude anstellen sollte. Der damalige Bürgermeister von Rom, Gianni Alemanno, liebäugelte sogar mit der Idee, dort ein Restaurant zu eröffnen. Doch dann besann man sich eines Besseren: In einer aufsehenerregenden Aktion wurde das Teatro Valle von Schauspielerinnen und Schauspielern, Technikern, Autoren und Kulturschaffenden besetzt. Die provokative Geste riss die eingeschlafene Welt des italienischen Theaters mit einem Schlag aus seiner schon lange Jahre andauernden Benommenheit und verstörte das bis dahin an Kontroversen arme italienische und römische Kulturleben nachhaltig. Ungläubig fragte sich die ansonsten paralysierte kulturelle Öffentlichkeit: Wer sind denn die? Was erlauben die sich? Fragen, die noch...

Wie Italiens Theaterbesetzer sparwütige Politiker mit einer Kultur von unten konfrontieren – und damit die Demokratie neu erfinden

Wir sind das Theater!

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Wie eine Halfpipe fällt die Spielfläche von der Bühne des Theaters der Jungen Welt in den Zuschauerraum ab. Allerdings läuft diese Rampe an der gegenüberliegenden Seite, an der sich Skateboarder und Biker normalerweise wieder in die Höhe schwingen, flach aus. Drumherum sitzt das Publikum. Daran bemerkenswert ist, dass diese geschwungene Laufbahn mehr ist als bloß Bühnenbild. Sie ist die große Energiekomponente, welche der Inszenierung „2 Uhr 14“ anhaltenden Zug verleiht. Das ist wichtig, denn das Stück des Frankokanadiers David Paquet besteht aus über 30 Szenen. Ein wellmade play mit schnellen, blitzlichtartigen Sequenzen, nie um eine Pointe verlegen. Die vielen Informationshäppchen, aus denen sich das Drama um fünf Schülerinnen und Schüler sowie einen Lehrer aufbaut, stellen das Schauspielensemble allerdings auch vor die Herausforderung, die permanenten Auf- und Abtritte nicht als zähe Störfaktoren erscheinen zu lassen. Über die Skateboard-Rampe indes, an deren oberem Ende die Darstellerinnen und Darsteller schweigend pausieren, bleiben sie ununterbrochen im Bild – um sich dann in Sekundenschnelle wieder in das Spielgeschehen hineinzustürzen. Das Motiv von „2 Uhr 14“ ist mit Kanada eng verknüpft. Die tragische Geschichte von Schulmassakern hatte hier, an der École Polytechnique in Montreal, im Dezember 1989 ein neues erschreckendes Ausmaß angenommen, als 14 Schülerinnen von...

Theater der Jungen Welt : „2 Uhr 14“ (DSE) von David Paquet. Regie Ronny Jakubaschk, Ausstattung Vera Koch

Leipzig: Schockierende Leerstelle

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

Es war einmal eine Königin, Phantasie, die ihre Tochter, das Märchen, in das Gewand eines Almanachs stecken musste, damit es Erdenwächter passieren und in die Wohnzimmer der Söhne und Töchter gebildeter Stände Einzug finden konnte. Heute ließe sich die Hauff’sche Rahmenhandlung umgekehrt denken: Söhne und Töchter gebildeter Stände ziehen aus, um Märchen und Einbildungskraft im Gewand des Theaters wieder in ihre Lebenswelt zurückzuholen. Die Rolle des rahmenden Bänkelsängers kommt an dem Theaterabend, der dies einzulösen vermag, dem Musiker Alain Croubalian zu. Mit weit aufgerissenen Augen und Märchenschauermiene wird er uns banjospielend durch Lars-Ole Walburgs Spielzeitauftakt „Das Wirtshaus im Spessart“ am Schauspiel Hannover führen. Im knatternd an die Bühnenrampe fahrenden zweistöckigen Wirtshausgestell haben sich die Spieler Janko Kahle (Student), Christoph Müller (Fuhrmann), Beatrice Frey (Wirtin) und Katja Gaudard (Magd) bereits eingefunden. Ratzfatz wird auch den Neuankömmlingen (Daniel Nerlich als Zirkelschmied und Sandro Tajouri als Goldschmied) blutiges Rehragout und die Mär von einer gefährlichen Räuberbande aufgetischt, die ihnen nach dem Leben (und ihrer schmalen Habe) trachtet. Gemeinsam beschließen sie, ihrer Angst mit Geschichtenerzählen zu begegnen. Ad hoc verwandelt sich die Stube in einen Gemüsemarkt, die Wirtin in eine Hexe, die Magd in Jakob aus Hauffs Kunstmärchen „Der Zwerg Nase“. Schnell zeigt sich:...

Schauspiel Hannover: „Das Wirtshaus im Spessart. Eine Angstexpertise“ von Wilhelm Hauff; „Soldaten. Protokolle vom Kämpfen, Töten und Sterben“ von Sönke Neitzel und Harald Welzer

Hannover: Von kalten Herzen

Es ist 20 Uhr, 5 Minuten und 40 Sekunden. Die Zeit läuft. Die Zeit rennt. Unaufhörlich jagen die Sekunden dahin, 41, 42. Rhythmus der Uhr, Rhythmus des Lebens. Ein Beat, der uns mitreißt, dunkel und wummernd. Plötzlich ein Spot, Auftritt: der Mensch. Lässig in Lederhose, die Hand zum Gruß erhoben. Wir sind jung, ja: „Young, young, young! And we dance until we see the sun.“ Bassdrum. Gitarren. Das Leben – ein Spiel. It’s show time. Und wir? Sind unsere eigenen Protagonisten. Soloperformer wie dieser Typ, der da breitbeinig auf der Bühne steht. Gestalter unseres Auftritts. Immer neu. Immer anders. Geschäftsmann. Liebhaber. Bediensteter. Mutter. Was kostet die Welt? Wir haben alle Rollen im Repertoire. Können jedermann sein. Jeder Mann, jede Frau. Jederzeit jemand anders. Wirklich zu jeder Zeit? – Es ist 20 Uhr, 10 Minuten und 30 Sekunden. Kalt und präzis sitzt uns die Digitaluhr im Nacken. Das Leben rast dahin. Es ist angezählt. Eine müde Nachmittagsträgheit hängt über Kreuzberg. Am Kottbusser Tor trifft sich die Welt. Arme, Reiche, Amerikaner, Türken, Punks und Schnösel schlurfen vorbei. Ein Jedermannskiez. Nur irgendwie anders als in Bastian Krafts Inszenierung des „Jedermann“ in Salzburg. Weniger Spiel. Weniger Show. Doch stimmt das überhaupt? Philipp Hochmair, der...

Ein Mann, alle Rollen – Der Schauspieler Philipp Hochmair

Late-Night-Solo

Wer war eigentlich Shakespeare? Über ihn wissen wir bis heute wenig und das wenige auch noch sehr unzuverlässig. Da verbirgt sich einer hinter seinem Werk. Aber die Zeit, in der dieses Werk entstand, ist bis ins Detail rekonstruierbar. Ist das interessant? Ja, so wie es Neil MacGregor, Direktor des British Museum, unternimmt, wird Kontext plötzlich wesentlich. Aus seinem Buch „Shakespeares ruhelose Welt“ sind nun fast sechs Stunden Hörbuch geworden, so originell wie belehrend. Denn die Zeit unter Elisabeth I. war eine Zeit der Eroberung. Der Kapitalismus erwacht in seiner räuberischsten Form (Francis Drake als königlich lizensierter Pirat!), England beherrscht die Meere, die Wirtschaftsmacht wird global. Die Kapitel heißen „Fechten und Protzen“, „Neue Wissenschaft, alte Magie“, „Verrat und Verschwörung“, „Theater der Grausamkeit“ oder „London wird Rom“. Am meisten interessierte mich eins mit dem Titel „Sex and the City“. Da wird das Prinzip, dem dieses Buch folgt, deutlich. Ein Gegenstand wird zum Anstoß, ein Panorama der Zeit zu entwickeln. Hier ist es ein venezianisches Kelchglas, an dem über die Rolle Venedigs in der Welt in Bezug auf London gesprochen wird. Aber das Kapitel kreist eben nicht nur auf der äußeren Umlaufbahn um Shakespeare, sondern aus diesen Betrachtungen heraus erfolgt dann der Übertritt...

Neil MacGregor: Shakespeares ruhelose Welt. Der Hörverlag, München 2013, 5 CDs, ca. 350 Min.

Nicht von gestern

„Work hard, play hard?“

Vieles an Miriam Goldschmidt ist einzigartig. Zum Beispiel, dass sie – 1947 geboren – in einem Kinderheim in Frankfurt am Main aufwuchs. Dass ihr Weg sie nach Paris führte, wo sie bei Jacques Lecoq studierte. Dass sie mit Regisseuren wie Fritz Kortner, Peter Zadek, Peter Stein, Matthias Langhoff arbeitete. Oder dass sie sich 1971 – wieder in Paris – Zugang zu einer Probe von Peter Brook verschaffte. Ihre Antwort auf...

Über den sehenden Blinden Don Quijote

Ver-Dichtung

An Seilen klettern Pflanzen wie Lianen zur Decke hinauf. Ihre Wurzeln haben sie in Schuhen geschlagen. In der Mitte steht ein Kanister, der mit Düngemittel gefüllt ist. Manchmal scheint die Sonne steil von oben herab in diesen Dschungel, manchmal legt sich wie in einem Treibhaus ein fahles orangenes Natriumdampflicht auf die Pflanzen. Aus den Gassen zwischen der Züchtung treten die drei Akteure – eine Tänzerin, ein Schauspieler und ein Musiker – und rezitieren mit Sehnsuchtsblick eine Naturidylle samt summenden Hummeln. Jan Katteins beeindruckender Raum ist ein Denkmal, das sich die Natur zurückgeholt hat: Das unnatürliche Pflanzengeflecht sprießt aus einem verstrahlten Boden gen Himmel. Katharina Meves und Theo Plakoudakis schlüpfen in die Rollen eines jungverheirateten Paars, das aus seinem feixenden Glück von der Reaktorkatastrophe in Tschernobyl wieder zurück auf die Erde geholt wird. Johannes Öllinger begleitet und kommentiert sie auf der Gitarre, Elvis Presleys „Hound Dog“ wird zum Leitmotiv des Abends. Die junge Frau, die ihre eigene Gesundheit und das Leben ihres ungeborenen Kindes riskiert, um ihren strahlenkranken Mann bis in den Tod zu begleiten, wird zum Anker der zahlreichen Geschichten und Figuren, die miteinander verschachtelt werden: Die drei Darsteller wechseln zwischen kurzen Statements von Anrainern, Physikern, Medizinern, Feuerwehrleuten, Hilfsdiensten –...

FFT Düsseldorf: „Postcards from the Future“ von Anna Malunat nach Swetlana Alexijewitsch. Regie Anna Malunat, Bühne Jan Kattein

Düsseldorf: Stimmen aus dem Sarkophag

Der genetische Code Amerikas

Der Atem der Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Die wichtigsten Dinge am Theater werden bekanntlich in der Kantine verhandelt. In Chemnitz heißt diese „Exil“. Ein guter Name, denn alle Kunst ist Zuflucht vor der Welt. Aber ein gefährlicher Ort bleibt es dennoch – umkämpfter Vorposten jener Gegenwelt, deren Maßstäbe rein ästhetischer Natur sind. Und der Mensch? Das ist die Frage, die über dieser Spielzeit steht. An welchen Maßstäben bilden wir uns, wie unterscheiden wir Wahrheit und Lüge, Traum und Realität? Eine anspruchsvolle Spielzeit, die erste hier in Chemnitz von Intendant Christoph Dittrich und Schauspieldirektor Carsten Knödler, der mit einem Teil des Ensembles aus Zittau hierher kam. Der Intendant sitzt am Nebentisch mit einigen Dramaturgen; der Einzige, der sich auf der Terrasse draußen in den kalten Herbstwind geworfen hat, wegen der Zigarette zum Bier, ist der polnische Regisseur Bogdan Koca. Er wird in dieser Spielzeit zwei Stücke inszenieren: Shakespeares „Hamlet“ und sein eigenes, die Farce „Mein Name ist Soundso“, als deutschsprachige Erstaufführung. Die Polen spielen eine herausragende Rolle im Konzept von Carsten Knödler, seit Zittau ist da eine enge Verbindung vor allem zu Jelenia Góra, dort ist Koca Intendant des Norwid-Theaters. Zuvor arbeitete er lange Zeit in Australien, leitete in Sydney ein Theater und bekam eine Menge Preise –...

Chemnitz’ neuer Intendant Christoph Dittrich und Schauspielchef Carsten Knödler kultivieren den Sinn für Widersprüche

Welt und Gegenwelt

In den sieben Jahren der Intendanz von Armin Petras am Berliner Maxim Gorki Theater (2006 – 2013) basierten etwa 40 Produktionen auf Prosatexten – von verschiedenen Autoren (häufig Petras höchstselbst) für die Bühne eingerichtet. Das ging mit Goethe los („Werthers Leiden“) und endete mit Stefan Heym („5 Tage im Juni“), dazwischen gab’s Thomas und Heinrich Mann, Günther Grass und Max Frisch, Werner Bräunig, Clemens Meyer u. a. Dazu kam noch ein gutes Dutzend Filmadaptionen von „Rocco und seine Brüder“ bis „Gegen die Wand“. In der letzten Ausgabe von IXYPSILONZETT, Magazin für Kinder- und Jugendtheater, stellt Gerd Taube (Leiter des Kinder- und Jugendtheaterzentrums der BRD) fest: Laut einer Untersuchung der Spielpläne ausgewählter Theater zwischen 2007 und 2012 bestanden „die Programme durchschnittlich zu 58 % aus Adaptionen und Stückentwicklungen, dem standen 42 % Autorenstücke gegenüber“. Das Programm des 10. GlückAufFestes der Neuen Bühne Senftenberg bestand ausschließlich (vom abschließenden Liederabend abgesehen) aus Bearbeitungen von Prosatexten zeitgenössischer Autoren, die überwiegend auch Stückeschreiber sind, aber schon länger nichts mehr für Theater geschrieben haben. Zur Spielzeiteröffnung 2013/14 präsentierte das Deutsche Theater in Berlin „Hieron. Vollkommene Welt“ von Mario Salazar. Das alles sind Indizien für einen historischen Tiefstand der zeitgenössischen dramatischen Literatur. Aber wer trägt die...

Hat die zeitgenössische Dramatik ein Problem?

Linzers Eck: Adaptionen und Textflächen

Ein Theater für alle, ein Stadttheater, in dem sich jeder wiederfinden kann – das war das große Ziel, das Generalintendant Michael Börgerding ausgegeben hatte, bevor er voriges Jahr seine Intendanz am Theater Bremen antrat. Börgerding öffnete das Haus für Kooperationen, etwa mit der freien Schwankhalle für das Festival „Outnow!“ (TdZ 9/2013), ließ das Schauspielhaus umgestalten, baute Barrieren ab, wo es nur ging. Zum Auftakt der laufenden Spielzeit ist der Intendant nun noch einen erheblichen Schritt weitergegangen: Das Theater Bremen hat Lola Arias’ Uraufführung „The Art of Making Money – Die Bremer Straßenoper“ herausgebracht, ein Stück, in welchem nicht Schauspieler in künstliche Rollen schlüpfen, sondern in welchem Obdachlose aus ihrem Leben erzählen. Authentischer kann ein Theater das Leben der Bewohner seiner Stadt kaum aufgreifen. Das übergeordnete, auch manch Kulturschaffendem nicht immer vollkommen fremde Thema lautet schlicht: Wie überlebt man? Wie komme ich als Bettler, Straßenmusiker oder Prostituierte zu ausreichend viel Geld? Den Spannungsaufbau hat die argentinische Regisseurin Lola Arias, die das Stück gemeinsam mit den Stadtstreichern verfasst hat, vom Brecht’schen Theater abgeleitet: Spannend ist nicht das Ende, sondern wie es zu diesem Ende kommen konnte. Denn das Ende bildet in dieser Straßenoper den Anfang: Alle Protagonisten stellen sich zunächst dem Publikum...

Theater Bremen: „The Art of Making Money – Die Bremer Straßenoper“ von Lola Arias. Regie Lola Arias, Ausstattung Dominic Huber

Bremen: Anja, Rony und neun Kinder

München: Ruth Maria Kubitschek ist tot 

Schauspielhaus Bochum: Erst kaufen sie Afrika, dann werden sie sich uns kaufen

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Herr Welzer, hat Zukunft heute noch Konjunktur oder gilt das Motiv als verstaubt? Wenn man Leute darauf aufmerksam macht, dass Zukunft gegenwärtig kaum noch vorkommt, aber bis vor ein, zwei Jahrzehnten ein zentrales Motiv sowohl von individuellen Leben als auch von politischen Projekten gewesen ist, stutzen sie und sagen: „Tatsächlich ist uns die Zukunft abhandengekommen, ohne dass wir das so richtig gemerkt haben!“ Schon erwacht das Interesse. Nur traut niemand mehr den traditionellen Konzepten von Wachstum und Experten, die eine kompetente Politik flankieren etc. Vielmehr ist das Gefühl verbreitet, dass die Zukunft eher schlechter sein wird als die Gegenwart. Dieses diffuse Unbehagen findet aber noch keine Form. Die frühere Zukunftsgewissheit ist verloren. Stattdessen misstraut man dem Fortschrittsversprechen, dem Glücksversprechen einer besseren Zukunft, kann sich aber auf nichts anderes als die schiere Gegenwart beziehen. Der gangbare Weg in eine Welt ohne Wachstum scheint auch noch nicht gefunden. Vor allem findet diese Option keinen Widerhall in der Politik. Von links bis konservativ wird weiter auf die traditionellen Rezepte gesetzt. Das Wahlergebnis der Bundestagswahl dokumentiert diese Ignoranz. Dieser verblüffende Vertrauensbonus für Frau Merkel bildet sehr genau das steigende Sicherheitsbedürfnis ab. Wenn wir schon nicht wissen, was die Zukunft bringt, wollen wir uns umso...

Der Soziologe Harald Welzer über die Idiotie des unbegrenzten Wachstums und Strategien der Reduktion – denn nur die dienen dem Überleben – im Gespräch mit Frank Raddatz

Das gute Leben

Kostüme

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Das Traverse Theatre ist eigentlich ein Ort für Gegenwartsdramatik, die es u. a. mit dem neuen Stück von David Greig „The Event“ oder dem politischen Theaterstück „Cadre“ von Omphile Molusi aus Südafrika auch zu sehen gab. Dieses Jahr wurden dort aber mit „Have I no mouth“ von Brokentalkers, das in Deutschland schon bei Theaterformen zu sehen war, und der neuen Produktion der belgischen Gruppe Ontroerend Goed auch Arbeiten gezeigt, die für die Spielstätte eher untypisch sind. Die Belgier präsentierten mit „Fight Night“ einen Abend zum Thema Wahlen und demokratische Mitbestimmung. Jeder Zuschauer erhält ein elektronisches Stimmabgabegerät und wird während des Abends immer wieder aufgefordert, abzustimmen. Durch Abfrage demografischer Fakten wird ermittelt, wer eigentlich im Saal sitzt. Es treten dann fünf Kandidaten gegeneinander an. Als Erstes muss man sich rein nach Aussehen entscheiden, für wen man an diesem Abend stimmen will. In weiteren Runden versuchen die Kandidaten, durch Erklärungen und Reden die Stimmen der Zuschauer zu gewinnen. Nach und nach wird der Kandidatenkreis kleiner. An dem Abend, an dem ich die Vorstellung sah, flog derjenige zuerst raus, der am ehesten die Überzeugungen der Zuschauermehrheit vertrat. Mehr und mehr hat man das Gefühl, in der Wahl manipuliert zu werden. Und dass am...

Beim Edinburgh Festival Fringe lässt sich trotz zunehmender Kommerzialisierung politisches Theater entdecken

Von der Kochshow zum Völkermord

Theaterprojekte in Gefängnissen haben in den letzten zwei Jahrzehnten einen Boom erfahren. Zwar gibt es auch in Deutschland weiterhin Haftanstalten, die – durchaus zum Nachteil für die Insassen – „unbespielt“ bleiben. Aber die meist freien Theatermacher, die bisher in die Räume hinter den Gitterstäben vorgedrungen sind, werden auch diese Bastionen noch erobern. „Freispieler“, eine Publikation der Montag Stiftung Kunst und Gesellschaft und des Bielefelder transcript Verlags, stellt nun Projekte des vornehmlich in Berliner Haftanstalten tätigen Vereins Minor vor und gibt darüber hinaus einen instruktiven Einblick in die Motivationen der Theatermacher, ihrer Spieler und auch der Institutionenvertreter, die diese Tätigkeiten unterstützen. Minor unterscheidet sich in seinem Ansatz von anderen Gefängnistheatermachern. Gehen diese, in der Regel angetrieben von einem starken künstlerischen Leiter mit recht konkreten Vorstellungen über die Ästhetik der zu schaffenden Arbeit, für einen auf die Aufführung hin ausgerichteten Probenprozess in das mit Gittern umbaute Terrain, so organisiert sich Minor in verschiedenen Werkstätten mit Trainingsangeboten von je neun Monaten Dauer. Dies führt zu einer bemerkenswerten Offenheit. Theateraufführungen können entstehen, aber auch ein Film wie „Dornenkronen“, der im Berliner Kino Babylon Premiere feierte. Interessant sind auch die sogenannten „Draußenwerkstätten“, in denen Freigänger und Haftentlassene die Theaterarbeit fortsetzen können. Als lektüreleitend für die...

Montag Stiftung Kunst und Gesellschaft (Hg.): Freispieler. Theater im Gefängnis, transcript Verlag, Bielefeld 2012, 106 S., 19,80 EUR.

Hinter Mauern freigespielt

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Vor einem Altar wird die Leiche des heiligen John Sarkander auf einer Bahre präsentiert, der zu Zeiten des Wechsels vom 16. zum 17. Jahrhundert zu Tode gefoltert wurde. Ein Schauspieler tritt als Klement Gottwald auf und erzählt die bis heute nicht aufgeklärte Geschichte des Priesters Josef Toufar, den der Geheimdienst der jungen kommunistischen tschechischen Republik 1950 ermordete. Das Prager Nationaltheater zeigte ihre Oper „Toufar – The Torture Games“ auf kleiner Bühne als emotionalisierenden Report: mit kirchlichen Zeremonien, einem Countertenor, einer Schauspielerin, die aus Toufars Akte vorsingt, und einem Chor junger Mädchen, die sich von Messdienerinnen zu Geheimpolizistinnen wandeln können. Mit dokumentarischen und propagandistischen historischen Filmszenen wird vom brutalen Kampf des Staates gegen den Priester Toufar in der kleinen tschechischen Stadt Cihošt berichtet. Bei einer Messe soll sich während Toufurs Worten das Kreuz hinter ihm bewegt haben. Fälschung, Provokation, sagen die Kommunisten. Toufur wird verhaftet und stirbt an den Folgen der Folter. Durch die formale Strenge der Komposition von Aleš Brezina und die unaufgeregte Regie des Regisseurs Petr Zelenka werden das ausufernde Material und die unterschiedlichen Spielweisen zusammengehalten. Fast ein Kontrastprogramm dazu ist der Versuch des Neuen Theaters Krakau, zwei Lebensläufe im Setting eines Sexklubs aufeinanderstoßen zu lassen. In „Follow Me“...

Das Projekt „Parallel Lives“ gräbt im slowakischen Nitra in den Archiven der Staatssicherheit

Die Gewalttätigkeit einer Ideologie

Leben ist tödlich.“ So steht es in grell-bunter Leuchtschrift, die nicht ernsthaft Reklame sein kann, an einer Drehbühnenwand. Das ist sozusagen die finale Bestimmung menschlicher Existenz, an der nicht zu rütteln ist. Und davor? Zu Beginn des fast fünfstündigen Dostojewski-Castorf-Marathons „Der Spieler“ springt Alexander Scheer als Alexei Iwanowitsch (alias Dostojewski in Baden-Baden) in Hochwasserhosen und weißen Socken auf Stühle, fällt auf den Rücken – das sieht dann ziemlich artistisch aus...

Frontmann im Dostojewski-Blues – Der Schauspieler Alexander Scheer

Die Droge Spiel

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

René Pollesch, Sie haben lange um sogenannte Theaterliteratur, zu der auch dramatisierte Romane gehören, einen großen Bogen gemacht. Seit „Kill your Darlings!“, in dem ein bisschen Fatzer steckte, „Don Juan“ im vergangenen Jahr und nun „Glanz und Elend der Kurtisanen“ von Balzac liebäugeln Sie aber doch damit. Warum? Die Molière- und Balzac-Trilogien an der Volksbühne waren Ideen, denen ich mich angeschlossen hab. Man hat mich gefragt, und man wusste am Haus natürlich, dass ich jetzt keine Romanadaption oder Klassikerinszenierung machen werde. Liest man Ihre Laudatio auf Sophie Rois für die Verleihung des Theaterpreises 2012, könnte man aber auch meinen, sie hätte Ihre Liebe zu Klassikern geweckt: Sie spiele, ohne zu aktualisieren. An Klassikern, habe sie anlässlich der „Kameliendame“ gesagt, solle uns das interessieren, was eben vorbei ist. Man solle nicht versuchen, die Gegenwart damit zu erklären. Dennoch, klar, geht es in Ihren Texten um Gegenwart oder besser gesagt: um den zeitlichen Graben. „Glanz und Elend“ kreist um die Feststellung, dass es früher etwas gab, was es heute nicht mehr gibt: die mondäne Geste im öffentlichen Raum, das Spiel. Stattdessen herrsche das Prinzip der Innerlichkeit, des „Sei du selbst“. Was ist dagegen einzuwenden? Von allem, was ich jemals in Interviews von...

Der Autor und Regisseur René Pollesch über sein Stück „Glanz und Elend der Kurtisanen“ im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Der Kapitalismus steckt nicht im Bankerhemd

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

So sieht also die Baumwollspinnerei aus.“ Dem Gast aus Berlin gefällt das international gerühmte Galerieareal auf dem alten Fabrikgelände im Leipziger Westen. „Wie eure Kulturfabriken in Berlin“, sagt ein anderer. „Ja, aber weniger Milchkaffee.“ Allerdings – wetten? – genauso viele Hunde. Auf einer Betonrampe vor der Eisentür zum Aufgang in das dritte Stockwerk, wo das Schauspiel Leipzig die neue Spielzeit unter dem neuen Intendanten Enrico Lübbe eröffnet, hockt ein schwarzer Mops. Über ihm an der Tür hängt ein Plakat des Performancekollektivs Monster Truck, das hier „Who’s there“ zeigen wird. Auf dem Flur zum Saaleingang kreuzt ein Hund des Formats Jack Russel Terrier. Nur zehnmal größer – er würde von Körperbau und Halsmähne her als Löwe durchgehen. Drinnen im Theatersaal ein paar falsche Tiere: Sie sitzen in den Zuschauerrängen als lebensgroßer Löwe, Schaf, Eisbär, Hase. Weitere Zuschauerblöcke steigen an den verbleibenden drei Seiten des Bühnenkarrees auf: Der zweite Block ist mit gelangweilt dreinschauenden Statisten besetzt, die mit ihrem bürgerlichen Dresscode einem missgelaunten Stadttheaterpublikum ähneln. Im dritten Block sitzen einige Skelettpuppen im Nebel. Auf dem vierten versammeln sich schließlich die Performancebesucher. Doch bevor sie an ihre Plätze gelangen, müssen sie über die Bühne. Sie werden einzeln eingelassen und stehen mutterseelenallein auf der...

Das Schauspiel Leipzig will unter seinem neuen Intendanten Enrico Lübbe von allem ein bisschen – nur nicht anecken

Skelette im Nebel

Radikal weiblich

Herr Haußmann, gehen Sie ins Theater? Nein. Aber „Peter Pan“ von Robert Wilson am Berliner Ensemble haben Sie gesehen, das haben Sie jedenfalls in Ihrem kürzlich erschienenen Buch „Buh“ geschildert. Natürlich gehe ich ins Theater, und zwar in die Theater, an denen ich arbeite, in diesem Fall also ins Berliner Ensemble. Da gucke ich mir teils interessiert, teils aus kollegialen Gründen Sachen an. Sie haben in den letzten Jahren fast nur Filme gedreht. Jetzt aber sind Sie zurück und arbeiten wieder am Theater. Genau. Ich habe ja am Theater angefangen und sehr lange Theater gemacht, fast 20 Jahre. Ich habe immer gedacht: Diese Kästen überleben nicht! Auf der einen Seite attackiert vom Feuilleton, aber auch angewidert von der eigenen Arbeit und der eigenen Existenz, bin ich dann zum Film gewechselt und habe damit Erfolg gehabt. Und jetzt bin ich plötzlich wieder hier und – siehe da – es war ein langer Weg, aber ich habe wieder Freude daran. Ich würde nicht sagen, dass ich zurück bin, sondern: Ich hatte eine kürzere Pause von zehn Jahren. Theater ist wie eine Droge – man muss von Drogen wissen, dass sie nicht durchgehend Spaß machen, sondern nur in Abständen. Und jetzt ist...

Was macht das Theater, Leander Haußmann?

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Krakau meets Bochum, Yaoundé liegt an der Ruhr, und Mülheim wird nach Kamerun verpflanzt. Schnörkellos, ohne Scheu, aber auch ohne jedes Kalkül, entwickelt das nordrheinwestfälische kainkollektiv Theater und Performances jenseits von Erwartungen. Seit 2005 sind bereits 21 Inszenierungen und Projekte entstanden, die unterschiedlicher nicht sein könnten und mit denen die „kains“ sich immer wieder selbst unterbrechen. Neben dem harten Kern – die Regisseure, Musiker und Autoren Mirjam Schmuck, Alexander Kerlin und Fabian Lettow – sind es an die 20 Künstlerinnen und Künstler, die projektweise in einem Zustand „irgendwo zwischen ein und kein Kollektiv“ zusammen agieren. Ein regelmäßiger Partner ist das visual arts collective sputnic, das die Arbeiten von kainkollektiv mit Animationen und Videos maßgeblich prägt und neu auslotet. In seinen Produktionen, die sowohl an Stadttheatern als auch in der freien Szene entstehen, versucht kainkollektiv den Brückenschlag und gräbt nach der Poesie, die irgendwo dazwischen liegen muss und abhandengekommen ist. Für das Theater Dortmund, wo Kerlin als Dramaturg tätig ist, entstehen „Lessings Gespenster“ und „Stella, das Zebra“, mit der Choreografin Gudrun Lange die viel beachteten Produktionen „Skinology“ und „And on …“, ein betörendes, auf lauter Matratzen gebettetes Tanzspektakel um die Müdigkeit und den siebten Tag der Schöpfung. Die Inszenierung von „Dunkel...

Die Performancegruppe kainkollektiv arbeitet länderübergreifend – und deutet dabei Globalisierung auf ganz eigene Weise aus

Die Welttheatermacher

Der Schauspieler Philipp Hochmair im Gespräch mit Dorte Lena Eilers Philipp Hochmair, Sie sind gerade für den Nestroy-Preis nominiert worden, für Ihren „Jedermann“ in Salzburg und Hamburg, eine irre Soloperformance, in der Sie alle Rollen selbst spielen. Vor einigen Wochen habe ich Sie am Thalia Theater Hamburg in „Werther“ gesehen, wo sie ebenfalls Werther, Lotte und Albert in Personalunion sind. Es waren lauter Abiturienten im Saal. Und man könnte sagen:...

„Wir haben die Kindheit in die Tasche gesteckt“

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Vielfalt und Zersplitterung

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

Der weite Weg nach Europa

The Case of Digital Arts

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Als Akteur hat sich Patrice Chéreau einmal in seine eigene Inszenierung geworfen, das war am 20. August 1977 im Bayreuther Festspielhaus. René Kollo hatte sich beim Segeln den Fuß gebrochen und sang die Partie des Siegfried am dritten „Ring“- Abend mit einem Gipsbein in der Kulisse; so spielte der Regisseur den jungen Siegfried selbst und mit strahlender Souveränität. Es gibt schöne Fotos von seiner jünglingshaft-inständigen Erscheinung an diesem Abend, der den Opponenten der Inszenierung, die mit Flugblättern und einer Vereinsgründung gegen sie Front machten, die ersehnte Gelegenheit zu bieten schien, durch Buhchöre das Ganze zu Fall zu bringen. Ich sehe die besmokingten Jungmannen noch vor mir, die den Jockey Club der Niederbrüller bildeten; ein drastischer Gegenruf aus dem Publikum brachte sie zum Verstummen. Der Dirigent, Pierre Boulez, hatte sich nicht beirren lassen, und im dritten Akt geriet zwischen Chéreau und Gwyneth Jones das Allerschwierigste, was es auf der Opernbühne gibt, dieses langgezogene Erwecken der verzauberten Brünnen- Maid, zu einem Wunder an Furcht, Zartheit und Ekstase. Dieser „Ring“, an dem der Regisseur und seine Mitverschworenen, Richard Peduzzi, der Bühnen-, und Jacques Schmidt, der Kostümbildner, von Jahr zu Jahr weiterarbeiteten, ist längst Legende; dem Skandal folgte der Rausch, wie Colette Godard einmal...

Über Patrice Chéreau – ein Nachruf

Schrecken und Schönheit, Liebe und Tod

„Der Tod bedeutet nichts. Was zählt, ist das Beispiel!“, lautet einer der Kernsätze Heiner Müllers, dem Dimiter Gotscheff bis zu seinem plötzlichen Tod am 20. Oktober treu blieb wie keinem anderen. Eines der Beispiele, das er gab, bestand darin, die Realität, den Betrieb, dessen Vorgaben stets als Spiel zu begreifen und seine Regeln infrage zu stellen. Gelebte Realitätskritik. Wenn die Gesellschaft zwischen Wirklichkeit und Spiel unterscheidet, verschleiert sie, dass sie...

Editorial

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Auf den Dächern der grasbewachsenen Flugzeughangars wehen rote Fahnen. Sengende Hitze liegt über dem Platz. Hunderte Menschen warten mehrere Stunden vor den „Billeterien“ und hoffen, im Verteilungskampf um Theaterkarten das Los zu ziehen. „Wie damals bei den Bananen“, sagt ein Schlangestehender und zuckt schicksalsergeben mit den Schultern. Bekommt jemand eines der raren Billetts, kann er in der womöglich stickigen Spielstätte einen Platz auf einer harten Holzbank ergattern. Theater muss man hier schon richtig wollen. Das gepolsterte Stadttheater kann von so einem Publikum nur träumen. Hier wollen alle Theater. Und zwar so richtig. Ungefähr 6000 Besucher sind Anfang September zum internationalen at.tension-Theaterfestival ins mecklenburgische Nirgendwo an die Müritz gepilgert, um auf einem ehemaligen russischen Militärflugplatz vier Tage zu zelten. Dixi- Klos und Outdoor-Duschen inklusive. Die Anstrengung wird mit einem Kurzurlaub von der Wirklichkeit belohnt. Der Kulturkosmos Müritz e.V., der das Gelände seit 1997 als Veranstaltungsort für die Fusion – eines der größten deutschen Festivals für elektronische Musik – nutzt, initiierte die zweijährlich stattfindende at.tension als kleineres Theaterpendant mittlerweile zum fünften Mal. Bekam Letztere zu Beginn noch eine überschaubare Starthilfe durch den Fonds Neue Länder der Bundeskulturstiftung, ist sie jetzt fördergeldunabhängig – die zur Antragsstellung benötigte Arbeit und Energie lassen die Veranstalter...

Wie das internationale Theaterfestival at.tension an der mecklenburgischen Müritz Utopien erlebbar machen will

Her mit dem schönen Leben!

„Die Sichtbarkeit ist eine Falle“, stellt Michel Foucault in „Überwachen und Strafen“ fest. Dort veranschaulicht er, wie panoptische Anlagen als neue Überwachungssysteme Kerker – Orte der Dunkelheit und Verborgenheit – ersetzten. Durch die Schaffung des permanenten Sichtbarkeitszustandes und eines ausgeklügelten Systems von Kontrolle und Disziplinierung wird nach Foucault das automatische Funktionieren der Macht sichergestellt, z. B. in Klöstern, (Soldaten-) Lagern, Gefängnissen, aber auch in Schulen und schließlich in der Gesellschaft, wo Überwachung unabhängig von Ort, Raum und Zeit stattfindet. Machtstreben, Kontrolle und Militärmaschinerien sind die Themen, mit denen sich auch das freie Berliner Gefängnistheaterprojekt aufBruch auseinandersetzt, diesmal in einer Doppelproduktion von Schillers „Wallenstein“. Der erste Teil, „Wallensteins Lager“, wurde am 19. Juni 2013 von einem Gefangenenensemble in einem stillgelegten Trakt und im Freilufttheater der JVA Tegel uraufgeführt. Das Theater beginnt am Eingang: Nach dem Einschließen der elektronischen Geräte und der Abgabe des Personalausweises erfolgt eine Leibesvisitation. Anschließend werden die Besucher durch das Erdgeschoss der Teilanstalt 1 geführt. In den fünf Quadratmeter großen Zellen sitzen oder stehen die Schauspieler-Häftlinge apathisch, gelangweilt, nervös oder aggressiv herum. Auf einmal knallen sie die Türen zu, stellen sich in Reihen auf und sinnieren monologartig über Lager und deren Insassen. Der erste Eindruck ist einprägsam: Die...

Das Berliner Gefängnistheaterprojekt aufBruch befragt mit Schillers „Wallenstein“ Prinzipien von Macht und Kontrolle

Auf der Suche nach einer Stimme

Das neue Normal?

Was ist Theater?

Das Kruzifix an der Waldkapelle ist eine Brunnenfigur. Aus den Wundmalen Jesu fließt Wasser in ein steinernes Becken, heute nur aus den Füßen. Wenn du Glück hast, kannst du fünfmal einen Wasserstrahl sehen, aus Löchern in den Händen, der Brust und den Füßen, ein groteskes Schauspiel mit lautem Plätschern. Dieses Bild taucht in einem Film von Christian Lerch auf, „Bulldog“, 1997. Den Film, 40 Minuten in schmuddeligem Schwarzweiß, kennt kaum einer, da er kaum wo gezeigt worden ist. Aber wir hier in Wasserburg reden immer noch davon, weil wir ihn damals nicht kapiert haben und ihn immer noch nicht kapieren. Also ein guter Film. Lerch hat in Filmen von Herbert Achternbusch mitgespielt, „Ab nach Tibet!“ zum Beispiel oder „Neue Freiheit – keine Jobs“. Er sagt: Von Achternbusch hab ich viel gelernt, vielleicht sogar verstanden, warum man einen Film macht, und wie man einen Film macht. Man muss das Ganze nicht perfekt durchplanen. Das hat mir imponiert. Warum hab ich ihn nicht angerufen? Bestimmt wäre er mitgegangen zur Waldkapelle. Erst sitzen wir in der Altstadt im V., Café Venezia, dann ziehen wir ans Flussufer. Immer am Inn entlang, herrliches Wasserburg, wenn du dort nicht aufgewachsen bist so wie Christian und ich....

Jesus & die Killer – der fast vergessene Film von Christian Lerch

Servus Bayern

Im Foyer kreuzen sich die Zuschauer wie in der Abflughalle eines Flughafens. Die einen haben für die „Situation Rooms“ von Rimini Protokoll eingecheckt, die anderen ziehen an einen der aus der riesigen Jahrhunderthalle herausfiletierten Spielorte. Ein Stück weit ist Normalität eingekehrt, denn die Ruhrtriennale ist längst in den Reigen der Topfestivals aufgestiegen und rangiert in der Gunst ihrer viel gereisten und versierten Besucher gleich nach Bayreuth und Salzburg. Auch die unangenehmen Fragen nach Auftrag und Kosten sind verhallt, die umliegenden Stadt- und Staatstheater leben immer noch, und die anderen in NRW verorteten Festivals haben sich arrangiert oder präsentieren trotzig dieselben Gastspiele. Die neue Halle 4 ist die authentischste der Teilzuschnitte. Im Fond wacht eine Galerie in drei Metern Höhe über den früheren Arbeitsraum. Der Umgang ist durch Fenster mit großen Flügeln abgetrennt, die mal wie zerschossen, dann im Gegenlicht wie aus Milchglas wirken, sie blicken majestätisch von der breiten weißen Kachelwand herab. Durch eine kleine Eisentür tritt die Violinistin Amandine Beyer auf. Als die Tür wieder ins Schloss fällt und alles Licht aussperrt, steht sie in kompletter Dunkelheit da und beginnt Bachs „Partita 2“ zu spielen – ein über zwanzigminütiges Musikstück, unplugged und blind vorgetragen. Im zweiten Teil der Aufführung...

Die Ruhrtriennale zeigt Altbewährtes aus dem Performance-Olymp und Wiederentdecktes aus der Musiktheatergeschichte

Hop oder Plopp?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Meldungen

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Konrad ist Theaterregisseur, seine Frau Christine praktiziert als Anästhesistin. Ihre Töchter sind zehn und fünf Jahre alt, vorwiegend betreut von dem freischaffenden Konrad, der seine Karriere erst mal sausen ließ. Jetzt, wo ein Au-pair-Mädchen aus Argentinien vor der Tür steht, glaubt er die Zeit für gekommen, wieder in seinen Beruf einzusteigen. Doch die junge Argentinierin ist schwanger, hat zu Hause niemandem davon erzählt, sieht den Aufenthalt in Deutschland als eine Art Flucht. Konrad und Christine begreifen, dass sie mit ihr plötzlich noch ein drittes Kind betreuen müssen. Robert Thalheim („Am Ende kommen Touristen“) leuchtet in Eltern den Alltag des gestressten Intellektuellenpaares präzise aus. Seine Hauptdarsteller Charly Hübner und Christiane Paul balancieren zwischen anfänglicher Harmonie und zunehmendem Wahnsinn. So munter der Film daherkommt, so schade ist es, dass er schlussendlich nur im Privaten verhaftet bleibt. Völlig ausgespart ist, welche Intentionen Konrad mit seiner ersten, anspruchsvollen Inszenierung nach der Babypause verwirklichen will. Der Zuschauer erfährt nur, dass er die „Nibelungen“ auf ein Minimum eindampft: Aber warum und wieso und was das alles über seinen geistigen Horizont aussagt, bleibt völlig offen. Schade, nicht zuletzt auch im Vergleich mit einem klassischen DEFA-Film, der eine ähnliche Figurenkonstellation besitzt: Frank Vogels „Das siebente Jahr“ (1969). Allerdings...

Krachlederne Soap-Operas

Film

Explodierendes Dokumentartheater

Häufig kommt der Karriereplanung das Leben dazwischen. So dem Bankangestellten Leo. Marie ist Tochter einer reichen Familie, und Leo will sie heiraten. Er erwartet eine kräftige Mitgift, die seiner Karriere nur helfen kann. Marie ist ungewollt schwanger. Kein Problem. Aber dann erfährt Leo, dass der Vater seiner Verlobten finanziell ruiniert ist. Skrupellos löst Leo die Verlobung. Maria Magdalena. Hörspiel von Franz Xaver Kroetz, frei nach dem Theaterstück „Maria Magdalene“ von Friedrich Hebbel. Vom 14. bis zum 16. November findet in der Alten Feuerwache in Saarbrücken zum siebten Mal das Festival frankofoner Gegenwartsdramatik statt: Primeurs. Neue Stücke aus Frankreich und Québec. Das Festival beginnt mit dem Live-Hörspiel Im Bau befindlich nach dem Theaterstück „En travaux“ von Pauline Sales: Auf einer Großbaustelle in der französischen Provinz wird die Sozialsiedlung „Les Ensoleillade“ gebaut. Arbeiter unterschiedlichster Nationen arbeiten auf dem Bau. André ist ihr Vorarbeiter. Eines Tages kommt ein neuer Arbeiter dazu: ein junge Weißrusse, der sehr fleißig und geschickt ist. Was man nicht sofort bemerkt: Der junge Weißrusse ist eine Frau. André und Swetlana mögen sich und beginnen, gemeinsam in die Zukunft zu denken. Doch sie sehen die Welt mit unterschiedlichen Augen. Vielleicht ist „Im Bau befindlich“ eine Metapher dafür, dass ausschließlich emotional...

Leben dazwischengekommen

Hörspiel

Zum 25. Geburtstag der Compagnia della Fortezza, gegründet 1988 vom Regisseur und Dramaturgen Armando Punzo im Gefängnis von Volterra, einer um 1472 von den Medici erbauten und von Anfang an als Gefängnis genutzten Festung, findet ein Fest statt. In opulent schwül ausgestatteten Zellen, barock verspiegelten Gängen, lasziv gesäumt von den Matrosen aus „Querelle“, die schon im Hof posieren, lädt Punzo als Madame Irma mit seinen Darstellern in Genets Bordell ein. Im Mittelpunkt das Theater: so groß wie zwei kleine Zellen mit durchbrochener Wand, in die eine Guckkastenbühne gebaut ist, mit rotem Samtvorhang, wie es sich gehört. Das Teatrino Renzo Graziano ist nach dem verstorbenen liberalen Gefängnisdirektor benannt, der Punzo von Beginn an unterstützt hat, (s)ein „Theater des Unmöglichen“ zu realisieren: die Umgestaltung eines Gefängnisses in einen Ort der Kultur. Die Texte Genets, gewidmet den Körpern mit ihren Ausdünstungen, bekommen durch die Körper der Darsteller der Compagnia extreme Präsenz, faszinierend und zugleich schier unerträglich durch die Enge des Raums, in dem an den heißen Julinachmittagen Schauspieler und Publikum einander ausgesetzt sind. Distanz entsteht durch die Texte und die Kraft, nahezu Gewalt, mit der sie von den Schauspielern/Gefangenen gesprochen werden. Eine mystische Aura, die sich um die Körper legt, die von ihnen...

Im Gefängnis von Volterra gibt die Compagnia della Fortezza dem Theater seit 25 Jahren seine Notwendigkeit zurück

Freiwilliges „lebenslänglich“

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Der Maler Luc Tuymans war nicht einmal 20, als ihm blitzartig bewusst wurde, dass so etwas wie Originalität gar nicht existiert. Alle Bilder seien Fälschungen, weil alles, was sie abbilden, bereits vorhanden sei. Fortan begreift er seine Arbeiten als „authentische Fälschungen“, indem er malt, als stammten sie aus einer anderen, vergangenen Zeit. Höchst umstritten sind seine Bilder, als er eine restaurierte Gaskammer mit Verbrennungsofen von einer Postkarte aus dem Museumsshop in Auschwitz abmalt und Albert Speer als strauchelnden Skifahrer abbildet. Seinen Bruch mit der bisher geltenden Erinnerungsästhetik begründet er damit, dass „der Schrecken nicht der einzige Zugang in die Perversion des Grauens“ sein kann. Tuymans’ Bilder und Gemäldezyklen sind „Nach-Bilder“ von historischem Ansichtsmaterial aus Illustrierten und privaten Familienarchiven. Sie suggerieren uns den Horror als das Normalste von der Welt. Der 55-jährige Belgier gilt als Meister des emotionalen Grauens, weil in Bildkunstwerken selten so deutlich geworden ist, dass der Holocaust und seine Folgen weder vorstellbar noch darstellbar sind. In seinen nebelverhangenen, gleichsam schwebend gemalten Bildern ist offensichtlich, dass sich unsere Erinnerungen in einer Art Auflösung befinden, dass wir sie nicht mehr fokussieren können. Sollten wir das verdrängen? Oder die Geschichte als Teil unserer Kultur verstehen, wie es der Künstler vorschlägt? Von...

Philipp Hochmair: Ein Mann, alle Rollen

Assoziationen

Person

Philipp Hochmair

Neuerscheinungen im Verlag