Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Neue Stücke aus der Ukraine vorzustellen, so lautete die Aufgabe des in der vergangenen Spielzeit wohl größten Ukraine-Schwerpunkts im deutschsprachigen Theater. Die Magdeburger Schauspieldirektorin Cornelia Crombholz und ihre Dramaturgen setzten dabei – gefördert mit den für einen intensivierten Kulturaustausch bereitgestellten Mitteln des Auswärtigen Amtes – nicht auf Gastspieleinladungen oder Koproduktionen, sondern darauf, die von Lydia Nagel übersetzten Stücke von ukrainischen Regisseuren mit Magdeburger Ensemblemitgliedern inszenieren zu lassen. Diese Vorgehensweise ermöglichte es der Regie, das jeweilige Stück in deutscher Erstaufführung zu inszenieren. Das ist ein zu begrüßender Sonderfall der Vermittlung hier kaum oder nicht bekannter Theaterautoren aus einem Land im Bürgerkrieg, das aufgrund der Krisen in der Welt und in Europa im Moment wenig beachtet scheint. Muss man daran erinnern, dass der Euromaidan in Kiew mit dem nachfolgenden Krieg im Osten der Ukraine das gleiche Potenzial zur Weltunordnung wie die sogenannte Flüchtlingskrise hat? Die Ukraine ist mit dem Krieg im Osten und den damit einhergehenden geopolitischen Verwicklungen auf die Weltbühne gehoben worden. Und die jüngeren ukrainischen Dramatiker sind sich inzwischen durchaus bewusst geworden, dass schon ein Sozialmelodram einen aufgeladenen Kontext haben kann. Von den Maidan-und-Donbass-Zeitzeugenstücken, die praktisch die Erfindung des Dokumentartheaters in der Ukraine auslösten, bis zum Aufgreifen von Überspitzungs- und...

Das Festival Wilder Osten. Ereignis Ukraine in Magdeburg zeigte neue Dramatik aus dem Land im Bürgerkrieg

Schüsse auf dem Maidan

Schon der Einzug in den Bühnenraum, auf ein ungefähr vier mal vier Meter großes Podest, ist eindrucksvoll, fast feierlich. Sechs Männer trommeln, blasen in Muscheln, schellen und singen. Sie entzünden Kerzen und Räucherstäbchen. Alles in Vorbereitung auf ihr Handpuppenspiel über den König Dharmaputra, der sein Königreich, seine Brüder und seine schöne Frau Panchali beim Würfelspiel verliert. Alles in Vorbereitung auf eine Theateraufführung, die viel mehr an ein Ritual als an ein Spiel erinnert. „Duryodhana Vadham“ des Regisseurs und Gurus Gopal Venu stammt aus der indischen Tempeltradition und ist eine der Inszenierungen, die den Schwerpunkt der diesjährigen FIDENA bildeten: Figurentheater aus Asien. Beim vergangenen Festival vor zwei Jahren führte Intendantin Annette Dabs ihr Publikum noch an die Ränder des Figurentheaters, zeigte Inszenierungen an der Schnittstelle zur bildenden Kunst, zu Tanz und Musik. Mit dem Gefühl, ein neues Selbstverständnis der Szene entwickelt zu haben, traute sich Dabs zu den hierzulande nicht leicht zugänglichen Wurzeln der Figurentheaterkunst: vietnamesisches Wassermarionetten- und indisches Schattentheater, jahrtausendalte Kunstformen. Und eben das traditionelle Handpuppenspiel Pavakathakali. Das entwickelte sich im 18. Jahrhundert aus dem klassischen Tanztheater im südindischen Kerala. Die prachtvoll gestalteten Puppen erzählen Geschichten aus den wichtigen Schriften des Hinduismus. „Duryodhana Vadham“ aus dem „Mahabharata“ schildert einen Kampf...

Das internationale Festival FIDENA widmete sich in diesem Jahr dem asiatischen Figurentheater und erkundete die Traditionen des Puppenspiels

Tempeltradition und trommelnde Duracell-Hasen

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Die Praxis der Gemeinsamkeit

PERSONEN SABINE (Bine) MICHEL VOLKER MICHEL RUBY MICHEL – die Tochter, 17 Jahre alt RUTH MICHEL – Witwe und Mutter Sabine und Veras VERA BÖTTCHER – die jüngere Schwester Sabines, geb. Michel PETER BÖTTCHER KARL BÖTTCHER – der Sohn, so alt wie Ruby 1 Leere Wohnung, schon die Rollkoffer (Rubys ist eine Art Freibeuter-Schatztruhe auf Rädern). Auf der letzten Umzugskiste hat Sabine eine Flasche Sekt mit drei Gläsern und ein paar Häppchen drapiert (vielleicht noch eine Kerze). Sie wartet, wartet, wird nervös. Holt tief Luft und brüllt: SABINE: FÜNF MINUTEN RUHE UND BESIN-NUNG, IN ZAHLEN: 5! IST DAS ZU VIEL VERLANGT?! Es dauert noch, dann erscheint endlich Volker, ihr Mann. Verschwitzt und gutgelaunt. VOLKER: Der ganze Container, Bine: rap-pelvoll! Zwanzig Kubikmeter Müll – ein Gefühl wie ein prächtiger Schiss am Morgen. Schon dafür hat sich’s gelohnt. SABINE: Und so hübsch gesagt. VOLKER: Du hast was gerufen, oder? Ahja, dein Russen-Ritual. Vor jeder Reise haben sich alle noch mal zusammenzuhocken: fünf Minuten stille Einkehr, richtig? Greift sich umstandslos ein Sektglas und schüttet es herunter. Sie starrt ihn an. VOLKER: Entschuldige … Durscht! Wo ist Ruby? Sabine wirft ihr Glas an die Wand. VOLKER: Man, die Russen! Also gut: URRAH! Wirft sein...

Birkenbiegen

Jüngst kann man ein wachsendes Interesse am Realismus beobachten, der lange Zeit geschichtlich passé zu sein schien. Doch der Begriff des Realismus ist nicht so klar, wie er scheint. Häufig versteht man darunter die Produktion mimetischer Bilder der „Realität“. Mit dieser Definition kann man natürlich einverstanden sein. Indes bleibt die Frage, wie wir der Realität zunächst begegnen. Wie entdecken wir die Realität, um uns in die Lage zu versetzen, uns ein Bild von ihr zu machen? Selbstverständlich meinen wir mit Realität alles, was sich unserem „natürlichen“, uninformierten und technologisch unbedarften Blick darbietet. Traditionelle Ikonen erscheinen uns unrealistisch, da sie die „andere“, nicht sichtbare Welt darstellen. Und all die Kunstwerke, die uns mit dem „wesentlichen Kern“ der Welt oder mit der „subjektiven Sicht“ eines einzelnen Künstlers konfrontieren, werden von uns nicht als realistisch anerkannt. Wir würden auch nicht von Realismus sprechen, wenn wir uns Bilder anschauen, die mithilfe eines Mikroskops oder Teleskops hergestellt wurden. Realismus wird häufig so definiert, dass man auf Anhieb sämtliche religiösen und philosophischen Sichtweisen und Spekulationen ebenso wie technologisch produzierte Bilder zurückweist und stattdessen die durchschnittliche, gewöhnliche, profane Ansicht der Welt reproduziert. Diese profane Vorstellung der Welt ist jedoch nicht besonders aufregend. Der Wunsch, ein solch profanes...

#9 – Für den Neuen Realismus oder Die Rückkehr der Seele

Frühlingstheater

Das Sächsische Theatertreffen, im Jahre 2000 unter Leitung des damaligen Leipziger Schauspielintendanten Wolfgang Engel begründet, findet aus Termingründen immer parallel zu dem Berliner Theatertreffen statt. Es unterscheidet sich dadurch, dass es nur alle zwei Jahre stattfindet, wobei der Ort des Treffens wechselt und die Einladungen in Absprache mit den elf Schauspielbühnen des Landes erfolgen. Denn nicht alle Inszenierungen passen in ein Bühnenhaus wie das des Deutsch-Sorbischen Volkstheaters Bautzen, welches nach 2002 – damals noch gemeinsam mit Görlitz und Zittau – Mitte Mai nun um zweiten Mal Gastgeber war. Seitdem man sich weg von der thematischen Vorgabe und hin zum Wettbewerb orientiert hat, wobei die Jury freie Hand hat, was genau sie prämiert, gewinnt das Intermezzo der städtischen Schauspielbühnen merklich an Interesse. Und wie in Leipzig 2014 – dort wurde Stefan Migge als Hamlet in Bogdan Kocas Chemnitzer Inszenierung mit dem Preis des Theatertreffens gekürt – gab es zum Abschluss eine gebührende Auszeichnung, weil sich nach zwei ausverkauften und gefeierten Vorstellungen von Heike Hennigs Performance „Crystal – Variationen über Rausch“ mit je drei freien Tänzern und festen Spielern vom Theater der Jungen Welt Leipzig fast alle einig zeigten, etwas Besonderes erlebt zu haben. Gehörigen Anteil daran hatte der Berliner Breakdancer Hong...

Das 9. Sächsische Theatertreffen im Deutsch-Sorbischen Volkstheater Bautzen

Crystal-Rausch in Ostsachsen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Alles total anders

Mein Nachfolger im Amt des Berliner Kultursenators Klaus Wowereit (2006–2014) kündigte im Juni 2008 an, die Sanierung der Staatsoper bis zum 3. Oktober 2013 mit einem Finanzvolumen von 239 Millionen Euro (davon 200 Millionen Euro vom Bund, 30 Millionen Euro vom Verein der Freunde und Förderer der Staatsoper und ganze 9 Millionen Euro Landesmittel) zu vollbringen. Nach heutigem Wissen soll das Bauvorhaben nun über 400 Millionen Euro kosten und –...

Die Kosten für die Sanierung der Berliner Staatsoper Unter den Linden explodieren. Die Geschichte eines Politikversagens

Die Kunst der Fuge

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Berliner Chaos-Tage

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Pollesch ohne Pollesch

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Nationalsozial-charaktermasken

Editorial

Dringlichkeit. Das war ein zentrales Kriterium Martine Dennewalds für die Auswahl der insgesamt zwölf internationalen Produktionen des diesjährigen Festivals Theaterformen in Braunschweig, das mit einem Fokus auf zeitgenössisches Theater aus Japan (Toshiki Okada und Toco Nikaido/Miss Revolutionary Idol Berserker), Südkorea (Kyung Sung Lee), Singapur (Ho Tzu Nyen) und Thailand (Thanapol Virulhakul) begann und von einem Forschungsatelier zum Thema „Our Common Futures“, organisiert vom Institut für Kulturpolitik der Universität Hildesheim in Kooperation mit dem Internationalen Forschungskolleg Interweaving Performance Cultures der Freien Universität Berlin, begleitet wurde. In Zeiten globaler Krisen ging es hier, emphatisch betrachtet, um nichts Geringeres als die Frage, ob und inwiefern Theatermacher mit und durch ihre Kunst als gesellschaftspolitische „change agents“ wirken können. Sung Hee Wi, eine südkoreanische Schauspielerin, die eine Japanerin spielt, und Aoi Nozu, eine japanische Schauspielerin, die eine junge Frau aus Seoul spielt, betreten mit je einem Baseballhandschuh die leere Bühne der Inszenierung „God Bless Baseball“ von Toshiki Okada. Die beiden sind durch körperliche Gesten der Unbeholfenheit sowie Unkenntnis über Baseball verbunden. Der koreanische Schauspieler Yoon Jae Lee, der einen Japaner spielt, klärt die beiden Frauen auf. Er selbst hasst den Sport, kennt ihn aber, weil sein Vater ihn damals in die Nachwuchsmannschaft kommandierte. Anhand praktischer...

Das diesjährige Festival Theaterformen in Braunschweig brachte zeitgenössisches südostasiatisches Theater auf die Bühne

Baseball, König und Konsumidol

Er macht nicht viele Worte. Um sich. Und schon gar nicht um seine Erfolge in Theater, Film und Fernsehen. Schon das unterscheidet ihn von vielen Kollegen, die sich auch in Interviews gerne in Szene setzen. Peter Kurth ist da anders. Über sich lange reden ist nicht so sein Ding. Kurz, ohne Brimborium, trocken, lakonisch ist sein Stil. Das Wörtchen „ich“, bei manchen Branchenkollegen das häufigste, kommt bei ihm eher selten vor. Wenn er von sich spricht, ist ihm oft das Wörtchen „man“ – ohne Genderakzent – lieber. Mit zur Schau getragener Bescheidenheit hat das aber auch nichts zu tun. Er nimmt sich nur einfach nicht so unendlich wichtig. Vielleicht ist es ihm gelungen, sich von dem ganzen Zirkus um ihn herum nicht verbiegen zu lassen. Obwohl er derzeit zu den, wie man so sagt, gefragtesten Schauspielern gehört, aktuell überhäuft mit renommierten Preisen. Wer ihn dennoch nach verbleibenden Wunschrollen fragt, bekommt dies zur Antwort: „Mir geht es immer so – wenn man Wunschrollen hat, ist das ja meistens eine ziemlich egoistische Angelegenheit. Ich bin eher dafür, dass man sich Themen sucht, die in die Zeit reinpassen.“ Wichtiger, als mit „König Lear“ zu kommen, sei doch zu fragen, warum macht man jetzt...

Je mehr du vom Leben auf die Fresse bekommen hast, sagt der Schauspieler Peter Kurth, desto tiefer kannst du in deine Arbeit eintauchen

Die Verwandlung

Frech und eigenwillig, so begann die Karriere der Kostümbildnerin Moidele Bickel. Den Nonnen in der Schule entflohen, tourte die Münchnerin zunächst mit ihrem Vater, einem Hausfassaden- und Deckenbildermaler, durch die Lande, bevor sie zu einer Zeit, als Malerei total out war, Malerei in München studierte. Über Claus Peymann und das TAT kam sie schließlich ans Theater. Als Peter Stein 1970 die Schaubühne in Berlin übernahm, sagte sie: „Ich will auch.“ Und Peter Stein sagte: „Ja, warum eigentlich nicht?“ In den folgenden Jahren prägte Moidele Bickel mit ihren Kostümen die Ästhetik des Hauses entscheidend mit. Auch andere Regiegrößen fragten an: Klaus Michael Grüber, Luc Bondy, Robert Wilson; mit Patrice Chéreau, Éric Rohmer und Michael Haneke arbeitete sie zudem für den Film; viele jüngere Kostümbildner/-innen lernten von ihr. Am 17. Mai 2016 ist Moidele Bickel im Alter von 79 Jahren in Berlin verstorben. Kurz vor ihrem Tod hatten die Kostümbildnerin Florence von Gerkan und TdZ-Lektorin Nicole Gronemeyer die Möglichkeit, mit ihr über ihre Arbeit zu sprechen. Das Interview ist in voller Länge in dem im Juni bei Theater der Zeit publizierten Band „Lektionen 6 ,Kostümbild‘“ erschienen. Wir drucken einen Auszug daraus ab und zeigen zudem in unserem Künstlerinsert (S. 8–11) Zeichnungen und...

Zum Tod der großen deutschen Kostümbildnerin Moidele Bickel

Opulent war nur die Fantasie

September 2016

Premieren

Samtener Schutzraum

Darwin-Theater

Niederbayern ist Sperr-Gebiet. Hier wurde der Dramatiker 1944 geboren. Hier fand er Stoff für sein Schreiben. Schon mit seinem ersten Stück „Jagdszenen aus Niederbayern“ (1965), verhalf Martin Sperr seiner Heimat zu literarischer Bedeutung. Allerdings auch zu eher zweifelhaftem Ruhm. Eigentlich hat das Präfix „Nieder-“ ja lediglich topografische Bedeutung. Es bezeichnet einen tiefer gelegenen (also niederen) Teil Bayerns – im Gegensatz zum (vor-)alpinen Oberbayern. In Sperrs Titel aber klingen auch die niederen Instinkte der Menschen an, die sich Bahn brechen. Der Jagdinstinkt vor allem. Es geht in dem Stück um Außenseiterhatz auf dem Land in der Nachkriegszeit. Fremde sind nicht wohl gelitten im Dorf Reinöd. Auch die Tagelöhnerin Barbara ist keine Einheimische, will aber um jeden Preis dazugehören. Aufnahme in die Dorfgemeinschaft jedoch kann sie nur finden, wenn sie sich von ihrem Sohn Abram lossagt. Der ist schwul und damit fast so etwas wie Freiwild. Sperr erzählt auch von der Unfähigkeit der Schwachen, sich zu solidarisieren – ähnlich wie Marieluise Fleißer in „Fegefeuer in Ingolstadt“. Fleißer hatte ihr Drama knapp 40 Jahre zuvor ein Stück über „das Rudelgesetz und die Ausgestoßenen“ genannt und erkannte in Sperr nun einen Verwandten im Geiste. So bezeichnete sie ihn, Franz Xaver Kroetz und Rainer Werner...

Die 1. Landshuter Sperr-Tage zeigen: Martin Sperrs Niederbayern ist heute fast überall

Das Rudelgesetz

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Es ist eine wahre Geschichte aus einem Dorf in der italienischen Romagna am Ende des 19. Jahrhunderts, die Geschichte der Belda, einer ausgestoßenen, verspotteten Frau, die als Hexe gilt. Doch nachts kommen die Dorfbewohner heimlich zu ihr und erbitten ihre Hilfe gegen Magenschmerzen, Liebeskummer, Kopfweh oder Malaria, weil sie die Kräuter kennt und die Formeln. Sie ist eine Heilerin, und sie kann helfen, „besser als der Apotheker“, sagen die Männer, aber wenn sie tagsüber ihren Weg kreuzt, dann spucken sie dreimal aus hinter ihr. So geht es jahrelang: auf der Straße Verachtung, in der Hütte Dankbarkeit, und niemand findet das seltsam. Belda schon, aber sie scheint sich in ihr Schicksal zu fügen. Doch dann passiert etwas, und alles verändert sich. Als das Gerücht aufkommt, Beldas verstorbene Mutter sei eine Hure gewesen, reißt der Pfarrer deren Sarg aus der geweihten Erde des Friedhofs und verscharrt ihn anderswo. Belda will ihre Mutter rächen, und all der Hass, all die Demütigungen, die sie ihr Leben lang erfahren hat, verwandeln sich in Tötungsenergie. Sie besinnt sich auf die schwarze Magie, die sie noch nie anwandte, und sie vollzieht die maledizione, ein Fluchgebet in verstümmeltem Latein. Dafür hat sie den Fußabdruck des Priesters auf...

In „Lus“ vom Teatro delle Albe durchlebt der Zuschauer eine unerklärliche Transgression – ein Schock für aufgeklärte Menschen

Auf der Schwelle zum Bösen

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Was wäre die Kraft ohne Kraftgebärden? Nicht mehr so pubertär, nicht mehr so wildwüchsig, nicht mehr so à la James Dean – also halb so faszinierend. Der Hamlet am Cottbuser Staatstheater (Regie Mario Holetzeck, siehe auch S. 44) stürmt so ungebremst über die Bühne, als wollte er in einem Casting zu „… denn sie wissen nicht, was sie tun“ beweisen, wie gefährlich er ist. Er scheint absolut unberechenbar und rücksichtlos. Johannes Kienast ist 30 Jahre alt und seit vier Jahren im Cottbuser Ensemble. Trotzdem besteht er darauf, dass er noch ein „ziemliches Kind“ sei. Hamlet als Figur, oder besser als Haltung zur Welt, sei ihm keineswegs fremd. „Hamlet setzt alles auf null“, sagt er. Zwingt alle unter seinen Willen und hat doch zugleich eine ungeheure Lebensangst, die er auftrumpfend verbirgt. Welch ein Narziss – und Kienast stellt ihn als solchen in den kommenden drei Stunden brutal bloß. Kienast hat sich seinen Ruf als virtuoser Rabauke mit Sinn für Slapstick und unerwartete Momente des Stillstands, in denen die Wahrheit als Schmerz aufscheint, auf so triumphale Weise erarbeitet, dass inzwischen nicht wenige Zuschauer vor allem wegen ihm ins Theater kommen. Kienast ist der lang gesuchte Misston in der rotplüschigen Jugendstilpralinenschachtel, als die...

Der Schauspieler Johannes Kienast ist der lang gesuchte Aufrührer im Jugendstilplüsch des Staatstheaters Cottbus

Virtuoser Rebell

Schau mal einer an

Herr Soubeyrand, am Ende Ihrer zweiten Spielzeit wollen wir über die Situation in Senftenberg sprechen. Eine Stadt mit 27 000 Einwohnern und einem Theater, das somit mehr als anderswo auf ein größeres Einzugsgebiet angewiesen ist. Funktioniert das? Die Zahlen für die vergangene Spielzeit haben wir natürlich noch nicht. Aber wir werden wohl auf über 50 000 Zuschauer kommen, wie schon im Jahr zuvor. Was dann doch erstaunlich ist. Die Besonderheit dabei ist, dass wir viel für Kinder und Jugendliche spielen. Nach der Wende unter der Intendanz von Heinz Klevenow war das als Auftrag so definiert, wurde zwischendurch ein bisschen aufgeweicht, beeinflusst jetzt aber wieder stärker das Programm, das auf eine nachwachsende Klientel ausgerichtet ist. Insofern bin ich mit der Bilanz zufrieden, weil wir den Spagat zwischen dieser Sparte anspruchsvoller Kunst und dem Event schaffen – was mein Vorgänger Sewan Latchinian bereits so angelegt hatte. Die Bespielung des Amphitheaters am Senftenberger See gehört auch dazu. Damit sind wir das einzige Theater in Brandenburg, das das ganze Jahr durchspielt. Im Sommer wird hier im Amphitheater der Ferienregion Theater geboten, auch mit Gastspielen. Ich musste in letzter Zeit mal nach Dresden und Cottbus ins Krankenhaus und habe da erfahren, dass beispielsweise die Krankenschwestern...

Warum die neue Bühne Senftenberg unter Intendant Manuel Soubeyrand wieder mehr in die Fläche strebt. Ein Gespräch mit Thomas Irmer

On the road again

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Ob dieses Grüppchen wohl das Festival verfolgt? Jedenfalls diskutieren die drei Passanten am Rande des Blumenthaler Marktplatzes aufgeregt, worum es bei Auswärtsspiel: Blumenthal des Theaters Bremen geht: um die bange Frage etwa, was sich aus diesem abgehängten Ortsteil im Norden der Stadt machen lässt. Einst ein florierender Industriestandort, das Domizil der Bremer Wollkämmerei, hat inzwischen nicht allein die Industrie Blumenthal verlassen. Auch die Einwohner und den Einzelhandel zieht es in Scharen fort. Verwaiste Schaufenster zeugen von beängstigenden Leerständen. Doch nun ist das Theater da. Ob im einstigen Ortsamt, in Wirtin Simones Kneipe Mix-it oder auf offener Straße: Schier überall herrscht auf einmal mächtig Betrieb in Blumenthal. Sogar auf dem Dach des Seniorenzentrums Haus Flethe. Regisseur Frank Abt sowie die Schauspieler Gabriele Möller-Lukasz, Martin Baum und Siegfried W. Maschek zeigen dort John von Düffels „Robin Hood“ in der Ausstattung Nadine Geyersbachs. Wie beim gesamten Festival geht es auch hier um das Verhältnis von Utopien und Dystopien. Wobei die Fassung von Düffels und die Inszenierung Abts eher wenig Raum für Visionen übrig lassen. Bei ihnen gelingt es dem Sheriff von Nottingham gar, Robin Hood samt Lady Marian kurzerhand zu kaufen – ein jähes Ende nach nur 45 Minuten! Eine Sage um irgendwelche...

Mit Auswärtsspiel: In Blumenthal bewegt sich das Theater Bremen auf die Menschen im randständigen Norden der Stadt zu

Utopie folgt Industrie

Angstlos! Heimatlos?

Nein, es geht hier nicht um Hunter S. Thompson. Es geht auch nicht um eine Figur aus der „Muppet Show“. Wenngleich beide Pate bei der Gründung gestanden haben könnten. Prinzip Gonzo sind Alida Breitag, Holle Münster, Tim Tonndorf, Robert Hartmann und David Czesienski. Seit 2010 bilden sie ein Theaterkollektiv der ganz besonderen Art. Einzeln arbeiten sie in den Bereichen Regie, Schauspiel, Dramaturgie und Puppenspiel an verschiedenen Stadttheatern dieses Landes, als freie Gruppe finden sie sich zusammen, um sich auszutauschen, voneinander zu lernen und gemeinsam neue, kreative Theaterformen zu entwickeln. Seit 2014 sind das vor allem Gametheatre-Formate, die mit der Ausstatterin Thea Hoffmann-Axthelm und dem Softwareentwickler Markus Schubert entworfen und gebaut werden. 2015 gewannen sie mit „Spiel des Lebens“ das virtuelle Theatertreffen des Internetportals Nachtkritik. Kurz darauf erhielten sie eine zweijährige Doppelpass-Förderung, im Rahmen derer am Ballhaus Ost in Berlin das Game- und Serienformat „Monypolo – Liebe dein System!“ entsteht. Für die Performersion, eine Messe für performative und immersive Künste im Anschluss an die Konferenz re:publica, luden die Gonzos im vergangenen Mai zu „Re:Wonderland or Follow the White Rabbit“ ein, einem kollaborativen Wissens- und Strategiespiel, durch das man mittels einer eigens programmierten App auf seinem Smartphone geführt wurde. Wie Alice...

Das Theaterkollektiv Prinzip Gonzo tritt gegen den neoliberalen Kapitalismus an

„Wir spielen, also sind wir“

Manche Episoden der Geschichte führen immer wieder vor Augen, dass es oft zeitlich einigen Abstand braucht, um die ganze Wahrheit, frei von Tabus und Rücksichten, benennen zu können. Eine solche denkwürdige Episode sind die sogenannten DDR-Kinder von Namibia. Sie sind heute Mittdreißiger und haben selbst Nachwuchs. Einige dieser Kinder, Sabrina Kaulinge, Shakira Ntakirutimana und Gia Shivute, stehen nun auf der Bühne und spielen die ergreifende Lebensgeschichte ihrer Eltern nach. Vielleicht sollte man vom Recherchetheater, das derzeit so engagiert die neuralgischen Punkte unserer Gegenwart bearbeitet, nicht die ganze Wahrheit erwarten, sondern froh sein über erste mutige Annäherungen. Damit man nicht so zerrissen wird zwischen Bewunderung für das bravourös Bewältigte und Enttäuschung über das auffällig Unbewältigte. „Oshi-Deutsch – Die DDR-Kinder von Namibia“ heißt die deutsch-namibische Koproduktion, die der mit Rechercheprojekten erfolgreiche deutsche Regisseur Gernot Grünewald mit seiner namibischen Kollegin Sandy Rudd verantwortet hat – auf der kleinen Emma-Bühne des Osnabrücker Theaters. Es wird erzählt, was die sozialistische Bruderhilfe bewirkte. Es geht um über 400 namibische Kinder, die die DDR ab 1979 aufnahm, um sie vor den blutigen Unabhängigkeitskämpfen der SWAPO (South West African People’s Organization, die spätere Regierungspartei) gegen die Besatzungsmacht, das südafrikanische Apartheidsregime, in Sicherheit zu bringen. Die Kinder wurden in...

Die Osnabrücker Inszenierung „Oshi-Deutsch“ zeigt mit den Mitteln des Recherchetheaters die Geschichte der „DDR-Kinder von Namibia“

Sozialistischer Drill

Es ist Sommerloch. Insofern klären mich im Moment ältere Damen in thüringischen Hotelaufzügen auf, während ich auf die Etagenanzeige stiere: „Jetzt ist München dran.“ Ich blicke auf und erkenne eine Dame, die sich augenscheinlich einen Glitzerpulli angezogen hat, um sich schick zu machen für das Abendessen. Sie steht aufrecht auf ihrem Weg runter ins Restaurant und sieht mich dabei auch noch vielsagend an: „Jetzt ist München dran.“ Als wäre demnächst eine andere Stadt an der Reihe. Und ist es auch. Selbst wir in diesem Hotelaufzug wissen, der IS wird gleich verkünden: „Ihr habt das Tor zur Hölle geöffnet“, wie er das immer tut, und man wird diese Botschaft entgeistert entgegennehmen, egal, um wen es sich handelt, der um sich geschossen, gestochen hat. Der Fahrstuhl fährt allerdings noch weiter, er ist sehr langsam, und so sind wir noch im Schrecken, in dieser fragenden Situation: „Was ist passiert?“, als sich die andere thüringische Dame zu Wort meldet und sich als Ehemann von Nummer eins entpuppt: „Mein Smartphone spinnt“, als wäre es ein erlösender Satz, und das ist es auch, wir steigen endlich aus. Kurze Zeit darauf wird mein Blick von der thüringischen Hotelterrasse ins weite Land abgelenkt von den Gesprächsfetzen rund um...

Die Frau im Fahrstuhl

Ran ans Märchen! 

Zu den umkämpftesten Begriffen der Theatergeschichte gehört sicherlich die berüchtigte Mimesis, nach wie vor als Nachahmung diskutiert, obwohl Hervorbringung vermutlich die bessere Übersetzung wäre. Doch selbst wenn man sich auf die Vokabel der Nachahmung einlassen mag, ist ja nicht geklärt, was da eigentlich nachgeahmt wird. Der ewige Theaterstreit um die Mimesis jedenfalls heftet sich bis heute an eine prominente Auslegung, die man vielleicht auf einen Schulbuch-Platon zurückführen kann. Ihr zufolge wäre Mimesis Nachahmung von Ideen, von Wesenheiten – eine Auffassung, an die sich seit dem 20. Jahrhundert die Kritik der Einfühlung, des psychologischen Schauspiels und der vorgeblichen Realismen geknüpft hat. Es gibt aber noch einen ganz anderen Traditionsstrang, der Mimesis als Nachahmung von Oberflächen versteht, die sich gerade nicht um Wesenskerne und Essenzen schert. Man kann in diesem Kontext an den Soziologen Gabriel Tarde erinnern, dessen kulturgeschichtliche Tat es war, den Blick von den geschriebenen und ungeschriebenen Regelwerken wegzulenken, mit denen Gruppierungen, Institutionen und weltanschauliche Verbünde ihre Nachahmungsmuster produzieren, und genau umgekehrt die Aufmerksamkeit auf die vielen kleinen Nachahmungsprozesse zu richten, durch die solche Regeln, Gruppen und schließlich Organisationen sich überhaupt erst verfestigen. Nicht zuletzt der Blick auf die Terrorwelle der letzten Monate zeigt, wie wichtig es gerade heute wäre,...

Anmerkung zu einem ewigen Streitfall

kirschs kontexte: Mimesis und Terror

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Versammelte Unschuld Skandalöse Fehlentscheidungen begleiten die Sanierung der Berliner Staatsoper. Sie kosten den Steuerzahler mehrere hundert Millionen Euro. Heute debattiert das Abgeordnetenhaus über den Bericht des Untersuchungsausschusses. von Birgit Walter Den bundesweiten Hohn für ihre Bauskandale hat sich die Hauptstadt mit langem Atem erarbeitet. Zuletzt untersuchte ein Ausschuss des Abgeordnetenhauses die groben Schlampereien bei der Sanierung der Staatsoper Unter den Linden. Das Ergebnis stellt er jetzt dem Berliner Parlament vor....

Birgit Walter: Versammelte Unschuld

Oliver Bukowski, es scheint nach über 25 Jahren immer noch der Epochenbruch von 1989/90 zu sein, aus dem Ihr Schreiben erwächst. Stimmt dieser Eindruck? Zum Teil. Die Hartz-Gesetze 2003 oder die Zulassung der Hedgefonds 2004 schlugen sich sicherlich deutlicher in Selbstbild, Wertgefühl und Zukunftsbehauptungen gegenwärtiger Generationen nieder. Sogar generationsübergreifend, ganz gleich, ob Ost oder West. Aber immerhin zerriss das Jahr 1989 den Ostlern die Biografien. Ein Leben davor, eins danach. Ein halbes Leben unter einer politischen Diktatur, dann eins unter neoliberal wirtschaftlicher. Nach den paar Monaten euphorischer Vereinigungsverblödung war dann bald alles klar, und man reagierte. Beispielsweise mit dem größten Geburtenstreik der deutschen Nachkriegsgeschichte. Geht es drastischer? Gibt es etwas, was auf Großgeschichte so intim und privat antwortet? Andererseits war da immer meine Hoffnung, dass aus dem Erleben von zwei Systemen eine neue, doppelt erfahrene soziale Kompetenz erwachsen könnte. Zum Teil ist das sicherlich auch so, aber dann sehe ich nach Dresden und kann es kaum glauben. Es ist, als wenn an ’89 gar nichts verstanden und verarbeitet wurde. Man blieb sich sogar bis ins Wort gleich: Wir sind das Volk. Nur klang das damals nach Hoffnung und Aufbruch, vielleicht sogar Utopie, heute trommelt dieser Slogan für die genau...

Der Dramatiker Oliver Bukowski über sein Stück „Birkenbiegen“ im Gespräch mit Gunnar Decker

Reste der Utopie

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Ende Mai. Mitten in der Stadt ein Schlachtfeld. Die Place de la Bourse in Brüssel ist mit welken Blumen bedeckt, ein struppiges Gelände. Hier hatten sich nach den Attentaten vom 22. März Hunderte von Menschen eingefunden und einen Teppich aus Gesten der Hilflosigkeit und Trauer gewebt, hatten den Boden vor den Stufen der alten Börse mit Blumen und Kuscheltieren eingedeckt, Fahnen drapiert, Kerzen entzündet. Von hier aus versuchten Fernsehkameras, für die Trauer nach dem Tod von 28 Menschen Bilder zu finden. Jetzt ist das Sensationelle, Bestürzende auf der Place de la Bourse etwas anderem, Alltäglichem gewichen. Die Fernsehkameras sind weg, die Kerzenstümpfe heruntergebrannt, die Blumen in ihre Plastikhüllen hinein vertrocknet. Der ehemals farbenfrohe Teppich ist wüst geworden, von Sonne und Regen vergilbt. Die Menschen bleiben einen Moment lang stehen, schlendern dann weiter, den Boulevard Anspach hinunter. Auf den Stufen der Börse sitzen Jugendliche in der Sonne, jemand singt Reggae-Rhythmen über den Platz. Und einen Moment lang kommt einem der Gedanke, die vertrocknenden Blumen hier wären so etwas wie Schorf, der sich langsam auf der Wunde dieser Stadt bildet. Der Schrecken der Brüsseler über die Attentate ist Erinnerung geworden. Die Brüsseler: Eigentlich gibt es sie ja gar nicht, sagt Christophe Slagmuylder,...

Vom Versuch, in einer vom Terror gezeichneten Stadt ein Festival zu feiern. Eine Reise zum Kunstenfestivaldesarts nach Brüssel

Die Sterne wiedersehn

Es dämmert. Die verlöschende Sonne schickt ihr letztes Licht über die dahinströmenden Wasser der Oder, als genau über dem gerade am Ufer anlandenden Drachenschiff der Wikinger der Mond aufgeht. Perfektes Timing. Verzückte Ahs und Ohs dringen aus den Mündern der Premierenbesucher des Fantasyspektakels „Abschied von Walhalla“. Trotz Gewitterwarnung und Fußballkonkurrenz ist an diesem Juni-Abend die Odertalbühne gut gefüllt. Manch Premierengast bringt Picknick mit. Das Publikum in der ersten Reihe darf sich über Piccolo-Sekt freuen – improvisierte VIP-Lounges des Schwedter Theaters. Neben der Zuschauertribüne hängen Plakate von Sponsoren: kleine Gewerbetreibende, aber auch die Erdölraffinerie PCK, die in den achtziger Jahren die Einwohnerzahl der ostbrandenburgischen Stadt auf über 50 000 schnellen ließ und jetzt immerhin noch mehr als 1000 von insgesamt 30 000 Schwedtern Lohn und Brot gibt. Man hält zusammen in Schwedt, das ist der erste Eindruck. Und der zweite: Die Stadt – Bürger, Unternehmer, Politik – schätzt ihr Theater. Die Uckermärkischen Bühnen Schwedt (USB), 1990 hervorgegangen aus einer Fusion von Kulturhaus und Theater, Etat zuletzt 6,6 Millionen Euro, stehen für eine Wachstumsgeschichte – ein Novum in der ostdeutschen Stadttheaterlandschaft. Wirft man einen Blick in den Spielplan, scheint sich bei diesem Bühnenkombinat mit 121 000 Besuchern im Jahr 2015 allerdings das...

Ein Ministerpräsident im Feenkostüm, Musicals mit Wikingern – und eine enge Kooperation mit Polen. Die Uckermärkischen Bühnen Schwedt sind in vielerlei Hinsicht einzigartig

Grenzland Theater

September 2016. Zurück aus der Sommerpause, fragt man sich, was dieses Schönwetterwort eigentlich bedeutet: Pause – von was? Vom Alltag? In diesem Sommer sicherlich nicht. Wer nur halbwegs die Medien verfolgte, erlebte eine Reihe von fast (all-)täglichen Schreckensmeldungen. Nizza und die Folgen, der verhinderte Putsch in der Türkei und die Folgen, die Anschläge in Würzburg und Ansbach und die Folgen … Auch unsere Kolumnistin Kathrin Röggla holte die derzeitige Weltlage...

Figurationen im Film

Der Notfall als Prinzip

Die digitale Masse

Das Theater mit den Finanzen

Die performative Baustelle

Staatstheater Nürnberg: Globaler Zelluntergang

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Theater ist überlebensnotwendig

Es gab eine Zeit, da fühlte Mario Holetzeck sich vom Leben geschlagen, stand kurz vorm endgültigen K.o. Das war während seiner katholischen Kindheit in Greiz, mitsamt einem charismatischen Priester, er ihn mit der enthusiastischen Art, wie er alljährlich den Kreuzweg Christi bebilderte, beeindruckte und ihn gleichzeitig missbrauchte. Ein furchtbares Zugleich. Mit 15 lief er fort von zu Hause. Er kam nach Rostock, und weil er zu Hause nie Tiere habe durfte und in seinem Leben künftig alles anders werden sollte, beschloss er, Zootierpfleger zu werden. Tatsächlich eroberte er sich einen der begehrten Ausbildungsplätze, zudem, im Anschluss, eine Berufsausbildung mit Abitur im Rostocker Zoo und glaubte sich wieder obenauf. Wie ein Schwamm sei er in dieser Zeit gewesen, sagt Holetzeck, alles an Leben um ihn herum in sich aufsaugend. Er wird ein vorbildlicher Lehrling, profiliert sich in der „Neuererbewegung“ sogar als Erfinder. Für Ali, den Esel, schweißt er einen Fütterungswagen und bekommt einen Preis dafür. Er will Tierarzt werden, aber bei der Musterung für den NVA-Wehrdienst sagt man ihm, dafür müsse er auf jeden Fall drei Jahre zur Armee gehen. Er unterschreibt. Doch draußen vor der Tür bricht er zusammen, bekommt einen Heulkrampf. Geht zurück und sagt, er könne das nicht,...

Schauspieldirektor Mario Holetzeck ringt am Staatstheater Cottbus mit dem gefährlichen Reviertier Mensch

Der mit dem Elch kämpft

TdZ on Tour

Alejandro Quintana, Sie hören nach neun Jahren als Schauspieldirektor bzw. Chefregisseur am Theater Heilbronn auf – als freier Regisseur werden Sie weiter tätig sein. Was reizt Sie an dieser schwäbischen Stadt, in der Menschen aus 140 Nationen leben? Als ich zum ersten Mal in Heilbronn war, hat mich beeindruckt, dass da so viele Menschen aus anderen Kulturen leben. Das sieht man schon, wenn man durch die Straßen schlendert. Da ich selbst aus Chile komme, habe ich mich da sofort zu Hause gefühlt. Und doch habe ich gemerkt, dass wir als Theatermacher eine ganz große Aufgabe vor uns haben. Das Gesicht der Stadt spiegelt sich noch nicht so in den Zuschauerreihen, wie wir uns das wünschen. Vieles haben wir versucht, aber das bleibt ein langer Prozess. Es gibt etliche Menschen, die in ihren Heimatländern noch nie Theater gesehen haben. Deshalb muss man sie langsam an unsere Art des Inszenierens heranführen. Unter anderem haben wir mit einer türkischen Schauspielgruppe gearbeitet. Theater muss man heute aus einer internationalen Perspektive denken. Wenn wir andere Kulturen nicht einbeziehen, wird es nicht funktionieren. Sie selbst sind 1973 nach dem Putsch gegen Allende aus Chile nach Rostock gekommen, haben dort mit anderen Künstlern eine Gruppe gegründet, das...

Was macht das Theater, Alejandro Quintana?

Brennender Schatten

Staatstheater Mainz: Apfelstrudel aus der Tube

Kann das sein – so, wie wir Merkel und Erdoğan wahrnehmen, genießen wir auch etwas daran? Auf eine Weise, wie wir einen gelungenen Krimi, ein Drama genießen würden? Die Einsätze sind hoch (es geht um Menschen), da sind Konflikte, deren Eskalationen, eine Bühne der Machtspiele, und all das zwischen zwei Akteuren, die ein fast perfekt konstruiertes Paar aus Gegensätzen zu sein scheinen, und diese Gegensätze werden schon verselbstständigt wahrgenommen, als „clash of psychologies“. Da die Pfarrerstochter, die Mutterfigur in einer Männerwelt, die Physikerin der Macht, deren zermürbende Geduld und Gelassenheit sogar in der internationalen Presse als Merkelmal gesehen werden; eine Frau in gedeckten Farben, die eine wenigstens christlich gelabelte Partei scheinbar völlig (alternativlos) entlaizisiert hat. Dort ein Mann, dem wir mittlerweile etliche Züge eines orientalischen Potentaten zuschreiben: prunkliebend, überempfindlich, rücksichtlos; zugleich in unserer Wahrnehmung ein effektiver Populist, ein Paradebeispiel für die Extremindividualisten der Trump-und-Putin-Ära; ein Mann, dem seine Anhänger jedes Recht zur Machtentfaltung zufeiern und der sich anschickt, eine kemalistisch-laizistische Türkei scheinbar zu re-islamisieren. Mit einem (gefährlich nah am Zynismus liegenden) Ästhetizismus kann man sagen, man genießt die Spieler fast mehr als das Spiel. Wer setzt sich durch, welcher Typ triumphiert? Der Film über einen Showdown der beiden scheint vorprogrammiert....

Das Böse des einen ist nicht das Gute des anderen – Was uns das Merkel-Erdogan-Verhältnis über den Zustand unserer Demokratie verrät

Monsterehe

Ein Skateboard hat auch Gefühle. Das ist eine Erkenntnis, die sich aus dem Programm der Münchener Biennale 2016 ziehen lässt. Und das ist auch etwas, was zunächst für Verärgerung sorgte. Ja, die Münchener Biennale unter neuer künstlerischer Leitung von Daniel Ott und Manos Tsangaris hat viele erst einmal ziemlich verärgert. Man vermisste den Versuch und das Ringen damit, eine neue Opernästhetik präsentiert zu bekommen, im Sinne der Suche nach einem neuen, kanonfähigen Werk, die Peter Ruzicka, der langjährige Leiter der Biennale in der Nachfolge von dessen Gründer Hans Werner Henze, so unabdingbar betrieben hatte. Dem so emsigen Abarbeiten an dieser alten Form, um deren alten Maßstäben etwas Neues abzuringen, diesem Versuch stellten sich die diesjährigen Kuratoren und Künstler gar nicht erst. Vielmehr drehten sie ein wenig an den vermeintlichen Konstanten des Genres Musiktheater und fischten fröhlich in dem Pool, der dieses Wort – wenn es denn von seiner herkömmlichen Bedeutung befreit wird – umspült. Ein einfacher Dreh, der sich, gemessen an der Aufregung, die es unter dem Münchener Publikum zur Biennale gab, äußerst effektvoll zeigte: Musiktheater ist also bei der diesjährigen Biennale nicht mehr ein Theaterstück, das mit musikalischen Mitteln erzählt wird, sondern – bis auf ein paar wenige Ausnahmen...

Die Münchener Biennale – Festival für neues Musiktheater vollzieht unter der Leitung von Daniel Ott und Manos Tsangaris eine performative Wende

Let the music play

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Meldungen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

„Meine Freiheit, deine Freiheit“, so sang schon anarchisch-hintersinnig Georg Kreisler. Aktuell versucht sich Matthias Rebstock, Professor für Szenische Musik an der Universität Hildesheim und Protagonist eines Musiktheaters postdramatischer Prägung, an einer „musiktheatralen Spekulation über die Freiheit“, wie es im Untertitel des Stückes heißt. Das „Büro für postidentisches Leben“ mit Texten des deutschen Autors Tilman Rammstedt und des katalanischen Dramatikers Marc Rosich zeigt einen co-working space mit seinen mehr oder minder an sich selbst verzweifelnden Insassen, die zwar in jeder Hinsicht post- sind (postideologisch, postmodern, postfeministisch, postfundamentalistisch, postallesmögliche), aber eben weder frei noch glücklich. Oder zumindest auf diese eigenartige Weise frei, von der schon Karl Marx als dem zweifelhaften Glück der Doppeltfreiheit der Lohnarbeiter schrieb: frei zwar von persönlichen Abhängigkeiten, frei aber auch von den Mitteln, die eigene Glücksfähigkeit zu realisieren. Rebstock verschränkt diesen Aspekt mit einer Reflexion über den verlorenen utopischen Gehalt der Musik Beethovens, dessen letzter Satz aus der neunten Symphonie inzwischen als Instrumentalfassung zur Europahymne erklärt wurde. Der Text Friedrich Schillers fällt dem Schweigen anheim. „Bettler werden Fürstenbrüder“ – in der späteren Fassung geändert zu „alle Menschen werden Brüder“ – scheint angesichts der das Gegenteil bewirkenden ökonomischen Krise tatsächlich der Gegenwart unangemessen geworden zu sein, der Verzicht auf...

Auf dem GREC-Festival in Barcelona wurde die Uraufführung der deutsch-katalanischen Koproduktion „Büro für postidentisches Leben“ gezeigt

Im Rücken die Ruinen von Europa

Eine Wette auf die Zukunft

Trier. „Theater neu denken“ wollte der österreichische Schauspieler, Sänger und Regisseur Karl Sibelius, als er im September 2015 in Trier als Generalintendant antrat. Bundesweit horchte die Szene auf. Viele freuten sich auf den Neuanfang im eher unauffälligen Haus am Augustinerhof mit einer so schillernden Persönlichkeit. Nun tobt im Dreispartenhaus ein Krieg, dem die Kommunalpolitik nicht beizukommen weiß. Die vorerst letzte Schlacht gewann der Intendant, wenngleich ihm wegen eines Defizits von jeweils 1,3 Millionen Euro in den Jahren 2015 und 2016 die wirtschaftliche Gesamtverantwortung entzogen wurde. Das von ihm künstlerisch verantwortete Tanzprojekt „Nero Hero“ scheiterte. Dennoch kostete es die Stadt 30 000 Euro. Mit der Ökonomie war der Kulturmanager, der einen Abschluss der Universität Zürich in Arts Administration hat, offenbar überfordert. Daher wird Sibelius nun ein gleichberechtigter Verwaltungschef an die Seite gestellt, künstlerisch aber bleibt er verantwortlich, mehr noch: Er soll ab dieser Spielzeit die Schauspielsparte leiten – was ein zweites Konfliktfeld eröffnet. Zu Beginn seiner Intendanz setzte Sibelius auf Spartenleiter, mit denen er Neues wagte und viel gewann – die innovative und führungsstarke Operndramaturgin Katharina John, Ulf Frötzschner als bestens vernetzten Kenner neuer Dramatik und Regie sowie Tanzgröße Susanne Linke. Trotz künstlerischer Erfolge kündigte Sibelius, der gern auf seinen Master...

Über die desaströse Personalpolitik in Trier und Rostock

Hire and Fire

Fragt man den Schweizer Regisseur Elias Perrig nach Potsdam, antwortet der, es erinnere ihn an seine Heimatstadt. Luzern, ausgerechnet? Aber ja, sagt Perrig, der Tourismus, die Ruhe, der Wohlstand! Perrig gibt zu, dass er als Jugendlicher nur eins wollte, weg aus Luzern. Wirklich entkommen ist er ihm nicht. Er arbeitet regelmäßig in Potsdam, dieser schweizerischsten unter den brandenburgischen Städten. Manche Ecken kommen ihm vor wie eine Schlafstadt. Leben die Menschen wirklich hier?, fragt er sich dann. Oder schlafen sie hier nur und leben eigentlich woanders? In Berlin zum Beispiel. Die direkte Nachbarschaft zur Hauptstadt, sie ist für das Hans Otto Theater schön und schlimm zugleich. Freilich will es vor allem Stadttheater für Potsdam sein, aber man kann hier nicht Theater machen, als gäbe es keine Volksbühne, kein Deutsches Theater, keine Schaubühne nebenan. Wo man den Schulterschluss mit hauptstädtischem Theater sucht, gerät es hingegen schnell zum Abklatsch und düpiert jene, die die Berliner Theaterkonvention nicht kennen. Provinz!, schimpfen dann die einen. Möchtegern-Berlin!, die anderen. So oder so: Es wird ziemlich viel geschimpft in Potsdam. Dabei geht es der Stadt gut. Potsdam, in den wilden Neunzigern die Hausbesetzerhauptstadt der Republik, ist heute so glatt und schön wie nie zuvor. Um die großen...

Das Hans Otto Theater Potsdam muss zehn Jahre nach seinem Neubau wieder das Improvisieren lernen – zu seinem Glück

Flucht nach vorn

R Ä U M E

In einem Netz von Zündschnüren sind die zwei Akteure in Carly Wijs’ Tanztheater „Wir/ Die“ gefangen. Verzweifelt versucht die junge Frau, sich von einem Sprengkörper zu befreien. Ihr Sprung in die Freiheit gelingt, jedenfalls auf der Bühne. In der Produktion für das Brüsseler Kinderkunsthaus Bronks erzählt Regisseurin Wijs in anschaulichen Bildern, wie unterschiedlich Kinder und Erwachsene ihre Angst vor Gewalt und Krieg verarbeiten. Sensibel denken sich die Künstler mit leidenschaftlichem Körpertheater in die Psyche von Menschen in Extremsituationen hinein. Ausgangspunkt ist ein realer Akt des Terrors – die Geiselnahme von 1200 Kindern, ihren Eltern und Lehrern am 1. September 2004 im Kaukasus. Plötzlich war für die unbeschwerten Jungen und Mädchen nichts mehr so, wie es gewesen war. Diesen Kampf um die nackte Existenz übertragen die Künstler in eine packende Choreografie. „Wir/Die“ ist eine der Produktionen, die beim biennalen Festival Schöne Aussicht des Jungen Ensembles Stuttgart (JES) zu sehen war. Für Regisseurin Wijs, die im Brüsseler Stadtteil Molenbeek lebt, ist der islamistische Terror mitten in Europa sehr nah. In ihrer Nachbarschaft sind Männer verhaftet worden, die an den Anschlägen in Paris beteiligt waren. „Wir wollen euch einen Weg zeigen, mit der alltäglichen Furcht umzugehen“, sagte die Schauspielerin Gytha Parmentier im Gespräch...

Internationales Kinder- und Jugendtheater beim Festival Schöne Aussicht in Stuttgart zwischen Poesie und Politik

Bilder gegen den Terror

Das Ährenfeld als stille Utopie

Schauspiel Essen: Unnachgiebig behutsam

Ist Dimitris Papaioannous Theater griechisch oder Simon McBurneys Arbeit britisch? – Nicht wirklich. Es mag nationale Zuschreibungen geben, aber sie sind, zumal bei hoher künstlerischer Qualität, nicht spürbar, sagt Marina Davydova. Die russische Journalistin, Festivalleiterin und diesjährige Schauspielkuratorin der Wiener Festwochen findet es müßig, über nationale Theaterkulturen nachzudenken. Ob sie das zeitgenössische Theater in Belgien oder in Israel finde, sei schließlich egal. Demnach hat Davydova auch wenig Gefallen an den Begriffen „osteuropäisches“ und „westeuropäisches“ Theater. Schon bei der Antrittspressekonferenz verblüffte sie mit ihrem allerersten Satz: „Vergessen Sie, dass ich Russin bin!“ Und tatsächlich konnte man auch nichts „Sibirisches“ oder „Ungarisches“ bei dem fünfwöchigen Festival ausmachen. Die Theaterwelt wuchs, im Gegensatz zu geopolitischen Entwicklungen, in den letzten zwei Jahrzehnten mehr und mehr zusammen. Und deshalb könnte Timofej Kuljabins ausgezeichnete „Drei Schwestern“-Inszenierung aus Nowosibirsk auch aus Antwerpen oder Malmö stammen. Timofej Kuljabin war Davydova ein besonderes Anliegen. Der 32-Jährige steht für die jüngste Aufbruchsstimmung in der russischen Kunst, die viele derzeit wieder verebben sehen. Kuljabin knickt vor Kontrollbehörden nicht ein (seine „Tannhäuser“-Inszenierung am Opernhaus von Nowosibirsk wurde 2015 aus religiösen Gründen abgesetzt), und er erwies sich sowohl als scharfsinniger Regisseur als auch als experimentierfreudiger Intendant; seit 2015 ist er künstlerischer Leiter des...

Die Wiener Festwochen unter Schauspielchefin Marina Davydova widersetzen sich dem Denken in Ost und West

Vergessen Sie, dass ich Russin bin

Dramaturgie der Solidarität

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Anfangszeiten der Inklusion

Ein leichter Hauch von Nostalgie durchzieht die Beschreibungen: Die Sex Pistols konnten einen noch richtig in Erregung versetzen, die Lehrer waren noch Altnazis, die Eltern noch Spießer, und auch vom Eierlikör wurde man noch besoffener als heute. „Die Jugend ist die schönste Zeit des Lebens“ ist der Titel des Romans von Schorsch Kamerun, dem Sänger der Band Die Goldenen Zitronen. Erzählt wird die Geschichte von Horsti, der in der Provinz in der Nähe von Hamburg aufwächst. Er und seine Clique beginnen gegen die Idiotie des Landlebens zu rebellieren, entdecken die Freude an der Subversion, an der „Anarckeyyy!“. Die Feinde sind schnell ausgemacht – Eltern, Lehrer, Chefs – und die Freunde auch, die Gleichgesinnten. „Jugendkultur hieß Gegenkultur. Rockmusik fühlte per se links. Bürger erschienen als Bürger und nicht als ihr eigenes Gegenteil. Einige konnten cool sein. Weil noch nicht alle cool waren.“ So war das, damals. Man verachtete die „verlogene Erwachsenenweltwüste“, doch später ist man selbst in ihr gefangen. Am Ende folgt Ernüchterung: „Nach und nach wurde ihm klar, dass es nicht ausreichen würde, permanent und kämpferisch seine äußere, unerschrockene Unabhängigkeit zu behaupten. Auf dem Papier war er selbst- bestimmt. Und trotzdem lebte er in Gefangenschaft.“ So fühlt es sich an,...

Schorsch Kamerun: Die Jugend ist die schönste Zeit des Lebens. Ullstein, Berlin 2016, 256 S., 18 EUR.

Anarckeyyy!

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

Heiner Müllers Werk, insbesondere die Theatertexte, mit dem Instrumentarium der Psychoanalyse zu untersuchen, ist ein Wagnis. Schnell entsteht der Verdacht einer entpolitisierenden Betrachtung, die die individualpsychologischen Deutungen des literarischen Schreibens über dessen gesellschaftliche Sprengkraft erhebt. Andererseits hat Müller selbst die „Erzählstruktur von Träumen“ für ein Theater gewünscht, das die Logik einfacher Realismen hinter sich lässt, und schon mit „Herakles 2“ und nachfolgend immer wieder „Traumtexte“ geschrieben, wie sie spätestens mit Gerhard Ahrens’ Sammelband unter diesem Titel aus dem Jahre 2009 als Kategorie von Texten Müllers endgültig etabliert wurden. Peter Staatsmann, Literaturwissenschaftler, Regisseur und Dramaturg (in dieser Funktion auch Mitarbeiter von Dimiter Gotscheff), zeigt in seiner Studie, dass dieses Feld noch sehr viel weiter zu fassen ist, wenn man die Schreibstrategien Müllers insgesamt betrachtet. „Schreiben ist ein Lebensausdruck. Je mehr man es kalkuliert, desto wirkungsloser wird es, selbst politisch.“ Mit diesem Zitat steigt Staatsmann in seine umfassende Untersuchung ein, für die er hauptsächlich die von Melanie Klein in Absetzung von Sigmund Freud entwickelte Objektbeziehungstheorie heranzieht. Für den zentralen Müller-Topos „Frau/Mutter“ als ambivalente Gegenkraft zum, oder besser: im Autor und zu Kultur/Geschichte ist das äußerst ertragreich. Staatsmann betont immer wieder den „selbstanalytischen Prozess im Schreiben“, der Dunkelheiten der schmerzhaften Selbstaufklärung umkreist und...

Peter Staatsmann: Theater des Unbewussten. Der selbstanalytische Prozess im Schreiben Heiner Müllers. Stroemfeld, Frankfurt am Main 2015, 369 S., 28 EUR.

Müllers Traumtexte auf der Couch

Ich bin ein Erbauer, ja, weil Kultur ein Recht und kein Privileg ist, weil Rechte von all denen erobert und verteidigt werden, die sie angehen oder angehen sollten.“ Stille. Starkes Atmen. Germain Meyer heißt der Mann, der an diesem Abend auf der Bühne des Théâtre de Carouge in Genf steht, um den Applaus des Publikums entgegenzunehmen – eines Publikums, das er mit seinen Utopien verführt hat. Dieser Vermittler und Artaud-Anhänger macht sich seit über 40 Jahren für das Theater im Kanton Jura in der Romandie stark, vor allem in Schulen und mit Jugendgruppen. Als einer der Preisträger der Schweizer Theaterpreise, die im Rahmen der Eröffnung des Schweizer Theatertreffens verliehen wurden, erinnert Germain Meyer daran, dass das Theater sich in den Worten des Philosophen Denis Guénoun „niemals als einfaches szenisches Spiel, als Schillern im Blick“ verstehen sollte. Diese Auffassung schrieb sich vor einem ganz besonderen Hintergrund in die dritte Festivalausgabe Ende Mai in Genf ein: Der Kanton Genf hat angedroht, den Kulturetat zu kürzen. Nach zwei Festivalausgaben im deutschschweizerischen Winterthur fand dieses Treffen auf frankofonem Boden statt, mobilisierte zu dem Anlass vier Institutionen (das Théâtre de Carouge, die Comédie de Genève, das Théâtre de Poche und das Théâtre Forum Meyrin) und...

Die dritte Ausgabe des Schweizer Theatertreffens geht diesmal in der französischsprachigen Romandie über die Bühne

L’amour c’est moi

Guilt-Trip durchs Vogtland

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Spaziert man im Sommer 2016 über die Einkaufsmeile in Brandenburg an der Havel und fragt auf gut Glück eine ältere Dame nach ihrem Theater, geschieht etwas Erstaunliches. Aber ja, sagt sie, sie kenne doch ihr Theater. Da hatten wir unsere Stars, Musiktheater zum Schwelgen! Dann wird sich herausstellen, dass sie vom Hoftheater in der Blumenstraße spricht. Es wurde 1944 ausgebombt. Und in jüngerer Zeit? Natürlich geht sie ins Theater, sagt die Dame. Einmal im Jahr, in die Berliner Oper. Wie schreibt man über das Theater einer Stadt, die Theater nur dem Namen nach hat? Theater findet in Brandenburg, 50 Kilometer westlich von Potsdam gelegen, jenseits des Gastspielbetriebs fast nur in der Erinnerung statt. Als Brandenburg noch Industriestandort und Theater noch gefährlich war, erhielt zum Beispiel Frank Castorf hier seinen Ritterschlag als Regisseur: das erste Verbot. „Golden fließt der Stahl“ wurde einmal gespielt und dann abgesetzt. Brandenburg beschied ihm darauf das Glück einer Kündigung und sorgte so dafür, dass er nach Anklam kam, um dort Theatergeschichte zu schreiben. 1979 war das. Damals eignete sich das Theater in Brandenburg noch als Sprungschanze. Man spielte in drei Sparten, Karten für das begehrte „Nachtprogramm“ konnte man hochwertig auf dem Tauschmarkt umsetzen. „Solo Sunny“ Renate...

Mehr sein als eine Stadthalle – Wie sich das Theater Brandenburg nach etlichen Abwicklungsrunden unter der neuen künstlerischen Leiterin Katja Lebelt wieder ins Spiel bringen will

Das Versprechen

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Die Spielzeit 2015/16 war ein ausgezeichneter Jahrgang. Unter Stanislas Nordey, Schauspieler, Regisseur, Theaterdozent und Intendant, vollzieht sich am Nationaltheater Straßburg (Théâtre national de Strasbourg, TNS) eine kopernikanische Revolution in Praxis und Zielstellung. Auf die in Frankreich üblichen pyramidalen Theaterstrukturen hat man verzichtet. Das Haus produziert sein Repertoire und gewinnt ein neues Publikum, indem es mit sechs assoziierten Regisseuren – drei Frauen und drei Männern – zehn Schauspieler/-innen sowie vier Autor/-innen zusammenarbeitet, um eine resolut zeitgenössische Spielzeit aufzustellen: ein Theater „der Worte und der Poesie“, das auf die Zeichen der Zeit hört und sie zu Gehör bringt. Parallel dazu bietet das TNS einen „anderen Spielplan“ an, der sich an das „Nicht-Publikum“ (wie es vor einigen Jahren hieß) mit 40 kostenlosen Veranstaltungen wendet, bei denen die assoziierten Künstler freie Hand haben, es Autorenabende oder offene Workshops der Theaterschule des TNS gibt. Die Liebe zum Theater und der Hass auf das Theater sind untrennbarere Bestandteile des Theaters. Seit seiner Entstehung hinterfragt es sich, als Aristophanes vor 2500 Jahren mit seinem Grundlagentext „Die Frösche“ die Debatte eröffnete. Euripides und Aischylos streiten im Hades heftig um die Meisterschaft in der Tragödie, und das ergibt eine urkomische Komödie, die vom Quaken eines Froschchors begleitet wird. Es...

Der Start von Stanislas Nordey als Intendant am Nationaltheater Straßburg gleicht einer kopernikanischen Revolution

Das neue TNS ist da

The Ghost, The Voice, The Faceless

Autoren September 2016/Vorschau

Die Zukunft nebenan

Gunnar Decker kämpft an vielen Fronten. Ich nehme das Maiheft von Theater der Zeit zur Hand, dieser von einem wagemutigen Verleger, Harald Müller, 1993 neugegründeten Zeitschrift, und finde ihn fünffach vertreten, darunter mit einem Interview, das mit der Kulturstaatsministerin Monika Grütters über die Lage der deutschen Theater zu führen war – „Frau Grütters, greifen Sie ein!“ hat die Redaktion in großen Lettern auf den Umschlag des Heftes gesetzt. „Kultur“, fragt Decker, „ist nach Thomas Mann die Nobilitierung des Lebens. Das hat auch etwas mit dem Umgang von Menschen untereinander zu tun. Welche Vision hat man an der Spitze? Gibt es eine deutsche Leitkultur, gibt es ein europäisches Modell, oder müssen wir auf den Jünger’schen Weltstaat warten?“ Frau Grütters ist klug genug, sich statt einer Antwort mit dem Hinweis zu begnügen, sie habe gerade ihren 90. Besuch in Städten und Regionen Deutschlands gemacht und es seien beglückende Begegnungen gewesen: „Es gibt so viele Enthusiasten auch jenseits der Metropolen in der Fläche.“ Gunnar Decker ist ein Enthusiast in der Metropole, der keine Reise scheut, die ihn hinaus in das führt, was die Ministerin mit etwas eigenartigem Zungenschlag „die Fläche“ nennt. Versteht sich: Die kritischunmittelbar ins Geschehen eingreifende Arbeit ist nur eine Seite...

Laudatio auf Gunnar Decker zur Verleihung des Heinrich-Mann-Preises der Akademie der Künste Berlin

Leben in seinem wesentlichen Ausdruck

Skizzen und Kostümentwürfe

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

Aus der völligen Dunkelheit lösen sich allmählich erdfarben verschmierte Körper. Elf Gestalten nehmen Konturen an, bewegen sich, kriechen auf die lose im Saal verteilten Besucher zu. In ihrer Nacktheit mischen sich Schönheit und Erbärmlichkeit, das Publikum schwankt folglich zwischen Irritation und Ergriffenheit. Bis man ahnt, dass die Kreaturen, die aus dem ununterscheidbaren Schwarz geboren werden, wir selber sind. Wie Spiegelbilder richten sich die Tänzer vor uns auf, schauen Einzelnen herausfordernd in die Augen, bahnen sich ihren Weg durch das Menschenlabyrinth. „For the Sky Not to Fall“ hat die vielleicht bedeutendste südamerikanische Choreografin, Lia Rodrigues, ihre jüngste Produktion genannt. Deren Uraufführung eröffnete am 19. Mai im Festspielhaus Dresden-Hellerau das Festival Projeto Brasil, ein Gemeinschaftsprojekt mit HAU Hebbel am Ufer Berlin, Kampnagel Hamburg, dem tanzhaus nrw Düsseldorf und dem Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt. „The sky is already falling“, stellte hingegen die Festivalzeitung im Untertitel resigniert fest und spielte, wie so oft bei diesem Festival, auf den Mai-Putsch in Brasilien an. Voreilig. Zumindest im Falle der Kunst. Denn die im Centro de Artes da Maré auf Zementboden und unter einem Blechdach in einer Favela Rios entstandene Choreografie bleibt nicht beim anfangs flehenden, erbarmungswürdigen Gestus stehen. Gleichwohl verfehlte dieser stumme Schrei der Kreatur seine herausfordernde...

Zwei Stücke des überregionalen Festivals Projeto Brasil in Dresden-Hellerau

Blick der Künste hinter die olympischen Kulissen

Kaum war das Theatertreffen vorbei, stand auch schon Berlins nächstes Theaterfest auf dem Plan, doch wie bereits im vergangenen Jahr versprachen die Autorentheatertage am Deutschen Theater Berlin viel und hielten wenig. Neben einer interessanten Auswahl an deutschsprachigen Inszenierungen, wie u. a. Darja Stockers „Nirgends in Friede. Antigone“ (Theater Basel) oder Henriette Dushes „In einem dichten Birkenwald, Nebel“ (Landestheater Detmold), verpufften die drei von der Jury auserkorenen Texte der Wettbewerbsgewinner, die in der Langen Nacht der Autoren gezeigt wurden, wie auch im Jahr zuvor durch leeres, naives Geplänkel und ließen einen Hauch von sinnentleerter Nichtigkeit zurück. Den Anfang machte Jakob Nolte, der mit „Gespräche wegen der Kürbisse“ einen gewohnt absurden Theatertext präsentierte. Zwei Freundinnen, Anna Krachgarten und Elisabeth Mishima, treffen sich zum überfälligen Kaffeeklatsch und reden. Über Gott und die Welt, Flüchtlinge, einen ermordeten Vater, Raumfahrttechnik etc. Ein Dialogstück, gepaart mit einer Prise Dada und – wie bei Nolte üblich – mit viel Absurdität. Tom Kühnel, der den handlungsarmen Text für das DT inszenierte, konzentriert sich leider auf das allzu Offensichtliche: Er lässt Maren Eggert und Natali Seelig auf der Hinterbühne der Kammerspiele an einem Kaffeetisch sitzen und – reden. Während die Freundinnen aneinander vorbeisprechen, weil sie – wie die Drehbühne,...

Die Autorentheatertage am Deutschen Theater Berlin verlieren mehr und mehr an Biss

Postkoitale Zukunftsdebatten

Puppentheater sei eine „magische Kunst“. Das hört man immer wieder, wenn Menschen, die sich zum professionellen Spielen mit Objekten und Puppen entschlossen haben, sich über die Reize ihres Metiers äußern. Da geht es dann um das Staunen, dass profane Dinge wie Streichhölzer plötzlich belebt, ja mit Seele versehen werden können und die „emotionalen Maschinen“, die wir Menschenwesen ja sind, tief zu berühren vermögen. Analytischere Geister, wie etwa die russische Puppenspielregisseurin und Theaterwissenschaftlerin Anna Ivanova-Brashinskaya, kehren die spirituellanimistischen Grundlagen der Handpuppe heraus, die, mit dem Körper des Puppenspielers direkt verbunden, eher archaische Sachverhalte zu „performen“ imstande ist und damit auch die Verbindung des Menschen zu einer voraufgeklärten Götter-, Geister- und Gefühlswelt aufrechterhält. Beim Symposium Aufbruch, das im Rahmen des Internationalen Figurentheaterfestivals Blickwechsel in Magdeburg stattfand, konnte man sich auch vom Puppenspieldozenten der Ernst-Busch-Hochschule, Markus Joss, hinreißen lassen, als er die Marionette mit all ihren Fäden als ein Netzwerk bezeichnete, an dem eben nicht nur ein Spieler hängen und die Marionette bewegen kann, sondern viele, die, mit Fäden und Marionette verbunden, sich in ein neues, vielköpfiges und vielstimmiges System verwandeln können. Eine neue Ästhetik deutete sich hier an. Und auch die Forderung von Ivanova-Brashinskaya, die Positionen von Spielern und Puppen einmal zu...

Peter Kurth: Die Verwandlung

Neuerscheinungen im Verlag