Ich verwende alltägliche Objekte auf der Bühne, die zwar funktional benutzt werden, aber um etwas nachzustellen oder zu inszenieren, das überhaupt nicht dem gewöhnlichen Kontext entspricht, in dem wir ihnen normalerweise begegnen. Das sind oft schwer begreifliche oder existenzielle Dinge wie Gewalt und Tod, aber im letzten Projekt auch naturwissenschaftliche Modelle wie das Atom, die heute unsere ganze Realitätswahrnehmung prägen, oder aktuell aus der Perspektive der Mikrobiologie die Frage, was Leben ist. Unsere Welt ist so komplex geworden, dass sie einem immer unzugänglicher erscheint. Deshalb gestalte ich meine Stücke so einfach wie möglich. Durch die Art, wie ich das mache, entfaltet sich gleichzeitig die Unmöglichkeit das zu tun, weil wir Dinge absolut und objektiv nicht begreifen können. Alles steht immer in einem Zusammenhang und dieser verändert sich. Manchmal finden Zuschauer*innen das banal und langweilig – es ist eben das Gegenteil von spektakulär. Befriedigender für mich ist es natürlich, wenn sich etwas öffnet, Perspektiven sich erweitern. Mich beschäftigt die Resonanz bei den Zuschauer*innen sehr. Natürlich treibt einen ein bestimmtes eigenes Interesse an, wenn man recherchiert und arbeitet, aber im Endeffekt geht es mir vor allem um diesen Moment, wo das, was wir entwickeln, wahrgenommen und damit verändert wird. Mir ist wichtig,...

Wir wollten von Eva Meyer-Keller wissen, welche Resonanz sie vonseiten der Zuschauer auf ihre Stücke bekommt, und wie diese Reaktionen und Schwingungen wieder zurück auf ihre künstlerische Arbeit einwirken. Wie kann man als Künstlerin die eigene Arbeit offen halten für solche Wirkungen? Wie politisch ist diese resonante Kommunikation zwischen Künstlerin, Kunst und Publikum?

Produktive Spannungen zwischen Performen und Zuschauen

Das Widerständige der Resonanzen

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Notizen / Festivalkalender

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Frühlingstheater

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Alles total anders

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Berliner Chaos-Tage

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Pollesch ohne Pollesch

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Resonanz, verstanden als besonderer Beziehungsmodus von Subjekt und Welt, eröffnet auch für das zeitgenössische Figurentheater interessante Einsichten und Perspektiven. Der folgende Artikel versteht sich als tastender Versuch, einige Kernthesen der aktuellen Resonanzdebatte2 für das Figurentheater fruchtbar zu machen. Mit einem feuchten Wischmopp zeichnet eine Frau etwas auf den Bühnenboden – das japanische Schriftzeichen für „Nichts“, wie sie sagt. Dann setzt sie sich auf den Boden und beobachtet das langsam abtrocknende Wasserzeichen. Und wie bei einer geheimen Verabredung richten wir den Blick auf die gleiche Stelle, stimmen in ihren Atemrhythmus ein und verharren in gemeinsamem Schweigen. Vier Menschen aus Israel und Deutschland erzählen einander Familiengeschichten. Und spannen irgendwann ein dünnes Drahtseil durch den Raum, auf dem ein fragiles Puppenwesen balanciert. Mit großer Behutsamkeit übergeben sich die Spieler*innen das Seil, um die kleine Figur zu lenken und nicht abstürzen zu lassen. Und wir zittern mit ihnen (oder mit der Figur?) und halten mit ihnen den Atem an. Ein Paar und ein gemeinsames Haus. Möbel, die sich den Rücken zudrehen, voneinander entfernen, den festen Stand verlieren. „Do you like the sofa?“ „Yes.“ „But do you really like the sofa?“ „No, not really.“ Nach und nach entfernen der Mann und die Frau all die...

Resonanz, verstanden als besonderer Beziehungsmodus von Subjekt und Welt, eröffnet auch für das zeitgenössische Figurentheater interessante Einsichten und Perspektiven. Der folgende Artikel versteht sich als tastender Versuch, einige Kernthesen der aktuellen Resonanzdebatte2 für das Figurentheater fruchtbar zu machen.

Resonanzbeziehungen im zeitgenössischen Figurentheater

Von der Dingfreude1

Hamburger Marathon

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Nationalsozial-charaktermasken

English Summaries

Editorial

Samtener Schutzraum

Darwin-Theater

‚Theater der Dinge‘. Wow! Als ich vor drei Jahren in Berlin die Anzeige für das Buch „Lektionen 7 / Theater der Dinge“, mit dem Untertitel „Puppen-, Figuren- und Objekttheater“ sah, wusste ich es sicher: das ist der richtige, alles umfassende Fachausdruck, um Theater, in dem Objekte und andere Dinge eine sehr große Rolle spielen, zu benennen1. Ver-Ding-Ung + Theatralisierung In den vergangenen vierzig Jahren, in denen ich über Theater, Tanz, Kinder- und Jugendtheater und viel über Figurentheater in Flandern schrieb, habe ich festgestellt, dass die Formgebung, die Szenografie immer wichtiger geworden sind. Der ‚Nicht-Text-Teil‘ in Theateraufführungen aller Genres ist groß geworden und nimmt zu. Neben Text und Spiel der Darsteller*innen gewinnen so Ausstattung, Requisten, Licht, Kostüme an Bedeutung. Dinge/Objekte aller Größen und Typen führen zunehmend ein eigenes Leben. Vermehrt werden Film, Video, Animationsfilm, Stop-Motion, Nahaufnahmen, 3D-Projektionen, mechanische Installationen, Masken, Automaten, Roboter, Schattenspiele usw. verwendet. Auch Soundscapes, ein Spiel der Klänge, sind wichtiger geworden. Flämische Theater, die das Label Figuren- und Objekttheater tragen, wie Theater Froe Froe, Alibi Collectief, Ultima Thule, De Spiegel, Beeldsmederij De Maan und Theater Tieret, machen ihr ganzes Leben lang schon diese Art von Theater. Inzwischen bringen jedoch auch ‚traditionelle‘ Theater Dinge zum Leben. Ich...

Der belgische Theaterkritiker Tuur Devens diskutiert die Genrebezeichnung „Theater der Dinge“1 im Kontext aktueller Entwicklungen der Bühnenkünste in Flandern und der weltweiten Veränderungen unserer Lebensbedingungen.

Beobachtungen zum „Theater der Dinge” in Flandern

„Ver-Ding-ung” und „Verstillung”

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

In meiner Arbeit gehe ich meist von einem Körper aus, der als Gefäß fungiert. Dieser Köper befindet sich in einem „leeren“ offenen Zustand – diesen Zustand würde ich als Präsenz bezeichnen. Präsenz steht für mich also in direkter Verbindung zu einem Körper, der als Resonanzraum im Umgang mit Objekten, Puppen, Masken in Schwingung gerät und sich im Spannungsverhältnis von Wahrnehmung und Erinnerung bewegt. Ich suche einen durchlässigen „osmotischen“ Körper, der nicht im Ausdruck verhaftet ist. Für die Zuschauer*innen soll vielmehr ein Wiederhall oder Abdruck erfahrbar werden, der nicht unmittelbar mit psychologischer Sinnhaftigkeit besetzt ist. Ein Echo, das durch seine ambivalente Indifferenz auf etwas Bekanntes verweist, aber doch die Faszination des Fremden besitzt. Im Prozess des Spiels suche ich diesen Resonanzraum intuitiv über Wahrnehmung und Erinnerung von außen nach innen anzureichern. Im gleichen Zug reflektiert dieser Innenraum das Aufgenommene und übersetzt es in Bewegungsimpulse. Dieser Ansatz bildete auch die Grundlage für meine im Mai 2019 in Stuttgart uraufgeführte Produktion Imprint [Versuche zur Abwesenheit]. Dabei haben wir mit Totenmasken, Post-mortem-Fotografie und Familienportraits gearbeitet. Die (Toten-)Maske als Larve ist für mich ein Grenzraum zwischen dem Körper, dem Gesicht und dem Umraum. Sie ist auch ein Resonanzraum auf zweierlei Weise: Zum einen akustisch, je...

Jan Jedenak (Dekoltas Handwerk) erläutert, welche Rolle „Resonanz“ in seinen künstlerischen Arbeiten spielt. Resonanzraum und Echo beschreiben die Potentiale einer „schwingenden“ Verbindung zwischen Zuschauern und Künstler.

Resonanzraum und Echo im Figurentheater

Der Körper als Gefäß

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Irgendwann, vor Langem im gymnasialen Physikunterricht, hat sich mir ein Film über die Tacoma Narrows Bridge eingebrannt. Diese nordamerikanische Hängebrücke wurde 1940 eröffnet und stürzte spektakulär noch im selben Jahr wegen falsch eingeschätzter Windverhältnisse ein. Die dramatische Transformation einer scheinbar soliden Brücke in eine surreale, kinetische Skulptur faszinierte mich; ein alltägliches, statisches Stück Architektur flippte aus und vernichtete sich auf sublime Weise selbst. Die Brücke, vom Wind fatal beschwingt, schaukelte sich in bewegter Resonanz mit der Welt unkontrollierbar auf. Grenzwertig erschien mir das, im wahrsten Sinn des Wortes, als nämlich das Bauwerk diese extremen Verbiegungen erstaunlich lange durchhielt. Irgendwann war es ihm jedoch abrupt zu viel und es endete in katastrophaler Zerreißung und unmittelbarem Kollaps. Seitdem sind die Begriffe Resonanz und Katastrophe für mich untrennbar verbunden. Zusammen erzeugen sie ein dynamisches Spannungsfeld, eine Metapher für Auf- und Erregung, Bewegung im Sinne einer Gratwanderung; ambivalent in ihrer Natur, tendenziell am Rande des Absturzes; riskant, aber zutiefst lebendig und existentiell sinnstiftend. Schleifenbildung Ähnlich ist Feedback im Tonbereich ein prominentes Schleifenbildungs-Phänomen: Klang also, der sich selbst (rück)speist und damit mehr und mehr verdickt und verstärkt und – so nicht geregelt – schließlich in unsäglichem resonanten Kreischen explodiert. In einem Grenzbereich davor sind allerdings...

Ausgehend von den Schleifenbildungsphänomenen und Verdichtungen von Akkustik und Tonkunst stellt Kurt Hentschläger seine installativen Kunstprojekte in den Zusammenhang zu Ereignissen hochresonanter Begegnungen mit anderen Menschen, Umgebungen, Kunst/Kultur, die starke Gefühle auslösen.

Aufschaukeln _ Schichten _ Verschleifen

Resonanzkatastrophen

Angstlos! Heimatlos?

„Ich denk, das Tier ist tot … Ich weiß, das ist immer widersprüchlich: Einmal willst du, dass es lebt und dann sagst du, es ist tot. Aber es ist einfach tot. Du kannst das nur versuchen, dass es wieder lebt, aber das wirst du nie hinkriegen. Du kannst es echt nur versuchen. Aber es ist tot, es ist einfach tot und es ist auch nur die Haut. Es ist nicht das Tier, es ist nur die Haut. Das Tier ist weg.“ (Lydia Mäder, Präparatorin aus Frohburg) 1 Ausfallschritt kunstgerecht Ein „Präparat“ ist laut Duden-Fremdwörterbuch „etwas kunstgerecht Zubereitetes“. Beispielsweise ein „Arztheilmittel oder chemisches Mittel“. Oder aber eine „konservierte Pflanze“ bzw ein „konservierter Tierkörper“; „zu Lehrzwecken“, wie in eckiger Klammer noch mitgeteilt wird. So weit, so klar, so selbstverständlich. Wäre da nicht dieses Attribut „kunstgerecht“, das im definierenden Kontext gewiss nicht falsch ist – aber zugleich auch wie ein Ausfallschritt aus dieser Selbstverständlichkeit aufscheint. „Erinnerungen für Morgen“ heißt ein 2016 begonnenes Langzeitprojekt der in Leipzig lebenden Künstler Alisa Hecke, Julian Rauter und Andi Willmann. Ein Projekt, das die ja nur noch gelegentlich gern mal mäandernden Grenzlinien „zwischen Kunst und Natur, genauer noch: zwischen Theater und Naturkunde“ (Hecke) abschreitet. Wobei es hier, bei...

Seit 2016 schaut ein interdisziplinäres Kunstprojekt Tierpräparaten tief in die Augen. Der Leipziger Autor Steffen Georgi hat intensiv zurückgeschaut und mit den Künstler*innen über ihr Langzeitprojekt „Erinnerungen für Morgen“ gesprochen.

Über die Schaffung eines Resonanzraums im Futur II

„Das Tier ist weg“

„Julius Jantunen ist dafür bekannt, radikale und oft kontroverse Themen und Methoden für seine Performances zu verwenden.“ So steht es im fiktiven Wikipedia-Eintrag, den das Publikum mit dem Programmzettel bekommt. Von einem „Provokations-Künstler“ ist zu lesen, der als „Bühnenbildner, Dramatiker, Regisseur und Choreograf“ arbeitet. Fast die ganze Theaterzunft exemplarisch in einem Mann vereint. In den „3 Episodes of Life“ – die bei den Wiener Festwochen 2019 einzeln an aufeinanderfolgenden Abenden oder auch an einem Tag in fünfeinhalb Stunden hintereinanderweg zu sehen waren – beschäftigt sich der schwedische Künstler Markus Öhrn mit Aspekten der Macht, deren Missbrauch sowie der Erniedrigung und Ausbeutung von Kunstschaffenden. Dies zeigt er exemplarisch an einem Berufsfeld, in dem Körperlichkeit per se eine Rolle spielt. Wir sehen Jantunen bei der Tanzprobe, bei der sich eine Neue im Team bewähren muss (Episode 1), wie diese Tänzerin bei ihm auf dem Hotelzimmer zu Besuch ist (Episode 2) und er zu den dortigen Geschehnissen ein Statement abgibt (Episode 3). Öhrn zeigt dabei Stereotypen und (Geschlechter-)Klischees: Er (Macht / Täter) – Künstlergenie, egozentrisch und selbstverliebt seine Interessen vertretend vs. Sie (Ohnmacht / Opfer) – Elevin, lechzend nach Anerkennung und Aufmerksamkeit, voller Unsicherheit und Bewunderung. So weit, so eindeutig. Spannend ist die...

„3 Episodes of Life” von Markus Öhrn thematisiert Missbrauch im Kulturbetrieb

(Ver)führung ist (k)eine Kunst

Ran ans Märchen! 

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Figurationen im Film

Der Notfall als Prinzip

Die digitale Masse

Das Theater mit den Finanzen

Die performative Baustelle

Staatstheater Nürnberg: Globaler Zelluntergang

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Von dem Soziologen Hartmut Rosa stammt die vielzitierte Diagnose zu den gesellschaftlichen Umbrüchen der Heutzeit: „Wenn Beschleunigung das Problem ist, dann ist Resonanz vielleicht die Lösung.“ Ästhetisches Empfinden und die sensible Öffnung zur Lebensumgebung, so Rosa, kann vitale Schwingungen erzeugen, die den neoliberalen ‚Versteinerungen‘ der Globalisierung entgegenwirken. Grund genug für uns, einmal den Resonanzen des Figurentheaters nachzuspüren. Meike Wagner und Katja Spiess stellen aus verschiedenen Blickwinkeln die produktive Mehrdeutigkeit des...

Theater ist überlebensnotwendig

„Wann geht es endlich los?“ „Wie lange dauert das Stück?“ „Ich weiß nicht, aber mit diesen harten Sitzen kann es nicht länger als eine Stunde dauern.“ „Wann kommt der Kasper?“ Da sitzt es nun, das Publikum und wartet: Gegenüber der kleinen Holztribüne mit dem menschlichen „echten“ Publikum sitzen nämlich in „On était une fois“ (grob übersetzt „Man war einmal“) von der Cie. 36 du mois knuffige Stofftiere auf noch kleineren Bänken und warten auf den Beginn der Vorstellung. Zu diesem „Bühnenpublikum“ zählen ein nachdenklicher Affe, ein verirrtes quietschendes Küken, ein distinguierter Wolf und ein Schlappohrhase, der als einziger das Programmheft zum Stück gelesen hat. Computergesteuert und mit ganz unterschiedlichen Stimmen (alle eingesprochen von Emmanuel Audibert, der auch die Bühne und die Figuren ausgetüftelt hat) wechseln die Dialoge vom Banalen zum Philosophischen, verharren nicht in der Satire, sondern erweitern das Bild des Zuschauers auf eine höhere Ebene: Ziehen wir uns nicht oft auch im Leben auf den Standpunkt des Zuschauers zurück, sprechen lieber vom „On“, vom „Man“, der dringend etwas tun, etwas ändern müsste? Auf der kleinen runden eigentlichen „Bühne“ sind unterdessen, ebenfalls computergesteuert und begleitet von Jazz-Musik, Szenen mit winzigen Menschenfiguren zu sehen, spielen sich kleine Begegnungen ab, ein Konzert...

Es war – wie immer in Charleville-Mézières – ein Festival der Superlative: 104 Compagnien aus 28 Ländern, 440 Vorstellungen, 18 Koproduktionen – und das nur im offiziellen Programm. Ein mindestens ebenso großes Off-Programm mit eigenen Spielorten überall in der Stadt zeigte im September 2019 die unglaubliche Vielfalt der französischen Figurentheater-Szene. Das Institut français lud nun Veranstalter*innen aus zwölf Ländern ein, einige französische Gruppen in einem kleinen Schwerpunkt kennenzulernen – ein Beweis auch für die Wertschätzung des Genres in Frankreich. Unsere Autorin berichtet über diesen Programmausschnitt.

Das 20. Festival Mondial des Théâtres de marionnettes zeigt philosophisches, literarisches Theater

Qu'est-ce que l'homme? Was ist ein Mensch?

Brennender Schatten

Staatstheater Mainz: Apfelstrudel aus der Tube

Impressum

Ende der Exception Culturelle

Sich selbst begegnen statt zuschauen In eine besondere Umgebung begibt man sich auch, wenn man entlang der massiven Mauern in den Erlanger Burgbergkeller hineinläuft und in der vollkommenen Dunkelheit schließlich jegliche Orientierung verliert. Plötzlich blitzen auf einer riesigen Leinwand nur für Sekunden grelle Muster und Formen auf und offenbaren nicht nur die beeindruckende Größe des Gewölbes, sondern hinterlassen visuelle Eindrücke, die unmittelbar auf der Netzhaut nachhallen, während tiefe Klangimpulse den Körper durchdringen. Ähnlich wie bei „FEED“ – Kurt Hentschlägers immersiver Installation, die uns bereits 2009 im Experimentiertheater mittels dichtem Nebel und Stroboskoplicht in eine psychedelisch-rauschhafte Farben- und Musterwelt eintauchen ließ – scheint auch seine aktuelle Arbeit „SOL“ Raum und Zeit aufzulösen und konfrontiert die Besucher*innen mit der eigenen Wahrnehmung, indem unmittelbar erlebte visuelle, akustische und sensorische Resonanzen ästhetischer Vorgänge das gewohnte Körperempfinden radikal herausfordern. Moran Duvshanis „Cardiophone“ lenkt die Aufmerksamkeit noch weiter ins Körperinnere und nimmt die Besucher*innen während ihrer Einzeltermine mit auf eine Reise zu sich selbst. In der Stille und Geborgenheit der Neustädter Kirche werden im Laufe dreier, immer weiter den Turm hinaufführender Stationen zunächst die Herztöne aufgezeichnet und in einen Lochstreifen gestanzt, der dann schließlich mittels einer Spieluhr die ganz persönliche Herzmelodie erklingen lässt – simpel und...

Es herrschte bestes Sommerwetter in Franken, während das 21. Internationale Figurentheaterfestival seine rund 22.000 Besucher*innen vom 24. Mai bis 2. Juni 2019 mit einem gewohnt vielfältigen Programm quer durch die Metropolregion führte. Neben den altbekannten Veranstaltungsräumen – wie dem Erlanger Markgrafentheater, dem Schwabacher Stadtmuseum, der Nürnberger Tafelhalle oder dem Fürther Kulturforum – wurde mit „La Spire“ von Chloé Moglia/Rhizome und ihrer riesigen, spiralförmigen Stahlkonstruktion die Wiese am Europakanal akrobatisch bespielt, AKHE lieferten mit „Utopie“ eine anarchische Feuershow auf dem Erlanger Großparkplatz, der amerikanische Street Art-Künstler David Zinn ließ seine kreidegezeichneten Phantasiewesen „Sluggo &amp; Phil“ durch die Fürther Innenstadt ziehen und Rimini Protokoll befragten mit dem Publikum an Bord eines zur Tribüne umgebauten LKWs in „DO‘s &amp; DON‘Ts“ die sichtbaren und unsichtbaren Regeln der Gesellschaft bei einem Roadtrip durch Nürnberg.

Das 21. Internationale Figurentheaterfestival in Erlangen, Nürnberg, Fürth und Schwabach

Begegnungen zwischen Individuum und Kollektiv

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

Eine Wette auf die Zukunft

Milder Schock beim Lesen des Artikels „Anachronismus als Potential“ von Steffen Georgi über das Festival Blickwechsel in Magdeburg letztes Jahr – und zwar dort, wo er über den double-Diskurs berichtet. Offenbar hält man nach mehr als einem halben Jahrhundert (!) fruchtloser Bemühungen immer noch fest an der scheinbaren Notwendigkeit, dem Genre andere Labels verpassen zu müssen. Wann begreift man endlich, dass es nichts nutzt? Ja sogar schadet! Mit dem ständigen Labelwechsel erreicht das Puppentheater das Gegenteil vom viel beschworenen ‚branding‘: Es wird diffus. Es ist doch den meisten Außenstehenden bzw. dem Publikum total unklar, was man sich unter Materialtheater, Objekttheater, Figurentheater, Bildertheater, Theater der Dinge, Spielzeugvorstellungen, Requisitentheater usw. vorstellen soll. Dagegen ist die Bedeutung des Begriffs ‚Puppentheater‘ nun tatsächlich zusammengeschrumpft, so ungefähr auf Kasperle- und Kindertheater. Warum ist uns nicht gelungen, was beim Tanz so gut funktioniert hat? Bei diesem Begriff stellt man sich doch heutzutage ohne weiteres viele verschiedenen Formen vor: sowohl klassisches Ballett wie auch modernen Tanz, Jazzballett, Flamenco, Theatertanz, Hip Hop usw. Warum haben wir Puppentheater nicht zum Synonym gemacht für „die magischste aller Bühnenkünste“, wo – und das ist doch unser core-business – der Puppenspieler/die Puppenspielerin den Dingen auf der Bühne ein Bewusstsein, eine Seele gibt...

Eine deutlich andere Meinung als der Autor des vorhergehenden Artikels vertritt die frühere Leiterin der Produktionsstätte „Feikes Huis“ in Amsterdam, Eliane Attinger, in ihrer Resonanz auf den im letzten Heft veröffentlichten Bericht über den 6. double-Diskurs in Magdeburg. Dieser hatte Benennung und Selbstverständnis des Genres enggeführt und gefragt: „Puppenspiel“, „Figurentheater“, „Theater der Dinge“, „Anderes Theater“ oder ...?

Zur Debatte über Genrebezeichnungen

Geheimklub?

R Ä U M E

Sibylle Tröster, seit 2009 Intendantin des Theaters, hat das Profil des Hauses als Ensemblepuppentheater in den letzten zehn Jahren systematisch gepflegt und weiterentwickelt. Mit dem Programm des Festivals Synergura und dem Engagement internationaler Gastregisseur*innen forderte sie Ensemble und Publikum immer wieder mit neuen Ästhetiken und Handschriften heraus und suchte diese für den Spielplan fruchtbar zu machen. Eine der impulsgebenden künstlerischen Partnerschaften der letzten Jahre war die Zusammenarbeit mit der in Amsterdam lebenden Figurenspielerin und Regisseurin Ulrike Quade, aus der zwei Gemeinschaftsproduktionen entstanden: 2017 „Die Liebe der kleinen Mouche“ nach dem Roman von Paul Gallico und 2019 – als Kooperationsprojekt mit dem Theater Erfurt und dem Tanztheater Erfurt – eine Neuinszenierung von Henry Purcells „The Fairy Queen“. Vor allem die „überzeugend klare Bildsprache und die kompromisslose Konsequenz ihrer Inszenierungen“1 habe sie an Ulrike Quades Theater gereizt, beschreibt Sibylle Tröster den Initiationsmoment für die gemeinsame Inszenierungsarbeit. Sehr wichtig sei ihr deshalb in der konzeptionellen Vorarbeit zur ersten Gemeinschaftsproduktion das partnerschaftliche Miteinander gewesen, „und Ulrike Quades Interesse, mit einem ganzen Ensemble professioneller Puppenspieler*innen arbeiten zu können, hatte großen Anteil daran, dass wir uns letztlich für ‚Die Liebe der kleinen Mouche‘ entschieden“. Auch Ulrike Quade beschreibt als eine wesentliche Qualität der Zusammenarbeit „die...

Im September dieses Jahres feierte das Erfurter Theater Waidspeicher mit einer Uraufführung und einem Festwochenende sein 40-jähriges Jubiläum. Das 1979 als Sparte der damaligen Städtischen Bühnen gegründete und 1993 in Vereinsträgerschaft überführte Haus gehört zu den wenigen kommunalen Puppentheatern im Osten Deutschlands, die ihre Identität als Ensemble- und Repertoiretheater auch in der Nachwendezeit erfolgreich behaupten konnten.

Über die Zusammenarbeit des Theater Waidspeicher mit der niederländischen Theatermacherin Ulrike Quade

Das Beste beider Welten

Das Ährenfeld als stille Utopie

Schauspiel Essen: Unnachgiebig behutsam

Beim Gemüseorchester aus Wien entstehen die Instrumente vor jedem Konzert neu. Zwei Stunden wird geraspelt, dann werden Karotten, Sellerie, Kürbis, Lauch und anderes Grünzeug drei Stunden lang getunt, um als Percussion-, Blas- und Streich-Instrumente ein kurzes, aber intensives Leben zu führen. Die Musik, die in der Schaubude den Saal erobert, ist wunderbar vielseitig und auf aufregende Weise neu. So fügen die Kürbisposaunen, Gurkophone und Karottenflöten dem Jazz eine ungeahnte Ebene hinzu. Später wird auch die Neue Musik durch die Rhythmik von Paprikatrompeten bereichert. Gleichzeitig dirigiert subtiler Humor jedes Klangstück. Und auf einmal drängt sich dieser latent vorhandene Humor in den Vordergrund. Dann entledigen sich Salat und Lauch in einem Akt der mutwilligen, kreativen Selbstzerstörung all ihrer Bestandteile. Und all das ist hörbar mit Hilfe einer speziellen Mikrofonierung. Nötig ist die richtige Mischung aus Kondensator-, Gesangs- und Kontaktmikrofonen, damit ein Orchesterklang entsteht, der alle Töne gleichberechtigt nebeneinander existieren läßt. Nun gut, so ganz neu ist das nicht: Seit 21 Jahren existiert das Gemüseorchester. Die zwölf MusikerInnen sind inzwischen in vielen Orten Europas und sogar einmal in China aufgetreten. Jetzt war ihre Konzertperformance einer der Höhepunkte des kleinen, aber ausgesucht feinen Festivals „Klang der Dinge“ in der Schaubude Berlin: Vom 5. bis...

Klingende Maschinen, lautmalerische Gegenstände, singendes Gemüse – die Berührungspunkte von experimenteller Musik und Objekttheater standen im Zentrum des Festivals „Klang der Dinge“ mit dem die Schaubude Berlin die Spielzeit 2019/2020 eröffnete.

Experimentelle Musik trifft Objekttheater beim Festival „Klang der Dinge”

Paprikatrompeten und Empathie für eine Treppe

Dramaturgie der Solidarität

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Anfangszeiten der Inklusion

<blockquote> „Die Pädagogik des Leidens steht im Gegensatz zu Verwaltungssystemen, die Leiden nicht abbilden können, weil sie von den Bedürfnissen des Körpers abstrahieren. Wenn aber die Verletzlichkeit des Körpers und der Schmerz in den Vordergrund gerückt werden sollen, dann brauchen wir eine neue Sozialethik.“ Arthur Frank, The Wounded Storyteller </blockquote> Der medizinische Sektor in den Vereinigten Staaten ist in der Krise. Burnout von Ärzt*innen weitet sich zur Epidemie aus, wenn 46% der Mediziner von „physischem oder mentalem Kollaps durch Überarbeitung und Stress“ berichten.2 Der Appell„Ärzte, ihr sollt euch selbst heilen“ war mit Blick auf die Sicherheit der Patient*innen und des gesamten Berufsstandes noch nie dringender als heute.3 Der amerikanische Gesundheits- und Pflegesektor wird geplagt von festgefahrener rassischer und ökonomischer Ungleichheit und Geschlechterungerechtigkeit. Als Reaktion darauf wurden in den letzten dreißig Jahren Proteste von Patient*innen- und Behindertenorganisation laut, die eine Stärkung der Selbstbestimmung in der Krankheitserfahrung einfordern. Aber wie können wir Individuen dazu auffordern, sich selbst zu heilen, in einem System, das keinen Spielraum dafür bietet? Es handelt sich um eine systemische Krise, die alle Facetten des Gesundheitswesens im 21. Jahrhundert betrifft: das Wegrationalisieren von Pflegediensten, Pfleger*innen und Ärzt*innen, das Negieren von Körpern und Stimmen der Patient*innen. Die profitgierige Gesundheits-Industrie reduziert...

Die Figurentheater-Künstlerinnen Marina Tsaplina, Jules Odendahl-James und Torry Bend berichten von ihrer Kooperation mit dem medizinischen Studiengang „Reimagine Medicine“ an der Duke University. Um der Krise des Gesundheitswesens in den USA zu begegnen, erarbeiten sie mit den Medizinstudent*innen künstlerische Experimente, in denen die Achtsamkeit auf den eigenen Körper und die Empathie gegenüber anderen gestärkt werden.

Wie die Kunst des Puppenspiels ermöglicht, Medizin neu zu denken1

Die „Illusion des Lebens“

„Augenblick mal!“ 2019 wies in mindestens zweierlei Hinsicht Besonderheiten auf: Von den zehn ausgewählten Impuls gebenden Inszenierungen für junges Publikum kamen drei aus dem Bereich Figuren-/Objekttheater. Und unter diesen befand sich auch noch die einzige Produktion, die es jemals ins Festival-Programm geschafft hat, ohne in Berlin gastieren zu können: Wedekinds „Frühlings Erwachen“ von der Münchner Schauburg in der Regie von Jan Friedrich – dazu meine erste Frage an Sie: Was war ausschlaggebend für diese singuläre Entscheidung des Kuratoriums? Ganz grundsätzlich liegt uns als Kurator*innen schon an Spartenvielfalt. Allerdings sind Entwicklungen in allen Kontexten wellenförmig und nicht gleichzeitig, und nachdem wir im Bereich Tanz für junges Publikum viele Jahre wegweisende Inszenierungen sehen konnten und das Musiktheater sehr eigene Formen entwickelt hat, war in den Bewerbungen der Theater aus den Spielzeiten 2016/2017 und 2017/2018 das Figuren-/Objekttheater wirklich stark. Vor allem interessierte uns, Inszenierungen zur Diskussion zu stellen, die wir so oder ähnlich eher nicht gesehen hatten oder deren Arbeitsweise eine besondere war – also keine Bestenschau, auch wenn wirklich eindrucksvolle Produktionen dabei waren. Dass das Gastspiel „Frühlings Erwachen“ an der Spielstättensuche in Berlin scheitern würde, konnten wir bei der Auswahl nicht ahnen und bedauern es sehr. Wir haben hier einen besonders starken...

Im April 2019 fand, wie alle zwei Jahre, das Festival des Theaters für Junges Publikum „Augenblick mal!“ in Berlin statt. Das Festival will Einblick geben in neue und wegweisende Entwicklungen im Bereich des Kinder- und Jugendtheaters in Deutschland. Für die Auswahl des auf zehn Produktionen begrenzten Programms sichtet ein fünfköpfiges Kuratorium die vorgeschlagenen Inszenierungen. Die double-Redakteurin Anke Meyer befragte Bianca Sue Henne, Mitglied des Kuratoriums, zu der in diesem Jahrgang ungewöhnlich starken Präsenz des „Theaters der Dinge“ im Programm.

Die „Augenblick mal!”-Kuratorin Bianca Sue Henne im Dialog mit Anke Meyer

Aus der gigantischen Puppenstube ins Klangexperiment

To The New York Symphony Orchestra, February 2, 1924 Dear Friends: I have the joy of being able to tell you that, though deaf and blind, I spent a glorious hour last night listening over the radio to Beethoven's Ninth Symphony. I do not mean to say that I "heard" the music in the sense that other people heard it; and I do not know whether I can make you understand how it was possible for me to derive pleasure from the symphony. It was a great surprise to myself. (...) Last night, when the family was listening to your wonderful rendering of the immortal symphony someone suggested that I put my hand on the receiver and see if I could get any of the vibrations. He unscrewed the cap, and I lightly touched the sensitive diaphragm. What was my amazement to discover that I could feel, not only the vibrations, but also the impassioned rhythm, the throb and the urge of the music! The intertwined and intermingling vibrations from different instruments enchanted me. (...) How the lovely speech of the violins flowed and plowed over the deepest tones of the other instruments! When the human voice leaped up trilling...

Wie aus einer Vibration ein Theaterstück wurde

Die Alchemie der Sinne

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

Guilt-Trip durchs Vogtland

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Vorbemerkung: Ich gebe zu, der Begriff der Resonanz hat für mich eher einen suspekten Charakter. Bisweilen hat man als Musiker mit Räumen zu tun, in denen das eigene Spiel Schwingungen hervorruft, die den gewünschten Klang unangenehm verzerren. Im übertragenen Sinn verwandt, ist das romantische Resonanz-Modell vom Theater als einer in den Menschen gefühlige Schwingungen anregenden Institution für mich eher unter Betroffenheitskitschverdacht. Auch als soziologischer Modebegriff steht die Resonanz für eine eher unkritische Theorie, die meinen ästhetischen Vorstellungen von Bühnenmusik, die viel mehr von Improvisation und Gegensatz, befruchtendem Kontrast, Autonomie der Mittel und Individualität des Ausdrucks denn von dramaturgisch-akustischer Gleichschaltung geprägt sind, zuwiderläuft. Und dennoch gibt es gerade im genreübergreifenden künstlerischen Prozess unbestreitbar Affinitäten und Annäherungen zwischen Musik, Raum und Objekt, die mit dem physikalisch-akustischen Begriff der Resonanz anschaulich beschrieben werden können. Frei assoziativ umkreist mein Interview mit der Bühnenmusikerin und -komponistin Charlotte Wilde, dem musikalischen Part des Figurentheaters Wilde und Vogel, dieses Themenfeld. Was verbindest du mit dem Begriff der Resonanz? Da denke ich zunächst einmal an Musikinstrumente, deren Schwingung man spüren kann. Im Bezug auf die Theatermusik scheint mir der Begriff nicht so sehr interessant, weil einseitig, da es ja technisch gesehen um einen Sender geht, der etwas zum...

Johannes Frisch im Gespräch mit der Musikerin Charlotte Wilde

Was schwingt denn da noch mit?

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Unser Verhältnis zur Natur ist widersprüchlich: Fast täglich zeugen Berichte über Artensterben, Umweltkatastrophen, kapitalistisch motivierte Ausbeutung von Ressourcen oder die all das umfassende Klimakrise vom rücksichtslosen Umgang des Menschen mit der Erde. Gleichzeitig legen wir Wert auf gesunde Ernährung, Tierschutz oder Outdoor-Aktivitäten und beschreiben das Leben im Einklang mit der Natur nur zu gern als Idealzustand. Die drei hier beleuchteten Performances thematisieren diese komplizierte Beziehung auf sehr unterschiedliche Weise – und stellen unsere Perspektive auf die Natur infrage. Natur erleben Im Rahmen der vierten Ausgabe des Theaterfestivals FRATZ International zeigen Angela Schubot und Jared Gradinger mit „YEW:kids“ (dt. Eibe) eine ungewöhnliche Performance für Menschen ab drei Jahren im Botanischen Volkspark Pankow. Als Expeditionsgruppe starten wir einen gut 40-minütigen Spaziergang durch Feld, Wald und Wiesen und werden dabei, so hören wir gleich zu Beginn, „auf Wesen treffen, die vielleicht kein Gesicht oder kein Vorne haben.“ Doch zunächst probieren wir die saftigen Blätter des Sauerampfers und hören, wie die Pflanze klingt: Mit einer App wandelt der Sounddesigner Stefan Rusconi deren Impulse in helle Laute um. Die Natur1 ist zutiefst lebendig und auch das erwachsene Publikum tritt neugierig mit ihr in Kontakt. Zwar erwische ich mich dabei, über im Gras lauernde Zecken...

Von überraschenden Begegnungen und ungewöhnlichen Allianzen

Die (menschliche) Natur im Fokus

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

The Ghost, The Voice, The Faceless

Die Zukunft nebenan

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

Gehen wir über eine Brücke, so kann es passieren, dass die physikalische Schwingung der Architektur mit uns in Resonanz tritt. Reiht man sich etwa ein in den Touristenstrom auf dem Salzburger Makartsteg über die Salzach, so kommt man womöglich mit weichen Knien auf der anderen Seite an. Das Gefühl der Unsicherheit, des Risikos ist durchaus nicht unbegründet, gibt es doch überall auf der Welt Beispiele für Brücken, die mit drastischem Resonanzeffekt katastrophal einbrachen.1 Gleichzeitig kann man sich jedoch auch wohlig hineingeben in solche Schwingungen, man schmiegt sich dem ‚anderen‘ an und fühlt, wie man in gleichzeitigem Widerstand und Zusammenklang nach außen wächst. Der Fall der Nienburger Saalebrücke2 aus dem Jahr 1825 zeigt, wie beides durchaus zusammenkommen kann. Die Nienburger hatten die erste Schrägseil-Hängebrücke Deutschlands in Auftrag gegeben. In der Mitte war die Brücke unterteilt, hier konnte man eine Klappe öffnen, um Segelschiffe passieren zu lassen. Über Stützen waren die beiden Brückenteile mit dicken eisernen Ketten an Land abgespannt. Vor der Eröffnung wurde die Brücke ausgiebig mit tonnenschweren Pferdefuhrwerken getestet, um der Bevölkerung deren Stabilität zu demonstrieren. Nachdem die Brücke schon einige Monate problemlos in Gebrauch war, befand man im Dezember 1825, dass es an der Zeit sei, dem...

Wer kennt es nicht, dieses Gefühl, wenn etwas ins Schwanken gerät, oder der Körper beginnt mit einem anderen zusammen zu schwingen – Resonanz. Das Phänomen ist so allgegenwärtig, dass es lohnt, den Versuch zu machen, das Konzept der Resonanz in seiner Mehrdeutigkeit für das ästhetische Erleben von Theater in Anspruch zu nehmen.

Das Schwanken unter den Füßen, das Kribbeln auf der Haut, das Vibrieren der Gedanken

Resonanz und Theatererleben

Acht Regisseur*innen besuchten von September 2018 bis August 2019 die Werkstatt Regie und Objekt am tjg. theater junge generation Dresden. Die von der Intendantin Felicitas Loewe initiierte und in Kooperation mit dem Studiengang Zeitgenössische Puppenspielkunst an der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch" Berlin konzipierte Fortbildung für Puppen- und Objekttheaterregie wurde durch den Theaterpreis des Bundes finanziert, die künstlerische Leitung lag bei der Regisseurin und Professorin am kooperierenden Studiengang, Astrid Griesbach. Auf diverse Blockveranstaltungen zu Theorie und Praxis des Puppen- und Objekttheaters folgte Ende August 2019 die Abschlussinszenierung „Marco Polo“. Ich lernte die teilnehmenden Regisseur*innen während des sächsischen Puppentheatertreffens in Sauen kennen, wo sie gemeinsam mit den Kolleg*innen der sächsischen Puppentheater Workshops besuchten und ihre selbstständig entwickelten Regie-Konzepte vorstellten: Inspiriert von „Il Milione“ und einem Kinderbuch zu Marco Polo wählte jede*r der acht Werkstatt-Teilnehmer*innen eine Station oder Episode aus der Reise Marco Polos und interpretierte diese mit Mitteln des Erzählens und des Puppen- und Objekttheaters aus eigener, heutiger Sicht. Nach dem Besuch der Premiere stellte ich drei beteiligten Regisseur*innen sowie zwei Spielerinnen per Email einige Fragen. Fragen an die Werkstattteilnehmer*innen Nora Otte, Christoph Levermann und Johanna Zielinski: Welche Erfahrungen habt ihr in diesem Jahr in der Werkstatt Regie und Objekt gesammelt?...

Die Gründung einer Fortbildung für Puppen- und Objekttheaterregie am tjg.theater junge generation Dresden ist als Reaktion auf einen eklatanten Mangel zu verstehen: Es gibt bisher keine Ausbildung für Regie im Bereich der animierten Theaterformen.1 Zum Abschluss der Dresdner Werkstatt befragte die Direktorin des Figurentheaters am Theater Chemnitz, Gundula Hoffmann, teilnehmende Regisseur*innen und Darsteller*innen und leitet auch die daraus entstandenen, hier auszugsweise wiedergegebenen Reflexionen und Kommentare ein.

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Assoziationen

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