Was wäre, wenn Elena Gremina und Michail Ugarov den Niedergang des Teatr.doc hätten miterleben müssen? Wenn Enthusiasmus, Kräfte und Geld nicht mehr ausgereicht hätten, nachdem ihr Theater zum dritten Mal aus seinem Gebäude verjagt worden wäre, und sie zum vierten Mal an einem neuen Ort in Moskau einen Neuanfang hätten wagen müssen? Beobachtet man die politische und gesellschaftliche Realität in Russland, wird eines deutlich: Es wird keine wirkungsvollen Orte für freies Geistesleben mehr geben dürfen. Aber was ist ein Theater ohne freies Geistesleben? Ich bin froh, dass Elena Gremina und Michail Ugarov dies nicht mehr erleben werden. Ich habe beide die letzten Jahre sehr wenig gesehen und gesprochen. Nachdem ich 2014 angefangen hatte, in der Ukraine Theater zu machen, habe ich Russland nicht mehr besucht. Ich habe seitdem Elena Gremina je einmal in Berlin und in Kiew getroffen. Es war die Zeit, in der die Repressionen gegen das Theater bereits in vollem Gange waren und es zweimal aus seinen Gebäuden verjagt worden war. Elena Gremina war bei diesen Treffen sehr kämpferisch. Sie sei zu einem Mitarbeiter des FSB zitiert worden, der ihr vorwarf, dass das Teatr.doc volksfeindliches Theater mache. Sie habe ihn zum Teufel gejagt. „Ich, eine Großmutter (Babuschka), als...

In Gedenken an die Leiter des Moskauer Teatr.doc Elena Gremina und Michail Ugarov

Der Tod zum richtigen Zeitpunkt?

Können Frauen komisch sein? Das energetische Duo Projekt Schooriil beantwortet diese Frage seit 2013 in seiner Late Night Show an den Berliner Sophiensaelen mit Ja. Die Show genießt in Berlins freier Theaterszene Kultstatus als Reflexionsbude zweier selbsternannter Diven, die mit grimmiger Systematik all jene Zumutungen auf die Schippe nehmen, die ihnen im Berufsalltag begegnen. Anne Haug und Melanie Schmidli lernten sich vor zwanzig Jahren in ihrer Heimatstadt Basel kennen und studierten später gleichzeitig an der Universität der Künste Berlin. Nach einigen Engagements an deutschen Bühnen traten beide den Weg in die Freiheit an. Zu fremdbestimmt waren die Strukturen, es fehlte die Möglichkeit, Intellekt und komisches Talent auszuleben. Als freie Schauspielerin braucht man ein Demoband. Als die beiden in Showreels im Netz stöberten, waren sie von der reproduzierten Klischeehaftigkeit der meisten Inhalte elektrisiert. Absurd stereotype Geschlechterbilder, wohin man sah. Weil der Markt es so will, weil es den Sehgewohnheiten entspricht. Weil es der Norm entspricht. Wer in der Welt der Repräsentation Neues schaffen will, muss sich die Konventionen vorknöpfen, auch in der eigenen Gedankenwelt. Projekt Schooriil wurde geboren: eine virtuos authentische Late Night Show, branchen- und genderkritisch. Die beiden „Scheißspielerinnen“ Anne und Melanie, Alter Egos der Macherinnen, stehen während der Show...

Die Schauspielerinnen Anne Haug und Melanie Schmidli befreien sich als Projekt Schooriil vom Chauvinismus des Theaters

Scheißspielerinnen

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Frühlingstheater

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Alles total anders

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Berliner Chaos-Tage

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Pollesch ohne Pollesch

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Dass Theater verdächtig erscheint, ist kein neues Phänomen. Schon dem antiken Philosophen Platon war – vereinfacht dargestellt – die Kunst der Nachahmung und Verstellung nicht geheuer, sie erschien ihm geradezu staatsgefährdend. Auch der moderne Aufklärer Jean-Jacques Rousseau hatte keine besonders günstige Meinung vom Theater, errege es doch schädliche Leidenschaften, verderbe die Sitten und verherrliche zudem das Verbrechen. Nun ist es nicht zu leugnen, dass im Theater Verbrechen dargestellt werden: Mord, Totschlag, Intrige, Erpressung, Nötigung, Täuschung und vieles mehr sind in zahlreichen Bühnenwerken zu sehen. Ob jedoch die Darstellung der Übertretung gesellschaftlicher Normen auf der Bühne selbst eine solche Übertretung sei – und damit auch zu ahnden wäre –, ist höchst zweifelhaft, auch wenn sich in letzter Zeit die Stimmen mehren, die dieser Meinung anhängen. Dass das Theater aber als solches ein Verbrechen sei, ist eine Behauptung, die noch einen Schritt weitergeht. Als Milo Rau beim diesjährigen Theatertreffen in Berlin die Einladung zu einer Laudatio nutzte, das deutsche Stadttheater schlicht mit der industriellen Organisation millionenfachen Mordes in den nationalsozialistischen Konzentrationslagern nicht nur zu vergleichen, sondern in eins zu setzen, bediente er sich einer fragwürdigen Wortwahl. Aber nicht nur das: Ebenso fragwürdig – aber weniger von den bisherigen Kommentatoren infrage gestellt –...

Theater und Verbrechen

Geschichten vom Herrn H.

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Nationalsozial-charaktermasken

Editorial

Als Waldgänger bin ich grantig, weil Nachdenken viel Arbeit macht. Führt der Weg ins Theater, bin ich noch grantiger als im Wald. Weil ich selten was höre, das ich noch nicht gehört hab, und darum denke, dass das Theater beim Nachdenken stört. Gruschenka sagt, ich soll nicht so grantig schauen, weil sie dann, um die Leute nicht vor den Kopf zu stoßen, umso lustiger sein muss, und das macht mindestens so viel Arbeit wie das grantige Denken. Als ich den Titel der Aufführung auf dem inzwischen blau angemalten früheren Wasserwerk lese, stürzt es mich unerwartet ins grantig Erbauliche, weil so was hab ich noch nie gelesen. Wo alle andauernd nerven mit ihrer 08/15-Weisheit „Der Weg ist das Ziel“, ziehen sie in Strausberg nur den Rotz durch die Nase: „Das Ziel ist im Weg“. Wenn du das ernst nimmst, dann haut es dich um. Die Andere Welt Bühne liegt so gut wie im Wald. Strausberg ja, aber eben im Wald, östlich von Berlin. Melanie Seeland wird gleich eine Waldgängerin sein, dann auf der Bühne, wo tatsächlich Bäume stehen, aber jetzt geht sie für mich in den Plattenbau und holt Kaffee, weil die Gastwirtschaft noch nicht existiert. In dem Bau gibt es...

Fürchtet euch nicht: In Strausberg entsteht ein Theater

Waldgänger wie Jünger und wir

Samtener Schutzraum

Darwin-Theater

Maske und Ritual gehören zusammen. So jedenfalls in der animistisch-magischen Weltanschauung der Naturvölker. Da gibt es etwa die „Wächter“, die zum Ahnenkult gehören. Sie halten Kontakt zu den Toten, mit denen man nur in Frieden leben kann, wenn diese es zulassen. Denn die Toten sind nicht tot, zumindest nicht so tot, dass sie uns nichts mehr angehen. Eine Steilvorlage für Heiner Müller, der Theater immer auch als eine Form der Beerdigungskultur verstand. Und für Wolfgang Utzts Maskenkunst! In dem Film „Die Zeit ist aus den Fugen“ von Christoph Rüter über Müllers Wendezeit-Inszenierung von „Hamlet/Hamletmaschine“ am Deutschen Theater Berlin sieht man den Regisseur und seinen Maskenbildner in Müllers Wohnung auf Campingstühlen (!) vor dem Fernseher sitzen und die Tagesschau kommentieren. Es scheint für sie nichts Lustigeres gegeben zu haben als die neuen Masken der Macht. Sprachhülsen wie „freiheitlich demokratische Grundordnung“ – die Campingstühle wackelten bedenklich unter den sich vor Lachen Schüttelnden. Utzt wie Müller wussten: Die Zeit der Politik ist eine andere als die der Kunst. Politik wird zum Material der Kunst. Darum braucht man, um Theater zu spielen, auch die Maske. Utzt war bereits 1960 als Praktikant ans Deutsche Theater gekommen – er ist das Bildgedächtnis dieses Hauses, an dem...

Wolfgang Utzt erhält den Ehrenpreis des Brandenburgischen Kunstpreises 2018

Der Schamane

Vielleicht, denke ich, ist das ja die letzte Gelegenheit, Franz Rogowski als Theaterschauspieler zu porträtieren. In der vergangenen Spielzeit an den Münchner Kammerspielen war gerade Mal eine neue Inszenierung mit ihm zu sehen: „No Sex“ von Toshiki Okada. Ansonsten hat sich der 32-Jährige auf der Bühne zuletzt rargemacht. Auf der Leinwand dagegen begegnet er einem derzeit ständig. Drei Filme mit ihm sind allein in diesem Jahr angelaufen, darunter Christian Petzolds „Transit“, die eigenwillige Adaption des gleichnamigen Romans von Anna Seghers, in der Rogowski als politischer Flüchtling Georg nicht nur den Regisseur mit seiner „unfassbar schönen Traurigkeit“ (Petzold über Rogowski) berührte. 2017 waren es sogar vier Kinofilme. Es läuft für ihn auf der Leinwand. Wieso also überhaupt noch Theater? Wir treffen uns im Probegebäude der Münchner Kammerspiele, ganz oben, im Glasspitz, einem Raum mit ringsum Fenstern. Die Sonne scheint. Rogowski möchte raus auf die Dachterrasse, eine rauchen. Und so sitzen wir auf den warmen Bodenplatten, an die Glasscheiben gelehnt. Der Wind zerzaust Rogowskis Haare. Die Selbstgedrehte in der Hand, Sonnenbrille vor den Augen – Rogowskis Ausstrahlung ist von geradezu James-Deanhafter Coolness. Was natürlich schon wieder recht filmisch gedacht ist. Wie sollte es aber auch anders sein? Wo man als Theaterzuschauer diesem...

Franz Rogowski ist der neue James Dean des deutschen Films – und bleibt zum Glück auch dem Theater erhalten

Der Schmerz des Boxers

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Timofej Kuljabin, in diesem Sommer war Russland Gastgeber der Fußball-WM der Männer. Die russische Selbstinszenierung hat ein kurzes Störmoment erfahren, als vier Mitglieder der Performancegruppe Pussy Riot, als Polizisten verkleidet, während des Endspiels auf das Spielfeld gelaufen sind. Nun erwarten sie nicht unerhebliche strafrechtliche Konsequenzen. Wie frei und unbefangen lässt es sich in Russland heute als Künstler arbeiten? Das ist ein gutes Thema, aber vielleicht kein gutes Beispiel. Denn in diesem Fall hätten die Sicherheitskräfte eingegriffen, auch wenn es ein Betrunkener gewesen wäre. Ob bei einem Betrunkenen letzten Endes die Strafe die gleiche gewesen wäre – meines Wissens ein 15-tägiger Arrest und das Verbot, in den nächsten drei Jahren öffentliche Sportveranstaltungen zu besuchen –, darüber kann man nur spekulieren. Auf die eigentliche Frage gibt es keine allgemeine Antwort. Man hat in den letzten Jahren den Eindruck, dass es in Sachen Kunst und Kultur keine stringente Politik – oder wenigstens allgemeine Richtlinien – gibt. Es gibt eine Menge Einzelfälle. Alles hängt von einzelnen Umständen, Interessen und Zufällen ab. Wir wissen, dass zahlreiche Behörden bei einzelnen Theatern oder Künstlern besonders scharf zusehen, wie zum Beispiel beim Moskauer Teatr.doc. Es gibt aber genauso Theater und Regisseure, die sich mit aktuellen, brisanten Themen beschäftigen...

Der russische Regisseur Timofej Kuljabin über die Flitzer von Pussy Riot, die Freiheit der Kunst und seine getwitterte „Nora“ in Zürich im Gespräch mit Erik Zielke

Der Reload-Effekt

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Angstlos! Heimatlos?

Bühnen

Ran ans Märchen! 

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Elfriede Jelinek ist wütend. Nicolas Stemann ist wütend. Und auch die Band Kraftklub besingt zynisch die Wut all derer, die händeringend auf der Suche nach einem Sündenbock sind: „Eins ist klar, so kann das nicht weitergehen mit dem Land. Vertraue nicht dem Staat, nimm es selber in die Hand.“ Wutbürger, Wutkonzerte, Wutchöre – was nach Gedankenfiguren à la Elfriede Jelinek klingt, sind Schlagwörter aus Stefan Donaths neuestem Buch „Protestchöre. Zu einer neuen Ästhetik des Widerstands“. Umso verwunderlicher ist es, dass Donath kein Wort über Stemanns Inszenierung „Wut“, uraufgeführt an den Münchner Kammerspielen, verliert. Donaths Buch stellt den Versuch dar, soziale Phänomene wie gegenwärtige Protestkulturen mithilfe theaterwissenschaftlicher Terminologie zu greifen und auf ihr ästhetisches Potenzial hin zu untersuchen. Eine der Hauptüberlegungen ist die sprachliche Trennung von Chor und Chorischem, die der Autor mithilfe des Begriffs der „politischen Differenz“ (den schon Hannah Arendt geprägt hat) zu bewerkstelligen sucht. Einfach ausgedrückt: Der Chor verhält sich zum Chorischen wie die Politik zum Politischen. Dabei gestaltet sich die politische Dimension des Sozialen unabhängig von der Frage, wie Politik als soziales Funktionssystem zu organisieren ist. Ähnlich autonom will Donath das Chorische verstanden wissen. Im Gegensatz zum Chor, der ein demokratisches System repräsentiert, erschafft das Chorische performativ...

Stefan Donath: Protestchöre. Zu einer neuen Ästhetik des Widerstands. transcript, Bielefeld 2018, 482 Seiten, 34,99 EUR.

Kraft ohne Macht

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Im sächsischen Sebnitz geboren, erhielt Winfried Wagner eine musikalische Ausbildung bei den Dresdner Kapellknaben, wo er von der Schauspielerin Antonia Dietrich entdeckt wurde. Nach einem Studium an der Theaterhochschule Leipzig folgten erste Stationen in Meiningen und Weimar. 1963 holte ihn Wolfgang Heinz an die Berliner Volksbühne, der er als Ensemblemitglied bis 2006 angehörte. Wagner trat nach vielen Besetzungen bei Benno Besson und Fritz Marquardt in legendären Inszenierungen der wilden Wendejahre auf. In Frank Castorfs „Räubern“ (1990) war er der Graf von Moor, in Andreas Kriegenburgs „Woyzeck“ (1991) der Doktor, in Castorfs Eröffnungsinszenierung „König Lear“ (1992) der Herzog von Albany und nachfolgend, auch dank seines ausgezeichneten Gesangs, eine der unvergessenen Figuren in Christoph Marthalers Dauerbrenner „Murx den Europäer!“ (1993) sowie in Castorfs „Pension Schöller: Die Schlacht“ (1994). Er stellte damit nicht zuletzt eine wichtige Verbindung zwischen dem alten Ensemble und der sich in dieser Zeit neu zusammenfindenden Truppe dar. Zu würdigen ist auch Wagners verantwortungsvolle Tätigkeit in der Leitung der Volksbühne in den Jahren 1990 bis 1992, zunächst in einem Dreierteam, dann als alleiniger Interimsintendant, der in der damals aufgeheizten Stimmung von Anwürfen und Verunsicherung einen kühlen Kopf bewahrte und die Intendanz Castorfs kooperativ mit vorbereitete. Diese Besonnenheit, oft mit einer...

Zum Gedenken an den Volksbühnenschauspieler und Interimsintendanten Winfried Wagner

Der Graf der Wendejahre

September 2018

Premieren

Figurationen im Film

Der Notfall als Prinzip

Meldungen

Die digitale Masse

Mit dem Tod von Hilmar Hoffmann ist mir bewusst geworden, wie tief mein eigener Konflikt mit nahezu allen Kulturdezernenten sitzt und wie grundsätzlich meine Skepsis gegenüber der Kulturpolitik nahezu aller Sozialdemokraten sein muss, da Hilmar Hoffmann etwas gelebt hat, das ihn so radikal unterschied von anderen Kulturpolitikern: Mit der Aneignung kultureller Ausdrucksformen, sei es in Form von Mythen oder Kunst, seien es Bilder, Bücher, Musik, Tanz oder Theater, wollte Hilmar Hoffmann das Leben der anderen, derer auf der Schattenseite, reicher und erträglicher machen, selbst wenn der Kapitalismus bleiben und siegen würde. Danach ist keine demokratische Kulturpolitik mehr formuliert worden, und das ist eine Crux. So betrachtet, war „Kultur für alle“ ein Aneignungs- und Enteignungsverfahren, ein großes Projekt, in dem das klassische Bildungsbürgertum symbolisches Kapital abzugeben hatte und andere, die Angestellten und Mittelschüler, die Arbeiter mit Bildungsbewusstsein, endlich die Chance bekamen, eine Ästhetik des Widerstandes entwickeln zu können. Dass da einer nicht nur sprach und schrieb, sondern eigene Pläne entwarf, Mehrheiten suchte, Finanzquellen auftat und in seinen eigenen Einrichtungen Demokratie zuließ, hat es so und dann nie mehr gegeben. Der radikalen Linken war der langjährige Frankfurter Kulturdezernent Hoffmann vielleicht zu gemäßigt, denn wenn er von allen sprach, so waren natürlich auch...

Ein Nachruf auf Hilmar Hoffmann, dessen Konzept einer „Kultur für alle“ Angestellten und Arbeitern endlich die Chance gab, eine Ästhetik des Widerstands zu entwickeln

Vom Arbeiter bis zum Banker

Das Theater mit den Finanzen

Die performative Baustelle

Andzrejs Lokal im 1. Bezirk von Wien ist der Mittelpunkt dieser Geschichte „Eine Partie Dame“, die Elfriede Jelinek als Drehbuch geschrieben hat, Anfang der Achtziger. Der Mittelpunkt der Stadt. Andzrej Weintraub, „ein polnischer Jid“, mittleres Alter, Einzelgänger, selbstbewusst, umgänglich, großzügig, stellt sich auch mal an den Herd. Ein kommunistischer Idealist, der elektronische Produkte an die DDR verkauft. Manchmal kann er auch sehr brutal sein. Andzrejs Lokal ist der Treffpunkt der Wiener Migranten, Reste des habsburgischen Vielvölkerstaats, Tschechen, Polen, Franzosen, alte Spanienkämpfer. Und Huren, einige unter ihnen studierte. Es gibt in diesem Lokal eine Mischung aus Stammtisch, Erinnerung, Debatten, heftigem Streit. Aber dann verliebt sich Lisa in Andzrej, sie ist Studentin der Theaterwissenschaft, irgendwie mit dem Kommilitonen Klaus zusammen, der nicht von ihr lassen will, auch als Lisa immer eindeutiger zeigt, dass sie Andrzej unbedingt haben will. Eine Amour fou, aber eher läppisch. Einen geradlinigen Genrefilm hat Jelinek geschrieben, und gemeinsam mit dem Regisseur Rainer Boldt, der voriges Jahr starb, und dem Produzenten Helmut Wietz hat sie versucht, die Verfilmung des Buchs zu organisieren. Die Finanzierung klappte nicht, mancher TV-Redakteur war interessiert, aber nicht genug. Vielleicht war man mehr interessiert, damals, Anfang der Achtziger, am jungen deutschen Film mit politischer Botschaft,...

Elfriede Jelinek: Eine Partie Dame. Hg. von Wolfgang Jacobsen und Helmut Wietz. Verbrecher Verlag, Berlin 2018, 189 Seiten, 15 EUR.

Wurschtigkeit und Düsternis

Staatstheater Nürnberg: Globaler Zelluntergang

Kämpfen oder aufgeben?“ Als Hans Werner Henze 1988 diese Frage in sein Tagebuch kritzelte, war es um das Genre des zeitgenössischen Musiktheaters nicht sonderlich gut bestellt. Während Komponisten ihre Experimente lieber im Bereich der Instrumentalmusik oder der elektronischen Musik unternahmen, machte ein Großteil des Publikums um die Neue Musik generell einen großen Bogen. Die Gründung der Münchener Biennale, dem internationalen Festival für neues Musiktheater, war daher ein Wagnis. Aber es gelang. Weil mit Henze ein Künstler hinter dem Festival stand, dem als leidenschaftlicher Linker das Elitäre des bürgerlichen Konzert- und Opernbetriebs ebenso verhasst war wie die Gated Communities der künstlerischen Avantgarde. Er wollte Hemmschwellen abbauen. Und dazu brauchte er Komplizen. „Es war noch nie so dringend wie heute, dass die Künstler … ihre Köpfe nicht nur erheben, sondern auch benützen, um mitzuarbeiten“, so Henze. „Um unsere Kultur zu verteidigen, unser Leben, müssen wir sie erst einmal in den Massen verbreiten helfen.“ Dreißig Jahre später ist von Hemmschwellen nichts mehr zu spüren. In Ruedi Häusermanns „Tonhalle“ sitzen wir, die Zuschauer, den Musikern des Henosode-Quartetts regelrecht auf dem Schoß. 2,75 × 5,25 × 2 Meter misst dieses winzige Konzerthaus, das sich mitten auf dem Max-Joseph-Platz zu Füßen der Bayerischen Staatsoper ganz prahlerisch...

Seit dreißig Jahren versucht die Münchener Biennale das Musiktheater zu revolutionieren – doch auch dieses Jahr finden ihre Guerilla-Aktionen eher im Kleinen statt

Nur tote Fische schwimmen mit dem Storm

Nicht, dass schon geklärt wäre, was wirklich realistisch ist oder was unsere Vorstellung für realistisch hält. Seit Erfindung der virtuellen Welt wird es nun noch komplizierter, verschwimmen die längst vereinbarten Grenzen von der Vorstellung dessen, was wahr und was eingebildet ist. Der französische Künstler Philippe Parreno mag deshalb Tintenfische, weil diese es nicht nur fertigbringen, die Umwelt auf ihrer Haut abzubilden, sondern möglicherweise auch später als Imagination zu reproduzieren. In seiner Kunst taucht dieses intelligente Lebewesen immer wieder auf. Auch in der Ausstellung im Berliner Gropius Bau war der Tintenfisch, wie viele andere seiner Arbeiten, erneut zu entdecken. Philippe Parreno, 1964 in Oran (Algerien) geboren, gehört neben Ólafur Elíasson und Pierre Huyghe oder Dominique Gonzalez-Foerster zu den innovativsten Künstlern seiner Generation. Seine Ausstellungen werden weltweit gezeigt und erzeugen einen enormen Publikumssog, weil er nicht einzelne Werke, sondern das Ausstellungserlebnis an sich ins Zentrum seiner Arbeit stellt. Für Parreno sind Ausstellungen dramaturgische Räume, die einem erzählerischen Ablauf von verschiedenen Ereignissen folgen. International gefeiert wurde er 2013 mit seiner Ausstellung „Anywhere, Anywhere Out of the World“ im Palais de Tokyo in Paris, wo er allein ein riesiges Areal von 22 000 Quadratmetern Ausstellungsfläche für seine traumwandlerischen Rauminszenierungen nutzen konnte. Auch für die...

Philippe Parreno entwirft in seiner Ausstellung im Berliner Gropius Bau eine posthumane Zukunft

Zeit der Tintenfische

Autoren September 2018/Vorschau

impressum/vorschau

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Theater ist überlebensnotwendig

Brennender Schatten

Staatstheater Mainz: Apfelstrudel aus der Tube

Ein Zweieinhalbminuten-Trailer auf ihrer Homepage zieht mich nach Greifswald. Annett Kruschke, Volksbühnengründungsensemble-Urgestein, spielt am Theater Vorpommern Büchners „Dantons Tod“. Eine Stunde solo, alle Rollen nur sie mit ganzer Wucht. Anfangs die simple Welt der Daniela Katzenberger, blondiert und zopfschwingend an der Gitarre, mit infantildreistem Schmollton verkündend, jeder wolle doch ein Star werden, oder?! Dann die Büchner-Metamorphosen, der wütende Ausbruch, man müsste einander die Schädeldecken aufbrechen, um an die verborgenen Gedanken zu gelangen. Alles selbstgemacht aus wütendem Schrei, kapriziöser Parodie und eisigen Stille-Momenten, etwa, wenn sie als Saint-Just die Macht anbetet. Regie, Musik, Requisite – sie ganz allein. Auch bei den Proben war niemand dabei – und als sie bei Saint-Just angelangt war, überfiel sie plötzlich eine ganz furchtbare Angst, als hätte gerade jemand heimlich den Raum betreten und verbreite nun die Aura des Todes. Die halblegale private Videoaufzeichnung habe sie – sorry – vermutlich versehentlich weggeworfen, das Theater besitzt so was ohnehin nicht, und wann sie „Dantons Tod“ wieder spielt, weiß sie nicht. Zweieinhalb Minuten! Gut, ich fahre. In Greifswald endet die Spielzeit an diesem späten Juni-Wochenende mit einem Spektakel. Es trägt den aseptischen Titel „Ordnung und Widerstand“, was eher nach Oberseminar Politikwissenschaft klingt – und so ist auch der...

Die Schauspielerin und Regisseurin Annett Kruschke bringt die Volksbühne ans Theater Vorpommern

Aus der Deckung kommen

Ende der Exception Culturelle

Gralf-Edzard Habbens Räume hatten etwas Magisches. Ihre Kraft kam aus der Reduktion, aus dem Minimalismus, und wenn man so will, aus einer Kunstrichtung wie der Arte povera. Diese Bilder waren zeichenhaft, sie beschränkten sich nicht selten auf zwei oder drei prägende Elemente. In Peter Handkes „Immer noch Sturm“, einer der schönsten Arbeiten Roberto Ciullis des letzten Jahrzehnts, waren dies ein freistehendes offenes Fenster (durch das der Sturm pfiff) und davor ein Bett. Später regnete es Äpfel und ein paar Totenschädel ins Bild. Die Motive, die in Habbens Räumen wiederkehrten und in ein präzise gesetztes Licht getaucht waren, hatten eine unmittelbare Aussagekraft, ohne dass man ihre offensichtliche Symbolik eindeutig und plan den Sujets der Stücke, in denen sie erschienen, hätte zuordnen können: Eisenbahngleise, Uhren, Betten, Leitern, Schädel und Knochen, Ölfässer … Keine Frage, dieser Szenograf hätte auch einem Filmkünstler wie Andrei Tarkowski dienen können. Als Habben am 3. Mai 2018 im Alter von nicht ganz 84 Jahren starb – er war seit Längerem krank gewesen und hatte mehrere Operationen hinter sich –, war jedem klar, dass das Theater an der Ruhr ohne ihn nicht mehr das gleiche sein würde. Seine Bühnenbilder gehörten jahrzehntelang zu dessen Markenkern. Der Mailänder Roberto Ciulli und...

Zum Tod des Bühnenbildners des Theaters an der Ruhr Mülheim Gralf-Edzard Habben

Später regnete es Äpfel

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

Eine Wette auf die Zukunft

TdZ on Tour

Christoph Marthaler, am 14. September erhalten Sie in Oslo den Internationalen Ibsen-Preis. Glückwunsch! Sie haben allerdings nie einen Ibsen inszeniert – gibt es andere Beziehungen zum Werk des Norwegers? Vielleicht das Problem mit der Heimat? Ich würde es so beantworten: Ich kann mich noch darauf freuen, eines Tages ein Stück von Ibsen zu inszenieren. Es ist doch schön, wenn man Dinge noch vor sich hat. Er war bei uns häufig im Gespräch, und ich bin fast sicher, dass es eines Tages geschehen wird. Ibsens Thematiken haben mich immer interessiert, und wahrscheinlich kommt es mir deshalb auch so vor, als wären viele seiner Gedanken bereits in Inszenierungen von mir eingeflossen – ganz inoffiziell. Mit Ibsen ist es diesbezüglich ein bisschen wie mit Jon Fosse. Mit ihm habe ich auf Initiative von Stefanie Carp mal drei Tage zusammen in Zürich verbracht. Wir sollten über eine mögliche Zusammenarbeit nachdenken, haben uns aber gleich nach der Begrüßung die klare Auflage erteilt, keine Minute lang über Theater zu sprechen. So verlebten wir drei sehr schöne Tage, haben viele Würste gegessen, auch einige Getränke zu uns genommen und eine wirklich gute Zeit gehabt. Ein Stück von Fosse habe ich bis heute nicht inszeniert, auch dies liegt...

Was macht das Theater, Christoph Marthaler?

R Ä U M E

Im hellgrünen Rüschenkleid und mit zarten Elfenflügeln kämpft die Elektropop-Sängerin und Performerin Bernadette La Hengst für eine bessere Welt. Als Klima-Fee mischt die Künstlerin mit ihren politischen Songs die Theaterszene auf. Nachhaltige Kunst bedeutet für die Initiatorin von Bürgerprojekten mitreißend präsentierte Gesellschaftskritik. Mit ihrem Chor im Montagscafé des Staatsschauspiels Dresden setzt sie der (verbalen) Gewalt und dem Rassismus von Pegida ein positives Lebensgefühl und Visionen eines friedlichen Miteinanders entgegen. Beim Symposium „Kunst. Kultur. Nachhaltigkeit“ der Akademie für Darstellende Kunst in Ludwigsburg brachte Bernadette La Hengst die Teilnehmer aus Kunst, Kultur und Wissenschaft sogar zum Mitsingen. Den Song „Save the World with this Melody“ hat sie gemeinsam mit Nick Nuttall vom Klimasekretariat der Vereinten Nationen ersonnen. Anlässlich des zehnjährigen Bestehens der baden-württembergischen Theaterakademie, die Schauspieler, Regisseure und Dramaturgen ausbildet, hat die Leiterin Elisabeth Schweeger den zweitägigen Gedankenaustausch initiiert. „Eine klare Haltung zu den Themen, die die Gesellschaft bewegen“, fordert die Professorin ihren Studierenden in der täglichen Arbeit ab. An der Akademie in der Kleinstadt nahe Stuttgart finden die angehenden Theatermacher einen Experimentierraum, der ihnen Horizonte öffnet. Als ehemalige Intendantin des Schauspiels Frankfurt ist Schweeger bestens in der deutschen und europäischen Theaterszene vernetzt. Künstler, die an der Akademie unterrichten, lehren nicht nur...

Mit dem Symposium „Kunst. Kultur. Nachhaltigkeit“ feiert die Akademie für Darstellende Kunst in Ludwigsburg ihr zehnjähriges Bestehen

Künstlerische Visionen für die Umwelt

Als zu Beginn des letzten Jahrhunderts in Russland eine mächtige Bewegung die Gesellschaft ergriffen hatte, suchten die Dichter ihr nachzuspüren und in ihren Findungen sich gegenseitig zu verständigen. Das Gedicht wurde zum ersten Instrument. Im Hören der Dichter aufeinander entfalteten sich ihre Gedichte zu einem vielstimmigen Chor. Fritz Mierau zählte 31 Stimmen. Mit dem „Wir“, das die Partei für den Umbau des Staates einforderte, blieben ihre Stimmen unvereinbar. Ihre Strahlkraft löschte Stalin aus. Gezielt Maßnahme für Maßnahme. Überwachung, Isolation, Verbannung ausgeliefert, in den Arbeitslagern Krankheiten, Umnachtungen überlassen, verendend, hingerichtet oder in den Selbstmord getrieben, kaum einer der Dichter überlebte. Was aus deren Vermächtnis zu nutzen war, wurde benutzt, was nicht zu löschen war, wurde verfälscht. Mieraus Arbeit galt der Wiedergewinnung der Werke und der Lebensstationen dieser russischen Dichterinnen und Dichter. Gegenüber einer personell eng mit dem Parteiapparat verflochtenen Slawistik an der Humboldt-Universität zu Berlin und der ebenso unter dem Dogma des Sozialistischen Realismus gelähmten Literaturwissenschaft, abhängig die Verlage und die Rezensenten, scheute er nicht den Bruch. Durch seine zweisprachigen Ausgaben bei Reclam Leipzig wurden die Gedichte in der DDR wie in Russland selbst wieder wirksam. Er konfrontierte die Leser mit der weiterwirkenden Vergangenheit in der sowjetischen Führung und eröffnete ihnen...

Zur Erinnerung an den Slawisten, Essayisten und Übersetzer Fritz Mierau

Der Vermittler der Dichter

Lampenfieber kennen die jungen Spieler und Musikanten kaum. Verwandte, Freunde und Bekannte schauen zu, als sie am vorletzten Ferientag im August im soziokulturellen Zentrum Steinhaus in Bautzen die Ergebnisse ihres Sommercamps präsentieren. Sprechtheater, Tanz und Musik umfasst das knapp halbstündige Programm. Es ist zwar nicht mehr ungewöhnlich, dass Schüler verschiedener ethnischer Herkunft gemeinsame Projekte angehen. Die Mischung fällt dennoch auf. Hauptdarstellerin in dem kleinen, an das Rotkäppchen-Märchen angelehnten Theaterstück ist beispielsweise die aus Syrien stammende Rafa Takedin. Vor drei Jahren erst floh ihre Familie nach Deutschland, aber nur gelegentlich erinnern sprachliche Unebenheiten an ihre ausländische Herkunft. Dieser kleine Auftritt hat eine Vorgeschichte im Jahr 2017, als erstmals ein Festival unter dem Titel „Willkommen anderswo“ geflüchtete und einheimische Jugendliche am Deutsch-Sorbischen Volkstheater Bautzen zusammenführte. Bereits damals im Herbst sprach Intendant Lutz Hillmann von einem „Soziotheatralen Zentrum“, das er gründen wolle. Auch er stand unter dem Eindruck der Geschehnisse in Bautzen, als 2016 jugendliche Flüchtlinge von Nazigruppen verfolgt wurden und es zu Zusammenstößen zwischen ihnen auf dem Kornmarkt kam. Das Steinhaus diente damals als Zufluchtsort. Ein „anderes Signal“ solle von Bautzen ausgehen, sagte Hillmann im Juni dieses Jahres, als das Zentrum einen Namen und einen Sitz bekam. Thespis heißt es, benannt nach...

In Bautzen soll eine neue transkulturelle Bürgerbühne des Deutsch-Sorbischen Volkstheaters Einheimische und Geflüchtete zusammenbringen

48 Stunden Menschenrechte

Augen weit auf und rein ins Getümmel. Das war das Motto beim 3. Performing Arts Festival (PAF) im sommerlich heißen Berlin. Wer gehofft hatte, bei diesem vom Berliner Landesverband der freien darstellenden Künste initiierten Festival einen Überblick über die gesamte Szene zu erhalten, musste angesichts der Programmdichte und der teils selbst für hiesige Verhältnisse enormen Distanzen zwischen den einzelnen Veranstaltungsorten schnell die weiße Flagge der Überforderung hissen. Bei etwa 140 Produktionen an 70 Spielorten – Nord-Süd-Ausdehnung etwa 20 Kilometer, Ost-West-Ausdehnung fast 30 Kilometer – und pro Tag mehr als einem Dutzend Aufführungen allein im Zeitfenster von 20 bis 22 Uhr war jeder Versuch, alles erfassen zu wollen, von vornherein zum Scheitern verurteilt. Dieser Effekt war sogar gewollt. „Es ging uns gar nicht darum, die Berliner Szene mit vielleicht 20 ausgewählten Produktionen repräsentativ darstellen zu wollen. Wir wollen nicht kuratieren, sondern die gewachsene Bandbreite an Arbeitsweisen und Ästhetiken aufzeigen. Und wir möchten die Vielfalt der Produktionsorte und Spielstätten sichtbar machen“, erklärt PAF-Programmkoordinatorin Susanne Chrudina. Die räumliche Verteilung stellte dann auch den größten Unterschied zum Vorgängerformat 100° dar, welches weitgehend von den großen Spielstätten HAU, Sophiensaele, Theaterdiscounter und Ballhaus Ost organisiert worden war. Im Unterschied zu 100° mit seinen Festlegungen auf Raum...

Das Performing Arts Festival der freien Szene in Berlin mausert sich zum Mega-Event aus Aufführungen, Netzwerktreffen und Stadterkundungen

Archipel Performancekunst

Das Ährenfeld als stille Utopie

Schauspiel Essen: Unnachgiebig behutsam

Wie viele Festivals vor allem auf ihre Außenwirkung schielen, wird einem erst als Gast der Sommerszene Salzburg klar, die international bekannte Tanz- und Theaterstars an die Salzach holt und mit lokalen Uraufführungen die eigene Stadt erkundet. Das lockt wenig Branche und überregionale Presse an, weil das Neue vornehmlich von lokalem Interesse ist und die Highlights längst anderswo zu sehen waren. So protestiert Marta Górnickas rein weiblicher Chor in „Magnificat“ seit 2011 gegen das traditionelle Frauenbild; und die geniale Idee der britischen Künstlergruppe Stan’s Cafe, statistische Größen und Zusammenhänge mit Reiskörnern und -bergen greifbar zu machen („Of All the People in All the World“), war schon 2005 beim Stuttgarter Theater der Welt nicht neu. Dennoch lohnt ein Besuch des kleinen Festivals, das Angela Glechner seit 2012 zeitlich und räumlich nah, aber adrenalintechnisch weitab des Salzburger Festspiel-Klimbims platziert hat. So schlugen an den zwölf Festivaltagen im Juni 2018 dreizehn Produktionen ganz unaufgeregt Bögen zwischen der Stadt und der Welt wie zwischen Tanz, Performance und Installation. Und wo andere Festivals ihr Rahmenprogramm immer weiter aufblähen, überlässt man hier einem Original wie Julius Deutschbauer den Festival-Blog und dem tanzwissenschaftlichen Nachwuchs der Mozartstadt die Einführung in die wichtigsten Produktionen. Hier kann man sich prima ausprobieren....

Die Sommerszene Salzburg mischt weitgereiste Festival-Dauerbrenner mit kleinen Performances im Stadtraum und hat vor allem das lokale Publikum im Blick

Buntes Utopia

Dramaturgie der Solidarität

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

Disappearing Birdie Coonan

Grau is’ im Leben alle Theorie – aber entscheidend is’ auf’m Platz.“ Dieses Zitat der BorussiaLegende Alfred „Adi“ Preißler könnte auch ein Leitsatz für das Theater sein. Die Wahrheit liegt auf der Bühne – um noch eine zweite Legende, „König Otto“ (Rehhagel), zu adaptieren. Der russischen Performancegruppe Pussy Riot ist eh jeder öffentliche Ort willkommen. Ihr Auftritt im Endspiel der Fußballweltmeisterschaft war zweifellos meisterhaft gesetzt. In der 52. Minute flitzten...

Hoffnung schaffen

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Die Farbe der Unendlichkeit ist blau. Die Farbe von Neo Rauchs und Rosa Loys Brabant ist näherhin Delfter Kachelblau. Rauch und Loy erklären das Weitere so: Immer wieder hätten sie das Vorspiel gehört, und plötzlich war sie da, stand unverrückbar vor ihrem inneren Auge: „eine verwilderte Transformatorenstation“ in Delfter Kachelblau. Nach Castorfs Erdölfördertürmen der „Walküre“ ist das vielleicht etwas viel Kommunismus-istgleich-Sowjetmacht-plus-Elektrifizierung-des-ganzen-Landes, aber worauf Reiche gründen, wenn nicht auf den Fortschritt? Und gleich neben dem irdischen Trafohäuschen das Trafohäuschen des Herrn, auch Dom genannt. Aber wo an den Portalen der gotischen Kirchen die Rose Gottes prangt, zucken hier blaue Blitze. Eine plausible Verbindung zwischen irdischen und überirdischen Lichterscheinungen ist somit hergestellt, und zugleich rosettenartig angedeutet, dass König Heinrich das Gemeinwesen Brabant nicht eben konfliktfrei antrifft: Der legitime Thronfolger ist weg. Mit König Heinrichs (Georg Zeppenfeld) ersten tiefen, alles durchtönenden Worten ist klar, woran sich die anderen, Telramund und Lohengrin, Elsa und Ortrud zu messen haben. Und das Wunder geschieht: Mit jeder neuen Stimme geht eine ganz eigene Welt auf. Da ist Thomasz Koniecznys Vehemenz, mit der er als Telramund und gleichsam kommissarischer Verwalter Brabants erklärt, was alle wissen: Elsa ist mit ihrem Thronfolger-Bruder in den Wald gegangen und ohne ihn zurückgekommen....

In Yuval Sharons Inszenierung von Wagners „Lohengrin“ bei den Bayreuther Festspielen besticht vor allem das Bühnenbild von Neo Rauch und Rosa Loy

Ein Stück Kaumblau

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Anfangszeiten der Inklusion

Bakunin ist eine stoisch anmutende Kampfmaschine, die eine Ex-IBM-Mitarbeiterin mit dem anarchistischen Gedankengut seines Namensvetters, aber auch mit dem einiger Serienmörder gefüttert hat. Deshalb gerät in der Sauna, in der eigentlich die kapitalistische Stirn der IBM-Generaldirektorin für Lateinamerika gebrandmarkt werden soll, bald einiges durcheinander. „Bakunin“ ist das witzigste Stück beim diesjährigen Regienachwuchs-Festival Marstallplan des Münchner Residenztheaters. Wie René Dumont und Arnulf Schumacher das alternde Fleisch der vom Uruguayer Theater-Allrounder Santiago Sanguinetti ersonnenen Anarcho-Gruftis und Ex-IBMler Margarita und Rosa zu Markte tragen und ihre einstigen Spontiabzeichen in den unter grotesken Hängebrüsten gut versteckten Speckfalten suchen („Einen Scheißdreck findet man hier!“), ist ein schräger Spaß – bis sich Stefan Schweigerts beherzte Inszenierung im Trash verläuft. Das traditionelle Marstallplan-Festival des Residenztheaters wurde in diesem Jahr zur „Welt/Bühne – Plattform für internationale Dramatik“, die bereits in der Spielzeit 2016/17 gestartet war und in den ersten vier Ausgaben in Zusammenarbeit von Residenztheater und Goethe-Institut szenische Lesungen außereuropäischer Dramatik präsentierte (siehe auch TdZ 12/2017). In dieser Spielzeit folgte (unter Beteiligung der Theaterwissenschaftler der Ludwig-Maximilians-Universität München sowie der Bayerischen Theaterakademie August Everding) eine Schreibwerkstatt, bei der fünf Autoren aus fünf Kontinenten fast ein Jahr lang betreut an Kurzstücken schreiben konnten. Dieses „chemische Experiment“, wie es Resi-Chefdramaturg Sebastian...

Der diesjährige Marstallplan kooperiert mit der „Welt/Bühne“ und zeigt fünf Uraufführungen von Autoren aus fünf Kontinenten

Grüße aus Klaustrophobien

Was ist der Unterschied zwischen einem Ratschlag und Paternalismus?“ „Wie würde eine angemessene Erinnerungskultur an Kolonisation aussehen?“ „Inwiefern entlastet das Einstellen einer Diversity-Beauftragten eine Institution, tatsächlich Diversity-Arbeit zu leisten?“ – Das sind nur drei von eintausend (!) Fragen, die die britische Künstlerin Selina Thompson für die Installation „Race Cards“ auf weiße Karten notiert hat, um sie im öffentlichen Raum zu platzieren und damit zur Diskussion zu stellen. Die temporäre Black Box, an deren Wänden sämtliche Fragen in deutscher und englischer Sprache ausgehängt sind, steht im Eingangsbereich des Staatstheaters Braunschweig und bildet in mehrfacher Hinsicht das Herzstück der diesjährigen vierten Ausgabe des Festivals Theaterformen unter der künstlerischen Leitung von Martine Dennewald. Vom Frankfurter Mousonturm kommend, startete die jetzt 38-jährige gebürtige Luxemburgerin 2015 als Nachfolgerin von Anja Dirks mit einem Fokus auf partizipative Formate, setzte 2016 einen regionalen Schwerpunkt auf Südostasien, gab 2017 vor allem Produktionen von Frauen eine Bühne und bündelt in diesem Jahr 17 internationale Arbeiten unter dem Schwerpunkt „Postkoloniale Verstrickungen“. Martine Dennewald führt damit drei kuratorische Traditionslinien der Theaterformen, die wechselnd in Hannover oder Braunschweig stattfinden, fort. Gemeinsam mit ihrem Team lädt sie Produktionen ein, die in der Gesamtschau die Formenvielfalt zeitgenössischer Theaterproduktion abbilden sollen, wobei etwa ein Drittel...

Martine Dennewalds vierte Ausgabe der Theaterformen in Braunschweig widmet sich postkolonialen Verstrickungen

Das Festival der eintausend Fragen

Dass das, was einmal treffend gedacht ward, nicht in Vergessenheit gerät, erfüllt einzig den Begriff der Tradition mit Sinn. In dieser Hinsicht war Rolf Tiedemann ein Erretter der Tradition. Vor allem jener, die mit ihren Protagonisten Theodor W. Adorno und Walter Benjamin aus Deutschland und Europa vertrieben wurde oder in den Pyrenäen den Tod fand. Der 1932 in Hamburg geborene Tiedemann studierte in den sechziger Jahren bei den aus der Emigration zurückgekehrten Adorno und Max Horkheimer in Frankfurt am Main. Seine Dissertation war die erste überhaupt zum Werk Benjamins, Adorno – dessen Mitarbeiter und Assistent er geworden war – schrieb selbst das Vorwort für die Publikation im Hause Suhrkamp. Für denselben Verlag übernahm Tiedemann die Herausgabe der gesammelten Schriften Benjamins und auch Adornos nach dessen Tod 1969. Später baute er das Frankfurter Theodor W. Adorno Archiv auf und betreute die Herausgabe von Adornos nachgelassenen Schriften. Großfragmente wie Adornos „Ästhetische Theorie“ und Benjamins „Passagen-Werk“ konnten durch seine Arbeit einem breiten Publikum zugänglich gemacht werden. Als Tiedemann dann gegen Suhrkamp Partei für die Erben Benjamins ergriff, kam es zum Bruch mit dem Verlag, seine weiteren Schriften erschienen bei der Münchner edition text+kritik. Seine dort von ihm herausgegebene Reihe „Dialektische Studien“ beschäftigte sich...

Zum Tod des Philosophen und Herausgebers Rolf Tiedemann

Errettung der Tradition

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

2016 versammelten sich die neun ostdeutschen Ensemblepuppentheater erstmals, um im Rahmen des Symposiums „Aufbruch“ gemeinsame Strategien gegen gemeinsam empfundene Nöte zu entwickeln. Zwei Jahre später waren beim Folgesymposium erste Ergebnisse zu sehen: Ein Laboratorienprogramm an den Häusern in Magdeburg, Chemnitz und Bautzen führte zu interessanten ästhetischen Experimenten, Kollaborationen mit freien Künstlern und auch einem neuen Selbstverständnis der einzelnen Ensemblemitglieder. Ein Masterclass-Format mit Puppenspielstudierenden aus Stuttgart und Berlin sowie angehenden Schauspielregisseurinnen und -regisseuren von den Universitäten und Hochschulen in Salzburg, Hamburg, Berlin und Hildesheim war ein erster konkreter Schritt, um dem Mangel an puppenspielerfahrenen Regisseuren abzuhelfen. Indirekter Effekt von „Aufbruch“ waren die Einrichtung einer zweijährigen Residenz für die puppenspielaffine Schauspielregisseurin Kai Anne Schumacher an der Puppenspielsparte in Gera sowie das in diesem Herbst im Theater der Jungen Generation in Dresden beginnende Weiterbildungsprogramm für Regisseure, die an der Arbeit mit Puppen und Objekten interessiert sind. „Aufbruch II“ erinnerte ein wenig an das Doppelpass-Programm der Kulturstiftung des Bundes, das freie Szene und feste Häuser zusammenbringt. Der Unterschied ist: Hier fanden die Anstrengungen ganz aus eigener Initiative und von der Bundesebene völlig ungefördert statt. Ein Tropfen fällt auf eine Wasseroberfläche. Der Tropfen wird abgefilmt, er wird zum Mond, der über einer Landschaft schwebt. Ein...

Das Symposium „Aufbruch II“ in Magdeburg zeigt, wie sich ostdeutsche Ensemblepuppentheater Räume für die künstlerische Forschung erkämpft haben

Die neuen Freiheiten des Puppentheaters

Lena, du musst ökonomischer mit dir haushalten. Sonst wird der Beruf sehr anstrengend für dich.“ Kritik kann in ihrer positiven Form auch Züge eines Kompliments enthalten. Die Charakterisierung des Regisseurs Gerd Heinz von Lena Drieschners Zeit an der Staatlichen Hochschule in Stuttgart (2005–2009) huldigt einer besonderen Fähigkeit dieser mitreißenden Schauspielerin: der spielerischen Lust, sich hemmungslos zu verausgaben. Anders formuliert: Diese Künstlerin strahlt Energie aus, und das im Übermaß. Dabei verfügt sie über das Talent, ihre Figuren gedanklich zu entschlüsseln. Unbedingte Hingabe und rückhaltlose Reflexion schließen sich dabei nicht aus. Wie das zusammengeht? Startund Zielpunkt der Schauspielerin Drieschner bleibt immer das Publikum. Es ist ihr wichtig, richtig verstanden zu werden. Das bedeutet keineswegs, Brüche zu vermeiden. Erst wenn ihr Spiel dazu beiträgt, die Intention ihrer Figuren zu klären, offenzulegen, was diese antreibt, kann für Drieschner der Dialog mit dem Publikum gelingen. Für die Schauspielerin besteht die Kunst darin, „Gedanken zu denken, die nicht zwangsläufig die eigenen sind, und diese auch zu verteidigen“. Teamarbeit ist dafür unabdingbar. Gleich mit ihrem Erstengagement am Theater Freiburg ab 2009 fand sie ein Ensemble, das autonom genug war, Stücke nicht nur spielerisch, sondern auch intellektuell und grundsätzlich zu befragen. Drieschners Spiel bedarf des Klangraums mündiger Mitspieler...

Dem Spiel der Freiburgerin Lena Drieschner wohnt eine derart hohe Energie inne, dass es einem den Atem nimmt

Mit Wucht

Gerade als die freie Szene in sicherem und behäbigem Fahrwasser vor sich hin zu schippern begann, nahm der neue künstlerische Leiter der Impulse Haiko Pfost mit Volldampf Kurs auf noch unbekannte Inseln. Er präsentierte Produktionen, die ausschweifend, erfrischend verschroben, intim und verletzbar waren und sich jeder Kategorisierung entzogen. Er schuf eine vielfältige Mischung, zu der die Nabelschau „All Eyes On“ der Performerin Teresa Vittucci, „The Guardians of Sleep“ von David Weber-Krebs, der Abgesang auf das im Rechtspopulismus versinkende Osteuropa „Mothers of Steel“ von Agata Siniarska und Mădălina Dan gehörten wie das „Dorf Theater“ von Corsin Gaudenz. Haiko Pfost, in Ihrer ersten Ausgabe des Impulse Theater Festivals haben Sie Aufführungen nach Nordrhein-Westfalen gebracht, die hier so noch nicht zu sehen waren. Im Showcase zeigen Sie eine sehr heterogene Auswahl von vielfach radikalen und ästhetisch unvertrauten Inszenierungen. Einige von ihnen sind kaum noch im deutschen Sprachraum verankert: Die Künstlerinnen und Künstler sind weitaus internationaler aufgestellt als in den Vorjahren, das Geschmeide der Koproduktionen ist teilweise außereuropäisch. Welche Kriterien hatten Sie bei der Auswahl? Wir haben nach den herausragendsten und herausforderndsten Arbeiten gesucht sowie nach Arbeiten, die so im Stadttheater nicht hätten entstehen können. Dabei haben wir unsere Definition des „deutschsprachigen Raums“...

Haiko Pfost, neuer Leiter des Impulse Theater Festivals, über die Lebensrealität von Künstlern mit zwei Pässen und die Ausweitung der Auswahljury auf das Publikum im Gespräch

Chor der Millionäre

Noch schneller geht’s wirklich nicht. Zwei Tage nach Ende der diesjährigen Wiener Festwochen war deren Intendant Tomas Zierhofer-Kin seinen Job schon los. Offiziell wurde eine einvernehmliche Trennung verlautbart, aber auf den Social-Media-Kanälen schlug Zierhofer-Kin andere Töne an. Nur weitere fünf Tage später stand auch der Nachfolger schon auf der Matte: Christophe Slagmuylder. Wer da nicht jeden Tag seine Newsletter kontrolliert hatte, konnte durchaus verwirrt sein. War Zierhofer-Kin nicht erst im Vorjahr angetreten? Und war er nicht eigentlich auf fünf Jahre bestellt? Allerdings! Nur hatte seine Einstandsausgabe Publikum, Kritiker und Politiker nachhaltig in Angst und Schrecken versetzt. Das Jahr 2017 ging als eines der eruptivsten in die Festivalgeschichte ein. Der radikale Schwenk hin zu einem Kunstfestival, in dem das Theater inmitten von Installationen, Performances und Diskursformaten zu einer Fußnote verkam, hat viele vergrault. Und leider zu wenig neues Publikum erschlossen. Hinzu kamen ein hermetisch formuliertes Programmheft sowie organisatorische Fauxpas. Der Intendant musste Fehler eingestehen und versprach Verbesserungen fürs zweite Jahr. Und so war heuer der Wiedererkennungswert der Festwochen hoch. Christoph Marthaler war da, It-Regisseure wie Susanne Kennedy und Ersan Mondtag gaben ihre Österreich-Debüts. Doch scheinbar sitzt der Schock aus dem Vorjahr allen Verantwortlichen so tief in den Knochen, dass das Vertrauen...

Die Wiener Festwochen haben schon wieder den Intendanten gewechselt. Ist Christophe Slagmuylder der nächste Lückenbüßer? Ein Kommentar

Kurzstreckenlauf

Guilt-Trip durchs Vogtland

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Vor einer atemberaubenden Kulisse aus Bergen, sattem Grün, roter Erde und uralten Gesteinen im antiken Theater von Delphi, nur drei Stunden entfernt von Athen, herrscht Ruhe. Ganz in diesem Sinne strotzt „Die Rückkehr des Dionysos“, eine Hommage an den international gefeierten griechischen Regisseur Theodoros Terzopoulos und dessen dreißigjährige Theaterarbeit, nicht etwa von Feuerwerk und ohrenbetäubenden Feierlichkeiten. Sie gleicht vielmehr einer Reise zum Herzen der Stille. In einer globalisierten, modernen Kultur, die den Lärm der Medien und sozialen Netzwerke, von Werbung und Politik zu bevorzugen scheint, ist die Stille nicht mehr ganz so einfach zu finden. Im besten Fall verursacht sie lediglich Unbehagen; im schlechtesten Fall wird sie gefürchtet. In der Kulisse von Delphi jedoch eignet sich die hier herrschende Stille hervorragend für eine Auseinandersetzung mit der Musik, den Skulpturen, Fotografien und Körpern, aus denen sich diese Hommage an den Regisseur Theodoros Terzopoulos zusammensetzt. Eine komplementäre Sprachlichkeit entsteht, die, durch die verschiedenen Beiträge von Akademikern und Künstlern ergänzt, schließlich unsere Ohren und Augen erfüllt. Ich bin in ganz besonderem Maße jenen Schauspielerinnen und Schauspielern dankbar, die ihr Schweigen hinter der Bühne gebrochen haben, um uns von ihren Erfahrungen mit Terzopoulos und seiner Schauspielmethode zu erzählen. Ihre Berichte, verfasst auf Griechisch, Russisch,...

„Die Rückkehr des Dionysos“ – Eine Hommage an den Regisseur Theodoros Terzopoulos in Delphi

Wenn Menschen Geschichte schreiben

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Vladimir Sorokin ist auf dem Sprung. So lebt er immer im Unterwegs. Eine Dazwischen-Existenz, halb in Berlin, halb in Moskau. In einigen Tagen fährt er wieder dorthin. Wo wohnt so jemand? Natürlich in Charlottenburg. Fragt man hier nach der richtigen Straße, kann man sicher sein, jemand mit russischem Akzent weist einem die Richtung. Die Russen in Berlin kennen ihr Charlottengrad, wie man in den 1920er Jahren sagte, als 300 000 von Emigranten auf der Flucht vor der roten Macht hierherkamen. Dutzende russische Verlage und Zeitungen etablierten sich. Charlottenburg ist der Mythos für die Russen in Berlin, so wie der Prenzlauer Berg es für die Ostberliner Underground-Szene ist. Aber die Zeiten ändern sich, die Erinnerung verblasst. Nein, da ist Vladimir Sorokin schon mal ganz anderer Meinung: Erinnerungen verblassen nicht, sie werden stärker. Aus Traum und Erinnerung, wird er sagen, seien seine Bücher gemacht. In der Tür steht ein schlanker, weißhaariger Mann, der etwas von einem elegischen Tennisspieler an sich hat, der sich nur noch fürs Spiel und nicht für die Resultate interessiert. Trotz seiner über sechzig Jahre scheint Vladimir Sorokin eine Art Restjugend konserviert zu haben. Er bittet in sein Atelier, wie er es nennt, überall hängen Bilder an den Wänden,...

Über Vladimir Sorokins Existenz im Dazwischen und sein neuestes Stück „Das weiße Quadrat“

Ist Russland ein Lied?

The Ghost, The Voice, The Faceless

Die Zukunft nebenan

Seit der Spielzeit 2016/17 gibt es das Bündnis der Internationalen Produktionshäuser. Gebildet wird es vom FFT Düsseldorf, HAU Hebbel am Ufer (Berlin), HELLERAU – Europäisches Zentrum der Künste (Dresden), Kampnagel (Hamburg), Künstlerhaus Mousonturm (Frankfurt am Main), PACT Zollverein (Essen) und tanzhaus nrw (Düsseldorf). Gefördert wird es mit insgesamt zwölf Millionen Euro von der Bundesbeauftragten für Kultur und Medien. Kulturpolitisch ist das Bündnis ein Novum. Denn erstmals finanziert der Bund substanziell und direkt freie Strukturen. Bislang geschah dies allenfalls projektbezogen und meist über die Kulturstiftung des Bundes. Zwar entsprechen die zwölf Millionen Euro Förderung für die sieben Häuser, gestreckt auf drei Jahre, lediglich dem Jahresetat eines größeren Stadttheaters. Sie sind dennoch ein Hinweis darauf, dass der Strukturwandel in den darstellenden Künsten auf Bundesebene immer mehr Teil der Agenda wird. Sogar im Koalitionsvertrag zwischen CDU/CSU und SPD findet sich ein Passus zum Bündnis. Die sieben Häuser haben damit zunächst ein besseres Standing bei den politischen Entscheidern vor Ort. „Die Bundesförderung wird in den Kommunen und Ländern sehr wohl gesehen. Das ist sehr wertvoll“, sagt HAU-Intendantin Annemie Vanackere. Für die Häuser selbst wird die Arbeit planbarer. „Wir sind ja allesamt Profis im Schreiben von Projektanträgen. Das bedeutete aber: Wir haben Geld für ein...

Beim Festival Claiming Common Spaces im HAU – Hebbel am Ufer Berlin zieht das Bündnis der Internationalen Produktionshäuser eine positive Bilanz

Neues Narrativ für das freie Produzieren

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

Dramaturgensprech, adieu! So muss das interne Motto der Wiener Festwochen heuer gelautet haben. Denn über den Trend der Immersion, den das diesjährige Programm deutlich widerspiegelte, wurde kein Aufsehen gemacht. Formate, bei denen das Publikum – im Gegensatz zum Frontaltheater – in das Kunstwerk eintauchen kann, dieses gewissermaßen von innen rezipiert, gab es viele. Dries Verhoevens „Phobiarama“ etwa war eine weitgehend bestechende Geisterbahnfahrt durch die suggestiven Fantasien eigener Terrorangst. In der Multimedia-Installation „micro/ macro“ von Ryoji Ikeda wurden die Besucher Teil der Projektionen. Auch bei der Performance „The Walking Forest“ von Christiane Jatahy waren die Grenzen zwischen Betrachter und zu Betrachtendem fließend. Was die Verwobenheit des eigenen Ichs mit dem Kunstwerk betrifft, war aber Kurt Hentschlägers psychedelische Einnebelung „FEED.X“ der Höhepunkt. Dichter Nebel, Visuals und Stroboskopeffekte manipulierten die eigene Wahrnehmung und hebelten das Raumgefühl aus. Selten ist man so sehr mit sich allein gewesen wie hier. Selbst wenn es nirgends zu lesen war: Auch die fünfstündige Performance von Markus Öhrn, „Häusliche Gewalt“, ist eine Arbeit mit immersiver Dimension. Sie war die Theaterentdeckung der Wiener Festwochen, ein letztes kuratorisches Verdienst von Intendant Tomas Zierhofer-Kin, der jetzt nach zwei Jahren frühzeitig den Hut genommen hat (siehe Kommentar Seite 65). Man sitzt wie ein...

Markus Öhrns „Häusliche Gewalt“ ist die Entdeckung bei den Wiener Festwochen und erinnert in seiner Präzision an die kühlen Ehestudien Bergmans und Fassbinders

Sonnengruß in der Blutlache

Moderator Guten Abend und herzlich willkommen zur Sendung „Das weiße Quadrat“. Heute stellen wir hier Russland zur Diskussion. Unsere große, fantastische und in mancher Hinsicht unberechenbare Heimat, die „die Weisen fremder Länder nie verstehen“, wie es im Lied heißt – sie wirft mit schöner Regelmäßigkeit Fragen auf, die nicht nur diese sogenannten Weisen ratlos machen, sondern auch unsere Landsleute. Wissen Sie, was ein alter Freund mir kürzlich anvertraut hat? Er lebt seit vierzig Jahren in Russland, und trotzdem hat er bis heute nicht begriffen, was das eigentlich für ein Land ist. Und das als orthodoxer Christ, Patriot, Intellektueller, der unsere Geschichte und Kultur in- und auswendig kennt. Natürlich geht es hier nicht um die Staatsform. Jedes Kind weiß, dass Russland eine föderative Demokratie ist, inklusive Präsident und Parlament. Aber was für eine Vorstellung weckt unser Land? Womit kann man es vergleichen? Welche Assoziationen ruft es hervor? Jeder hat da wohl sein eigenes Bild. Ich bin mir aber sicher, dass es bei vielen übereinstimmt. Bei einigen indessen nicht. Und damit ist durchaus nicht nur die Fünfte Kolonne gemeint. Was Russlands Rätselhaftigkeit mal wieder und immer rigider bestätigt. Mal wieder und immer rigider – unser Thema heute ist so wichtig, dass ich...

für Kirill Serebrennikow

Stück: Das weiße Quadrat (Auszug). Mit Zeichnungen von Ivan Razumov. Deutsch von Christiane Körner

Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

Der Kultur-Kahlschlag droht

Was macht das Theater, Thomas Köck?

„Bürger an die Macht!“, „Lügenpresse, auf die Fresse!“ – 21 Darsteller in Weiß skandieren die gängigsten Demo-Sprechchöre einer politikverdrossenen Zeit. Sie sind Teil von „Staging Democracy“, einem Bürgertheaterprojekt des Hamburger Lichthof Theaters. Der Abend ist das Ergebnis eines einjährigen Experiments zum Thema Demokratie, initiiert von der Autorin und künstlerischen Leiterin Dagrun Hintze. Inspiriert hatte sie das Buch „Gegen Wahlen – Warum Abstimmen nicht demokratisch ist“ von David Van Reybrouck. Als Alternative zur in die Krise geratenen Demokratie der Wahlen nimmt der belgische Historiker darin die aleatorische Demokratie unter die Lupe, in der das Los entscheidet, wer im Parlament sitzt. Ein Verfahren, das schon im antiken Athen praktiziert wurde. „Am Morgen der Trump-Wahl war ich in Dresden“, erzählt Hintze. „Weil ich Angst hatte, auf die Straße zu gehen und auf feiernde Menschen zu treffen, dachte ich mir: Ich muss jetzt sofort was machen. Und da ich viel mit partizipativem Theater beziehungsweise Theater zu politischen Themen beschäftigt bin, kam ich auf die Idee, mit den Mitteln dieser Form von Theater die Demokratie selbst in den Blick zu nehmen.“ Und so wurde interessierten Hamburgern ein politisches Fachgebiet zugelost, in das sie sich selbstständig einarbeiteten und daraufhin in fünf Factorys zu Themen wie „Wirtschaft...

Am Hamburger Lichthof Theater formt sich mit „Staging Democracy“ ein Bürgertheaterprojekt zu einem demokratischen Bühnenexperiment

Franz Rogowski: Der Schmerz des Boxers

Neuerscheinungen im Verlag