Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Es wird Großes passieren. Nachdem Ungeheuerliches geschehen ist. Ein göttlicher Fluch initiierte eine Gewaltorgie biblischen Ausmaßes. Hass erzeugte Hass in der scheinbaren Unbedingtheit eines maschinellen Prozesses. All das liegt beim Herunterdimmen des Saallichtes in der Vergangenheit. Im Anhaltischen Theater Dessau vollziehen sich nur noch rückblickende Erzählungen, symbolische Gesten und Versuche eines Neuanfangs. Unheimlich posttraumatisch wirkt die Atmosphäre des gruselfinsteren Bühnenbilds (Nicole Bergmann). Zudem dramatisiert Jürgen Grözinger jeden Satz unter Verwendung eines umfangreichen Arsenals an Perkussionsinstrumenten. Um ­Pathos kümmert sich die Grande Dame des Dessauer Schauspiels, Christel Ortmann. Priesterlich graziös schreitet sie an den Parkettreihen vorbei auf die Bühne und fasst im hohen klassischen Ton die ersten beiden Teile der „Orestie“ des Aischylos, deren dritten Teil „Die Eumeniden“ bilden, zusammen. In seiner gen Troja gerichteten Kriegsgier opferte Agamemnon für den Beistand der Götter einst die Tochter, dafür schlachtete ihn später seine Gattin Klytaimnestra ab, die daraufhin von ihrem Sohn Orest getötet wurde, der wiederum nun verfolgt wird von seinen Schuldgefühlen, verkörpert durch die Erin­nyen, unterweltlich-furchterregende Furien. In Dessau werden sie von sieben Opernchoristinnen in lumpig schwarzen Gewändern gespielt. Mit tierischen Lauten, sich wiegenden Körpern, stampfenden Füßen, unisono skandierten Anklagen und gesanglichen Einlagen fordern sie unter Anleitung ihrer schnoddrig kecken Anführerin (Yevgenia...

Anhaltisches Theater Dessau: „Die Eumeniden“ von Aischylos. Nachdichtung und szenische Bearbeitung von Walter Jens. Regie Christian von Treskow, Bühne Nicole Bergmann, Kostüme Kristina Böcher

Dessau: Miss Liberty

Am letzten Oktoberwochenende, kurz vor dem zweiten pandemiebedingten Lockdown, konnte sie zum Glück noch stattfinden: die dritte Ausgabe der von Schauspielerin Lisa Jopt und Dramaturgin Nicola Bramkamp initiierten und organisierten Tagungsreihe Burning Issues. Nach dem Auftakt am Theater Bonn 2018 und der in das Programm des Berliner Theatertreffens eingebetteten zweiten Ausgabe 2019 heißt es 2020: „Burning Issues meets Kampnagel“. Das Hamburger Produktionshaus ist nicht nur Veranstaltungsort, sondern hat auch das Programm mitgestaltet, wodurch eine wichtige Öffnung zur freien Szene markiert ist. Während in den ersten Jahrgängen vor allem Geschlechterungleichheit in der Branche als zentrales „brennendes Thema“ auf der Agenda stand, erweitert sich in diesem Jahr das Sichtfeld, um – durchaus selbstkritisch – nicht mehr nur die eigene ­privilegierte Bubble der Arbeitswelt weißer Frauen an Stadttheatern in den Blick zu bekommen, sondern auch andere Brandherde innerhalb des komplexen institutionellen ­Gefüges der deutschsprachigen Theater­landschaft zu thematisieren. Es gilt, mit den Worten der Choreografin Sonya Lindfors, zu begreifen, dass zahlreiche Orte innerhalb der Theaterwelt für Menschen eingerichtet sind, die der gesellschaftlichen Norm entsprechen (weiß, cisgender, hetero, körperlich gesund etc.), und dass diese, eben weil sie der Norm entsprechen, häufig blind dafür sind, all die Ausschlüsse und Diskri­minierungen, die die Institution beständig (re)produziert, überhaupt...

Die dritte Ausgabe der Tagungsreihe Burning Issues auf Kampnagel in Hamburg stärkt die Sichtbarkeit marginalisierter Positionen und Perspektiven

Raus aus der Bubble der privilegierten weißen Frau

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Wenn es stimmt, was manche sagen – nämlich, dass Geschichten am besten von ihrem Ende her erzählt werden sollten –, dann ist dies eine eher traurige Geschichte. Dabei handelt sie eigentlich von der Aufbruchsstimmung eines Anfangs. An den Münchner Kammerspielen ist Intendantin Barbara Mundel neu gestartet. Keine leichte Aufgabe als Nachfolgerin von Matthias ­Lilienthal, der nach zähem Beginn zuletzt große Erfolge feierte. Die Messlatte liegt entsprechend hoch. Doch daran verschwendet Mundel längst keine Gedanken mehr. Die neue Mannschaft an den Kammerspielen hat ein viel größeres Problem: Corona. Falk Richter, als Hausregisseur Teil des neuen Leitungs­teams, sagt eine Woche vor Beginn der neuen Spielzeit: „Die mit Corona verbundenen Einschränkungen sind ein so schwerer Eingriff in die Kunstfreiheit, dass wir uns fragen müssen, wie wir überhaupt noch aufregendes Theater machen können? Das hat für mich die Frage nach Matthias Lilienthal so dermaßen überschattet, dass ich daran gar nicht mehr denke. Ehrlich gesagt, denke ich oft eher: Hoffentlich findet die Premiere statt!“ Immerhin, sie kann stattfinden, wie auch eine stattliche Reihe weiterer Premieren seit dem 8. Oktober, an dem Richter die Spielzeit mit einem eigens zu diesem Anlass geschriebenen Stück eröffnet. Ein vielversprechender Auftakt. Doch keine vier Wochen nach diesem Aufbruch folgt der...

Vom Lockdown überschattet, aber trotzdem im Aufbruchsmodus – Barbara Mundels Intendanzstart an den Münchner Kammerspielen

Vorhang zu für Betonköpfe

Frühlingstheater

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Alles total anders

Elina Finkel, im ukrainischen Odessa geborene Regisseurin und Dramenübersetzerin, hat Bertolt Brechts im finnischen Exil geschriebene Kapitalismuskomödie „Herr Puntila und sein Knecht Matti“ am Volkstheater Rostock schön auf poppigen Neoliberalismus getrimmt. Denn in ihrer Inszenierung ist der, der noch an den Markt glaubt, an das Aushandeln von Arbeitskraft und Kapital, gar nicht mehr der Großbauer und Agrarkapitalist Puntila, sondern der prekär beschäftigte Matti. Matti, gespielt von Luis Quintana, ist der Checker, der den Handel um Arbeitskraft, Lohn und zu ergatternde Regenerationszeit längst durchschaut hat. Und der versucht, nicht nur für sich, sondern auch für andere seiner Klasse den besten Deal herauszuholen. Der Herr indes ist der Feilscherei und Ausbeuterei längst überdrüssig. Vor der kalten Kraft der kapitalistischen Vernunft flüchtet er sich in den Suff. Da kann er noch Mensch sein. Er kann Witze reißen, Wärme beim Personal suchen und vor allem der disziplinierten Etikette seiner in höhere Sphären drängenden Tochter entfliehen. Wenn er säuft, dieser Puntila, dann ist er Mensch, freilich ein aasiger Mensch, in dieser Degenerationsstufe hinreißend gespielt von Frank Buchwald. Seinem Puntila graut regelrecht vor den Anfällen schrecklicher Nüchternheit, die ihn ereilen, wenn der Stoff zur Neige geht und er dann wieder Knecht des Kapitalismus wird, herrschender Knecht,...

Volkstheater Rostock: „Herr Puntila und sein Knecht Matti“ von Bertolt Brecht. Regie Elina Finkel, Ausstattung Norbert Bellen

Rostock: Jeder ist jedem ein Knecht

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Wohin er griff auf vielen Schaffensfeldern, mit Feder, Stift oder Pinsel: Stets ist ihm das Außerordentliche gelungen. Bei alledem hat er nichts von sich her gemacht; dieser Meister grafisch-malerischer Zuspitzung, dem Grotesken, Satirisch-Geschärften wie dem Alltäglich-Absurden zugetan, war als Person von einer in sich ruhenden Zugewandtheit, die etwas Weltweises an sich hatte. Der Drang zum Regieführen, dem andere bühnenbildnerische Hauptgestalten seiner Generation nachgaben, lag ihm fern, Volker Pfüller blieb, abgesehen von gelegentlichen Ausflügen in die ­Malerei, in den Grenzen dessen, was man mit einem Notwort ­angewandte Kunst nennt. Mit einer stupenden stilistischen ­Sicherheit bewegte er sich innerhalb ihrer mit einer Vielseitigkeit, die nicht leicht ihresgleichen hatte. Subjekt und Objekt, in unserer Zeit schwerer denn je zu vereinbaren, das Prägnant-Persön­liche und die Wirkung nach außen, bildeten in seinem künstle­rischen Tun eine Einheit von exemplarischer Eigenart. Pfüller hielt, was die etablierte freie Kunst unter dem Druck von Film und Fotografie weithin verlernt hat, am Menschen fest als dem Gegenstand der Kunst, indem er dieses Menschenbild mit einer physiognomischen Prägnanz schärfte, die der Übermacht der technischen Medien auf ganz eigene Weise entgegnete. Was er farbensprühend und umrisssicher vom Menschen wusste und mitteilte, war das, was der Naturalismus der technischen Selbstabbildung zwangsläufig verbarg, es...

Dem Bühnen- und Menschenbildner Volker Pfüller zum Gedenken

Immer neu und immer derselbe

Berliner Chaos-Tage

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Pollesch ohne Pollesch

„Vier Seiten für Godard“

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Nationalsozial-charaktermasken

Editorial

In einem Jahr mit geschlossenen Sälen stellte es sich als Vorteil heraus, dass es weder ein Theater noch ein Kulturhaus im kleinen Dorf Dale in Westnorwegen gibt. Hier organisiert das Regie-Paar Torkil Sandsund und Miriam Prestøy Lie seit 2013 ein Festival. Als sie das Programm für dieses Jahr planten, hatten sich ressourcenstärkere Festivals bereits genötigt gefühlt, ihre Ausgaben aufgrund von Corona abzusagen. Die Unsicherheit in der Theaterszene war demnach groß, weswegen sich Sandsund und Prestøy Lie in der Verantwortung sahen, ein Zeichen der Hoffnung zu setzen. Das ­Festival ins Internet zu übertragen, war für sie keine Option. Sie hätten es als „Armutszeugnis“ empfunden, nicht nur für die Kunst, sondern auch für ihr Theaterfestival, das in erster Linie ein Treffpunkt sein soll: ein Live-Erlebnis, bei dem sich Kunst und Publikum, darunter viele Weitgereiste, begegnen. So gaben die Festivalleiter den Künstlern den Auftrag, neue Arten der Publikumsbegegnung zu erforschen. Der Choreograf Jonas Øren tanzte zehn Tanzsolos in zehn verschiedenen Gärten, andere Inszenierungen spielten sich in Bootsschuppen, den Privatautos des Publikums (angeleitet via Handy) oder draußen auf dem Fjord ab. Das eigentliche Flaggschiff des Festivals aber war „Fotballspelet“ (Fußballspiel), die neuste Arbeit von Vegard Vinge und Ida Müller. Ursprünglich nur als Ausstellung ihrer...

Bei ihrer neuesten Produktion „Fotballspelet“ im westnorwegischen Dale werden Vegard Vinge und Ida Müller von der Skandalpresse gejagt

Als der Mann mit dem Blazer den Popomaler traf

Samtener Schutzraum

Darwin-Theater

Als das Theater Basel „heimatlose Helden“ und „die letzten Fragen zum drohenden Ende der Welt“ zum roten Faden der Spielzeit erklärt hatte, war das Coronavirus noch nicht von Fledermäusen auf die Menschheit übergesprungen. Als die neue „Basler Compagnie“, wie sich das Ensemble selbst nennt, die konkrete Arbeit aufnahm, war es aber längst so weit, dass die Pandemie zum fast alles beherrschenden Hindernis geworden war. Es handelte sich also um einen Neustart unter mehrfach erschwerten Bedingungen, und das war nicht nur der Corona-Krise geschuldet. Benedikt von Peter, der von Luzern nach Basel berufen worden war (und bis zum Ende der Spielzeit mit einem halben Bein immer noch dort ist), musste seine erste Basler Saison auf einer Baustelle beginnen. Im großen Haus mit Baujahr 1975 ­wurden in der verlängerten Sommerpause die Fassade und der Bühnenturm totalsaniert. Das hinderte von Peter und sein Team aber nicht daran, beim Auftakt zur neuen Ära im Oktober gleich mit der ganz großen Kelle anzurichten. Dabei nahm der neue Intendant einen personellen Kollateralschaden in Kauf: Die kaufmännische Direk­torin Henriette Götz verließ das Haus. Als Begründung wurden „unterschiedliche Auffassungen zwischen ihr und dem neuen Intendanten über die zukünftige Führung des Theaters“ ange­geben. Dem Vernehmen nach hatte Götz auf...

Theater als basisdemokratisches Produkt – Das neue Basler Schauspielleitungsteam setzt ein programmatisches Ausrufezeichen

Falten oder Knüllen

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Angstlos! Heimatlos?

Shenja Lacher, als Sie vor vier Jahren Ihren Vertrag am Münchner Residenztheater gekündigt haben, erklärten Sie in einem Interview mit der FAZ: Nur „Material“ eines Regisseurs zu sein, sei Ihnen zu wenig. Dann lieber selbst als Regisseur Material formen? Das wird im Fall von „All By MySelfie“ in Jena sicher nicht so sein. Es ist ein Geben und Nehmen. Die Schauspielerin Mona Vojacek Koper bringt ja ein Grundkonzept und ihre Texte selbst mit, und dieses Material formen wir dann gemeinsam. Aber auch, als ich vor ein paar Jahren an der Bayerischen Theaterakademie das erste Mal mit Schauspielstudierenden eine Inszenierung gemacht habe, habe ich versucht, die Leute nicht in irgendetwas hineinzupressen. Mir geht es eher darum, Feuer zu entfachen, Spiellaune und Fantasie zu fördern. Aber natürlich freu ich mich, wenn gutes „Material“ vorhanden ist. Wo nichts da ist, kann man auch nichts entfachen. Versuchen Sie der Typ von Regisseur zu sein, den Sie sich als Schauspieler immer gewünscht haben? Na ja, ich habe ja gar nicht vor, dauerhaft ins Regiefach zu wechseln. Das hat sich so ergeben. Ich sehe mich tatsächlich als Spieler. Das ist aber auch ein bisschen mein Problem. Ich muss lernen, mich zurückzunehmen. Ich arbeite auch als...

Was macht das Theater, Shenja Lacher?

„Theaterbedeutung ist mir nicht ganz klar. Es gibt ja Theater für die Hummerfresserfrak­tion, fürs Feuilleton und für die Diskussionsfreudigen“, wusste Christoph Schlingensief 1994 im Interview auf die Frage zu antworten, warum er nun am Theater arbeite. Schlin­gensief, zeitlebens als Provokateur gebrandmarkt (oder geadelt), wusste auch beim gesprochenen Wort zuzuspitzen und mög­licherweise auf einfallslose Fragen überraschende Antworten zu geben. Gut dreißig Interviews, entstanden zwischen 1984 und 2010, sind nun, zehn Jahre nach dem frühen Krebstod des Universalkünstlers, im Verlag Kiepenheuer &amp; Witsch als Buch unter dem Titel „Kein falsches Wort jetzt“ erschienen – wenngleich die Auswahl nicht erklärt wird. Schlingensiefs Witwe, die Bühnenbildnerin Aino Laberenz, findet einleitende Worte für den Band; Diedrich Diederichsen, der das Nachwort beigesteuert hat, legt die eine oder andere Fährte, welche roten Linien sich im Interviewdschungel erkennen lassen, und macht etwa auf die – vielleicht unterschätzte – Bedeutung der (Opern-)Musik bereits im Schlin­gen­sief’schen Frühwerk aufmerksam. Nicht weniger interessant sind aber die Brüche und Widersprüche. Nicht nur die bereits oft attestierte Milde, die mit der Diag­nose Krebs einhergeht, fällt ins Auge. Schlingensief konnte über einige zeitliche Distanz ein und dieselbe Arbeit als besonders ironisch oder ironiefrei deklarieren. Auch das hat durchaus Unterhaltungswert bei der Lektüre. Während er in...

Christoph Schlingensief: Kein falsches Wort jetzt. Gespräche. Hg. von Aino Laberenz, Verlag Kiepenheuer & Witsch, Köln 2020, 336 S., 23 EUR.

„Die Rechnungen bleiben offen“

Ran ans Märchen! 

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Figurationen im Film

Der Notfall als Prinzip

Sonntagabend, kurz vor dem Lockdown, findet in Berlin ein paradoxes Schauspiel statt. Trotz steigender Corona-Zahlen ist die Stimmung auf der Straße prächtig. Die ganze Stadt scheint auf den Beinen, und auch wir sind unterwegs, um noch einmal ins Kino zu gehen, bevor alles schließt. Auf dem Weg dorthin passieren wir etliche Clubs, aus deren provisorisch aufgestellten Zelten laute Elektromusik wummert, dem Gegröle nach zu urteilen begeistert gefeiert von einer nicht gerade kleinen Masse Mensch. Ich denke noch: Tu es nicht! Und doch sehe ich, wie mein Arm emporschießt und empört auf die jubelnde Menge deutet: How dare they? Wie können sie nur? Schon ist es geschehen. Für Bertolt Brecht bildete die Straßenszene das Grund­modell epischen Theaters. Eine Person beobachtet einen Unfall und berichtet später hinzugestoßenen Passanten davon. Allein den Vorgang konkret zu beschreiben, ist in der Regel kompliziert genug. Doch bei diesem Unfall namens Corona sind wir immer auch Teil des Straßengeschehens. Das Virus, sagt der bildende Künstler Mark Lammert in dem aktuellen Journal der Akademie der Künste, stelle eine „globale Gleichzeitigkeit“ her, die uns „letztendlich in eine gemeinsame soziale Erfahrung“ zwingt. Ohne Probenzeit werden wir so zu Protagonisten eines Theaterstücks, dessen Regisseur, welch Kränkung der Menschheit, ein pathogener RNA-Haufen...

Straßenszenen aus dem Lockdown

Die Unnützen und die Gekränkten

Die digitale Masse

Das Theater mit den Finanzen

Die performative Baustelle

Als aus der kleinen schwarzen Handtasche die Hymne „God Save the Queen“ erklingt, kommt Bewegung in die Gruppe. Schauspieler Denis Pöpping auf hochhackigen Schuhen verwandelt sich in „Ihre Majestät“, zwei Kollegen schieben ihm einen bereitstehenden Ohrensessel unter und lassen den huldvoll Winkenden durch Reihen begeisterter Untertanen fahren. Alles ohne Worte. Und stopp. Regisseur Gregory Caers unterbricht die Szene, bespricht mit seinem achtköpfigen Ensemble die passende pantomimische Jubelexpression und den authentisch-königlichen Einstieg in das Plüschmöbel. Bei dem akribischen Bilderschöpfer muss jedes Detail sitzen. Caers – geboren in Brüssel und bis vor Kurzem Künstlerischer Leiter am Jugendtheater Hofplein in Rotterdam – probt im Theater an der Parkaue gerade das selbst erfundene Stück „Pythonparfum und Pralinen aus Pirgendwo“ für Menschen ab fünf. Das spielt in einem Hotel aus versunkenen Zeiten und beschwört eine Atmosphäre schrulliger Nostalgie. Der Regisseur, der den schwedischen Filmemacher Roy Andersson („Songs from the Second Floor“) zu seinen Vorbildern zählt, lässt hier eine Reihe seltsamer Charaktere aufeinandertreffen und in stummen Choreografien die verschiedensten Welten ineinanderfallen. „Ich versuche, Geschichten wie ein Maler zu erzählen“, sagt Caers. Er arbeitet zum ersten Mal an Berlins jungem Staatstheater, seine Produktion soll das große Weihnachtsstück werden. „Pythonparfum“ erfüllt zwar nicht gerade die Erwartungen an ein...

Das Berliner Kinder- und Jugendtheater an der Parkaue feiert seinen 70. Geburtstag

Spiel mir das Lied vom Theater

Staatstheater Nürnberg: Globaler Zelluntergang

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

JLG, wie die Ikone des 20. und 21. Jahrhunderts Jean-Luc ­Godard sich selbst nennt, ist nicht zu fassen. Am 3. Dezember wird der Meister des avantgardistischen Kinos neunzig Jahre alt. Wie soll man sich einem der herausragendsten Intellektuellen ­unserer Zeit annähern, der die assoziations- und zitatreiche Überforderung durch Bild, Ton, Wort auf die Spitze getrieben hat? Wie den Fehler umgehen, in einen Nachrufduktus zu verfallen an­gesichts eines Werks, das höchst lebendig und keineswegs ab­geschlossen ist? Immerhin feierte JLGs jüngster Film „Bildbuch“ 2018 seine Premiere in Cannes. Und wie auf ein Schaffen blicken, das in den fünfziger Jahren begann und 33 Arbeiten für das Kino einschließt – und eine noch weit höhere Anzahl an Fernseh­produktionen und Kurzfilmen? Die Person JLG ist längst hinter ihrem Werk zurückgetreten, wenn nicht darin verschwunden. JLG kann man nur gerecht werden, wenn einen – wie von ihm selbst etabliert – der Mut zum Fragment nicht verlässt: Geschichte lässt sich nur erzählen über Geschichten. Wo aber soll man beginnen, wenn man über Godard und das Theater nachdenkt? Film nach Brecht // Sein Langfilmdebüt „Außer Atem“ (1960) ist auch die Geburtsstunde des Jump Cut: Die Unterbrechung des Blicks durch sprunghaften Schnitt – das ist der kinematografische Verfremdungs-Effekt....

Zum 90. Geburtstag der Film- und Theaterikone Jean-Luc Godard

Godard-Geschichte(n)

Ein neues Stück gehöre entweder auf die Bühne oder ins Feuer. Darüber entscheide einzig dessen Qualität, und falls der schwerfällige Theaterapparat die Ablehnung verfügt, dann bitte schriftlich, „damit die Nachwelt was zu lachen hat“. Der bittere Humor, den Georg Seidel hier an den Tag legt, war typisch für einen DDR-Dramatiker dieser Generation: Man hatte sich auf jahrelange Genehmigungsverfahren einzulassen. Ein nicht unkomisches Ergebnis dieses Prozederes bestand darin, dass Autoren jenseits der vierzig offiziell als Nachwuchstalente galten. „Wer nicht gespielt wird, bleibt ewig jung“, schlussfolgerte der wie Seidel am Kriegsende geborene Lothar Trolle, dem auch nach dem Verschwinden des DDR-Theaterbetriebs eine große Beharrlichkeit abverlangt wurde. Das war Georg Seidel, der im Juni 1990 starb, nicht vergönnt. Zwar wurde sein Stück „Villa Jugend“ ein Jahr später in Mülheim mit dem renommierten Dramatikerpreis ausgezeichnet, aber in den Kanon der mehr als eine Saison überstehenden Gegenwartsstücke wurde es dennoch nicht aufgenommen. Heute darf bezweifelt werden, dass eine jüngere Generation von Dramaturginnen und Dramaturgen Georg Seidel überhaupt noch kennt. So ist es äußerst verdienstvoll, dass Kristin Schulz in Zusammenarbeit mit der Akademie der Künste anlässlich des 75. Geburtstags von Seidel im Quintus Verlag eine Sammlung aus dem Nachlass herausge­geben hat. Ein achtzigseitiges Lesestück zum 750-Jahre-Berlin-Jubiläum...

IrmerGeorg Seidel: Klartext: Bühne oder Feuer. Szenen, Gedichte, Prosa, Skizzen aus dem Nachlass. Hg. von Kristin Schulz, Quintus Verlag, Berlin, 176 S., 20 EUR.

Oberhalb der Flachlandserpentinen

Theater ist überlebensnotwendig

Alles ist eine Frage der Perspektive. Das ist natürlich erst einmal ein Gemeinplatz, praktisch eine Selbstverständlichkeit. Aber wie so vieles, was wir für selbstverständlich nehmen, verlieren wir auch diese Erkenntnis leicht aus den Augen. Gerade bei Film- und Fernsehbildern ist der Blickwinkel entscheidend. Sie suggerieren Wirklichkeit und sind doch nur ein meist mit Bedacht gewählter Ausschnitt, der die Wahrnehmung des Betrachters und damit auch seine Vorstellungen von Wahrheit und Wirklichkeit lenkt. Wo die Kamera steht, wen sie wie lange betrachtet, das sind nicht nur formale Fragen. Sie haben eine ganz konkrete politische und gesellschaftliche Relevanz. Wie sehr der Blick der Kamera das Denken und Fühlen des Zuschauers prägt, konnte man auf höchst eindringliche Weise bei dem kleinen, von Elena Liebenstein und Raban Witt kuratierten Festival Schlingensief 2020 erleben. Als „Spektakel zum Erinnern, Feiern und Weitermachen“ sollte es nicht nur eine Gedenkveranstaltung für den am 24. Oktober 1960 in Oberhausen geborenen und vor zehn Jahren verstorbenen Künstler sein. Es sollte, wie Elena Liebenstein im Gespräch sagte, „ein in der Stadt und im Theater sichtbares Spektakel sein, dass die Methodik von Christoph Schlingensief aufgreift“. Wobei die Frage, ob es überhaupt so etwas wie eine „Methode Schlingensief“ gab, sich kaum ­eindeutig beantworten lässt....

Das Theater Oberhausen feiert mit einem Festival den großen Filme- und Theatermacher Christoph Schlingensief – gemäß der Methode, keiner Methode zu trauen

Die Kunst, keine Antworten zu geben

Brennender Schatten

Staatstheater Mainz: Apfelstrudel aus der Tube

Optimismus strahlt die Regisseurin aus, Offenheit und Freude. Wer länger mit ihr spricht, kann sich leicht vorstellen, wie gern Schauspielerinnen und Schauspieler mit ihr arbeiten. Denn Anna-Elisabeth Frick räumt ihrem Ensemble jede Menge Freiheiten ein. Das funktioniert auch deshalb, weil Texte für sie nicht absolut gelten. „Den Text?“, fragt Anna Frick schelmisch, um nach einer kurzen Denkpause selbst zu antworten: „Ja, den gibt es auch. Frick feiert das Fragmentarische. Von „Gerüst“ ist bei ihr häufig die Rede, von „Assoziationen“ und „Atmosphäre“. All das unterstreicht ihre Denkbewegung des Hinterfragens und Suchens. Jede der zwölf Vigilien aus E. T. A. Hoffmanns Novelle „Der goldne Topf“ bricht sie in ihrer Freiburger Inszenierung aus der Spielzeit 2017/18 auf je einen zentralen Grundge­danken herunter. Das eröffnet dem ­Ensemble Raum zur Improvisation. Hoffmanns Protagonist stürzt selbstredend nicht mitten hinein in einen Marktstand, wie in der Eingangsnarration des Kunstmärchens vorgesehen. Anselmus’ Tollpatschigkeit transportiert sich in Fricks Regie so schlicht wie spielerisch über einen verspäteten Theaterauftritt, von den Schauspielkollegen lustvoll ausgestellt und entsprechend negativ kommentiert. Das schärft den Blick auf die Rolle des Außenseiters. Fricks Inszenierungen bestechen durch Abstraktion. Sie spüren Grundlegendes auf und eröffnen gerade dadurch Spiel-Räume. Von ihren Schauspielerinnen und Schauspielern verlangt die Regisseurin, den Theaterraum...

Die Regisseurin Anna-Elisabeth Frick möchte sich nie allzu sicher sein

Systemsprenger Hamlet

Ende der Exception Culturelle

Als Antanas Mockus 1995 Bürgermeister von Bogotá wurde, galt die kolumbianische Hauptstadt als eine der gefährlichsten Metropolen der Welt. Das neue Stadtoberhaupt – Philosoph und Mathematiker von Beruf – brachte zur Bekämpfung der hohen Kriminalitätsrate lauter Ideen mit, die dem Image vom welt­fremden Theoretiker alle Ehre machten. So bestand eine seiner ersten Amtshandlungen darin, die korrupte Verkehrspolizei zu ersetzen – durch Pantomimekünstler. Für ihr Fehlverhalten von Mimesis- und Ironie-Fachkräften durch den Kakao gezogen zu werden, würde potenzielle Verkehrssünder – so glaubte Mockus – wirksamer abschrecken als die einschlägigen Bußgeldverfahren. Außerdem standen in Bogotá bald Tauschaktionen auf der Agenda, bei denen jeder, der eine Waffe abgab, im Gegenzug Kinderspielzeug ausgehändigt bekam. Pistolen zu Puppenstuben und Polizisten zu Performern? Was aus gängiger realpolitischer Sicht als rührend idealistische Spinnerei erscheint, zeitigte de facto erstaunliche Ergebnisse. Die Zahl der Verkehrsunfälle sank während Mockus’ knapp dreijähriger Amtszeit um mehr als fünfzig Prozent, die Mordrate gar um siebzig. Mit dieser Erfolgsgeschichte des „artivistischen“ Eingreif­theaters – einer Praxis also, die Kunst (art) mit Aktivismus ­(activism) verbindet – beginnt das vor sechs Jahren von Florian ­Malzacher zusammen mit dem Festival steirischer herbst heraus­gegebene Buch „Truth is Concrete. A Handbook for Artistic Strategies in Real...

Polizeikritik hat Hochkonjunktur im Theater – Björn SC Deigners Schiller-Überschreibung „Die Polizey“ in Bamberg und Kevin Rittbergers „Schwarzer Block“ in Berlin

Pistolen zu Puppenstuben!

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Wie wurde eigentlich die Currywurst erfunden? Zumindest für die Berliner Lebensqualität ist das ja keine ganz unwesentliche Frage. Marie Schleefs Theaterabend „Name Her“ im Ballhaus Ost jedenfalls gibt darauf eine in vielerlei Hinsicht überzeugende Antwort. In einer furiosen Slapsticknummer führt die Performerin Anne Tismer vor, wie der Berliner Gastronomin Herta Heuwer eines schönen Septemberabends im Jahr 1949 bei einem buchstäblichen Aus­rutscher hinter ihrem Imbisstresen das Currypulver auf die Brühwurst mit dem Tomatenmark fiel. Und weil eine Gastronomin, zumal in den Nachkriegsjahren, natürlich keine Lebensmittel verschwendet, wird der kulinarische Betriebsunfall nicht in der Mülltonne entsorgt, sondern selbstaufopferungsvoll zum Abendbrot verzehrt. Der Rest ist Legende – und Herta Heuwer nur eine von Hunderten verschwiegener Geschichtsschreiberinnen, denen man in Schleefs achtstündiger Inszenierung begegnet. Alphabetisch nach Namen geordnet und in vier jeweils neunzigminütige Blöcke sortiert, entblättert sich tatsächlich ein ganzes Lexikon von Blitzableiter-Erfinderinnen und DNA-Entschlüsselerinnen, von U-Boot-Ingenieurinnen, Komponistinnen, Philosophinnen und Autorinnen, das die weitverbreitete These Lügen straft, der Weg des Homo sapiens aus der Steinzeit bis ins Hightech-Zeitalter sei genuin von maskulinem Innovationsgeist gepflastert. Neben vielem anderen ist „Name Her“ auch ein Abend über Frauen, für deren Erfindungen nicht selten männliche Kollegen die Preise eingeheimst haben. Obwohl weibliche Perspektiven zurzeit ja durchaus en vogue...

Die Berliner Regisseurin Marie Schleef arbeitet an einer weiblichen Geschichtsschreibung

Angewandte Emanzipation

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

Eine Wette auf die Zukunft

Schon lange, bevor der Sendebetrieb des DDR-Fernsehens am 31. Dezember 1991 eingestellt wurde und die Büros entsprechend dem Einigungsvertrag bereits aufgelöst waren, hatte ein Hefter mit Texten Heiner Müllers das Fernsehzentrum in Berlin Adlershof verlassen. Es handelte sich um 29 nicht datierte und vom Autor nicht gezeichnete Typoskriptseiten, unveröffentlicht und bislang in der umfangreichen Sekundärliteratur zu Heiner Müller nicht behandelt. Christa Vetter, die den Hefter bewahrte und seinerzeit an sich nahm (er wäre wohl sonst im Müll gelandet), war in den 1960er Jahren Dramaturgin für Fernsehspiele beim Fernsehen der DDR und zuvor am Berliner Maxim Gorki Theater tätig ge­wesen, wo sie Arbeiten von Müller betreut hatte. Das Konvolut umfasst insgesamt 15 Texte in unterschiedlicher Ausführung, vom ausgeschriebenen Treatment bis zur knappen Skizze als vermut­licher Stoffprobe: Entwürfe für kleine Fernsehspiele beziehungsweise eventuelle Literaturverfilmungen. Diese Entwürfe schrieb Heiner Müller in den Jahren nach 1961 offenbar als Auftragsarbeiten. Der biografische Hintergrund sind die Hungerjahre nach dem Ausschluss aus dem Schriftstellerverband. Kulturgeschichtlich kommt die planvoll vermehrte Produktion von Fernsehspielen im Deutschen Fernsehfunk ­Anfang der sechziger Jahre hinzu, als Stoffe für das noch junge Medium gefragt waren: für Müller ein wohl wichtiger anonymer Broterwerb in der Beauftragung durch Christa Vetter. Stofflich haben die 15 Entwürfe...

Eine Entdeckung zum 25. Todestag – Heiner Müllers bislang unveröffentlichtes Drehbuch-Exposé „Myer und sein Mord“ fürs DDR-Fernsehen

Mensch Myer!

R Ä U M E

Bonn Park, in Ihrem neuen Stück gibt es ein Wiedersehen mit den berühmten Theater­brüdern Franz und Karl aus Friedrich Schillers Jugendwerk „Die Räuber“. Allerdings heißen sie bei Ihnen nicht Moor, sondern Ozean und weisen auch sonst große Ähnlichkeiten zu den Kultgangstern um George Clooney und Brad Pitt auf, die in Steven Soderberghs Heist-Movie „Ocean’s Eleven“ den Tresor eines Casino­hotels knacken. Die Idee, Schillers „Räuber“ mit „Ocean’s Eleven“ zu verbinden, kam mir schon vor fünf Jahren. Ich mag den Film sehr, weil er so bedingungslos zuversichtlich ist. Es geht immer alles glatt, es gibt für jedes Problem eine Lösung, für alles existiert ein Plan, und am Ende wird immer alles gut. Selbst wenn es zwischendurch scheinbar katastrophal läuft, stellt sich letztlich heraus, dass das nur Teil des Planes war: Ein schönes und wichtiges Gefühl, das ich sehr vermisse in meinem Leben. Sie arbeiten an einem Erbauungsabend? Und das ausgerechnet mit den „Räubern“? Die Casinoräuber in „Ocean’s Eleven“ sind zwar eigentlich Verbrecher, aber man findet sie richtig super. Sie sehen gut aus, sind gut gekleidet und haben keine Waffen. Nicht ein einziges Mal wird jemand erschossen, nie muss jemand zurückgelassen werden, es ­fallen keine Kraftausdrücke, alles ist sehr lässig und charmant. Was...

Der Dramatiker Bonn Park über sein neues Stück „Die Räuber der Herzen“, das er selbst am Hamburger Schauspielhaus urinszeniert, im Gespräch mit Christine Wahl

Liebes Reclamheft, reg dich bitte nicht auf!

Das Ährenfeld als stille Utopie

Schauspiel Essen: Unnachgiebig behutsam

Mabel M, Frau von Paul M, einem kleinen Angestellten in London, wünscht sich ein Fernsehgerät. M spart, wird Nichtraucher, arbeitet bis in die Nacht, kriecht vor seinem widerlichen Chef, hat keine Zeit für Mabel, bis er Mabels Wunsch erfüllen kann. Mabel ist glücklich: sie hat ein Fernsehgerät. Myer ist glücklich: er hat wieder Zeit für Mabel. Ein glückliches Paar vor dem Bildschirm. So vergeht der erste Abend. Am zweiten Abend, als Myer mit Blumen nach Hause kommt, kommt ihm Mabel nicht wie sonst an die Tür entgegen, nimmt ihm nicht den Mandel ab wie sonst, serviert ihm kein Essen wie sonst, sitzt vor dem Bildschirm, sieht Myer nicht an, sieht die Blumen nicht an, sagt nur: stell sie in die Vase, Liebling und: mach dir eine Suppe, dein Steak ist angebrannt, hat nur Augen für Mister Bellamy, den charmanten jungen menjoubärtigen rechtsgescheitelten Sprecher der Fernsehsendung für das Herz der Frau. Myer stellt die Blumen in die Vase, macht sich die Suppe, verliert kein Wort über das angebrannte Steak, leidet stumm in der Gewißheit: die Bellamys kommen und gehen, ich bleibe. AM NÄCHSTEN Abend, Myer hat seinen Hausschlüssel zuhaus liegengelassen, macht Mabel nicht auf. Myer klingelt klopft ruft, holt, in Angst...

Myer und sein Mord oder Die Macht der Röhre (Exposé)

Dramaturgie der Solidarität

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

Disappearing Birdie Coonan

„Die Lage ist verwirrend“, schreiben die Autoren vorneweg, sodass gleich klar wird, was dieses „Manifest der künstlerischen Forschung“ leisten möchte: In 15 Sätzen halten die Schweizer Wissenschaftler fest, wie es um die titelgebende Disziplin bestellt ist – und wie es bestellt wäre, wenn die im Untertitel angekündigte „Verteidigung gegen ihre Verfechter” gelänge. Die diagnostizierte Orientierungslosigkeit um die Deutung und Bedeutung des ­besagten Feldes führen die Autoren auf falsch verstandene Vorbilder und Maßstäbe zurück. Diesen setzen sie in vier aufeinander auf­bauenden Schwerpunkten programmatische ­Aus­sagen entgegen: „Theorie und Praxis“, „Ästhetisches Wissen“, „Ästhetisches Tun“ sowie „Für eine Intellektualität des ­Ästhetischen“. Thematisch berührt der Band dabei so einiges, was der philosophische Diskurs um Ästhetik und Theorie seit Hegel und Baumgarten zu bieten hat – von Kant bis Turing, von der Antike bis zur Digitalisierung. Verstanden vor dem institutionellen Hintergrund der Autoren, die allesamt selbst als Geisteswissenschaftler im abgesteckten Feld tätig sind, wird dieser theoretische Eklektizismus zur befreienden und inspirierenden Lektüre. Wie jedes Manifest muss auch das vorliegende eben nicht nur als Argument eines theoretischen Diskurses, sondern zugleich auch als programmatisch und politisch gelesen werden: Es wird kein weiterer Band für die Ewigkeit vorgelegt, sondern in kurzer Form deutlich gemacht, dass man auch gehört werden...

Silvia Henke, Dieter Mersch, Nicolaj van der Meulen, Thomas Strässle, Jörg Wiesel: Manifest der künstlerischen Forschung. Eine Verteidigung gegen ihre Verfechter. Diaphanes Verlag, Zürich 2020, 128 S.

Was schreit die Kunst nach Wissenschaft

Hoffnung schaffen

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Das Theater von Armin Petras ist eine quirlige, überdrehte, wilde, improvisierende, rasende, kindliche Spielbude. Der 1964 in Meschede Geborene leitete das Schauspiel in Nordhausen und Kassel, er war Intendant am Berliner Maxim Gorki Theater und in Stuttgart. Regie landauf, landab, ohn’ Unterlass. Er ist ein Perfektionist des Unfertigen, in dessen Inszenierungswerk die Traurigkeit kostbare Schattenflecke auf Lichtungen der Clownerie zaubert. Als sei Theater eine Kinderzeichnung: wenige Striche – mehr braucht man nicht! In Gesprächen mit Hans-Dieter Schütt erzählt er von seinem Leben als ein „Immerwerker“, der nur die Unablässigkeit leben kann, nicht die Lässigkeit. Seine Devise: Nutze den Tag, der in jeder Sekunde steckt. Stets ein Leben zwischen Ost und West – von Freiheit bleibt eines: die Suche danach. Zu Wort kommt auch sein Alter Ego, der erfolgreiche Stückeschreiber Fritz Kater. Unter diesem Pseudonym schreibt Petras eine Dramatik jener Verwundungen, die den Menschen treffen, wenn er zu schmächtig ist für die Kälte der Welt. Ihr Arbeitsfeld als Regisseur und Autor blieb mit den Jahren äußerst umfangreich. Regisseur Werner Herzog sagt, er konzipiere einen Film, an einem zweiten schreibe er, einen dritten bereite er unmittelbar vor, einen drehe er, und bei einem weiteren laufe die Postproduktion. Bei mir sind die Vorgänge...

Paperback mit 176 Seiten und zahlreichen Abbildungen. ISBN 978-3-95749-295-1 EUR 18,00 (print) / 14,99 (digital)

Exklusiver Vorabdruck: backstage Petras

Am Ende geht Nora einfach. Das von Sophia Burtscher gespielte Model nimmt sich die Freiheit, ihren Mann Helmer, einen weltberühmten Fotografen und Creative Director, ebenso wie ihre beiden Modepüppchen-Kinder zu verlassen. Was 1879 bei der Uraufführung von Henrik Ibsens Schauspiel noch eine Provokation war, scheint mittlerweile vollkommen selbstverständlich. Das weiß auch Robert Borgmann. Also verlagert er in den letzten Momenten seiner dezidiert heutigen Bearbeitung des Stücks plötzlich den Schwerpunkt der Inszenierung. Zuvor drehte sich praktisch alles um Nora, dieses strahlende Glamour Girl, das von zahllosen Followern in den sozialen Medien gefeiert wird. Doch plötzlich rückt der von ­Peter Miklusz gespielte Helmer ins Zentrum des Geschehens – auf der Bühne wie auch auf den beiden Monitoren, über die Live-Video­bilder und gerade aufgenommene Fotos flimmern. Der Mann, der zuvor immer mit einer Mischung aus Arroganz und Coolness agiert und sich selbst zum Maßstab aller Dinge erhoben hat, bricht gänzlich zusammen. Seine Models nehmen ihn gar nicht mehr wahr, rempeln ihn während eines Fotoshootings an und steigen schließlich gar über ihn hinweg. Von dem zappeligen Jungen, der sich mit Macho-Allüren als Macher gerierte, ist nur noch ein greinendes Häufchen Elend übrig. Für Borgmann geht es nicht mehr nur um die Befreiung Noras, die...

Schauspiel Köln: „Nora“ von Henrik Ibsen. Regie, Bühne und Musik Robert Borgmann, Kostüme Bettina Werner; „Die Walküre“ frei nach Richard Wagner. Regie u. Bühne T. B. Nilsson u. J. Wolf Eicke

Köln: Falsche Leben

Anfangszeiten der Inklusion

Wer aus Jena kommt, der kennt die Wartburg. Jene rustikale Eckkneipe im sogenannten Damenviertel, die von ihren Betreibern Rolf und Doris bis zu ihrem Besitzerwechsel 2019 über zwanzig Jahre hinweg hingebungsvoll geführt wurde. Zuvor funktionierte die Wartburg in den sechziger bis achtziger Jahren wie so viele Kneipen zu dieser Zeit als rustikales und günstiges Speiselokal der Preisstufe eins, der niedrigsten Preiskategorie der DDR. Für den vom Tage geplagten Arbeiter ein dankbares Angebot: Warum allein zu Hause kochen? Auch bei Rolf und Doris gab es bis zuletzt deftige Speisen für den kleinen Geldbeutel. Heute, ein Jahr nach Schließung des Lokals, trifft sich das Ensemble von Wunderbaum – dem Leitungskollektiv des Theaterhauses Jena – auf der Hauptbühne im täuschungsechten Nachbau der Wartburg. Noch einmal über die guten alten Zeiten, die Ängste der Gegenwart und die Hoffnungen von morgen resümieren. Noch ein Bierchen und ein Schnaps, bevor endgültig Feierabend ist. Das Kneipeninterieur, das eigens für die ­Produktion in der Kneipe ab- und im Theater wieder aufgebaut wurde, lässt so manches Herz der im Publikum anwesenden Stammgäste höherschlagen. Dennoch bleiben auch die skeptischen Blicke nicht aus: Die Vergangenheit kann man eben nicht so einfach wieder aufleben lassen. Oder etwa doch? Kneipier Rolf (hervorragend: Elisa...

Theaterhaus Jena: „Zur Wartburg“ (UA). Regie Wunderbaum, Ausstattung Cornelia Stephan; „Stadt der Engel oder The Overcoat of Dr. Freud“ nach Christa Wolf. Regie Lizzy Timmers

Jena: Stadt der Gespenster

Herr Behr, Herr Kocak, Herr Rittberger: Die Polizei steht zurzeit nicht nur im Fokus politischer Debatten, sondern ist auch auf den Bühnen sehr präsent. Am Berliner Maxim Gorki Theater läuft zum Beispiel Kevin Rittbergers Antifa-Stück „Schwarzer Block“, dessen Protagonisten sich erwartungsgemäß einig sind, dass es sich bei der Polizei nicht um „deinen Freund und Helfer“ handelt, sondern um eine rechtslastige Truppe mit rassistischen Tendenzen. Herr Behr, was sagen Sie – als Polizeisoziologe und ehemaliger Polizist – zu diesem Image? Rafael Behr: Das subjektive Empfinden der politischen Verortung entspricht durchaus diesem Bild, und zwar auf beiden Seiten. Die „linken Zecken“, der „schwarze Block“ – das ist für Polizisten und Polizistinnen tatsächlich der Lieblingsantagonist. Der Lieblingsfeind steht immer links, nie rechts. Ein Bild, das sich mit der Entstehung der Studentenbewegung in den sechziger Jahren etabliert hat und somit eine lange Tradition besitzt. Der schwarze Block bringt die intellektuelle Auseinandersetzung sozusagen auf die Straße, nach dem Motto: Wir stellen uns physisch dem Staat und der Polizei entgegen. Insofern ist mir klar, dass es Positionen im Leben gibt, aus denen heraus man diese Perspektive auf die Polizei entwickeln kann. Herr Kocak, ist Ihre Position vielleicht eine solche? Sie sind Aktivist, Politiker der Partei Die...

Der Soziologe Rafael Behr, der Politiker und Aktivist Ferat Kocak und der Autor Kevin Rittberger im Gespräch über Theater und Polizei mit Dorte Lena Eilers und Christine Wahl

Der Lieblingsfeind steht links

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

Guilt-Trip durchs Vogtland

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Vor knapp zwei Jahren kam das Stück „sklaven leben“ des Dramaturgen Konstantin Küspert am Schauspiel Frankfurt zur Uraufführung. Zum richtigen Zeitpunkt, denn die Debatte um Postkolonialismus hatte die deutsche Öffentlichkeit gerade in größerem Umfang erreicht. Küspert verknüpft in seiner geradezu essayistischen Revue dabei nicht nur den historischen Begriff des Sklaven mit der Arbeit in der prekären Dienstleistungswelt heute, sondern arbeitet auch mit der Grundidee, Afrika und Europa, Nord und Süd samt Ressourcen- und Flüchtlingsströmen zu vertauschen. Senegalesische Schiffe fischen die Nordsee leer, und Europäer wandern in afrikanische Sozialsysteme ein, die sie zusätzlich mit ihren Kinderscharen belasten. Vertauscht wird ebenso die Ost-West-Migration, wenn Skandinavier sich in der moldawischen Altenpflege verdingen müssen. Das ist ein guter Verfremdungstrick zur Verdeutlichung der Verhältnisse in einer Art Zerrspiegel. Davon bloß zu erzählen, trägt allerdings nicht allein. Das ist die Herausforderung. In Meiningen schmettern zu Beginn des Stücks (das der Rezensent aufgrund des pandemiebedingten Lockdowns nur auf Video sehen konnte) die Fanfaren des ARD-„Weltspiegels“ durch den Raum, dessen Markenzeichen es ist, das Elend der Welt in Sechs-Minuten-Geschichten zu erzählen. Das entspricht in etwa auch der Struktur von ­Küsperts Gedankenspielen. Dann aber treten zur Musik von „Dalli Dalli“, einer ZDF-Spielshow aus den siebziger, achtziger Jahren, zwei Frauen...

Meininger Staatstheater: „sklaven leben“ von Konstantin Küspert. Regie Juliane Kann, Ausstattung Vinzenz Hegemann

Meiningen: Verfremdungspalaver auf der Showbühne

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Das erste Mal, dass ich einen Polizisten nicht nur auf der Straße, sondern auch in einer Wohnung sah, war leider bei mir zu Hause. Meine Mutter wollte meinen Vater anzeigen; wenig später zog sie die Anzeige zurück. Damals war ich noch klein, und ich war auch noch nicht groß, als ich von einem Polizeiwagen gestoppt wurde, ich auf meinem Fahrrad, unvorteilhaft auf der linken Spur der Straße. Der Polizist auf dem Beifahrersitz kurbelte das Fenster herunter, und weil mir auf die Schnelle nichts Besseres einfiel, tat ich empört: Bin ich zu schnell gefahren? Diese Frage überging der Polizist und wies mit erhobenem Zeigefinger darauf hin: Rechtsfahren ist amtlich. Das habe ich mir bis heute gemerkt, woran man sieht, dass das gern praktizierte, an die Einsicht appellierende Bürgergespräch der Polizei nicht immer vergeblich ist. Das zweite Mal, dass ich einen Polizisten in einer Wohnung sah, noch dazu in seiner eigenen, war in Rosenheim. Max arbeitete dort für die Kripo. Ich glaube, er mochte mich, und ich mochte ihn auch, aber viel mehr noch mochte ich seine Tochter, die mich zwar auch mochte, aber nicht so, wie ich es gebraucht hätte. Oft wirkte Max ein wenig zerknirscht, und einmal ließ er ein...

Kurzer Lebenslauf mit Polizei

Jetzt ist schon wieder was passiert

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Premieren Dezember 2020

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

The Ghost, The Voice, The Faceless

Die Zukunft nebenan

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Meldungen

Dass dieses Schattenspiel albern ist, sieht man selbst in der hausinternen Videoversion des Abends, auf die ich zurückgreife, weil der „Shutdown light“ Mareike Mikats Inszenierung von Vladimir Sorokins „Der Schneesturm“ vorübergehend vom Spielplan gefegt hat. Da sitzt also die Müllerin als riesiger Schatten auf der Rückwand der großen Bühne des Stadttheaters Ingolstadt – und um sie herum springt das Zamperl, das ihr Mann sein soll. Irgendwann versinkt es kopfunter zwischen zwei steil aufragenden Bergen, deren Gipfel Brustwarzen krönen. Ja, albern ist das schon, aber alles andere als falsch. Denn auch Sorokins 2010 erschienener Roman hat zwei Seiten. Mindestens zwei. Da ist zunächst seine liebevolle Wilderei in der russischen Literatur des 19. Jahrhunderts: Ein Landarzt macht sich mitten im russischen Winter auf in ein Dorf, in dem eine Epidemie wütet, und gerät dabei in einen Sturm. Setting, Motive und Personenkonstellation erinnern an Tolstoi, Puschkin und Tschechow, das sich immer weiter entfernende Ziel an Kafka. Das Gefühl der wohligen Vertrautheit aber verhindern fast beiläufig eingestreute Elemente eines Sci-­­Fi-Märchens: Die Epidemie verwandelt Menschen in maulwurfsähnliche Untote, das „Mobil“, mit dem der Arzt Garin und sein Kutscher Krächz unterwegs sind, wird von fünfzig Mini­pferdchen gezogen, von denen keines „größer als ein Rebhuhn“ ist. Die...

Stadttheater Ingolstadt: „Der Schneesturm“ von Vladimir Sorokin. Regie Mareike Mikat, Bühne Simone Manthey, Kostüme Anna Sörensen

Ingolstadt: Im Nasenloch eines gefrorenen Riesen

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

-´-,-{@ VERBRECHER*INNEN @}-,-´- AMALIA FRANZ OZEAN DER ALTE OZEAN KARL OZEAN FAUSTY SPIEGELBERG FISTO SPIEGELBERG SHORTY SNAKE MAGIC GIRL ERSTER AKT Erste Scene Vor dem Waldgefängnis von Hinterpommern. LIED: DJ TOMEKK FT. KURUPT, G-STYLE, TATWAFFE – GANXTAVILLE PART III https://www.google.com/search?client=firefox- b-d&amp;q=GANXTAVILLE+Part+III DIE RÄUBER DER HERZEN Die Türen des Gefängnisses öffnen sich. Heraus tritt ein gutaussehender Typ, dessen Krawatte fast gebunden ist und das Hemd fast vollständig zugeknöpft. Der Anzug sieht zum Glück teuer aus, das Brusthaar zu gepflegt. Er hat einen obszön lässigen, aber auch sehr erstrebenswerten Gang. Wäre es das Jahr 2001, niemals würden wir ihn von der Bettkante stoßen. (Doch leider ist es oft das Jahr 2020, in dem wir jede*n von der Bettkante stoßen.) Es ist Karl Ozean. Niemand hat Karl Ozean abgeholt. Niemand hat vor dem Gefängnis auf Karl Ozean gewartet. KARL Hm. Niemand da. Kein Freund, kein Feind. O Pharao! Ich dachte vielleicht, naja, es kommt jemand, es würde sich jemand freuen, dass ich endlich rauskomme. Vielleicht meine Freundin Amalia oder mein Bruder Franz oder mein Vater, der alte Ozean, möglicherweise. Mich deucht aber schon auch, dass, naja. So. Alles gut. Nicht so schlimm. Komplizierte Gefühle, aber auch nicht so schlimm. Ich hass die...

nach „Die Räuber“ von Friedrich Schiller

Die Räuber der Herzen

Autorinnen und Autoren Dezember 2020/Vorschau

„Du bist jetzt heilig. Enjoy!“, ruft die historische Jeanne d’Arc der Schiller’schen Jungfrau von Orléans hinterher. Die fährt sodann im Superwoman-Kostüm und mit nach oben gereckter Faust in den Unterboden. Die echte Johanna endet bekanntlich auf dem Scheiterhaufen, die Schiller’sche stirbt auf dem Schlachtfeld. Nachruhm ist beiden sicher. Die lange Liste der Jeanne d’Arc-Adaptionen zeigt, dass diese Frau für vieles herhalten muss, ganz egal, ob man sie als Heilige verkitscht oder als Heldin verehrt. Mit jeder Deutung verbinden sich spezifische Frauenbilder, und die stehen an Claudia Bossards Johanna-Abend im Fokus. Im Programmheft spricht sie davon, dass eine Leerstelle bleibe, weil es die eine Wahrheit über Johanna eben nicht gebe. Diese Leerstelle füllt ihre Inszenierung mit Witz und szenischer Energie. Alles beginnt informell: Während die Zuschauer ihre Plätze erreichen, pirscht sich die historische Jeanne d’Arc, gespielt von der 14 Jahre alten Schülerin Elen Gourio, gemeinsam mit Béla Milan Uhrlau, der die Ritter La Hire und Lionel verkörpert, an den Text heran. Es geht um Frauen, Theater, Macht und Gender. Ein launiger Prolog auf weißen Plastikstühlen und ein herzliches Willkommen auf der Metaebene. Schillers Text geizt bekanntlich wie so viele seiner Stücke mit Frauenrollen. Nur ein Anknüpfungspunkt für diesen ironisch feinsinnigen und...

Staatstheater Darmstadt: „Johanna von Orléans“. Am Beispiel Friedrich Schillers. Regie Claudia Bossard, Ausstattung Elisabeth Weiß

Darmstadt: Willkommen auf der Metaebene

Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

Der Kultur-Kahlschlag droht

Was macht das Theater, Thomas Köck?

Dass der November noch nie zu den Wonnemonaten gehörte, steht außer Frage, und dass er diesmal besonders unerbittlich zugeschlagen hat, auch. Der zweite Corona-Lockdown zwingt die ­Theater wieder in den Stand-by-Modus – wie all die anderen potenziell stimmungsaufhellenden ­Institutionen, die Menschen in ihrer Freizeit gern aufsuchen. Moment. „Freizeit“? Denkt der gemeine Bürger da nicht eher an Spaßbäder? Wettbüros? ­Spielhallen? Am Ende gar an Bordelle? Welch ein Kategorienfehler, die hochkulturellen Theater­tempel...

Camilla Hägebarths Bühne ist ein bis zur Brandmauer offener Arbeitsort. Zwei heruntergelassene Zugstangen machen auf Ballettsaal, und zu einer Mischung aus extrahohem Podest und überbreitem Hochsitz führt eine Gangway aus Stahl hinauf. Die Schauspieler sind unterschiedlich grau gewandet und machen sich schon mal warm, denn was nun folgt, ist eine Art Trainingseinheit im Identitätendschungel, zu der aus dem Off ein paar Stimmen ertönen, die den Wert von Großeltern oder das Zuhausesein in der Muttersprache thematisieren, die Heimat, die Freunde bedeuten, oder das Fremdbleiben in der Fremde. Nach dem Theater Oberhausen hat sich nun auch das Münchner Volkstheater an den Erinnerungsroman „Herkunft“ gewagt, mit dem Saša Stanišić 2019 den Deutschen Buchpreis gewann. Die vom Autor genehmigte Textfassung bringt dessen assoziatives Gefüge, sprachliche Finesse und philosophischen Sub- und Metatext trotz naturgemäßer Kürzungen erstaunlich unbeschadet vom Papier auf die Bühne. Wobei Regisseur Felix Hafner und seine sechs Akteure sich vornehmlich für das Allgemeingültig-Überzeitliche im Familien­geschichtlich-Anekdotischen interessieren. Jan Meeno Jürgens, Pola Jane O’Mara, Jakob Immervoll, Jonathan Müller, Nina Steils und Anne Stein erzählen mal chorisch, mal durcheinander, mal den Erzählfaden weiterreichend aus wechselnden Perspektiven und in verschiedenen Rollen. So entsteht nach und nach und analog zur Sprung- und Fragmenthaftigkeit der Vorlage ein szenisches Mosaik,...

Münchner Volkstheater: „Herkunft“ von Saša Stanišić. Regie Felix Hafner, Ausstattung Camilla Hägebarth

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