Was macht das Theater, Tim Behren?

Mach dir keine Sorgen um deinen Mac und das Internet“, schreibt Jeton Neziraj, bevor ich nach Prishtina fliege. „Mac im Kosovo ist wie die Berliner Mauer in Berlin. Alle benutzen ihn hier ohne Probleme. Aber bring bitte keine Waffen mit (falls du eine brauchen solltest, werden wir dich hier damit versorgen). Der Rest wird wunderbar sein.“ Vor dem Flughafen steht er, der Ironiker, und fragt: Bist du der Stückeschreiber? Selber Stückeschreiber. Willkommen in Prishtina. Gut, hier zu sein. Das wirst du nach ein paar Tagen nicht mehr sagen. Auf der Fahrt in die Stadt erzählt er, dass seine Stücke auch in Leipzig und Wiesbaden gewesen seien. Die Wiesbadener Biennale sucht sich das Programm mit Hilfe von Paten zusammen, Autoren aus ganz Europa, die neue Stücke aus ihren Ländern vorschlagen. Ich frage: Wer ist der Pate des Kosovo? Gerade jetzt halten wir vor einer roten Ampel. Und können nicht anders, als Bill Clinton anzustarren, der als großes Transparent an einer Hauswand hängt. Jeton zeigt mit dem Finger hin. Das ist der Pate des Kosovo. Hm, logisch. Weil Clinton die Bomber nach Serbien geschickt hat. Ohne Bomber kein unabhängiges Kosovo. Darum hat Prishtina heute einen Boulevard Bill Clinton. In der Hauptstadt leben...

Im Kosovo bringt Jeton Neziraj alte Feindschaften durcheinander

Die Raki-Connection

Kabul, Sommer 2005: In der afghanischen Hauptstadt beginnen die Proben zu einer Inszenierung, die in dieser Form der Zusammenarbeit dort bislang einmalig ist: Unter der Leitung der syrisch-kanadischen Regisseurin Corinne Jaber und mit der Finanzierung ausländischer Kulturinstitutionen studiert eine Gruppe afghanischer Schauspielerinnen und Schauspieler Shakespeares „Verlorene Liebesmüh“ ein. Der US-amerikanische Journalist und Entwicklungshelfer Stephen Landrigan und der afghanische Dolmetscher, Journalist und Koregisseur Qais Akbar Omar haben die Gruppe dabei begleitet. Ihr daraus entstandenes Buch „Shakespeare in Kabul“ dokumentiert den Inszenierungsprozess – angefangen bei den Schwierigkeiten der Übertragung des Textes von Farsi und Englisch in Dari bis hin zu den Gastspielen in afghanischen Provinzen. Doch viel mehr ist dieses Buch die Geschichte der Akteure und damit auch der jüngsten Geschichte Afghanistans. Wenige Publikationen vermögen es derzeit so eindrücklich, Einblicke in das alltägliche Leben des krisengeschüttelten Landes zu gewähren. Genau diese Momentaufnahmen sind es, die uns verstehen lassen, warum derzeit so vieles in der gut gemeinten Aufbauhilfe verkehrt läuft. Ausländischen Kulturschaffenden fällt es oft schwer, sich in den afghanischen Rhythmus einzufinden. So kann es verwundern, dass Proben nicht vor 16 Uhr beginnen, da die meisten Schauspieler zum Broterwerb einem anderen Beruf nachgehen müssen. Die weiblichen Ensemblemitglieder haben jedoch vor Einbruch der Dunkelheit...

Stephen Landrigan und Qais Akbar Omar: Shakespeare in Kabul. Ein Aufbruch in drei Akten. Unionsverlag, Zürich 2012, 250 S., 21,95 EUR.

Kabuler Liebesmüh

Ressource Bühnenbild

Genregrenzen hardcore überwinden

Popanz der Macht

Seit geraumer Zeit sind Residenzen für bildende Künstler oder sogenannte Stadtschreiber gang und gäbe. Zwischen Sylt und dem Schloss Solitude bei Stuttgart finden sich eine Vielzahl von Initiativen, die willens sind, für einen überschaubaren Zeitraum ausgewählte Künstler mit dem Genius Loci ins kreative Vernehmen zu setzen. Übersichtlich wird das Angebot schlagartig, sucht man eine Einsiedelei für Performer. Denn diese begnügen sich nicht mit einer idyllisch gelegenen Einraumwohnung, sondern treten zumeist...

Das Schloss Bröllin in Mecklenburg-Vorpommern ist dank Gründungsdirektor Peter Legemann mit anderen Künstlerhäusern längst global vernetzt

Weltreisender in Residenz

Das Performancekollektiv SIGNA kreuzt Dante mit Pornografie. Es kreiert in einem mit viel Liebe zum Detail und ebenso großer Lust am Schund ausgestatteten Nachtclub eine poröse Wahrnehmungsmatrix, die Provokationen wie Banalitäten hervorbringt. Ein zwiespältiges Immersionsexperiment. Dass man vom rechten Wege abkommen muss, um in die Hölle zu steigen, wusste bereits Dante. „Auf halbem Weg des Menschenlebens fand / Ich mich in einen finstern Wald verschlagen / Weil ich vom rechten Weg mich abgewandt“, beginnt er (in der Übersetzung von Carl Streckfuß) seine „Göttliche Komödie“. So leitet auch SIGNA das Vorspiel zu seinem „Club Inferno“ ein. Halbnackte Frauen in Pelz raunen die Verse im düster ausstaffierten Pavillon der Volksbühne. Zutritt erhält nur, wer sich durch davor lagernde Obdachlose hindurchgekämpft hat, die sich verächtlich über die „ganze Kunstscheiße hier“ äußern. In dieser Matrix von Ordnung – die Eintrittskarte wird beim Pavillonbesuch geprüft – und Auflösung der Ordnung, von Dominanz – durch die sich teils als Zuchtmeister gebärdenden Performer – und Rebellion – eben gegen diese Zuchtmeister – spielten sich auch die folgenden Stunden im eigentlichen „Club Inferno“ ab. In einem Gewerbehof in Berlin-Wedding mit buntem Mix aus Autoschlossern und Zahntechnikern, Geigenbauern und Werbemenschen empfängt ein schmierig wirkender Impresario. Er ist Clubbesitzer Herbert...

Volksbühne Berlin: „Club Inferno“ (UA) von SIGNA

Berlin: Im Reich der Wollust

Endlich faire Mindestgagen, aber woher kommt das Geld?

Lichtwarktheater: Ein Haus für alle

Der Reichtum des Erinnerungsspeichers

Residenztheater München: Oh, wie schön ist Paraguay

Ein Licht nicht von dieser Welt

Kim de l’Horizon – Michelle Steinbeck – Pablo Jakob Montefusco – Alexander Stutz

Seit Jahren wird darüber gerätselt, was die Raute bedeuten mag, die Angela Merkel bei öffentlichen Auftritten mit ihren Händen zu bilden pflegt, indem sie die Fingerspitzen in Bauchnabelhöhe zusammenführt. Diese „Merkelraute“, zweifellos eins jener Zeichengebilde, wie sie Roland Barthes einst als Mythen des Alltags beschrieb, hat es nicht nur auf Wahlplakate geschafft; sie wird inzwischen sogar von Politikern anderer Staaten imitiert. Manche Zeichendeuter beziehen nun die geometrische Symmetrie und euklidische Schönheit der Raute auf ein mögliches Wissenschaftsideal der Physikerin Merkel – was freilich nichts Gutes erahnen lässt: Schließlich hat sich der Hang zur geometrischen Ordnung, wo er in die Politik übertragen wurde, immer als fatal erwiesen. Ikonografische Lesarten wiederum sehen in der Geste den Versuch Merkels, sich am „phallischen“ Ort des Kanzlers, einem Ort, der jeden, der ihn besetzt, ungeachtet seines biologischen Geschlechts zum Mann macht, wieder zu verweiblichen. Diese Deutung der Raute als weibliches Geschlecht kann sich etwa auf Büchners „Dantons Tod“ berufen, wo ja eine kartenspielende Dame „ihrem Manne immer das coeur und anderen Leuten das carreau“ hindreht. Merkel selbst hat Anfang Mai auf der Bühne des Maxim Gorki Theaters, wo sie von zwei Brigitte-Redakteurinnen befragt wurde, freilich eine andere Erklärung gegeben: Die Geste helfe ihr, den Oberkörper...

kirschs kontexte: Wohin mit den Armen?

Wenn Benjamin Lillie eines auf der Bühne nicht machen möchte, dann auf dieser wirklich sterben. Klar. Aber selbst das würde er sonst wohl mit Grandezza tun. In seiner jüngsten Rolle am Leipziger Centraltheater ereilt ihn indes der Zusammenbruch. Freilich nur ein gespielter. „Hört ihr die Stille?“, fragt Lillie zum Schluss des Monologs eines Weltverbesserers. Dann sackt er zuckend auf dem Bühnenboden zusammen. „Der Traum eines lächerlichen Menschen“, nach dem gleichnamigen Text von Fjodor M. Dostojewski durch Sebastian Hartmann inszeniert, ist ausgeträumt. Der Smoking, in dem Lillie steckt, ist zu diesem Zeitpunkt zwar nicht mehr vollständig, doch was davon übrig ist, sitzt tadellos. Und die Stille, von der die Rede ist, klingt aus Lillies Mund nicht nach Bedrohung, sondern nach Erlösung. Sechs Posaunistinnen und Posaunisten versammeln sich um ihn, gleißendes Scheinwerferlicht zieht auf. Die Neugeburt eines Menschen aus dem Zusammenbruch: von Lillie als ein erschreckendes Ereignis gezeigt, in das sich ein Moment der Hoffnung schiebt. Schlank gewachsen und mit schlaksigen Bewegungen bedient Lillie in anderen Inszenierungen auch das komische Fach. Doch auch hier schimmert eine Doppelbödigkeit durch sein Spiel, wie etwa in der Aufführung von „Zerschossene Träume“ in der Regie von Martin Laberenz. Darin spielt Lillie einen Tiertrainer und zugleich das...

Der Leipziger Schauspieler Benjamin Lillie erschafft Figuren aus dem Zusammenbruch

Das andere Ich

„Queer sein bedeutet für mich, das Leben zu genießen. Und es anderen möglich zu machen, es genießen zu können.“

Der Bühnenraum. Unendliche Weiten. Wir schreiben das Jahr – nun ja: 2013. Tatsächlich. Die Zukunft ist jetzt. Und ist es doch auch nicht. Denn in der Zukunft ist die Zukunft abgeschafft. Zeit gibt es nicht mehr. Und damit auch kein Gestern, Heute und Morgen. Nichts, was Orientierung verspricht, nichts, was einen schützt. Das lauschige Heim? In die Luft gesprengt. Das Wiesenpanorama? Beiseite geräumt. Die Alphornbläser? Vertrieben. Stattdessen Krimskrams überall, Zivilisationsmüll wie nach einer Detonation: Plastikhasen, Riesenkerzen, ein Stück von einem Gehirn. Eine Gruppe von Menschen zieht über die Bühne, und doch ist hier jeder für sich, lauter „Ichs-ohne-den-Anderen“, verloren und verwirrt. „Wo sind wir?“ – „In Tennessee.“ – „Aber gerade war das doch noch Alabama!“ Ja, es herrscht Endzeit in Linz. Ende der Zeit. Zeitenende. Dabei hat doch alles gerade erst angefangen. Das neue Musiktheater Linz ist ein Wahnsinnsprojekt. Von außen mit seinen das Gebäude umkränzenden Betonstreben eher wie ein futuristisches Streichholzhäuschen anmutend, erstreckt sich in seinem Inneren eine Gesamtfläche, die so groß ist wie acht Fußballfelder. 940 Räume befinden sich in dem Neubau von Terry Pawson, darunter Werkstätten mit kathedralenartigen Ausmaßen, ein 100 000 Kostüme fassender Fundus und ein Saal, der bei ausverkauftem Haus 1200 Zuschauer unter dem mittels...

Das neue Opernhaus in Linz startet mit Philipp Glass‘ „Spuren der Verirrten“ seine Reise in eine Welt von morgen

Aber gerade war das doch noch Linz!

Gastspiel der Geister

Meldungen

Den Tanz der Welt zur Ruhe bringen

Ursprünglich hat Matthias Lilienthal das Format „X Wohnungen“ für Duisburg erfunden, als er 2002 das Festival Theater der Welt kuratierte. Das fand damals in NRW statt und, wie dort üblich, in mehreren Städten gleichzeitig, nämlich in Köln, Bonn, Düsseldorf und Duisburg. „Duisburg war schwierig“, erinnert er sich, „weil es keine passenden Theaterräume gab. Aber es gab sehr interessierte Leute dort, und so entstand die Idee, in deren Wohnungen zu spielen.“ The rest is history: Seither fand „X Wohnungen“ in Berlin (zweimal), Istanbul, Warschau, Fribourg, Caracas, São Paulo und Johannesburg statt. Und nun also in Beirut. Das Prinzip ist immer gleich, das Ergebnis jedes Mal neu und überraschend. „X Wohnungen“ ist die inszenierte Topografie eines Stadtviertels, bei der sich Realität und Fiktion, Plan und Zufall, Irritation und Erkenntnis zu einem saftigen Stück Lebenserfahrung verdichten. Mit einer Wegbeschreibung in der Hand wird man durch die Straßen geschickt, von einer Adresse zur nächsten, und hinter jeder Wohnungstür lauert eine Kunstaktion. Jede Station, jede Begegnung ist anders, aber alle spielen mit der Verwischung von Sein und Schein und werden zwischen 16 und 21 Uhr in Dauerschleife und Zehn-Minuten-Takt für je zwei Besucher gezeigt. Nach drei Stunden ist man randvoll mit Eindrücken von drinnen und...

Matthias Lilienthals „X Wohnungen“ erkunden mal hoch politisch, mal leichtgewichtigamüsant die Topographie zweier Stadtviertel in Beirut

Daheim bei Kalaschnikow

Wende und Wandel

Francesco Tristano hat zuletzt viel erlebt und ausprobiert: Er hat auf dem Klavier klassische Werke eingespielt, zuletzt etwa von Bach und Buxtehude, er hat eigene Stücke komponiert und sein Instrument nach dem Verfremdungsprinzip John Cages präpariert. Zwischen Konzertabenden vor Klassikpublikum schob er DJ-Sets mit House-Music ein. In Interviews ging er auf die Parallelen zwischen Bachs „unendlicher Melodie“ und dem Mixing-Prinzip des Plattenauflegens ein. Unlängst trommelte der Luxemburger seine Band zusammen, besetzt mit zwei Klavierspielern und einem Schlagzeuger. Aufgang heißt das Trio, das außer Tristano aus Rami Khalifé – Spross des libanesischen Oud-Virtuosen Marcel Khalifé – sowie Schlagzeuger Aymeric Westrich besteht. Die drei Musiker trafen sich vor rund zehn Jahren in New York, eingeschrieben an der renommierten Juilliard School. Dort absolvierten sie neben den Lektionen in den Vorlesungsräumen eine weitere intensive Schulung: Die führte das Trio nachts durch die Clubs, wo Techno von Carl Craig, Jeff Mills oder Robert Hood lief. Seither haben sich Tristano, Khalifé und Westrich neben der Klassik konsequent ins ästhetische Vokabular der Clubmusik vertieft. Unter der Aufgang-Fahne verkuppeln sie beide Sphären ihrer Lehrjahre: Ihre Stücke werden von geraden, teils live gespielten, teils programmierten Beats vorangetrieben; das doppelt besetzte Klavier agiert immer zugleich als Beat-Maschine, bei der auch...

Musik: In Konzerthäusern und Technoclubs

Die Uraufführung von Schillers „Die Räuber“ vor gut 230 Jahren in Mannheim war bekanntlich ein Skandal, diese Aufführung heute ist eher ein freudiges Ereignis, aber sicher für manchen auch gewöhnungsbedürftig. Aber die Theatergeschichte lehrt uns, dass noch jede Generation sich die alten Stücke für ihre Zeit zurechtgebogen hat. Erwin Piscator zum Beispiel hat 1926 dem Spiegelberg, hier wird er nur erwähnt, eine Trotzki-Maske verpasst. Und bei Frank Castorf traten 1990 die Räuber Moors als Moorsoldaten auf. Das war nicht als Kalauer gemeint, aber als Hinweis auf die aktuelle politische Relevanz des Stücks. Unsere heutige Inszenierung am Maxim Gorki Theater folgt vermutlich zwei Prämissen. Die erste könnte lauten: Schillers „Räuber“ ist ein schlechtes Stück. Jeder Theaterwissenschaftsstudent im ersten Semester würde bestätigen, gäbe man ihm das Stück ohne Titelblatt zur Prüfung, dass hier dramaturgisch geschludert wurde. Die zweite Prämisse könnte lauten: Schillers „Räuber“ ist ein tolles Stück. In seiner Diplomarbeit würde unser Student nämlich bündig beweisen, welch tolle, starke, gegensätzlich ausgeprägte Charaktere der junge Dichter hier geschaffen hat. Nämlich: „Zwei Extremisten – des entfesselten Idealismus der eine, des hemmungslosen Materialismus der andere. So sind die ‚Räuber‘ die grandiose Kopfgeburt eines Mediziners, der mit philosophischen Ideen literarisch experimentiert.“ Der letzte Satz ist –...

Laudatio für die Verleihung des Friedrich-Luft-Preises an die Inszenierung von Friedrich Schillers „Die Räuber“ am Maxim Gorki Theater Berlin

Linzers Eck: Weg mit der böhmischen Räuberfolklore!

Eine Fundgrube

Holzmarkt Berlin: Die Utopie vorurteilsfreier KI

Wiener Festwochen: Der Haimon in uns

Fair bezahlt und arbeitslos?

Sind sie nicht ein bisschen klischeehaft geraten, diese Nazi-Clique und ihre noblen Hintermänner? Nein, diese Typen habe Autor Jakob Arjouni nicht erfunden, bestätigen 15- und 16-Jährige im Dresdner Theater Junge Generation (tjg). Sie lernen in einer Pirnaer Förderschule und haben mit erstaunlich klaren Meinungen und Hinweisen den Probenprozess der Bühnenfassung von „Cherryman jagt Mr. White“ begleitet. „In der Großstadt trifft man sie vielleicht weniger, aber in der Sächsischen Schweiz kennen wir sie“, sprechen sie aus Erfahrung. In deren Abhängigkeit gerät der 18-jährige Rick. Das sensible Waisenkind ist am Rande Berlins im fiktiven Ort Storlitz bei seiner gutmütig-handfesten Tante Bambusch aufgewachsen. Er sucht nicht nur eine Lehrstelle, sondern auch Anschluss. „Bin so müde, allein …“, hat ihm Regisseurin Ania Michaelis, die auch die tjg-Textfassung erstellte, ein Lied geschrieben. So, wie ihn Nahuel Häfliger auf einnehmende Weise spielt, begegnet Rick den jugendlichen Zuschauern nicht nur als ein Suchender, sondern auch mit Selbstbewusstsein. Er verarbeitet und kompensiert seine Lebenseindrücke mit phantasievollen Comiczeichnungen und stellt so seine Seelenbalance wieder her. Dort jagt er als Cherryman jenen Mr. White, in den sich Nazi-Peiniger Pascal verwandelt. Diese Videos von Conny Klar, an die weiße und als Guckkasten betonte Bühne geworfen, sind ein Ereignis für sich. Aber...

Theater Junge Generation: „Cherryman jagt Mr. White“ nach Jakob Arjouni. Regie Ania Michaelis, Ausstattung Martina Schulle und Katja Renau

Dresden: Der Sog der braunen Clique

Ivna Žic, Gabriel Vetter und Marcel Schwald, die Autoren des Stück Labor Basel 2013, über das Schreiben im Spannungsfeld zwischen Schreibtisch und Probebühne im Gespräch mit Simone von Büren Was hat euch am Format des Stück Labor Basel interessiert? Gabriel Vetter: Mich hat es primär gereizt, in diesem zeitlich begrenzten Rahmen zu sehen, wie es ist, wenn man in und mit einer Institution an einem Projekt arbeitet anstatt allein. Marcel...

Inszenierungsnotate und Textwolken

So pervers sich das anhören mag: Als im Jugoslawienkrieg die Bomben auf Belgrad niedergingen, erlebte Miloš Lolic das Leben als einzigen Rausch. Wie viele junge Serben durchtanzte er die Nächte in Diskotheken, todesverachtend und lebensgierig. In seiner Koltès-Inszenierung am Münchner Volkstheater gibt es eine Szene, die sich dieser tiefen Erfahrung verdanken dürfte. Da zappeln zu zuckenden Stroboskopblitzen junge Menschen ekstatisch im Rhythmus wummernder Beats, während unweit davon zwei Männer in sinnloser Aggression auf den Titelhelden Roberto Zucco eindreschen, der die Angriffe nahezu ungerührt über sich ergehen lässt. Dabei ist dieser Roberto Zucco ja eigentlich selbst ein grundloser Gewalttäter, der Vater und Mutter, einen Inspektor und ein Kind quasi im Vorbeigehen umbringt. Nicht aus Rache oder Raserei. Roberto Zucco, wie ihn Bernard-Marie Koltès Ende der 1980er Jahre einem realen italienischen Serienkiller für die Bühne nachempfand, ist ein Mörder ohne Motiv. Nur so viel ist gewiss: Seine Bluttaten stellen ihn außerhalb gesellschaftlicher Normen und Normalität. Für Miloš Lolic scheint Roberto Zuccos Mordhandeln in einem unerklärlichen Urinstinkt zu gründen. In seiner Inszenierung tigert Leon Pfannenmüller als Zucco zu Anfang unbekleidet wie der erste Mensch, rastlos wie ein Raubtier im Käfig um ein großes Baugerüst herum. Davor, darunter und darauf haben die übrigen Schauspieler...

Münchner Volkstheater: „Roberto Zucco“ von Bernard-Marie Koltès. Regie und Bühne Miloš Lolic, Kostüme Yvonne Kalles

München: Ikarus auf dem Baugerüst

Was macht das Theater, Bernhard Stengele?

(Das Stück BRIEFE wurde auf der Grundlage einer Sammlung nicht abgeschickter Briefe entwickelt. Das Material dieser Sammlung steht zur freien Verfügung. Neben den im Stück verwendeten Briefen gibt es noch weiteres, nicht verwendetes Material. Dieser Text-Abdruck ist der blosse Versuch einer Inszenierungsnotation, da es den Text losgelöst oder gar vorläufig zur Inszenierung nie gegeben hat und er als eigenständiges Werk eigentlich nicht existiert. Das einzige Material, das dem Probenprozess vorausging und als Textmaterial einen eigenständigen Wert hat, ist die Sammlung der nicht abgeschickten Briefe. Alle Texte, die nicht dem Briefmaterial entstammen, wurden in den Proben gemeinsam mit den Spielern entwickelt. Kein Wort wurde vorhergehend am Schreibtisch geschrieben. ODER: Wie notiert man ein Stück mit mehr als einem Autor? Wie hält man einen Text fest, der nicht von einer Inszenierung zu lösen ist, da er zeitgleich mit ihr sowie von ihr bedingt entstanden ist? Was bedeutet ein Text, wenn die gemeinsame Autorenschaft sich nicht ausschliesslich auf Sprache bezieht, wenn diese nur eines von vielen Elementen ist, die am Ende nicht mehr voneinander trennbar sind und einen gleichwertigen Teil im Entstehungsprozess eines Stückes eingenommen haben?) LEGENDE Alle fett und in Anführungszeichen („ “) markierten Texte entstammen dem Brief-Material. GROSSBUCHSTABEN: Beschreibung der Stimme...

Ein Stück über nicht abgeschickte Briefe

Briefe

Gespannt erwartet Theaterdeutschland Frank Castorfs Interpretation des „Rings“ in Bayreuth. Sein serbischer Bühnenbildner Aleksandar Denic, der erst kürzlich bei dem Tschechow-Abend „Das Duell“ an der Berliner Volksbühne mit seinem Hyperrealismus überzeugte, verriet Ute Müller-Tischler, wohin die Reise geht: „Ein zentraler inhaltlicher Aspekt unserer ‚Ring‘-Inszenierung ist das Thema Öl … Man wird Baku am Anfang des 20. Jahrhunderts sehen, das die Ölsuche für sich entdeckt hat. Im Hintergrund tauchen die Berggipfel...

Editorial

Matthias von Hartz, Sie haben das Festival Foreign Affairs vom Herbst in den Sommer verlegt. In Berlin sind ab dem 19. Juni Schulferien, viele sind verreist. Klingt ein bisschen riskant. Sind Sie ein risikofreudiger Mensch? Ich glaube, ja. Wir machen ein Festival mit großen Schwerpunkten, interdisziplinären Projekten, zahlreichen Neuproduktionen, die wir vorher nicht sehen konnten, und zeigen neben den ganz großen Namen auch einige Künstler, die hier noch kaum jemand kennt. Dazu passt die „Wette“, ein diskurs-performativer Schwerpunkt Ihres Festivals. Sie haben Wirtschaftswissenschaft studiert und wahrscheinlich einen ganz guten Einblick in Spekulationsgeschäfte und Wirtschaftskrise. Das Interessante bei der Beschäftigung mit Spekulation ist ja, dass alle so tun, als würde Spekulation Risiko ausschließen. Die italienische Soziologin Elena Esposito, die auch auf dem Festival zu Gast sein wird, weist in ihrem Buch „Die Fiktion der wahrscheinlichen Realität“ darauf hin, dass Roman und Wahrscheinlichkeitsrechnung zur gleichen Zeit entstanden sind. Beides letztlich Fiktionen. Der Unterschied zwischen Wette und Spekulation ist, dass bei der Wette immer klar ist, dass man verlieren kann, während bei der Spekulation das Risiko in Prozente umgerechnet wird. Damit ist das Risiko abgebildet und scheint nicht mehr eintreten zu können. Wenn es dann aber doch eintritt, bricht sofort Panik aus, obwohl...

Was macht das Theater, Matthias von Hartz?

Luzern: Siegerprojekt für das Neue Luzerner Theater gekürt

Im Gespräch arbeiten wir an unserer Hinterlassenschaft. Das, was wir als Publikum aufs Band reden, wird Teil eines Theaterstücks. Wir arbeiten dabei an der Erinnerung an uns, an der Archivierung unserer Stimmen im Jetzt. Deswegen sind wir bereit, uns auszubeuten: weil wir gehört werden wollen, weil wir wollen, dass wir vorkommen, und sei es als Stimme auf einem Tonbandgerät. Dies ist Teil unserer Hinterlassenschaft, unser Gespräch mit den Ungeborenen. Das Ganze hat etwas Geisterhaftes. – „Je veux mourir sur scène“ besteht aus Gesprächsmomenten, die zwischen September 2012 und Februar 2013 am Konzert Theater Bern aufgezeichnet wurden. Diese fanden im Rahmen der vom Autor initiierten Veranstaltungsreihe „Host Club“ statt. Jeder Host Club widmete sich einem Thema, das von SchauspielerInnen und dem Autor in Form einer Gesprächs-Performance gestaltet und moderiert wurde. Die aus den Gesprächen kondensierten Denkversuche, Erinnerungen, Vergewisserungen und Sehnsüchte umkreisen die Frage, was wir dafür tun, um von anderen geschätzt und anerkannt zu werden, möglicherweise über den Tod hinaus? Die hier abgedruckte Textfassung widerspiegelt die Phantasie des Autors für die Berner Uraufführung des Textes, die mit drei SchauspielerInnen und mehreren Stimmen vom Band realisiert wird. Sie verweist auf die Entstehung der Texte, die aber natürlich auf eine beliebige Anzahl von...

„Je veux mourir sur scène“

wann, wenn nicht jetzt?

Theater schlägt Netflix

Personen: NIPPES: Unternehmer, Besitzer des Parks HELF: Architekt, Angesteller von Nippes EGGE: Handwerker, Angestellter von Nippes MIA: Rentnerin, Rebellin im Park JÜRGEN: Koreanische Touristin, zu Besuch BIBER: Biber „Der Mensch lebt nicht nur vom Brot allein, sondern auch vom Znüni.“– Alfred Rasser I Have a wonderful time Berge, Hügel, Sonnenaufgang, Kerzen, Sterne, Mond, überhaupt: allerlei Leuchtkörper. Es flackert eine Leuchtreklame, mit der Aufschrift „Welcome! Have a wonderful time!“. Das Ausrufezeichen flickert arg – und geht aus. Mia fährt auf einem Segway durch die Idylle und sprayt mit einer Schablone das Anarchie-Zeichen an Wände. Hinter ihr: Egge. Er trägt Helm und Leuchtweste. MIA: Na, wen haben wir denn da! Have a wonderful time! Und hier zu meiner Linken sehen Sie einen waschechten Eingeborenen. Wir bitten Sie, den helvetischen Alpöhi nicht zu füttern, da er in der freien Wildbahn nicht mehr überleben würde. EGGE: Frau Mia, ich muss doch sehr bitten. MIA: Nur zu. Bitten Sie. EGGE: Ich bitte Sie. MIA: Ich kann Sie nicht hören, der Motor dieser Höllenmaschine ist so laut. EGGE: Tragen Sie doch wenigstens einen Helm. MIA: Meine Damen und Herren, zu Ihrer Rechten sehen Sie: Eine waschechte Hiesige, Sie erkennen sie an der Kombination Fleece-Jacke, Rucksäckli und...

Der Park

Théâtre Vidy-Lausanne: Diversity sells  

Herr Denic, Ihr Werkverzeichnis ist umfangreich und ausgesprochen vielseitig. Sie arbeiten für Film und Fernsehen, als Architekt und Bühnenbildner, auch treten Sie als bildender Künstler und Regisseur in Erscheinung. Wenn Sie es sich aussuchen könnten, wo würde dann der Mittelpunkt Ihrer Arbeit liegen? Keine Ahnung. Das kann ich eigentlich gar nicht sagen. Ich habe überhaupt keinen Fokus und arbeite in verschiedenen Medien immer gleichzeitig und nebeneinander, egal ob das ein...

Der Künstler Aleksandar Denic über seine Bühnen für Inszenierungen von Frank Castorf in Berlin und Bayreuth im Gespräch mit Ute Müller-Tischler

Realität des Absurden

Die wirkende Erinnerung

Der Neoliberalismus hat ein weiteres Opfer erlegt. Diesmal geht es der Republik Zypern an den Kragen. Seit dem 15. März befinden sich die Menschen auf dem Inselsaat in einer Schockstarre. An diesem Tag wurde ihnen schlagartig bewusst, dass sie ihre bisherige Lebensweise grundlegend ändern müssen. Björn Luley, Direktor des Goethe-Instituts in Nikosia, beschreibt, wie er den Stimmungsumschwung im Land erlebt: „Man hat den Eindruck, dass erst jetzt vielen Menschen klar wird, wo ihr Land steht, nämlich am wirtschaftlichen Abgrund. Der zyprische Finanzminister hat den Abgeordneten in der vergangenen Woche vor der Abstimmung über das Memorandum mit der Troika gesagt, dass im Falle einer Ablehnung die meisten Zyprioten wieder zurück in ihre Dörfer gehen und Lebensmittel anbauen müssten (wie dies bis in die siebziger Jahre über 85 Prozent der Bevölkerung taten), um nicht zu verhungern, da auf Jahre niemand auf der Welt dem Land Kredite geben würde. Leider hat er recht! Das Memorandum ist dann mit einer Stimme Mehrheit abgesegnet worden!“ Obwohl die Republik Zypern durchaus theateraffin ist, ist es illusionär zu hoffen, dass bei solch wuchtigen ökonomischen Einschnitten die Künste mit einem blauen Auge davonkommen. Doch noch haben wir es mit einer vitalen Theaterlandschaft zu tun. Das Staatstheater (THOC) beschäftigt...

Wie die Krise in Zypern eine neue Solidarität beflügelt

Nach der Schockstarre

Vorhang runter, Zelt weg

Dieser Abend ist noch keine zwei Minuten alt, und schon glaubt man sich in die Irre gelaufen. Da kündigen zunächst Übertitel mit hollywoodesker Geste einen Film an, dazu anschwellende Streicher. Doch anstatt das Versprechen des pompösen Vorlaufs einzuhalten, überlässt Philippe Quesne die Zuschauer danach sich selbst. Auf den Vorspann folgt die beredte Leere des Bühnenraums. Links steht da ein Schlagzeug, rechts ein Tisch mit einem Laptop und zwei Aquarien, leer bis auf ein verloren vor sich hin schaukelndes Meerestier, aus Plastik. Auf dem Schlagzeug wird niemand spielen. „Anamorphosis“ heißt diese jüngste Arbeit von Vivarium Studio um Philippe Quesne. Er hat sie von einem Arbeitsaufenthalt in Tokio an das Théâtre de Gennevilliers nördlich von Paris mitgebracht, wo er derzeit Artist in Residence ist, Koproduzent ist das Berliner HAU. Anamorphosen sind jene verzerrten Darstellungen in der bildenden Kunst, mittels derer man seit dem Mittelalter verschlüsselte Botschaften in Gemälden platzieren konnte. Nur wer einen bestimmten Betrachtungswinkel findet, erkennt das verborgene Bild im Bild. Das berühmteste Beispiel ist eines von Hans Holbein d. J.: das Doppelporträt von zwei Reisenden, stolz und weltgewandt. Wer genau hinschaut, erkennt einen Totenkopf, der sich den beiden zwischen die Füße schiebt. Sie stehen mitten im Leben und doch nur...

Théâtre de Gennevilliers: „Anamorphosis“ (UA) von Philippe Quesne. Regie und Ausstattung Philippe Quesne

Gennevilliers: Ein Schritt vom Nichts

Im Interesse der Menschheit müssen solche Menschen vernichtet werden“, sagt der darwinistische Biologe Nikolai von Koren über den nichtsnutzigen Beamten Iwan Lajewski. Anton Tschechows Kurzroman „Das Duell“ spielt in einem beschaulichen kaukasischen Provinzstädtchen des späten 19. Jahrhunderts, doch gerade hier kündigen sich bereits die gewaltigen Katastrophen an, die vom 20. Jahrhundert bis in unsere Gegenwart reichen. Dabei stammt Lajewski eigentlich aus Petersburg, doch weil er aufgrund einer wilden Ehe mit...

An der Berliner Volksbühne verspricht Frank Castorf mit Tschechows „Das Duell“ an alte Großtaten anzuknüpfen

Stille Tage im Kaukasus

Robert Rauschenberg (1925 – 2008) wollte nicht, dass ein Kunstwerk auf der Wand aufhört, es sollte dokumentieren, was sich im Raum und dahinter abspielt. Er scherte sich nicht um Grenzen und Zuschreibungen des Kunstmarkts, weshalb er als 27-Jähriger in das Atelier von Willem de Kooning eindrang, um eines seiner Bilder auszuradieren. Die Zeichnung „Erased de Kooning Drawing“ hängt heute im Museum of Modern Art von San Francisco und ist Millionen wert. Berühmt wurde der texanische Allround-Künstler durch seine White Paintings und Black Paintings. Zusammen mit Frank Stella, Ad Reinhardt und Mark Rothko wagte er in den frühen 50er Jahren einen Neuanfang der amerikanischen Nachkriegsmoderne. Bis in die 70er Jahre war er ein unbändiger Motor der New Yorker Kunstszene und galt noch im hohen Alter als widerspenstiger „Titan Nordamerikas“, der für einen globalen Kulturaustausch rund um die Welt zog. Zentrales Anliegen war ihm, die Trennung von Kunst und Leben aufzuheben. Wie sehr ihm diese Zusammenschau wichtig war und immer wieder zu Experimenten antrieb, zeigen nicht nur seine weltbekannten Combine Paintings aus Alltagsmüll und Malerei, sondern auch Großprojekte wie die 9 evenings: theater &amp; engineering für die Armory-Show im Oktober 1966 in New York, die als wegweisende Performance- und Medienkunstwerke in die...

Kunst: Sternstunden

„Musik ist für mich wie das Atmen“

Programmieren auf der Probe?

Wladimir Putin – eine Figur von Dostojewski?

An Regisseur Terrence Malick scheiden sich die Geister. Viele halten seine Filme für esoterisch, schwülstig, Kitsch. Für andere sind sie spirituelle Exkurse, zu Bildcollagen geronnene philosophische Welterfahrungen. Eine stringente Fabel ist dem Regisseur dabei weit weniger wichtig als das visuelle Wechselspiel der Natur: Zu seinen bevorzugten Motiven gehören Wolken, Gräser, Bäume, das durchs Laub fallende Licht oder knabbernde Heuschrecken. Manchmal verschwinden die Menschen ganz aus der Handlung, um dem Strom des Daseins, das sie umgibt, genügend Raum zu verschaffen. Das alles gilt auch für To The Wonder, das neueste, von Emmanuel Lubezki fotografierte Werk des Meisters. Es ist die von opulenten Streicherklängen begleitete Geschichte eines Amerikaners (Ben Affleck), der sich in Frankreich in eine junge Frau (Olga Kurylenko) verliebt und sie mit in seine Heimat, nach Oklahoma, nimmt. Dort gerät die Beziehung in eine Krise. Malick verknüpft diese keineswegs linear erzählte Story mit der Figur eines Priesters (Javier Bardem), der an seinem Glauben zweifelt und ebenfalls in eine Sinnkrise gerät. Terrence Malick schafft so einen Diskurs über die Vertreibung aus dem Paradies und die ewige Sehnsucht, dorthin zurückzufinden. Das „Wunder“ begegnet uns auch im Titel eines anderen Films: In Ihr werdet euch noch wundern des französischen Altmeisters Alain Resnais erhält...

Film: Die Welt der Wunder

Deutsches Theater Berlin: Moral und Ästhetik in Zeiten des Kriegs

Theater Bremen: Ästhetisches Manifest des Miteinanders 

Glanz oder Harnisch: Das Laboratorium

Juni 2013

Premieren

Bühnenarbeiten

Künstlerinsert

Die Erfindung des Theaters aus dem Geist der Malerei

Immer ein Stück weiter. Das wollen Theatertreffen, die neuen Texten ein Forum bieten, in der Regel. Doch zeitweise verselbständigt sich dieses Ziel, und manche dieser Treffen mutieren zu gierigen, alles Neue verschlingenden, ständig Nachschub verlangenden Uraufführungsfressmaschinen – ex und hopp, weg sind die Texte. Meistens für immer. Dagegen hat der Heidelberger Stückemarkt schon 2012 einen NachSpielPreis geschaffen – für die besten Nachinszenierungen bereits uraufgeführter Texte. Immer wieder auch mal ein Stück zurück, wäre der passende Slogan dazu. Eben diesen Preis gewann in diesem Jahr ein Text des gefragten Autors Philipp Löhle: „Trilogie der Träumer“, inszeniert von Jan-Christoph Gockel am Konzert Theater Bern als anarchischer, traurigkomischer Reigen um drei Vergeblichkeitshelden typisch Löhle’scher Prägung. Auch nach dem erstmals 2009 registrierten Qualitätsknick (erinnert sei an die Aussetzung der Wiener Werkstatttage aus „Mangel an qualifizierten Bewerbungen“) scheint die Produktivität junger Autoren ungebrochen zu sein. Das Herzstück des Heidelberger Stückemarkts, betont Intendant Holger Schultze, sei nach wie vor der Autorenwettbewerb. Aus 89 Beiträgen hatte die Jury sieben für die Endrunde ausgewählt. Auffällig sei hier ein Trend zu „wieder mehr gesellschaftlich relevanten Themen“, wie Schultze meint, aber auch zu Themen, die um Krankheit, Demenz und Tod kreisen. Das Heidelberger Festival, das längst auf Augenhöhe mit Berlin...

Der Heidelberger Stückemarkt setzte der Uraufführungsmaschinerie Qualität entgegen

Ein Stück weiter, ein Stück zurück

Was macht das Theater, Chiaki Soma?

Serie: Blickwechsel #03

Volkstheater Wien: Oh mein Gott. Es ist komisch 

Der Anti-Katastrophenfilm

Peter Ensikat kam vom Theater, er hatte in Leipzig eine Schauspielerausbildung erhalten und hat danach einige Jahre, erst in Dresden, dann in Berlin, am Kinder- und Jugendtheater gespielt. Geschrieben hat er zeitlebens für diese Bühnen; die Skala reicht von „Prinzessin und Schweinehirt“ aus dem Jahr 1965 bis zu „Die Weihnachtsgans Auguste“ (nach Friedrich Wolf) im Jahre 2008. Ensikat war einer der meistgespielten Bühnenautoren des östlichen Deutschlands. Das Theater war der sichere Port, von dem aus er sich in die andere Laufbahn stürzte, die des Satirikers. Der Satiriker ist ein Moralist, der versucht, die Leute durch Lachen zur Erkenntnis zu bringen – ihrer selbst und der Gesellschaft, die sie bilden, indem sie in ihr gefangen sind. Das ist ein ernsthaftes Geschäft, und dieser Ernst stand Ensikat in sein waches, tief gefurchtes Gesicht geschrieben. Seine Texte loteten mit lustvollem Ingrimm die Widersprüche, die Bizarrerien, die Unhaltbarkeiten der Welt aus, die ihn umgab, jener sozialistischen, die sich ihrer Existenz in späterer Zeit durch ein vorangesetztes realversicherte, und jener konträr bizarren, die im Vollgefühl valutastrotzender Überlegenheit deren Nachfolge antrat. Dabei war dieser Autor der Ambivalenz seiner Position inne. „Ein von mir regiertes Land wäre vermutlich unbewohnbar“, hatte er schon zu DDR-Zeiten eingeräumt, nach ihrem...

Zum Gedenken an den Schriftsteller und Kabarettisten Peter Ensikat

„Satire beginnt, wo der Spaß aufhört“

Ein Mann in allen Medien

Das Leben ist ein Pendel: Es schlägt zurück. Oder wie Iwan, der mittlere der drei Brüder Karamasow, sagt: „Ein Reptil verschlingt das andere Reptil. Geschieht beiden recht.“ Er spricht über seinen Vater und den älteren Bruder Dimitri. Nach Nächstenliebe klingt das nicht. Eher klingt es nach Vater- und Brudermord. Doch so, wie es schwer ist, jemanden aus der Nähe zu lieben, ist es auch schwer, fast unmöglich, ihn zu ermorden. Aus der Ferne wird beides leichter: Vaterliebe wie Bruderliebe, Vatermord wie Brudermord. Die Bühne dieses Lebens: ein übermächtiges Paradox. Wir sehen ein die gesamte Bühne einnehmendes Windspiel, gebaut von Annette Kurz. An langen Seilen vom Schnürboden herabhängende metallene Hohlkörper. Wie zweckentfremdete Orgelpfeifen hängen sie da, ziehen einen mattglänzenden Vorhang zwischen uns und die feindliche Welt. Bei jeder noch so flüchtigen Berührung eines durch diesen Stangenwald Hindurchgehenden geraten sie in Bewegung. Sie pendeln. Bei jedem Anstoß geben sie Laut, mal zart, mal hart. Das Einzige, was auf dieser Bühne niemals in Bewegung gerät, ist eine schwere Glocke. Sie steht zentral wie ein Fingerzeig auf Schiller, der Dostojewski bekanntlich wie kein Zweiter geprägt hat. Manchmal schwingt sich jemand auf sie. Aber ebenso könnte man versuchen, sein Schicksal zu retten. Die Glocke bleibt...

Thalia Theater Hamburg: „Die Brüder Karamasow“ nach Fjodor M. Dostojewski. Regie Luk Perceval, Bühne Annette Kurz, Kostüme Ilse Vandenbussche

Hamburg: Die Verdammten

Berlin: Kim de l’Horizon erhält den Hermann-Sudermann-Preis 

Was macht das Theater, Christiane Schneider?

„Ich habe zu früh Tag gemacht, der Morgen war so schön.“ Diese Sätze wird Prinz von Guastalla immer wieder hervorstoßen. Bodenlos verwundert darüber, wie ein einziger Blick ihn so verwunden konnte – jener von Emilia Galotti am Morgen in der Kirche. Seitdem taumelt er durch den Tag wie von Fieberstößen vorangetrieben, und nur ein Gedanke im Kopf: Emilia! Ist es ein Fall von bedingungsloser Liebe oder blinde Besitzgier, die ihn treibt? Sven Lehmann taucht aus dem einen auf, nur um ins andere zu stürzen. So sieht man seinen Prinzen, der zum Mörder und Entführer wird, so fasziniert und mitleidig an wie jemanden, den unerwartet das Schicksal getroffen hat, aus dem hellen Tag in die dunkle Nacht gestoßen zu werden. Zu früh! Zu eilig! Mit der Rolle des Prinzen in Michael Thalheimers erster großer Inszenierung 2001 am Deutschen Theater Berlin spielte sich Sven Lehmann ganz nach vorn. Wenn man ihn sah, dann sah man die leibhaftige Dualität von Geist und Fleisch – immer im diskursiven Kampf um jene Harmonie, die nicht zu ihm kam. Stattdessen: lauter Ekstasen bis in höchste Kunsträume hinein und plötzliche Abstürze in mauligen Alltagstrott. Sein Spiel war voll dreckiger Schönheit, seine Stimme rau und doch zu jener...

Zum Tod des Schauspielers Sven Lehmann

Spielen? Schuften!

All die schönen Menschen

Hessisches Landestheater Marburg: Ein Computerspiel auf der Bühne

Was hat euch am Format des Stück Labor Basel interessiert? Gabriel Vetter: Mich hat es gereizt zu sehen, wie es ist, wenn man in und mit einer Institution an einem Projekt arbeitet anstatt allein. Marcel Schwald: Mich hat es interessiert, ein Jahr lang den Fokus auf Text richten zu können und meine Arbeit über den Text aufbewahrbar zu machen. Normalerweise gibt es von meinen Arbeiten DVDs. Ivna Žic: Ich hatte den großen Wunsch, Regie und Schreiben zu verbinden, an einem Haus, dessen Ensemble ich schon kannte. Ich wollte versuchen, im Probenprozess mit den Schauspielern bei null anzufangen. Marcel, du hast mit „Host Club“ ein eigenes Format für die Textgenerierung entwickelt. Schwald: Ja, ich weiß, dass meine Schreibsprache sehr stockend aufs Blatt kommt. Deshalb habe ich alternative Formen der Textgenerierung entwickelt. Der „Host Club“ ist ein Salon-Setting mit verschiedenen Tischen, an denen es je einen Host gibt, einen Schauspieler, der die Verantwortung für das Gespräch übernimmt. Für jedes Gespräch hatte ich ein Skript mit Fragen geschrieben und mit den Schauspielern besprochen. Mich hat der Unterschied zwischen gesprochener und geschriebener Sprache beschäftigt. Und ich habe gemerkt, dass ich ein Gegenüber brauche, das mich zum Formulieren zwingt. Ich mache Theater, um mit anderen...

Ivna Žic, Gabriel Vetter und Marcel Schwald, die Autoren des Stück Labor Basel 2013, im Gespräch mit Simone von Büren

Auf der Bühne der Grundriss einer Wohnung: ein kleines Zimmer mit Küche, ein vergitterter Lichtschacht als Fenster, buchstäblich ein Loch, eine typische Athener Wohnung. Als Fatzer in dem gleichnamigen Fragment von Bertolt Brecht macht Matthias Kelle einen Rundgang durch die krisengeschüttelte Stadt. Ein Videoprotokoll ist Bestandteil dieser Inszenierung, eine Art Live- Dramaturgie, die einen neuen Blick auf den Text ermöglicht. „FATSA/KOINA: Athen“ heißt dieses Projekt, das Kelle nach einem Workshop mit dem von Künstlern besetzten Embros-Theater gemeinsam mit der Europäischen Gemeinschaft für kulturelle Angelegenheiten entwickelt hat. Uraufgeführt wird es im Juli im Rahmen der Dritten Mülheimer Fatzer Tage am Ringlokschuppen in Mülheim an der Ruhr. Es ist das erste freie Projekt für den Schauspieler, das möglich wurde zwischen zwei festen Engagements in Stuttgart und Bochum sowie durch persönliche Kontakte zu Theaterwissenschaftlern der Freien Universität Berlin. Obwohl Matthias Kelle schon längst wieder im ruhigen Stuttgarter Fahrwasser schippert, rumort es in ihm: Das Schicksal illegaler Flüchtlinge, marodierende Neonazibanden, eine Gesellschaft im Rechtsruck, Menschen, die sich zu Kooperativen zusammenschließen, um dem Hunger zu entgehen – der Realitätsschock lässt ihn nicht mehr los. „So kann’s hier auch werden!“, warnt er gleich und lädt sich so auf für seine Figur, die postuliert: „Ich rate euch:...

Der Stuttgarter Schauspieler Matthias Kelle ist ein Pate der Realität – und sei sie auch noch so schockierend

Wir gehen zusammen!

„Es geht um magische Momente“

Torstraße 216 war früher, jetzt heißt es: Putlitzstraße 13, das ist an der Putlitzbrücke, also zwischen den U-Bahnhöfen Westhafen und Birkenstraße, und das ist Moabit, ein alter Berliner Kiez mit Tradition. Der neue Ort des theater 89 ist ein Glücksfall für ein (Off-) Theater, das auch älteren Berlinern ein gewisses Quantum an Gemütlichkeit und nostalgischem Flair nicht vorenthalten möchte. Der Zuschauerraum in der Putlitzstraße ist ein ehemaliger Gemeindesaal, im April 1905 eröffnet als Herzstück des „Evangelischen Heilands-Gemeinschaftshauses Putlitzstraße 13“. Zwei fromme adlige Schwestern waren hier diakonisch und missionarisch tätig, sie haben sich um Frauen und Kinder gekümmert, Bibelstunden für jedermann und „Trinkerrettungsabende“ veranstaltet. Der im Erdgeschoss des Quergebäudes liegende Saal, zweigeschossig mit Empore, erweist sich auch für eher weltliche Zwecke als geeignet; stimmungs- und ausdrucksvoll durch seine lichte Höhe, kann er für theatralische Veranstaltungen flexibel genutzt werden und ist ausgesprochen zuschauerfreundlich eingerichtet. Das theater 89, kurz vor der Wende ausgebrütet im ehemaligen ei (Kleine Bühne des Friedrichstadtpalasts), das nun schon über 20 Jahre neue Dramatik fördert und vor dem Vergessen bewahrt, häufiger durch engagiertes Nachspielen als durch uraufführungsgeiles Vorspielen, hat in der nun abgelaufenen Interimszeit, also nach dem erzwungenen Auszug aus der Torstraße, vor allem mit dem Großprojekt „Das Ende...

Das theater 89 startet in Berlin-Moabit neu

Im Gemeindesaal

Der Theaterturm von Ludwigsburg

Allmählich kommen wir dort an, wo der Neoliberalismus uns am liebsten sieht: irgendwo zwischen George Orwells „1984“ – Big Data macht’s möglich – und Aldous Huxleys „Schöne neue Welt“. Nachdem Burkhard C. Kosminski in seiner „Tannhäuser“-Inszenierung an der Düsseldorfer Oper der Spur nachging, die von Wagners Antisemitismus in die Gaskammern der Nazis führt, setzte Intendant Christoph Meyer die Inszenierung kurzerhand ab. Mit paternalistischem Gestus beruft er sich auf die Gesundheit der Zuschauer, die es zu schützen gelte. Im nächsten Schritt könnten dann Berichte über Massaker in der Dritten Welt oder die Holocaust-Thematik aus Schulbüchern entfernt werden, da manchen Schüler angesichts der geschilderten Gräuel ein Unwohlsein befallen mag. Die Kunst dient der Unterhaltung und ist keineswegs der Wahrheit verpflichtet, so die Botschaft in leider allzu bekannter deutscher Tradition. Die Erhellung komplexer Verbindungen zwischen dem deutschen Sonderweg in der Geschichte und der deutschen Ästhetik, wie sie der französische Philosoph Philippe Lacoue-Labarthe nicht zufällig am Fall Wagner aufzeigt, soll offenbar nicht performative Gestalt annehmen. Zerschlagen wird das Denken von Zusammenhängen, die Brecht auf die einfache Formel von der Bayreuther Republik, als Synonym für das Dritte Reich, brachte. Das mutige Gegenstück liefert ausgerechnet die alte Rivalin Köln, wo die Impulse Theater Biennale gemeinsam mit...

Über den „Tannhäuser“ in Düsseldorf und eine Kölner Kunstaktion

Kommentar: Votum für die Barbarei

I do you!

Der Diskurs zur Krise des Theaters kreist und arbeitet daran, uns mittels Ermüdung an ihre Anwesenheit zu gewöhnen. Das ist vielleicht die gefährlichste Form der Krise: zu glauben, alles werde schon irgendwie so weiterlaufen wie bisher. Adolf Dresen ging bereits 1992 über den Rahmen tradierter Vorstellungen von Theater hinaus und schrieb: „Die Krise des Theaters ist so alt wie das Theater. Seit 2000 Jahren bewegt und verändert es sich in...

Wenn sich ein Bundesland seine Kultur nicht mehr leisten will – oder kann. Eine Positionsbestimmung zur Lage in Mecklenburg-Vorpommern

Im Krisentraining

Leonhard-Frank-Stipendium zur Förderung zeitgenössischer Dramatik geht an Elisabeth Pape

Digitales ins Theater übersetzen 

Luzerner Theater: Post-Weltschmerz-Theater für das Klima 

Der Schauspieler ist für eine Theorie der Relation, die das Subjekt zu seinen sozialen Rollen unterhält, kein geeignetes Modell, hat Dirk Baecker argumentiert (TdZ 3/2013). Das stimmt. Jedenfalls dann, wenn man das Modell, das der Schauspieler für diese Relation bereitstellen soll, so versteht, dass es hinter den jeweiligen sozialen Rollen etwas wie ein wirkliches Selbst gibt, das sie souverän an- und ablegt – wie der Schauspieler seine Masken. Es lässt sich im Leben nicht auf diese Weise zwischen innen und außen unterscheiden, weil das Subjekt erst durch Nachahmung sozialer Rollen zum Subjekt wird. Indes hat eine sehr einflussreiche philosophische Tradition interessanterweise gerade die Einsicht, dass das Verhältnis von Selbst und sozialer Rolle kein äußerliches ist, zum Anlass einer weitreichenden Kritik am Schauspiel genommen. Denn ebendieser Umstand steht hier für eine strukturelle Nähe zwischen Spiel und Wirklichkeit. Gerade weil das Schauspiel, so lautet Platons berühmter Einwand gegen das Theater, wie die gewöhnliche Erziehung auf Nachahmung gründet, bedeutet es eine Gefahr für das Gemeinwesen. Denn Nachahmungen können, so weiß Platon, „wenn man es von Jugend an stark damit treibt, in Gewöhnungen und Natur übergehen“. Während die Nachahmung in Platons Entwurf eines idealen Gemeinwesens strikt im Dienste der sozialisierenden Identitätsbildung steht, die lediglich...

Überlegungen zum Verhältnis von Spiel und Wirklichkeit

Identität und Potenzialität

Wir kennen das: Wenn wir angestrengt interessierte Gesichter machen, weil ein Freund zum x-ten Mal eine Anekdote aus seinem Leben erzählt. Man fragt sich: Wann versteht er endlich, dass dieser Abschnitt seines Lebens vorbei ist? Jean-Luc Lagarce erzählt in unnachahmlicher Weise in Music Hall von den Ängsten, Hoffnungen und der Einsamkeit dreier Schauspieler, die in einer Welt zwischen Kunst und Spiel verhaftet sind. Drei Schauspieler, denen das Publikum für ihre Geschichten abhandengekommen ist, die das Theater aber brauchen wie Fische das Wasser. Dinge hinter sich und zurücklassen, davon erzählt auch das Ich in Nis-Momme Stockmanns Der Freund krank. Es ist häufig der Zufall, der Menschen an ihren Heimatort zurückführt. Man wollte weg, nie wieder zurück. Und genau dort landet man dann aber wieder. Ein Mann um die dreißig kehrt in seinen irgendwo an der B 1 gelegenen Heimatort zurück – dorthin, von wo man „nur weg, nur weg“ will. Sein Jugendfreund Mirko hat kapituliert und ist verrückt geworden, er wird von seiner schwangeren Frau Nora gepflegt, in die der Heimkehrende selbst einst verliebt war. Nach all den Jahren hat sich die Heimat verändert, auch sie krankt, das führende Industriewerk wird geschlossen, dafür soll die Autobahn für Anschluss sorgen. Der Mann...

Hörspiel: Zwischen Zwang und Zustand

Im Gerichtswesen darf der Urteilende wegen Befangenheit von einem Fall ablassen. Diese Befangenheit möchte auch der Rezensent anmelden. Nicht um abzulassen, aber doch um zu gestehen, dass er die Autorin Kerstin Decker manchmal einfach nicht versteht. Die Sätze bleiben ihm verschlossen, gerade dort, wo sie luzide sein sollen. „Euripides habe den Zuschauer auf die Bühne gebracht. Was Nietzsche meint, ist klar: In der attischen Komödie sieht das Volk sich selbst beim Volksein zu. Wir späteren haben dafür das Fernsehen. Die Programme erklären sich aus dem Umstand, dass alles geschehen darf, nur eines niemals: Nie darf das Volk in den Ruf ausbrechen: Das bin ich ja gar nicht!“ Angesichts solcher Aussagen ist der Rezensent komplett überfordert. Es beginnt damit, dass er keinen Fernseher hat. Auch widerstrebt es ihm zutiefst, zwischen der Kategorie des Zuschauers und der Entität des Volkes ein Gleichheitszeichen zu setzen. Auch weiß er nicht, was das Volk sagt, und ging bis heute davon aus, dass es von sich im Plural spricht. Etwas mehr Kompetenz traut er sich zu, wenn Kerstin Decker den Wunsch nach einer „großen Renaissance“ deutet, „in welcher Platon den Homer umarmt“. Nun ist damit kaum gemeint, dass der „alte Schlachtenberichterstatter“ ganz „ideensinnig“ wird, sondern dass...

Kerstin Decker: Nietzsche und Wagner. Geschichte einer Hassliebe. Propyläen, Berlin 2012, 416 S., 19,99 EUR.

Anschauliche Königsfiguren

(Fast) alles neu bei Theater der Zeit

Leidenschaftlich zeitgenössisch

Man will doch seinem Leben auch mal einen Grund geben“, erklärt mit demonstrativer Zuversicht Hannes und meint das nicht nur als klare Ansage, mit Anfang dreißig endlich die Sinnfrage in Angriff zu nehmen. Der Satz ist auch ganz wörtlich zu verstehen. Für sich und seine Heidi hat Hannes nämlich ein Grundstück auf dem Land gekauft, ruhige Lage, aber autobahnnah und vor allem: dort, wo beide schon ihre Kindheit verbracht haben. Der Kauf will gefeiert sein, mit einem Grillfest unter Freunden in der Baugrube, die bereits ausgehoben ist. In der Linzer Uraufführung besteht sie aus einer mit Absperrband sorgsam abgesteckten quadratischen Vertiefung inmitten einer raumfüllenden Holzbohlenterrasse. Hier bauen Menschen, die sich auf der Sonnenseite des Lebens zu Hause glauben und ihr künftiges Glück voll durchgeplant haben. Schwanger wolle sie in zwei Jahren werden, verkündet Heidi, aber den Kindergartenplatz suche sie jetzt schon. Man will ja nichts dem Zufall überlassen. Ganz anders Vroni, die ungewollt in andere Umstände geraten ist. Wahrscheinlich ist Moritz der Vater, der gleichfalls eher planlos durchs Leben stromert. Das Häuslebauer- Glück lehnt er ab – ohne mit seiner eigenen Existenz das Beispiel für eine überzeugende Alternative abgeben zu können. Aber auch die Halt im Heimatboden suchenden Heidi und...

Landestheater Linz: „Alpenvorland“ (UA) von Thomas Arzt. Regie Ingo Putz, Bühne Stefan Brandtmayr, Kostüme Cornelia Kraske

Linz: Hänschen in der Grube

Was macht das Theater, Johanna M. Keller?

Aalto-Musiktheater Essen: Der Mensch ist gar nicht gut 

Neue Perspektiven auf etwas sehr Bekanntes

Systemcheck

Sich der Gewalt zuneigen

Charly Hübner, Sie haben 1991 in Neustrelitz als Schauspieler und Regieassistent angefangen, spielen heute in Köln bei Karin Beier, mit der sie nun auch ans Schauspielhaus Hamburg gehen. Ist es überall leichter, Theater zu machen, als in Mecklenburg- Vorpommern? Charly Hübner: Köln war vor Karin Beier fast schon eine künstlerische Brache. Sie hat sich daher zum einen Schauspieler geholt, von denen sie künstlerisch überzeugt war, ohne dass das unbedingt Stars...

Das Volkstheater Rostock kämpft ums Überleben. Ein Gespräch mit Rolf Hochhuth, Charly Hübner, Sewan Latchinian, Tobias Rausch und Stefan Rosinski

Im freien Fall?

Ein Ensemble als Band

Berliner Ensemble: Unmittelbare Trägerschaft des Landes Berlin angestrebt

Die eigene Dringlichkeit

Vanille in Tomatensauce? Ziehen Sie bitte nicht die Nase kraus oder lassen ein verächtliches Wort fallen. Möglicherweise haben Sie schon viele Tomatensuppen verspeist – jedoch in Unkenntnis darüber, dass dieser Vanillegeschmack beigemischt war. Hauptsache, Sie haben das Aroma wie eine „warme Decke empfunden, die einen berührt“. Als solche beschreibt eine Theologin die Vanille. Längst sind Kinderspielzeuge mit Vanillepuder bestäubt und Süßspeisen im Supermarkt mit Vanille als zusätzlichem Aromastoff versetzt wie auch Klimaanlagen in Hotels – auf dass sich der Gast nicht einsam fühle. Die Lebensmittelindustrie versprüht beruhigenden Optimismus und lullt uns ein mit ihrem kostengünstig synthetisierten Muttermilcharoma, als ob sie Friedrich Rückerts Liebesgedicht „Du bist der Duft, der meine Seele speiset“ verinnerlicht hätte. Anders gesagt: Unsere Gesellschaft ist von einer schleichenden Vanillisierung ergriffen, die – als unschöne Konsequenz – im Verlust der Geruchs- und Geschmackswahrnehmung endet. Schaudern könnte einem darob. Dazu lässt es die Inszenierung von Olivier Bachmann aber nicht kommen, weil sie die möglichen Risiken und Nebenwirkungen einer steigenden Geschmacksnivellierung vor allem lustvoll und witzig darstellt. Die im Theater Tuchlaube Aarau uraufgeführte Produktion steht exemplarisch für das, was sich das Theater Marie auf die Fahne geschrieben hat: „Diskursives Theater über große Themen mit kleiner Crew“. Seit Herbst 2012 liegen...

Theater Marie: „Von der schleichenden Vanillisierung der Gesellschaft“ (UA). Regie Olivier Bachmann, Ausstattung Erik Noorlander

Aarau: Soßen und Soufflés

Neue Dramatik, alte Geschichten, neue Welten

Bildet Allianzen!

Das war ein guter Jahrgang. In der Abschlussinszenierung der Berliner Schauspielschule, die 1966 noch nicht „Ernst Busch“ hieß, aber auch schon spitze war, spielten neben Hermann Beyer u. a. Renate Krößner, Walfriede Schmitt, Alexander Lang und Stefan Schütz (der sich freilich rasch der Schreiberei zuwandte). Uta Birnbaum hatte Peter Hacks’ „Der Schuhu und die fliegende Prinzessin“ im bat inszeniert, und Hermann war der Schuhu, ein geflügeltes Fabelwesen, seine Darstellung war wirklich fabelhaft. Der somit diplomierte Schauspieler hat danach kurz am Maxim Gorki Theater, dann ein paar Spielzeiten in Potsdam gewirkt (immerhin Egmont!) und in der Ära Besson an der Volksbühne sein individuelles Profil entwickelt. Heiner Müller und Fritz Marquardt (mit dem ihn bis heute eine herzliche Freundschaft verbindet) prägten seinen weiteren Werdegang. Er war der Flint in Müllers „Bauern“ („Die Umsiedlerin“), Hasselbein im „Bau“, Galloudec im „Auftrag“ und einer der Macbeths (neben Gwisdek und Montag) in Müllers „Macbeth“-Inszenierung von 1982, die ein Meilenstein in der Geschichte des DDRTheaters war, und das war nicht die letzte Müller-Rolle. Vergessen wir auch nicht den Valerio in „Leonce und Lena“, auch an der Volksbühne, Jürgen Goschs Abschiedsinszenierung in der DDR, und den Urfaust am Berliner Ensemble, eine der wenigen Regiearbeiten von Horst Sagert. Und...

Hermann Beyer zum 70. Geburtstag

Mit Kanten

Das Cartoonartige ausloten

Erweiterung des Menschlichen

Ich gehe Tag und Nacht und weiß nicht, wohin

Wir sitzen mitten im Schwimmbad der Mythen. Leiter abwärts geht es ins Publikum. Die antiken Helden des Kampfes um Troja jedoch versuchen oben zu bleiben. Auf einem Laufsteg, der über die Stuhlreihen führt, verteidigen sie jene Aufmerksamkeit, die ihrem Namen das Nachleben sichert. Als Person aber versinken sie alle im Nichts. Die größten Helden, wie Achill, das Vieh, können bereits nicht mehr auftreten, sind schon tot. Was also bleibt vom großen Krieg? Nur Legende. Es treten auf: Agamemnon, der Griechen Heerführer, ein Mann ohne Skrupel, der seine Feinde lieber tot als lebendig sieht, Iphigenie, seine Tochter, Klytämnestra, seine Frau, Helena – Anlass des Trojanischen Krieges –, seine Schwägerin, Hekabe, Andromache, Kassandra und Astyanax. Etwas viel auf einmal, Trojanischer Krieg für Eilige (der Abend dauert nur gute anderthalb Stunden)? „Atropa – Die Rache des Friedens“ von Tom Lanoye wirkt wie leicht handhabbares Instantpulver und liefert, mit Wasser aufgegossen, ein künstlich nachempfundenes „Orestie“- Aroma. Es ist das andere Extrem zu Lanoyes „Schlachten“ (das in der Aufführung von Luk Perceval berühmt wurde), einer zwölfstündigen Shakespeare-Lesart. War „Schlachten“ die Long-Version des Themas Macht und Geist, so ist „Atropa“ nun die Short-Version desselben Themas durch diesen Autor. Für das Volkstheater Rostock ist diese Stückwahl eine...

Volkstheater Rostock: „Atropa – Die Rache des Friedens“ von Tom Lanoye. Regie Alexander Flache, Ausstattung Petra Linsel

Rostock: In die Zivilisation gebombt

Solche Träume haben Folgen

Die einseitige Konzentration der Europäischen Union auf Wirtschafts-, Verteidigungs- und Finanzsorgen nahm Ruth Heynen, seit Dezember 2009 Generaldelegierte der Union der Theater in Europa, zum Anlass für makrokulturelle Überlegungen zum Begriff der „europäischen Identität“. Pünktlich zum Vorabend der neuen EU-Kultur-Förderperiode („Creative Europe“) legt sie jetzt einen historisch- systematischen Beitrag zur Verfassung eines Theaters für Europa vor. Die Lage mythologisch, historisch und geografisch sondierend, spannt sie den Bogen mit Derrida gegen Partikularinteressen zugunsten einer „A-Capitale“ kultureller Vielfalt auf, seziert demokratietheoretisch mit Habermas beispielhaft und transparent das angetretene Erbe, dabei auf den handelsüblichen affirmativen Rahmen verzichtend. Stattdessen gibt sie vier Orientierungsstränge an die Hand, die das Fragmentarische des europäischen Einigungsprozesses in der Formgebung ihres Arguments explizit machen: die Erfahrung des Unmöglichen! – Die These hebt auf das Fehlen „positiv aufgeladener Symbole“ ab, was der Europäische Rat seit 1984 beheben sollte. Ein Lächeln stockt, liest man vom Ringen Giorgio Strehlers und Jack Langs um die Anerkennung von Theaterkunst – es gleicht dem Tauziehen Heiner Müllers (Gründungsmitglied der 1990 gegründeten Theaterunion) mit SED-Funktionären. Heynen legt die Sonntagsreden der Politiker neben die Absichtserklärungen der Europatheater, um die Essenz des kulturellen Mehrwertes im Rückgriff auf Homi K. Bhabha, Bernhard Waldenfels und Michel de Certeau freizulegen: In...

Ruth Heynen: Erfahrung des Unmöglichen. Zur Verfassung eines Theaters für Europa. Wilhelm Fink Verlag, München 2013, 152 S., 22,90 EUR.

Vom Fehlen positiver Symbole

Rufer in der Wüste

Zuhause ist, wo der Koffer explodiert. Also muss der junge Naz sein Heil in der Flucht suchen. Nur ein paar Habseligkeiten und Mutters letzten Rat im Gepäck: „Never look back“, schau nie zurück. Das Kind tritt eine Odyssee ins gelobte Land an, nach London, wo seine Schwester lebt. Deren Postkarte kündete von Arbeit, Glück und Frieden für alle. Der Weg dorthin aber ist steinig und reich an beklemmenden Begegnungen: mit hungrigen Wölfen, grimmigen Soldaten, ausbeuterischen Fabrikbesitzern, korrupten Fischern. Naz übersteht die Reise nur, weil er unterwegs in der aufgeweckten Krysia eine treue Gefährtin findet. Und weil er sich mit den Geschichten über Wasser hält, die er liebt – wie der von Sindbad, dem Seefahrer. „Der Junge mit dem Koffer“ von Autor Mike Kenny lief zur Eröffnung des diesjährigen Augenblick mal! – Festival des Theaters für junges Publikum. Die Inszenierung von Andrea Gronemeyer ist eine Koproduktion zwischen dem Mannheimer Schnawwl und dem Ranga Shankara Theater im indischen Bangalore. Zweisprachig erzählt, eindringlich gespielt: vor allem vom jungen B.V. Shrunga, der in indisch gefärbtem Englisch die Erlebnisse des jungen Naz lebendig werden lässt. Während David Benito Garcia als erwachsenes Alter Ego das Geschehen rückschauend auf Deutsch rahmt. Das Stück entfaltet in einem bestürmend...

Aleksandar Denic: Realität des Absurden

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