Die Fifa kommt nicht gut weg an diesem Abend, den Christoph Frick gemeinsam mit zehn Mitgliedern des Schauspielensembles am Konzert Theater Bern entwickelt hat. Kritik an der Fédération Internationale de Football Association, diesem berühmt berüchtigten gemeinnützigen Verein mit Sitz in der Schweiz, klingt schon im Titel an, wo „Korruption“ im berühmten Paulus-Zitat (1. Korinther 13,13) die „Hoffnung“ ersetzt. Die „Artistik des Betrugs“ war denn auch, was Frick im Vorfeld thematisch interessiert hatte und was für die anregendsten Momente des Abends sorgte. Eine Serie von inhaltlich dichten Monologen, die Recherchen und Interviews mit Journalisten, Fußballtrainern und Ex-Fifa-Präsident Sepp Blatter verarbeiten, entlarven die skrupellosen Geschäfte der Herren Sportinvestoren, die „Teflon-Kunst“ des selbsternannten „Ehrenmanns“ Blatter sowie die symbio­tische Nähe von Adidas-Gründer Adolf Dassler alias „Erfinder der Sportkorruption“ zu Fifa-Funk­tionären. Mit Energie, Humor und szenischer Fantasie werden auf Augenhöhe der um drei Seiten des Kunstrasens sitzenden Zuschauer (Ausstattung Clarissa Herbst) die schmutzigen Deals und Vertuschungsstrategien der Fifa-Funktionäre und Sportsponsoren vorgeführt, die sich chorisch zu Konten auf den Seychellen und Briefkästen im Appenzell bekennen. Papiergeld – „Kaffeekasse, Kaffeekasse“ – quillt aus Unterhosen, wird verstohlen in Sportshorts gestopft oder zusammen mit haufenweise verfänglichen Akten kurzerhand unter den Rasen gekehrt. Die Aussprache von „Integrität“ stockt, der Zweck...

Konzert Theater Bern: „Fifa – Glaube, Liebe, Korruption“ von Christoph Frick & Ensemble. Regie Christoph Frick, Ausstattung Clarissa Herbst

Bern: Die Artistik des Betrugs

Das Theater des Anthropozän ist ein Konzept und interdisziplinäres Projekt des Dramaturgen und Theatertheoretikers Frank Raddatz und der Naturwissenschaftlerin Antje Boetius. Künstlerinnen und Künstler, Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler sowie Akteure der Zivilgesellschaft sollen in Projekten des Theater des Anthropozän zusammenkommen, um sich den Herausforderungen zu widmen, die der rasante Klimawandel, der Schwund von Arten und Lebensräumen, die Verschwendung von Ressourcen und die dadurch entstehenden Be­drohungen für Mensch und Natur zeitigen. Schirmherrin ist die Humboldt-Universität zu Berlin mit ihrer vielfältigen Kompetenz in Kulturtechniken. Ab Frühjahr 2020 sollen die Projekte des Theaters in Form von Kulturlaboren, Inszenierungen, in transdisziplinären Initiativen, Lesungen und flankierenden Diskursen zu einer global vernetzten, ästhetischen und wissenschaftlichen Plattform entwickelt werden. Die Fragilität unserer Ökosphäre und die Konsequenzen unseres Handelns sollen hier nicht nur reflektiert, sondern anhand praktischer Projekte auf verschiedensten diskursiven wie ästhetischen Ebenen erfahrbar gemacht werden. Ausgangspunkt ist ein Humboldt’sches Verständnis einer naturverbundenen, systemischen und empathischen Wissenschaft. Frank Raddatz formuliert 13 Thesen zum Ursprung und Ziel des Prozesses, die wir hier abdrucken. I Mit der Faustformel LOKALE AKTIVITÄTEN RUFEN GLOBALE WIRKUNGEN HERVOR! differenziert Michel Serres das an­brechende Klimaregime von seinen Vorgängern. Die Kopulation von Geschichte und Geologie nimmt im oder mit dem Anthropozän planetarische Ausmaße an. Die Kreuzung...

13 Thesen für das THEATER DES ANTHROPOZÄN

Statt eines Manifests!

Wer Zürichs kleinstes Theater besuchen will und dessen Domizil im Industriequartier nicht kennt, muss länger suchen. Schon möglich, dass er am sogar theater erst einmal vorübergeht, weil er den Eingang in den Hinterhof verpasst. Beim zweiten Mal klappt’s dann, und man betritt ein Haus, das kürzlich saniert und räumlich vergrößert worden ist: Damit stehen anstatt der bisherigen sechzig neu achtzig Sitzplätze zur Verfügung. 1998 von Peter Brunner und Doris Aebi gegründet, spielte die besondere Lage in Zürichs Kreis 5 eine entscheidende Rolle. Dem damaligen Fixerstrich und Drogen­umschlagplatz im nahgelegenen Platzspitz wollte das Team etwas entgegensetzen: sogar Theater! Seither hat sich dieses als litera­rische Bühne einen exzellenten Ruf erworben. Diesen will das seit 2018 am Haus wirkende neue ­Leitungsteam mit Ursina Greuel (Künstlerische Leiterin) und Tamaris Mayer ­(Geschäftsleitung und Programm Spoken Word) erhalten und mit neuen Akzenten versehen: „Die Zusammenarbeit mit Autorinnen und Autoren und der lustvolle Umgang mit Sprache in all ihren Facetten, Klängen und Rhythmen bestimmen das sogar-Programm“, sagen sie, die Theater als „ein Gespräch mit der Gesellschaft“ begreifen. Das setze aber voraus, dass man nicht nur in die Gesellschaft hineinsende, sondern auch zuhöre und Impulse aufnehme. Wie solche des 1967 in ­Rumänien geborenen, 1982 in die Schweiz emigrierten...

Sogar Theater: „Ich muss Deutschland“ (UA) von Catalin Dorian Florescu. Regie Ursina Greuel, Kostüme Cornelia Peter

Zürich: Theater ist ein Gespräch mit der Gesellschaft

PERSONAL Paul (11) (21) (46) (73) Fritz (8) (18) (43) (70) Franz (62) Anna Cathrin (48) Adalie (16) Haushälterin (20) Nicolaas Adriani (56) Brugmann d.J. (36) Zosterops Phasianid Großfußhuhn Schatten SPRÖSSLINGE Ein Wohnzimmer, in dem alles an seinem Platz, nichts zu viel ist. Drei tropische Vögel erscheinen. Ein Phasianid, ein Großfußhuhn, ein Zosterops. Sie nehmen ihre Plätze als Wandschmuck ein, platzieren sich, die Wände zierend, ausgestopft. Fritz (43) und Paul (46) sitzen einander still, irgendwann, gegenüber. Fritz: Ich dachte kurz, du wärst schon weg. Paul: Ich bin noch da. Fritz: Ich weiß nicht, was mich hat. Paul: Das ist nichts Schlimmes. Fritz: Sag es nochmal. Paul: Was? Dass es nichts Schlimmes ist? Das möchtest du gern‘ hören? Dass Schlimmes nichts so Schlimmes ist? Fritz: Wie, wie. Ich weiß nicht, Paul. Werden sie uns entzieh‘n die Liebe, Anerkennung? Wird man ein Urteil sprechen? Die Schwächsten haben sie sich vor den Apparat geholt. Die Kleinsten. Sie haben abgebildet die, die vor der Kamera gezittert haben. Beherrscht, die Blutenden. Die Trägerschar verbunden – damit sie weiterträgt, nicht weil sie helfen wollten. Sie herrschten, teilten aus, während sie sammelten. Paul: Das ist nicht ganz, nicht alles. Fritz: Nein. Paul: Vermessungsstandards grundgelegt, das Mess­­-geschick. Die...

basierend auf „Tropenliebe“ von Bernhard C. Schär

Wiederauferstehung der Vögel

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

Lisa Jopt, das von Ihnen ins Leben gerufene ensemble-netzwerk gibt es jetzt seit fünf Jahren. Wie fühlt sich das an? Wir haben eigentlich zwei Geburtstage: Das ensemble-netzwerk hat sich 2015 gegründet, als die damalige Regieassistentin Johanna Lücke und ich an einem schönen Sonntag in Oldenburg eine E-Mail an alle Künstlerischen Betriebsbüros in Deutschland geschrieben haben. Das Schreiben war ein Aufruf zur Vernetzung. Das ist die emotionale Gründung. Das durchschlagkräftige, politisch aktive Team hat sich dann im Juni 2016 als Verein in Berlin zusammengeschlossen. Nicht nur die Arbeit des ensemble-netzwerks macht mich als „Mitdurchhalterin“ ziemlich stolz. Auch der Kontakt mit dem jungen-, dem regie- und dem dramaturgie-netzwerk sind unglaublich wertvoll. Gerade in einer Branche, in der es einen Genieglauben gibt und noch dazu ein großes Traditionsbewusstsein. Das Aufbrechen dieser Theaterfolklore hat niemand für möglich gehalten. Es gab viel Gegenwind. Naja, geht so. Manchen älteren Kolleginnen und Kollegen hat unser Ton nicht gefallen. Man fand unsere Ziele vielleicht hysterisch und zu ambitioniert. Es hieß: Wenn ihr mehr Geld wollt, geht das Theater kaputt. Wenn ihr an Samstagen nicht probt, wird die Produktion nicht fertig. Wenn Leute unter Nichtverlängerungsschutz stehen, leidet die Freiheit der Kunst, denn dann wird ja alles unflexibel. Oder: Wollt...

Was macht das Theater, Lisa Jopt?

„Es ist das Wesen eines Kunstwerks, weder ein Teil, noch ein Abbild der wirklichen Welt zu sein (gemäss unseres allgemeinen Verständnisses dieses Satzes), sondern eine Welt in sich selbst, unabhängig, vollständig, eigenständig; und um es voll und ganz in sich aufzunehmen muss man diese Welt betreten, sich ihren Gesetzen anpassen, und eine Zeitlang die Überzeugungen, Ziele und besonderen Bedingungen ignorieren, die einem in der anderen Welt, der Wirklichkeit, eigen sind.“ (Professeur Bradley, Oxford, 1901) Personen Sappho Eine Frau, mindestens 45 Jahre alt. Atthis Eine Frau, zwischen 30 und 35. Phaon Ein Mann, zwischen 35 und 45. Das wichtigste Element eines Textes sind die Stellen, wo geschwiegen wird / Pause // Schweigen /// langes Schweigen Das unwichtigste Element eines Textes ist sein Plot Drei zeitliche Dimensionen entfalten sich in diesem Stück. Die erste Ebene, die der „Handlung“, spielt im Jahr 2070. Die zweite Ebene im Jahr 2020. Die dritte im Jahr 1970. Prolog: Mutter Mittelmeer (Ode an das Zyprin<a class="_idEndnoteLink _idGenColorInherit">1</a>) Sappho steht alleine auf der Bühne. Sie ist vollständig durchnässt. Oh Aphrodite, feuchte Göttin! Ejakulat der Gischt, perlender Geschlechtstropfen, lass mich zurück an deine Quelle steigen! Deine Empfängnis, Aphrodite, ist die Stimme des Blutes, singend gegen den Strom. Deine Geburt,...

Aus dem Französischen von Frank Weigand

Sappho x

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Michael Caine beginnt seine als „Lebens­lektionen“ angelegten Erinnerungen mit einer beeindruckenden Szene: John Wayne landet mit einem Helikopter auf dem Rasen des ­Beverly Hills Hotels, kommt aus einer Staubwolke auf ihn zu, erkennt ihn als den englischen Schauspieler aus „Alfie“ und gibt ihm den Rat: „Wenn du ein Star bleiben willst: sprich leise, sprich langsam und sag nicht zu viel.“ Aber dem jungen Caine nützt diese ­Lebensweisheit des alten Stars wenig – weil er nie einen Cowboy spielen wird. Deshalb fragt er mit britischem Understatement gleich zu Anfang, ob es den Lesern mit seinen Ratschlägen nicht ähnlich gehen wird. Doch diese Gefahr besteht nicht, denn Michael Caines Ratschläge sind Lektionen aus einem Schauspielerleben, in dem es fast so viele Höhen wie Tiefen gegeben hat, und er verschweigt weder die Höhenflüge noch die Abstürze. Geboren im März 1933 als Sohn einer Putzfrau und eines Marktarbeiters in Camberwell, einem der ärmsten Arbeiterviertel Londons, überlebt er den deutschen „Blitz“, Hunger und Rachitis, eine brutale Pflege­familie in Norfolk und den Militärdienst im Korea-Krieg. Anschließend schlägt er sich als Türsteher und Transportarbeiter durch, bevor er zu seinem ersten Vorsprechen an ein ­Provinztheater geht. Nach der Ochsentour durch mehrere Repertoire-Theater winkt ihm 1956 das Glück in...

Michael Caine: Die verdammten Türen sprengen und andere Lebenslektionen. Alexander Verlag, Berlin 2019, 312 S., 24 EUR.

Handwerk für Hollywood

Als Regisseur im deutschen Stadttheater ist Toshiki Okada gewissermaßen eine Erfindung von Matthias Lilienthal. Mit seiner eigenen Truppe, der chelfitsch company, war der heute 46-jährige Japaner zwar schon früher zu Gast auf Festivals hierzulande. Aber erst Lilienthal gewann ihn für eine Inszenierung in Deutschland. Bei „Hot Pepper, Air Conditioner and the Farewell Speech“ (2016, am Ende von Lilienthals erster Spielzeit als Intendant der Münchner Kammerspiele) handelte es sich um das Remake einer chelfitsch-Produktion: ein Abend über die sich in der seelischen Deformation von Angestellten abzeichnenden Auswüchse der Arbeitswelt, die in Japan noch absurdere Blüten zu treiben scheinen als anderswo – mit dem Effekt, dass Okadas Stück (er ist stets Autor und Regisseur in Personalunion) wie die Überzeichnung hiesiger Verhältnisse hin zur Kenntlichkeit wirkte. In Japans Leistungsgesellschaft, so scheint es, nehmen Entwicklungen, die sich in den meisten Ländern der ersten Welt beobachten lassen, besonders extreme Formen an, weshalb die entsprechenden Erscheinungen dort auch häufig Namen bekommen. Manchen mittlerweile auch bei uns geläufig ist beispielsweise der Begriff „Karōshi“ zur Bezeichnung des Todes durch Überarbeitung. Um ein anderes Phänomen nun dreht sich „The Vacuum Cleaner“: um die sogenannten „Hikikomori“ – erwachsene Menschen jenseits der vierzig, die sich restlos ins Private zurückgezogen haben, weil...

Münchner Kammerspiele: „The Vacuum Cleaner“ (UA) von Toshiki Okada. Regie Toshiki Okada, Bühne Dominic Huber, Kostüme Tutia Schaad

München: Im Kabellängenradius eines Seelensaugers

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Der junge Mann ist spät dran. Als er das Kellergewölbe des U2, der kleinsten Spielstätte des Theaters Münster, betritt, hat die Vorstellung zwar noch nicht begonnen, aber der größte Teil des Publikums hat schon Platz genommen. Der letzte Stuhl in der zweiten Reihe ist noch frei. Also zwängt er sich, die Reihen sind schmal, an den Sitzenden vorbei. Ein paar stehen für ihn auf, andere bleiben demonstrativ sitzen. Auf den ersten Blick ­unterscheidet den jungen Mann nichts von den anderen Zuschauern. Seine Kleidung, schwarzes Samtcord-Jackett zu einem ­dün­nen weißen Rollkragenpullover und einer modern geschnittenen anthrazitfarbenen Wollhose, ist zeitlos elegant, vielleicht auch ein bisschen konservativ. Doch das fällt in einer durch und durch bürgerlichen Stadt wie Münster gar nicht weiter auf. Nur seine späte Ankunft hat die Blicke der anderen auf sich gezogen. Danach ist er wieder einer von ­vielen, bis er plötzlich das Wort ergreift. Mit fester Stimme beginnt er, ohne dabei auf­zustehen, Sätze aus Édouard Louis’ autofik­tionalem Essay „Wer hat meinen Vater um­gebracht“ zu sprechen. Schließlich erhebt er sich und geht auf die fast leere Bühne. Ein symbolträchtiger Beginn. Der Mann, der in die Rolle von Édouard Louis’ Ich schlüpft, ist einer von uns. Er kommt aus der Mitte...

Theater Münster: „Wer hat meinen Vater umgebracht“ nach Édouard Louis. Regie Michael Letmathe, Musik Fabian Kuss, Video Daniel Ortega Macke

Münster: Die revolutionäre Kraft der Ambivalenz

Julia Haenni, als Performerin und Regisseurin waren Sie oftmals selbst an der Inszenierung Ihrer Stücke beteiligt. „frau verschwindet (versionen)“ hat Marie Bues am Konzert Theater Bern uraufgeführt. Wie haben Sie diese Zusammenarbeit erlebt? Als Autorin des Stück Labor-Förderprogramms war mir von Anfang an klar, dass da eine ­Regie hinzukommt. Dadurch habe ich beim Schreiben eine enorme Freiheit gespürt. Sonst überlege ich mir als Regisseurin meistens schon vorher, wie wohl die Schauspielerinnen und Schauspieler von Szene A zu ­Szene B kommen. Und das war nun nicht so. Mit Marie Bues und dem Team traf ich mich bereits, als ich noch am Schreiben war. Da haben sich Arbeitsprozesse verzahnt. Ideen für das Bühnenbild zum Beispiel haben mich beim Schreiben weitergebracht. Diesen Austausch mag ich als Autorin sehr, dieses ­gemeinsame Denken inspiriert mich. Man macht dann nicht alles mit sich selbst aus. Und das ist meistens besser so. Das Stück haben Sie im Jahr des Frauenstreiks geschrieben. Mehr als 500 000 Frauen haben 2019 in der Schweiz demonstriert und gestreikt, um für ihre Rechte zu kämpfen und auf strukturelle Ungerechtigkeiten aufmerksam zu machen. Wie hat diese Bewegung Ihre Arbeit inspiriert? In „frau verschwindet (versionen)“ geht es um Zuschreibungen und um eindimensionale Rollenangebote. Am...

Julia Haenni über ihr Stück „frau verschwindet (versionen)“ im Gespräch mit Elisabeth Maier

We all!

Warum Theater,

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Den ersten Brief schicken Sarah und Rainer Kirsch 1962 an Christa und Gerhard Wolf. Beide Ehepaare hatten bis eben in Halle an der Saale gewohnt, nun waren die Wolfs nach Klein­machnow gezogen. Sarah Kirsch wechselt in den folgenden Jahren noch häufig ihre Lebenspartner, die Wolfs häufig ihre Wohn­orte. Man fühlt sich dennoch eng verbunden. ­Sarah Kirsch vertraut Christa Wolf auch ihre intimen Geheimnisse an, wie jenes von der kurzen Liebesaffäre mit Wolfgang Kohlhaase, der „so schöne glitzernde Augen“ hat und „einfach so gerne, so überaus gerne mit netten Frauenzimmern schläft“. Wie sie dann diese eher triviale Tatsache beschreibt, hat etwas von der wissenden Unschuld einer Dichterin, deren Lebenshunger unstillbar scheint. Nach dem – vergeblichen – Protest gegen die Biermann-Ausbürgerung 1976 (beide gehören zu den Erstunterzeichnern der Resolution) stellt Sarah Kirsch einen Ausreise­antrag und verlässt 1977 die DDR. Als Franz Fühmann das erfährt, schickt er jenes berühmt gewordene Telegramm: „Sarah liebe Schwester der Pirol hat die ganze Nacht geweint. Sollen denn hier nur mehr die Krähen krächzen?“ Aber auch die räumliche Trennung kann die Freundinnen nicht auseinanderbringen. Sie schreiben sich regelmäßig lange Briefe, oft mehrmals im Monat. Dieser von Sabine Wolf edierte Briefwechsel, der mit zahlreichen erhellenden Anmerkungen versehen wurde (die...

Sarah Kirsch / Christa Wolf: Der Briefwechsel. Hg. von Sabine Wolf unter Mitarbeit von Heiner Wolf, Suhrkamp Verlag, Berlin 2019, 456 S., 32 EUR.

An der Einheit zerbrochen

Meldungen

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Andrej Platonow ist der literarische Chronist der frühen Jahre der Sowjetunion. Er wurde 1899 geboren, mit 13 Jahren verließ er die Schule, begann zu arbeiten und Gedichte zu verfassen – ein schreibender Vertreter der ­Arbeiterklasse, der sich alsbald den Bolschewiki anschloss. Zu deren Politik nahm er eine eigene Haltung ein: Die Neue Ökonomische Politik betrachtete er ebenso skeptisch wie die brutale Vollkollektivierung und den forcierten Aufbau der Schwerindustrie. Das war jedoch Manöverkritik, keine Ablehnung des Aufbaus des Sozialismus. Wie sehr Platonows sozialistisches Denken ein ökologisches war, kann man in dem kürzlich im Quintus Verlag erschienenen Band „Dshan oder Die erste sozialistische Tragödie“ nachlesen. Er versammelt Prosa, Essays und Briefe, herausgegeben wurde er von Michael Leetz. Der hat den Roman „Dshan“ ins Deutsche übertragen, in unzensierter Fassung. Der Text wurde nach Platonows Tod nur in entstalinisierter Form veröffentlicht – obwohl der Autor selbst bei Stalin in Ungnade gefallen war. Verfasst wurde der Roman 1935 unter dem Eindruck zweier Reisen in die Sowjetrepublik Turkmenistan. Die wüsten Landschaften, der große Mangel und die teils archaischen Sitten lösten bei Platonow Befremden aus. Es geht um das Nomadenvolk der Dshan. Das Leben ist hart, der Tod gewöhnlich. Dshan ist eigentlich ein Spottwort für all jene,...

Andrej Platonow: Dshan oder Die erste sozialistische Tragödie. Prosa – Essays – Briefe. Hg. u. übers. von Michael Leetz. Quintus Verlag, Berlin 2019, 376 S., 25 EUR.

Der Denker des Anthropozäns

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Ein eigenartiger Brauch herrscht in der Stadt. Seit der Steinzeit wird sie von einem Drachen beherrscht, dem jedes Jahr eine Jungfrau geopfert werden muss. Die offizielle Sprachregelung lautet freilich etwas anders: Die Stadt wird von dem Drachen beschützt, der jedes Jahr das hübscheste Mädchen zur Frau nehmen darf. Mit der bedauerlichen Folge, dass diese Verbindung nach wenigen Tagen mit dem Tod der Zwangsverheirateten endet. Nun findet der neu in die Stadt gekommene Lanzelot diesen Brauch reichlich bescheuert, noch dazu er die Auserwählte auf den ersten Blick abgöttisch liebt. In der Oper ist es nicht ungewöhnlich, dass zwischen Kennenlernen und unsterblicher Liebe nur wenige Takte vergehen. Das mag man unrealistisch finden, aber andererseits wäre es auch nicht besonders handlungsfördernd, wenn die beiden fünf Szenen lang zwischen erfolglosem Internetdating und missglückten Annäherungsversuchen herumwurschteln würden, wie das in heutigen Zeiten Sitte geworden ist. Also Reduktion aufs Wesentliche: Da gibt es zwei, die schauen sich an und wissen, dass sie ihr Denken und Handeln nun aufeinander beziehen werden. Lanzelot will Elsa retten und den Drachen töten. Womit auch die Stadt befreit wäre. Blöderweise will die überhaupt nicht befreit werden – eine bis heute bekannte ­Eigenart, die in der Fachsprache der Seelenkunde als Identifikation mit...

Deutsches Nationaltheater: „Lanzelot“ von Paul Dessau, Heiner Müller und Ginka Tscholakowa. Regie Peter Konwitschny, Ausstattung Helmut Brade, Musikalische Leitung Dominik Beykirch

Weimar: Der Rest ist Freude

Sie haben es vielleicht mitbekommen. ­Unsere Bundeskanzlerin hat in ihrer Neujahrsansprache gar unglaubliche Dinge gesagt. Wir brauchen, so teilte sie in gewohnt einschläferndem Duktus mit, „mehr denn je den Mut zu neuem Denken, die Kraft, bekannte Wege zu verlassen, die Bereitschaft, Neues zu wagen, und die Entschlossenheit, schneller zu handeln, in der Überzeugung, dass Ungewohntes gelingen kann“. Mut zu ­neuem Denken?! Ich war ratlos, sprachlos, betroffen. Diese Worte von der Politikerin, deren gesamtes Handeln gegen diese Worte spricht. Die in Tateinheit mit Dr. Strangelove Griechenland und somit die EU zerstört hat. Die so viel deutsches Kriegsgerät wie nie zuvor zum fröhlichen Morden in der Welt verteilt. Die den Krieg der Reichen gegen die Armen im Land, wenn nicht unterstützt, so doch zumindest gebilligt hat. Die entgegen eigener Beteuerungen staatlich betreute Nazimorde nicht aufklären ließ. Die an der willentlichen Zerstörung des öffentlichen Gemeinwesens festhielt, auch als Hunderttausende mittellose Menschen aus Kriegsgebieten hierher flüchteten. Die wie kein anderer Herrscher in der Welt es nie für nötig hielt, ihr Handeln den lieben Untertanen zu erklären; die das Schweigen zur höchsten Form ihrer ­Politik erhoben hat. Sie sehen, liebe Leserinnen und Leser, ich habe einige Zweifel, dass es mit dem von der Staatsspitze eingeforderten...

Geschichten vom Herrn H.: Danke, Merkel! Die zwanziger Jahre

Jetzt ist alles politisch

Februar 2020

Premieren

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Meghalayum, liebe Leserinnen und Leser! Was wie eine indische Begrüßungsformel klingt, ist tatsächlich das geologische Zeitalter, in dem wir seit 4250 Jahren leben, eine Unterkategorie des ­Holozäns. Wurde vor zwei Jahren so festgelegt. Benannt nach einem Tropfstein im indischen Bundesstaat Meghalaya (also doch!). Woher kommt dann aber die Behauptung, wir lebten im Anthropozän? Dem Inbegriff eines Zeitalters, in dem der Mensch zu einer Naturgewalt mit so massivem geophysikalischem Einfluss geworden...

Editorial

Was folgt

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Rebecca Klingenberg steht an der vorderen Kante eines betonierten Laufstegs. Oder ist es ein Sprungbrett? Aber nein, um sie herum ist der rote Teppich ausgelegt, bereit für ihren Auftritt. Das Scheinwerferlicht verschwindet hinter ihr in einem langen, verzerrten Schatten. SIE erzählt von einem Dinner mit ihrem Chef, einem ­modernen Unternehmer, der seine Angestellten duzt und buntgemusterte Happy Socks trägt. Ein hipper Typ. Die Vorstellung, ob ER sich fragt, wie es wäre, den Reißverschluss am ­Rücken ihres roten Cocktailkleides zu öffnen, gefällt ihr. SIE geht den Steg entlang, schwingt ihre Hüften, setzt bedächtig einen Schritt vor den anderen. Als SIE sich umdreht, verhärtet sich ihre Miene. Wut kommt auf, darüber, dass ER etwas in ihr auslöst. Wut darüber, dass ER Macht über sie besitzt. Eine Firmenfeier, SIE ist betrunken, ER (Marius Ahrendt) ist betrunken. SIE verschüttet ihr Getränk auf seinem Hemd, ER zieht es aus, SIE entledigt sich aus Solidarität ihrer Bluse. Ein klares Signal für IHN. Ein Missverständnis für SIE. ER vergewaltigt SIE. Keiner von beiden bestreitet das. IHM fällt es, mit Ausnahme von gelegentlichen Schuldgefühlen, leicht, in sein altes Leben zurückzukehren; die Firma, seine Kinder, die ihn unwissend als Vater lieben, und seine Frau, die zwischen naiver Vergebung und...

Deutsches Theater Göttingen: „geteilt“ (UA) von Maria Milisavljevic. Regie Moritz Beichl, Ausstattung Lukas Kötz

Göttingen: ER ist Täter!

Ich arbeite gern

Derman sendedir

Gründung einer Akademie der darstellenden Künste in München

Der Pfau ist gerupft. Alles Plüschige ist verschwunden aus dem Foyer. Stattdessen: nackte, betongraue Wände, an denen Überbleibsel der alten Verkleidung sichtbar sind, als wäre sie gerade erst herausgerissen worden. Schmale Leuchtbahnen tauchen den Raum in grelles Licht, das den betont unfertigen Charakter unübersehbar macht. Wer schon einmal irgendwo eine Inszenierung von Regisseur Nicolas Stemann und Dramaturg Benjamin von Blomberg, der neuen Doppelspitze des Schauspielhauses ­Zürich, gesehen hat, muss das natürlich als programmatisch ­begreifen. Das Prozesshafte, Provisorische kennzeichnet ihre ­Arbeiten, die im Idealfall Diskussionsangebote ohne Anspruch auf Deutungshoheit sind. Für von Blomberg geht es darum, dass im Theater „Menschen sichtbar werden, mit dem, was sie können und einstudiert haben, klar, aber auch mit der Schönheit ihrer Fehlbarkeiten, ihren Nöten, mit ihrem Vermögen, sich zu improvisieren.“ Dafür brauche es eben auch „formale und architek­­to­nische Setzungen, die nicht das Essenzielle festzuschreiben ­ver­suchen – die starre Repräsentation, hinter der sich der Mensch versteckt –, sondern Raum lassen für das Spielerische.“ Klar habe es, vor allem was das Foyer betrifft, anfangs auch wüste Beschimpfungen gegeben, wobei von „DDR-Ästhetik“ und „Parkgarage“ die Rede gewesen sei. Ansonsten aber waren die Reaktionen überwiegend positiv, wie von Blomberg betont: „Ich denke, die Menschen spüren, da hat etwas Neues...

Das neue Intendantenduo des Schauspielhauses Zürich Nicolas Stemann und Benjamin von Blomberg verpacken Gesellschaftskritik geschickt zwischen Märchen und Musical

Antikapitalistische Spiegelungen

Die Stress-Knoten auflösen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Das Nachwende-Berlin ist fast schon so versunken wie das der 1920er Jahre. Aber es bildet mythische Kerne. Das Tacheles in Berlin-Mitte gehört dazu. Ganz früher einmal war es ein Kaufhaus, dann, nach 1989, ein alternatives Kulturzentrum mit magischer Anziehungskraft. Hier dachte und lebte man alternativ. 2012 wurde das Tacheles zur Spekulationsmasse, wie die ganze Stadt. Im Kunsthaus Tacheles inszenierte Sebastian Hartmann im April 1998 „Kalter Plüsch“. Aufgefallen sind mir dabei zwei Terrarien mit ausgewachsenen Leguanen – und Cordelia Wege, damals 21 Jahre alt. Eine szenische Versuchsanordnung nach Strindbergs „Totentanz“ und Dürrenmatts „Play Strindberg“. Die Urszene des Hartmann’schen Theaters, Kopfkino im Menschen-Zoo. Familien- und Gesellschaftsidyllen, hehre Werke der Weltliteratur, histo­rische Kontexte, all das tritt hinter den archaischen Impuls des Spiels zurück. Realität löst sich in Träume auf, auch böse. Jedem Versprechen wohnt der Verrat inne, jeder Erfüllung die Ernüchterung. Es wirkte wie ein Fellini-Film, den man auf einem Schwarz-Weiß-Fernseher zu sehen gezwungen wird. Hartmanns vorsätz­liche Anti-Didaktik hat sich über die Zeiten hinweg als erstaunlich stabil erwiesen. Mittendrin eine zart und verletzlich wirkende Cordelia Wege, die wie die leibhaftige Antithese zu Sebastian Hartmann, ihrem Ehemann und Lieblingsregisseur, wirkt. Der Mensch in dessen rabiatem Zirkus scheint immer krank und erlösungsbedürftig. Der Erlöser ist...

Die Schauspielerin Cordelia Wege will lieber scheitern als funktionieren

Mysterien des Spiels

Thiemo Strutzenberger, Ihr Stück „Wiederauferstehung der Vögel“, entstanden im Stück Labor, erzählt die Lebens- und auch Liebesgeschichte der Großcousins Fritz und Paul Sarasin, die ­Anfang des 20. Jahrhunderts das Museum für Völkerkunde in Basel gründeten. Als Natur­forscher arbeiteten sie in den britischen und in den niederländischen Kolonien in Asien. Hat die Liebe der beiden Männer in den Strukturen des Kolonialismus eine Chance? Fritz und Paul Sarasin verbringen Jahrzehnte zusammen. Das Arbeitsleben der beiden speist sich nicht vorrangig aus ihrer Liebesgeschichte, sondern auch aus einer Geschichte der Forschung, der Wissensformen, der ökonomischen Situierung, der religiösen Prägungen. Es geht angesichts der „quasi-kolonialen“ Unterwerfungen auf ihren Expeditionen, der militärischen Eroberung eines Teils Indonesiens durch die niederländische Armee, welche die Naturhistoriker mit vorbereiteten, und angesichts der rassenwissenschaftlichen Forschungsmethode, die sie stringent entwickelten, nicht vorrangig um die Schwierigkeiten oder Schönheiten einer Liebe. Es sind weiße, europäische Männer, von äußerstem Wohlstand umgeben. Dabei geht nicht nur ihrer Beziehung wegen eine Art Riss durch sie: In ihre Forschung ist Erkenntnis­kritik verwickelt, Einspruch in entfesselte Ratio­nalität. Es kommen im Stück dazu ganz andere Fragen auf, als man es von martialischen Männlichkeiten, Kolonialherren erwartet. Bezüglich der Liebe: Fritz hofft, dass sie als Gegengift zu Herrschaft überhaupt eine Chance hat....

Thiemo Strutzenberger über sein Stück „Die Wiederauferstehung der Vögel“ im Gespräch mit Elisabeth Maier

Vergangenheit ist eine Erfahrung der Andersheit

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Das Stück der Stunde stammt aus dem Jahr 1978, eine Komödie in 33 Gesängen von Hans Magnus Enzensberger, „Der Untergang der Titanic“. Gerade läuft es, schwindelerregend inszeniert von Philipp Preuss, im Theater an der Ruhr in Mülheim. Dort sitzt das Publikum auf der Drehbühne und wird den unterschiedlichsten Perspektiven ausgesetzt. Was kommt als Nächstes und wer? Im Prinzip eine kreisende Fahrt mit der Geisterbahn. Es spuken Uto­pien mit integriertem Verfallsdatum, Ungerechtigkeiten der Welt und Passagierklassen, Machbarkeitswahnwitz und kalte Ernüchterung, als am 14. April 1912 gegen 23.40 Uhr das unsinkbare Schiff einen Eisberg rammt und als Spielverderber der Moderne dann eben doch sinkt. Schon damals hat Enzensberger den Klimawandel, der früher weniger zutraulich Erderwärmung hieß, komödiantisch ernst ins Kalkül gezogen: „Die Glaziologen haben einen Mikro-Computer mitgebracht, / der, unter Plexiglas, während des großen Kolloquiums / über Klimaforschung, Eisberg-Simulationen ausdruckt / für die nächsten zweihundertfünfzig Jahre.“ Immerhin, das klingt optimistisch, wir dürfen noch 250 Jahre mit Eisbergen rechnen. Nicht ganz so optimistisch frage ich in meiner Reihe „Zeit für ­Zukunft“ den Klimaforscher Wilhelm Kuttler, mit dem ich in den Kulissen der Mülheimer „Titanic“ sitze, ob er davon gehört habe, dass Donald Trump Grönland kaufen wolle, jäh getwittert im ­vergangenen August. Hat er...

Klimawandel: Aufforderung zum Diskurs-Pogo

Ist Grönland noch zu haben?

Sarah Jane Moloney, im Zentrum des Stücks „Sapphox“ steht die berühmte Dichterin der Antike. Ihre Texte sind geprägt von erotischen Bildern. Sie hat die Liebe zwischen Frauen in ihrer Literatur verarbeitet. Heute gerät sie immer mehr in Vergessenheit. Wie kamen Sie dazu, ein Stück über diese Literatin zu schreiben? Sapphos Werk habe ich an der Universität entdeckt. Da wurde ich auf Anne Carson ­aufmerksam, die viele altgriechische Texte übersetzt hat. Sie hat Sapphos Poesie viel ­dynamischer und packender ins Englische übertragen, als das in älteren Übersetzungen der Fall ist. Mir war es sehr wichtig, im Stück in vielen Passagen mit Originaltexten Sap­phos zu arbeiten. Auch die Pausen und das Schweigen, die sie mit Strichen markiert, habe ich übernommen. Ihr Werk wurde von vielen instrumentalisiert, nicht allein von der Frauenbewegung. Ihr wurden Dinge zugeschrieben, die sie nie gesagt hat. Mir ging es darum, ihr Wesen zu erfassen. Im Stück bringe ich Sapphos Lebensziele in einem Satz auf den Punkt: Ich schreibe Gedichte und ich liebe Frauen. Ein radikaler Ansatz für ihre Zeit. Viele Literatinnen wie Gertrude Stein oder Virginia Woolf beziehen sich auf Sappho, sie ist eine Ikone der Frauenbewegung. Im Stück hat die Figur viele schwache Momente. Sie ist eine...

Sarah Jane Moloney über ihr Stück „Sapphox“ im Gespräch mit Elisabeth Maier

Die schreckliche Angst vor dem Alter

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Kostüme

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Als Erstes wurde mal ganz gehörig getanzt. Nicht im Theater selber – das folgte später –, sondern einige Wochen vor dem eigentlichen Spielzeitbeginn während des Theaterspektakels auf der Zürcher Landiwiese. Dort lud das Theater Neumarkt das ­Publikum zur Castingshow ein: mit stundenlangem Tanzen; wer auch nur kurz innehielt, flog raus. Später folgte rund um eine Glasbox im Hauptbahnhof die zweite Tanzetappe, dort wo Hunderte von Bahnpendlern, Passanten und Touristen vorbeischlenderten, zuschauten, wie sich die in der Glasbox eingesperrten Menschen bewegten, und zum Teil mittanzten. Schließlich stieg auf der Arenabühne im Theater das szenische Finale mit Tanz bis zum Umfallen. Die Stadt ins Theater tragen oder gar gleich zum Theater zu erklären, dürfte ein Beweggrund für den dreiteiligen Einstieg in die neue Ära der kleinen, aber immer wieder struppig-feinen ­Bühne mitten in der Vorzeigeecke der Zürcher Altstadt gewesen sein. Das inhaltliche Gerüst bot der 1935 veröffentlichte und 1965 verfilmte Roman „They Shoot Horses, Don’t They?“, mit dem der US-Amerikaner Horace McCoy einen bitterbösen Abgesang auf die elenden Arbeiterschicksale während der großen Wirtschaftskrise geschaffen hatte. Julia Reichert, Hayat Erdoğan und Tine Milz, die Protagonistinnen des neuen Leitungstrios, wollen also die Grenzen ­zwischen Stadt und Theater verwischen. Sie positionieren ihr Haus zur ­programmatischen...

Das neue Leiterinnenkollektiv Hayat Erdoğan, Tine Milz und Julia Reichert erklären das Theater Neumarkt in Zürich zur experimentellen Spielwiese – präsentieren unterm Strich aber Stadttheater im Klein

In und aus der Reihe tanzen

Na!? Wart ihr mal wieder shoppen?“ Diesen Satz hören Kostümbildnerinnen und Kostümbildner wirklich oft. Er legt offen, wie gering die Arbeit der Kostümschaffenden angesehen wird. Dieser Beruf ist kein lustiges Shoppingvergnügen. Die Visualisierung ­einer Rolle, also zu großen Teilen das Kostüm, bildet den ersten Kontakt der Figur zum Publikum, ehe die Sprache übernimmt. Doch die Wirkmacht des Kostüms wird permanent unterschätzt. Und in der Folge der Berufsstand wenig wertgeschätzt. 2013 wurde das Steuergesetz für die Berufsgruppen der Bühnenregie und Choreografie geändert. Seitdem fallen Regie­arbeiten unter die Steuerbefreiungsnorm. Zur gleichen Zeit zeigten sich Kulturverbände sowie Politikerinnen und Politiker erstaunt, dass das Erarbeiten von Bühnen- und Kostümbildern ebenfalls eine künstlerische Tätigkeit sei. Man nahm an, es handele sich um eine Dienstleistung, da vordergründig Gegenstände produziert würden. Der Umsatzsteuersatz dieser Berufsgruppe sollte deshalb von sieben Prozent rückwirkend auf 19 Prozent erhöht werden, obwohl Bühnen- und Kostümbildnerinnen und -bildner ein Gedankenprodukt erarbeiten und die urheberrechtlich geschützten Ergebnisse für eine bestimmte, zeitlich begrenzte Nutzung, eben für eine Theaterinszenierung, zur Verfügung stellen. Aus dieser Diskussion entstand eine anhaltende Debatte um die Arbeitswirklichkeit freischaffender Bühnen- und Kostümbildner. Zudem konstatierte der Bund der Szenografen die schwindende Wahrnehmung der Ausstattungsberufe in der Fachöffentlichkeit. Auch dort herrscht die Annahme vor,...

Unterschätzt und unter Wert honoriert – Unser Blick auf das Kostümbild als Kunstform bedarf einer Revision

Kunst und Kostüm

Antje Boetius, als Meeresbiologin und Direktorin des Alfred-Wegener-Instituts Bremerhaven sind Sie eine der gefragtesten Klima-Expertinnen derzeit. Sie erlangen durch Ihre Forschung Einblicke in die Natur, die andere nicht oder nur medial vermittelt erhalten. Was hat Ihnen dabei in jüngster Zeit die größte Angst bereitet? Was Hoffnung? Mich erschrecken die täglichen Meldungen unserer Polar- und Meeresforscher von immer schnelleren Schmelzraten von Eis sowie die sichtbare Verwüstung der Erde – von den...

Planetares Theater

Er stand auf einem hohen Gerüst, diese zierliche, feine Person und dirigierte! Dirigierte mehrere Gruppen des Chors, die er mit Buchstaben belegte, von einem Teil der Bühne zu einem ­anderen, imaginäre Ziele absteckend. Die Kolleginnen und Kollegen schritten und rannten und trödelten und zögerten, von ­einem Punkt zum anderen, steckten die Köpfe zusammen und stoben wieder auseinander. Alles immer in einem absichtsvollen Gewusel. Trippelten und wandten sich, selbst in plötz­lichem Stand standen sie nicht stille, die Köpfe drehten, die ­Finger zeigten, aufgerissene Augen und Münder, irgendetwas war geschehen! Staunen und Furcht. Geschehen war: Harry Kupfer arbeitete mit dem Chor der Kölner Oper. Er stand hoch oben und hatte so einen höchst praktischen Ausblick und Überblick. Ich – ­Anfang der 1980er Jahre Chef vom Schauspiel von nebenan – war höchst beeindruckt von diesem Probenbesuch und lernte ganz schön. Wir kannten uns aus Frankfurt, er lobte unsere Nono-Aufführung, war zugeneigt und fröhlich, dieser Ossi aus Berlin. Er hatte früh mit diesem schwierigen Beruf angefangen, war eine ziemlich steile Treppe nach oben geklettert und saß bald auf dem Felsenstein-Thron in der Komischen Oper in Ostberlin: Chef­regisseur. Und das blieb er lange. Aber er verließ oft genug die Behrenstraße und wandelte durch die weite...

In Gedenken an den großen Opernregisseur Harry Kupfer

Für immer mit Harry

Wahrscheinlich wäre es schwer, einen Film über Merce Cunninghams Tanz zu machen, der ästhetisch nicht ansprechend wäre. Der US-amerikanische Tänzer und Choreograf lebte seit den vierziger Jahren in New York und formulierte mit seiner tänzerischen Begabung wie seinen Choreografien einen eigenen Stil zwischen Ballett und Modern Dance. Bedeutung gewann er darüber hinaus durch die langjährige Zusammenarbeit mit John Cage, der auch sein Lebenspartner war, und Robert Rauschenberg sowie durch die Gründung einer eigenen Kompanie im Jahr 1953. Der Film von Alla Kovgan, der derzeit in den Kinos zu sehen ist und Ende 2020 als DVD erscheinen soll, konzentriert sich vor allem auf die Jahre dieser Zusammenarbeit. Integriert werden – und dies ist ein großer Gewinn – einige neue Dokumente aus europäischen und US-amerikanischen Fernseharchiven: Probendokumente, Interviewpassagen, Bilder der gemeinsamen Tourneen sowie Ausschnitte originaler Choreografien. An einigen Stellen gelingt es dem Film, selbst mit der visuellen Ebene zu experimentieren. Eine zweite, entgegenlaufende Inten­tion nimmt jedoch bedauerlicherweise überhand: Dies ist das Vorhaben, mittels des Mediums Films und der 3-D-Technologie die Choreografien Cunninghams zu „bewahren“. Die historischen Dokumente der Stücke werden ergänzt durch Rekonstruktionen einiger seiner Choreografien durch heutige Tänzerinnen und Tänzer (einige davon noch von Cunningham selbst ausgebildet). Dabei verlässt der Film...

Der Film „Cunningham“ von Alla Kovgan über den US-amerikanischen Tänzer und Choreografen will Kunstfilm und Archiv zugleich sein – was nicht immer gelingt

Das Phantasma zeitloser Werke

Am Ende ist alles schwarz und weiß. Die aseptische Blässe von Krankenhausbetten und sterilen Nachthemden geht nahtlos über in die Uniformität schwarzer Anzüge und Kleider. Der Tod trägt die Farbe des Nichts. Zumindest hier in Europa. Umso seltsamer wirkt die Gruppe aus acht Personen, die sich zu Beginn von Sebastian Hartmanns „Lear / Die Politiker“ am Deutschen Theater in Berlin am rechten Bühnenrand versammelt hat. Mit ihren bunten Masken und eigenwillig geformten Kopfbedeckungen wirken sie in ihren bodenlangen, schillernden Gewändern wie just einem okkulten Karnevalsfest entsprungen. Doch was gibt es hier zu feiern? Tatsächlich den Tod. Die Sterblichkeit. Dies ruinierte Stück Natur. So deklamiert es, in Erwartung des Ablebens eines alten Mannes, in scharfem Ton der achtstimmige Chor. Armes, farbloses Europa. Seine Eintönigkeit, so sieht es die Kostümbildnerin Adriana Braga Peretzki, ist Ausdruck eines Verlustes, einer Trennung von Körper und Geist, Leben und Tod, Mensch und Natur. Wer meint, wenigstens einmal im Jahr im Karneval mit seiner Explosion aus Farben und Körpern alle Grenzen zu verwischen, begnügt sich lediglich mit den verkümmerten Resten dieses Phänomens. Für die gebürtige Brasilianerin hat der Karneval in seiner ursprünglichen Bedeutung eine spirituelle ­Dimension. Das lateinische „carne vale“ heißt übersetzt „Fleisch, lebe wohl“. Es ist...

Glamourös, poetisch, dämonisch – Kostüme von Adriana Braga Peretzki

Vorsicht Vogel

„Is my future all in the past“

El Hakawati heißt „der Geschichtenerzähler“ und ist der Name eines sehr erfolgreichen Theaters in Ost-Jerusalem, das im November 2019 sein 35-jähriges Bestehen feierte. François Gaspar, Gründer und Motor des El Hakawati, von Haus aus Franzose, beschloss frühzeitig, Palästinenser zu werden, und nannte sich fortan François Abu Salem. Der Schauspieler, Regisseur und Autor spielte bei Ariane Mnouchkine in Paris, inszenierte später in ganz Europa (u. a. an der Berliner Schaubühne), kehrte aber immer wieder nach Palästina zurück, um mit seiner Jerusalemer Gruppe zu arbeiten. El-­Hakawati-Produktionen tourten quer durch Europa und wurden begeistert aufgenommen. Sie waren auf verschmitzte Weise politisch, oft clownesk. Ich erinnere mich an „Im Namen des Vaters, der Mutter und des ­Sohnes“ 1979 beim Festival in Nancy: Es ging um die Landnahme, die mit grotesker Überdrehung und verzerrten Klischees ad absurdum geführt wurde. 1998 baute El Hakawati ein ausgebranntes Kino zu seiner Spielstätte um, nannte es Palästinensisches National­theater und machte es zu einem hoch angesehenen Kulturzentrum, in dem sie und andere Gruppen seither regelmäßig auftreten. François Abu Salem, der zunehmend an bipolaren Störungen litt, nahm sich 2011 das Leben, indem er vom Dach seines Hauses sprang. 2013 übernahm Amer Khalil die Intendanz des ­Nationaltheaters. Das internationale Festival, das Ende...

Das Palästinensische Nationaltheater El Hakawati in Ost-Jerusalem feiert mit einem Festival sein 35-jähriges Bestehen und gedenkt seines Gründers François Abu Salem

Schwere leichte Welt

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Aus einer Bodenluke dringt Rauch. Eine junge Frau steigt ihm hinterher, legt den Kopf schief und fragt ins Leere: „Liebst du mich? … Liebst du mich … Liebst / du / mich? … Du liebst mich doch / Du …“ Mittlerweile ist sie in eine Art Käfig getreten, um den in der Ulmer Spielstätte Podium die Zuschauer sitzen. Zwei Seiten des sechseckigen Trumms sind statt mit Metallgittern mit Gummistreben verspannt. Die geben nach, wenn sie (Marie Luisa Kerkhoff) oder er (Maurizio Micksch) sich dagegenlehnen. Und das müssen sie zuweilen, denn die Liebe, die sie hoch hinaus und bis in alle Ewigkeit zu tragen versprach, hat ihnen den Halt aufgekündigt. „Sprachlos die Katastrophe im Bereich der Liebe“ heißt der 2010 entstandene Bühnentext von Henriette Dushe. Die in Berlin lebende Autorin, deren preisgekrönte Stücke „In einem dichten Birkenwald, Nebel“ oder das ebenfalls in Ulm aufgeführte „Lupus in Fabula“ sich vornehmlich auf zwischenmenschliche Momente stürzen, denen verbal schwer beizukommen ist, hat hier das Ver­sagen der Sprache vor dem Gefühl ins Visier genommen. Sowie die Liebe als Seinsver­sicherung, die bröckelt, sobald die Eigen­arten des anderen aus dem Schatten der ersten Verliebtheit treten. Die Autorin hat den Text, der sich verschiedentlich an Roland Barthes’ „Fragmente...

Theater Ulm: „Sprachlos die Katastrophe im Bereich der Liebe“ (UA) von Henriette Dushe. Regie Jessica Sonia Cremer, Ausstattung Maike Häber

Ulm: Im Käfig der Worte

Eine Frau verschwindet, zwei Männer erobern die Welt, eine Dichterin hat Angst vor dem Alter. Das Förderprogramm für Neue Schweizer Dramatik Stück Labor hat in den vergangenen Monaten die Ergebnisse der elften Runde präsentiert. Die hier veröffentlichten Theatertexte von Thiemo Strutzenberger, Julia Haenni und Sarah Jane Moloney erzählen von der Vielfalt des szenischen Schreibens und der produktiven Interaktion mit der Regie. Denn als Hausautorinnen und -autoren am Theater Basel, dem Konzert Theater Bern und dem Poche/Gve in Genf treten die Schreibenden bereits früh in Kontakt mit ihren Regieteams. Ein Prozess, sagen sie, der sie beim Schreiben befreit. Thiemo Strutzenberger <a href="https://tdz.de/artikel/05e5dd65-0d67-4cf2-b2a3-347fe7a1ea6c">Zum Stück</a> | <a href="https://tdz.de/artikel/953f73ae-540d-439b-b31e-aed26dcfb732">Zum Interview</a> Julia Haenni <a href="https://tdz.de/artikel/d8c4737a-f419-4a8a-85fe-e7fbaf8b3fcd">Zum Stück</a> | <a href="https://tdz.de/artikel/28a9ffb3-ea82-40a9-a1f3-ea1790be28fb">Zum Interview</a> Sarah Jane Moloney <a href="https://tdz.de/artikel/1660c339-33d8-4039-876b-37b03e567e92">Zum Stück</a> | <a href="https://tdz.de/artikel/9e5243dd-e53a-429f-956d-e8c2df6c494c">Zum Interview</a> Stück Labor 2018/2019 Redaktion: Dorte Lena Eilers, Anja Nioduschewski, Heike Dürscheid. Mitarbeit: Lara Wenzel. Leiterin Stück Labor: Heike Dürscheid. Die hier abgedruckten Stücke wurden im Rahmen einer Medienpartnerschaft von Stück Labor und Theater der Zeit veröffentlicht.

Thiemo Strutzenberger – Julia Haenni – Sarah Jane Moloney

Antje Boetius, als Meeresbiologin und Direktorin des Alfred-Wegener-Instituts Bremerhaven sind Sie eine der gefragtesten Klima-Expertinnen derzeit. Sie erlangen durch Ihre Forschung Einblicke in die Natur, die andere nicht oder nur medial vermittelt erhalten. Was hat Ihnen dabei in jüngster Zeit die größte Angst bereitet? Was Hoffnung? Mich erschrecken die täglichen Meldungen unserer Polar- und Meeresforscher von immer schnelleren Schmelzraten von Eis sowie die sichtbare Verwüstung der Erde – von den brennenden Wäldern Australiens bis zur globalen Ausbleichung der Korallenriffe. All das zeigt, dass der Wandel schon da ist, viel schneller und extremer als angenommen. Die Zukunft holt die Gegenwart ein. Bei mir entsteht dann aber nicht Angst, sondern eher produktiver Ärger und ein gesunder Ehrgeiz, vorhandenes Wissen zu teilen, um weiterzukommen, die Blockaden zu lösen und den richtigen Pfad zu finden. Hoffnung macht mir derzeit das Engagement so vieler Menschen um mich herum, der neue Green Deal der EU, wie auch Anzeichen, dass China sich erhebliche Klimaziele ­gesteckt hat, denn darauf kommt es an. Kraft gibt mir Vernetzung, neue Partner im Denken und Wirken, Zusammenhalt, Gefühle, die ich derzeit vor allem bei Vorträgen und Lesungen erfahre. Angst und Hoffnung zu vermitteln, sagten Sie kürzlich in einem Interview auf <a href="http://www.nachtkritik.de" target="_blank">nachtkritik.de</a>,...

Die Direktorin des Alfred-Wegener-Instituts Bremerhaven Antje Boetius über das Theater des Anthropozän und einen neuen Vertrag zwischen Mensch und Natur im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

„The revolution is the extension of options“ Laurie Penny Mehrere Frauen1, viele. In Wohnungen in Ländern. Es regnet. Den ganzen Tag. Es wird viel genüsslich geraucht, wie in alten Schwarzweissfilmen, wo die Gefahr noch voller erhabener Möglichkeiten war. In dieser Wohnung beginnt ein neuer Tag. A Eine Frau mit einem grossen Joghurt-Becher in der Hand betritt eine Wohnung äh Bühne. Leise, vorsichtig, neugierig. Ob da jemand ist? Nach einer Weile stellt sie fest: Niemand da. Dann beginnt sie sich genauer umzuschauen. Sie wühlt, sie fühlt, sie riecht. Dann nimmt sie ein Blatt Papier aus der Tasche und beginnt zu notieren, zu skizzieren. Die Frau: Okay, man kommt rein, Altbau, ziemlich typisch für diese Stadt. Es riecht etwas abgestanden, schon ne Weile nicht gelüftet worden. Zwischen den abgestandenen Luftpartikeln, die in der Morgensonne flimmern, hängt der Rest eines nach Baumstämmen riechenden Shampoos. Ich kenne diesen Duft, dachte die Frau. Supermarkt. ٩٥ Rappen. Riecht aber wie das teure Shampoo vom hippen Kosmetikladen, in den neuerdings alle ihr Freizeitgeld investieren. Vom Flur direkt rechts das Schlafzimmer, einfaches Doppelbett aus Holz, blaue Bettwäsche aus Baumwolle, daneben eine Kommode aus den 70ern, nichts Spezielles, die übliche unordent­liche Ordnung. Diverse Jeans liegen herum, ein...

frau verschwindet (versionen)

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Vor sechs Jahren schrieb ich für Theater der Zeit zwei Artikel über meine Welt-Klima-Theater-Recherche-Reise (TdZ 01/2014 und 03/2014), auf der ich untersuchte, wie Theaterschaffende in Südostasien und Südamerika sich mit dem Klimawandel und seinen Folgen in ihren Produktionen auseinandersetzen. Bevor ich losfuhr, hieß es vielerorts, dass dies weltweit kein Thema für das Thea­ter und zu untheatral sei, sowie einen rein eurozentristischen Blick be­inhalte. Ich selbst durfte zuvor das von der Kulturstiftung des Bundes geförderte Festival „ODYSSEE : KLIMA“ veranstalten, bei dem Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler mit Theaterschaffenden während eines Klima-Parcours an verschiedenen ­Stationen der Stadt zusammenarbeiteten. Deutschlandweit war dieses Thema bis vor Kurzem fast ausschließlich im Kinder- und Jugendtheater verankert, einzelne Produktionen fanden sich auch im Abendspielplan an den Stadttheatern oder in der freien Szene. Während der Recherchereise zeigte sich hingegen, dass in jenen Ländern, in denen der Klimawandel existenzielle Auswirkungen auf das Leben der Menschen hat, dies das Hauptthema der Theaterproduktionen war. Diese „Klima“-Stücke basieren oft auf realen Konflikten, die mit Fiktivem künstlerisch verdichtet und drama­tisiert werden, Autorinnen und Autoren aktualisieren zudem ­mythologische Geschichten auf Basis der veränderten Lebens­bedingungen, zum Teil berichten Betroffene von ihrem Leben. Auch hier zeigte sich: Das Theater ist weltweit Verhandlungsort akuter Probleme einer Gesellschaft,...

Wie die Theater sich zum anthropogenen Klimawandel ins Verhältnis setzen

Schauen wir noch oder handeln wir schon?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Autoren Februar 2020 / Vorschau

Es ist noch etwas geblieben vom morbiden Charme der Gründerzeit des Dresdner Projekttheaters. Die Tordurchfahrt auf der Louisenstraße führt in den Innenhof der typischen Blockrandbebauung mit der heute noch als solche erkennbaren ehemaligen Werkhalle des VEB Metallwaren. Die war im Juli 1989 schon verlassen, als sich eine Gruppe spielfreudiger Typen unter dem Namen theaterbrigade der Halbruine bemächtigen wollte. Hundert Jahre nach der Gründerzeit, als die Äußere Neustadt entstand. Die DDR und die Stadtverwaltung ­hatten hier vor der Sanierungsaufgabe kapituliert, das Viertel war für den Abriss vorgesehen. In diesem Biotop für Künstler, Lebenskünstler und Subkulturelle wurde noch in der Agonie der DDR die „Bunte Republik Neustadt“ geboren und eben auch ein Projekt wie das Projekttheater. Bis heute zehrt der Stadtteil von diesem Szene-Image, obschon die Gentrifizierung achtzig Prozent seiner „Ureinwohner“ vertrieben hat. Immerhin wählt die Neustadt nach wie vor überwiegend links und grün. In diesem inzwischen durchkommerzialisierten Viertel ist das Projekttheater tatsächlich so etwas wie ein „Kulturschutzgebiet“, als das es sich augenzwinkernd inzwischen selbst apostrophiert. Der entscheidende Schritt dahin jährt sich nun zum dreißigsten Mal. Das Stadtbezirkskabinett für Kulturarbeit lehnte in der Noch-DDR den Antrag der theater­brigade ab, die ehemaligen Betriebsräume für Theaterzwecke anzumieten. Doch die Enthusiasten nutzten am 16. Februar...

Das noch in der DDR-Agonie entstandene Projekttheater wird im Februar dreißig Jahre alt

Dresdens erstes Off-Theater ist weiterhin in

Unter Beobachtung

Frauen stehen auf Shakespeares Personenzetteln ganz unten. Im ersten der drei Teile von „Heinrich VI.“ folgen auf zwei Dutzend Männerrollen drei weibliche Figuren, darunter Jeanne d’Arc (genannt „La Pucelle“, „das Flöhchen“) sowie Margaretha, Tochter des Herzogs von Anjou, zugleich Titularkönig von ­Neapel. Heinrich ist der Sohn des ruhm­reichen Heinrich V., der in Frankreich viele Schlachten gewonnen hat; mit dessen Tod beginnt Shakespeares Trilogie, ein Jugendwerk von 250 Seiten, die der Flame Tom ­Lanoye auf einen kompakten dreistündigen Theaterabend eingedampft hat. Heinrich VI. ist ein schwacher Potentat, der mitten auf dem Schlachtfeld traurig darüber räsoniert, wie der Sand durchs Stundenglas rinnt; der schon drauf und dran ist, freiwillig auf die Krone zu verzichten – würde seine Frau Margaretha (übrigens keine Italienerin, wie der geschlechtergerechte Titel suggeriert) ihn nicht daran hindern. Sie ist ihm zwar nicht intellektuell, aber mental überlegen – aus diesem Grund erhebt Lanoye in seiner vieles vereinfachenden Überschreibung sie zur zweiten Titelfigur. Weiber sollten „sanft, mild, mitleidsvoll und biegsam“ sein, findet Heinrichs ­Gegenspieler York (der ebenso gute Rechte auf den Thron hat wie der aktuelle Amtsinhaber); keine Spur davon in Sonja Beißwengers bis­siger Interpretation der Figur: Eher schon ist diese Frau „ein Tigerherz, in Weiberhaut gesteckt“. Die Crux ist...

Düsseldorfer Schauspielhaus: „Henry VI & Margaretha di Napoli“ nach William Shakespeare von Tom Lanoye. Regie David Bösch, Bühne Patrick Bannwart, Kostüme Falko Herold

Düsseldorf: Tigerherz in Weiberhaut

Nach dem Abitur, als Gesa Geue noch nicht wusste, was sie werden wollte, absolvierte sie erst einmal ein Freiwilliges Soziales Jahr in Ungarn. Später studiert sie ein paar Semester Literaturwissenschaft, Anglistik und Kunstwissenschaft und kommt über den Jugendclub des Maxim Gorki Thea­ters in Berlin, damals unter der Intendanz von Armin Petras, zur Schauspielerei, studiert schließlich an der Hamburger Hochschule für Musik und Theater. Ihr erstes Engagement führt sie ans Mainzer Staats­theater. Seit der Spielzeit 2016/17 ist sie Ensemblemitglied, und seit Mitte November steht sie dort im Großen Haus im Weihnachtsstück als Ronja Räubertochter auf der Bühne. 45 Vorstellungen, nicht selten zweimal am Tag. Gesa Geue bereitet das viel Spaß, auch weil sie die neunzig Minuten quasi durchspielt. „Das ist mir viel lieber, als zwanzig Minuten auf der Seitenbühne zu sitzen.“ Dass sie nach „Drei Haselnüsse für Aschenbrödel“ im Jahr 2016 ­wieder die Hauptrolle im Weihnachtsstück spielt, liegt auch an ihrer kindlichen Erscheinung: klein, jugendlich, dezent sommer­sprossig, rote Locken. Die Peinlichkeit, die Erwachsene, die Kinder mimen, stets umweht, bleibt Gesa Geue so erspart. Ein kindliches Ungestüm versprüht sie oft auf der Bühne, so auch als kindsköpfige Lena in K. D. Schmidts Version von Büchners „Leonce und Lena“. Engelhaftigkeit und Erdverbundenheit paaren...

Die Mainzer Schauspielerin Gesa Geue trumpft mit natürlicher Präsenz und Geradeheraus-Spiel auf

Engelhaft und erdverbunden

Auf der Bühne hab’ ich meine Ruh’“, sagt Julia Gräfner. Das ist ein bemerkenswerter Satz für eine dreißigjährige Schauspielerin. Soll man – zumal am Beginn der Laufbahn – nicht ständig Tatendrang und Produktivität signalisieren und die Bereitschaft zur Verausgabung? Ja, klar. All das ist ­Julia Gräfner nicht fremd. Sie ist voller Tatendrang und gehört am Schauspielhaus Graz seit 2015 zu den produktivsten Spielerinnen. Im Idealfall aber entsteht beim „Darstellen“ eben jene bestechende Ruhe, die nur möglich wird, wenn man über sich und das eigene Spiel große Klarheit erlangt hat. Sie erklärt es so: „Diese Ruhe bedeutet für mich, im Spiel einen Punkt von maximaler Freiheit zu erreichen, an dem das Spielen fast zu einer Meditation wird, weil es daneben im Moment nichts anderes gibt als die totale Konzentration.“ Das macht die Präsenz von Julia Gräfner aus. Egal ob sie extrovertierte Machofiguren – wie etwa den Debuisson in „Dantons Tod“ – spielt oder gebeutelte Subjekte wie Shakespeares Julia. Nach Abschluss ihres Schauspielstudiums 2015 in Bern ging Gräfner nach Graz. Sie folgte Intendantin Iris Laufenberg in die steirische Landeshauptstadt, wo sie am Schauspielhaus bisher ein breites Spektrum an Rollen übernahm. Sie spielte eine knallige Dorine in „Tartuffe“, die lesbische Edel-Detektivin Hyäne in...

Die Grazer Schauspielerin Julia Gräfner sucht und findet die Ruhe in der Darstellung

Spielen bis zur Meditation

So ein ruhiger Anfang ist selten. Der Popsong, der nach den Wünschen Ivana Sajkos die Aufführung eröffnen soll, entfällt. Stattdessen herrscht bewegungslose Stille auf der schmucken brechtbühne des Staatstheaters Augsburg. Sechs Schauspieler – drei männlich, drei weiblich – halten die Luft an. Über ihnen: eine eindrucksvolle Wolke aus Gly­zi­nienzweigen, in der ein Reifrock hängt. Unter ihnen spielen Schatten auf fransig verlegten Dielen. Plötzlich lässt eine Schauspielerin einen Arm pendeln, und ein kniender Kollege antwortet mit einem Zucken. Die Fi­guren erwachen aus dem Bild, um sich den ersten Monolog zu teilen. In Sajkos „Bovary, ein Fall von Schwärmerei“ ist er Justin zugeschrieben, den die kroatische Autorin in ihrer Flaubert-„Cover-Version“ als Haupterzähler installiert. Der im Roman unauffällig omnipräsente Gehilfe des Apothekers ist eine von sieben Personen, deren Stimmen sie in die Gegenwart herüberhallen lässt, wenn auch auf unterschiedliche Sprecher verteilt. Unter diesen Stimmen natürlich auch die von Emma, ihrem Mann und ihren beiden Geliebten. Sie alle lässt ­Sajko das tun, was Flaubert tunlichst vermeidet: Sie philosophieren und stellen Meta-Betrachtungen über ihre Rollen an. Hie und da wird etwas Romanhandlung aufgepickt, die jedoch mehr oder weniger nur als Vehikel dient, um die Konsum- und Liebessucht der Titelfigur als universal zu behaupten. Ob wir...

Staatstheater Augsburg: „Bovary, ein Fall von Schwärmerei“ (DSE) von Ivana Sajko. Regie Nicole Schneiderbauer, Ausstattung Miriam Busch

Augsburg: Schwarmwesen unter Glyzinien

Wohin mit den performativen Künsten? Diese Frage müssen sich Städte, in denen es ­Ausbildungs- und Spielstätten, eine Aufführungstradition sowie ein Fach- und Fan-Publikum gibt, nicht stellen. In Bremen indes, wo das Stadttheater der unangefochtene Platzhirsch bühnenkünstlerischer Angebote ist, gibt es all dies nicht. Zwar biete auch das Theater Bremen unter Michael Börgerding Abstecher in die performing arts, aber eben „nur“ Abstecher. Aus diesem Grund sollte die 2003 eröffnete Schwankhalle zu einer Art Klein-Kampnagel mit überregionaler Strahlkraft ausgebaut werden. Mit diesem Ziel ­wurde Pirkko Husemann, von 2008 bis 2012 Tanzkuratorin am Berliner HAU, im Jahr 2015 zur neuen Leiterin gekürt. Sie holte Promis der Performance-Szene nach Bremen – und fast kein Schwein guckte zu. Durchschnittlich blieben annähernd zwei Drittel aller ­Plätze leer. Alarmstimmung auch in der Kulturbehörde und Aufregung in der freien Szene vor Ort, die sich ihrer Spielstätte beraubt sah. Husemann stand zwölf Monate nach Dienstbeginn bereits auf wackligem Boden – und justierte nach. In der zweiten Saison 2016/17 waren mehr als zwei Drittel aller Plätze besetzt. 9358 Zuschauer seien zu 154 Veranstaltungen gekommen, diese Zahlen seien seither stabil, so Husemann. Dennoch verlässt die Chefin in diesem Sommer das Haus. Einerseits aus privaten Gründen, ihre Familie wohnt in Brandenburg, andererseits...

Cordelia Wege

Assoziationen

Theater der Zeit 01/2012

Kunst und Klima

Wendungen

Das Drama des Anthropozäns

Neuerscheinungen im Verlag