Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Auf Messers Schneide bewegt sich die jüdische Medizinerin Ruth Wolff in einem aussichtslosen Fall. Sie verweigert einem katholischen Priester, ein junges Mädchen auf dem letzten Weg zu begleiten. Die letzte Ölung würden die junge Frau zu sehr aufwühlen. Denn diese weiß noch nicht, dass sie sterben wird. Dieser Konflikt ist die Triebfeder von Robert Ickes Stück „Die Ärztin“. Sehr frei hat der britische Dramatiker Arthur Schnitzlers Drama „Professor Bernhardi“ überschrieben, das im Jahr 1912 am Kleinen Theater in Berlin uraufgeführt wurde. Am Theater Konstanz sucht Regisseurin Franziska Autzen die Menschen hinter den ethischen Debatten, die der Theaterautor und Regisseur verhandeln lässt. Im August 2019 wurde Ickes Stück am Almeida Theater in London uraufgeführt. Der Konflikt vor der Tür eines Krankenzimmers löst einen Skandal aus, der weite Kreise zieht. Bühnenbildnerin Ute Radler hat einen Raum geschaffen, der Assoziationen zulässt. Der Raum, den sie mit Quadern klar strukturiert, lässt sich vom Flur eines Krankenhauses in einen Gerichtssaal verwandeln. Der persönliche Fall, der sich in einer privaten Klinik abspielt, wird zum gesellschaftlichen Tribunal. In diesen Mühlen wird die Ärztin Ruth Wolff zermahlen. Sie hat für die Alzheimer-Forschung Großes geleistet, wird in der Fachwelt anerkannt.. Im Streit mit dem Priester wird sie garstig. Der...

„Die Ärztin“ von Robert Icke sehr frei nach „Professor Bernhardi“ von Arthur Schnitzler – Regie Franziska Autzen, Bühne Ute Radler, Kostüme Benjamin Burgunder, Musik Chris Lüers

Theater Konstanz: Politischer Showdown am Sterbebett

Am 7. Oktober griff die Hamas Israel an, mit mehr als eintausenddreihundert toten Israelis und etwa zweihundert nach Gaza Entführten. Ein paar Tage später, ab dem 10. Oktober, begann eine Diskussion darüber, ob die deutsche Kultur gar nicht oder zu spät und unangemessen verhalten reagiert. Der Musikjournalist Jens Balzer sprach mit Blick auf die Clubszene von „dröhnendem Schweigen“. Auch in den Theatern suchte man – online oder an den Fassaden – Stellungnahmen, visuelle Solidaritätsbekundungen, ja, auch deutliche Stimmen von Einzelnen. Der polnisch-jüdische Regisseur Wojtek Klemm, der gerade am Volkstheater Rostock arbeitet, empörte sich in diesem Moment auf facebook: „Friedensaktivisten, die aktiv gegen Ungerechtigkeit dieser Welt kämpfen, schweigen. – Juden sind, wiedermal, allein“. Inzwischen haben sich viele Häuser dem Statement des Deutschen Bühnenvereins zum Terrorangriff auf Israel (vom 10. Oktober) angeschlossen und dieses weiter veröffentlicht oder wie die Münchner Kammerspiele und das Thalia Theater Hamburg auf ihrer Website ein eigenes Statement formuliert. Von „dröhnendem Schweigen“ muss also nicht die Rede sein. Aber was ist es dann? Vorsicht und Vorbehalte, Abwägen der Kriegslogik? Während zwei wegen Antisemitismus umstrittene Kuratoren der letzten documenta, die in Hamburg mit Gastprofessuren nobilitiert wurden, ungestraft die palästinensischen Jubel-Demos in Berlin likten. Da braucht es doch mehr und...

Editorial

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Das Festival der Freien Hörkunstszene fand dieses Jahr mit dem Titel „Am Limit“ unter nachdenklich stimmenden Vorzeichen statt. Der Senat war nicht mehr bereit, die Fördermittel für die übliche Dauer von vier Tagen mit zahlreichen Formaten, Gesprächsrunden und Attraktionen zur Verfügung zu stellen. Daher musste das gesamte Festivalprogramm auf einen Tag zurechtgestutzt werden. Immerhin sei das Hörspielfestival 2024 und der folgenden Jahre in vollem Umfang gesichert, ließ Jochen Meißner, der zusammen mit Andreja Andrisević das Festival leitet, zu Beginn der Podiumsdiskussion „Hörspiel oder soll man es lassen?“ wissen. In der Diskussion wurde klar, dass sich die Hörspielszene in einer prekären Lage befindet. Das wurde schon während der Veranstaltung der Akademie der Künste am Pariser Platz mit ARD-Intendant Kai Gniffke vom 22.8. deutlich. Der Unterton: Das Hörspiel sei am Ende, unrentabel und die bisherigen Formate nicht mehr niederschwellig genug für ein breites modernes Publikum. Daher müsse umstrukturiert werden. Angeblich gehe es dabei nicht um Einsparungen, sondern, wie Gniffke es ausdrückt, „Umverteilungen“. Die Argumentation, das Hörspiel müsse mehrheitsfähiger werden und mehr Menschen erreichen, ist für viele Kreative ein rotes Tuch. Die Frage steht im Raum, ob anspruchsvolle Hörspielproduktionen im Rundfunk zum reinen Hobby werden. So wird zum Beispiel die Reihe „Wurfsendung“ im...

Das Hörspielfestival an der Berliner Akademie der Künste kämpft für den Erhalt der Gattung

Die Virtuosität der erzwungenen Kurzform

Im September eröffnete die „Orestie“-Inszenierung von Eirik Stubø das Fosse-Festival am Det Norske Teatret, dem großen Theater Norwegens, an dem viele Aufführungen in der Variante des Norwegischen gespielt werden, in der Fosse schreibt. Nynorsk wurde, anders als der Name „Neunorwegisch“ vermuten lässt, Mitte des 19. Jahrhunderts aus alten Dialekten regelhaft gebildet und wirkt daher etwas Archaischer als das sehr viel mehr verbreitete bokmal. Für eine Neuübersetzung der „Orestie“ von Aischylos, die das Theater in der Intendanz von Erik Ulfsby bei Fosse in Auftrag gab, dürfte das zur Konzeption gehört haben. Die Übersetzung des am 5. Oktober mit dem Literaturnobelpreis gekürten Autors folgt nicht den langen, schwer wirkenden Hexametern des Originals, sondern Fosses eigenen Stilprinzipien: Verknappung, ruhiger Ton und eine zwischen allen Zeiten schwebende Sprache für Figuren, die aus dem Antiken ins Heute rücken. Eirik Stubø hat die Trilogie über den Fluch der Atriden-Familie nach dem Ende des Trojanischen Kriegs in einem Stil inszeniert, den man als nordischen Minimalismus bezeichnen könnte, was freilich zu Fosse fast wie ein Label passt. Und darüber hinaus darauf verweist, dass Fosses eigene Stücke mit ihren unergründlichen Geschichten von Schuld und Versagen selbst eine Dimension der antiken Tragödie haben. Das Diktum der Stockholmer Akademie vom „den...

Am Det Norske Teatret wurde Jon Fosses Version der „Orestie“ kurz vor der Bekanntgabe des Literaturnobelpreises uraufgeführt

Aischylos in Oslo

„Faire Honorare!”, „Faire Verträge!” und „Innovatives Theater!” – das neue Reformpaket des Szenografie-Bunds fordert maßgebliche Veränderungen

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Freddy Krueger und Chucky, die Mörderpuppe

Eine Frau zwischen Koffer und Reisetasche, bereit zum Aufbruch: „Ich bin jetzt 32 Jahre alt“. So dringlich wie eindringlich erklärt sie, all ihre Möglichkeiten und Fähigkeiten ausreizen zu wollen. „Ich möchte alles versucht haben“. Das ist Rocklady Tamara Danz, Frontfrau der Band Silly, gestorben mit 43, verdreifacht für den jüngst uraufgeführten kraftvollen Meininger Theater-Konzert-Abend „Asyl im Paradies“: hier die blutjunge Emma Suthe als die Kesse, dort die Mittvierzigerin Ulrike Knobloch als die Lebenstrotzige. Und dazwischen: Miriam Haltmeier als die Rebellische. Diese Tamara packt ihre Sachen – oder droht zumindest damit: Ausreiseantrag in der DDR, weil man ihre Band nicht im Westen auftreten lässt; sie wird dann doch bleiben, nachdem die Staatsführung ihre Zügel lockert. Ein Vierteljahr vor der Premiere sagt Haltmeier Ähnliches über sich selbst: „Ich bin jetzt 32 und habe noch ein paar andere Dinge, die mich extrem interessieren. Es ist die richtige Zeit, sie auszuprobieren“. Ihre Tamara ist deshalb eine Gastrolle an jenem Haus einer kleinen, aber „total offenen, einladenden Theaterstadt“, dem sie zwei Spielzeiten lang gerne angehörte. Sie verlässt es mit Lust, nicht aus Frust – sich des Risikos bewusst: „Mich kostet es totalen Mut, da rauszugehen“. Die Schauspielerin aus München nimmt den Faden auf, den sie...

Mit Lust, ohne Frust verlässt Schauspielerin Miriam Haltmeier für die Freie Szene das Staatstheater Meiningen

Auf der Suche nach der eigenen Kunstsprache

Barbara Frey ist konsequent. Auch im dritten und letzten Jahr ihrer Intendanz bei der Ruhrtriennale bleibt sie ihrer Linie treu. Ihr Blick auf die Gegenwart ist unerbittlich. Wer in ihrem Programm so etwas wie Trost, Schönheit oder sogar Heiterkeit sucht, findet sie höchstens in den musikalischen Projekten. Sie hat schon in der ersten Spielzeit die Beschäftigung mit den „Geistern“ als roten Faden benannt. Und ist nun fast völlig im Schattenreich angekommen. Drei Stücke hat Barbara Frey bei der Ruhrtriennale inszeniert. Sie bilden so etwas wie eine Geistertrilogie. Schon mit Edgar Allan Poes „Untergang des Hauses Usher“ hat sie sich mit der Angst beschäftigt, dem lähmenden Entsetzen. Und Ähnliches auch in Arthur Schnitzlers Stück „Das weite Land“ gefunden. Dazu kam noch das umjubelte Nina-Hoss-Solo „Aufzeichnungen aus dem Kellerloch“ von Dostojewski, eine ideale Ergänzung zur aufwändigsten Premiere dieses Jahres, der Oper „Aus einem Totenhaus“. Doch bleiben wir zunächst bei Barbara Frey. Ihre große Inszenierung diesmal – wieder in Zusammenarbeit mit dem Wiener Burgtheater – war William Shakespeares „Sommernachtstraum“. Das Bühnenbild zeigt einen hässlichen Bungalow. Hinter blassgrauen Vorhängen bewegen sich Gestalten, eine junge Frau liegt schlafend auf dem Boden. Alle sprechen gedämpft, leise, auch die Liebespaare wirken bedrückt und ängstlich. Dann fliehen vier...

Die Ruhrtriennale schwimmt auf der Modewelle des apokalyptischen Theaters

Lebenszeichen aus dem Totenhaus

Von Schulterschlüssen und Zirkusküssen

Warum sollte man über einen Absolventen schreiben, der sich gerade erst in sein erstes Engagement aufmacht? Weil er in besonderem Maße sowohl die Mühen der Ebene als auch die Besonderheiten der Berner Ausbildung nutzte, um seinem gesunden Selbstbewusstsein einen fetten Humus aus handwerklichem Können und individueller Ausdruckskraft zu verpassen. Er gehört zweifellos zu den Hoffnungsträgern seiner Generation, die aufgebrochen sind, um dem Theater ihren eigenen unverwechselbaren Stempel zu verpassen. So setzte er dann auch zum Abschluss seines Studiums ein starkes Zeichen, das daran keinen Zweifel ließ. Dafür suchte er sich außerhalb der regulären Studienaufgaben einen Partner, der ihn erschöpfen konnte, der ihm zu einem unbequemen Freund und Verbündeten wurde, der von ihm forderte: „Lass dich bis zum Fuß herab zerspalten, nicht aber wanke in dir selber mehr!“. Er ließ sich diese Aufgabe von Heinrich von Kleist stellen. Dumke braucht es, sich „reinzufleischen“, diesen Zustand von Erschöpfung. „Da öffnen sich die Poren“, sagt der Handballer in ihm. „Das Spiel beginnt und ich bin kalt. Wenn die Erschöpfung einsetzt, wird es zur reinen Lust, in diese Erschöpfung reinzugehen, jeden Zweikampf zu suchen und auf Biegen und Brechen irgendwie an dieses Tor zu kommen“. Parallelen zum Studium drängen sich für ihn auf: „Es...

Jonas Dumke ist auf dem Sprung aus der Hochschule der Künste Bern nach Aachen

Wer bist du, wenn du spielst?

Als Autor sind Sie gleichermaßen erfolgreich wie als Regisseur. Dabei reizt Sie gerade die Arbeit mit anderen Autor:innen. Aktuell inszenieren Sie „Hänsel &amp; Greta &amp; the big bad Witch“ am E.T.A. Hoffmann Theater Bamberg. Den Text hat Kim de l’Horizon geschrieben. Wie klappt es im spezialisierten Theaterbetrieb, diese Doppelbegabung zu entwickeln? Wilke Weermann: Tatsächlich habe ich den Eindruck, dass ich in meiner Doppelfunktion die Theater meistens glücklich mache. Vielleicht ist das so ein Ding wie mit den Bühnen- und Kostümbildner:innen und sie sparen heimlich ein bisschen Gage dadurch ein? Grundsätzlich erlebe ich viel Wertschätzung für meine Arbeit. Zu Beginn ist es viel so, dass man in einer der beiden Disziplinen misstrauisch beäugt wird. Gute Autor:innen müssen verkopft Regie führen; schreibende Regisseur:innen produzieren nichts von literarischer Qualität. Wie es scheint, werde ich aber in beiden Fällen ernst genommen. Außerdem bereichert mich die Abwechslung: Mal schreibe und inszeniere ich – das ist meine liebste Variante, aber bedeutet auch, dass ich viel aus mir heraus zu erzählen haben will –, mal arbeite ich an Stücken anderer oder schreibe für andere Regisseur:innen. Das Theater der Millennials öffnet sich der Digitalität im Theater. Digitale Dramaturgie war schon im Studium Ihr Thema. In Mannheim waren Sie...

Der Regisseur und Autor Wilke Weermann über Möglichkeiten der Digitaldramatik und Themen seiner Generation im Gespräch mit Elisabeth Maier

Freiheiten keinesfalls ungenutzt lassen

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Beim Schritt durch den Eingang folgt die erste Überraschung: Hier wird der:die Besucher:in nicht, wie erwartet, sogleich Teil einer Performance. Aber an zwei nackten Performer:innen vorbei, einer Frau und einem Mann, die jeweils auf einer Seite einer Tür postiert sind, und dabei kaum Raum für den Durchgang lassen, hindurch manövrieren zu müssen, das ist gleich die erste Herausforderung. Die Entscheidung der:s Besucher:in beim Werk „Imponderabilia“, das Marina Abramovic im Original in 1977 mit ihrem damaligen Partner Ulay (verstorben in 2020) aufgeführt hat, besteht darin, zu entscheiden, in wessen Richtung, sie:er sich wendet, um es seitwärts durch die schmale Passage zu schaffen. Statt dieser Reperformance prangt der:m Besucher:in von Abramovic´ s großer Retrospektive in London zunächst einmal in roten Großbuchstaben das Motto „Der Geist verbrennt nicht, ganz gleich in welcher Kondition (The Spirit in any condition does not burn)“ entgegen. Die Ausstellung an der Royal Academy of Arts dokumentiert das bereits mehr als fünfzig-jährige Schaffen der aus Belgrad stammenden Performance-Pionierin. Mit vier live Reperformances, realisiert im Wechsel von 38 Künstlerinnen und Künstlern, versetzt die groß angelegte Schau ihre Werke aus der Vergangenheit in einen Dialog mit der Gegenwart. In einem Gespräch, das Kurator Andrea Tarsia mit Abramovic zur Ausstellung führt, kommt...

Kunstinsert: Junge Reperformer:innen treffen in London auf Marina Abramovic

Das Unbehagen fest umklammert

Der Materialergründer

Es beginnt mit einem feuerroten Drachenrachen voll spitzer Zähne. Rauchschwaden steigen aus ihm auf, und pralle Plastiksäcke in Menschengröße werden in ihn hineingeworfen. Dann schließt sich der Bühnenrand mit der oberen Zahnreihe – der Schlund hat seine Opfer verschlungen. Im Grunde ist alles ganz einfach aus Holz, Licht und Kunstnebel gemacht, den üblichen Theaterzutaten. Aber es hat die Wirkung von einem special effect für den Anfang von „Drache“, dem immer noch berühmten Stück von Jewgeni Schwarz, das als wirkungsvolle Diktaturparabel in die Theatergeschichte eingegangen ist. Vor allem in die der DDR, wo „Der Drache“ von 1965 bis 1980 am Deutschen Theater in Berlin in der Inszenierung von Benno Besson einige hundert Mal aufgeführt wurde und es mit Gastspielen auf insgesamt fünfhundertachtzig Aufführungen brachte. Aber um eine Legendenbeschwörung geht es mit diesem Auftakt nicht. Mareike Mikat, geboren 1978 in Frankfurt/Oder, hat die „Märchenkomödie“, wie es vom Autor im Untertitel heißt, so frisch erschlossen, als wäre es für unsere Zeit gerade geschrieben worden. Mit manchmal verblüffend verstörenden Assoziationen. Die Befreiung von der Drachenherrschaft, die das Volk schon so lange erträgt, dass es den Herrscher für seinen Beschützer hält, ist da nur der Anfang einer Untersuchung, wie sich Menschen im Wandel der Macht...

Der Start des Leitungsduos Mille Maria Dalsgaard und Mareike Mikat am neuen theater Halle

Räume ins Reale öffnen

To try, to fail, to try again

Kompositionsprinzip Collage

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Soeben haben wir die Nachricht erhalten, dass die Brände zwischen Hagen und Wuppertal gelöscht wurden, der vorliegende Streckenabschnitt ist also wieder frei, sodass wir unsere Fahrt ungestört fortführen können. Wir haben die Nachricht erhalten, dass der vorliegende Streckenabschnitt geräumt wurde, es befinden sich keine Personen mehr auf dem Gleis, sodass wir unsere Fahrt ungehindert fortsetzen können. Inzwischen wurde auch der Notarzteinsatz beendet, sodass unserer Fahrt nichts mehr im Wege steht. Es handelt sich um Wildtiere. Es handelt sich um eine Signalstörung. Ein Problem mit einer Weiche. Ein voranfahrender Zug. Gleisarbeiten. Ein notärztlicher Einsatz. Aber das ist alles Vergangenheit. Wir können jetzt endlich weiter. Schuld war ein Polizeieinsatz. Grund dafür war eine Störung am Triebkopf, die wir beheben mussten, bevor wir unsere Fahrt jetzt gleich weiter fortsetzen können. Oder eine Weichenstörung, ein kurzfristiger Personenausfall, das vor allem. Der Krankenstand steigt ja hier wie anderswo. Ausfälle, wohin man blickt. In Krankenhäusern, Schulen, im Gastgewerbe. Nur die Bühnen sind noch nicht leergefegt. Das ist die gute Nachricht. Der Theaterbetrieb funktioniert noch. Heißt es. Und die zoomdurchsetzten Proben liegen weitgehend hinter uns. Noch einmal ein kurzes Update zu unserer Störung: Sie konnte behoben werden, wir warten noch auf die Freigabe des vor uns liegenden...

Hier schreiben unsere Kolumnist:innen, die Schriftstellerinnen Jenny Erpenbeck und Kathrin Röggla und der Schauspieler Burghart Klaußner, monatlich im Wechsel.

Die Kolumne mit nichts als guten Nachrichten oder Realsatire

„Die Zukünftige“ trägt einen programmatischen Titel. Im Text selbst möchte Em zeigen, dass „die Konsequenz / einer vorgestellten / in einer Zukunft liegenden Katastrophe / auf die Gegenwart und somit / unsere Vergangenheit zurückwirkt“, also die Vorstellung der Zeit als linear verlaufend, aufheben. Wie verfährst du im Text mit Zeit? Svenja Viola Bungarten: Für mich ist das Element des Träumens quasi das Scharnier, über das Zeitlichkeit verhandelt wird. Träumen hat die Funktion, unser Gedächtnis zu trainieren und eigentlich erst Vergangenheit in unserem Bewusstsein zu produzieren. Und da es im Text auch um Vorstellbarkeit geht, musste es für mich zunächst um Erinnerung gehen. Was ist Vergangenheit? Worauf baut man denkbare narrative Strukturen auf und was haben die mit der Vorstellung einer Zukunft zu tun? Also inwiefern überlagert sich eigentlich die Fähigkeit, sich zu erinnern, mit der Fähigkeit, zu träumen und dann wiederum mit der Fähigkeit, eine Voraussicht oder eine Art von Vorhersage für die Zukunft zu treffen? Es gibt eine Theorie der Zeit, die Blockzeit heißt. Da geht es darum, dass Zeit kein Fluss ist, der in eine Richtung fließt, sondern eher mit einer Karte gleichzusetzen ist, auf der man sich orientieren kann. Eine gedankliche Übung dazu ist, unsere Perspektive einer...

Svenja Viola Bungarten über „Die Zukünftige“, produktive Fehler, Zeit als Konzept und das Potenzial von Märchenmotiven im Gespräch mit Nathalie Eckstein

Im Angesicht der Alternativlosigkeit

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

„Die Zeiten fester Ensembles sind vorbei“, sagt Milo Rau und kritisiert „eine monolithische Vorstellung von künstlerischer Exzellenz“. Das Stadttheater gehöre „als Institution allen Menschen der Stadt“ und so, als „inklusiver Ort für alle“, sei es in seinen Anfängen auch gemeint gewesen, bevor es „wieder zu einem Ort für die Eliten“ geworden sei. In der Theaterwelt lebe immer noch „eine akademische Schauspieltradition“ weiter, „die zu einem vergangenen bourgeoisen Zeitalter gehört“. Im Übrigen findet er, „dass der Prozess wichtiger ist als die Premiere“, weshalb das Publikum nicht erst zum Endprodukt geladen werden darf. Und Kunst nur um der Kunst willen interessiert ihn sowieso nicht. Das sind ein paar Schlaglichter auf die erhellendsten 115 von insgesamt dreihundertachtzig ja auch sonst immer sehr klugen, belesenen, reflektierten und pointierten Textseiten von, mit und zu Milo Rau, mit denen der Theaterregisseur seine üppige Personalbibliografie um zwei Bände anwachsen lässt. Es handelt sich hier um vier Gespräche, die der Kritiker Marijn Lims im Juni 2022 mit ihm führte und die Rau vielmehr als ihn selbst auch als praktizierenden Theaterkritiker zutage treten lassen. Ohnehin träumt er davon, „Kunst und Kunstkritik irgendwie zu kollektivieren und zu vergesellschaften…“ So lesen wir es in „Was Theater kann“, worin im Frühjahr neben...

Milo Rau schreibt in zwei neuen Büchern vom Handeln mit ästhetischer und sozialer Fantasie

Theater der Weltveränderung

„Work hard, play hard?“

America ist ein Traum aus dem Klomagazin. In den Hochglanzfotografien spiegelt sich ferne Befriedigung. Zum ersten Mal begegnet die Figur, dessen Coming-of-Age das Publikum verfolgt, America im Badezimmer. In einer Zeitschrift glitzert zwischen Abbildungen schöner Menschen – vor allem Männern – ein Versprechen von Intimität und Zugehörigkeit. So etwas hat die namenlose Hauptfigur noch nie zuvor gesehen, erzählt sie, und schiebt im Kinderzimmer langsam die Finger in die Unterhose. Untermalt wird die sexuelle Emanzipation an diesem Abend von Freiheit versprechender Pop-Musik. „Fammi volare, lui allunga la mano e si tocca l’America“ („Lass mich fliegen, er streckt die Hand aus und berührt sein America“) besingt Gianna Nannini die Selbstbefriedigung in ihrem Hit aus den 80ern. Ausgehend diesem Song – „America“ – erkundet der in Italien aufgewachsene Autor Giorgio Ferretti den Traum von sexueller Erfüllung. Leid und Unverständnis aber auch kurze Momente des Glücks, in denen der Sehnsuchtsort zum Greifen nah erscheint, erlebt die schwule Hauptfigur, gespielt von Samuel Sandriesser, auf seiner Suche. Schlaglichter auf sein Leben von Kindertagen bis zu den Dreißigern vermischen sich mit erotischen Fantasien. Schilderungen des jungen Mannes oder Kommentare der Begleitfiguren setzen dabei den Rahmen für Choreografien der Regisseurin Salome Schneebeli. In der Inszenierung der männlichen Körper,...

„America“ (UA) von Giorgio Ferretti – Regie & Choreographie Salome Schneebeli, Bühne, Kostüme & Video Heta Multanen

Schauspiel Leipzig: I got to break free

Der genetische Code Amerikas

Der Atem der Raumes

Und wieder ist Weltuntergang. Auf den Bühnen sieht er meist ganz schön aus, und weil Trübsal keinen Spaß macht, geben sich die Ensembles alle Mühe, ein paar ironische Funken aus dem Schlamassel zu schlagen. Thomas Köck ist – spätestens seit der „Klimatrilogie“ – ein zuverlässiger Lieferant literarisch hochwertiger und inhaltlich herumschlawinernder Theatertexte. Man kann ja auch nicht ständig Jelinek spielen. Sein neues Stück „Eigentum – Let’s face it we’re fucked“ nennt er sogar eine Komödie. Zwei von fünf Kapitel handeln von einem Haus. Ein Gebäudeskelett ist auch das Zentrum von Heike Mondscheins Bühnenbild. Im ersten Teil gleitet Katharina Schmalenberg auf einem zweirädrigen Elektrobrett, behängt mit einer Menge Handtaschen, über die Bühne. Sie ist die mächtige Maklerin. Später streiten sich die Bewohner:innen darum, wer gerade welches Zimmer besetzt hat und wem der Wintergarten gehört. Ein Gesellschaftsgleichnis, selbstredend. Hier kommt es zu angedeuteten Pointen, die aber in der von mir besuchten zweiten Vorstellung keinen Lacher auslösten. Thomas Köck wollte wahrhaftig eine Komödie schreiben. „Komödien haben ja immer einen gesellschaftskritischen Anspruch“, sagt er in einem Interview im Programmheft. „Lachen ist höchst subversiv. Aber dann ist mir da etwas explodiert beim Schreiben.“ Und er ließ der Explosion freien Lauf, erzählt von einer gescheiterten Landnahme...

„Eigentum – Let’s face it we’re fucked“ von Thomas Köck (UA) – Regie Marie Bues, Bühne Heike Mondschein, Kostüme Amit Epstein, Musik Kat Kaufmann

Schauspiel Köln: Apokalypse, leicht verköckt

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

München: Ruth Maria Kubitschek ist tot 

Schauspielhaus Bochum: Erst kaufen sie Afrika, dann werden sie sich uns kaufen

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Millennials werden in Verbindung gebracht mit einer Offenheit gegenüber Neuem und einer Leidenschaft zum Lernen. So heißt es in der Eröffnungsszene des Theaterabends „angry baby, one more time“, der kürzlich beim 32. Bundestreffen der Jugendclubs in Döbeln gezeigt worden ist. Eine ganze Woche verbrachte ich dort mit den Jugendlichen meiner Produktion <a href="https://tdz.de/artikel/15c373b6-88e6-496d-b523-b66d8c36103b">„Time Busters“</a> (siehe <a href="https://tdz.de/shop/produkt/a9b7e06d-f210-4054-9ff3-1a3df386e65c">TdZ 5/23</a>). Der Theaterabend „angry baby, one more time“ vom Theater Marabu aus Bonn führte dabei uns allen, Jugendlichen, Spielleiter:innen und Theaterpädagog:innen, auf äußerst unterhaltsame Weise vor, dass Generationen einander herrlich vergegnen und missverstehen können. Doch was bedeuten Generationen im Theater? Können Unterscheidungen gezogen werden? Was prägte die Millennials und wie prägen sie ihre Gegenwart? Das Phänomen der Generationen ist kein statistisches Problem, wie einem die Einteilungen suggerieren, die heute überall zirkulieren, sondern ein soziologisches. Welche prägenden Jugenderfahrungen teilen Jahrgänge? Welche Vorstellungen, Erwartungen und Dispositionen werden dadurch kollektiv erzeugt? Bereits 1928 erklärte Karl Mannheim, dass ein Generationszusammenhang durch eine gemeinsame „Partizipation an den gemeinsamen Schicksalen“ erklärt werden könne. Einschneidende Ereignisse (beispielsweise der Erste Weltkrieg) determinieren die Sicht auf Welt und Gegenwart. Allerdings verweist Mannheim darauf, dass nur „ein gemeinsamer historisch-sozialer Lebensraum ermöglicht, daß die geburtsmäßige Lagerung in der chronologischen Zeit zu einer soziologisch-relevanten werde“. So...

Wie Millennials im Theater das Betriebssystem verändern wollen

Aus Krisenerfahrungen heraus politisch handeln

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Die Kinder müssen fort! Wir haben keinen Platz mehr! Wir haben zu viel Brot im Hause! Erich Kästner, Das doppelte Lottchen aus dem Albtraum von Lotte basierend auf „Hänsel und Gretel“ von den Gebrüdern Grimm basierend aus Überlieferungen von Märchen aus den Mündern zahlreicher Menschen. Figuren MUTTER VATER KIND (EM) KIND (HENRI) – 2 FEUER 100 PERSONEN als DIE VERSTORBENE BUCHE (Geist) DIE RAUCHENDEN BUCHEN (Geister) DIE GUTE FEE DER GEGENWÄRTIGE DIE RIESIN DER VOGEL DIE BÖSE FEE DER DIE GUTE HEXE 1 DER DIE GUTE HEXE 2 oder mehr Während des Stückes sitzen buchenartige Randfiguren rauchend am Rand herum und warten auf ihren gottverdammten Einsatz. Prolog EM Sie sehen hier ein Haus in einem mittelgroßen Ort in Deutschland. Das Haus ist einer Villa mit Meerblick nachempfunden, ohne Meer, dafür mit Rosenhecken umwuchert. Zum Meer hat es nicht gereicht, aber das Meer, das Meerchen, das würde schon zu ihnen kommen. Hat die Mutter gesagt. Das hier sei schließlich die Erderwärmung. Enthusiasmus in der Stimme. Sie sehen hier MUTTERVATERKINDKIND. Wovon ein Kind wie das andere aussieht. HENRI Es ist zweimal dasselbe Kind oder ein Zwilling. Der Kern, die Kernfamilie schürfte sich einen Pool in den Garten, als andere schon Bunker gruben...

Die Zukünftige

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Vielfalt und Zersplitterung

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

Der weite Weg nach Europa

The Case of Digital Arts

Die Schauspieler sind angekommen. Und zwar, bevor oder während Publikum eintrifft. Sie bereiten sich vor – Stimmtraining, Dehnübungen, Texte memorieren – und damit uns auf das, was uns erwartet. „Kommt, gebt uns eine Probe eures Handwerks“, wird Hamlet später sagen, wenn auch im Text stattfindet, was hier im Grunde den ganzen Abend lang geschieht: Schauspieler spielen Schauspieler. Sie geben uns: eine Probe. Man kann dieses zum Bersten mit Bedeutung aufgeladene Welt- und Weltenuntergangsdrama nicht mehr spielen, mag das heißen. Man kann es allenfalls nochmal probieren. „Nicht noch einmal. Ich kann nicht mehr“, ruft und stöhnt und jammert also völlig vergeblich Horatio (Leo Goldberg), dem der Regisseur eine rahmende und ordnende, eine auch musikalisch begleitende und kommentierende Funktion zugedacht sowie Monologe eigener Hand zugeeignet hat. Das meint den undurchbrochenen psychologischen Kreislauf, in dem Söhne Erfüllungsgehilfen ihrer Väter auch über deren Tod hinaus werden, worauf die Inszenierung inhaltlich fokussiert. Das meint zugleich die Mühen mit dem Stück, worauf sie in der Form reagieren. Und wenn Yannick Fischer, der die Titelrolle auf sich nimmt, vor der ersten Szene ein „Ich habe Angst“ entfährt, ist’s Inhalt und Form zugleich. Andreas Kriegenburg inszeniert in Meiningen also eine „Hamlet“-Probe und hat dafür ein bunkerartige Probebühne in...

„Hamlet“ von William Shakespeare – Regie und Bühne Andreas Kriegenburg, Kostüme Andrea Schraad

Staatstheater Meiningen: Hamlet als Probe

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Das neue Normal?

Was ist Theater?

Millennials trinken zu wenig Milch. Millennials trinken zu wenig Alkohol. Millennials gucken immer noch „Harry Potter“. Millennials sind sehr gut ausgebildet. Millennials sind häufiger krank. Das sind nur wenige der mal gefühlten, mal fundierten Annahmen, die über die sogenannten Millennials kursieren. Deutlich wird dabei: Die von 1980 bis Mitte-Ende der 1990er Geborenen sind anders – als ihre Eltern, die Boomer, die als unausgesprochene Vergleichsfolie dienen. In einer Hinsicht scheint man sich einig zu sein: Millennials sind faul und ichbezogen. So klagt das Kapital regelmäßig über eine vermeintlich sinkende Arbeitsmoral – andererseits titelte das Time Magazine schon vor zehn Jahren: „The Me Me Me Generation: Millennials are lazy, entitled narcissists who still live with their parents / Why they’ll save us all“. Diskussionen über Generationen kranken immer an zweierlei: Erstens ist jede solcher Einteilungen in gewissem Maße willkürlich – warum nicht die Kohorte 1970 bis 1985 nehmen? – zweitens fallen dabei andere Unterscheidungen unter den Tisch, vor allem die verschiedenen sozialen Klassen. Anders gesagt: Wer Millennial sagt, meint in der Regel gut ausgebildete Menschen der Mittelschicht westlicher Staaten. Eines lässt sich jedoch nicht leugnen: Über kaum eine Generation wurde und wird so viel geschrieben und geredet, noch bevor sie in gesellschaftlich...

Die Wertewelt der Millenials prägt inzwischen die Kulturszene

Selbstausbeutung fürs Selbstverwirklichen

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Sie leiten das Theater Rampe als Dreierteam. Mit dieser Führungsstruktur geht es auch um andere Machtverhältnisse am Theater. Wie sieht das in der Praxis aus? IS: Wir sind als Dreier-Leitung alle die Künstlerische Leitung und die Ge­schäfts­führung. Wir teilen auch die komplette Verantwortung. Der Gedanke dahinter ist, dass alle Entscheidungen durch die Augen, die Ohren und Gehirne von drei Leuten fließen. Auch zwei Leute wären zu wenig, denn die verbünden sich schnell. Mit unserem unterschiedlichen Hintergrund wollen wir gegensätzliche Meinungen auch zulassen. Diese Diffe­renzen empfinden wir als sehr wertvoll. Als gegenseitiges Korrektiv funktionieren wir gut. Welche Schlüsselrolle hat da das Publikum? IS: Wir überlegen an unterschiedlichen Punkten, wie das Publikum in unserer Arbeit eine Rolle spielen kann. Versuche, die Zuschauer:innen in die Programmplanung einzubinden, gab es ja immer wieder. Doch da sind die Möglichkeiten begrenzt. Wir denken darüber nach, eine Art Beirat zu etablieren. Da geht es aber um eine beratende Funktion. Denn bei den gestalterischen Themen sind Fachkenntnisse gefragt. Wir wollen Theaterformate schaffen, in denen die Menschen mehr sind als das rezipierende Publikum. Wir wollen sie in die Produktion einbinden. Und wir möchten eine Vielzahl von Leuten ansprechen. Ihr Ziel ist, „einen verbindenden Ort einer diversen Stadtgesellschaft zu schaffen",...

Im Gespräch mit Elisabeth Maier

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Die Nachfolge des scheidenden Intendanten Peter Carp am Theater Freiburg ist begehrt. 72 Bewerberinnen und Bewerber haben bislang ihren Hut für die Leitung des Hauses mit vier Sparten in den Ring geworden. Dass in der Findungskommission für die Bühne mit überregionaler Strahlkraft nur Expertinnen und Experten aus der Stadt Freiburg zu finden sind, hat nicht nur viele in der Branche verwundert. Auch in der Stadt stößt das auf Kritik. Dem Expertengremium, das die Kommunalpolitiker des Theaterausschusses berät, gehören sogar zwei Mitglieder des Hauses an. Generalmusikdirektor André de Ridder ist ebenso dabei wie die Verwaltungsdirektorin Tessa Beecken. Außerdem ist der Leiter der Freiburger Musikschule, Professor Ludwig Holtmeier, in der Runde vertreten. Als vierte Expertin ist Bettina Schulte dabei, langjährige Redakteurin der Badischen Zeitung und seit kurzem im Ruhestand. Nun steht die kritische Frage im Raum: „Will sich die Stadt eine neue Theaterleitung backen?“ Dass der Blick von außen bei der Suche nach einer neuen Theaterleitung Sinn macht, haben der Deutsche Bühnenverein und das Ensemble-Netzwerk in ihrem Phasenmodell zur Intendanzfindung deutlich gemacht. Da wird den Trägern der Theater geraten, einen Intendanten oder eine Intendantin „eines vergleichbaren Theaters“ in die Kommission zu berufen. Das ist in den meisten Theatern gängige Praxis. Am Stuttgarter...

In der Findungskommission des Theaters Freiburg für die neue Intendanz fehlt externe Expertise

Der Blick von außen ist unverzichtbar

Gelegen in der Zürcher Altstadt zwischen Kopfsteinpflastern und Cafés, wirkt das Theater Neumarkt von außen nahezu unprätentiös. Dabei passiert in den Innenräumen des kleinsten Schweizer Ensembletheaters mit rund fünfzig Mitarbeitenden ästhetisch und institutionell wohl das mitunter zeitgenössischste, was man derzeit im deutschsprachigen Theaterraum zu erleben bekommt. Die Dramaturginnen Hayat Erdogan, Tine Milz und Julia Reichert verfolgen in ihrer Ko-Leitung konsequent eine Praxis der Kollaboration und gemeinsamer Denkräume. Dafür rücken sie geteilte und alternative Produktionsweisen in den Vordergrund – und öffnen damit Türen zu neuen Ästhetiken und Formaten. Seit Herbst 2019 teilen sich die drei Ko-Direktorinnen die Künstlerische Leitung des Theater Neumarkt in Zürich. Das Haus, das geradezu per Namensgebung seit seiner Gründung 1966 Teil der progressiven Theaterszene der Schweiz ist. Hayat Erdogan kam direkt von ihrer Dozentur für Dramaturgie an der Zürcher Hochschule der Künste, Tine Milz war damals noch ihre Studentin. Julia Reichert wechselte als interimistische Spartenleitung Schauspiel und Dramaturgin vom Luzerner Theater dazu und brachte mehrere Jahre Erfahrung von städtischen Theaterbetrieben mit. Bereits in der Verzahnung dieser unterschiedlichen Praktiken und Wissensbestände ist eine Richtungsweisung spürbar: Es geht um Theater als Ort von Synergien, als Labor von Zusammenkünften verschiedener Expertisen und Fähigkeiten. Denn das, was sich bereits in Form...

Wie das Leitungsteam des Theater Neumarkt in Zürich ein Theaterlabor zum Erfolg führt

Die Institution ko-imaginieren

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Explodierendes Dokumentartheater

Der unglücklich verliebte Tierarzt – in dieser Rolle haben viele Theaterfans Dominik Dos-Reis gesehen. Mateja Koležniks Inszenierung von Gorkis „Kinder der Sonne“ vom Schauspielhaus Bochum war zum Berliner Theatertreffen 2023 eingeladen. Der junge Schauspieler bekam von Alleinjuror Edgar Selge den Alfred-Kerr-Darstellerpreis mit den Worten verliehen: „In diesem Stück, bist du, lieber Dominik, das Herzstück der Kunst.“ Im Sommer gewann Dominik Dos-Reis mehrere Kritiker:innenumfragen als bester Nachwuchsschauspieler. Er sieht mit seinen dreißig Jahren immer noch sehr jung aus. Dunkelbraune Locken, strahlendes Lächeln. Und gleich zu Beginn des Treffens sagt Dominik Dos-Reis, dass er einfach noch nicht weiß, wie er mit all diesen Preisen und Belobigungen umgehen soll. Er hat zu tun, Gott sei Dank, kann sich auf die Arbeit konzentrieren. In der Sieben-Stunden-Mammutinszenierung der „Brüder Karamasow“ von Bochums Schauspielintendant Johan Simons ist Dominik der jüngste der Titelhelden, Aljoscha. Weil die Aufführung auf beiden Bühnen des Schauspielhauses gezeigt wird, haben die Proben aus Dispositionsgründen mit dem zweiten Teil angefangen. „Diese unchronologische Arbeitsweise“, erzählt Dominik, „ist sehr spannend, weil wir hier schon nach den Figuren suchen konnten, nach Farben, dem Verhältnis zueinander. Wir haben den zweiten Teil vorsichtig durchskizziert, weil wir die Offenheit haben müssen, dass sich vieles noch verändert. Jetzt nehmen wir...

Dominik Dos-Reis vom Bochumer Schauspielhaus hat eine Menge Nachwuchspreise abgeräumt und würde sein Fach gern ausbauen

Anruf von Johan Simons

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Woran liegt es, dass es die Theater der Gegenwart trotz der einmaligen Chance, die die Pandemie für ihre grundlegende Neuaufstellung in Richtung der benannten Felder der großen Transformation bedeutete, bisher kaum vermocht haben, sich in die Position zu bringen, die ihnen zusteht: in die Rolle eines der öffentlichen sozialen Räume, ohne die eine demokratische Aushandlung der Gestaltung der Transformationen nicht gelingen wird? Liegt es wirklich daran, dass sie künstlerisch nicht relevant genug sind, um die großen Fragen unserer Zeit zu adressieren? Wirklich ­daran, dass sie nicht durchlässig genug sind, Breitenwirksamkeit zu entfalten? Oder daran, dass ihre Finanzierung nicht ausreichend abgesichert, ihre Trägerstruktur nicht resilient genug ist? – Jede dieser Diskussionen lohnt sich: die Durchforstung und Erneuerung der eigenen, bisweilen allzu kanonischen Spielpläne genau so wie die stetige Selbstbefragung der tatsächlich vorhandenen eigenen Bereitschaft zu Offenheit und Diversifizierung. Und auch um die (öffentliche) Finanzierung lohnt es sich angesichts der immer noch mangelnden Bedeutung von Kunst und Kultur im haushal­tärisch-wirtschaftlichen Bewusstsein immerzu, zu kämpfen und zu ringen. Denn die Basis jede Veränderbarkeit und Transformation ist und bleibt die Stabilität der institutionellen Förderung, der institutionellen Grundausstattung der Kulturfinanzierung, der Kulturinstitutionen selbst. Ohne sie ist weder die Gestaltung der eingangs beschrieben Grunddynamik der laufenden...

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