Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Arbeitslos zu sein nagt am Selbstbewusstsein. Und schnell glaubt man/frau, dass auch das persönliche Ansehen, der Respekt, bei anderen deshalb sinkt. Schwer klarzumachen, dass das nicht der Fall ist. Ödön von Horváth hat mit seinem Theaterstück Kasimir und Karoline einen Klassiker darüber geschrieben. Kasimir meint, „dass wenn der Mann arbeitslos wird, die Liebe seiner Frau zu ihm nachlässt, und zwar automatisch“. Uraufgeführt wurde das Stück am 18. November 1932, drei Jahre nach Beginn der Weltwirtschaftskrise. Kasimir ist gerade gekündigt worden. Seine Verlobte möchte sich mit ihm auf dem Oktoberfest amüsieren, wozu Kasimir keine große Lust hat. Sie streiten sich. Beide gehen ihre eigenen Wege, begegnen sich aber nach kurzer Zeit wieder. Kasimir könnte Karolines Versöhnungsangebot annehmen. Doch er sagt Nein und erkennt Karolines Liebe nicht, die unabhängig von gesellschaftlichen Konventionen ist. Jedes Leben hätte anders ausfallen können. Jeder Mensch hätte nicht der Mensch sein müssen, der er ist. Alles Zufall. Tröstlich, dass der Mensch meint, sein Leben doch weitgehend selbst zu bestimmen. Was im Nachhinein so logisch erscheinen mag, ist natürlich im Moment der Entscheidung von Zufall und Notwendigkeit bestimmt. In seinem Theaterstück Konstellationen hat Nick Payne eine Variante gefunden, die unendlichen Möglichkeiten im Leben durchzuspielen: Marianne und Roland lieben...

Hörspiel

Der Schauspieler Philipp Hochmair, gefeierter Bühnenstar u. a. in Hamburg und Wien, spielt in Der Glanz des Tages sich selbst. Wir sehen ihn bei Proben und Auftritten, während des Szenenstudiums oder auf Reisen zwischen den Städten, in denen er gastiert. Ein unstetes Dasein, das, so behauptet der Film, kaum feste Beziehungen und als Fixpunkte nur die jeweiligen Inszenierungen kennt. In diesen Alltag lassen die Regisseure Tizza Covi und Rainer Frimmel die Figur eines ehemaligen Zirkusartisten einbrechen, der plötzlich vor Hochmairs Tür steht: Auch Walter Saabel spielt sich hier selbst, und die einzige Erfindung, die sich der Film erlaubt, ist, dass er sich als Hochmairs Onkel in die Handlung einbringen darf. Aus dem beiläufig skizzierten, eher getupften Umgang der beiden Figuren entwickelt „Der Glanz des Tages“ ein wunderbares philosophisches Essay über die Verschiedenheit von Lebensentwürfen. Philipp gibt alles für seine Kunst, die Welt der Bühne, den perfekten Auftritt, den Erfolg, auch wenn damit privat eine gewisse Einsamkeit und Verlorenheit verbunden ist. Walter dagegen hat sich sehr viel mehr den Blick für die Lebenswirklichkeiten bewahrt und leistet z. B. praktische Hilfe für den moldawischen Nachbarn und dessen viel zu oft allein gelassene Kinder. Covi und Frimmel, die ihren Film aus über 25...

Alles für die Kunst?

Film

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Zwischen den Wohnbauten und Platanen der Forest Houses in der South Bronx wirkt Thomas Hirschhorns „Gramsci Monument“ wie eingebettet in das Leben der Bewohner der Siedlung und ihrer Besucher, manifestiert aber zugleich auch den Bruch mit ihnen. Das Werk des 56-jährigen Schweizer Künstlers entstand speziell für diesen Ort und wurde mit Hilfe von bezahlten lokalen Arbeitskräften errichtet. Gleichzeitig jedoch blieb es Idee, distanziert von seinem Umfeld, ein schwebendfließendes Element des Hirschhorn’ schen Geists. Ich nehme die Linie 5 Richtung Nord- Manhattan in die Bronx, laufe an Bodegas und anderen Läden vorbei bis zur East 163rd Street und bin mir nicht sicher, wie ich diesen inhärenten Widerspruch zwischen von hier und nicht von hier auflösen soll. Knapp 3400 Menschen wohnen in den Forest Houses, überwiegend Afroamerikaner und Hispanics, die meisten von ihnen in Armut. Für die Dauer des Projekts, ab dem Bau des Monuments im Juni bis zu seinem Abriss am 15. September, leben Hirschhorn und der Berliner Philosoph und Dramatiker Marcus Steinweg bei ihnen. Trotz des gewählten Standorts mitten im Elend ist das Monument definitiv kein soziales Projekt. Von Wind und Sonne verwittert steht es da, auf wackeligen Holzplatten, und erinnert an ein rasch zusammengezimmertes Schiff, das im Hof zwischen...

Das „Gramsci Monument“ von Thomas Hirschhorn und Marcus Steinweg durchbricht in einem Brennpunkt von New York die kapitalgelenkte Realität

Gramsci sprengen in der South Bronx

Das könnte man deuten als Beugung eines Gegenstands des täglichen Gebrauchs, oder das Herunterspielen einer tödlichen Waffe. Oder die Zerkleinerung eines Symbols, die Reihenfolge eines Opferrituals usw. Aber am Ende wäre immer ein zu Kleines: der gestreckte Arm mit flacher Hand, und dahinter die langen Haare mit Bart und Sonnenbrille vorm Gesicht. So was ist aus Meese geworden, und man weiß nicht, ob vorher mehr war. Ich glaub, im Landschaftspark Duisburg war es – wenn es den wirklich gibt, ich bin mir da nicht sicher –, da hab ich es vor ein paar Jahren in der Dämmerung zum ersten Mal gesehen: ein riesiges stählernes Gebäude, wie versteckt hinter Büschen und halbhohen Bäumen der grünen Hölle Ruhrgebiet, aber doch das Gesträuch um ein Vielfaches überragend, hingefläzt wie ein riesiges Ungetüm, rostbraun und bewegungslos und grade deshalb so gefährlich anzuschauen, dass du schier das Schaudern kriegst – das stillgelegte Eisenhüttenwerk von Thyssen, ausgedient schon als Kohl kam, das andere Ungetüm, auch schon ausgedient und alt geworden mittlerweile, und mit seinem nach wie vor von ungebremster Rechthaberei und hilflos böser Häme durchtränkten Gesicht überm unbeweglichen Riesenkörper im Rollstuhl dem ausgedienten Stahlwerk durchaus ähnlich. Das ist das Symbol der Judenvernichtungsmaschine, hab ich damals gedacht....

Messer Messe Meese

Zurück aus der Zukunft“ betitelte Boris Groys jüngst eine Sammlung von Aufsätzen. Mit dem Schlagwort will er nicht nur die Lage in den ehemaligen Staaten des Ostblocks charakterisieren, sondern „die postkommunistische Situation“ besagt weit mehr. Sie ist eine Kategorie der Universalgeschichte. Ob Platon, Thomas Morus oder die utopischen Frühsozialisten des 19. Jahrhunderts – ihnen allen galt die Zukunft als Fernhorizont der Verheißung, ein Raum des Anderen, in dem sich außerordentliche Dinge abspielen sollten. Ein Erwartungshorizont, dem mit Zuversicht entgegengeblickt wird. Die politische Organisation der Arbeiterbewegung, die Wandervögel im Kaiserreich, die singen „Mit uns zieht die neue Zeit“, oder Marinetti, der die Innovationsschübe der Technik als Ankunft des Offenen enthusiastisch begrüßt, selbst wenn sie Tod und Verderben bringen, sie empfinden sich als Verkörperung eines offenen Horizonts des Möglichen. Zukunft gilt als Option des Besseren. Die Utopie, seit Jahrtausenden in den Träumen der Völker besungen, scheint zum Greifen nah. Signifikant für das „kurze Jahrhundert der Extreme“, wie Eric Hobsbawm die Spanne zwischen 1918 und 1989 tauft, ist der Versuch, mit exorbitanter Opferbereitschaft das bis dahin nur in der Traumzeit existierende Imaginäre in der geschichtlichen Wirklichkeit zu verankern. Die elektrifizierten Träume der Völker speisen die Motoren jener gesellschaftlichen Maschinen, mit denen das Jenseits...

Das Theater verharrt in seinem Hang zu Präsenz und Echtzeit im ewigen Hier und Jetzt – und verkennt damit die entscheidenden Fragen von morgen

Kannibalismus der Gegenwart

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Als das Telefon klingelt, ist es fünf vor zwölf. Die Kellnerin kommt her und sagt: Für Sie. Ich hör die Stimme von Matthias Brenner und denk sofort, Theatermann, klar, mit einem teuflischen Gespür für Dramaturgie. Fünf vor zwölf, das kann kein Zufall sein. Kurz vor Mitternacht. Brenner sagt, jetzt sei er so weit, vorbei die Hauptprobe vom „Glöckner“, kommst du ins Café an der Oper? Wenig später sitzen wir endlich beisammen, draußen in der Nacht von Halle. Und Brenner redet ohne Unterlass, weil er wütend ist und alles herausmuss. Er sagt: Wir sind gerade dabei, den Tisch zu decken, und jetzt sollen wir wieder mit den Fingern essen. So schaut es aus. Seit der Spielzeit 2011/12 ist Brenner der Boss am Neuen Theater. Doch kaum dass der Laden läuft, wird plötzlich alles in Frage gestellt – durch eine räuberische Regierung in Sachsen-Anhalt. Zeitlich geschickt, nämlich kurz vor der Sommerpause, hat sie angekündigt, Theater und Orchester im Land nicht mehr mit 36, sondern nur noch mit 29 Millionen Euro zu fördern. Ab 2014 fehlen sieben Millionen. Beraubt werden ganz ungeniert Halle, Dessau und Eisleben. In Halle verspricht sich die Regierung – Theater, Oper und Orchester im Auge – eine Beute von...

Wie die Stadt Halle mit der Regierung von Sachsen-Anhalt um das Schicksal ihrer Bühnen ringt

Das Millionenspiel

Der Besuch eines Atomkraftwerks gehört zu den seltenen Programmpunkten eines Theaterfestivals. Für den 50 Kilometer westlich von Wien gelegenen Kernreaktor von Zwentendorf spricht als Spielstätte allerdings einiges: Er hat 1050 Räume und kein Fenster. Zudem ist der in den siebziger Jahren für umgerechnet 500 Millionen Euro errichtete und nach der Fertigstellung infolge einer negativ beschiedenen Volksabstimmung nie in Betrieb genommene Bau nahe der Donau eine einzigartige begehbare Kulisse. Heute hat Zwentendorf eine Facebook-Fanseite, ist ein Schulungszentrum für Kerntechniker, ein Hort erneuerbarer Energie und nicht zuletzt ein begehrter Schauplatz für Filmproduktionen (jüngst wurde hier „Grand Central“ mit Léa Seydoux gedreht). Führungen sind über ein Jahr im Voraus ausgebucht. Als ungewöhnliches Wahrzeichen der Demokratie sieht Akira Takayama den mitten im Grünen stehenden Betonsarkophag. Der japanische Regisseur lotste das Publikum der diesjährigen Wiener Festwochen in Bussen zu einem „Prolog“ nach Zwentendorf. Dort stellte er jeweils an mehreren Stationen im Gefolge der offiziellen zweistündigen Führung durch das Gebäude – vom Reaktorkern über die Turbinenhalle bis in die Schaltzentrale – in Lectures Bezüge zur Atomkatastrophe in Fukushima her. Dabei ging es Takayama um den staatlichen Umgang mit der Atomgefahr, um die bei Katastrophen geradezu gottähnlichen Gesten des japanischen Kaiserpaares und zu guter Letzt um den...

Die scheidende Schauspielchefin Stefanie Carp holte die bildenden Künste zurück ins Programm der Wiener Festwochen – und stieß damit auf Berührungsängste

Gemischtes Doppel

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Erbarmungslos nagt der fette Biber an den Kulissen des Themenparks, der einst die schöne und reiche Schweiz war. Er will aus dem gewonnenen Holz einen Damm bauen − so wie Biber dies nun mal tun. „Ich hab doch keine Idee, ich hab keine Ideologie oder ein Ziel, das ich verfolge“, sagt er, wohl wissend, dass sein Konstrukt brechen und damit das, was von der Schweiz übrig geblieben ist, in den Fluten untergehen wird. „Der Park“ heißt das Stück, das Gabriel Vetter als Hausautor im Rahmen des Autorenförderungsprogramms Stück Labor Basel am Theater Basel geschrieben hat. Vetter als Nachwuchsautor zu bezeichnen, trifft trotz seines relativ jungen Alters von 30 Jahren nicht ganz zu. Als Slam-Poet gehört er längst zu den Größen der Szene. Mit 21 wurde er bereits zum „Slammer des Jahres“ im deutschsprachigen Raum gekürt und mit 22 als jüngster Preisträger aller Zeiten mit dem Kleinkunstpreis Salzburger Stier ausgezeichnet. Als Dramatiker hat Vetter nun aber Neuland betreten. Geschaffen hat er eine ebenso bissige wie witzig-hintergründige Parabel über den Untergang der Schweiz inmitten eines bereits schon länger versunkenen Europas. Frisch und frech präsentiert er das Land als disneylandartigen Vergnügungspark für reiche asiatische Touristen mit einem zynischen Parkdirektor, dem überforderten Architekten, dem...

Das Stück Labor Basel ging mit Inszenierungen von „Der Park“ und „Je veux mourir sur scène“ effektverliebt, aber auch pointensicher und vergnüglich zu Ende

Schweiz unter

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Fotostrecke: Bühnenbilder zu Frank Castorfs „Ring“

Frank Castorf geht nach Bayreuth. Was will der Volksbühnen-Ostler vom Rosa-Luxemburg-Platz dort? Sucht er sein verlorenes Anklam, wo einst der Stahl golden floss? Will er nun also in der friedlich-fränkischen Kreisstadt Bayreuth – im Bühnenbild des Serben Aleksandar Denic – postsozialistische Unruhe stiften, den Kunsttempel Festspielhaus schleifen? Nein, dieser Regisseur nimmt Wagner mit seinem Kunstwerk der Zukunft beim Wort. Ein Gesamtkunstwerk für alle und kein Reservat für Besserverdienende. Hier findet musikdramatische Geschichtserforschung statt – immer auf der Spur des gestohlenen und ungezügelt um den Globus vagabundierenden „Rheingolds“ zwischen Amerika und Russland. Das ist auch der Transitraum, der sich in Castorfs „Ring“ eröffnet. Auf der Ölspur, die er so überdeutlich legt, kann man allerdings leicht ausrutschen. Gewiss, alle jagen dem Öl hinterher. Ohne Öl kann man keine Kriege gewinnen, nicht einmal im Frieden an der Macht bleiben – Öl wird buchstäblich mit Gold aufgewogen. Alle haben sie hier eine höllische Angst davor, das zu verlieren, was sie, es erst einmal besitzend, gar nicht gebrauchen können, was sie unfrei statt frei macht. Nur Siegfried muss erst ausziehen, das Fürchten zu lernen – und lernt es spät, angesichts des Weibes Brünnhilde. Aber auch Siegfried wird mittels Machtintrige Hagens schnell wieder seiner Liebe beraubt....

Frank Castorfs „Ring des Nibelungen“ ist ein Roadmovie unter Tage

Alberichs Underground

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Als der US-amerikanische Künstler James Turrell ein leerstehendes Hotel in Santa Monica übernahm und alle Fenster so weit abdunkelte, dass Sonnenlicht und der Schein von Neonreklame nur durch schmale Wandschlitze hereinbrachen, war dies die Geburtsstunde seiner „Sky-Spaces“. Das „Mendota Stoppages“-Projekt von 1966 läutete seine andauernde Beschäftigung mit der menschlichen „ Urbeziehung zum Licht“ ein. Die meisten seiner minimalistisch angelegten, computergesteuerten LED-Architekturen wirken, als strahle das Licht durch geschlossene Augenlider herein und als verliehen sie eine räumliche Schwerelosigkeit. Wir verdanken sie dem Umstand, dass Turrell von der reinen Kraft des Lichts ausgeht, davon, dass es mehr noch als das Denken unser Leben existenziell bestimmt. Sein Observatorium („Roden Crater“) in einem erloschenen Vulkan von 150 Metern Höhe mit weit verzweigten Gängen und Himmelsöffnungen in der Wüste von Arizona wird unter seinen Anhängern als legendäre Kultstätte gefeiert. Einer, dem Licht und Naturereignisse ebenso Zugang in die Rätsel einer anderen Welt bedeuten, ist Olafur Eliasson. Weltbekannt wurde der in Berlin lebende 46-jährige Däne mit aufsehenerregenden Großprojekten wie giftgrün gefärbten Flussläufen, 40 Meter hohen Wasserfällen, Blitzen oder künstlichen Sonnen- und Nebelinstallationen, wie sie in der Turbinenhalle der Londoner Tate Modern ein Millionenpublikum begeisterten. An der Berliner Staatsoper entwarf er für Hans Werner Henzes Uraufführung „Phaedra“...

Hier ist das Licht!

Kunst

Es war sicher eines der fröhlichsten Ereignisse des diesjährigen Berliner Theatersommers: Wer zwischen dem 28. Juni und dem 14. Juli den Weg zur Schöneberger Lokhalle auf sich nahm, der bekam Gelegenheit, auch in dieser Stadt endlich einmal im wabbeligen Inneren des „White Bouncy Castle“ herumzuspringen, in jener überdimensionierten, 30 Meter langen weißen Hüpfburg also, die der Choreograf William Forsythe schon 1997 zum ersten Mal aufblasen ließ (damals in London). Dabei mag es sich zuerst ja vielleicht wie ein Kinderspaß oder auch wie eine wehmütige Erinnerung an lang vergangene, halbvergessene Sonntage bei irgendwelchen Jahrmarktsfesten anhören: sehr simpel – so simpel, dass mancher Besucher mit Stirnrunzeln fragen mag, ob wirklich mit dem Betreten des Hüpfschlosses auch schon der Tanz beginnt, wie Forsythe für dieses besonders vergnügliche Exemplar seiner sogenannten „choreografischen Objekte“ reklamiert. Doch dass irgendetwas an dieser Installation nicht in einer gewöhnlichen Rummelattraktion aufgeht, das schwant einem sehr schnell, wenn man sich die Burg ein paar Minuten lang erschlossen oder auch erhüpft hat. Man kann sich z. B., neben dem Spaß, den das Herumspringen macht, auch über die Tatsache freuen, dass mit einer solchen Hüpfburg ein Emblem des sesshaften Lebens par excellence zu Gummi wird. Und dann kann einem als Theatergänger plötzlich...

Theater zu Hüpfburgen!

kirschs kontexte

Der Materialergründer

Ein bisschen wundern durfte sich das Publikum schon über dieses Mahagonny-Festival, das Generalintendant Michael Börgerding und seine Crew quasi als Nachspiel zu Benedikt von Peters Inszenierung „Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny“ angelegt hatten. Für diese spektakuläre Inszenierung hatte von Peter vorigen Herbst Bertolt Brechts Traumstadt in Bremens Theater am Goetheplatz verlegt (TdZ 12/2012). Dort wurde der Besucher, ob er wollte oder nicht, Teil des üblen Treibens: ein Bewohner oder zumindest Besucher Mahagonnys. Das Stück spielte schier überall im Haus. Kameraleute filmten permanent Darsteller, Musiker und Zuschauer und zeigten uns an diversen Leinwänden, was gerade andernorts im Theater geschah. Verpassen konnte man auf diese Weise nichts, verstecken konnte man sich aber leider auch nicht. Irgendwie passend zur aktuellen Debatte über Überwachungsstaaten und mangelnden Datenschutz. Was aber sollte nach dieser Inszenierung noch folgen, wie kann die Fortsetzung Brecht’scher Endzeitbilder aussehen? Regisseur Christopher Roth zeigt es uns in Form eines Parcours durch das Goethe-Theater: „Mahagonny ist überall und Chefsessel schon ab 59 Neuro“. Wir bewegen uns gewissermaßen auf den Spuren der verkommenen und doch irgendwie präsenten Stadt Mahagonny. Als unentbehrlich erweisen sich sofort all die „Neuros“, mit denen uns das Theater gleich zu Beginn des Rundgangs ausstattet, immerhin über 1000. Nichts ist...

Geizland, Urland, Land unter – Die Festivals Mahagonny, Out now! und Odyssee : Klima in Bremen und Bremerhaven

Im Ideengewimmel

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Henningway nannten ihn Freunde, er strahlte viel Lebensfreude und Verlässlichkeit aus, weltliche Genüsse waren ihm sichtlich nicht fremd. Nicht nur das machte ihn sympathisch, er hatte auch Grundsätze. So zahlte er regelmäßig seine SPD-Parteibeiträge, denn er ließ sich die Zuversicht auf einen (wenn auch fernen) Sieg eines demokratischen Sozialismus nicht nehmen. Er glaubte an die gesellschaftliche Relevanz des Theaters, dessen Inhalte ihm stets wichtiger waren als seine Form. Und er meinte, dass die Theaterwissenschaft das lebendige Gedächtnis des Theaters sein müsse. Am 22. März 1927 in Hannover geboren, wollte man ihm noch kurz vor Kriegsende eine Waffe in die Hand drücken, damit er mit der Geisterarmee Wenck dem Führer den Endsieg rettete; bevor es dazu kam, traf ihn ein Granatsplitter, der zum Verlust des linken Armes führte. Er hat das später eine angemessene Bezahlung genannt fürs „Hinwegsehen“. Wo andere sich nicht einmal erinnern mochten, welche Bezeichnung ihre Kampfeinheit trug, brachte ihn diese Rechnung „ins Reine, Freie, machte mich offen für das Leben nach dem verfluchten Krieg“. Nach dem Studium der Geschichte und der Germanistik führte ihn sein Weg erst an die Volkshochschule, dann an die Volksbühne in Hannover; die Bekanntschaft mit dem Verleger Erhart Friedrich führte 1960 zur Gründung der...

Der Publizist, Kritiker und Theaterwissenschaftler Henning Rischbieter verstarb am 22. Mai 2013 in Berlin

Der andere Gründervater

Über massenindustriell hergestellte Brötchen, wie sie mittlerweile in immer größerer Dichte die Regale der Bäckereiketten überschwemmen, hat Einar Schleef in seinen Tagebüchern einmal festgehalten, dass diese deswegen nach nichts schmecken, weil ihnen der entscheidende Geschmacksträger fehlt: die Schmutzpartikel an den Bäckerhänden nämlich, die sich beim Kneten und Rollen des Teigs als Dreckkrümelchen mit einreiben. In der technisch rückschrittlichen DDR seien deswegen die Brötchen notgedrungen immer schmackhafter gewesen als im Westen. Der Bühnen- und Kostümbildner, Regisseur und Autor Horst Sagert, den Schleef an einer anderen Stelle seiner Tagebücher als denjenigen Theaterkünstler bezeichnet hat, der für ihn der wichtigste gewesen sei, da er als einziger in der DDR versucht habe, die Tragödie wieder auf die Bühne zu bringen, ist 1934 als Sohn eines Bäckermeisters und Konditors in der pommerschen Kleinstadt Dramburg (Drawsko) geboren. Und vielleicht ist es kein Irrweg, sich Sagert zunächst unter dem Gesichtspunkt dieser Herkunft aus einer kleinstädtischen Backstube zu nähern. Denn tatsächlich gehört zu den ersten Qualitäten, die an seinen Bühnenbildern und -entwürfen, seinen Masken und Kostümen, seinen Zeichnungen, Aquarellen und Skulpturen auffallen können, genau das, was einen guten Bäckermeister (nicht nur) nach Schleef wohl ausmacht: eine ausgeprägte Lust am Handgemachten und Präindustriellen, am Basteln und am Werkeln, die...

Ein Versuch über das kuriose Universalgenie Horst Sagert

Satyr im Mittagsschatten

Kompositionsprinzip Collage

„Liebe Mamama, ich denke, wenn alle Kolonien sozialistisch geworden sind, werde ich Dir mal ein Paket mit Apfelsinen schicken“, schrieb Peter Hacks in einem seiner ersten Briefe im November 1955 aus Ostberlin an seine Mutter in Dachau. Der junge Dichter hatte ihr vor seiner Übersiedlung in die DDR versprochen, regelmäßig zu schreiben, und hielt dieses Versprechen bis zum Tod von Elly Hacks im Februar 1972. Zunächst sieht es sogar danach aus, als ob auch Asien und Afrika sozialistisch werden wollen und der Dramatiker Hacks ein Klassiker dieser schönen neuen Welt. Aber dann gehen Mao und Lumumba doch sehr eigene Wege, und auch das Tauwetter Chruschtschows weicht bald einer neuen Eiszeit. Spätestens seit den Querelen um „Die Sorgen und die Macht“ und den erzwungenen Rücktritt von Wolfgang Langhoff als Intendant des Deutschen Theaters im Mai 1963 trübt sich auch für Peter Hacks der Horizont und er wechselt, wie Heiner Müller, von der Gegenwart in die Antike. Von diesem Drama findet sich in den Briefen kaum etwas. Der zunehmende kulturpolitische Ärger nimmt weniger Platz ein als die zunehmend länger werdenden Wunschlisten. Apfelsinen und Nüsse, Tee und Konfitüre, Schokolade und Fußpuder und sogar Klopapier und Spiegel-Magazine musste Mutter Hacks aus Bayern nach Berlin...

Peter Hacks schreibt an „Mamama“. Der Familienbriefwechsel 1945–1999. Hg. von Gunther Nickel, Eulenspiegel Verlag, Berlin 2013, 992 S., 49,99 EUR.

„Liebe Mamama, hier passiert nichts“

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Ein zipfelmütziger Gartenzwerg visiert mit einer Kalaschnikow ein unbekanntes Ziel an. So ist es auf dem Plakat zu sehen, das die deutsche Dimension des dreitägigen Symposiums „Gewalt! In der Mitte der Gesellschaft“ am Landestheater Marburg ironisch auf den Punkt bringt. Denn das Thema ist mitnichten fern. So zeigte es auch Marc Beckers Stück „Aus der Mitte der Gesellschaft“ (Regie Marc Wortel), das die Logik der Gewalt mittels unpersönlicher Chöre, Casting- und Selbstkritik- Rituale für die Bühne verdichtete. Eine anpasserische Gesellschaft der Duckmäuser findet hier aus Konformismus und Ich-Schwäche zu Hass und kollektiver Gewalt. Ein Mechanismus, den die Gemeinschaftsarbeit „Wo geht’s denn hier zum rechten Rand“, eine Spielentwicklung der Dramaturgin Eva Bormann und ihrer vier Schauspieler, weiterdachte: als Spiel der Ideologien. Auf einer Raumbühne, einer Art Boxring inmitten der Zuschauer, wurde diese Arbeit, derart stilisiert, zum stärksten Abend. Das Hintergrundwissen um die NSU-Morde grundierte dabei die szenische Denunzierung des rechtslastigen Sprechtextes, wo z. B. von „Volksgemeinschaft“ schwadroniert wurde: eine Persiflage in zugespitzter Bürgerskluft, die unter Vogelzwitschern und Verfremdungen den Gegner auf seinem eigenen Terrain stellte. Harmloser ging es am dritten Abend in Guus Kuijers konventioneller inszeniertem Jugendstück „Das Buch von allen Dingen“ (Regie Annette Müller) zu, das häusliche Gewalt zum Gegenstand...

Mit dem Symposium „Gewalt! In der Mitte der Gesellschaft“ lotete das Theater Marburg Ort und Herkunft heutiger Gewalt aus

Wo unter harmlosen Zipfelmützen Hass entsteht

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Die Zukunft beginnt mit einem Brummen. Ein tiefes Uuuuuampf schießt über den Platz, als würde der Sonne, die soeben hinter den alten Mauern der Stara Gazownia, einer stillgelegten Brauerei im polnischen Poznań, verschwunden ist, mit einem letzten elektrischen Zucken die Glühbirne durchbrennen. Ein Fiepen plöckert dazwischen, rhythmisch seziert und mit dem krächzenden Sound eines Uraltmodems, das sich tapfer ins Internet zu kratzen versucht. Die Menge ist stumm, fast inbrünstig still. Tausende Gesichter, 3D-Brillen-quadriert. Eine Melodie schält sich heraus, ein Meer von Smartphones schießt empor. Und dann, mit einem Lichtblitz, sind sie endlich da: vier Männer vor einem Screen, nur von Stehpulten verdeckt, aus einer Vergangenheit, als die Zukunft noch recht rosig war. Die vier Musiker der Band Kraftwerk, Synthesizerpioniere und Cyberpopper der ersten Stunde, sind einer der Hauptacts des Malta Festivals in Poznań. Eine performative Seelenschleuder durch fast vier Jahrzehnte Technologiegeschichte und damit Kraftzentrum eines Programms, das sich unter Gastkurator Romeo Castellucci in diesem Jahr mit dem guten alten Thema Mensch – Maschine auseinandersetzt. Gut und alt? Schön wär’s. Die Maschinen von heute sind furchterregender, da lebensbestimmender denn je. Apps, die unseren Kalorienverbrauch messen, Programme, die unsere Arbeit überwachen, Tracker, die unsere Schritte zählen … „Wir sind die Roboter“, sangen...

Das Malta Festival in Poznań blickt in eine düstere Zukunft, in der die einen Maschinen sind, während die anderen sie klammheimlich lenken

Ihr seid die Roboter

Entwarnung kam von Feridun Zaimoglu selbst. Kurz vor der Uraufführung seines „Moses“-Dramas in Oberammergau gab der Schöpfer der „Kanak Sprak“ und Urheber so verbalzotiger Theatertexte wie einer „Othello“- Neudichtung für die Münchner Kammerspiele (2003) zu Protokoll, er habe den alttestamentarischen Figuren keine moderne Sprache verpasst. Das dürfte bei nicht wenigen im berühmtesten Passionsspielort der Welt für Erleichterung gesorgt haben. Dort hat man sich zwar im Laufe der letzten Jahre an etliche Neuerungen in der uralten Spieltradition gewöhnt. Ein fluchender Pharao aber oder ein mit Fäkalworten um sich werfender Prophet hätten dann doch für Zündstoff gesorgt. Im Jahr 2000 wurde Oberammergau erstmals ein Fall fürs Feuilleton. Christian Stückl war damals zum zweiten Mal Spielleiter der Passion, die seit einem Pestgelübde von 1634 alle zehn Jahre aufgeführt wird. Die Dorfbewohner hatten ihrem Herrgott anno dazumal versprochen, die letzten Tage Jesu regelmäßig auf die Bühne zu bringen, so er sie vom schwarzen Tod verschone. Das Wunder geschah, das Versprechen wurde gehalten. Bis weit ins 20. Jahrhundert galt die Oberammergauer Passion je nach Sichtweise als Ausweis gelebter Frömmigkeit, als Geschäftemacherei bauernschlauer Voralpenländler (zuletzt, 2010, pilgerte eine halbe Million Besucher aus aller Welt ins 5000-Einwohner- Dorf) oder aber als unsäglicher Kitsch. Kunst war nicht vorgesehen....

Der Prophet als Extremist? Feridun Zaimoglu und Günter Senkel radikalisierten in Oberammergau den biblischen Stoff – ohne ihn jedoch sprachlich zu frisieren

Moses unchained

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Europa wurde in Phönizien geboren. Eines Tages wurde sie von Zeus nach Kreta ent- und dort verführt. Ihre drei Kinder, Minos, Rhadamanthys und Sarpedon, zog sie allein groß. Der Dramatiker und Regisseur Grégoire Callies lässt in seinem zweisprachigen Stück „Fragen fragen – La vache et le commissaire“ zwei EUBeauftragte von Schule zu Schule reisen, um für den Kontinent der Krise zu werben. Dabei greifen sie auf Mythologie, Geschichte, Politik und Geografie zurück. So reflektieren die Beauftragten über den Zustand der Demokratie und die zügellose Marktwirtschaft – und streiten sich oft. Theater soll ja einen kreativen und kritischen Dialog zwischen Kunst und Gesellschaft in Gang setzen, ergo beginnt man, wie in diesem Klassenzimmerstück, am besten gleich in der Schule. Die European Theatre Convention (ETC) präsentierte Mitte Mai das Young-Europe- Festival am Theater an der Parkaue in Berlin. Die ETC ist ein 1988 gegründetes, nichtkommerzielles Netzwerk öffentlicher europäischer Repertoiretheater mit über 40 Mitgliedern in mehr als 20 Ländern. Mit interkulturellen Theaterprojekten für und mit Jugendlichen verfolgt sie das Ziel, die Theaterkunst in und außerhalb von Europa zu begründen und zu schützen. Im Jahr 2008 initiierten die ETC und ihre Mitglieder das Projekt „Young Europe: Young Creation and Education in Theatre“, das aus...

Das Young-Europe-Festival in Berlin stellte bohrende Fragen – und warb dennoch für den Kontinent der Krise

Warum überhaupt Europa?

Rechte, keine Wohltaten

Kostüme, Szenerien, Collagen, Skulpturen

Es müssen Köpfe rollen

Herr Castellucci, Sie haben das Malta Festival unter dem Leitmotiv Maschine kuratiert. Warum? Die Beziehung zwischen der Maschine und der Gesellschaft ist ein allgegenwärtiges Thema. Trotzdem ist die Komposition des Programms nicht illustrativ. Der Topos Maschine ist geräumig genug, um auch andere Metaphern zu inkludieren. Ich begreife das Theater als Maschine, als ein Gerät, ein Instrument. Das Theater ist ein Mechanismus, der zum Beispiel Sprache produziert. Jede Komposition, jedes Wort, jede Zahl besitzt einen maschinellen oder seriellen Charakter. Indem das Theater diese maschinelle Struktur anwendet, wird es selbst zu einer Art Maschine. Vom Standpunkt der Maschine ist Theater eine sehr alte Maschine, die noch am Leben ist. Eine alte Maschine, die uns erlaubt, mit Geistern und Phantomen zu sprechen. Und der Schauspieler bildet die Seele dieser Maschinerie. Die Maschinen haben sich jedoch auch zwischen uns und unsere Menschlichkeit gestellt. Sie verändern uns. Wenn wir über den Zusammenhang von Maschine und Theater nachdenken, stellen wir fest, dass die Technik als eine Kraft dem Menschen einerseits äußerlich ist, aber andererseits wirkt diese Kraft auch in uns. Die Technologie prägt unsere Idee, unser Konzept von Leben. Auf dieser Tatsache beruht für Michel Foucault die gesamte Biopolitik – unser „biopolitischer Zustand“. Technologie eröffnet eine...

Ein Gespräch mit Romeo Castellucci, dem diesjährigen Kurator des Malta Festivals in Poznan, über die visionären Momente der Kunst

Die Vermessung der Welt von morgen

„Work hard, play hard?“

Der genetische Code Amerikas

Gut, wenn ein Theaterfestival an die existenziellen Fragen rührt. Schlecht, wenn es seine eigene Existenzberechtigung infrage gestellt sieht. Wozu braucht Berlin das Festival Foreign Affairs? Die Stadt hat das Theatertreffen, die Autorentheatertage, Tanz im August und mit dem HAU mindestens ein Haus, das ohnehin auf Dauerfestival programmiert ist. Matthias von Hartz, der die Foreign Affairs der Berliner Festspiele nach einem Interimsjahr der verdienten Kuratorin Frie Leysen als künstlerischer Leiter übernommen hat, gab sich im Vorfeld demonstrativ gelassen: Er ließ die im Raum stehenden Zweifel lässig abprallen und konterte in Interviews mit der ihm eigenen Gewissenhaftigkeit. Hat sich sein interdisziplinäres Festival mit prominent platzierten Choreografennamen wie Anne Teresa De Keersmaeker und William Forsythe den Spottnamen „Tanz im Juli“ verdient? – Nein, nur drei von 20 Stücken sind Tanzstücke. Gibt es genügend klangvolle Namen in der Performanceszene, um unentwegt große Festivals zu bestücken? – Gegenfrage: Ist das nicht überall so? Auch die interessanten Stadttheater-Regisseure routieren von Haus zu Haus. Und schließlich: Ist der Festivaltermin – vom Herbst in den Sommer verschoben – glücklich gewählt? – Er könne sich nicht vorstellen, gab von Hartz mit der gewonnenen Selbstsicherheit als langjähriger Leiter des Sommerfestivals auf Hamburgs Kampnagel zurück, dass drei Millionen Einwohner sich sonnenbedingt...

Das Festival Foreign Affairs in Berlin ließ Brisanz vermissen – und überzeugte nur dort, wo es mit neuen Formaten experimentierte

Im Bühnensumpf

Der Atem des Raumes

In der modernen Welt ist die künstlerische Freiheit in dreifacher Hinsicht bedroht: 1. durch autoritäre Regime, darunter auch einige gewählte und damit nominell demokratische Regierungen, die direkt Zensur ausüben (so wie man es derzeit beispielsweise in Ungarn und Georgien beobachten kann, wo jüngst die Intendanten der Staatstheater per Dekret abgesetzt wurden); 2. durch führende Politiker und/oder ihre Stellvertreter, die unter dem Label einer liberal-humanistischen Politik Künstlern eine Agenda der „gesellschaftlichen Inklusion“ verpassen. Demnach stehe die Kunst in der besonderen Verantwortung, sich mit Fragen der sozialen und politischen Ungleichheit und Unterdrückung auseinanderzusetzen. Fragen also, auf die die Politik selbst keine Antworten hat; 3. durch die Forderung, Kunst solle vor allem und insbesondere ökonomischen Kriterien genügen. Diese Verwertungsoption birgt die inhärente Gefahr, dass seriöse und profunde Kunst dem kleinsten gemeinsamen Nenner geopfert wird: der populistischen Unterhaltung. Fälle unmittelbarer staatlicher Zensur gibt es zahlreich in der Welt, und sie sind alarmierend. Dennoch wäre es ein Fehler, würden diejenigen von uns, die in scheinbar stabilen Demokratien wie Deutschland und/oder Schottland bzw. Großbritannien arbeiten und leben, glauben, dass in unseren Gesellschaften die künstlerische Freiheit nicht auf dem Spiel stünde. Wie oben bereits angedeutet, kann der Liberalismus selbst, durch die Verpflichtung des Künstlers, bestimmten scheinbar wohlgemeinten...

Macht die Idee einer Kreativwirtschaft Kunst zur Ware auf dem Markt des Entertainment? Ein Aufruf zum Widerstand gegen den kommerziellen Imperativ anlässlich des Festivalsommers 2013

Alle im Webberland

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Norwegens größtes Festival für zeitgenössische Musik heißt Ultima. 1991 gegründet, ist es mittlerweile vom zuständigen Ministerium als kultureller „knutepunkt“ (Knotenpunkt) anerkannt – was ein bisschen an die Förderdebatten über kulturelle „Leuchtturm“-Ereignisse hierzulande erinnert. Vom Konzept her bewegt es sich irgendwo zwischen Donaueschingen und Ruhrtriennale. Von Letzterer übernimmt das Festival auch das von Heiner Goebbels wiederentdeckte Bühnenwerk „Delusion of the Fury“ des US-Musikphilosophen Harry Partch. Der hatte nicht nur ein eigenes mikrotonales Tonsystem, sondern auch ein eigenes Instrumentarium entwickelt, weswegen ihn Zeitgenossen als „Don Quixote der Musik“ belächelten. Rund um Installationen und Werke von Charles Ives bis Carola Bauckholt bietet Ultima-Chef Lars Petter Hagen ein ideenreiches, spartenübergreifendes Programm, das sowohl im Opernhaus wie auch in Clubs und Industriebauten über die Bühne geht. Das Ensemble Modern spielt zur Eröffnung Frank Zappa, und aus Asunción (Paraguay) ist das Orquestra de Instrumentos Reciclados de Cateura dabei, dessen Mitglieder aus Mülldeponie- Material Violinen, Gitarren und Celli gebaut haben – ein exemplarisches soziales Musikprojekt. Klangspuren, das Tiroler Festival für Neue Musik, feiert 20. Geburtstag – mit prominenten Gästen wie dem Klangforum Wien und dem Quatuor Diotima. Das Jubiläumsthema heißt „Romantisches Erbe“. Eröffnet wird spektakulär – mit einem Konzert für historische Traktoren vor der Stadtpfarrkirche in Schwaz....

Pilger, Traktoren und Recycling-Orchester

Musik

Als im Mai in Berlin das Theatertreffen tobte, fand sich mein geschätzter Kollege Dirk P. zu der Feststellung ermutigt: „Wie viel wichtigtuerischen Wind die eingeladenen Inszenierungen machen! Und wie wenig sie zu sagen haben!“ Was er nicht sagte: dass dies auch das Resümee der ganzen letzten Berliner Spielzeit gewesen sein könnte. Viel wichtigtuerischer Wind, aber wenig wirkliche Glücksmomente (Antú Romero Nunes’ „Räuber“ im Maxim Gorki Theater etwa oder Stephan Thiels „X-Freunde“ im Theater unterm Dach), aber was blieb noch im Gedächtnis? Keiner kann mehr Shakespeare, Ibsen, na ja … Horváth kann nur noch Marthaler. An fünf Tagen im Juni haben wir begriffen, wen wir im Kastanienwäldchen verloren haben, dafür ist das Spaßtheater auf dem Vormarsch, und im Prater hat ein cleveres Gaunerpärchen des Kaisers neue Kleider neu entdeckt. Trotzdem sollten wir nicht übersehen, was sich am Schiffbauerdamm für eine interessante Nische aufgetan hat. Mit der Lesereihe „DDR-Dramatik“ will das Berliner Ensemble an „vergessene und verbotene Dramen aus der DDR-Zeit“ erinnern. Der Auftakt war Programm: Heinar Kipphardts „Shakespeare dringend gesucht“ von 1953 führt einen leidenschaftlichen, in seiner Kompromisslosigkeit auch leicht komischen Dramaturgen vor, der in einem Wust von Talentlosigkeit den Shakespeare der Gegenwart findet, verliert und zurückgewinnt, der ein Arbeiter ist,...

Ein Nachwort zur letzten Spielzeit

Linzers Eck: DDR-Dramatik im Gartenhäuschen

Gegenwind gab’s von Anfang an. „Zeigen Sie erst mal, was Sie machen, ob es Qualität hat und ob bei der Schuljugend überhaupt ein Bedürfnis besteht“, sagte der Kulturbeauftragte der Stadt München, als er 1953 von Theatergründer Sigfrid Jobst nach finanzieller Unterstützung für die Münchner Märchenbühne gefragt wurde. Heute nennt sich das zunächst als Privattheater gegründete Haus „Schauburg – Theater der Jugend“ und bildet treulich, inhaltlich und ästhetisch die Geschichten und Kämpfe des westdeutschen Kindertheaters ab. Dem Wahren, Guten und Schönen verpflichtet, inszenierte Gründer Jobst Märchen und Klassiker als Bilder- und Gefühlstheater, bis 1969 dann die Bilder gestürmt wurden. Unter Norbert J. Mayer zogen Grips-Stoffe und Diskurstheater auf die Bühne, das Modell der Mitbestimmung rieb sich regelmäßig mit Schulreferat, Kultusministerium und theaterfernen Verwaltungsleitern. Unter vorgehaltener Hand wurden Schulklassen vor dem Theaterbesuch gewarnt. Auch als Bildphantasien den Wohnküchenrealismus ablösten, kam es zu Protesten und Skandalen, von Schließung war die Rede. Unvergessen, als Jörg Hube in „Stifte mit Köpfen“ als Kapitalist aus dem Publikum kam und von den Schülern fast verprügelt wurde, weil es nicht als Theater erkannt wurde und sie meinten: „Diese Sau knöpfen wir uns mal vor.“ Der Kampf um künstlerische Unabhängigkeit wurde erst 1983 unter Jürgen Flügge gewonnen, der als...

Die Münchner Schauburg, das älteste westdeutsche Kinderund Jugendtheater, wird 60 – und gibt sich nach wie vor streitbar

Bilder gegen den Strom

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Herr Castorf, in Ihrem „Ring“ ist das Öl das Gold des Rheins. Wie sind Sie darauf gekommen und warum? Es ist schon mit dem Gold so ein Problem, als Tauschobjekt. Richtig essen kann man es nicht. Und Öl können wir auch nicht essen. Aber fast alles funktioniert über dieses Öl. Und vor allen Dingen Kriege, menschliches Unglück. Das zieht sich durch wie eine Blutspur. Am Ende des „Rings“ wird die Welt entbrannt sein. Es werden zur Wahl gehende Demokraten vorkommen, die „Heil“ schreien. Aber tatsächlich merken wir, dass da eine ungeheure nihilistische Stimmung ist, die vielleicht aber auch schön ist – dass nichts bleibt, wie es war. Diese demokratischen Segnungen, die wir alle erfahren – da müssen wir sagen, die sind entstanden über Blut und Terror. Das war nicht anders als die ursprüngliche Akkumulation, die der Kommunismus in Sowjetrussland erfahren hat. Für mich ist die zwiespältigste Figur der Hagen. Eine böse Figur, eine schöne Figur, eine anarchische Figur, aus Dreck geboren, Spottgeburt, etwas Mephistophelisches. Das sind immer so die Spiele, die mich interessieren. Ein forcierter Eklektizismus, den ich versuche, in so einer Inszenierung auf die Bühne zu bringen, auch mit einem Sinn für Humor. Sie haben gerade bei Hagen diese...

Frank Castorf über seine „Ring“-Inszenierung im Gespräch mit Michael Schmidt

Der Big Big Burger

SCORES

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Festival der Besessenen

Am Ende waren es ein paar Jahre zu viele. 35 Jahre lang prägte Dieter Dorn das Münchner Theaterleben, zuerst als Oberspielleiter, dann als Intendant der städtischen Kammerspiele; und als er 2001 ans staatliche Residenztheater wechselte, weil Münchens damaliger Kulturreferent Julian Nida-Rümelin einen Neuanfang an den Kammerspielen mit Frank Baumbauer wollte, schien es ein Glücksfall, dass Dorn der Stadt erhalten blieb. Der Auftakt mit Shakespeares „Kaufmann von Venedig“ im Herbst 2001 mit Thomas Holtzmann in der Titelrolle und Rolf Boysen als Shylock war noch einmal eine Demonstration der alten Stärke von Dorns textzentriertem Schauspielertheater, das die Kammerspiele unter seiner Ägide einst zu einer der ersten Bühnen der Republik gemacht hatte. Doch schon bald erwies sich Dorns letzte Münchner Dekade als bleierner Epilog zur vormals goldenen Ära. „Spielt weiter!“ – das könnte Dorns trotziges Motto gewesen sein, als seine immer interpretationsscheueren Stückarrangements zunehmend Claus Peymanns alten Boutiquen-Theater-Vorwurf bestätigten. Nun ist es der Titel seiner Autobiografie, von deren Cover herab Dorn den Leser mit Entschlossenheitsmiene anblickt. Bei genauerem Hinsehen ist aber auch ein süffisanter Zug um die Lippen zu erkennen, der Anflug eines altersmilden Lächelns. Mit zerzauster Silbermähne und in seiner Lieblingsjacke – schwarz mit grauen Punkten, die perfekt mit der Haarfarbe korrespondieren...

Dieter Dorn: Spielt weiter! Mein Leben für das Theater. Autobiografie. C. H. Beck, München 2013, 427 S., 24,95 EUR.

Tratschender Prospero

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Inklusive Ansätze erproben!

Die Tragweite, die Medienrevolutionen für Gesellschaften und deren Zusammenleben, ja selbst für die basalsten Formen des menschlichen Weltzugangs haben, ist für diejenigen, die den Umbruch unmittelbar miterleben, nur selten absehbar. Mit den fundamentalen Konsequenzen der jüngsten dieser Revolutionen – der digitalen Revolution – beschäftigt sich der Philosoph Byung-Chul Han in seinem Essay „Digitale Rationalität und das Ende des kommunikativen Handelns“. Der aus Südkorea stammende Han hat sich bereits in mehreren kulturkritischen Essays als ein geistreicher Zeitdiagnostiker erwiesen und so eine gewisse Popularität erlangt. In der vergangenen Spielzeit inspirierte sein Text „Die Müdigkeitsgesellschaft“ sogar eine interaktive Theaterinszenierung in Karlsruhe (siehe TdZ 04/13). Wie viele einflussreiche Medientheoretiker geht auch Han davon aus, dass die Kommunikation über das Internet eine völlig neue Spezifik besitzt. In den digitalen Welten komme es zu einer zunehmenden Insularisierung und Privatisierung der Individuen. Das kommunikative Handeln, das berühmte Ideal von Jürgen Habermas, nach dem der Einzelne seine Ansprüche nach Maßgabe idealer, rationaler Akzeptierbarkeit der Gemeinschaft zur Diskussion vorlegt, sei im Verfall begriffen. Während die konventionellen Massenmedien noch große Teile des sozialen Körpers zu integrieren vermochten und Raum für eine politische Öffentlichkeit boten, kenne das neue Medium keine verbindenden Institutionen mehr. Vielleicht aber, so die Anschlussfrage Hans, macht das...

Byung-Chul Han: Digitale Rationalität und das Ende des kommunikativen Handelns. Matthes & Seitz, Berlin 2013, 44 S., 5,00 EUR.

Insularisierte Individuen

Knapp ein Jahr ist es nun her, dass in Moskau der Prozess gegen die Mitglieder der Punkband Pussy Riot stattfand. Erst kürzlich protestierten über 100 Künstler, darunter Elton John, Madonna und Yoko Ono, in einem von Amnesty International initiierten Brief erneut gegen das Urteil. Kunst gegen den Staat – hat das eine Chance? Unsere Russlandkorrespondentin Olga Galachowa sagt Ja und verweist auf Milo Raus „Moskauer Prozesse“. Eine Gerichtsreportage anlässlich des ersten Jahrestages der Verurteilung. Im März dieses Jahres stellte der Schweizer Regisseur Milo Rau mit seinem International Institut of Political Murder das Projekt „Die Moskauer Prozesse“ vor, das die Geschichte der drei aufsehenerregenden Gerichtsprozesse um Religion rekonstruierte, die in den letzten zehn Jahren in Russland stattgefunden haben: die Prozesse gegen die Organisatoren der Ausstellungen „Vorsicht, Religion!“ und „Verbotene Kunst“ sowie der Prozess gegen drei Mitglieder der Punkband Pussy Riot. Ich gestehe, ich ging nicht ohne Vorbehalte zu dieser Aktion. Das dokumentarische Theater in Moskau ist zwar recht erfolgreich (siehe vor allem das Teatr.doc), doch wird die angekündigte Form, eine imitierte Gerichtsverhandlung, allzu oft strapaziert. So gab es früher in der UdSSR inszenierte Gerichtsprozesse in Fernsehstudios, Schulen und an Universitäten, wobei die Angeklagten jedoch keine realen Personen waren, sondern literarische Gestalten...

Milo Raus „Moskauer Prozesse“ halten auch ein Jahr nach dem Urteil gegen Pussy Riot die Utopie einer Zivilgesellschaft in Russland lebendig

5 : 1 für den Humanismus

Wer sich mit dem Septemberheft auf eine Tour d’Horizon durch den Theatersommer 2013 begibt, wird bald zweier scheinbar voneinander unabhängiger thematischer Linien gewahr. Geschichte und Politik bilden das eine große Thema, wie Frank Castorfs wuchtige Interpretation von Wagners „Ring“ in Bayreuth zeigt. Gunnar Decker verfolgt, wie der Regisseur Wagner mit seinem Kunstwerk der Zukunft beim Wort nimmt. „Ein Gesamtkunstwerk für alle und kein Reservat für Besserverdienende“ (Durchschnittskartenpreis des „Rings“ derzeit...

Editorial

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

Ob es um neugierige Körper geht, die spielen, sich begehren, es aber nie ausleben können, weil sich das Begehren immer wieder in Distanz oder Skepsis verwandelt, sobald sie sich annähern („In Motion“, UA 2012), um Menschen, die sich nach Bewegung und Tanz im öffentlichen Raum sehnen, aber staatlichen Einschränkungen unterliegen („Don’t Move“, UA 2011), oder um physische Konfrontation von Angehörigen zweier „feindlich“ gesinnter Staaten, die mit der immerwährenden Angst eines drohenden Krieges leben müssen („I LOVE I“, UA 2013, alle Uraufführungen im Ballhaus Naunynstraße): Modjgan Hashemians Tanzgeschichten drängen das (kaum) Empfundene zur Äußerung. Sie stellen einerseits in persönlichen Geschichten immanente Reibungen dar und fangen andererseits Augenblicke der Erinnerung ein, die entweichen wollen. Manche Orte assoziiert man mit Sehnsucht. Man möchte dorthin, wenn es ginge. Man möchte vielleicht dort bleiben, wenn man dort bleiben könnte. Manchmal fühlt man sich auch genau dann am unsichersten, wenn man Dinge erreicht hat, nach denen es einen verlangte. Die 1975 in Berlin-Kreuzberg geborene deutsch-iranische Tänzerin und Choreografin ist eine Expertin darin, die Grenzen zwischen dem Möglichen und dem Unmöglichen, zwischen individuellen Wünschen und äußeren Sachzwängen auf der Bühne zu verwischen. Als kleines Kind lebte sie in Teheran, nach der Revolution 1979 mussten Frauen plötzlich ein...

Die deutsch-iranische Tänzerin und Choreografin Modjgan Hashemian zeigt Menschen zwischen Wünschen, Restriktionen und drohendem Krieg

Schwing nicht mit der Hüfte

Christian Grashof wurde am 5. August 1943, auch er noch ein Kriegskind, in der böhmischen Glasbläserstadt Gablonz geboren, studierte von 1964 bis 1967 an der Staatlichen Schauspielschule Berlin, die heute „Ernst Busch“ heißt, und hatte das Glück, danach im damaligen Karl-Marx-Stadt engagiert zu werden, wo die DDR-Intendantenlegende Gerhard Meyer eine Art Talentschmiede betrieb; die Namen seiner „Schüler“ sind Legion und weithin bekannt. Seit ich dort seinen Merkl Franz („Kasimir und Karoline“) und seinen Ferdinand gesehen habe (beide Male mit Jutta Wachowiak als wunderbarer Partnerin), liebe ich Christian Grashof, der Genauigkeit und Schärfe der Charakterzeichnung mit einer Leidenschaft verband, die damals nicht gang und gäbe war. So kam er 1970 ans Deutsche Theater Berlin, spielte den Torquato Tasso in Friedo Solters Regie, die ohne aktualisierende Mätzchen darauf verwies, dass der Konflikt zwischen Geist und Macht auch im Real-Existierenden virulent war. Dann war er erst Partner von Alexander Lang (in Volker Brauns „Kipper“, Athol Fugards „Insel“ und natürlich Heiner Müllers „Philoktet“), sodann dessen Protagonist in mehreren Inszenierungen, von denen „Dantons Tod“ die zweifellos herausragendste war. Und das nicht nur, weil Grashof virtuos den Danton und den Robespierre spielte, sondern wie er sie spielte, als zwei Seiten einer (nicht nur historischen) Medaille. Das...

Dem Schauspieler Christian Grashof zum Siebzigsten

Glückwunsch und: Weitermachen!

The Case of Digital Arts

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Meldungen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Der Verlag Theater der Zeit, der Anfang des Jahres als Mitherausgeber eines aufwendig gestalteten Buchprojekts mit dem Titel „Staatsschauspiel Dresden. 100 Jahre Schauspielhaus“ hervortrat, hat mit dieser Entscheidung ein unübersehbares Zeichen der Nähe und Verbundenheit gesetzt gegenüber einem Haus, das über ein ganzes Jahrhundert die Widersprüche deutscher Geschichte in seltener Spannung als Höhen und Tiefen in seinen eigenen Theaterverhältnissen gespiegelt und ausgetragen hat. Nicht zuletzt deshalb scheint es an dieser Stelle geboten, sich neben der Verbeugung vor dem „großen“ auch eines weiteren „kleinen“, erst 25 Jahre zurückliegenden Gründungsdatums innerhalb dieser 100-jährigen Geschichte zu erinnern, das im Schatten der aktuellen Säkularfeiern des Schauspielhauses leicht zu übersehen war – leider auch im Jubiläumsband –, aber nicht übersehen werden sollte: das Datum des 4. September 1988, an dem das Dresdner Brettl als „relativ selbständige Einrichtung des Staatstheaters“ erstmals seinen Spielbetrieb aufnahm. Was sich hinter dieser zunächst eher rückversichernd und leicht gestelzt wirkenden Formulierung tatsächlich verbarg, war nichts weniger als eine Sensation und verweist auf die widersprüchlichen, jedenfalls nicht bloß als „einfache Wahrheiten“ abzuhandelnden Gegensätze von Widerstand und Anpassung, Größe und Versagen, dem Mut zur Freiheit der Kunst und ihres Verlustes zu allen Zeiten. Im „Dämmerlicht“ der DDR des Herbstes 1988 jedenfalls vollzog sich...

Vom Kellertheater zum Theaterkahn: Das Dresdner Brettl, 1988 als „relativ selbständiges“ Theater in der DDR gegründet, feiert 25-jähriges Jubiläum

MS Eigensinn

Jetzt haben wir den Rhein verpasst!“, schreckt die Reiseführerin in spe aus ihrem eigenen Vortrag auf. Der nur spärlich gefüllte Reisebus hat gerade die Fleher Brücke zwischen Düsseldorf und Köln passiert, als das „fahrende Diskursprogramm“ einen Moment lang innehält und auf den mit viel Wasser gefüllten Fluss zurückblickt. Dann kehrt Barbara Vinken, Professorin für Allgemeine und Französische Literaturwissenschaft, zurück zu ihren Ausführungen über schöne Männerbeine, den überwältigenden globalen Erfolg des modernen Anzugs und die Beinfreiheit der Frauen. Das Impulse-Festival, seit diesem Jahr unter der künstlerischen Leitung von Florian Malzacher, bespielt wie zuvor die vier Städte Bochum, Mülheim an der Ruhr, Düsseldorf und Köln. Die Neukonzeption des Festivals firmiert unter dem hinzugewonnenen Namen als Impulse Theater Biennale. Alle zwei Jahre sollen nicht mehr nur die wichtigsten Produktionen der freien Szene im deutschsprachigen Raum Fachleuten und Freiwilligen zugänglich gemacht werden. Es soll auch eine von einem interdisziplinären Beirat abgesegnete Auswahl der Kuratoren – ein Konglomerat von Gastspielen, Neuauflagen und Eigenproduktionen gezeigt werden. „Under the influence“ hieß das Motto, das in diesem Jahr „die Bedeutung nationaler Zuschreibungen und Identitäten“ beschreiben sollte und mit über 14 Produktionen an elf Spielorten und zehn Veranstaltungstagen aufging. Das logistische Problem der Vernetzung zwischen den Städten wird durch...

Die neu ausgerichtete Impulse Theater Biennale in Nordrhein-Westfalen wagt viel, verliert manches und sucht vor allem sich selbst

Auf Bildungsreise

Mit dem Theater die Welt verändern

Das „Gramsci Theater“ ist eine Auftragsarbeit für Thomas Hirschhorns „Gramsci Monument“ (The Bronx, NYC 2013). Es dreht sich um Antonio Gramsci, indem es sich von ihm wegdreht. Gramsci ist der Aufhänger. Es war mir wichtig, ihn nicht in den Mittelpunkt zu stellen, als solitäre Figur. Also entschied ich mich für einen zweiten Mittelpunkt, für eine Ellipse. Dieser andere Mittelpunkt ist Heiner Müller. Die Ellipse markiert die Spannung und den Konflikt zweier Mittelpunkte, die sich wechselseitig bedrohen und definieren. Die Rivalität ist unvermeidbar. Sie bezeugt Nähe und Andersheit. Weitere Figuren sind dazugekommen: Alexander Kluge, Theodor W. Adorno, Bertolt Brecht, Gilles Deleuze, Friedrich Nietzsche, Maurice Blanchot, Jean-Luc Nancy, Martin Heidegger, Jacques Derrida, Marguerite Duras, Alain Badiou, sowie die Erster Marxist und die Zweiter Marxist genannten Figuren. Manchmal habe ich Originalzitate der Protagonisten in den Text einmontiert. Dann wieder lasse ich sie Dinge sagen, die sie nicht gesagt haben und nie gesagt hätten. Zwischen den einzelnen Szenen sind Materialien eingeschoben. Die Materialien sind Kurztexte, die als Kopien zwischen den Szenen von einem der Schauspieler (oder mehreren) im Publikum verteilt werden. Sie haben die Funktion, einen unruhigen Kontakt zwischen Schauspieler und Publikum herzustellen. Die Texte sollen Unruhe produzieren. Sie können während der Aufführung oder...

Gramsci Theater

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Die Taylor Swift unter den Theatern

September 2013

Premieren

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Der Blaha Lujza tér ist ein Platz an der Grenze zur Josefstadt, dem achten Bezirk von Budapest, benannt nach der Schauspielerin und Sängerin Lujza Blaha, die um die Wende zum 20. Jahrhundert in Ungarn als „Nachtigall der Nation“ gefeiert wurde. Schon daran lässt sich ablesen, dass der Platz einmal ein repräsentatives Zentrum der ungarischen Hauptstadt war: Der Prachtboulevard Erzsébet körút beginnt hier, 1908 nahm an dieser Stelle das ungarische Nationaltheater seinen Betrieb auf, und 1926 eröffnete hier das erste Kaufhaus der Stadt, das Corvin. Doch das Theater wurde 1964 zugunsten des U-Bahn-Baus gesprengt – erst 2002 bekam Budapest wieder ein Nationaltheater, ein architektonisches Ungetüm am Donauufer, das seit dem 1. Juli vom neuen Intendanten Attila Vidnyánszky, einem Parteigänger Viktor Orbáns und der rechtspopulistischen Fidesz-Regierung, „national ausgerichtet“ (Vidnyánszky) wird. Und auch vom klassizistischen Prunk des Corvin ist kaum noch etwas zu sehen – der Bau wurde im Krieg schwer beschädigt und in den sechziger Jahren im tristen realsozialistischen Stil renoviert. Heute wirkt der Blaha Lujza tér öde, Shoppingmall, Ramschläden und Callshops mischen sich mit den Relikten einstiger Pracht. Polizisten in hellblauer Uniform kontrollieren im halbstündigen Takt mutmaßliche Obdachlose, die sich auf dem Platz niederlassen könnten. Wobei Letztere sich ohnehin auf den...

Wie in Budapest die freie Szene den öffentlichen Raum zurückerobert, der unter der Orbán-Regierung längst nicht mehr öffentlich ist. Ein Reisebericht aus Ungarn

Weltmeer aus Tränen

Was wäre, wenn die Welt, die ich Wirklichkeit nenne, im Grunde nur eine vollprogrammierte Computersimulation wäre? Was, wenn wir alle, wissend, darin gefangen wären? In ihr noch zum Avatar unserer selbst würden? Und die Grenzen zwischen Ich und Technologie nicht mehr auszuloten wüssten? Dass das Betreten dieses erkenntnistheoretischen Terrains nicht allein dem Film – man denke an Rainer Werner Fassbinders „Welt am Draht“, Peter Weirs „Truman Show“ oder „Matrix“ der Wachowski-Geschwister –, sondern auch dem Theater auf beirrendfaszinierende Weise gelingt, zeigt ein Schwerpunkt der diesjährigen Theaterformen. Die Festivalleiterin Anja Dirks umschreibt ihn mit „posthumane Dramaturgien“ und evoziert Fragen nach einer Kunst nichtmenschlicher Autorschaft, nach Spielräumen der Theatermaschine im digitalen Zeitalter sowie nach der Theatralik, die in der Verwobenheit von Mensch und Technologie liegt. Stefan Kaegis (Rimini Protokoll) für verschiedene Städte entworfener Audiowalk „Remote X“ (u. a. in Avignon, Berlin, Wien und Zürich) lädt in Hannover zur kollektiven und doch (wegen der Kopfhörer) vereinzelten Fernsteuerung ein. Die 50-köpfige Horde und ich warten auf einem Friedhof. Julia, eine computergenerierte Stimme, leitet uns auf unserer imaginären Zeitreise rückwärtsgerichtet vom eigenen Tod bis zur Geburt: durch das „Freiluftmuseum der Statussymbole“, vorbei an den „Aussortierten am Straßenrand“, zur Überquerung „automatisierter Diktaturen“ (Kreuzungen), entlang „der großen...

Die Theaterformen 2013 in Hannover weckten mit simulierten Zeitreisen die Lust zur Manipulation der Realität

Meine Maschine und ich

Er ist einer der größten Weltbürger auf dem Theater: Nirgendwo zu Hause, gehört er überall dazu, auch wenn er sich nirgends zugehörig fühlt: Woyzeck. Eine Dramenfigur, die mit den Moden schwankt, sich mal hierhin, mal dorthin dehnt, für alles und jeden einsteht und dennoch ihr Rätsel zu bergen weiß. Auf der ganzen Welt erklettert Woyzeck Theaterbühnen, und so nimmt es nicht wunder, dass beim Gießener Festival Büchner international Woyzeck- Interpretationen drei Viertel aller Einreichungen ausmachten. Anlass für das Festival war Georg Büchners runder Geburtstag. Am 17. Oktober 1813 wurde er in Goddelau bei Darmstadt geboren, und am 19. Februar 1837 starb er, weswegen das Bundesland Hessen ihm die Jahre 2012 (175. Todestag) und 2013 (200. Geburtstag) als Gedenkjahre mit besonders vielen Veranstaltungen eingerichtet hat. In Gießen drehte sich dabei alles um den genialen Dramatiker Georg Büchner, der mit gerade mal drei erhaltenen Dramentexten („Dantons Tod“, „Leonce und Lena“ und „Woyzeck“) das Theater revolutionierte. In Gießen kamen sie alle zur Aufführung und auch, wie gesagt, immer wieder Woyzeck. Ob als japanische Fukushima- Variante oder in einer aufgekratzten Comicversion aus Belgien. Eine der hinreißendsten Adaptionen stammt von der südafrikanischen Handspring Puppet Company und hat schon etliche Jahre auf dem Buckel. 1992 wurde...

Das Gießener Festival Büchner international jagt einen genialen Dramatiker

In Herz und Hirn

Explodierendes Dokumentartheater

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was können die darstellenden Künste noch? Was ist noch praktikabel? Sollen wir Kritik üben? Sollen wir uns versperren und boykottieren? Dem Bürgertum die Maske vom Gesicht reißen? Nein: Das hat doch keinen Gebrauchswert, zu etwas „ja“ oder „nein“ zu sagen, zu dem ich längst „ja“ oder „nein“ gesagt habe (in diesem schmierigen binären Denksystem), zu etwas, zu dem ich längst eine Meinung hatte. Was kann denn das? – „Ja“: Rassismus ist schlecht. „Nein“: Dem Kapitalismus und seinen Zielen will man sich nicht schenken etc. Zustimmung und Ablehnung von Dingen, denen man bereits zugestimmt, die man bereits abgelehnt hat, das ist verweilen und versöhnen. Zu denken: „Ja – Rassismus ist schlecht“, das versöhnt nur den Rassismus in uns. Weil wir uns so sehr schämen, benehmen wir uns schamlos: Wir gehen ins Theater und lassen uns vorführen, was wir über uns zu wissen glauben: dass wir gute Menschen sind, dass wir einer Meinung sind, dass wir auch so denken! Das hat doch keine Kraft! Vielleicht aber kann ich ja als Künstler wirkliche Transgression schaffen, wenn ich etwas annehme oder hinnehme, das mich noch nie gestreift hat, und auf eine Art und Weise über mich und die Welt denke, die vorher für mich...

Oder: Über das Musical – die Königin der Künste

Les Misérables

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Kennen Sie Sandra Ostermann? Sie stand wohl zufällig an der Bar, als am Eröffnungstag des Oberhausener Wettbüros die geheimagentur eine riskante Wette akzeptierte: Ich wette, dass es den geheimagenten nicht gelingen wird, bis zum Ende der Veranstaltung am 28. Juni eine/einen Oberbürgermeisterkandidatin/- kandidaten der Öffentlichkeit vorzustellen. Top! Die Wette gilt – Sandra Ostermann entschloss sich spontan und sagte zu. Und so wurde aus der parteilosen Lehrerin und leidenschaftlichen Theatergängerin eine potenzielle OB-Kandidatin und aus den anonymen Performern ihr temporäres Wahlkampfteam. Das Oberhausener Wettbüro, würdig installiert in leerstehenden Räumen am Oberhausener Hauptbahnhof, ist der Auftakt einer mehrjährigen Zusammenarbeit im Rahmen des Doppelpass-Fonds der Kulturstiftung des Bundes zwischen dem Theater Oberhausen und dem Performancekollektiv geheimagentur. Das Projekt schließt an den Erfolg der „Schwarzbank“ der vergangenen Spielzeiten an, mit der eine neue selbstverwaltete Währung für Oberhausen eingeführt wurde. Das gar nicht fiktive Wettbüro, dessen wichtigstes Requisit ein Taschenrechner und eine Kasse wurde, erlebte mit der Nominierung der potenziellen OB-Kandidatin einen frühen Höhepunkt, der vor allem das mediale Interesse der lokalen Presse schürte. „Alles oder Alles“ forderten die geheimagenten die Stadt Oberhausen auf: 5000 Euro war der Wetteinsatz der Performer, der Mindesteinsatz je Wette lag bei einem Euro. Das Prinzip ist einfach: Wer sich...

Wie die Stadt Oberhausen durch das Kollektiv geheimagentur einem Wettrausch verfiel

Kleckern oder klotzen?

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

So müsste Rost klingen: dunkel, heiser, roh. Im Szenelokal „Dampfschiff“ gehört diese Stimme einem jungen Mann. Sein Gesicht ist schweißgebadet; sein Körper biegt sich wie ein Schilfrohr, um jeder musikalischen Wendung eine unverwechselbare Haltung abzutrotzen. Der Zuhörerin wird heiß und kalt – und das soll auch so sein, wenn Aaron Hitz Songs von Tom Waits murmelnd, grollend und polternd zum Besten gibt. Herrschaft, der kann ja singen, denkt die Besucherin und errötet innerlich: Wieso soll ein Schauspieler nicht so singen können wie dieser 29-jährige Schweizer, der – lässt man seine Vita Revue passieren – ein Alleskönner ist. Ein großes Wort, das Aaron Hitz bestimmt nicht in den Mund nehmen würde. Dafür drei Worte, die Bescheidenheit und Selbstkritik verraten: „Alles bringt etwas.“ Um diesem „alles“ auf die Spur zu kommen, muss man im Lebensbuch des Schweizers zurückblättern. Nicht allzu weit, schließlich ist er noch keine 30. Dass er, im Schweizer Mittelland aufgewachsen, bereits im Gymnasium Theater gespielt hat, nimmt man gerne auf, doch vom Sessel reißt einen dieses Bekenntnis nicht. Aber dann kommt einer dieser vielen, fast beiläufigen Nebensätze: „Ich wollte herausfinden, ob mein Hobby berufstauglich ist.“ Es war, denn nach der Schauspielausbildung in Bern wurde er sogleich ans Theater Biel...

Der Schweizer Schauspieler Aaron Hitz singt wie Tom Waits und spielt wie der Teufel

Wo der Regen klingt wie Applaus

Frau Bendokat, das „Nö“, wo wir uns treffen, ist schon seit vielen Jahren Ihre Berliner Stammkneipe. Ist es wahr, dass Sie früher von Ihrer Wohnung aus immer über die Dächer zu Katja- Lange Müller geklettert sind, die über dem „Nö“ wohnte? Ja, das stimmt. Katja war gerade bei meiner Geburtstagsfeier. Nach der Feier sind wir hoch zum Balkon gestiegen, und sie hat mich angeschaut und gefragt: Wie haben wir das damals bloß gemacht? Sie wohnte hier oben, ich um die Ecke, und wir sind zueinander über das Dach geklettert. Es ging einfach schneller als die Treppen herabund hinaufzusteigen und über die Straße zu gehen. Aber es war auch ein Leichtsinn sondergleichen. Wenn ich mir vorstelle, dass meine Kinder oder Enkelkinder so etwas machen würden, das wäre furchtbar. Und Heiner Müller hat es Ihnen verboten? Ja, er gehörte zu denen, die gesagt haben, dass wir damit aufhören sollen. Um direkt bei Müller zu bleiben: Eine Ihrer Theaterszenen, die mich besonders fasziniert, ist Ihr Auftritt als Chor in Gotscheffs „Persern“ nach Müller am Deutschen Theater in Berlin: die lange Rede zu Beginn, in der sie die Namen der gefallenen Perserkrieger aufzählen. Es ist, als käme Ihr Sprechen dabei von unendlich weit her,...

Romeo Castellucci: Zurück in die Zukunft

Assoziationen

Theater der Zeit 9/2023

Queeres Theater

Neuerscheinungen im Verlag