Totkürzungen drohen

Die Heterotopien erhalten

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Der Nachbar meiner Kindheit war der Besitzer eines Kinos, das sich in der Nähe einer belebten Straße befand. Ich ging oft in das Kino, stand auf dem Balkon des Vorführraums im zweiten Stock und beobachtete das Leben und die Paraden auf der Straße. Von der Terrasse schaute ich auf die Menschenmassen, die Umzugswagen und die kostümierten Menschen. Gleichzeitig konnte ich durch das Projektionsloch im Raum hinter mir schauen und versuchen, einen Blick auf den Film zu erhaschen, der gerade im Kino gezeigt wurde. Diesen Wechsel zwischen Realität und Fantasie zu erleben, hat mich als Kind zutiefst beeindruckt. Wir leben im Zeitalter der Globalisierung und der Nicht-Orte. Wir suchen alles im Internet und sehnen uns gleichzeitig nach realen Abenteuern. Aus dieser Sehnsucht heraus fragen wir uns: Sind diese Orte unsere „neue Welt“? In dieser Zeit lässt uns die Kunst die Aufregung des Abenteuers spüren. Das Ziel des Theaters besteht daher darin, ein Umfeld zu schaffen, in dem der:die Künstler:in Risiken eingehen kann, um dem Publikum etwas zu präsentieren, das es noch nie zuvor gesehen hat. Das Theater hat seinen dominanten Platz in der Medienlandschaft aus dem 18. und 19. Jahrhundert verloren, darüber müssen wir uns im Klaren sein. Aber auch die...

Serie: Warum wir das Theater brauchen #06

Theater für Taiwan

Nur etwa hundert Schritte trennten mich vom Magdeburger Puppentheater, als ich im Juli 1995 mein erstes Dezernatsbüro in der Schönebecker Straße bezog. Diese Nähe trug zu meinen wertschätzenden, intensiven Begegnungen und einer gewachsenen, engen Freundschaft mit zwei Persönlichkeiten, deren Wirken als Intendant und Künstlerischer Leiter die eigenständige Bedeutung des Genres „Puppenspielkunst“ und ihre Entwicklung weit über Magdeburg hinaus wesentlich bei. Sich zum einen seiner Tradition des Puppenspiels von europäischer Dimension erinnernd, hat das Magdeburger Puppentheater, also das Figuren-, Bilder-, Objekt- und Animationstheater, in den zurückliegenden dreißig Jahren zudem vielfältige Facetten hinzugewonnen, es damit nachhaltig verändert und neue Publikumsschichten erobert. Von Magdeburg aus gingen von Michael Kempchen und Frank Bernhardt, ihrem Ensemble, strukturelle und künstlerische Impulse aus, wurde Magdeburg auch zu einer internationalen Plattform für eine experimentelle, interdisziplinär und auch intermedial ausgerichtete Kunstform, mit Nähe zu weiteren zeitgenössischen Kunstströmungen. Geboren und aufgewachsen in Tangerhütte begann Michael Kempchen nach einem Studium der Ökonomie seine Tätigkeit am Magdeburger Puppentheater im Jahr 1985 als Verwaltungsleiter. Seit 1990 hat er es als Intendant zu dem gemacht, was es heute ist. Gemeinsam mit Frank Bernhardt gelang ihm nach der Wende eine künstlerische und strukturelle Neuausrichtung, er entwickelte das Haus zu einem der führenden Puppentheater in Deutschland...

Zur Verabschiedung des Magdeburger Theaterleiters Michael Kempchen

Ein Leben für das Puppentheater

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Die Politikerreden zum Auftakt zeigen es bereits: Da wird mit Stolz auf die Vielsprachigkeit dieses Landes verwiesen, gerade hier in Fribourg, einer der wenig echt zweisprachigen Städte in einem der wenigen zweisprachigen Kantone der Schweiz, und dann, als man aus Unterstreichungsgründen kurz in die Nichtmuttersprache wechselt, stolpert dann doch Redner nach Redner über jedes zweite Wort. Die Schweiz hat viele Sprachen, aber man bleibt am liebsten in der eigenen. Was fürs Theater heißt: Es ist zwar möglich, in kurzer Fahrtzeit die meisten Spielstätte des Landes zu erreichen, aber den sogenannte Rösti- beziehungsweise ­Polentagraben (die gedachte Linie, die die Deutschschweiz von der französischen, bzw. italienischsprachigen trennt) überquert man dafür dann eben doch nie. Man ist sich fremd, was die auf dem Theater gesprochene Sprache, aber auch was die Theatersprache selbst anbelangt. Die Orientierung richtet sich zum jeweils sprachverwandten Ausland. Und so kann man in der Westschweiz auch nach Übersetzung nicht recht verstehen, was das sein soll, dieses „Stadttheatersystem“ und in der Deutschschweiz fragt man sich, wo denn die Ensembles sind, die zu all den Häusern gehören. Eine, die das Land bereist hat, um Brücken über besagte Gräben zu bauen, ist Julie Paucker, Alleinjurorin und Kuratorin dieses Festivals. Sie hat die Aufgabe,...

Das zehnte Schweizer Theatertreffen 2023 in Fribourg

Im vermeintlichen Theaterniemandsland

Hamburger Marathon

Die Hitze flirrt in diesem Juli auf einem unerträglichen Niveau. Davon unbeirrbar schlängelt sich der klimatisierte Linienbus auf der Anfahrt aus Athen durch malerische Berg- und Waldlandschaften. Dabei verläuft die Straße in Richtung Epidauros oftmals direkt am Meer entlang. Die Aussicht könnte schöner nicht sein. Etwa auf der Höhe von Korinth dann der jähe Bruch beim Genuss der Natur: Rechts durch das Fenster gerät einer der im Land unerbittlich lodernden Waldbrände in den Blick. Hinter den Hügeln steigen unablässig Rauchwolken auf. Noch vor einer Woche hat die Polizei den Bus an genau dieser Stelle wegen des Feuers den gesamten Verkehr gestoppt, berichtet der junge griechische Sitznachbar. Für drei Stunden ging es nicht mehr weiter. Diesmal ist die Durchfahrt frei. Der bis auf den letzten Platz vollbesetzte Bus befördert an diesem Nachmittag vor allem lokale Reisende, zudem einige Besucher, die das Athens Epidauros Festival ansteuern. Höhepunkt des Theaterfestivals in diesem Sommer: Die Weltpremiere von Frank Castorfs „Medea“. Die Kulisse hierzu könnte nicht beeindruckender sein: Spielstätte ist das historische antike Theater von Epidauros, errichtet im vierten Jahrhundert vor Christus. Im Hintergrund des spätklassischen Bauwerkes erstrecken sich weite Waldflächen; am Horizont verläuft die Berglandschaft der Argolis. An zwei Abenden strömen jeweils imposante neuntausend...

Frank Castorf inszeniert „Medea“ im antiken Theater von Epidauros – vor neuntausend Zuschauer:innen

Vom unheimlichen Knarren unserer Zeit

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Wir befinden uns „in ’nem Scheißkaff in ’ner Scheißgegend.“ So empfindet es Jonas jedenfalls, den sein Vater soeben aus Hamburg hierher verpflanzte, wo sie das Lied vom Tod spielen und Tumbleweed durch die Gegend rollt, in einer Videosequenz. Der Niederländer Joachim Robbrecht hatte „Bromance“, sein Drei-Personen-Jugendstück, „irgendwo in der Provinz“ verortet: 16 lose verbundene Szenen über drei vielleicht Sechzehnjährige, 2016 in Enschede und Arnheim uraufgeführt. Die Deutschsprachige Erstaufführung assoziiert halbwegs kenntlich die Peripherie ihres Ortes damit: irgendwo in der geschichtsträchtigen Stadt Eisenach, die über eine starke Kulturtradition verfügt, aber nur sehr bedingt über pulsierendes Leben; in der seit elf Jahren eine linke Oberbürgermeisterin regiert, flankiert von der größten Fraktion, die ihre Partei im Stadtrat stellt, wo aber zugleich jeweils vier Abgeordnete der AfD und der „Heimat“, ehemals NPD, sitzen. Die sehr frische und unterhaltsame Inszenierung von Klaus Köhler (Staatstheater Mainz) könnte aber genauso gut in Rudolstadt oder Meiningen siedeln, wo das kleine Landestheater mit „Bromance“ bei seinen Partnerbühnen gastiert. In jedem Fall fällt sie hier weitaus stärker auf als in einer Großstadt. Gewinnt sie doch diesem Stück, das seine mit Jugendsprache und Kraftausdrücken durchsetzte Grundkonstellation heteronormativer Klischees heftig ins Wanken bringt, indem es seinen Figuren eine homoerotische Erfahrung beschert, durch...

Am Landestheater Eisenach setzt das Junge Schauspiel auf Diversität und Queerness

Nicht gerade die bunteste Stadt

Der Materialergründer

Am 11. Juli ist der Bühnenbildner Hans (-Joachim) Schlieker in Berlin im Alter von 74 Jahren gestorben. Kennengelernt habe ich Schlieker 1990 am Rande einer Vorstellung von „Hamlet/Maschine“ in der Kantine des Deutschen Theaters. Gemeinsam gearbeitet haben wir an Müllers Inszenierungen von „Quartett“ und „Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui“ am Berliner Ensemble. Aber natürlich hatte ich Anfang der achtziger Jahre an der Volksbühne „Der Auftrag“ und „Macbeth“ gesehen, die prägendsten Erfahrungen jener Zeit, Aufführungen, die anders waren als alles andere, weil etwas anderes versucht wurde, politisch und ästhetisch. Schlieker war Beleuchter an der Volksbühne Benno Bessons. Die Kantine war damals das Herz der Theater wie die Bühnentechnik Sammelbecken einer renitenten Bohème, unangepasst und neugierig. In der Kantine der Volksbühne saß Schlieker und las Nietzsche. Heiner Müller, der immer Interesse an „neuen“ Menschen hatte, wurde auf ihn aufmerksam, sah sich dessen Bilder an und die Premiere eines 16 mm-Experimentalfilm im Künstlerclub Möwe: „Heiner saß da, umringt von einer großen Gruppe, ich kam irgendwann dazu. Er guckte nach unten und sagte nur irgendwann: Arbeiten wir zusammen?!“ (Hans Schlieker) 1980 bekam Müller das Angebot „Der Auftrag“ zu machen, er fragte Schlieker: „Wat willste machen?“ Schlieker: „Ja, was machst’n du?“ – „Ich mach...

Zum Tod von Hans-Joachim Schlieker

Die Texte atmen lassen

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Kompositionsprinzip Collage

Angstlos! Heimatlos?

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Es müssen Köpfe rollen

Was macht das Theater, Alexander Karschnia?

Cecilia Hussinger über ihre Theatersozialisation in der Großstadt Laut Relevanzmonitor Kultur von der Bertelsmann Stiftung geben 91 Prozent der Menschen in Deutschland an, dass es für sie von großer Relevanz sei, Kultur in Thea­terhäusern für kommende Generationen zu erhalten. Vier von zehn jungen Erwachsenen drücken jedoch aus, dass sie nicht das Gefühl haben, dass sich die kulturellen Angebote an sie richten würden. Ich ge­höre auch dazu. Ich bin in einem ostberliner Randbezirk aufgewachsen und Theater war immer Teil meines Coming of Age, ich bin praktisch mit Theater sozialisiert – sei es auf der Bühne im Jugendclub oder als Teil des Publikums. Auch ich stimme zu: Für einen erheblichen Eintrittspreis drei Stunden lang auf einem roten Samtsitz zu sitzen und sich schwerverständliche, glatte Stoffe anzuschauen, ist für mich und andere junge Menschen einfach nicht attraktiv genug. Warum dann nicht queere Themen auf Bühnen bringen? Queerness ist so sichtbar wie noch nie, und gerade die Generation Z ist so queer wie noch keine andere Generation davor. Daraus lässt sich aber nicht schlussfolgern, dass Queerness ein Trend ist. Ein Blick in die Geschichte zeigt, dass queere Menschen und Lebensweisen schon immer da waren. Die Gesellschaft war schon immer vielfältiger, als sie aus der...

Während sich dieser Schwerpunkt mit queeren Ästhetiken und Themen an Theatern auseinandersetzt, soll dieser Text vor allem auf das Publikum fokussieren. Wir stellen uns die Fragen: Wer ist das Publikum von queeren Stücken? Welche Städte haben queere Stücke im Programm? Und kommen diese Stücke beim Publikum an?

Versuch einer Publikumssoziologie queerer Theater-Ästhetiken zwischen Berliner Großstadt-Blase, niedersächsischem Mittelstadt-Publikum und Tübinger Aktivismus

Zu woke für das Publikum?

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Wo lässt sich am besten Theater spielen? Natürlich könnte man zuerst denken, dort wo das Publikum lauert, unterhalten werden will, den kritischen Geist schulen möchte und obendrein möglichst viele von seinesgleichen wähnt. Das wird man wohl nur in großen Städten so finden. Heute zeichnen wir die Seebühne Hiddensee aus, die von Wiebke Volksdorf geleitet und von Karl Huck hauptsächlich als Puppentheater bespielt wird, auf einer autofreien Ostsee-Insel mit knapp tausend Einwohnern und in ihrer Randlage fern aller Metropolen eigentlich der unwahrscheinlichste Ort für Theater. Aber, und wir schauen jetzt auf die Besonderheit dieses Theaters, dann doch der beste Ort für die Seebühne Hiddensee. Karl Huck, der Sachse, sah die Insel zum ersten Mal aus der Ferne vom Deck eines Schiffs der Volksmarine. Das war 1980. Später lockte ihn die Lektüre von Hanns Cibulkas Hiddensee-­Tagebuch „Sanddornzeit“, sich mehr für die Insel zu interessieren. Ende der achtziger Jahre, Karl Huck hatte bereits das Figuren­theater Homunkulus in Pankow gegründet, kam er zu ersten Gastspielen auf die Insel. Theater der kleinen Form, aufgeführt im Gerhart Hauptmann Haus und in Ferienhotels. Das waren Erfahrungen, die zur Gewissheit führten, als sich 1997 die Gelegenheit bot, einen Fischerschuppen zu pachten und die Seebühne Hiddensee zu gründen. Die...

Laudatio zum Martin Linzer Theaterpreis für die Seebühne Hiddensee

Auf hoher See und im eigenen Hafen

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Gegen die Vereinzelung

Vor wenigen Wochen übersprang die AfD erstmals eine kritische Schwelle. Im thüringischen Sonneberg wurde der AfD-Kandidat zum Landrat gewählt, in Raguhn-Jeßnitz in Sachsen-Anhalt stellt die AfD jetzt den ersten hauptamtlichen Bürgermeister der Bundesrepublik. Beide Male entschied die Stichwahl. Und beide Male sprachen sich alle anderen Parteien vorab für den Gegenkandidaten aus. Erfolgslos. Der Landkreis Sonneberg zählt nach schweren Jahren heute zu den wirtschaftlich erfolgreichsten Kreisen Thüringens, die aktuelle Arbeitslosenquote von fünf Prozent liegt deutlich unter dem ostdeutschen Durchschnitt (7,2 Prozent) und nur knapp über dem westdeutschen (4,7 Prozent). Kommentatoren sprachen von einem politischen „Dammbruch“. Der hatte sich angekündigt. Im sächsischen Görlitz, einer Stadt mit immerhin 55 000 Einwohnern unterlag der AfD-Kandidat für das Bürgermeisteramt im Jahr 2019 erst in der Stichwahl dem „Einheitskandiaten“ der anderen Parteien; da funktionierte der Schulterschluss noch gerade so. Bei Landtagswahlen sorgte das AfD-Ergebnis regelmäßig für Erregung – die Neue Rechte auf dem Weg zur ostdeutschen „Volkspartei“? Die Frage kann man unterdessen mit „Ja“ beantworten. Die AfD legt deutschlandweit zu, kratzt im Westen an der zwanzig-Prozent-Grenze. Im Osten des Landes ist sie laut Demoskopen die stärkste Partei, in Thüringen liegt sie derzeit bei 35 Prozent. Ein Dilemma für die anderen Parteien. „Alle gegen einen“ – das...

Wie die AfD Kulturpolitik auch mit den Theatern machen will

Folgen der Verwüstung

Wie schön ist die Prinzessin Salome! Da sitzen sie, zwei junge Studentinnen der Theaterwissenschaft, anno 1988, und tippen wilde Variationen auf Oscar Wildes „Salome“ in ihre Schreibmaschinen. Variationen nicht auf das Theaterstück, sondern auf die kongeniale Oper, die Richard Strauß auf Grundlage des Theaterstücks 1905 komponiert hat. In jugendlichem Leichtsinn machen die beiden den Rausch der blutrünstigen Prinzessin zu ihrem eigenen. Jedenfalls auf dem Papier. Macht gewinnen über das, was man liebt. Und wenn es um den Preis ist, dass man das Spielzeug durch die Inbesitznahme zerstört. Privileg der Jugend, sich dem Rausch bedenkenlos hinzugeben. Und danach die Texte vergleichen. Welche kommt dem unerreichbaren Propheten näher? Ich will den Kopf des Jocha-a-naan! Geht es um Salomes Selbstermächtigung? Oder ist sie doch nur das Werkzeug ihrer Mutter? In einer Silberschüssel! Ein paar Jahre später sah ich „Salome“ in der unheimlichen, unheimlich bestürzenden Inszenierung von Martin Kušej an der Grazer Oper. Zu den flirrenden, chromatisch absteigenden Sequenzen legte Sylvie Valayre da keine sieben Schleier ab, sondern zerpflückte eine Babypuppe. Den Missbrauch, den ihr Stiefvater an ihr begehen will, wiederholt sie, als der Preis für ihren Tanz fällig wird, ihrerseits an Jochanaan. An dem Propheten, dessen Sendungsbewusstsein sie reizt, ohne dass sie sich...

Den Kopf abgeben

Zehn mal zehn Prozent

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

„Ja, Johannalein!“ – Das war sein Ausruf, wenn ich anrief, und meist war Peter dann auf dem Weg zum Funk, zu einer Lesung, kurz vor Dreh, auf dem Weg ins Theater oder aber umgeben von der Familie auf der Alm. Es war der falsche Zeitpunkt zu telefonieren, und wir haben uns verab­redet. „Mein Freund Peter ruft gleich an“, habe ich dann zu Hause gesagt und mich zum Plaudern zurückgezogen. Ich war so gern mit Peter zusammen. Auf Gastspielen haben wir immer gemeinsam gefrühstückt. Er war auf unverwechselbare Weise gesellig, lebendig. Wenn wir telefonierten und er war auf der Alm, konnte er mir die Natur so schmackhaft machen (zum Beispiel einen Ausflug des Parasol-Sammelns und die anschließende Zubereitung der Pilze), dass ich allein durch seine Beschreibungen am Telefon nachempfinden konnte, was „Naturverbundenheit“ eigentlich bedeutet. Peter war voll ansteckender Liebe und Neugierde aufs Leben. Er war jung. Es gab für mich schon, als wir Horváths Stück „Der jüngste Tag“ am Wiener Burgtheater spielten, nicht einen Augenblick lang das Gefühl, einem „älteren Kollegen“ gegenüberzustehen. In den Probenpausen saßen wir damals bei Sonnenlicht in seiner herrlichen Wohnung, schoben alte VHS-Kassetten in den Videorekorder und sahen uns die legendären Schaubühnenaufzeichnungen an, um nachher darüber zu...

Eine Erinnerung an Peter Simonischek

Voll ansteckender Liebe

Theater ist überlebensnotwendig

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Was wäre, wenn in der Kirche ein Spielplatz wäre? Oder ein Rave? Was wäre, wenn nur noch queere Menschen die Welt bevölkern? Perversion? Ein Ende der Reproduktion? BABYLON ist eine neue Welt, die queere Identitäten - Liebe, Lust und Familie – neu entwirft und lebt. BABYLON entsteht im Widerstand gegen die alte Welt kapitalistischer Reproduktionslogiken und religiöser Ideale von Sexualität und Partner:innenschaft. In BABYLON erforschen die drei Trans-Performer:innen, Jäckie Rydz, Martix Navrot und Nikolas Stäudte, Möglichkeiten queerer Reproduktion entgegen den einverleibten Narrativen des Kapitalismus’, Religion und Kultur. Die Arbeit entstand im kollektiven Prozess mit deutschen, polnischen und englischen Textelementen und wurde erstmals im April 2023 am Nowy Teatr in Warschau gezeigt, jetzt als Teil der Academy Week des Internationalen Theaterinstituts im Rahmenprogramm von Theater der Welt 2023 in Frankfurt. Die fiktive Messe BABYLON findet im immersiven, diesigen Kirchentheaterraum statt, auf dessen kargen Bänken wir Platz nehmen. Doch statt einem Altar ist diese Kirche mit Schaukel und Wippe ausgestattet, statt Pfarrer sitzt uns herausfordernd dämonisch das Dreigespann der Performer:innen gegenüber, faucht und streckt ihre Zungen heraus, abwechselnd sprechend: Es ist das Rätsel der Sphinx: Who is tender and gentle? Who can be loving and tough? […] Who would you kill for?...

„BABYLON“ von Jäckie Rydz – Konzept/ Text/ Bühnenbild Jäckie Rydz, Performance Martix Navrot, Jäckie Rydz, Nikolas Stäudte, Musik Martix Navrot, Kostüm Nikolas Stäudte   

studioNAXOS Frankfurt: Queerness zwischen Widerstand und Utopie 

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Das Theatertreffen in Berlin hat den Stückemarkt abgeschafft. In Zeiten, da die Stimmen in der neuen Dramatik international an Bedeutung gewinnen, war das 2022 ein umstrittener Schritt des neuen Leitungsteams um den Intendanten Matthias Pees. Bei den Baden-Württembergischen Theatertagen in Aalen richtete Harald Müller, Herausgeber von Theater der Zeit, den Blick auf neue Autorinnen. „Es ist wichtig, Publikum und Dramatiker:innen in Kontakt zu bringen“, sagt der Kurator der Reihe, die bei der landesweiten Werkschau eine gelungene Premiere feierte. Im Kino am Kocher des restaurierten Kulturbahnhofs der Kreisstadt auf der Ostalb punktete der Stückemarkt mit starken neuen Texten. Den Anfang machte Theresia Walser, die ihr Stück mit dem Arbeitstitel „Ash“ vorstellte. Den Monolog hat die bekannte deutsche Dramatikerin, die in Freiburg lebt, für den luxemburgischen Schauspieler Steve Karier geschrieben. Die „Liebeskomödie für einen Mann und einen Baum“ wird im September beim Kunstfest Weimar uraufgeführt. Für Tonio Kleinknecht, den Intendanten des Theaters Aalen, das die 26. Baden-Württembergischen Theatertage ausrichtet, bietet der Stückemarkt eine große Chance „gerade hier jenseits der Theaterzentren“. In Aalen wird eine wichtige Auszeichnung für Literat:innen vergeben, der mit zwanzigtausend Euro dotierte Schubart-Literaturpreis. Da wünscht sich Kleinknecht, dass künftig die Dramatiker:innen zum Zug kommen. Neue Stücke auch an kleinen...

Mit einem Stückemarkt setzen die Baden-Württembergischen Theatertage in Aalen Zeichen für neue Dramatik

Vom Verschwinden der Körper in frostiger Zeit

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Schwarze Leere, fahles Licht: Menschen im Halbdunkel. Sie schreiten in ruhigem Tempo gegen den Lauf der Drehbühne, treten somit auf der Stelle. Und sie deklamieren den Text im langsamen Geh-Rhythmus, mit regelmäßigen Pausen, oft chorisch. Die Sätze fließen nicht, sie kommen nur stockend voran, wie eben erst entwickelt. Das zwingt zum Zuhören. Es wird ein langer, fast vierstündiger Marsch durch die Finsternis. Ulrich Rasche, verantwortlich für Regie und Bühne, hat bei den Salzburger Festspielen Lessings „Nathan der Weise“ inszeniert – viele würden sagen: erwartbar. Bei Aischylos‘ Klagepoem „Die Perser“, Rasches Debüt 2018 in Salzburg, hat sein formstrenger Oratorien-Stil funktioniert. Doch klappt das auch bei „Nathan“ (1779), dem Paradestück der Aufklärung? Soviel vorweg: Es ist erstaunlich, welche Varianzfülle dieser Regisseur seinem scheinbar übersichtlichen Personalstil immer wieder abzutrotzen vermag. Der dringliche Tonfall, die Kraft des uniform gekleideten Kollektivs, der konstante Groove der Sprache und noch dazu der spacige Live-Sound mit Keyboard und dumpf pochenden Trommeln – Rasche, der auch „Nathan“ in Crescendowellen, Abbrüche und Neuansätze gliedert, ist Überwältigungsstratege. Wiederentdeckung der Langsamkeit? Renaissance des Pathetischen? Slo-Mo-Rap im Theater? Auch im Salzburger „Nathan“ ist jene Sogwirkung spürbar, von der manche schwärmen. Wir sehen keine Rollenspiele, sondern ein postdramatisches Oratorium – Sprache fast pur, rhythmisch...

„Nathan der Weise“ von Gotthold Ephraim Lessing – Regie und Bühne Ulrich Rasche, Komposition Nico van Wersch, Kostüme Sara Schwartz, Chorleitung Toni Jessen

Salzburger Festspiele: Ein langer Marsch durch die Finsternis

Festival der Besessenen

Man könnte beginnen mit der Feststellung: Yvonne, du nervst! Du nervst gewaltig! Bist also grandios. Jene tönende Folter, die von dieser Frau ausging, das war (auch) die Leistung von Margit Bendokat. In der deutschen Synchronisation der dänischen Kino-Legende „Die Olsenbande“. Yvonne: eine zauberhaft höllische Säge ganz aus Stimme. Die an Egon Olsens Autorität herumkratzt. Eine Vokalkrähe, die ihren Ehemann Kjeld ohne Unterlass in die Unterwürfigkeit hackt. Die fortwährend und gegen jeden ihren akustischen Gemütsstacheldraht ausrollt. In dieser Synchronstimme lebt etwas, wofür der Name Margit Bendokat überhaupt steht. Mag sie spielen, was immer ihr aufgetragen ist: Noch jeder Heiligkeit von Text und Ton bleibt das Quere, Störende eingeschrieben. 1964 hatte sie an den Kammerspielen des Deutschen Theaters die Ottilie in Sternheims „1913“ gespielt, Inszenierung: Fritz Bornemann. Wolfgang Langhoff gab den Christian Maske, es war seine letzte Rolle am DT. Die Ottilie war Margit Bendokats erste Rolle. Jahrzehnte dann: DT. Solch einer Erfahrenen wie ihr muss man nichts über politische und künstlerische Zeitläufte erzählen, also nichts mehr über das Turbulente in den Stillständen oder über den Stillstand in den Turbulenzen. Sie besitzt eine Eigenheit, die im Wirbel der Moden standhaft blieb. Spätestens seit ihrem Dienstmädchen „Pauline“, Regie: Alexander Lang, das war 1976,...

Laudatio auf Margit Bendokat als Ehrenmitglied des Deutschen Theaters in Berlin

Wie Licht einfällt: schräg

Bis vor nicht allzu langer Zeit hatten Stadt- und Staatstheater im deutschsprachigen Raum nur wenig mit Queerness zu tun; bis auf wenige Ausnahmen (René Pollesch, Falk Richter, Maxim Gorki Theater Berlin „Queer Week“) und einige subversive Cross-Dressing-Performances (gern und besonders in Shakespeare-Inszenierungen) wurden kaum nicht-konforme Sexualitäten, Begehrensformen und/oder Geschlechter dargestellt. Queerness war, wenn überhaupt, in der Rezeption und im Blick der Zuschauenden angesiedelt. Dies stand stark im Gegensatz zur freien Szene, die sich im letzten Jahrzehnt immer stärker auf Queerness und Normativitätskritik fokussierte. Das Stadttheater hingegen verkörperte weiterhin die hegemoniale Norm von Heterosexualität und Zweigeschlechtlichkeit auf der Bühne, eine Affirmation traditioneller bürgerlicher Kultur, die Abweichung davon war zumeist nur zur Bestätigung eben dieser Normen gedacht und wurde nicht selbst ausgestaltet, geschweige denn wertgeschätzt. Dieser Befund bestätigt sich durch das am 5. Februar 2021 im Magazin der Süddeutschen Zeitung erschienene Manifest „#ActOut“, das von 185 lesbischen, schwulen, bisexuellen, queeren, nicht-binären und trans* Schauspielenden unterzeichnet wurde, die die schlechten Verhältnisse innerhalb der Theater-, Film- und Medienbranche ansprachen und in Bezug auf Sexismus, Homo- und Transphobie, Diskriminierung und Ausgrenzung anklagten. Viele der Unterzeichner:innen sprachen zum ersten Mal öffentlich über ihre Sexualität bzw. Geschlechtsidentität, die sie sonst in der Branche geheim halten mussten, weil...

Queeres Theater erlangt eine immer größere Vielfalt: ein Überblick

Vielleicht ein Aufbruch

Irgendwas stinkt hier. Dann fällt es Marie ein: „Du riechst nach Scheiße!“, ruft sie Thomas zu. Aber sie lacht doch sehr dabei. Und Thomas lacht auch. Eine kleine Neckerei wird daraus, zwischen zweien, die sich seit Kindertagen vertraut sind und deren Wege sich gerade trennen. So geht es zu im kleinen Prolog, der eine Situation vorgibt, der viele andere folgen werden, vor allem aber auch einen Grundton, den alle alles in allem in den nächsten 105 Minuten durchhalten: letztlich gelassene Heiterkeit. Kaum von ungefähr singen sie im Finale Arthur Lees „Everybody's gotta live and everybody's gonna die“. Sieben Schauspieler:innen zeigen in elf Figuren auch mal Ärger, Frust, Verdruss; sie sind hier erschöpft und dort überfordert, wahlweise irritiert oder leicht verstört. Aber es kracht nichts zusammen und niemand aufeinander. Selbst wenn eine das Jagdgewehr anlegt und abdrückt, bleibts ungefährlich. Und als es brennt, und eigentlich ja nur ein bisschen qualmt, holt einer den C-Schlauch, bevor wirklich was lodern könnte. Wie dieser Abend überhaupt die Hitze eher meidet. Das ist „Vom Dorf“, Sommertheater in Jena, keines wie jedes andere. Schon grundsätzlich nicht. Es erlebte jetzt nur fünf Aufführungen und eröffnete damit, wie stets seit 1997, traditionell die Kulturarena, die sich nun im...

„Vom Dorf“, Stückentwicklung des Ensembles nach Recherchen von Alina Spieler, Jakob Roth und Lizzy Timmers – Regie Lizzy Timmers, Bühne Maarten van Otterdijk, Kostüme Carolin Pflüger und Lara Scheuermann 

Theaterhaus Jena: Landlust und Landfrust 

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Am 11. September 1973 putschten in Chile Generäle unter der Führung von Augusto Pinochet gegen den sozialistischen Präsidenten Salvador Allende. Es folgten fast zwei Jahrzehnte Diktatur mit Folterzentren, zahllosen Verschwundenen und der Ankurbelung einer zuvor in den USA entworfenen neoliberalen Wirtschaftsordnung mit allen bekannten Folgen. Die langen Schatten der Diktatur, das ist das große Thema des chilenischen Dramatikers und Drehbuchautors Guillermo Calderón, dessen Stück „Colina“ (der Name eines Gefängnisses in Santiago) in diesem Heft abgedruckt ist. (S. 64–76) Parallel zu diesem Abdruck erscheint ein TdZ-Spezial Chile aus Anlass des 50. Jubiläums dieses Ereignisses, das als Datum der jüngeren Weltgeschichte neben dem Prager 20. August 1968 und dem New Yorker 11. September 2001 steht. Romeo Castellucci sprach mit Thomas Oberender über seine neue Inszenierung „Mystery 11 Ma“, die am 1. September in der griechischen Kulturhauptstadt Elefsina Premiere hat und sich auf die frühantiken Initiations- und Weiheriten der Mysterien von Eleusis bezieht. Der Ort, das heutige Elefsina dreißig km nordwestlich von Athen, war einst für Castellucci als Student der Ausgangspunkt für alles, was der Theatermacher bis heute geschaffen hat. (S.52–57) In Epidauros, einem anderen griechischen Ort mit antiker Tiefendimension, inszenierte Frank Castorf seine Version von „Medea“ (S.94–95) Queeres Theater wird oft zuerst...

Editorial

Inklusive Ansätze erproben!

Sind Sie eigentlich noch Dramatikerin? AR: Nein. Ich übersetze gelegentlich noch Stücke, schreibe aber selbst nicht mehr fürs Theater. Das letzte in diese Richtung waren die „Corona-Monologe“, mit David Gieselmann, Konstantin Küspert oder Maja Das Gupta im Internet. Ich habe Suzie Millers Monolog „Prima facie“ übersetzt, der erfolgreich am Broadway läuft und in der neuen Saison an vielen deutschsprachigen Bühnen herauskommt, zuerst Mitte September an den Kammerspielen des Deutschen Theater Berlin. Warum schreiben Sie keine Stücke mehr? AR: Ich hatte irgendwann kein Geld mehr und ging zum Fernsehen. Man kann als Autorin kaum vom Theater leben, jedenfalls nicht mit zwei Kindern, wie ich sie während des Studiums bekam. Als junge Autorin kommt man noch gut in diese Strukturen rein, doch dann folgt eine lange Durststrecke. Insofern erübrigt sich fast die Frage, weshalb „Die Möglichkeit von Glück“ kein Drama wurde. AR: Man könnte auf jeden Fall über diese Themen ein Theaterstück schreiben. Aber mein Stoff wäre für die Bühne zu umfassend. Es gibt allerdings auch nur wenige Autoren, die von Romanen genussvoll leben können. Da hilft mir das Fernsehen als Standbein schon sehr. Motive Ihrer Stücke ziehen sich indes auch durch Ihren Roman, oder? AR: Absolut! Die Aufarbeitung der DDR-Geschichte und...

Anne Rabe legte jüngst ihr Roman-­Debüt „Die Möglichkeit von Glück“ vor, der Nachwirkungen der DDR anhand einer autofiktionalen Familiengeschichte beschreibt. Geboren 1986 in Wismar, studierte sie an der UdK Berlin Szenisches Schreiben und veröffentlichte ein halbes Dutzend Theaterstücke. Seit Jahren schreibt sie fürs Fernsehen. Auch politisch-literarische Essays stammen von ihr.

Im Gespräch mit Michael Helbing

Was macht das Theater, Anne Rabe?

Die Eleusinischen Mysterien waren bis zu ihrem Untergang im vierten Jahrhundert n. Chr. ein eintausendeinhundert Jahre währender Staatskult Athens. Dieser Kult für die Fruchtbarkeitsgöttin Demeter und ihre Tochter Persephone gilt als der berühmteste und zugleich geheimste religiöse Ritus des antiken Griechenlands. Seine Heiligtümer in Eleusis, dem heutigen Elefsina, waren ein Ort der Wallfahrt und Verwandlung. Im Zentrum des großen Mysteriums stand die Rückkehr Persephones aus der Unterwelt. Der Eingang zum Hades, benannt nach dem Herrscher des Totenreiches und des Entführers von Persephone, war Teil der Tempelanlagen. Nach mehreren Tagen der reinigenden Vorbereitung und einer Nachtwache nahmen die Initianten in der großen Halle ein spezielles Getränk, Kykeon, zu sich. Es wurde von Priestern unter anderem aus Gerste und Mentha pulegium gefertigt, was zu Vermutung führt, dass es auch LSD-haltiges Mutterkorn enthielt. Im Laufe von zwei Jahrtausenden verfeinerten Generationen von Priestern diese drogenbasierte Technologie der Bewusstseinserweiterung und Überschreitung der Schwelle zwischen Leben und Tod. In gewisser Weise war dieser Trank das Ayahuasca der europäischen Indigenen, jener Griechen, deren Denken, Frömmigkeit und Kultpraxis den Ursprung unserer westlichen Kultur bilden. Aischylos, der in Eleusis geboren wurde, trank Kykeon, ebenso Sokrates, Platon, später viele römische Kaiser, Sklaven, Menschen aller Geschlechter, Bürger:innen und Ausländer:innen. Nur Muttermörder...

Romeo Castellucci über seine neue Produktion „Mystery 11 Ma“ in der griechischen Kulturhauptstadt Elefsina, seine Vision des Bildes und die Eleusinischen Mysterien im Gespräch mit Thomas Oberender

Orestes Rückkehr

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Mit dem Theater die Welt verändern

Der wuchtige Klinkerbau ist kein charmanter Ort, der Publikum anlocken könnte. Das soll er auch gar nicht. Die Akademie für Theater und Digitalität ist eine Werkstatt, ein Ort des Arbeitens und der Experimente, des Fokussierens und Konzentrierens. „Im Kern ist es ein introvertiertes Gebäude“, sagt Architekt Sebastian Franssen vom Büro dlx aus Dortmund. Die vor vier Jahren gegründete Akademie findet nach einigen räumlichen Zwischenlösungen ihre Heimat. Jeweils fünf Monate lang arbeiten hier internationale Stipendiat:innen an ihren Projekten, entwickeln neue Technologien, die auf der Bühne einsetzbar sind, probieren künstlerische Ausdrucksformen aus. Ohne Druck und Premierentermin, zu dem etwas fertig werden soll. Was hier gemacht wird, kann man sich in einer Videoserie auf <a href="https://nachtkritik.de/" target="_blank">nachtkritik.de</a> anschauen. Da erzählen zum Beispiel zwei Mitglieder der belgischen Gruppe Venedig Meer, wie sie Schwerkraft sichtbar machen. Nämlich mit Licht, das durch Schwerkraft erzeugt wird. Oder eben nicht. „Das Unsichtbare ist nicht inexistent“ heißt die Performance. Was zunächst etwas abgedreht klingen mag, hat in der Praxis Erfolg. „Unsere Stipendiat:innen werden oft für Workshops und Beratungen angefragt“, erzählt Direktor Marcus Lobbes. Ein konkreter Arbeitsbereich ist die Entwicklung spezieller Audiodesigns für verschiedene Räume. Eigentlich dachte Lobbes vor vier Jahren, die Akademie müsse erst einmal Neugier erregen. Dann kam die Pandemie,...

Die Akademie für Theater und Digitalität in Dortmund eröffnet ihr neues Gebäude

Mönchszellen und Bühnenräume

Guilt-Trip durchs Vogtland

„Colina“ hat eine lange Entstehungsgeschichte und ist außerdem der letzte Teil einer Trilogie. Was ist der Zusammenhang dieser drei Stücke „Escuela“, „Mateluna“ und „Colina“? Guillermo Calderón: 2013 wurden wir, d.h. meine Theater­gruppe, zum vierzigsten Jahrestag des Putsches von einem Festival beauftragt, etwas über die Geschichte der Diktatur zu machen. Wir entschieden uns, nicht etwas über den Anfang von Pinochets Herrschaft zu machen, sondern über deren letzte Phase 1990, als junge Leute in kleinen Widerstandsgruppen für den Kampf gegen die Junta an geheimen Orten im ganzen Land ausgebildet wurden. Sie wurden politisch geschult und auch für Einsätze mit Molotowcocktails ausgebildet. Ich schrieb das Stück „Escuela“ (Schule) über diese Bewegung. Während der Recherchen lernte ich Jorge Mateluna kennen, der 1992 wegen dieser Aktivitäten zu lebenslanger Haft verurteilt worden war, nach zehn Jahren aber begnadigt wurde und freikam. Er war mit seinen Erfahrungen an der Entstehung von „Escuela“ beteiligt, und wir tourten damals auch international mit dieser Inszenierung. Ein paar Monate danach erfuhren wir, dass Mateluna erneut verhaftet worden war, und zwar mit der Anschuldigung, an einem Banküberfall beteiligt gewesen zu sein. Daraus erfolgte eine erneute Verurteilung, obwohl in der gesamten Beweislage nichts für eine Beteiligung Matelunas an dem Bankraub sprach. So war...

Der chilenische Dramatiker Guillermo Calderón über die Entstehung von „Colina“ im langen Schatten eines Justizskandals Im Gespräch mit Thomas Irmer

Wir sind pessimistisch

Was machst du mit Bewegungen, die sich durch jahrelanges Training und tausendfache Wiederholungen fest in den Körper eingeschrieben haben, dich aber gleichzeitig an schmerzhafte Erlebnisse und ein Gefühl der Unzugehörigkeit erinnern? Wie gehst du mit Tänzen um, deren starre binäre Struktur und streng reglementierte Umgebung dich als Person systematisch ausgrenzen? Und wie schaffst du es, dich durch diese Strukturen nicht verdrängen zu lassen, sondern den Weg in Richtung einer Alternativerzählung zu ebnen, in der die vorherrschenden heteronormativen Vorstellungen des lateinamerikanischen Turniertanzes abgelöst werden durch einen fluiden, queer-feministischen Gegenvorschlag? Auf all diese Fragen findet René Reith, Choreograf:in und Performancekünstler:in, in ihrem autobiografischen Solo „Fake Diamonds“ sehr rührende, bisweilen humoristische, v.a. aber schlagkräftige Antworten. Dass es sich bei „Fake Diamonds“, der kritischen Auseinandersetzung mit Paartänzen, um ein Solo handelt, zeigt bereits im Vorfeld der Performance den ersten von vielen Brüchen mit den Regeln des Latein-Turniertanzes auf. Weitere folgen schon während der Einlassphase, wenn Carlos Andrés Rico, Komponist und Live-Musiker der Produktion, Auszüge aus dem Lateintanz-Regelwerk verliest und René Reith augenblicklich gegenteilig dazu agiert. Die Tänze müssen von einem Mann und einer Frau getanzt werden, liest Carlos vor – René steht allein auf der Bühne und lässt sich in keine der beiden Rollen...

„Fake Diamonds“ von René Reith – Künstlerische Leitung, Choreografie, Performance René Reith, Kostüm- und Bühnenbild Malaika Friedrich-Patoine, Musikkomposition und Musikperformance Carlos Andrés Rico, Lichtdesign Dennis Dieter Kopp  

Kampnagel Hamburg: Break the System 

Was ist Theater?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Ein Interview mit dem Autor zum Stück finden Sie <a href="https://tdz.de/artikel/d8160efd-37a2-401c-949c-b5788bf192d7">hier</a>. Personen CARLOS FRANCISCA CAMILA POLA ANDREA LUIS KOMMANDANT MUÑOZ RICHTER Erster Teil Das Publikum kommt ins Theater. Party. Es läuft Reggeaton. Im Gefängnis läuft immer Reggaeton. Das Ensemble feiert Jorge Matelunas Freilassung. Zweiter Teil Das Stück Colina wird aufgeführt. Colina. 16. Januar 2023 Besuchstag in der Haftanstalt Colina. Carlos ist im Gefängnis. Luis, Camila, Francisca, Andrea und Pola besuchen ihn. Sie sitzen auf Stühlen. Sieben Stühle für sechs Figuren. Die Stühle stehen um einen Tisch mit Plastik­- flaschen, Gläsern und Tellern voller Essen. Carlos trägt eine Perücke. Er sitzt hinter dem Tisch, mit Blick zum Publikum. CARLOS Danke, dass ihr mich besuchen kommt. Das ist das Gefängnis „Colina“. Der Name bedeutet „Hügel“. Danke fürs Kommen. Danke, dass ihr mich jede Woche besucht. Ich bin wegen eines Verbrechens im Gefängnis. Wie jeder weiß. Ich habe eine Idee. Hört zu. Folgendes. Erstens. Ich möchte nicht, dass ihr hoch zur Decke schaut. Schaut mich an. Nur mein Gesicht. Mich. Gut. An der Decke sind Kameras. An der Decke. Nicht hinschauen. Es sind zwölf Kameras. Sie zeichnen alles auf. Nicht hinschauen. Eine ist hier. Eine andere da. Da. Da. Und da. Es sind...

aus dem chilenischen Spanisch von Franziska Muche

Colina

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

Vor bald 75 Jahren, im Frühjahr 1949, ist vom Zentralkomitee der SED ein Beschluss gefasst worden, der Helene Weigel die Leitung des zu diesem Zeitpunkt neu gegründeten Berliner Ensembles zuspricht. Die Schauspielerin – damals bereits bekannt für ihre Rolle der Mutter Courage – übernahm als erste Frau die Intendanz eines deutschen Theaterhauses und sah von nun an alle kulturpolitischen Fäden der Institution in ihren Händen zusammenlaufen. 22 Jahre lang, vor sowie nach dem Tod ihres Mannes Bertolt Brechts, übte Weigel diesen Posten am Berliner Ensemble aus. Möchte man den Worten der Literaturwissenschaftlerin Sabine Kebir Glauben schenken, so bewältigte Weigel diese Aufgabe mit „theatralisch weiblicher Gerissenheit“. An solchen und ähnlichen Zuschreibungen wird schnell deutlich: Die Emanzipation der Frau im Theater ist komplex. Und der Weg ist lang. Seit 2022 verleiht der Freundeskreis des Berliner Ensembles nun den Helene Weigel Theaterpreis an Künstler:innen des Hauses, um ihre außergewöhnlichen Leistungen zu würdigen. Im Jahr 2023 ging dieser Preis an die Regisseurin und Absolventin des Max Reinhardt Seminars Fritzi Wartenberg, der in der Spielzeit 2022/23 als Stipendiatin des erstmalig durchgeführten Nachwuchsförderprogramms WORX eine einjährige Residency am Berliner Ensemble ermöglicht wurde. „Es berührt mich zutiefst, dass Frauen wie Helene Weigel durch ihren Mut und ihre...

Ein Rückblick auf den ersten Jahrgang des Nachwuchsförderprogramms WORX am Berliner Ensemble

Queeres Theater

Assoziationen

Theater der Zeit 9/2013

Romeo Castellucci: Zurück in die Zukunft

Neuerscheinungen im Verlag