Die Kacheln im maurischen Stil aus Granada fallen einem schon im Foyer ins Auge. Ein passendes Entree für die Kunst, die zukünftig im Theater im Aufbau Haus Kreuzberg (TAK) gezeigt werden soll. Unter neuer Leitung will das Haus eine Art Komplementärentwurf zum Berliner Maxim Gorki Theater sein und zudem das oft thematisierte, aber im Theater selten praktizierte Modell der kollektiven Leitung in die Realität überführen. Der Auftakt klappte schon einmal. Das lange Zeit eher spärlich besuchte Haus war von einer erwartungsfrohen Menge gefüllt, als sich die neue Mannschaft Ende Januar vorstellte. Vier bislang eigenständig arbeitende Künstler und Kollektive übernehmen das Haus für mindestens zwei Jahre. Aus Berlin sind dies die Regisseurin Lydia Ziemke mit ihrer Gruppe suite42, die vor allem mit Koproduktionen mit Künstlern aus dem arabischen Raum auffiel, die rumänisch-deutsche Regisseurin France-Elena Damian, die zuletzt die „Ziganiada“, ein an der „Ilias“ orientiertes Nationalepos von Rumänen und Roma, inszenierte, und die schon zuvor am TAK tätigen Moritz Pankok und Anna Koch. Pankok betreibt im Aufbau Haus die Galerie Kai Dikhas, die sich auf zeitgenössische Kunst der Roma spezialisiert hat. Koch ist Theaterpädagogin und zudem Tochter des Investors Matthias Koch, der das Gebäude – in dem sich neben dem TAK und...

Das TAK Theater im Aufbau Haus Berlin startet unter neuer Leitung – als Komplementärentwurf zum Berliner Maxim Gorki Theater

Alhambra in Kreuzberg

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

Aktueller und dringender hätte das gewählte Thema der Jahrestagung der Dramaturgischen Gesellschaft nicht sein können. Wie kann und soll sich das Theater angesichts der Konflikte in gespaltenen Gesellschaften verhalten? Wer ist wie fähig, bedrohten Künstlern aus anderen Ländern konkret zu helfen? Welcher Art von Organisation bedarf es dafür? Die Journalistin Gemma Pörzgen von der deutschen Sektion von Reporter ohne Grenzen berichtete über ihre Arbeit mit Beispielen konkreter Hilfe. Journalisten, die im Exil nicht arbeiten können, haben nicht nur die Heimat verloren, sondern auch ihren Beruf. Es müssen neue Formen von Arbeitsmöglichkeiten entwickelt werden, die in der Medienbranche freilich knapp bemessen sind und bislang auf Regelungen warten, die noch jenseits von Visafragen liegen. Fast nebenbei erwähnte Pörzgen in diesem Zusammenhang, dass hoch entwickelte Zensursoftware aus Deutschland exportiert wird, die nach ihrer Auffassung unter das Kriegswaffengesetz fallen sollte. Das Publikum bei dieser Tagung der Dramaturgischen Gesellschaft staunte angesichts dieser Infragestellung der scheinbaren Gewissheit, in einem zensurfreien Land zu leben. Aufs Theater übertragen, lautete Pörzgens Forderung, dass man parallel zu Reporter ohne Grenzen eine ähnlich geartete NGO für bedrohte Künstler gründen müsse. Der entscheidende Punkt ist wiederum, wie konkrete Arbeitsmöglichkeiten aussehen könnten. Zwar haben die Theater im deutschsprachigen Raum in den vergangenen zwanzig...

Die Jahrestagung der Dramaturgischen Gesellschaft am Theater Vorpommern in Greifswald beschäftigt sich mit den Dramaturgien des Widerstands

Künstler ohne Grenzen

„Stoi!“ Man spricht anfangs nur russisch hier in Rudolstadt bei Bulgakows „Der Meister und Margarita“. Doch die Zuschauer irritiert das nur mäßig, vielleicht erinnert es die Älteren an andere Zeiten? „Stoi!“ heißt „Bleib stehen!“. Aber die Zeit bleibt nicht stehen, die Geschichte auch nicht, nur der Einzelne wird gezwungen – oft mittels eines auf ihn gerichteten Gewehrs – stehen zu bleiben. Der Einzelne ist in der Geschichte immer der Dumme. Die Volksmassen demonstrieren unter Stalin-Bildern, rote Fahnen schwenkend, genauer: Man lässt sie demonstrieren zum Ruhme des großen allwissenden Lehrmeisters des Volkes. Die Sowjetunion in den 1930er Jahren war längst nicht mehr vom revolutionären Geiste getragen, das Volk feierte nicht mehr sich selbst und den „neuen Menschen“, der sich aus seiner Mitte erheben sollte – sondern es feierte seine Führer gezwungenermaßen, denn etwas hatte von den Menschen Besitz ergriffen: pure Angst. Der „neue Mensch“ entpuppte sich als alter Untertan. Das ist die Szenerie, in der Michail Bulgakows „Der Meister und Margarita“ entstand. Ein Abgesang auf das Pathos der neuen Gesellschaft, an dem Bulgakow bis zu seinem Tod im Jahre 1940 schrieb. Erscheinen durfte der Roman in der Sowjetunion erst 1967 – und in der DDR wurde er in den achtziger Jahren...

Theater Rudolstadt: „Der Meister und Margarita“ nach Michail Bulgakow von Niklas Rådström. Regie Alejandro Quintana, Ausstattung Henrike Engel

Rudolstadt: Lachen über dem Abgrund

Münchner Kammerspiele: Klamauk und Katastrophe

Als „Oleanna“, ein Stück des US-amerikanischen Dramatikers David Mamet, nach seiner Uraufführung 1992 auch ostdeutsche Bühnen erreichte, stieß das Drama eine hierzulande kaum geläufige Thematik an. Zwar bestand in der DDR das Postulat von Gleichstellung und Gleichberechtigung, doch blieb die Praxis des Geschlechterverhältnisses oft dahinter zurück, die Gesellschaft war letztlich eine männerdominierte. Dass aber der Feminismus in der nunmehr erfahrbaren westlichen Welt mitunter derart unterscheidungslos vorgeht, verunsichert Männer. Die momentane mediale Hysterie lässt oft kein Urteil zu, wer zu Recht öffentlich angeklagt wird und wer nicht. Wann ist ein Flirt auch am Arbeitsplatz noch ein Flirt, wann wird er zur justiziablen Nötigung? „Oleanna“ wird nicht erst seit der „Metoo“-Debatte für die Bühne wiederentdeckt. Trotzdem liest sich die aktuelle Fassung des jungen gebürtigen Zittauer Regisseurs Toni Burghard Friedrich, die bereits in Form und Besetzung bemerkenswert ist, unter den Vorzeichen der aktuellen Anklagewelle neu. Mit einigem Abstand zur Entstehungszeit wird deutlich, dass es in erster Linie gar nicht um ein vergiftetes Mann-Frau-Verhältnis geht. „Ich muss diesen Schein unbedingt machen“, jammert Studentin Carol und sucht bei ihrem Professor John individuelle Nachhilfe. Gnadenloser Leistungsdruck baut Versagensängste auf, die Normen haben andere gesetzt, keine Spur von intrinsischer Motivation. In raffinierter Weise lässt David Mamet offen,...

Gerhart Hauptmann-Theater: „Oleanna“ von David Mamet. Regie Toni Burghard Friedrich, Ausstattung René Fußhöller

Zittau: Mehr als ein „Metoo“-Beispiel

Wer sich noch gut an den tremolierend euphorischen Beginn der Spielzeit 2009/2010 am Schauspiel Frankfurt unter dem damals neuen Intendanten Oliver Reese erinnert, merkt bei der Spielplanpressekonferenz seines Nachfolgers Anselm Weber gleich, dass hier jetzt ein anderer Wind weht: Unaufgeregt und vernünftig präsentiert sich das neue Leitungsteam. Dass die kurz nach Amtsantritt entbrannten Diskussionen um die kostenintensive Sanierung beziehungsweise Neuerrichtung der Städtischen Bühnen am Willy-Brandt-Platz die Laune nicht gerade heben, scheint logisch. Bekannt ist auch der Umstand, dass die Frankfurter Riesenbühne im Schauspielhaus Regisseure sowie Schauspielerinnen und Schauspieler regelmäßig vor Herausforderungen stellt. Mit einer stattlichen Portalbreite von 24 Metern und 40 Metern Tiefe ist sie die größte Sprechbühne im deutschsprachigen Raum. Und ja, Sie haben richtig gelesen: Regisseure. Regisseurinnen kommen im Schauspielhaus nämlich leider keine zum Zuge, was natürlich skandalös ist, auch wenn die stellvertretende Intendantin und Chefdramaturgin des Hauses, Marion Tiedtke, glaubhaft versichert, sie habe so einige Frauen angefragt, die ihr aus den unterschiedlichsten Gründen abgesagt hätten. Wie dem auch sei, es war mehr als ein kluger Schachzug des Regisseurs Jan Bosse und seines Bühnenbildners Stéphane Laimé, das Haus zum Auftakt der neuen Intendanz in eine rundum bespielbare Arena zu verwandeln. Bosses zuschauerfreundliche Version von „Richard III.“ mit Wolfram...

Das Schauspiel Frankfurt startet unter seinem neuen Intendanten Anselm Weber unaufgeregt – besonders weibliche Regiehandschriften fehlen

Der Gast ist der Star

Berliner Ensemble: Umsturzphantasien mit KI

double feiert Jubiläum

Helgard Haug, Stefan Kaegi, in „Staat 1–4“ setzen Sie sich mit Phänomenen der Postdemokratie auseinander. Dabei ging es um global agierende Geheimdienste (Staat 1); um Großbaustellen als Modell der globalisierten Gesellschaft (Staat 2); um Prozesse der Meinungsbildung im digitalen Zeitalter (Staat 3); sowie um das Weltwirtschaftsforum in Davos (Staat 4). Wie kam es zu dieser Auswahl an Szenarien? Helgard Haug: Wir haben die Stücke ortsspezifisch entwickelt. Wir wollten die Phänomene an den Orten verankern, wo die Projekte erarbeitet wurden. „Top Secret International (Staat 1)“ entstand, zum Beispiel, in München, von dort ist es nicht weit zum ehemaligen Sitz des BND in Pullach. Am Flughafen Zürich steigen die VIPs von ihren Privatjets um in die Hubschrauber, die sie nach Davos bringen. Und so gibt es für alle Abende Verbindungen zwischen dem Ort der Entstehung und dem Thema. Gleichzeitig versuchen wir die Dinge immer so zu erzählen, dass sie eine Gültigkeit über den Entstehungsort hinaus haben. Stefan Kaegi: Und natürlich wären noch andere Szenarien denkbar. Der Staat sollte – zumindest in Ländern wie den EU-Staaten – Garant für den Erhalt der Demokratie sein. Wie ist in dem Zusammenhang der Titel „Staat“ zu verstehen, wenn es doch um Postdemokratie geht. Ironisch? Kaegi: Wir...

In „Staat 1–4“ von Rimini Protokoll werden die Zuschauer zu Akteuren auf den Großbaustellen der (Post-)Demokratie. Helgard Haug und Stefan Kaegi im Gespräch mit Christoph Leibold

Unter der Maske des Managers

Meldungen

Ja, man wird aufatmen dürfen: Guillaume Paoli traut sich, das Mainstream-Narrativ der kulturellen Vielfalt zur Diskussion zu stellen, die Identität! Der vormalige Hausphilosoph am Centraltheater Leipzig hat jüngst wieder einen gedankenreichen Essay vorgelegt, der seinem Publikum eine Reise in ein Universum „sonderbeleuchteter Erscheinungen der Jetztzeit“ anbietet. Dabei folgt der Müßiggangster und Demotivationstrainer den Konzepten großer Erzählungen, wie sie im Fernsehen oder in Großstädten als „Lange Nacht der …“ in Mode sind. In letzteren sind es öffentliche Kultureinrichtungen wie Museen, die zu solchen Events periodisch einladen. Zugleich sind die großen Erzählungen das identitätspolitische Hinterland, das zunehmend auf das Theater übergreift. Dieses Hinterland ist es, das assoziativ die dicht gedrängten Episoden und persönlichen Erinnerungen begleitet, durch die uns Paoli an seinem Leben teilhaben lässt. Wir wechseln mit ihm die Schauplätze durch die Zeiten hindurch, sind einmal Mitte der 1990er Jahre in Süd-Yorkshire bei dem früheren Bergarbeiter John, dessen Sohn Alan die Familientradition des rituellen Revoltierens gegen den Vater einfach nicht vollziehen will. Ein anderes Mal sind wir mit der Bin-Laden-Gruppe in Mekka, die Mitte der siebziger Jahre die heilige Stadt in ein Disneyland umbaut und dabei die zur Zeit des Propheten errichtete Bilal-Moschee zerstört. Wir begegnen einer Vielzahl solcher Mutationen – von...

Guillaume Paoli: Die lange Nacht der Metamorphose. Matthes & Seitz, Berlin 2017, 220 S., 20 EUR.

Kulturelle Vielfalt reloaded!

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Statistiken sind wichtige Instrumente, um strukturelle Ungerechtigkeiten belegen zu können – von denen es in Film, Fernsehen und im Theater so einige gibt. Konzentriert man sich allein auf die Kategorie „Frauenanteil am künstlerischen Personal an Theatern“ sowie Gagen, sind die Zahlen, wie die jüngste Studie des Deutschen Kulturrates „Frauen in Kultur und Medien“ wieder einmal belegte, erschreckend düster – sie sagen aber noch nichts darüber aus, wie Frauen in den produzierten Werken tatsächlich gezeigt werden oder sich zeigen. Sie sagen – wenn man so will – noch nichts über die qualitativen Aspekte. Wie also steht es um die Darstellungsvielfalt von Frauenfiguren im – in kritischer Rollenanalyse doch sicher geübten – zeitgenössischen Theater? Es steht eher schlecht. Doch schon bei der Benennung des „Problemfelds Schauspielerin“ besteht die Gefahr, einerseits sattsam Bekanntes zu wiederholen, andererseits sich den Vorwurf der Übertreibung und Eindimensionalität einzuholen. Aktuelle qualitative Studien, zumal fürs Theater, sind noch rar – und so soll hier knapp zur Diskussion gestellt werden, was einigen als unbelegte Behauptung erscheinen mag, vielen (Frauen) zunehmend aber als bitter erlebte Realität aufstößt. Der traditionelle Rollenkanon für Schauspielerinnen beispielsweise bietet – nicht nur in Hollywood, sondern auch im Theater – bislang nicht nur sehr wenige Hauptrollen, sondern...

Kein Ende der Klischees? Fragen zur aktuellen Darstellungsvielfalt von Frauenfiguren auf der Bühne

Augenaufschläge, Lippenschürzen

Hamlet sein

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

München: Förderpreis für neue Dramatik 2025 ausgeschrieben

Die Zukunft jetzt gestalten!*

TdZ on Tour

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Ihr Stück „Weißer Raum“ handelt von einer rechtsradikalen Familie aus dem Dresdner Umland, die mit einer kritischen Journalistin in Konflikt gerät. Steht die Stadt sinnbildlich für das gegenwärtige politische Klima in Deutschland? Genau, ich denke nicht, dass es ein Stück über Dresden generell ist. Es ist ein Stück über die vergangenen Jahre in Deutschland. In Dresden und dem Umland habe ich es verortet, weil ich dort aufgewachsen bin, weil ich die Orte kenne, an denen es spielt. Außerdem ist es der Ort, an dem Pegida entstanden ist. Das war für mich keine große Überraschung, als die da plötzlich durch die Straßen liefen. Die waren schon immer da. Man ist quasi neben denen groß geworden. Patrick sitzt wegen rechter Gewalttaten im Gefängnis. Sein Verbündeter ist Vater Uli, der selbst jemanden umgebracht hat: den Marokkaner Munir Bounou, der versucht hatte, die Journalistin anzugreifen. Uli wurde nicht verurteilt und ist davon überzeugt, das Richtige getan zu haben. Im Text geht es um familiäre Beziehungen, Misstrauen, Abhängigkeitsverhältnisse, den Versuch, ein Netzwerk aufzubauen, Opferfragen, Ideologie, Identität und Perspektivlosigkeit. Das ist ein gewaltiges Potpourri an Themen. Will das Stück die Beweggründe rechter Ideologien erforschen? Ich weiß nicht, ob das forschen ist. Es gibt am Anfang im...

Der Autor Lars Werner über sein Stück „Weißer Raum“ im Gespräch mit Paula Perschke

Die ungewollte Recherche

Katzen und Laborratten, Hühner und Dalmatiner – betrachtet man die Raum- und Kostümbilder von Josa Marx, könnte man meinen, hier züchte einer ein ganz spezielles Bestiarium heran, um die Menschen auf der Bühne so krass wie möglich ins Animalische zu verfremden. Marx sagt denn auch, es gehe eben nicht um Menschen im Theater, sondern um Figuren. Und die haben bei ihm gern eine exzentrische Note. In Marx’ Arbeiten für Lucia Bihler oder Ersan Mondtag ist das nicht zu übersehen. Zum zweiten sind es die hellen Pastelltöne, Gelb, Himmelblau, Pink, die aus seinen Bildern hervorstechen. „Grün im Restaurant ist schon mal gut“, befindet der junge Künstler nach einem Blick über die Interview-Location; dann aber schränkt er sein Lob ein: Es handelt sich um ein dunkles Flaschengrün, das ist dann doch nicht so sein Favorit. Leipzig, Thomaskirchhof, Anfang Dezember. Gestern hatte „Prinzessin Hamlet“ von der finnischen Autorin E. L. Karhu Premiere, eine feministische Übermalung des „Hamlet“. Auf der Bühne: fünf Marilyn Monroes, zwei davon sind Männer – auch das sieht man erst auf den zweiten Blick. Das Gender-Crossing ist so typisch für Marx’ Stil wie die exzentrische Farbigkeit. (Exzentrisch – aus dem Zentrum herausgehend, das gilt immer.) „Man kann fast alles über...

Erst arbeitete er für den Laufsteg, dann fand er ins Theater – Der Bühnen- und Kostümbildner Josa Marx

Meister des Bestiariums

Stell dir vor, das Internet hat uns zu Dienstleistungsjunkies gemacht, ein Klick und alles kommt zu dir nach Haus. Stell dir vor, die Wartung läuft schlampig, oder der Strom fällt in dem Moment aus, in dem wir für das analoge Leben nicht mehr brauchbar sind. Sechzig Jahre vor der Erfindung des Internets erzählt der britische Schriftsteller E. M. Forster in einem märchenhaften Science-Fiction-Abenteuer von Menschen, die einst eine ähnliche Maschine erschufen wie das Internet. Alle Lebensbereiche sind perfekt geregelt, sodass die Menschen längst vergessen haben, dass sie es waren, die diese Technik erfanden. „Die Maschine steht still“ heißt die Geschichte aus dem Jahr 1909, in der die Menschen, isoliert voneinander in unterirdischen Waben lebend, nur noch über eine optische Scheibe miteinander kommunizieren. Mimik wird nicht übertragen. „Das unbestimmbare Fluidum, das einer menschlichen Begegnung innewohnt, bedeutet der Maschine nichts“, weiß der rebellische Kuno (Johannes Schäfer). Irgendwann wagt er einen Ausflug an die verwüstete Erdoberfläche – ein im Zeitalter der Maschine unerwünschtes und sehr gefährliches Abenteuer. Mit seiner Sehnsucht, die Sterne und die Hügel von Wessex zu sehen, die, wie er recherchiert hat, irgendwo über seiner unterirdischen Wohnstatt liegen, ist er so gut wie allein. Mutter Vashti (Melina Borcherding) jedenfalls, in Kunos...

Theater an der Parkaue: „Die Maschine steht still“ (DSE) nach E. M. Forster. Regie Evy Schubert, Ausstattung Isabelle Kaiser

Berlin: Schöne analoge Welt

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Kürzlich „Faust I“, demnächst „1984“ und am Ende ein großes Gastspiel-Festival unter dem Titel „The Future of Europe“: Das Schauspiel Stuttgart geht in der Abschiedssaison von Intendant Armin Petras noch einmal wild entschlossen die großen Themen an. Parallel zur Wühlarbeit in regionalen Stoffen war seine Fünf-Jahres-Ära auch in dem Bemühen erfolgreich, die Südwest-Metropole wieder mehr ans Fernverkehrsnetz überregional wichtiger Regisseure anzukoppeln. Im Kontrast dazu rückt das kostenexplosive Tiefbahnhof-Projekt S 21 in immer weitere Ferne: Nicht 2021, sondern erst 2024 soll es fertig werden. Frühestens. Nach Robert Borgmann und Christopher Rüping hat Petras nun auch den Dortmunder Schauspielchef Kay Voges nach Stuttgart verpflichtet, damit dieser hier „Das 1. Evangelium“ per Uraufführung „frei nach Matthäus“ verkünde – wohl wissend, dass das hier im Ursprungsland des Pietismus ein bisschen auch heißt, Eulen nach Athen zu tragen. Seinen multimedial überladenen Stil, wie zuletzt in „Borderline Prozession“ am Theater Dortmund und später auf dem Berliner Theatertreffen 2017 zu sehen, führt Voges nun mit einer ebenso überbordend gewaltigen Matthäus-Installation in Stuttgart konsequent fort. Mit wallenden Weihrauch-Düften, dröhnendem Bach-Passionschor „Kommt, ihr Töchter, helft mir klagen“ und einem Saalhimmel, der wie ein Sternenfirmament leuchtet, fährt Voges bei seiner Bibel-Exegese massiv sakrale Überwältigungsstrategien auf. Unglaublich, was es dann alles...

Schauspiel Stuttgart: „Das 1. Evangelium“ (UA) frei nach dem Matthäus-Evangelium. Regie Kay Voges, Bühne Michael Sieberock-Serafimowitsch, Kostüme Mona Ulrich

Stuttgart: Das Theater ist die Kirche der Zweifler

Junge Hoffnung

Ich bin ein großer Fan der blutigen und gewaltigen Griechen“, gibt die 1985 in München geborene Schauspielerin Sophie Melbinger süffisant lächelnd zu. Nicht minder schätzt sie die Pointiertheit eines Ödön von Horváth oder einer Elfriede Jelinek. Darstellen kann sie, die sich genauso sicher in William Shakespeares „Was ihr wollt“ wie in Henrik Ibsens „Nora“ zu bewegen weiß, im Grunde alles. Ihr mimisches Erfolgsrezept lautet schlichtweg: Suggestivität. Wer sie einmal auf der Bühne erlebt – etwa in der Inszenierung von Maria Milisavljevics „Beben“ am Theater Heidelberg – wird ihrem Charme und ihrer Eleganz leicht verfallen: Braune Augen, auf der Seite hinunterfallendes, kurzes Haar, athletische Figur und eine Stimme wie aus einem Hörbuch. Nichts wirkt verstellt oder gar aufgesetzt. Im Gegenteil: Jede Pose zeugt von selbstbewusster Haltung und Grazilität. Vielleicht, weil ihre Figuren immer auch zu einem Teil ihrem Inneren entspringen – bekennt sie doch selbst: „Grundsätzlich gehe ich von mir aus und komme am Ende immer wieder zu mir zurück.“ Dabei kann die seit dieser Saison als festes Ensemblemitglied am Theater Heidelberg angestellte Melbinger auf einen breiten Erfahrungsschatz zurückgreifen. Neben dem Umstand, dass sie es liebt, Menschen zu beobachten und leidenschaftlich Dokumentationen zu schauen, hängt dies auch mit einem ungewöhnlichen Ausbildungsweg...

Grazil und suggestiv – Die Schauspielerin Sophie Melbinger besticht durch ihre Bühnenpräsenz

Die Regenbogenträumerin

Oh Antibiologismus, oh Dekonstruktion, oh Gendermainstreaming. Oh Blasphemie, oh Posthumanismus und Sexecologie. Oh drittes Geschlecht. Oh Gleichbezahlung. Oh Geschlechtergerechtigkeit, Schwesternsolidarität und Schwulenflagge. Oh Antiessentialismus und Dreieinigkeit der eigenen Stimme. Oh Nopornoklarstellung und Guerilla Girls. Oh endlich abgeschaffter Dualismus! Oh LGBT! Oh Sprache, die du alles kannst, bedecke meine geistigen Blößen! Oh Soll-Bestimmung, die du keine Kann-, aber auch keine gesetzliche Muss-Bestimmung bist! Das alles rufe ich, während mir dieser verf. Kapitalismus einen Strich durch meine private Rechnung macht, denn zwar liebt auch er Ausdifferenzierung, aber aus anderen Gründen: Kinderkleidung scheint in diesen Zeiten immer unübertragbarer zu werden von Brüderlein auf Schwesterlein und umgekehrt, ab dem sechsten Lebensjahr ist Schluss. Ohnehin, seit ich Mutter wurde, durch Grundschulen stromernder weiblicher Elternteil, habe ich den Feminismus erst wirklich begriffen, ach, seit ich an diesem einen Theater war, habe ich den Feminismus erst wirklich begriffen. Seit ich unter diesem Intendanten, diesem Feudalfürsten an Intendanten, in diesem Kleinverlag mit Ausbeutungsregime, in dieser Beraterbranche, in diesem Justizpalast werkle, habe ich erst verstanden, was da eigentlich stets und ständig noch erkämpft werden muss, und zwar nicht nur für mich. Solche Sätze hören wir doch immer, wenn Feminismus ins Spiel kommt. In meiner Salzburger Mädchenklasse fand schon die...

Über Ablenkungsmanöver und die realen Fragen von Macht – Was es heißt, als Schriftstellerin feministisch zu agieren

Für einen lausigen Feminismus

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Autoren März 2018/Vorschau

In Iran ist Homosexualität unter Strafe gestellt, sie kann hundert Peitschenhiebe und sogar die Todesstrafe bedeuten. Der Staat unterstützt hingegen operative Geschlechtsumwandlungen, um aus homosexuellen Paaren offiziell heterosexuelle Paare zu machen. Viele Menschen nehmen diesen Gewaltakt in Kauf, zum Schutz des eigenen Lebens und mit oft gravierenden Konsequenzen für die eigene Identität. Mehdi Moradpour hat dazu ein Stück geschrieben, das um die zentrale Figur Elija eine Handvoll Menschen versammelt, die sich auf unterschiedliche Weise mit „Körpereingriffen“ konfrontiert sehen. Flo etwa will den Marktwert seines Körpers mit technischen Mitteln steigern. Fanis wiederum entscheidet sich, seiner neuen Freundin Eva eine überlebensnotwendige Niere zu spenden. Und Elija, der sich in seiner Partnerschaft tatsächlich zu einer Geschlechtsumwandlung hatte überreden lassen, steht nun, nach dem Ende der Beziehung, vor den Trümmern seiner Identität. Mehdi Moradpour wurde 1979 in Teheran geboren und lebt seit zwanzig Jahren in Deutschland, als Autor sowie Übersetzer für Spanisch und Farsi. In seinem nun uraufgeführten Stück „Ein Körper für jetzt und heute“ hebt er die Gewaltakte, denen Körper ausgesetzt sind, vom zentralen iranischen Fall auf eine universelle Ebene. Regisseur Zino Wey arrangierte die in wechselnden Rollen agierenden Schauspieler (Simon Bauer, Vera von Gunten, Steffen Link und Martina Spitzer) um einen Brunnen...

Schauspielhaus Wien: „Ein Körper für jetzt und heute“ (UA) von Mehdi Moradpour. Regie Zino Wey, Ausstattung Davy van Gerven

Wien: Befreite Körper

Was folgt

Liebe, Schreiben, Popmusik

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

März 2018

Premieren

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Erstmals liegt eine umfangreiche Studie zum deutschen Stiftungswesen vor. Wenn auch kein enzyklopädisches „Who is Who“ (Stichwort Drittmittelakquise), so handelt es sich im Fall der dreiteiligen Untersuchung mit dem Titel „Stiftungen in Deutschland“ um ein unverzichtbares Studienbuch für Theaterpraktiker, Studierende, Lehrende, Kulturpolitiker und Stiftungsexperten. Es werden die Bereiche Bildung und Erziehung, Wissenschaft und Forschung, Soziales sowie Kunst und Kultur auf der Grundlage solider Daten systematisch analysiert und ausgewertet. Die Forschungsgruppe (Sarah Förster, Janina Mangold, Clemens Striebing) unter der Leitung von Helmut K. Anheier von der Hertie School of Governance liefert damit ein Werk der Verständigung in Zeiten knapper öffentlicher Mittel (siehe Schuldenbremse). Unter den drängenden Fragen versucht sie unter anderem zu beantworten, ob Stiftungen staatliches Handeln ersetzen oder ergänzen. Die Bundesrepublik Deutschland weist mit rund 19 000 Stiftungen das zweitgrößte Stiftungswesen der Welt hinter den Vereinigten Staaten (87 142 Stiftungen in 2013) auf. Das Gesamtbudget liegt bei insgesamt 13,1 Milliarden Euro (Vereinigte Staaten: ca. 731 Milliarden Euro). Seit dem Fall der Berliner Mauer sind allein 73 Prozent der Stiftungen entstanden, wobei jede zweite Stiftung (54 Prozent) seit der Jahrtausendwende gegründet wurde. Weitere Eckdaten deutscher Geschichte stehen Pate: Nur sechs Prozent der Stiftungen sind vor 1914 und bloß drei Prozent vor...

Stiftungen in Deutschland. Band 1–3, hg. von Helmut K. Anheier, Sarah Förster, Janina Mangold und Clemens Striebing

Bewahrung, Fürsorge, Wandel – das deutsche Stiftungswesen

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Anfang November deutete ich einen Artikel in der Wochenendausgabe der Süddeutschen Zeitung über das nahende Ende der Geisteswissenschaften an deutschen Universitäten als Kassandraruf. Ich glaube zu Recht. Das kapitalistische Wirtschafts- und Gesellschaftssystem – ein anderes gibt es auf dem Globus nicht mehr – rationalisiert alles weg, was keinen materiellen Profit verspricht. Und der kultivierte Geist verspricht so was nicht. Deshalb hält man ihn in der alles dominierenden, instinktgeleiteten Wirtschaftswelt für überflüssig und obendrein vor allen Dingen für lästig. Also weg damit! Die Politik bewerkstelligt den Vollzug. Im Duden wird Profit noch mit Nutzen; Gewinn; Vorteil umschrieben. Das sind Begriffe, hinter denen man nicht unbedingt Arges vermuten muss. Doch hat das Wort Profit seine Unschuld verloren – sollte es die mal gehabt haben. Aber davon müssen wir ausgehen, da uns gelehrt wurde, dass sogar Adam und Eva einst unschuldig waren. Zum Wort Profit hat sich das Wort Akkumulation gesellt. Auch kein von Grund auf arges Wort. Anhäufen, Sammeln war damit gemeint. Im Herbst haben die Menschen die von den Bäumen gefallenen und aus dem Boden gewachsenen Früchte gesammelt, geerntet und eingelagert. Alles, was nicht sofort verbraucht werden konnte, weil es im Überfluss da war, ist angehäuft worden, um übers Jahr hinweg...

Materialschlacht

Derman sendedir

Frauen machen Theater, Männer sind Theater.“ Als die Theaterkritikerin Renate Klett 1974 als damalige Regieassistentin am Schauspiel Frankfurt ihren Vertrag nur unter der Bedingung verlängern wollte, dass sie auch inszenieren dürfe, „konnte man sich noch leisten“, wie sie später schrieb, „ein solches Ansinnen für einen schlechten Scherz zu halten. ‚Aber Renate, du als Frau‘“, so lautete der O-Ton. Heute ließe sich Thomas Bernhards Eingangszitat aus dem „Theatermacher“ zum Glück etwas...

Editorial

Draußen vor der Tür kämpfte eine Stunde vor der Premiere der Straßenzeitgeist lautstark um Gehör: Der Dritte Weg, eine in der Gegend recht aktive rechte Splitterpartei, hatte zu einer Demo aufgerufen. Die Gegendemonstranten hielten direkt vor dem Theatercafé das Plauener Wendedenkmal in Obhut – 230 versus 100 lautete nach Polizeiangaben das Kräfteverhältnis. Drinnen gab es die intellektuelle Antwort: „German History“, ein „Deutschland-Abend mit Texten von Heiner Müller“ in der Regie von Roland May. Der Generalintendant des Theaters Plauen-Zwickau erklärte drei Stunden später – bei der Premierenfeier auf der Kleinen Bühne des Vogtlandtheaters – seine Müller-Affinität aber auch als autobiografisch begründet: Als jugendlicher Hospitant in Potsdamer Jugendjahren erlebte May den Autor am Hans Otto Theater persönlich, zudem gilt er als letzter lebender Hauptdarsteller der legendären Chemnitzer Inszenierung von Müllers „Der Auftrag“ 1981. Müllers Ära umfasst bekanntlich die jüngsten vier deutschen Machtwechsel, die May in eigenem Bühnenbild – eine Männerkloake mit breiter Pissrinne und hochhängender Leinwand für Schwarzweißvideos (Maxi Ratzkowski) – in 13 Szenen mit Texten aus Müllers Schaffensjahren von 1971 bis 1995 anlegt. Den Schwerpunkt bilden dabei mit fünf Auszügen „Die Schlacht“ (1973) sowie mit drei Auszügen „Die Hamletmaschine“. Andere Texte, auch aus dem Nachlass, kommen hinzu, vornehmlich prophetisch sehr kluge...

Theater Plauen Zwickau: „German History. Ein Deutschland-Abend mit Texten von Heiner Müller“. Regie und Ausstattung Roland May

Plauen: Hitlers Reiz und Müllers Analyse

Die Stress-Knoten auflösen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Was kann das Theater am besten? Traumszenerien entwerfen und der Wirklichkeit ins Auge sehen. Auf der einen Seite zur Imagination und zum Entgleiten aus den Fängen des Alltags verführen, auf der anderen gesellschaftliche Verkrustungen aufsprengen. Das Miteinander beider Tendenzen scheint die Signatur der neuen Intendanz am Saarländischen Staatstheater Saarbrücken zu sein. Der 48-jährige und in Stuttgart geborene Bodo Busse, der zuvor als kreativer Kopf dem Theater Coburg vorstand, übernahm mit Beginn dieser Spielzeit ein Haus, an dem bereits in den vergangenen Jahren konsequent an einem Miteinander der vier Sparten gearbeitet wurde. Die Messlatte liegt recht hoch. Denn die bisherige Generalintendantin, Dagmar Schlingmann, die ihrerseits nach vielen Jahren im Südwesten in dieser Spielzeit nach Braunschweig wechselte, hat mit ihrer ausgewogenen Mixtur aus Klassikern und fordernden Gegenwartsstücken respektive Uraufführungen dem Staatstheater zu hoher Anerkennung verholfen. Auch Busse bleibt, was die Zusammenstellung des Repertoires anbetrifft, erst einmal in der Spur. Wie Schlingmann schafft auch er übergreifende Narrative, welche die Schauspiel-, Opernund Ballettpremieren in einen thematischen Rahmen einbetten. Gleichwohl setzt er nuanciert neue Akzente. Mit „Dornröschen“, einem Ballett von Stijn Celis zu Tschaikowskys Musik, Otfried Preußlers „Kleiner Hexe“ (Regie Jonas Knecht) oder auch der hinreißend inszenierten „My Fair Lady“ führt uns diese Intendanz in...

Das Saarländische Staatstheater in Saarbrücken sucht unter dem neuen Intendanten Bodo Busse noch nach echten Akzenten

Traum und Kritik

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Wien ist für Thomas Vinterberg eine Stadt mit Suchtpotenzial. Seit er 2010 am Burgtheater „Das Begräbnis“ inszeniert hat (eine Fortsetzung seines Filmerfolgs „Das Fest“), reist er immer wieder gerne an. Im Programmheft zur Uraufführung von „Suff“ in den Kammerspielen des Theaters in der Josefstadt erklärt er nun, dass er jedes Mal, wenn er in Österreich arbeite, erstaunt sei, wie viel dort getrunken werde. Das ist durchaus anerkennend zu verstehen. „Suff“ – wie schon „Das Begräbnis“ und „Die Kommune“ gemeinsam geschrieben mit Vinterbergs inzwischen verstorbenem Drehbuchlehrer Mogens Rukov – ist ein recht ungeniertes Prosit auf den Alkoholkonsum. Zu erleben sind darin vier wohlhabende Wiener Witwen, die sich regelmäßig treffen – nicht zum Kaffeekränzchen, sondern um sich die Kante zu geben. Dabei bleibt das selbstzerstörerische Potenzial ihrer Wein- und Wodkaexzesse weitgehend überschaubar. Trinksucht erscheint hier eher als bewusstes Bekenntnis zum rauschhaften Leben, gesteigert noch durch die Einsicht, dass dieses Leben sich unübersehbar dem Ende zuneigt – weshalb sich die vier Damen wie die letzten Gäste am Kneipentresen verhalten: Kurz vor der Sperrstunde wird noch mal eine Runde Doppelter bestellt; und dann mit dem Glas in der Hand philosophiert, etwa wenn eine der Damen, Irma (Elfriede Schüsseleder), leicht lallend, aber mit der Grandezza...

Theater in der Josefstadt: „Suff“ (UA) von Thomas Vinterberg und Mogens Rukov. Regie Alexandra Liedtke, Bühne Raimund Orfeo Voigt, Kostüme Johanna Lakner

Wien: Wiener Witwen

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

„Alle großen Gedichte haben den Wert von Dokumenten. In ihnen ist die Sprechweise des Verfassers enthalten, eines wichtigen Menschen“, postulierte Brecht 1927 in seinem „Kurzen Bericht über 400 (vierhundert) junge Lyriker“. Was für Sprechweisen dokumentieren nun die Aufnahmen der 1998 von Siegfried Unseld zusammengestellten „100 Gedichte“ Brechts durch den Regisseur Torsten Feuerstein mit Katharina Thalbach und Sylvester Groth? Beide haben Brecht auf der Bühne gespielt und gesungen, beide kennen sich mit Balladen und Bänkelsang, mit Elegien und Epigrammen aus. Aber: „Voller Saal klingt besser“, wusste schon Toscanini. Vor dem Mikrofon ist es einsam, und bis auf Zuspruch und Kritik von Regie und Ton dringt wenig durch die schalldichten Wände des Studios. Deswegen sind Aufnahmen dieser Art immer ein Risiko, zumal Gedichte in Rudeln sich oft gegenseitig wegbeißen. Außerdem haben viele Brecht-Hörer noch immer die klassischen Interpretationen von Helene Weigel und Therese Giehse, von Ernst Busch und Wolf Kaiser im Ohr. Aber Siegfried Unselds Auswahl erleichtert beiden Sprechern, die Gedichte Brechts für ein heutiges Publikum hörbar zu machen. Von den frühen Natur- und Liebesorgien in der Tradition Villons und Rimbauds über die agitatorisch-strengen Verse der Lehrstück- und Kampfgedichte bis zu den Elegien des amerikanischen Exils und des Buckower Refugiums sind alle...

Bertolt Brecht: 100 Gedichte. Mit Katharina Thalbach und Sylvester Groth, Regie Torsten Feuerstein. Der Audio Verlag, Berlin 2018, drei CDs mit Booklet, Laufzeit drei Stunden, 19,99 Euro.

Die lyrische Chronik eines Jahrhunderts

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Lisa Jopt, Nicola Bramkamp, Ihr veranstaltet am 11. März in Bonn mit „Burning Issues“ ein bundesweites Treffen der Theatermacherinnen. Es geht um gleiche Bezahlung von Männern und Frauen bei vergleichbarer Arbeit, um Vereinbarkeit von Familie und Beruf, um mehr Frauen in Führungspositionen und auf Regieposten und um die Frage, inwieweit die MeToo-Debatte auch das Theater betrifft. Männer sind nicht zugelassen. Warum? Nicola Bramkamp: Wir wollen sofort in die Debatte einsteigen,...

Nicola Bramkamp und Lisa Jopt über das erste Treffen der Theatermacherinnen in Bonn, geschlechtsspezifische Lohnunterschiede und die Deutungshoheit der Masse Mann – ein Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Kriegsbemalung, kein Balzsymbol

„Is my future all in the past“

Anfangs war es nichts als ein Kribbeln, später ein leicht pochender Druck. Mir schien: Eine sehr kleine Herde im Dunkeln weiß nicht wohin, so flieht sie versuchsweise an Ort und Stelle, im Kreis. Es prickelte. „Ich perforiere von innen mit der Bleistiftspitze“, sagte der irre Hirte. „Zum Ausgleich“, fuhr der Hirte fort. Im Lippeninnenraum ward alles Mögliche herumexpediert, über die Alpen. Ein manisches Gewoge, hin- und her schoben sich Armeen, Mehrspänner, Katen auf Rollen, nein, Hütten auf Hühnerfüßen, die sich drehten auf Befehl, das halboffene Türchen mir zu. Links davon, das Knäuel der Klerikalen: ein sehr gehemmter Tumult. Insignien fielen, verrohten, und die postsexuelle Marketenderin im Glaubenskrieg machte das Geschäft ihres Lebens. Holla, die Gespanne! Das Holpern. Riemen rissen. Quacksalber meldeten Hilfsmittel an. Spuren wie von Pflügen gezogen, Widerstand. Wagenräder brachen, Achsen gingen entzwei. Im Lippeninnenraum ward ein Wiehern mobilisiert, dann ein Röhren von gewaltigen Motoren und flugs an die liebe Sonne gebracht. Danach, sechzehnstimmig der Kanon der Sensiblen und Berückten: „Kummt Hervor Als Ich Sah / Itz Uffgplatzte Reliquiar / Der Heiligen Teresia / Worinnen Drin Ihr Daumen War.“ Plong. Plong. Alle Maschinen Dampf, Dampf. Die mitgereiste Apothekerin empfahl: „Intervalle vergrößern“. Zong! Unendliche Bläschen, nachrückende Talente! Wobber! Nun senkten...

Reisebüro Rinck: Herpès de Provence

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Mit indischen Fertiggerichten und Literaturkursen füllt der Intellektuelle François seine schreckliche innere Leere. Auf den Straßen führen muslimische Krieger einen erbitterten Kampf gegen den Westen, während der Literaturprofessor mit seinem Kollegen Birnengeist genießt. In seiner Bühnenfassung von Michel Houellebecqs „Unterwerfung“ betrachtet Regisseur Axel Vornam den Menschen, den seine Trägheit zerfrisst, wie in einem Versuchslabor. In einem gekachelten Glaskasten, den Tom Musch ins Zentrum seiner kargen Bühne rückt, stürzt die Welt über ihm ein. „Viele Männer interessieren sich für Politik und Krieg, aber ich konnte einer solchen Beschäftigung nichts abgewinnen. Ich war so politisiert wie ein Handtuch.“ Mit knappen Monologen wie diesem charakterisiert Vornam den Protagonisten. Politisches Theater ist die Stärke des Heilbronner Intendanten. Der mächtige, klug in Gedankenschleifen konstruierte Text atmet Zeitgeist. Am 7. Januar 2015, dem Tag des Erscheinens des Romans „Unterwerfung“, griffen islamistische Terroristen in Paris die Redaktion des Satiremagazins Charlie Hebdo an. Sie töteten zwölf Menschen. Der französische Erfolgsautor spielt in dem satirischen Roman ein Szenario nach den Präsidentschaftswahlen im Jahr 2022 durch. Die islamische Bruderschaft gewinnt die Oberhand. Viele deutsche und internationale Bühnen haben den Roman auf die Spielpläne gesetzt, in jeweils eigenen Fassungen. Der Versuchung, Houellebecqs bizarre, oft als islamfeindlich gescholtene Literatur in surreale Visionen...

Theater Heilbronn: „Unterwerfung“ nach Michel Houellebecq. Regie Axel Vornam, Ausstattung Tom Musch

Heilbronn: „So politisiert wie ein Handtuch“

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Der Karrierestress zwingt EU-Brüssel zum Zigarettenrauchen. Schon beim Personendefilee zu Beginn saugt sich Martin Susman (Martin Butzke) an einem Glimmstängel über die Bühne, als gäbe er ihm Halt. Mit dem hippen Schriftzug „Kulturbeutel“ auf seiner Tasche weist sich Susman als Beamter in kulturellen – ergo prestigelosen – Belangen aus. „Rauchen Sie?“, wird er einmal gefragt. „Wie ein Schornstein!“, antwortet er und tritt damit prompt ins verbale Fettnäpfchen. Er ist es nämlich, der das „Big Jubilee Project“ für die imagepolierende 50-Jahr-Feier der Europäischen Kommission in Richtung Holocaust orientiert und deshalb amtshalber Auschwitz besucht. Dort, zwischen den ehemaligen Verbrennungsöfen, sei Rauchen freilich untersagt, auch für KZ-„Guests of Honour“, berichtet er, konsterniert nicht über das Verbot, sondern den geschichtsvergessenen Marketingjargon. Ist Robert Menasse am Werk, dessen vor Intelligenz funkelnde, vor Witz sprühende 450-Seiten-Romanvorlage „Die Hauptstadt“ (Deutscher Buchpreis 2017) dem Zürcher Theater Neumarkt seit der Premiere ausverkaufte Vorstellungen beschert, verlieren Wörter, Redensarten, Kalauer ihre Unschuld. Die Sprache ist diesem Schriftsteller ein doppelter Boden, den er uns unter den Füßen wegzieht – auf dass wir nie genau wissen, wo das Putzige in Sarkasmus kippt, inwiefern das Komische ernst gemeint sein könnte, wann die Satire ins Tragische mündet. Und so geschieht es nun auch im Theater....

Theater Neumarkt: „Die Hauptstadt“ (UA) von Robert Menasse. Regie Tom Kühnel, Bühne Jo Schramm, Kostüme Daniela Selig

Zürich: Am Anfang war das A-Wort

Während wir in Deutschland zurzeit unter unwirtlichen Temperaturen um den Gefrierpunkt und immer noch früh einsetzender Dunkelheit leiden, kann man für die türkische Riviera schon jetzt 19 bis 20 Grad verzeichnen, nur wenige Wolken stehen über der dortigen Provinzhauptstadt Adana am Himmel. Ein Sehnsuchtsort für heiße Sommer, und das Mittelmeer ist nicht weit entfernt. Das neue Stück des jungen Autors Akın Emanuel Sipal, dessen Uraufführung nun am Theater Bremen stattfand, ist in diesem Adana angesiedelt. Es heißt „Ein Haus in der Nähe einer Airbase“. Die Airbase, das ist der Nato-Stützpunkt Incirlik. Von dort flogen deutsche Luftwaffenjets noch im vergangenen Jahr ihre Unterstützungseinsätze im Syrien-Krieg, die umkämpfte Stadt Aleppo ist nicht einmal zwanzig Flugminuten von Incirlik entfernt. Sipals Narration und deren atmosphärische Grundierung begründen sich aus dieser Region und ihrer Geschichte. Seine Figuren gehören zu den Deutschtürken jener Generation, die sich gerade jetzt mit ihrer Herkunft auseinandersetzen wollen, sie – so wird es bereits im Begleittext erklärt – „ringen allesamt um ihre kulturelle Identität“. Das exemplarische Personal Sipals, eine türkische Kleinfamilie, kehrt seit Jahren regelmäßig aus Deutschland in das Land der Vorfahren zurück, sie hat dort ein Ferienhaus gekauft. Nun haben die Eltern unvermittelt beschlossen, sich mit der ganzen Familie in...

Theater Bremen: „Ein Haus in der Nähe einer Airbase“ (UA) von Akın Emanuel Sipal. Regie Frank Abt, Ausstattung Susanne Schuboth

Bremen: Und nebenan herrscht Krieg

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Wenn die Angst kommt, hat es keinen Sinn wegzulaufen, dann muss man um sein Leben schwimmen. Einer der eindringlichsten Filme der vergangenen Jahre hieß darum auch „Die Frau, die sich traut“ (2013, Regie Marc Rensing). Es ist ein Film, der für Steffi Kühnert geschrieben wurde, die Geschichte einer Frau um die fünfzig, ehemals Erfolgsschwimmerin im DDR-Leistungssport, die jetzt in einer Großwäscherei arbeitet, für ihre längst erwachsenen Kinder sorgt (die Wäsche wäscht) und mitten in diese kreisende Alltagstristesse hinein die Diagnose Krebs bekommt. Alles vorbei? Nein, beschließt sie. Sie hat noch Kraft, und über deren Verwendung entscheidet sie dieses Mal ganz allein. Am sinnvollsten erscheint es ihr, den Ärmelkanal zu durchschwimmen. Endlich mal ein Ziel, das den Einsatz von allem erfordert: eine symbolische Tat, die den Tod für immer besiegt. Danach kann kommen, was will. Steffi Kühnert kommt gerade vom Vorsprechen an der Ernst-Busch-Schauspielschule. Über tausend Bewerber stellen sich dort jedes Jahr vor, etwas mehr als zwanzig werden genommen. Mit 18 Jahren, das war 1981, hatte sie selbst hier begonnen zu studieren, jetzt wählt sie als Professorin für Schauspiel den künftigen Nachwuchs aus – und ist gerade ziemlich verschnupft. Über eine große Tasse Tee gebeugt, erinnert sie sich an ihr Schwimmtraining...

Überbordend, ein einziges Kraftwerk – Die Schauspielerin Steffi Kühnert

Die Selbstüberwinderin

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Heidelberg: Heidelberger Stückemarkt geht mit Preisverleihung zu Ende

Kostüme

Theater kann so einfach sein. Ein paar Worte – und ein Mensch, der sie spricht. Dazu andere Menschen, die dabei zuschauen. Auf diese einfache Formel bricht der iranische Autor Nassim Soleimanpour sein Theater herunter. Aufführungen seiner Stücke beginnen damit, dass einem Schauspieler der Text auf offener Bühne überreicht wird. So geschah es auch bei der deutschen Erstaufführung von „Nassim“ im English Theatre Berlin. Der Schauspieler kennt den Text nicht. Genauso wenig wie das Publikum. Zu Soleimanpours professioneller Geheimniskrämerei gehört, dass auch Theaterkritiker die Texte nicht erhalten. Natürlich besteht eine große Gefahr darin, im Beschreiben dessen, was geschieht, etwas von der Freude zu rauben, die sich bei der Erstberührung mit einem Stück von Soleimanpour einstellt. Die Schauspieler stehen mittlerweile Schlange. Denn es ist ein Theater ganz ohne Probe. Der Betrieb schnurrt zu einem Moment zusammen, ein Faszinosum – auch für die Zuschauer. Ein zweiter Reiz liegt in dem Blick auf die Machtverhältnisse. „Gehorcht“ der Performer den Anweisungen des an die Wand projizierten und für alle offen einsehbaren Stücktextes? Versucht er, komplizenhaft das Publikum einbeziehend, dieser Diktatur des Schreibers zu entkommen? Erlaubt das Publikum Abweichungen oder agiert es als Drama-Polizei? Ein dritter Reiz dieses Formats ist, zu sehen, wie aus simplen Worten...

Die Aufführungen des iranischen Autors Nassim Soleimanpour beginnen damit, dass dem Schauspieler der Text überreicht wird – ein Theater ohne Probe

Globaler Storyteller

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Unter Beobachtung

Victoria Behr, in der Mode sind Körper und Kleid aufeinander angewiesen, sie benötigen einander. Das eine kann ohne das andere nicht sein. Laut der Modetheoretikerin Gertrud Lehnert verschmelzen sie zu einer Art „Modekörper“. Auf der Bühne gewinnt diese Verbindung noch einmal mehr an Bedeutung. Das Kostümbild besitzt dort nicht die Funktion, Lifestyle oder den Zeitgeist abzubilden. Es schafft selbst einen Körper, in den die Schauspieler schlüpfen und zu lebendiger Form werden. Kann man so Ihre Kostüme beschreiben? Das trifft es ungefähr. Was ich mit meinen Kostümen versuche, soll den Schauspielern helfen, eine Figur entstehen zu lassen, die ihnen eine Körperlichkeit gibt und bestimmte Bewegungen ermöglicht. Wenn ich einer Schauspielerin ein Kleid mit großen Puffärmeln anziehe, gebe ich ihr mit dieser stark übertriebenen Form etwas vor: Sie kann sich nicht mehr zusammenkauern und in der Ecke herumstehen. Ich verleihe dieser Figur damit eine unübersehbare Präsenz, weil sie total exponiert sowohl durch ihre Form als auch durch die Farbigkeit im Theaterraum steht. Ihre schrillen und verrückten Kostüme sorgen für starke Spannungen auf der Bühne und werden von der Kritik gefeiert. Seit Sie mit Herbert Fritsch arbeiten, wurden Sie mehrmals als Kostümbildnerin des Jahres ausgezeichnet. Was veranlasste Sie zu dieser sehr selbstbewussten Kostümauffassung?...

Die Kostümbildnerin Victoria Behr über grotesk große Kleider, aufgetürmte Haare und Schauspieler in Plastik im Gespräch mit Ute Müller-Tischler

Die Kostüme sind der Raum

Handelnde: Uli – Gleiswärter Lotte – Ulis Ehefrau Patrick – Lottes und Ulis Sohn Robert – Uni Pförtner Silvio – Wärter Marie – Journalistin Jochen – Maries Redakteur Monika – Patricks Bewährungshelferin Pfarrerin Orte: Dresden und Umgebung Bahnhöfe, Bahnhofsgleise, JVA-Besucherzimmer, Krankenstation, Küchen, Büros Friedhof Legende: - kurze Lücken im Sprechen, minimales Zögern, manchmal einfach Bindestriche – statt ... / unterbrochen werden, oder selbst abbrechen und direktes Anfügen des nächsten Satzes Als Weißraum bezeichnet man in der Grafik die Leerflächen eines Layouts. Zwischen zwei geschriebenen Zeilen ergibt sich durch den Weißraum eine optische Grenze. In der Kunst ist der White Space der bevorzugte Raum / das Display für Ausstellungsstücke. Vor der eigenschaftslosen, weißen Wand erhöht sich das Dargestellte, löst sich aus seinen Kontexten und wird zeitlos. PROLOG Ein Umsteigebahnhof weit außerhalb Dresdens mit verglastem Sitzbereich auf dem Gleis. Auf einem der Sitze an die Scheibe gelehnt – Uli – ein alter Sicherheitsmann auf seinem letzten Posten. Es ist der 24. Dezember, 20 Uhr. Uli schläft mit einem Kreuzworträtsel-Heft auf dem Bauch. Ein Zug hält und fährt weiter. Eine Gestalt nähert sich Uli und klopft dann an die Scheibe. Uli fährt erschrocken herum. ROBERT Mensch Uli! Was machst denn du hier? ULI...

Weißer Raum

Oliver Kluck, kürzlich wurde bekannt, dass Sie – nach einigen Jahren Tätigkeit als freier Autor – eine Ausbildung zum Lokführer angetreten haben. Das Schreiben ist bei der sonst sehr kollektiven Theaterarbeit ein eher einsamer Beruf wie auch das Zugführen. Ist das Zufall? Ob ich in einem Gasthaus auf meinen Stoff warte oder vor einem Halt zeigenden Signal, ist für mich nur dahingehend zu unterscheiden, dass ich für eine von beiden Tätigkeiten auf direktem Weg bezahlt werde. Das Schreiben selbst hat in meiner Sache immer einen geringen Anteil an der Schreibarbeit. So entsteht kaum Verzug dadurch, dass ich gelegentlich Züge fahre. Meine Tätigkeit ist sowieso klar umrissen. Ist das auch Befreiung, nicht mehr vom Schreiben allein leben zu müssen? Scheinbar ist es eine Eigenheit des Künstlerberufes, dass Arbeit und Ergebnis als Ereignisse betrachtet werden, die nichts miteinander zu tun haben. Der tatsächliche Wert meiner künstlerischen Arbeit ist entsprechend nicht in der Anzahl vollgeschriebener Hefte zu bemessen, sondern im Unterlassen des Schreibens. Die Zeit des Herumhängens bis zum Sankt-Nimmerleins-Tag zu verlängern ist die Erfüllung meiner Profession. Für eine anständige bürgerliche Existenz bin ich ohnehin nicht geeignet. Ich bin ein Schichtenmigrant. In der Schicht, aus der ich komme, kann ich nicht sein. In...

Zur Sache, Schatz!

Neuerscheinungen im Verlag