Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Lessenich sagt, dass achtzig bis neunzig Prozent der Antibiotika, die unser gutes Leben am Laufen halten, in China und Indien hergestellt werden. Und dass diese Herstellung unter Bedingungen erfolgt, die hierzulande undenkbar wären. Dort unten aber, in China und Indien, schädigen sie ihre Umwelt zum Wohl des globalen Nordens, scheiden unverträgliche Stoffe aus, die das Trinkwasser vergiften und die Menschen gleich mit. Und wir, sagt Lessenich, sehen es als selbstverständlich an, dass auf so zerstörerische Weise Nützliches für uns getan wird. Mit Beispielen wie diesem illus­triert er die These von der Externalisierungsgesellschaft, die er in seinem Buch „Neben uns die Sintflut“ entwickelt hat. Gemeint sind hochtourige kapitalistische Gesellschaften, die es sich leisten können, die Kosten ihrer Lebensweise, was Produktion und Konsum gleichermaßen betrifft, auszulagern. Mit Stephan Lessenich, dem eloquenten Soziologen aus München, sitze ich Seit an Seit im Splitscreen – statt wie ursprünglich gedacht auf der Theaterbühne. Alle reden vom Virus. Wir nicht. Oder höchstens ein bisschen, denn Lessenich hat das Virus in einem Artikel als wohlbekannten Nachbarn identifiziert, einen, den wir nicht sehen wollen und darum den Blick abwenden, sobald er aus der Tür tritt. Das Virus bringt das Verdrängte zurück, sagt er, oder mit einem Wort von Sigmund...

Videoschalte mit Stephan Lessenich und Kornelius Heidebrecht

Alle reden vom Virus. Wir nicht.

Am 23. März verstarb nach kurzer Krankheit im Alter von 84 Jahren der bekannte Literatur- und Theaterwissenschaftler Gottfried Fischborn. Er war ein exzellenter Dramentheoretiker, der auch durch seine unkonventionelle Arbeitsweise beispielgebend wirkte. In aufwendigen Studien, unter anderem durch langwährende und dann intensiv ausgewertete Gespräche mit bedeutenden DDR-Dramatikern wie Heiner Müller und Peter Hacks, gelangen ihm bemerkenswerte Fallstudien zur avancierten Dramenszene des Landes. Sie waren, sachlich und sensibel zugleich, Spiegelbild des spannungsvollen Verhältnisses von Literatur und Theater in der DDR. Fischborns langjährige Tätigkeit als Dozent an der Leipziger Theaterhochschule „Hans Otto“, an der er auch sein Studium absolviert hatte, und später, nach der Wende und der Abwicklung dieser besonderen Lehranstalt, unter anderem an der Leipziger Universität und am Leipziger Literaturinstitut, prägte Generationen von jungen Theaterleuten und Autoren. Seine Vorlesungen erfreuten sich wegen ihrer stringenten Klarheit und unorthodoxen geistigen Beweglichkeit großer Beliebtheit, wie überhaupt er bei Kollegen und Schülern als bekennend linker Demokrat und Humanist im wahrsten Sinne des Wortes geschätzt wurde. Da ihm jegliche ideologische Eingeengtheit fremd war, musste er zu DDR-Zeiten so manche ­politische Reglementierung erdulden. In den letzten Jahren lebte Gottfried Fischborn in Wiesbaden. Von dort aus bot er unter anderem im Internet Online-Kurse für Szenisches Schreiben an –...

In Gedenken an den Literatur- und Theaterwissenschaftler Gottfried Fischborn

Unorthodoxer Denker

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

„Faire Honorare!”, „Faire Verträge!” und „Innovatives Theater!” – das neue Reformpaket des Szenografie-Bunds fordert maßgebliche Veränderungen

Münchner Kammerspiele: Klamauk und Katastrophe

Berliner Ensemble: Umsturzphantasien mit KI

„Antigone“ in Leichter Sprache

Freddy Krueger und Chucky, die Mörderpuppe

Inszenierungen der Choreografin Florentina Holzinger

Von Schulterschlüssen und Zirkusküssen

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

München: Förderpreis für neue Dramatik 2025 ausgeschrieben

Der Materialergründer

Ein Überblick über Ausfälle und Alternativen (Stand 15. April 2020)

Festivals in Zeiten von Corona

The Blob und das Lachen der Medusen

To try, to fail, to try again

In Reaktion auf die politische Spaltung der Gesellschaft und die Wiederkehr reaktionärer Tendenzen wird auch das Theater von einer Welle der Politisierung erfasst: Man reinszeniert historische Schlüsselereignisse, holt authentisch Betroffene sowie »Experten des Alltags« auf die Bühne und schafft Raum für marginalisierte Identitäten und Gruppen. Doch indem sich das Theater der Tagespolitik anverwandelt, erklärt es seine eigene künstlerische Formenwelt für obsolet. Am Ende steht dann zumeist schlechte Kunst und noch schlechtere Politik. In seinem konzisen Essay interpretiert Jakob Hayner diese Entwicklung als Ausdruck einer tief greifenden intellektuellen und künstlerischen Krise und fordert eine Rückbesinnung darauf, was das Theater gegenüber anderen Kulturerscheinungen auszeichnet. Denn nur wenn die politischen Fragen in der Sprache der Kunst aufgeworfen und verhandelt werden, lässt sich das Potenzial des Dramas retten: Dieses besteht gerade darin, nicht mit der Wirklichkeit zu verschmelzen, sondern über sie hinauszugehen. Es geht um nicht weniger als die Erneuerung der Idee des Theaters. // (Aus der Verlagsvorschau)

Fröhliche Wissenschaft Bd. 160, Matthes & Seitz, Berlin 2020, 160 S., 15 EUR.

Bücher aus der Redaktion. Jakob Hayner: Warum Theater. Krise und Erneuerung

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Jürg Kienbergers Hommage an Huldrych Zwingli war kaum über die Bühne gegangen, da wurden die Geburtstagsfeierlichkeiten des TamS vom Virus gestoppt. Die fast 100-jäh­rige Charlotte von Bomhard hätte das nächste der Gastspiele von Freunden und Weggefährten bestellen sollen, in deren Vorbereitung das Leitungsteam der freien Bühne im Münchner Stadtteil Schwabing ein halbes Jahr Arbeit gesteckt hat. Dann musste – wie überall – ­alles auf Eis gelegt werden. Begonnen hatte die Sause zum halben Jahrhundert des Theaters am Sozialamt – so der volle Name des TamS – passgenau schon im Februar, weil am 27. Februar 1970 ein junges Puppenspieler- und Pantomimenpaar das ehemalige Brausebad in der Haimhauserstraße 13 erstmals mit Bühnenleben füllte. Die Karl-Valentin-Weide, die der Sprachspieler Philip Arp und seine Frau Anette ­Spola zwei Jahre später pflanzten, wächst bis heute in der Schwabinger Hinterhofoase, ­deren gepflegte Wildheit etwas Präparadie­sisches hat. Während die schwere Eingangstür ins innere Eden chronisch klemmt, flutschen die Aufführungen auf der Minibühne umso geschmeidiger. Von Arps erstem „Valen­tin­aden“-Abend, der im Juni 1971 den existentialclownesk-melancholischen TamS-Stil begründete, über Valentins „Weltuntergang – Riesenblödsinn“ 1996 bis zur Jubiläums­premiere „Trotz des großen Erfolgs. Eine ­Revue des Scheiterns“ im Januar dieses Jahres hat sich das von der Süddeutschen Zeitung zum „Welthinterhoftheater“ geadelte...

Ein halbes Jahrhundert Eigensinn und Gaudi – Zum Jubiläum der freien Bühne TamS in München

Der Irrwitz wohnt im Hinterhof

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Heinz Bude, als Soziologe erforschen Sie die Macht der Angst und die fast in Vergessenheit geratene Idee der Solidarität. Was lehrt Sie die gegenwärtige Situation in der Coronakrise? Solidarität hat heute eine andere Basis als zu Zeiten der Arbeiterbewegung. Es ist nicht mehr die gemeinsame Erfahrung von Ausbeutung und Unterdrückung, die Solidarität stiftet, sondern die von Verwundbarkeit. Für das Virus ist jede Person ein Wirt. Die Solidarität von heute beruft sich nicht auf ein Wir, sondern schafft ein Wir. Nicht herablassendes Mitleid, sondern wechselseitige Abstandnahme. Man braucht ein Herz und einen Kopf. Und gleichzeitig gibt es so etwas wie die Entdeckung der Staatsbedürftigkeit von Gesellschaft. Die pathetische Idee von der Zivilgesellschaft trägt nicht mehr. In diesen drei Entdeckungen – Verwundbarkeit, Verbundenheit und Staatlichkeit – steckt die Idee zu einem neuen Zeitalter, das nach dem Neoliberalismus kommt. Was genau verstehen Sie unter dem Pathos der Zivilgesellschaft? Den fröhlichen Glauben daran, dass Menschen in privat gewählten Kontexten besser zurechtkommen als in staatlich organisierten. Die Zivilgesellschaft setzt starke Einzelne voraus, die sich punktuell zusammenschließen, um noch stärker zu werden. Dieser Narzissmus ist gebrochen. Im Zweifelsfall sind wir aufeinander angewiesen. Was die Solidarität angeht, erleben wir derzeit viel Schönes. Wir sehen aber auch die...

Was macht das Theater, Heinz Bude?

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Moers: Klimaneutraler Theaterneubau erhält 80 Prozent Förderung vom Land NRW und dem Bund

Karl Marx verglich 1859 in der Vorrede von „Zur Kritik der politischen Ökonomie“ den Fortschritt mit jenem „heidnischen Götzen, der den Nektar nur aus den Schädeln Erschlagener trinken wollte“. Ein martialisches Bild, das in seiner Drastik so manche Zeitgenossen verwunderte. Was ist denn am Fortschritt, was ihn einem „heidnischen Götzen“ ähnlich mache, fragten sie. Der lange Schatten, den er wirft, wusste der Dialektiker Marx. Fortschritt ist nichts linear Verlaufendes, nichts Konstantes, sondern immer von Rückschritt und Absturz in die Barbarei bedroht. In historischen Schönwetterzeiten, in denen man glaubt, es gehe immer so weiter, immer schneller, höher, effizienter und natürlich schöner, spüren wir davon wenig, aber diese Perioden wechseln zuverlässig mit anderen, mit Krisen, Kriegen und Katastrophen aller Art, die die Existenz der Gattung infrage stellen. Auch Seuchen zählen dazu. Fortschritt ist, so haben wir es in Europa seit dem Ende des Zweiten Weltkriegs erfahren, ein Erleichterungsprojekt. Technik nimmt uns mehr und mehr die schwere körperliche Arbeit ab, das Leben wird immer komfortabler, und unsere individuelle Freiheit, über alle uns betreffenden Dinge selbst zu bestimmen, wächst wie die Produktivitätsrate der Wirtschaft von Jahr zu Jahr. Gegen Krankheiten gibt es Krankenhäuser mit viel Hightech und immer neuen Medikamenten. Krankheit und Tod kann...

Das Coronavirus verändert unser Bild der Welt und unser Selbstbild – Zur Geschichte der Seuchen in der Moderne

So nah, so fern

Alle reden übers Wetter. Wir nicht. So hieß es früher einmal. Reden wir also nicht übers Wetter und auch nicht über Viren, sondern über Klasse. Es ist der simple und beschämende Fakt, dass wenige Menschen weltweit über so viel Kapital verfügen, dass sie nicht nur erheblichen Einfluss auf politische Geschicke haben, sondern zugleich Millionen Menschen mittels Lohnarbeit zur Vermehrung ihres Kapitals zwingen. Als ich die Schule verließ, kam die Finanzkrise. Dann die Immobilien­krise. Dann die Staatsschuldenkrise. Dann die geopolitische Krise. Dann die Niederlage der neuen Linken. Dann die neuen Faschisten. Und nun die Gesundheitskrise. Und in dieser Zeit sind die Reichen immer reicher und die Armen immer ärmer geworden. Aber uns hierzulande, heißt es dann, uns geht es doch gut. Das stimmt nicht. Der Theater­kritiker Christian Baron hat mit „Ein Mann seiner Klasse“ ein Buch über die verdrängte Armut geschrieben. Es ist die Geschichte seines Lebens, seiner Eltern und Groß­eltern, der Tanten, Onkel und Geschwister. Denn Ungleichheit wird vererbt (ökonomisch, nicht biologisch). Dieses Buch sollten Sie lesen. Es zeichnet weder das Bild des „Unterschichtfernsehens“ noch der „edlen Armen“. Es zeigt ein realistisches Bild zwischen Ausgrenzung, Gewalt, Alkoholismus, Neid, Güte, Aufopferung, Depression und Solidarität. Die unteren Klassen unten zu halten, ist...

Geschichten vom Herrn H.: Let’s talk about Klasse, baby!

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Es müssen Köpfe rollen

Theateraufführungen und Performances verlagern sich ins Internet. So zog etwa der Künstler Simon Weckert einen Karren mit 99 Smartphones durch Berlins leere Innenstadt. Weil Weckert im Schritttempo unterwegs war, gelegentlich stoppte und Schlei­fen drehte, erschien auf Google Maps eine Stauwarnung – obgleich die Straße leer war. Der bildende Künstler nutzte die ­große Bühne Internet. Das war Ende vergangenen Jahres, als das neue Coronavirus noch unbekannt war. Weckerts „Google Maps Hack“ deutete trotzdem das große Potenzial des Hybrids von physischer und digitaler Welt an. Wie sich in der von Schreck und Eile bestimmten Reaktion auf die Schließung der Theatersäle und Probenräume zeigte, ­haben die Theater im deutschsprachigen Raum in Bezug auf das Digitale noch Nachholbedarf. Videos älterer und neuerer Inszenierungen wurden auf die Websites der Häuser geladen. Das ­Regiekollektiv Rimini Protokoll hatte plötzlich 2500 Klicks mehr auf der eigenen Website, als die Münchner Kammerspiele Stefan Kaegis „Unheimliches Tal / Uncanny Valley“ streamten. Rimini Protokoll bietet seit langem Videodokumentationen seiner Arbeiten an, die eine eigene ästhetische Qualität haben und über bloße Mitschnitte hinausgehen. In dem auf den Coronaschock folgenden Digitalwettbewerb war Rimini Protokoll dem sich nur langsam in Bewegung setzenden Stadttheaterbetrieb weit voraus. Der wirkte teils possierlich redundant, beispielsweise als bei dem...

Die Coronakrise beschleunigt die Digitalisierung im Theater – Ein Überblick über Tools, Formate und Probleme

Die Bühne geht ins Netz

„Work hard, play hard?“

Liebe, Schreiben, Popmusik

Janina Benduski, die Hilfen für freie Künstlerinnen und Künstler in der Coronakrise laufen derzeit sowohl auf Landes- wie auf Bundesebene. Sie sind Vorsitzende des Bundesverbands freie darstellende Künste sowie Mitglied im Vorstand des Landesverbands Berlin. Wie beurteilen Sie derzeit den Stand bei den Bundeshilfen? Die Bundeshilfen für Kultur und Kreativwirtschaft dürfen derzeit ausschließlich für Betriebskosten verwendet werden. Darunter fallen Büro-, Proberaum- oder Theatermieten und Kredite, die abbezahlt werden müssen. Deswegen hilft es nicht allen, denn nach unserem Kenntnisstand sollen persönliche Existenzsicherungskosten damit nicht abgedeckt werden. Der LAFT Berlin, die Koalition der Freien Szene und der Rat für die Künste haben sich deswegen zusammengetan und den Bund aufgefordert, das Programm mehr den Realitäten von Soloselbständigen und Kleinunternehmern anzupassen. Deren größter Betriebskostenposten sind sie selbst. Daher fordern wir, dass auch Lebenshaltungskosten aus diesen Bundesmitteln gedeckt werden können. Baden-Württemberg ist anfangs so verfahren. Dadurch, dass zu Beginn der Krise die Kriterien so wenig geklärt waren, wurde das Prozedere in den einzelnen Ländern ganz unterschiedlich gehandhabt. Schließlich hat sich aber herauskristallisiert, dass der Bund andere Vorstellungen hat. Wenn ich als Selbständige ein Büro oder einen Proberaum habe, darf ich die Miete dafür von den Bundeshilfen zahlen, aber nicht meine private Miete. Und wenn man...

Programme für freie Künstlerinnen und Künstler in der Coronakrise – Janina Benduski vom Bundesverband Freie Darstellende Künste im Gespräch mit Patrick Wildermann

Erste Hilfe?

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Ole Hübner, Thomas Köck, Michael von zur Mühlen, Ihr Musiktheaterprojekt „opera opera opera!“ ist zum Stück der Stunde geworden. Zwei Zeit­reisende blicken aus ihren Klimakapseln auf eine menschenleere Landschaft, die vielleicht unsere Gegenwart ist, und kratzen sich verlegen unter ihren Atemschutzmasken. Die Uraufführung am 17. Mai bei der Münchner Biennale ist aufgrund der Coronaviruspandemie ungewiss. Michael von zur Mühlen: Wir haben einen Probenstopp seit dem 17. März und verlieren dadurch nahezu die komplette Probenzeit. Da ist es aussichtslos, noch an die Uraufführung zum vorgesehenen Datum zu glauben. Sehr bitter, auch weil das Stück gerade so brisant erscheint – der dritte Akt spielt beispielsweise in einem verlassenen Opernhaus und dekliniert die Dystopie eines Verlustes von Öffentlichkeit radikal durch. Es geht in dem Stück um eine weitreichende Katastrophe, angesichts derer völlige Handlungsunfähigkeit entsteht. Wir werden uns auf eine Aufführung zu einem späteren Zeitpunkt vorbereiten, der noch ungewiss ist, weil sich die Bedingungen ständig ändern. Daher denken wir auch über Formate nach, die eine digitale Aufführung integrieren. „opera opera opera!“ ist ein Rückblick auf die menschliche Zivilisation, wobei sich keine der Figuren so recht erinnern kann, was die Menschheit einmal war. Keine Erinnerung, keine Schuld: „In this world nothing is your fault“, heißt...

Ole Hübner, Thomas Köck und Michael von zur Mühlen über ihr Musikheaterprojekt „opera, opera, opera! revenants & revolutions“ im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Stimmen, die auf Geschichte warten

München: Ruth Maria Kubitschek ist tot 

Schauspielhaus Bochum: Erst kaufen sie Afrika, dann werden sie sich uns kaufen

Als die Theater schließen mussten, war das ein Moment des Innehaltens und der Reflexion? Für die Frage, warum man eigentlich Theater macht? Mitnichten. Wer nicht von Existenz­sorgen geplagt wird, ist hektisch am Umdisponieren. Und wer davon verschont wird, schreibt Corona-Tagebuch. Doch wen ­angesichts der Vorstellung, von einem nach Gegenwartskommentar gierenden Up-to-date-Theater spätestens in der nächsten Spielzeit mit unzähligen Adap­tionen von Albert Camus’ „Die Pest“ traktiert zu werden, ein leichtes Grausen befällt, sollte nun zu einem Buch greifen, das ungewollt zur richtigen Zeit kommt. „Spielplan-Änderung! 30 Stücke, die das Theater heute braucht“ lautet der Titel des von Simon Strauß im Tropen-Verlag herausgegebenen Sammelbands. Der Theaterredakteur der Frankfurter Allgemeinen Zeitung hatte für sein Blatt eine Serie von Artikeln initiiert, die nach Stücken abseits des engen Kanons des derzeit Gespielten fragten. Diese Texte wurden nun l­esebuchtauglich auf knapp 250 Seiten veröffentlicht – vorangestellt jeweils ein kurzer Auszug einer Szene des empfohlenen Stücks. So wünscht man es: Das kundige und interessierte Publikum diskutiert über dramatische Literatur. Die Beiträge von Hans Magnus Enzensberger über Nino Haratischwili, Bernd Stegemann und Sasha Marianna Salzmann bis Dietmar Dath speisen sich allerdings aus einem Unbehagen, gar einer Enttäuschung, wie auch der Herausgeber einleitend erläutert. Das rührt von der mangelnden...

Der Theaterkritiker Simon Strauß plädiert mit dem Band „Spielplan-Änderung!“ für eine Wiederentdeckung der Vielfalt des Dramatischen – abseits des Kanons

Was wollen wir spielen?

Vielleicht hätte es ja ein neues Gelübde gebraucht? Zur E­rinnerung: Die weltberühmten Oberammergauer Passionsspiele haben ihren Ursprung im 17. Jahrhundert, als die Pest in Europa wütete. Der Schwarze Tod machte damals auch vor dem kleinen Dorf im oberbayerischen Voralpenland nicht halt. Also gelobten die Oberammergauer, regelmäßig die Leidensgeschichte Jesu auf die Bühne zu bringen, wenn denn nur das Sterben ein Ende nähme. Genau das soll eingetreten sein: keine Pesttoten mehr nach dem Versprechen. So will es die Überlieferung. Bis heute halten sich die Oberammergauer an die Abmachung und führen alle zehn Jahre die Passion auf. In diesem Jahr wäre es wieder so weit ge­wesen. Doch die Premiere am 16. Mai musste wegen der Corona-krise abgesagt werden. Hat Gott etwa seinen Teil des Deals ver­gessen und daher eine neue Pandemie geschickt? Vielleicht brauche es einfach nur ein neues Gelübde, ließ es sich Anfang März also witzeln, als noch die Hoffnung bestand, Deutschland im Allgemeinen und Oberammergau im Besonderen könnten von Covid-19 verschont bleiben. Und sollte der Er­reger doch näher rücken? Müsste man eben geloben, künftig alle fünf Jahre zu spielen. Der Spaß ist den meisten dann aber doch schnell vergangen, als sich die Lage rapide verschärfte. Die Proben liefen bereits auf...

Mit den Passionsspielen feierten die Oberammergauer einst ihre Rettung vor der Pest – nun sorgt die Coronakrise für eine Verschiebung, die Dorf und Organisatoren schwer trifft

Himmelherrgott!

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Autorinnen und Autoren Mai 2020 / Vorschau

Halle: Kathrin Vieregg gewinnt für ihren Stückentwurf „Mutter Vater Rind“ den „Preis der Jungen Dramatik“

Derman sendedir

Mülheim an der Ruhr: Sivan Ben Yishai ausgezeichnet mit dem Mülheimer Dramatikpreis 2024

Die Frage nach den Wörtern

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Mit dem Auftritt Norwegens als Ehrengast der Frankfurter Buchmesse im vergangenen Herbst kehrte auch Jon Fosse als Prosa-Autor nach Deutschland zurück, und zwar ganz groß. „Der andere Name“ sind die ersten beiden Teile einer Heptalogie, die mit ihrer vollständigen Veröffentlichung 1500 Seiten Umfang weit übersteigen dürfte. Die Lektüre der ersten beiden der insgesamt sieben Bände führt in den auch aus seinen rund dreißig Stücken bekannten Fosse-Kosmos im südwestlichen Norwegen, zu den Fjorden um die Stadt Bergen, die im Buch Bjørgvin – so der Gründungsname, was Bergwiese bedeutet – heißt. Der Protagonist Asle ist ein zum Katholizismus konvertierter Maler, der das Abbilden des Leuchtens im Dunkeln zu seiner Kunst gemacht hat. Man darf hier an die Geschichte des Malers Lars Hertervig (1830–1902) denken, die Fosse vor über zwanzig Jahren in seinem Roman „Melancholie“ als eine ähnliche mystische Suche schilderte. Der im Unterschied zu Hertervig im Glauben verankerte Asle begegnet bei einem Besuch seiner Galerie in Bergen einem Namensbruder. Oder ­vielmehr findet er den alkoholkranken Asle, gleichfalls Maler, auf dem Weg halbtot im Schnee und liefert diesen in ein Krankenhaus ein. Im Grunde ist das schon die ganze Handlung, die von Asle als Gegenwartsgedankenstrom mit unvermittelten Zeitsprüngen in sich weit verästelnde Erinnerungen...

Jon Fosse: Der andere Name. Heptalogie I–II. Jon Fosse: Kindheitsszenen.

Das Leuchten im Dunkeln

Open Table: All in

Es ist fast ein Wunder, dass Thomas Pynchon die Genehmigung erteilte, seinen 1973 erschienenen Roman „Die Enden der Parabel“ über das chaotische Finale des Zweiten Weltkriegs, bei dem die V2-Rakete eine besondere Rolle spielte, für ein monumentales Hörspiel bearbeiten zu dürfen. Bislang wurden alle ­Gesuche für Adap­tionen abgelehnt – oder auf Pynchon-typische Weise verulkt. Als Laurie ­Anderson das im amerikanischen Original 760-Seiten-Buch für ihre Art von Musiktheater verarbeiten wollte, bekam sie als Antwort, das ginge nur, wenn sie die Ukulele als einziges Instrument verwenden würde. Lediglich der deutsche Filmemacher Robert Bramkamp erhielt von Pynchon höchstselbst die Genehmigung, die in Peenemünde spielenden Szenen des Romans, von wo die Raketen nach England, Holland und Belgien abgeschossen wurden, für sein Werk „Prüfstand 7“ (2002) zu verfilmen. Jetzt hat Klaus Buhlert, der mit den Hörversionen von „Der Mann ohne Eigenschaften“, „Ulysses“ und „Don Quijote“ als Spezialist für Großproduktionen der Welt­literatur gilt, den maßlosen, mit vierhundert Figuren in unzähligen Episoden mäandernden Roman adaptiert. Als Ursendung dieser Produktion von SWR und Deutschlandfunk die Wochen vor dem 75. Jubiläum des Kriegsendes zu wählen (Sendestart des 14-stündigen Hörspiels war am 17./18. April), darf für die inhaltliche und literaturgeschichtliche Bedeutung des Werks von Pynchon (an einem 8. Mai geboren)...

Thomas Pynchons Roman „Die Enden der Parabel“ wird zum 75. Jahrestag des Kriegsendes von Klaus Buhlert als 14-stündiges Hörspiel adaptiert

Wortrausch und Raketengeheul

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Als Andy Warhols „The Chelsea Girls“ Ende der sechziger Jahre in die Kinos kam, war die Technik des Splitscreens, also die gleichzeitige Darstellung verschiedener Orte und Handlungen auf ­einem Bildschirm, revolutionär. Heute, in Zeiten von Corona, besteht daraus unser Alltag. Oder besser gesagt: der Alltag derjenigen, die über einen Computer und schnelles Internet verfügen. Die Maßnahmen zur Eindämmung der Coronapandemie, heißt es, wirkten wie ein Vergrößerungsglas. Das neoliberale System, das...

Editorial

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bereits am 17. März, als die österreichische Bundesregierung die Schließung aller Theaterspielstätten beziehungsweise einen generellen Veranstaltungsstopp verfügte, bezifferte Bun­des­theater-Holding-Geschäftsführer Christian Kircher den drohen­den finanziellen Schaden konkret: „Sollten wir diese Spielzeit nicht mehr öffnen können, würde das Einnahmeneinbußen von 21 Millionen Euro bedeuten, das sind 190 000 Euro pro Tag.“ Die Holding, zu der auch das Burgtheater gehört, meldete für fast alle ihrer 2300 Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter umgehend Kurzarbeit für drei Monate an. Das Kurzarbeitsmodell ist eine der zentralen Maßnahmen der Regierung und soll auch im Kulturbetrieb Arbeitsplätze absichern helfen. „Niemand wird zurückgelassen“, versicherte Kulturstaatssekretärin Ulrike L­unacek (Grüne) wenige Tage nach dem Shutdown und kün­digte für die oft in komplexen Beschäftigungsverhältnissen ­lebenden Künstler und Kulturvermittler weitere staatliche Hilfeleistungen an. Zentral sind zwei Fördertöpfe: Einerseits ist es nebst allen Berufssparten auch Kulturschaffenden möglich, Überbrückungsgeld aus dem mit zwei Milliarden Euro dotierten Härtefallfonds zu beanspruchen, der von der Wirtschaftskammer Österreich (WKO) abgewickelt wird. Dieser Fonds ist für freie Dienstnehmer und Kleinst- sowie Einpersonenunternehmen gedacht. Wer die dafür notwendigen Kriterien nicht erfüllt – sei es wegen einer Mehrfachversicherung oder weil beim Verdienst die Geringfügigkeitsgrenze nicht erreicht wird –, für den oder die steht der mit fünf Millionen Euro dotierte Künstlersozialversicherungsfonds (KSVF) offen. Ein Schauspieler...

Programme für freie Künstlerinnen und Künstler in der Coronakrise

Erste Hilfe? – Österreich

Stefan Schmidtke, sind Sie nach der Absage von Theater der Welt 2020 in Düsseldorf in eine Depression gestürzt? Ich habe es sportlich genommen. Es hatte sich ein großer emotionaler Sog aufgebaut in den vergangenen Monaten, und der faltet sich plötzlich zusammen, das ist schon deprimierend. Andererseits bin ich heilfroh darüber, dass die nordrhein-westfälische Kultur­ministerin Isabel Pfeiffer-Poensgen und der Düsseldorfer Oberbürgermeister Thomas Geisel gesagt haben, wir lassen es nicht ausfallen, sondern verschieben es ins nächste Jahr. Wenn man so will, haben wir ein Jahr gewonnen. Im Grunde ­haben wir jetzt erst das normale Zeitmaß für die Organisation des Festivals, statt zehn Monate nun 23. Wann war Ihnen klar, dass der Termin sich nicht halten lässt? Um den 15. März herum. Am 23. März hätten wir mit der Produktion „Leben und Zeit des Michael K.“ in Kapstadt beginnen müssen; daran sind Schauspielerinnen und Schauspieler aus dem Ensemble des Düsseldorfer Schauspielhauses beteiligt. Anfang März wurden alle etwas unruhig: Wird man überhaupt einreisen können? Dann kamen Meldungen aus Indonesien: Wir bekommen keine Visa. Das Gleiche dann aus Südafrika. Es lag gar nicht so sehr an uns, als vielmehr an der Situation überall in der Welt. Kanada hatte seine Flughäfen gesperrt. Spätestens da wusste ich:...

Programmdirektor Stefan Schmidtke über die Verschiebung des Festivals Theater der Welt im Gespräch mit Martin Krumbholz

Die Weltkunstproduktion steht still

Was ist der Mensch, was ist ein Virus? In „Krieg der Viren“, einer von Heiner Müller zunächst für das späte Stück „Germania 3“ vorgesehenen, dann aber doch nicht berücksichtigten Szene, fragt ein Autor den Regisseur: „Krieg der Viren. Wie beschreibt man das.“ Und fährt fort: „Gott ist vielleicht ein Virus / Der uns bewohnt.“ Etwas einfacher, aber umso eindrücklicher notierte Müller: „Was der Planet für uns ist, das sind wir / für Viren und Bakterien“. Wer bewohnt eigentlich wen, das ist die Frage in „Krieg der Viren“. Und wer wem ein Feind ist. Das steht auch in Müllers Revolutions- und Lehrstück „Mauser“ zur Debatte. Die Premiere der russischen Erstaufführung fand am 21. März im gespenstisch leeren Alexandrinski-Theater in Sankt Petersburg statt. Die Inszenierung von Theodoros Terzopoulos war aufgrund der Maßnahmen zur Eindämmung des Coronavirus für das russische Publikum gesperrt, es wurde ein Stream ange­boten. Der griechische Regisseur Terzo­poulos lernte in den siebziger Jahren als Hospitant und Meisterschüler am Berliner Ensemble Müller kennen. Müller übte nicht nur einen großen Einfluss auf ihn aus, es entwickelte sich auch eine andauernde Arbeitsbeziehung. Das wirkt sich nun schon zum zweiten Mal auf das russische Theater und die dortige Müller-Rezeption aus. Bereits 1993 hatte Terzopoulos...

Die russische Erstaufführung von Heiner Müllers „Mauser“ in der Regie von Theodoros Terzopoulos in Sankt Petersburg kurz vor dem Shutdown

Der Mensch ist dem Menschen ein Virus

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Vielfalt und Zersplitterung

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

Der weite Weg nach Europa

The Case of Digital Arts

Open Table: Uncanny Valley

Marta verwendete für ihre Arbeit einen Fiskars-Solid-XL-Laubbesen. Sie führte das ausladende Gartengerät entschlossen über die schon stark von Moos durchsetzte Wiese, wobei der Kamm kleine Stöckchen und altes Herbstlaub aufwarf. Marta bildete kleine Haufen aus pflanzlichen Überresten. Ihr gefiel der Gedanke, die Spuren des letzten Jahres später mit der Schubkarre abzutransportieren. Bevor der Frühling richtig beginnen würde, hätte sie eine gewisse Ordnung in die Verhältnisse ihres Gartens gebracht. Das federnde Tanzen, das die Zinken des Rechens auf dem spröden Rasen aufführten, erfüllte Marta mit einer unbestimmten Freude. Diese kraftvolle Elastizität war ihr in dieser Ausprägung noch bei keinem Rechen zuvor aufgefallen. Bei Geräten, deren Kamm aus Metall hergestellt wurde, hatte sie das Federn immer eher als labbrig und störend empfunden. Beim Fiskars ­Solid XL war Kunststoff verwendet worden. Das Rechen erinnerte damit stärker an ein kraftvolles Bürsten als an eine klassische Gartentätigkeit. Marta riss signifikante Mengen Moos aus der Wiese, was sie nun vollends in jene Momente versetzte, in denen sie sich ausgestattet mit einer Tangle-Teezer-Haarbürste, sitzend auf dem Badewannenrand, ihrer Haare annahm. Als Kind hatte Marta oft das Laub unter den Apfelbäumen im Kleingarten ihres Opas zusammengeharkt. Jetzt fragte sie sich, ob dieses Gefühl tiefer Ruhe und Versunkenheit...

Wer werden wir gewesen sein? – Ein literarischer Blick auf die Krise unserer Lebensformen und eine Epoche im Umbruch

Coming of Age

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Nürnberg: Theaterpreis im TRIGGER Festival 2025

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Endlich ist es wieder da: das Spektakuläre – Wunder und ­Staunen. Was im zeitgenössischen Tanz seit dem postmodern turn eher verpönt war, bringt Florentina Holzinger nun wieder auf die Bühne. Mit allen technischen Mitteln, die das Theater zu einer Anstalt der Wünsche, Träume, Verzauberung und – ja, auch bei Holzinger! – der Belehrung machen. Unterhaltung wird groß­geschrieben: mit Elementen von Zirkus, Artistik, Maschinen und Medientechnik. Seit Holzinger mit Stücken wie „Kein Applaus für Scheiße“ (2011, mit Vincent Riebeek) bekannt wurde, bietet sie dem Publikum eine aufregende Mixtur aus Ballett, Performance Art, Kampfsport, Horror- und Freakshow, und erregt mit Schweiß und Blut der Tänzerinnen, mit Lachen und Ekel die Gemüter. Man sieht: Das (Tanz-)Theater kann immer noch oder wieder provozieren. Der Mix der Genres, den Holzinger in die schon länger stagnierende Tanz­szene einbringt, hat ikonoklastische Qualität – gerade in Hinsicht auf den Umgang mit dem Kanon, mit Hierarchien im Tanz und mit Stereotypen von Gender. In ihrer mit Vincent Riebeek konzipierten und performten dreiteiligen Choreografie „Schönheitsabend. Tänze des Lasters, des Grauens und der Ekstase“ (2015) kopulieren die beiden Tanzpaare aus der Avantgarde (unter anderem Vaslav Nijinsky und Ida Rubinstein, Anita Berber und Sebastian Droste) unter dem Vorzeichen von Queerness und Exotismus....

Die Extrem-Performerin Florentina Holzinger

Körpertheater als Iconoclash

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Drehen wir doch einfach die Uhr um einen Monat zurück. Und tun so, als hätte die Freiburger Premiere „Der Widerspenstigen Zähmung“ am 13. Februar stattgefunden. Stellen wir uns den Abend vor: Hell erstrahlt das Große Haus bis hinauf in den zweiten Rang. Beinahe neunhundert Zuschauer sind gekommen. Die Vorfreude ist groß, da die polnische Regisseurin Ewelina Marciniak nach Freiburg zurückkehrt. Sie wurde von Peter Carp und seinem Chefdramaturgen Rüdiger Behring quasi für die deutschsprachige Theaterszene entdeckt. Nach ihrem sehenswerten Freiburger „Sommernachtstraum“ vor zwei Jahren führte Marciniaks Weg bis nach Hamburg. Mit ihrem Debüt am Thalia Theater, der Adaption von Szczepan Twardochs Roman „Der Boxer“, ist sie zum diesjährigen Festival Radikal jung eingeladen. Nicht nur deshalb interessiert sich auch die überregionale Presse für den Abend. Freiburg, das „Entdeckerhaus“, feiert sich selbst. Bekanntlich lassen sich die Uhren nicht zurückdrehen. Wenige Wochen später können zu Coronazeiten eine Welt bedeuten. Genau am 1. März endeten die Skiferien in Bayern und Baden-Württemberg. Die mediale Distanz zum Virus schmolz dahin wie Schnee in der Sonne. Das Theater Basel, eine knappe Autostunde entfernt, schloss bereits am 3. März seine Pforten. Das ließ kurz aufhorchen, veränderte jenseits der Schweizer Grenze allerdings wenig. Nicht nur das Theater Konstanz beteuerte:...

Am Theater Freiburg erlebt Ewelina Marciniaks Shakespeare-Inszenierung in Zeiten von Corona eine Geisterpremiere

Die gescheiterte Zähmung

Janina Benduski, die Hilfen für freie Künstlerinnen und Künstler in der Coronakrise laufen derzeit sowohl auf Landes- wie auf Bundesebene. Sie sind Vorsitzende des Bundesverbands freie darstellende Künste sowie Mitglied im Vorstand des Landesverbands Berlin. Wie beurteilen Sie derzeit den Stand bei den Bundeshilfen? Die Bundeshilfen für Kultur und Kreativwirtschaft dürfen derzeit ausschließlich für Betriebskosten verwendet werden. Darunter fallen Büro-, Proberaum- oder Theatermieten und Kredite, die abbezahlt werden müssen. Deswegen...

Das neue Normal?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Heidelberg: Heidelberger Stückemarkt geht mit Preisverleihung zu Ende

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Explodierendes Dokumentartheater

Das hatte Andreas Beck sicher nicht gemeint, als der Intendant – mit einem Bein bereits am Münchner Residenztheater stehend – seine letzte Basler Spielzeit als die spektakulärste seiner Ära ankündigte. Seit Anfang März wird im Theater Basel nicht mehr gespielt. Damit war das Dreispartenhaus auf Weisung des Kantons das erste Haus in der Schweiz, das die Vorhänge geschlossen hielt. Die Theater in Zürich, Bern und Luzern ließen den Vorstellungsbetrieb bis Mitte März weiterlaufen – bis der Schweizer Bundesrat als Notmaßnahme gegen die Ausbreitung des Coronavirus Veranstaltungen mit über einhundert Teilnehmenden verbot. Nur drei Tage später folgte ein generelles Veranstaltungsverbot. Auch der Probenbetrieb ruht. „Der Pfauen und der Schiffbau sind unheimlich leer“, sagt Philine Erni, Pressesprecherin des Zürcher Schauspielhauses. Die Hoffnungen, den Spielplan vor dem Sommer wieder aufnehmen zu können, sind in den verschiedenen Theaterhäusern nicht groß. Das Konzert ­Theater Bern hat bereits Mitte März alle geplanten Premieren abgesagt. Im Zürcher Schauspielhaus und am Luzerner Theater plant man, die auf Eis gelegten Produktionen in der kommenden Spielzeit unterzubringen. In Basel wird das nicht möglich sein. Denn hier steht nach viereinhalb erfolgreichen Spielzeiten ein Intendantenwechsel bevor. „Auf diese Art wollten wir uns ganz sicher nicht vom Basler Publikum verabschieden“, sagt Almut Wagner,...

Erste Hilfe? – Schweiz

Im Angesicht rechter Bedrohung

es singen DIE VON DER VORHERSEHUNG ÜBERSEHENE, ein singularitychor DIE VON DER PROPHEZEIHUNG VERGESSENE, eine cyborgparze EIN HOLOGRAMM, in einer verlassenen oper EIN HOLOGRAMMCHOR, in einer verlassenen oper MEHRERE STIMMEN DIE EHER SO AUS DEM CHOR HERAUSBRECHEN UND AUCH ETWAS SAGEN WOLLEN musik texte input ben frost – theory of machines andreas spechtl – it is not your fault (structures) thomas köner – la barca complete edition abul mogard – all this has passed forever rafael anton irisarri – a ruptured tranquility maurizio lazzarato – immaterial labour jack halberstam – the queer art of failure ich komponiere doch ich habe noch nie gesagt für wen stockhausen praeludium let’s talk about opera let’s talk about ghosts let’s talk about les revenants let’s talk about the sellout of time let’s talk about un-time let’s talk about un-life let’s talk about un-dead let’s talk about opera ghosts talking to ghosts let’s listen dear opera let’s listen to your un-dead un-time chord by chord why do we still listen to the opera why do we still talk about opera why do we still produce dear opera why do we still opera opera opera therefore let’s talk about opera let’s talk about the haunted landscape...

verschollener vierter teil der klimatrilogie – ein librettofragment für einen cyborg und einen singularitychor

opera, opera, opera! revenants & revolutions

Zu Beginn muss Karl Heinz Bohrer, dieser Solitär im Befragen von philosophischen Motiven der Literatur, erst einmal sagen, welche Art Hass für seine Untersuchung relevant ist und welche nicht. So konstatiert er das Ungenügen eines „aggressiv aufständischen Willens“. Schönheit gehöre zur Poesie. Es gehe ihm nicht „um den Hass als politisch-weltanschauliches Gebräu, sondern um seinen Ausdruck als ein Mittel intensiver Poesie“. Bohrer sucht das Kraftzentrum von Dichtung. Hass ist gewiss eine elementare emotionale Kraft, ein Mittel der Verwandlung, ebenso wie die Liebe. Frank Castorf etwa nahm Louis-Ferdinand Célines „Reise ans Ende der Nacht“ vor allem unter der Perspektive des Hasses wahr – als gewaltige Ausdruckssteigerung: Unbedingtheit an der Schwelle zur blindwütigen Aggression. Das trifft sich thematisch mit früheren Arbeiten Bohrers, etwa seiner großen Studie zu Ernst Jüngers „Ästhetik des Schreckens“, seinen Überlegungen zur Problematik der Romantik als modernes Bewusstsein, dem er dann Einzelstudien etwa zur „Plötzlichkeit“ widmete. Hass hat etwas mit Erhitzung zu tun, mit Kontrollverlust auch – und wenn sich dieser schließlich doch in einen starken ästhetischen Ausdruck verwandelt, dann umso wirkungsreicher. So unternimmt Bohrer einen thematisch anspruchsvollen Rundgang durch die Literaturgeschichte, von den „Hass-Reden in Shakespeares Dramen“ über Kleist, Baudelaire, Strindberg bis zu Sartre, Handke, Jelinek und Houellebecq....

Karl Heinz Bohrer: Mit Dolchen sprechen. Der literarische Hass- Effekt. Suhrkamp Verlag, Berlin 2019, 493 S., 28 EUR.

Kraftzentrum der Poesie

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Meldungen

Was es bedeutet, Massen von Menschen in einem internetgesteuerten Drohnenkrieg zu töten, untersucht Regisseur Jan-Christoph Gockel in seiner Stückentwicklung „Ramstein Airbase: Game of Drones – reloaded; Trump Edition“. Bei den ersten Theatertagen Rheinland-Pfalz am Pfalztheater Kaiserslautern rüttelte das Ensemble des Staatstheaters Mainz die Besucher mit dieser politischen Produk­tion auf. Nur wenige Kilometer vom US-­Militärflughafen Ramstein entfernt, wirkte Gockels Schocktherapie nachhaltig. Ganz nah rückte der Krieg für die Menschen in dem 7600-Einwohner-Ort, als eine Maschine bei einer Flugschau der US-Streitkräfte im Jahr 1988 abstürzte und siebzig Menschen tötete. Schreckliche Erinnerungen an diesen Tag weckt Gockel mit Videos. Bis heute leidet die Region unter dieser Wunde. Monika Dortschy, Sebastian Brandes und Denis Larisch decken die menschliche Tragödie hinter der „algorithmischen Kriegsführung“ auf. Zwischen Schmerz und Sachlichkeit wandert das Ensemble auf einem extrem schmalen Grat. Die ästhetische Vielfalt der Stadt- und Staatstheaterszene in Rheinland-Pfalz wollte Urs Häberli, Intendant des Pfalztheaters Kaiserslautern, mit dem einwöchigen Festival zeigen. Thementage waren dem Tanz sowie dem Kinder- und Jugendtheater gewidmet. Dass im Abendprogramm alle Produktionen ausverkauft waren, zeigte dem Theaterleiter, „dass unser Publikum offen ist für die unterschiedlichen Formate, für die unsere Bühnen im Land stehen“. Kritik wurde dazu geäußert, dass die freie Szene nicht eingeschlossen war....

Politische Diskurse prägen die ersten Theatertage Rheinland-Pfalz in Kaiserslautern

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Recherchen 159

Inne halten: Chronik einer Krise

Recherchen 165

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