Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

PRT – wenn man mit den drei Initialen ein wenig herumjongliert, kann man daraus einen Förderturm bauen. So sieht das neue Logo des Prinzregenttheaters aus, unter dessen Namen man sich ja leicht etwas Falsches vorstellt, etwas irgendwie Feudales, Rokokomäßiges vielleicht, mit Logen und verblichenem Blattgold. In Wahrheit ist das Prinz Regent nur nach der Straße benannt, an der es liegt, am südlichen Bochumer Stadtrand, auf dem Areal einer früheren Zeche, neben einem Parkplatz, auf dem man 55 Monstertrucks abstellen könnte. Das seit 1992 existierende Off-Theater mit seinen offiziell 99 Plätzen, das rund zwei Jahrzehnte von Sibylle Broll-Pape geleitet wurde, hat seit Beginn dieser Spielzeit in Romy Schmidt eine neue Chefin. Sie hat zunächst einmal das Styling der Bühne verändert, was man auf Deutsch auch Erscheinungsbild nennen könnte; das Erscheinungsbild des Theaters also – vom Logo über die Druck-Erzeugnisse bis zu den Lampen im Foyer – ist moderner geworden; selbst um das Weinsortiment im Regal hat Schmidt sich persönlich gekümmert. Sie will nicht nur ein möglichst größeres Publikum anziehen, sondern sich generell mehr zur Stadt hin öffnen, Kooperationen mit Ruhr- und Folkwang Uni intensivieren; ein Jugendclub wurde gegründet. „Revier für Held*innen“ heißt das aktuelle Spielzeitmotto. Also: Hier lässt sich ganz schön...

Prinzregenttheater Bochum: „Peer Gynt“ von Henrik Ibsen in einer Fassung von Frank Weiß. Regie Romy Schmidt, Ausstattung Sandra Schuck

Bochum: Kaiser der Selbstsucht

Oben auf dem Rang sitzen dann immer die schwarzen Pudel“, erklärt Stefan Neugebauer, ein schmaler Mann, den auch sein auf gediegene Weise quer gestreifter bunter Pullover nicht dick macht. Neugebauer ist seit dieser Spielzeit Intendant in Naumburg. Wir sind aber gar nicht im Theater, sondern in der Marien-Magdalenen-Kirche. Neugebauer steht so selbstverständlich in diesem Raum, als gehöre er hierher. Was, wie sich erweisen wird, kein ganz falscher Eindruck ist. Die Kirche also hat – anders als das Theater – einen Rang, auf dem ein halbes Dutzend Pudel sitzen können. Aber nur während des „Faust“. Keine echten Pudel natürlich, sondern Stofftiere, schwer zu bekommen, weil Pudel offenbar völlig außer Mode sind. Aber Neugebauer hat sie einen nach dem anderen online bei eBay ersteigert. Ein großer kreuzförmiger Laufsteg dominiert das Kirchenschiff. Hier spielt „Faust“ unter den Augen der Stoffpudel, die den Teufelsmetamorphosen eine ironische Grundierung geben. Welch ein Übermut bei einem Ensemble, das aus nur vier Schauspielern (drei Männern und einer Frau) besteht! Und weil die einzige Schauspielerin des Ensembles, die junge Patricia Windhab, die bereits in ihrem letzten Linzer Studienjahr am Studio des Schauspiels Chemnitz auf sich aufmerksam machte, das Gretchen spielt, musste einer der Männer die Marthe übernehmen. Neugebauer findet...

Das kleine Theater der Nietzsche-Stadt Naumburg startet unter Stefan Neugebauer neu

Im Kirchenschiff

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

„Giro“ und „Non Consumiamo … (to Luigi Nono)“

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Pier Paolo Pasolini (1922 bis 1975) ist als Dichter geboren. Zeit seines Lebens gibt er an bestimmten Wendepunkten seinen Lesern Rechenschaft über die Erfüllung dieses Auftrags. Sein erstes Gedicht schreibt er als Zweitklässler im Jahre 1929. Seine Mutter zeigt ihm, wie man ein Gedicht selbst machen und nicht nur in der Schule lesen kann. In einem Sonett erklärt sie dem Kind ihre Liebe. Wenige Tage später verfasst der Siebenjährige Verse, deren Wörter „rosignolo“ und „verzura“ er später erinnert. Das erste, mit französischem Anklang, bedeutet „Nachtigall“, das zweite ist ein sehr gewählter Ausdruck für „Grün“. Instinktiv habe er, natürlich ohne Petrarca zu kennen, „den klassizistischen Code von Auslese und Erlesenheit benutzt“.¹ Pasolini wird diesen Code aber auch immer durchbrechen, wie Heiner Müller feststellt: „Das ist eine Qualität bei ihm: einerseits ein hoher Ton, der aber immer offen ist auch für ganz niedrige Elemente, für Jargons, Slangs und Alltagssprache.“² 1942 erscheint Pasolinis erster, auf eigene Kosten gedruckter Gedichtband „Poesie a Casarsa“ mit Gedichten in friulanischem Dialekt. Es ist die Sprache seiner Mutter, die er selbst nie wirklich gesprochen, aber auf der Suche nach einer „absoluten“ Sprache und getrieben von einer Art mystischer Leidenschaft gefunden hat. In der zögernden Schwebe zwischen Sinn und...

Vor 40 Jahren starb der italienische Filmregisseur, Dichter und Publizist Pier Paolo Pasolini

Adler werden

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Ihr Name klingt nach Märchen und epischen Geschichten: Sidonie von Krosigk. Dass es die 1989 in München geborene Schauspielerin auf die Bühne verschlug, ist trotzdem kein Schicksal, sondern vielmehr Zufall. 1997 wurde sie von einem mit ihren Eltern befreundeten Schauspielerehepaar gefragt, ob sie nicht für eine Rolle in einem Fernsehkrimi vorsprechen wolle. Sie wollte – und bekam die Rolle. Es folgte eine geradlinige Karriere: Nachdem sie mehrere Hauptrollen in verschiedenen Produktionen übernommen hatte, unter anderem in den „Bibi Blocksberg“-Kinofilmen (2002 und 2004), studierte sie Schauspiel in Frankfurt am Main und kam schließlich 2014 an das Ensemble des Theaters Ulm. Theater, das ist für sie eine große Magie, ein heiliger Ort zum Erzählen, ein Ort, dem sie sich voll und ganz ausliefert. „Ich stelle mich mit meinen Figuren zur Verfügung“, so die Akteurin, deren mädchenhafte Züge ihr zu Rollen wie der Luise in Schillers „Kabale und Liebe“ oder der Dorothy in L. Frank Baums „Der Zauberer von Oz“ verholfen haben. Dass das Talent bei seiner Arbeit an jenen von Reinheit beseelten Frauengestalten nie in Klischees abdriftete, verdankt sich einem selbstbewussten Bild von der Schauspielerei. Der Körper gilt ihr als zentraler Bezugspunkt. Obgleich von Krosigk ihre Hochachtung und Bewunderung für die Postdramatik...

Sidonie von Krosigk will als Schauspielerin nicht nur Sprachrohr sein, sondern sucht nach einer klaren Körperlichkeit

Hubba Bubba und Banane

Burghart Klaußner, Sie sind gerade mit dem Film „Der Staat gegen Fritz Bauer“ unterwegs quer durch die Republik und bereiten außerdem für das Staatsschauspiel Dresden Ferdinand von Schirachs „Terror“ vor. Sie werden inszenieren und den Richter spielen. Was interessiert Sie an dem Stück, das in Form eines Gerichtsverfahrens eine terroristische Flugzeugentführung verhandelt? Ich wollte schon immer eine Gerichtsverhandlung im Theater machen – und eine katholische Messe übrigens dazu. Auf eine bestimmte Weise ist das ein Relaunch von Theater, reduziert auf die Ursprünge. Das führt zurück auf den Thing, auf den Areopag, den lebendigen Staatsgerichtshof, auf die öffentliche Sache. Das ist wie ein Reset von Theater auf den kleinstmöglichen Nenner – das gefällt mir und interessiert mich. „Terror“ hat was Dokumentarisches, obwohl es den darin verhandelten Fall – entführtes Flugzeug wird abgeschossen, damit es nicht in ein Münchner Fußballstadion crasht – Gott sei Dank nicht gegeben hat. Die Gerichtsverhandlung zum Abschussverantwortlichen ist natürlich thesenhaft, holzschnittartig. Aber mich interessiert die republikanische Sache, wenn sich Leute gemeinsam öffentlich den Kopf zerbrechen. Ich bin politischen Dingen seit je nah gewesen. Inzwischen kenne ich einige der Handelnden und registriere auf der einen Seite Leute, die Demokratie als Schnarchladen betrachten, auf der anderen diejenigen, die immense...

Was macht das Theater, Burghart Klaußner?

Und wieder ein Montag. Mittlerweile ziehen vor den Augen von Passanten und Medienöffentlichkeit Bilder vorbei, vor denen man, wie Miriam Tscholl sagt, am liebsten die Augen verschließen würde – es natürlich aber nicht tut. Mitte Oktober war es ein Galgen, der da in der Dresdner Innenstadt während der wöchentlichen Pegida-Demonstrationen emporgereckt wurde – mit je einem Strick für Sigmar „das Pack“ Gabriel und Angela „Mutti“ Merkel. Der Galgenträger berief sich...

Editorial

Die rote Fahne auf dem Gruppenbild dort vorn ist längst verblasst, eher schon rosa. Keiner mag sie halten, geschweige denn kämpferisch schwenken. Die erhobene Faust öffnet sich immer mal wieder zur Hand, die sich der Beweglichkeit ihrer Finger versichert. Schlimmer nur, als die Fahne zu halten, ist es, von ihr verdeckt zu werden. Passiert dies dennoch, dann schiebt man sie hier behutsam, aber doch beharrlich beiseite wie einen Vorhang, hinter dem eine Welt liegt, auf die man sich die Aussicht nicht gern nehmen lässt. Was ist eigentlich heroisch? Vielleicht das: trotz der nicht endenden Niederlagen für sich als der erkennbar zu bleiben, der immer schon ein anderer werden wollte, aber doch er selbst blieb. Die Welt der Wachträume ist ebenso sehr persönlich wie allgemein. Man betritt sie offenen Auges, aber etwas Fantastisches gerät ins Bild, etwas, das dem Wort Sehen einen neuen Sinn gibt. Es sind Visionen, an denen wir hier neunzig Minuten lang teilhaben, sowohl mit positivem wie negativem Vorzeichen. All die Ziele und Zwecke der Geschichte wie auch der einzelnen Biografie gelten hier nichts mehr. Es ist ein hochpoetischer Abgesang von allem Anfang an, auf jene Verwendbarkeiten in der Welt der eindeutigen Absichten, deren Traumlosigkeit uns den Schlaf...

Theater O.N.: „Wachträume. Ein Panoptikum“ (UA). Regie Ania Michaelis, Ausstattung Martina Schulle

Berlin: Der Tautropfen Welt

Frau Tscholl, Herr Köhler, als Sachsens Ministerpräsident Stanislaw Tillich nach den Ausschreitungen vor einer Flüchtlingsunterkunft in Heidenau versuchte, mit empörten Bürgern zu reden, muffelte einer von diesen: „Für alles ham se Geld! Wozu braucht man zum Beispiel Schauspieler?“ Was hätten Sie ihm geantwortet? Miriam Tscholl: Ich lade Sie herzlich ein mitzuspielen, hätte ich geantwortet. Es ist ja nicht so, dass man sich selbst nie die Frage nach Sinn oder Unsinn von Theater stellen würde. Aber diese Krise, in der wir gesellschaftlich gerade stehen, bestärkt mich, dass unsere Arbeit extrem wichtig und sinnvoll ist. Tilmann Köhler: Ja, man braucht streng genommen keine Schauspieler. Eine Gesellschaft muss immer wieder neu entscheiden, ob und warum sie diese Bühnenorte haben will. Persönlich finde ich solche Orte der gesellschaftlichen Auseinandersetzung unersetzlich, gerade jetzt, gerade in Dresden. Haben wir, frei nach Horkheimer und Adorno, nicht längst eine Spaltung in eine Massenkultur und in jene, die Sie vertreten, die einen „Anspruch“ erhebt? Tscholl: Ich finde den Begriff Anspruch etwas zweifelhaft, weil darin immer noch die schöne und hehre Kunst anklingt, das Noble, das Heilige. Was wir ja gerade versuchen, ist, ganz nah in der Stadt mit den Menschen zu besprechen, was „dran“ ist und was sie beschäftigt....

Miriam Tscholl, Leiterin der Bürgerbühne des Staatsschauspiels Dresden, und Hausregisseur Tilmann Köhler über die dunkle Seite der Zivilgesellschaft im Gespräch mit Michael Bartsch

Montagswirklichkeit

Es hat immer noch die Kraft zur Irritation: das intensive Interesse der gegenwärtigen ästhetischen Theorie für Momente des Tragischen, das wie ein seltsam fremder Findling in unsere Gegenwart hineinragt. Und dies deshalb, weil Theater in seiner Geschichte zwar aufs Engste mit dem Tragischen verbunden war, in unserer Gegenwart aber postdramatische Formen dominieren mit ihrer Tendenz zur Dekonstruktion und Selbstreflexion, die das Tragische scheinbar verunmöglichen. Nicht ohne Irritation – wenn auch produktive – erlebte man daher die intensive Beschäftigung von Theoretikern wie Karl Heinz Bohrer und Hans-Thies Lehmann, die in wechselseitiger Bezugnahme seit mehr als einem Vierteljahrhundert ihre Ansichten zur Gegenwart des Tragischen entwickeln. Am weitesten ging zuletzt vor gut zwei Jahren Lehmann in „Tragödie und dramatisches Theater“, in dem der Vordenker des Postdramatischen die für ihn offensichtlich rhetorische Frage aufwarf, ob nicht doch das Tragische in seiner „eigentümlichen Verbindung von affektiver und mentaler Erschütterung am Ende das Theater schlechthin sei“. Mit seinem Vertrauen auf die unterbrechende Kraft der Kunst und seinem Rückgriff auf Jacques Lacan konnte Lehmann in seinem Großwerk mehr als nur plausibel machen, dass sich die tragische Erfahrung als Moment der arationalen Widerfahrnis ergibt und dass sich in irrationalen Überschreitungen – gemäß Lehmanns Lacanismus – zudem auch das...

Karl Heinz Bohrer: Das Erscheinen des Dionysos. Antike Mythologie und moderne Metapher. Suhrkamp Verlag, Berlin 2015, 389 S., 29,95 EUR.

Die produktiven Irritationen des Dionysischen

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Der Materialergründer

November 2015

Premieren

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Uraufführung 22. November 2015 Münchner Kammerspiele Figuren Semi Junger Semi / Junger Seewirt Alter Seewirt / Seewirt Theres / Kammersängerin Viktor Fräulein Zwittau Schwestern (Hertha/Philomena) Musik Aus Johannes Brahms: „Ein deutsches Requiem“ Aus Richard Wagner: „Der fliegende Holländer“ Aus Gustav Mahler: „Lieder eines fahrenden Gesellen“ Für Chor 2 Flügel Pauke Chor singt aus Brahms „Ein deutsches Requiem“, Nr. I: CHOR Selig sind, die da Leid tragen, denn sie sollen getröstet werden. Die mit Tränen säen, werden mit Freuden ernten. SEMI Die Beerdigung wurde zur Großen Leich. Die Trauergäste füllten die Kirche von Kirchgrub bis auf den letzten Platz. Die keinen mehr in ihr gefunden hatten, standen traubenförmig um den Haupteingang herum oder drängelten sich wie zu einem langgezogenen Presssack geformt die gesamte Terrassentreppe hinunter bis ans Friedhofstor. Der Pfarrer pries in langer Rede den festen Glauben des verstorbenen Seewirts, die Unverbrüchlichkeit dieses Glaubens und das Festhalten daran bis zum letzten Atemzug. Der Bürgermeister lobte das uneingeschränkte Bekenntnis zu Gemeinde und Gemeinschaft, das in den acht Jahren selbstloser Amtsausübung als Gemeinderat seinen Höhepunkt gefunden hatte, wie er sagte. Der sozialchristliche Gewerkschaftler und Vorsteher des Veteranen- und Kriegervereins, Ansgar Stichel, pries die kritische Haltung des Verstorbenen gegenüber dem Pflichtwehrdienst für die bäuerliche...

Musiktheater nach dem Roman von Josef Bierbichler In einer Fassung von Anna-Sophie Mahler und Johanna Höhmann

Mittelreich

Das Theater war nur seine zweite Leidenschaft. Eigentlich, erzählt Nico Holonics, wollte er Pilot werden. Aber den Aufnahmetest bei der Lufthansa nach dem Abitur hat er wegen einer Rot-Grün-Schwäche nicht bestanden. „Das war traurig“, sagt Holonics, macht dabei aber nicht den Eindruck, als würde ihn die Sache noch groß beschäftigen. Es wäre wohl auch ein wenig zu kokett, würde einer, der sich auf der Bühne so ausliefert wie er, ernsthaft behaupten, die Schauspielerei sei lediglich Ersatzbefriedigung. Und überhaupt: Man kann sich den 31-Jährigen nur schwerlich still sitzend im Cockpit auf langweiligen Linienflügen vorstellen. Wenn, dann wäre vermutlich irgendwas zwischen Kunstflieger und Kamikazepilot aus ihm geworden. Da ist es doch besser, dass Nico Holonics beim Theater gelandet ist. Als Überflieger am Schauspiel der Flughafenstadt Frankfurt, der gerade – interessante Fügung – eine der derzeit umstrittensten Figuren im Theater spielt: den Kampfjet-Piloten in Ferdinand von Schirachs Gerichtsdrama „Terror“, der des Mordes an 164 Menschen angeklagt ist, weil er eine entführte Lufthansa-Maschine abgeschossen hatte, die drohte, auf ein voll besetztes Stadion zu stürzen. Eine Wahnsinnsrolle für Holonics. „Nico“, sagt Frankfurts Intendant Oliver Reese, „ist ein Protagonist. Einer, auf den man einen Abend bauen kann. Und einer, für den die Menschen ins Theater gehen....

Der Schauspieler Nico Holonics verbindet am Schauspiel Frankfurt Virtuosität mit einer anarchischen Lust an der Verausgabung

Der Kamikaze-Pilot

Kompositionsprinzip Collage

Neil LaBute und das Theater Konstanz: eine außergewöhnliche Verbindung. Im Juli 2014 leitete Neil LaBute das Autorenlabor im südlichsten Theater der Republik und war begeistert – vom System Stadttheater, vom Konstanzer Ensemble. Konstanz dankte ihm den Besuch nun mit einer Eröffnungspremiere zur aktuellen Spielzeit. Damit nicht genug: LaBute selbst wird im Mai 2016 am Theater Konstanz Regie führen, er wird Tschechows „Onkel Wanja“ inszenieren. LaButes Bühnenklassiker „The Shape of Things“ (Das Maß der Dinge) liest sich vom Ende her. Moral? Ehrlichkeit? Gegenseitiges Vertrauen? Liebe? Bloße Konstrukte. LaButes Hauptfigur, die provokante Künstlerin Evelyn, stellt Partner Adam dort regelrecht aus. Und damit in aller Öffentlichkeit bloß: als von ihr modellierte Skulptur, als Objekt. Das Prinzip der Grenzüberschreitung ist ihr schon zu Beginn eigen, wenn sie im Museum einer Statue ganz bewusst zu nahe tritt und damit die Aufmerksamkeit des studentischen Museumswärters Adam erregt. Wulf Twiehaus widersteht der Versuchung, diese Evelyn im Stile einer Femme fatale die Konstanzer Bühne beherrschen zu lassen. Jana Alexia Rödiger, gekleidet im Dresscode der Konformität (schwarzer Anzug, weißes Hemd), spielt überaus selbstsicher die Person, die wohl kaum Probleme mit der Aufsicht erregen würde. Ganz anders Tomasz Robak als Adam: Er ist es, der in der Eingangsszene auffällt. Weniger...

Theater Konstanz: „Das Maß der Dinge“ von Neil LaBute. Regie Wulf Twiehaus, Ausstattung Katrin Hieronimus

Konstanz: Auf dem Schachbrett der Täuschungen

Ende September ist der Theaterwissenschaftler Helmar Schramm nach langwierigem Ringen mit einem bösartigen Tumor verstorben. Helmar hat sich als einer der ersten, und bedeutendsten, Theaterforscher im deutschsprachigen Raum mit den theatralen Dimensionen soziokultureller Realitäten höchst kreativ auseinandergesetzt. Als Hochschullehrer ermutigte er mit seinem forscherischfragenden, innovativ be-zweifelnden Engagement mehrere Studentengenerationen zum produktiven kritischen Denken und Handeln, seit 1998 an der Freien Universität Berlin. Ausgangspunkt war seine maßgebliche Beteiligung in einer kleinen Arbeitsgruppe der Theaterwissenschaft an der Humboldt-Universität zu Berlin, die seit Ende der 1970er, von der dialektisch-materialistischen Beschäftigung mit Theaterkunst ausgehend, die Theatralität gesellschaftlicher Prozesse kritisch zu mustern suchte. Einer der nicht wenigen Gründe/Anstöße/Phänomene, der zu diesem Forschungsinteresse geführt hatte, war des Sozialund Kulturhistorikers E. P. Thompsons Deutung des wesentlich theatralen Charakters der Auseinandersetzungen zwischen der Gentry und den Unterschichten und des Zurückdrängens der traditionellen „moralischen Ökonomie“ durch die sich entfaltende kapitalistische freie Marktwirtschaft im England des 18. Jahrhunderts. Helmars spezifisches Interesse an dem Phänomen „gesellschaftliche Theatralität“ richtete sich zunächst auf Prozesse im frühen neuzeitlichen Europa. Seine umfangreiche und gleichsam systematische Lektüre der modernen Philosophen und Naturwissenschaftler mit dem Fokus auf das produktive Begreifen und zugleich das praktische Meistern der sich seit dem 16. Jahrhundert verändernden Welt führte zu seinen ersten...

Zum Tod des Berliner Theaterwissenschaftlers Helmar Schramm

Karneval des Denkens

Auf der ersten Inszenierung von Lutz Seilers preisgekröntem und dazu auch viel diskutiertem Hiddensee-Roman – vier weitere werden allein in dieser Spielzeit noch folgen – lagen hohe Erwartungen. Wie könnte man das Buch mit den vielschichtigen Innenwelten des erzählenden Literaturstudenten Edgar Bendler überhaupt auf die Bühne bringen und für das Theater eine Form finden, in der die bislang poetischste Variante des sogenannten Genres Wenderoman nicht gleich durch die äußere Handlung gefangen genommen wird? Dagmar Borrmann, vormals Chefdramaturgin in Leipzig und Wiesbaden, hat sich mit ihrer Bearbeitung gegen eine lineare Nacherzählung in Szenen entschieden und den Stoff nach ausgewählten Hauptmotiven sortiert. Das schärft zweifellos den Blick auf das Thema Freiheit oder Flucht für diese besondere Geschichte vom Ende der DDR und der mit ihr verschwindenden Gegenutopie, engt aber zwangsläufig den Zugriff auf den dafür doch viel komplexeren Stoff ein. Vor allem steht aber auf dem Spiel, wie viel von Seilers dichtem, mit literarischen Verweisen zu Georg Trakl, Uwe Johnson, Christa Wolf, Ulrich Plenzdorf und natürlich „Robinson Crusoe“ gesättigtem Stil bzw. seinen Entlehnungen aus der realen Welt der späten DDR wie dem singenden und ewig Party feiernden Feeling-B-Anführer Aljoscha Rompe verdeutlicht wird – oder eben einfach wegfällt. Da muss man von vornherein...

Theater Magdeburg: „Kruso“ von Dagmar Borrmann nach dem Roman von Lutz Seiler. Regie Cornelia Crombholz, Ausstattung Marion Hauer

Magdeburg: Abwäscher im Unterhemd

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Es gibt Theater, die von großmedialen Spotlights viel zu selten erfasst werden. Theater, die ein Publikum gefunden, ein inhaltliches Profil ausgeprägt haben. Die Stuttgarter tribühne, 1975 von Edith und Michael Koerber sowie Johanna Bäumker gegründet, ist so ein Theater – in einer Stadt, die heute neben dem Staatstheater über sechs Privatbühnen und 20 kleinere Häuser verfügt. Seit dem tödlichen Probenunfall ihres Partners 1982 ist Edith Koerber Intendantin des Hauses, gemeinsam mit ihrem zweiten Mann Géza Révay. Dieses Jahr feiert die tri-bühne ihren 40. Geburtstag. Was war damals der Gründungsimpuls? „Wir wollten dem traditionellen Sprechtheater etwas gegenüberstellen“, sagt Edith Koerber – ein Theater, das auch „rituelle Elemente“ wie Tanz, Musik und Maskenspiel berücksichtigt. Eröffnet wurde die damals in einem anthroposophischen Zentrum untergebrachte Bühne mit dem mysteriösen Mordfall-Drama „Im Dickicht“ des japanischen Autors Ryunosuke Akutagawa – mit aufwendig hergestellten Masken und einem 79 Seiten starken Programmheft. Die Spielstätte im Keller war mietfrei nutzbar und hieß „Bühne im forum 3“. Einzige Bedingung: einen Tag Putzdienst im Zentrum. So fing alles an. Das Ziel war, einen definitiv „politischen, gesellschaftlichen und künstle- rischen Anspruch mit Poesie und Spielfreu- de“ zu verbinden. Und klar, das Thema Frauen zieht sich wie ein roter Faden durch die Jahrzehnte....

Die Stuttgarter tri-bühne um Edith Koerber verbindet seit 40 Jahren Politik und Poesie

Empathie ist unser Job

TdZ on Tour

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Auf einem dem Augsburger Plärrer, Schwabens größtem Volksfest, nachempfundenen Rummelplatz vor dem Theater geht es schnell zur Sache: „Baal“- oder „Hannibal“-Ausrufer fordern das Publikum dazu auf, sich für eines von vier Stücken in der zweiten Runde nach der Eröffnung des Brecht-Spektakels zu entscheiden. Diese hatte Intendant Manuel Soubeyrand mit seiner „Mutter Courage“ in der schlanken Zweistundenfassung von Brecht-Enkelin Johanna Schall bestritten. Soubeyrands „Courage“ fährt mit einem ramponierten VW-Camper (noch ohne Abgasmanipulation) in die von Gundula Martin (Bühne) und Jenny Schall (Kostüme) mit Grün-und-Orange-Polaritäten leicht ins Abstrakte gesetzte Kriegswelt. Auch die Musik von Alexander Suckel und der auf der Bühne in Uniform kostümierten Band Preliminary Injunction lässt die bekannten Paul-Dessau-Lieder in einer Verfremdung erklingen, die erfrischend wirkt. Anita Iselin als Courage und der gewitzte Koch von Heinz Klevenow sorgen für eine schauspielerische Geradlinigkeit, die das insgesamt junge Ensemble des Hauses mitzieht in dieser auf eine zeitgenössische Welt – ohne betuliche Lehrhaftigkeit – zielenden Version. „Lux in Tenebris“ auf der Hinterbühne, in der Regie von Ulrike Müller, gehört als Werk des 19-jährigen Brecht mit seiner auf Künftiges verweisenden Kontrastierung von Scheinmoral und Geschäftssinn im Setting eines Bordellbetriebs auf den ersten Blick nicht zu den Stücken mit großem Wiederentdeckungspotenzial. Die Regie legt das...

Neue Bühne Senftenberg: „Brecht auf! Das Fest“

Senftenberg: Es kommt nur auf eine Idee an

Berlin. Eine der Saaltüren steht so lange offen, dass man unwillkürlich immer wieder hinblickt. Die Türen sind von außenbereits beschriftet mit „schuldig“ und „unschuldig“. Jeder im Zuschauerraum weiß, dass der Abend mit einer Abstimmung enden wird und dass der Spruch des Gerichts über den Luftwaffenpiloten Lars Koch, der eine entführte Lufthansa-Maschine mit 164 Menschen an Bord abgeschossen hat, die drohte, auf ein voll besetztes Fußballstadion zu stürzen, davon abhängt, durch welche Tür man als Zuschauer nach der Pause wieder zurückkehrt. Das ist schön ausgedacht, wie ein Computerspiel – oder eine der Kriminalgeschichten von Ferdinand von Schirach. Aber reicht das für einen Theaterabend? Durch die offen stehende Tür betreten drei Frauen den Zuschauerraum: die vorsitzende Richterin (Almut Zilcher), die Staatsanwältin (Franziska Machens) und die Verteidigerin (Aylin Esener). Gleich in der ersten Minute ist klar: Die Regie von Hasko Weber trimmt den Abend auf Fernsehgerichtsshow. Das scheint fatal, aber gibt das Stück mehr her? „Vergessen Sie alles, was sie zu wissen meinten“, sagt die Vorsitzende. Aber wer will das schon? Die eigenen Erfahrungen sind es doch, die einen davor schützen, in einem konstruierten Szenario nach Belieben manipuliert und instrumentalisiert zu werden. Und das Gefühl, dass es hier vorrangig darum geht, befällt mich...

Am Deutschen Theater Berlin inszeniert Hasko Weber Ferdinand von Schirachs „Terror“, das Oliver Reese zeitgleich am Schauspiel Frankfurt zur Premiere bringt

Im Widerspruchsfeld

Rechte, keine Wohltaten

Das Leben auf der Bühne fordert zuweilen hohen Einsatz. So kennen sich die Schauspieler der Landesbühne Niedersachsen Nord nun sogar mit posttraumatischen Belastungsstörungen aus. Damit sich die Darsteller nämlich so stark wie möglich mit Erich Maria Remarques Soldaten aus „Im Westen nichts Neues“ identifizieren können, hatte Oberspielleiterin und Regisseurin Eva Lange die Proben zum Stück mit militärischen Übungseinheiten angereichert. Schließlich erläuterte Judith Lüder, Truppenpsychologin bei der Deutschen Bundeswehr, dem Ensemble gar, wie sich Traumata zeigen; wie es aussieht, wenn ein traumatisierter Mensch halluziniere, hektisch auf und ab laufe oder auch, unfähig zu schlafen, wach liege. Doch damit nicht genug. Um obendrein die „Unmöglichkeit“ der Heimkehr nach dem Krieg herauszuarbeiten, hat Lange ihre Spielfassung des Romans mit Kriegsberichten heutiger Bundeswehrsoldaten angereichert, solchen aus Sabine Würichs und Ulrike Scheffers Buch „Operation Heimkehr. Bundeswehrsoldaten über ihr Leben nach dem Auslandseinsatz“. Der Regisseurin Botschaft ist eindeutig: Jeder Krieg, ob heute oder vor hundert Jahren, ob im Kosovo, in Afghanistan oder an der Front zum Nachbarland, hinterlässt unheilbare Wunden. Die Soldaten, ob äußerlich versehrt oder nicht, kehren meist als gebrochene Menschen heim. Viel mehr sagt Langes Inszenierung allerdings leider nicht aus. So schlüssig ihr Konzept in der Theorie erscheint, so wenig trägt es auf der...

Landesbühne Niedersachsen Nord: „Im Westen nichts Neues“ von Erich Maria Remarque. Regie Eva Lange, Ausstattung Gabriela Neubauer

Wilhelmshaven: Wie die Striche auf einer Strichliste

Es müssen Köpfe rollen

„Work hard, play hard?“

Lisa Janine – rote Felljacke, knallgelbe Lederschuhe, blonde Perücke – beschwert sich: Sie ist Putzfrau im Zirkus und deshalb dafür zuständig, den Artisten hinterherzukehren, die sich mit derartigen Profanitäten nicht auseinandersetzen möchten. Rosenblätter, altes Laub, Federn und Funken fliegen da durch die Luft, Benzin wird verschüttet, Putzeimer umgekippt und alles unter Wasser gesetzt. Die Künstler des Cirque Pardi bieten mit Seilakrobatik, Trampolin, Feuershow, Musikeinlagen und Travestiezirkus à la Moulin Rouge zwar auch Spektakel pur, doch steht bei der komisch-tragischen Figur Lisa Janine eigentlich ihre Verzweiflung über das Leben im Vordergrund: Wenn sie in einem Moment ihre Perücke abnimmt und mit herabhängenden Clownslippen vor uns steht, verschwindet aller Glitzer und Glanz dieser Illusionswelt. Eine größere Fallhöhe kann man sich kaum vorstellen. Jedes zweite Jahr findet das At.tension-Festival, mittlerweile unabhängig von staatlichen Fördergeldern, auf dem Kulturkosmos-Gelände auf einem ehemaligen Militärflughafen inmitten der Mecklenburgischen Seenplatte statt. Die 6. Edition lädt die Zuschauer ein, über 60 Theater-, Zirkus- und Puppenspielproduktionen zu erleben, die sich alle auf etwas beziehen, was Theater ursprünglich auch einmal war: Dionysien, Fest, Possenspiel, Fastnacht, Stegreiftheater, Straßenspektakel. Hier müssen nicht 24-Stunden-Marathons inklusive Übernachtungsmöglichkeiten inszeniert werden, um einen Ausnahmezustand zu schaffen, hier passiert es über vier Tage hinweg einfach. Dass das Festival...

Wie das At.tension- Festival im mecklenburgischen Lärz die Elemente des Theaters befragt – aus einer sonst wenig beachteten Richtung

Spring!

Der genetische Code Amerikas

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Sexual Preferences: No blacks, no arabs, no asians. Bei einer Podiumsdiskussion zum Thema Postcolonialism and Queerness erzählte einer der Panelist*innen über seine Rassismuserfahrungen auf schwulen Portalen wie GayRomeo und Grinder. Seine Conclusio aus den Anekdoten über Männer, die ihn aufgrund seiner Hautfarbe abgelehnt haben, war: „Hey, I do not wanna police desires. If they don’t like it, they don’t.“ Das hat mich verblüfft. Heißt das, das Begehren steht außerhalb von uns, von den Strukturen, in denen wir uns bewegen? Ist Begehren etwas Unantastbares, Indiskutables, vielleicht gerade deswegen so aufregend, weil nicht moralischen Normen unterzogen, weil nicht pc? Vielleicht sind unsere Gefühle das letzte Große, woran wir glauben wollen. Gott, Karma, Kommunismus stehen momentan nicht hoch im Kurs. Jedenfalls in den linksliberalen Kreisen, in denen wir, Theaterschaffende, uns gerne glauben. (Es scheint ein Naturgesetz zu sein: Wer am Theater arbeitet, ist links. Was auch immer darunter zu verstehen ist.) Aber Gefühle – Gefühle sind das, was noch bleibt. Wo wäre das Theater ohne Gefühle, wie hat Brecht sich das genau vorgestellt mit dem „nicht romantisch glotzen“, wie denn sonst? Wir postulieren unser individuelles Empfinden, verschaffen uns damit Gehör. Ich, der Mensch, empfinde. In dieser Taktilität bin ich verwundbar, fehlbar, somit...

Wir müssen unsere Ängste auseinanderpflücken, um eine Chance zu haben

Angst nicht so romantisch

Die performative Baustelle

Schauspieler wollen gesehen und gehört werden. Das treibt sie auf die Bühne. Aber was passiert, wenn die Vorstellung vorbei ist, wenn sie keiner mehr hört und sieht und eine große Müdigkeit, vielleicht auch die Leere kommt? Die Fotografin Margarita Broich, selbst Schauspielerin, hat diesen Moment für ihre Schauspielerporträts abgepasst. „Jeder Schauspieler kennt diesen komischen Mo- ment, wenn man allein vor dem Spiegel sitzt und sich selber in die Augen schaut.“ Was sieht man dabei, plötzlich ganz mit sich allein? Er ist ein echtes Kleinod, dieser Band in der Insel-Reihe, der viel mehr ist als der Kamerablick in die offenen Garderoben nach Vorstellungsende. Von Samuel Finzi und Wolfram Koch bereits auf dem Cover (im Rot des Zuschauerraums des Deutschen Theaters Berlin) über Nina Hoss, Alexander Scheer, Sophie Rois, Jürgen Holtz, Lars Eidinger, Stefan Kurt, Milan Peschel bis zu Jule Böwe, Lilith Stangenberg und Corinna Harfouch sind insgesamt 32 Schauspielerporträts versammelt, zu denen Brigitte Landes die Selbstaussagen der Fotografierten protokolliert hat. Auch die bereits verstorbenen Walter Schmidinger und Otto Sander sind darunter. Letzterer besaß einen schonungslosen Blick auf das eigene Gewerbe: „Kellner, Nutten, Taxifahrer und Schauspieler. Alles dasselbe. Dienstleistendes Gewerbe.“ Das darf man dann wohl eine Zuspitzung mit zynischer Grundaussage nennen. Gerichtet...

Alles Theater. Fotografien: Margarita Broich, Texte: Brigitte Landes. Insel Verlag, Berlin 2015, 79 S., 18 EUR.

Nach dem Auftritt

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Es wäre leicht, in den Chor derer einzustimmen, die schon über Botho Strauß’ Glosse „Der letzte Deutsche“ und ihre offen antimoderne Klage hergefallen sind. Aber: Der Spott über Strauß’ Chiasmus von Achim von Arnim und Ephraim dem Syrer geht ebenso grob an der Sache vorbei wie die Reflexe derer vorhersehbar sind, die Strauß jetzt beispringen. Erkenntnisträchtiger als der Ruf nach dem Giftschrank ist es, darüber nachzudenken, wo Strauß „recht hat“, ähnlich wie bei Autoren wie Heidegger, Jünger oder George, die Strauß als „geheimes Deutschland“ anruft. Wo könnte er – ob nun aus Angst oder Ressentiment – die Gegenwart schärfer sehen als diejenigen, die sich als „aufgeklärte Intellektuelle“ auf der Höhe der Zeit wähnen? Wenn ich Strauß recht verstehe, sorgt er sich um eine Sensibilität für das uns Vorangegangene, die in einem bestimmten Wissen gründet: dem Wissen, dass man die Gegenwart und ihre Dinge weder in der Hand hält noch mit ihnen anfängt, sondern in einem Umfang in Früheres verwickelt ist, der zum Beispiel über die familiären Verhaftungen hinausgeht, von denen die Psychoanalyse handelt. Und er scheint zu beklagen, dass moderne (Kommunikations-) Techniken ebendieses Wissen löschen: Die Apparate des „Gestells“ (Heidegger) versprechen uns die Mühe abzunehmen, die die Einsicht nun einmal...

Zu Botho Strauß’ neuester Spiegel-Glosse

kirschs kontexte: Nachfragen an den letzten Deutschen

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Anna-Sophie Mahler, was war für Sie der Auslöser, Josef Bierbichlers „Mittelreich“ für die Bühne zu bearbeiten? Benjamin von Blomberg und Matthias Lilienthal von den Münchner Kammerspielen hatten die Idee schon lange im Kopf und fragten mich, ob ich zu dem Roman einen Zugang finde. Da ich ja von der Musik komme – ich habe Opernregie studiert und in Basel eine eigene Gruppe (CapriConnection), in der wir Dokumentarisches mit einer besonderen Art von Musik mischen –, war es mir wichtig, dass dieser Zugang musikalisch ist. Nun geht es ziemlich am Ende des Romans um die Beerdigung des Seewirts, wo in einer kleinen Nebennotiz das Brahms-Requiem erwähnt wird, das anfängt mit „Selig sind, die da Leid tragen“. Brahms hat es geschrieben, als seine Mutter starb, und es geht darin um diejenigen, die weiterleben. Mein Gedanke war: Aus dieser Musik heraus langsam in die Erinnerungen des Sohnes an seine Familie einzutauchen, das könnte eine spannende Aufgabe sein. Der Seewirtssohn Semi ist bei Ihnen die Hauptfigur, und die Beerdigungsszene ist zum Rahmen Ihrer Bühnenversion geworden. Hat Sie mehr das musikalische Motiv interessiert als die Beerdigung selbst? Es ist immer ein einschneidendes Erlebnis, wenn die eigenen Eltern sterben. Da steht man dann vor der Frage,...

Die Regisseurin Anna-Sophie Mahler über ihre Bearbeitung von Josef Bierbichlers Roman „Mittelreich“ im Gespräch mit Sabine Leucht

Heimatskram

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Schön ruhig ist es hier auf meiner hyperrealen Fähre – zu ruhig, um wahr zu sein. Im Moment liegt sie im Hafen der real existierenden Gegenwart. Bald wird sie wieder, schwer beladen, zum anderen Ufer fahren. Dort wird ihre Fracht teilweise ausgetauscht werden. Geben und nehmen. Bei ihrer Rückkehr in den Hafen wird es darauf ankommen, ob die Fähre hier wieder von ihrer – nun leicht entflammbaren – Last befreit werden kann, um auch fortan ihrer Bestimmung folgen zu können. Diese Entscheidung kann der Fährmann allerdings nicht alleine treffen. Dieses Bild ließe sich nun leicht überstrapazieren. Bis hierhin hat es aber schon seinen Zweck erfüllt. Es sollte dazu dienen, dem Autor den neuerlichen Zugang zu einer Debatte zu erleichtern, von der er sich eigentlich gerne (wieder) entfremden würde. Nicht dass die aktuelle Diskussion um einen neuen Realismus im Theater ihm nicht höchst relevant erschiene! Es ist nur so, dass er hierüber schon Aktion auf und Podium ab so oft geredet hat, dass er sich wieder auf den Kern dessen besinnen muss, um was es ihm dabei eigentlich ging. Jetzt, nach dem Eingangsbild, weiß er es wieder. Hier soll offenbar werden, woran es eigentlich den Menschen fehlt, die keine Ideen verstehen...

Das Zentrum für Politische Schönheit schärft die Konturen der Realität

Hyperreales Theater

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Messegelände, Wohnung, Fußballstadion: Der Theaternachwuchs büxt aus. Zumindest in Basel, wo Anfang September mit Treibstoff ein Nachwuchsfestival stattfand – und dies bereits zum siebten Mal. Erstmals jedoch waren schwerpunktmäßig Site-specific-Arbeiten zu sehen. Also klingelte man an der Tür einer ramponierten Altbauwohnung irgendwo in Kleinbasel, wo uns ein Performerkollektiv namens We Ate Lobster hinbestellt hatte. Im Bett liegend, mampft dort einer von ihnen Baisers mit Schlagsahne und kommentiert dazu in freifliegender Fantasie einen Fotostream, der an die Wand des Zimmers geworfen wird; in einem anderen Raum der Wohnung hat eine Performerin sehr intensiv mit dem Aufschlagen von Hühnereiern zu tun, deren Schalen sie fein säuberlich auf dem Zimmerboden aufreiht. Ebenso in esoterischer Weltabgewandtheit gefangen ist eine dritte Performerin, die einem mit irrem Blick ein Gürkchen zur Kostprobe anbietet. Lieber nicht, auch wenn die Produktion „Komm auf meine Seite“ nur eine harmlose Imitation von psychischen Pathologien geblieben wäre. Was sie schlussendlich sowieso nicht war, krabbelte da doch ein richtiges Baby über den Wohnzimmerboden, als man aus dem Raum zurückkehrte, in dem die Gürkchenperformerin gerade mit dem Laminieren eines Schildkrötenpanzers beschäftigt war. Ist man spießig, wenn man angesichts des beißenden Geruchs, der aus dem Gürkchenzimmer herüberschwappt, sich Sorgen um das Babywohl macht? Der...

Bei den Treibstoff Theatertagen Basel experimentiert der Theaternachwuchs mit neuen Formen – verfängt sich jedoch allzu oft in Kopie und Konvention

Gürkchen?

Mauern sind keine Lösung? Vielleicht nicht, aber sie signalisieren eklatante Unterschiede, die offenbar nicht friedlich nebeneinander existieren können. Der wichtigste dieser Unterschiede ist gewiss der zwischen Arm und Reich. Man könnte über die Ambivalenz von Mauern in der Geschichte räsonieren, darüber, dass sich die freien Städte als Erstes Mauern bauten und das Prinzip Stadtmauer bis ins 19. Jahrhundert hinein intakt blieb. Die Chinesische Mauer ist sogar mehrere Tausend Jahre alt, dagegen blieb die Berliner Mauer nur eine kurze Episode. Aber was sagen uns Mauern über unsere Phobien? Wir wollen natürlich Freiheit, aber ruhig schlafen können wir nur hinter gut verschlossenen Türen. Dieser Angst vor dem Fremden widmet sich in der Residenzspielstätte des Schauspiels in Leipzig-Plagwitz die Performancegruppe God’s Entertainment mit „Die neue europäische Tragödie“. Da wird eine Mauer auf die Bühne geschoben, die einem beträchtlichen Teil des Publikums die Sicht nimmt. Pech gehabt, für alle reicht es eben nicht! Beim Hereinkommen wird das Publikum von einer Gruppe auf Knien kriechender nackter Männer und Frauen empfangen, die an Hundeleinen geführt werden. An denen zerren sie wild und heulen das Publikum an. So schrill und unsubtil, wie die Performance beginnt, bleibt sie auch. Einigen Zuschauern wird der Ausweis abgenommen, die haben nun...

Wie in einem Frontex-Europa Sicherheit und Freiheit gegeneinander ausgespielt werden. Das Schauspiel Leipzig widmet sich zum Spielzeitauftakt offensiv den Phobien der Gegenwart

Die offene Situation

„Macbeth“ stand in Filzstiftschrift auf dem Sperrholzverschlag am Rand der Münchner Maximilianstraße, schräg gegenüber den Kammerspielen und direkt vor einer Escada-Filiale. Die Bretterbude war eine von gut zwanzig temporären Unterkünften, entstanden im Rahmen des Kunstprojekts „Shabbyshabby Apartments“, das raumlaborberlin für die Aufwärmphase der Münchner Intendanz von Matthias Lilienthal erdacht hatte. Kreative aus aller Welt waren daran beteiligt. Die Aufgabe: in einer Stadt, in der die Mieten nahezu unbezahlbar geworden sind, für maximal 250 Euro Baukosten Wohnvisionen in bester Lage zu entwerfen, möglichst unter Verwendung recycelter Materialien. So entstand beispielsweise ein Iglu aus Altkleidern auf der Münchner Nobeleinkaufsmeile. Oder aber wenige Meter weiter die besagte Holzhütte, für die das Bühnenbild von Karin Henkels „Macbeth“-Inszenierung aus der Ära von Lilienthals Vorgänger Johan Simons gefleddert wurde. Kulissenteile wurden in gleich mehreren „Shabbyshabby Apartments“ verbaut. Wer will, kann darin ein Bild von erheblicher Symbolkraft erkennen: Matthias Lilienthal demontiert das Literaturtheater. Darauf angesprochen schüttelt der neue Intendant die zerzauste Mähne und formuliert mit Lust an der provokanten Pointierung: „Mein Spielplan ist bis Ende des Jahres von geradezu widerlicher Konventionalität geprägt. Das ist ein einziges Rumwedeln mit Titeln vom ‚Kaufmann von Venedig‘ über Josef Bierbichlers ‚Mittelreich‘ bis zu Dostojewskis ‚Spieler‘. Wenn das jetzt auch noch gekoppelt...

Lange vor dem Start seiner Intendanz an den Kammerspielen hat sich die Theaterwelt gefragt, wie Matthias Lilienthal und München zusammengehen – eine Bilanz des Spielzeitauftakts

Shabbyshabby Schickeria

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Meldungen

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Festival der Besessenen

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Was ist bloß aus dem guten alten Generationenkonflikt geworden? Früher, also vor der Erfindung der Freundschaftsanfrage der Eltern an die Kinder über Facebook, waren die Fronten wenigstens klar: Mutti und Vati Spießer, die Sprösslinge Rebellen. Heute klagt der Paterfamilias über die Jugend bloß noch: „Die wirken alle so brav.“ Und die größte Sorge ist, den Toleranzwettbewerb mit den Eltern der neuen Freundin des Sohnes verlieren zu können. Wobei die Laissez-faire-Lockerheit doch auch Grenzen hat. Wenn der Filius nämlich wissen will: „Aber dann, wenn es so weit ist, also wenn sie dann doch nicht … wenn alles eigentlich super ist … fragt man dann, ob sie ihre Tage hat, oder kommt das total oberscheiße rüber …?“ Da weiß auch Vati nur den Rat, der schon seit ewigen Zeiten funktioniert: „Kannst du das bitte mit deiner Mutter klären.“ Also doch alles beim Alten? Die Szene stammt aus dem Stück „Einfach nur Hallo“ von Lutz Hübner. Eine von sechs Kurzkomödien bzw. Miniaturgrotesken, die das Theater an der Parkaue unter dem Titel „Als ich meinen Eltern meinen neuen Freund … Vom Ende der Kindheit“ in Auftrag gegeben und in Kooperation mit dem Schauspiel Chemnitz auf die Bühne gebracht hat. In Berlin finden die Clashs...

Theater an der Parkaue im Prater: „Als ich meinen Eltern meinen neuen Freund … Vom Ende der Kindheit“. 6 Autoren, 6 Regisseure

Berlin: Der ultimative Protestakt

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

Impressum/Vorschau

The Case of Digital Arts

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Kaum ein Bild dominierte die mediale Berichterstattung über den Bosnienkrieg mehr als die Amateuraufnahmen der Bombardierung der „Alten Brücke“ in Mostar vom 9. November 1993. Die gezielte Zerstörung dieses Meisterwerks osmanischer Baukunst galt als das Sinnbild des Konflikts in der multiethnischen und -religiösen Stadt: Mit dem architektonisch verbindenden Element zwischen dem bosnischmuslimisch dominierten Osten der Stadt und dem kroatisch-katholischen Westen wurde symbolisch die Idee eines friedlichen Zusammenlebens der Ethnien im ehemaligen Jugoslawien vernichtet. Der Kampf um Mostar ist ein Paradebeispiel der komplexen Frontverläufe des Bosnienkriegs: Nachdem die bosnische und die kroatische Armee mit gemeinsamer Kraftanstrengung den serbischen Aggressor zurückgeschlagen hatten, eskalierte ein Konflikt zwischen den zuvor verbündeten Parteien. Die Kämpfe zwischen Bosniern und Kroaten, oftmals als „Krieg im Krieg“ bezeichnet, spalteten die Stadt nachhaltig. Die Brücke ist wieder aufgebaut, doch die topografische Trennung Mostars durch den Fluss Neretva in einen östlichen und einen westlichen Stadtteil ist seit dem Bosnienkrieg zugleich eine kostspielige verwaltungspolitische Teilung in eine „kroatischkatholische“ Seite im Westen und eine „bosnisch-muslimische“ Seite im Osten: zwei Fußballclubs, zwei Schulsysteme, zwei Universitäten, zwei Stadtverwaltungen – und zwei städtische Theaterhäuser. Noch während des Bosnienkriegs spalteten sich kroatische Ensemblemitglieder des zuvor gemeinsamen jugoslawischen Nationaltheaters Narodno Pozorište ab und gründeten auf der Westseite...

Zum ersten Mal nach dem Krieg arbeiten bosnische und kroatische Künstler im nach wie vor gespaltenen Mostar zusammen

Geteilte Stadt, geteiltes Theater

„Es versendet sich“, wird da gesagt, aber nicht etwa, weil wir im Radio gelandet sind. Die beiden Herren, Herr Oberender und Herr Jörder, sind im Disput, auf eine durchaus engagierte und mitunter heftige Weise, und ich komme erst mal nicht zu Wort. „Es versendet sich.“ Es geht ums Stadttheater und das Theatertreffen, nachdem es eigentlich und hauptsächlich um die Theaterkritik gegangen ist, die als Thema uns zunächst erwartungsgemäß in eine kulturpessimistische Richtung trieb, ein Vorgang, den Thomas Oberender mit dem Verweis aufs Digitale unterbrechen wollte: So viel Mitsprache war nie! Der Theatertreffenblog! – Embedded Journalismus, konterte sofort Gerhard Jörder und beschwor zugleich den Machtverlust der Kritiker innerhalb der ehemals bürgerlichen Zeitungsmedien. Kulturpessimismusverdacht kommt allerdings erst so richtig auf, als ich laut darüber nachdenke, mit welchen Verlusten zu rechnen ist, wenn aus dem Stadttheatersystem ein Kuratorensystem wird. Noch dazu ist das die Diskussion vom April, und: Haben wir noch April? Das sagt zwar niemand, das denke nur ich auf einer Nebenspur. Doch wie von Geisterhand steht auch schon zu viel im Raum: zum Beispiel, dass der Kurator längst durch den Managerintendanten vorbereitet wurde. Dass die Festivalisierung schon längst durch alle Stadttheater gegangen ist, dass es ein Insiderdiskurs ist, den die Kritik...

Auf Sendung

Mit dem Theater die Welt verändern

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

„Pier Paolo Pasolini, Allerheiligen/Allerseelen, 1975/2015“

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Auf der grauen Hinterbühne weist Putin (Jan Bernhardt mit Teufelshörnern) dem schwerbewaffneten Soldaten Andrej (Alexander Frank Zieglarski) sein nächstes Schussziel an. Auf der Vorderbühne liegt die tote Freundin Andrejs, Marina (Anna Luise Borner), umgekommen bei einem Attentat auf einen Bus in Donezk, das Andrej zufolge „ukrainische Faschisten, die mit Hilfe der Amerikaner an die Macht geputscht worden sind“, zu verantworten haben. Zwischen den Fronten, in der Bühnenmitte stehend und doch aus der sicheren Entfernung Berlins blickend, sehen wir Andrejs Bruder Wolodja (Dennis Junge) und seine Frau Lena (Katja Hirsch). Mit diesem Bild endet die Vorstellung. Zur Überraschung und Verwirrung einiger Zuschauer haben sich der Regisseur Thomas Roth und sein Dramaturg Sascha Löschner dazu entschlossen, unter dem Titel „Wladimir Kaminers Russendisko“ nicht nur ein szenisches Potpourri entlang der Anekdoten aus Kaminers gleichnamigem Roman zu entwerfen, sondern dessen Migrationsgeschichte narrativ zu bündeln und sie bis in die tagespolitische Gegenwart zu verlängern. „Moskau – Berlin – Donezk“. Um diesen geografisch wie politisch weit gespannten Bogen erzähl- und darstellungstechnisch schlagen zu können, wurden autobiografische Passagen aus Kaminers „Russendisko“, Auszüge aus seinen Romanen „Militärmusik“ und „Die Reise nach Trulala“ sowie aktuelle Blog-Einträge und Zeitungsartikel montiert und zu szenischen Miniaturen eines Stationendramas verdichtet. Im vorangestellten Prolog...

Theater Vorpommern: „Wladimir Kaminers Russendisko“ (UA). Regie Thomas Roth, Ausstattung Nadira Nasser

Greifswald: Am Pult statt zwischen den Stühlen

„Verliebt sein, das ist wie ein Autounfall“, sagt Nancy Mensah-Offei und wehrt sich dergestalt gegen einfache Lösungen. „Jedenfalls lachst du und weißt nicht, warum, und weinst und weißt nicht, wozu“, fügt sie an und plädiert im Zweifel immer eher für den Zweifel. Für jene ungewisse Lücke nämlich, die mitten dort besteht, wo ein Mensch irgendetwas über sich zu wissen meint. Für jene uneindeutige Erfahrung also, die dort entsteht, wo einem Menschen etwas widerfährt. Und so ein Mensch, der kann sich ja dann ganz gut aufreiben an der Gleichzeitigkeit von „ganz schrecklich“ und „ganz schön“. Mensah-Offei kann das auch, kann Körperaktion und Textintonation widerspruchsvoll in Zweifel ziehen. Am Anfang allen Theaters steht für die 1989 in Obuasi (Ghana) geborene, in Linz (Österreich) aufgewachsene Schauspielerin dementsprechend die Reaktion. Also die Antwort, aber auf was eigentlich? Auch auf eine vielleicht gar nicht gestellte Frage? An der Rampe stehen und irgendjemandem irgendeinen Text ins Gesicht knallen ist jedenfalls keine Antwort für Nancy Mensah-Offei. Eher die Suche nach einer inneren Logik, die gleichzeitig immer auch Unlogik, also Widerspruch und Zweifel sein kann. Gefunden hat Mensah-Offei eine Antwort, wenn sie als ungeborener Fötus aka Ersatzteillager in der Uraufführung von Raffaela Schöbitz’ Text „Objects in mirror are...

Im besten Fall ist Theater für die Schauspielerin Nancy Mensah-Offei wie ein Unfall: heftig und unmittelbar

Im Zweifel für den Zweifel

Dieser Gang durch eine gefrorene Traumwelt übt sich im Minimalismus. Nur zwei Schauspieler treten auf: Samuel Finzi als Peer Gynt und Margit Bendokat als alle Frauen im Stück (Mutter, Ingrid, Solveig). Das sagt uns einiges über die Ibsen-Deutung von Ivan Panteleev: Ich und die Neurosen? Der Regisseur liest das Stück als frühes Dokument der Psychoanalyse: Gynt als Chiffre für das große Unbehagen in der herrschenden Kultur. Das ist erst einmal eine Behauptung, die es sinnfällig zu machen gilt. „Peer, du lügst!“, fährt die Mutter den Sohn an, sobald dieser die Wirklichkeit zur Möglichkeit umbiegt. Das wäre dann die neue Welt, die er entdecken könnte, wäre sie nicht von Anfang an mit dem Bann der Mutter belegt, kontaminiertes Gelände, ganz und gar unbewohnbar. Heller Sand, der den Bühnenboden in dünner Schicht bedeckt, knirscht bei jedem Schritt. Es klingt wie Schnee, aufreizend monoton. Was also gibt es Neues im Peer-Gynt-Universum? Oder anders gefragt: Gibt es denn überhaupt noch etwas, das die Erwartung im Warten wachhält? Ivan Panteleev ist es ernst mit dieser Frage, wie ernst, das sah man unlängst in seiner bezwingenden Inszenierung von „Warten auf Godot“ hier am Deutschen Theater Berlin. Ein von innen erleuchteter Western-Planwagen (Bühne Johannes Schütz) zeigt Möglichkeiten...

Deutsches Theater Berlin: „Peer Gynt“ von Henrik Ibsen. Regie Ivan Panteleev, Ausstattung Johannes Schütz

Berlin: Kein Märchen nirgends

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Explodierendes Dokumentartheater

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Man muss sich Sandro Lunin als einen glücklichen Menschen vorstellen. Nicht, weil er seit neun Jahren Programmchef eines der schönsten Theaterfestivals Europas ist, das alljährlich im August für knapp drei Wochen direkt am Zürichsee stattfindet; und auch nicht, weil auf diesem Theaterfestival als einzigem in Europa auch dieses Jahr wieder alle fünf Kontinente zu Gast sind. Und auch nicht wegen der traumhaft hohen Auslastungszahlen – dies war seit der Gründung im Jahr 1980 fast jedes Jahr so, da hat höchstens mal ein verregneter August einen kleinen Strich durch die Erfolgsstatistik gemacht. Als ein hastig eingeflogener VIP-Kurator aus Berlin sich darüber wundert, dass ein Abend, bei dem afrikanische Schauspieler eine Art fröhliche Jamsession gegen die weltweite Verdummung durch das Internet feiern, bis auf den letzten Platz ausgebucht ist („In Berlin würden sich das dreißig Nasen anschauen“), geht ein leises Lächeln über das braun gegerbte Gesicht von Sandro Lunin. Doch Kuratorenglück ist etwas anderes, als einem deutschen Kollegen zu erklären, dass „ausverkauft“ beim Zürcher Theater Spektakel fast alltäglich ist. Dies hat auch damit zu tun, dass das Theater Spektakel seine Wurzeln in den alternativen Entwürfen der achtziger Jahre hat und bis heute als eine der letzten Spielwiesen der kleinen Fluchten fest verankert...

Das Zürcher Theater Spektakel bildet inmitten der durchkapitalisierten Weltstadt immer noch einen alternativen Raum für politisches Theater

Augen auf, Augen zu

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Olaf Nicolai, Ihre Arbeit „Giro“, bei der Bumerangs vom Dach des Deutschen Pavillons der Biennale in Venedig geworfen wurden, fand viel Beachtung. Kann man „Giro“ als Performance begreifen? Die Arbeit ist auf das Thema des deutschen Pavillons – das Erzeugen, Verbreiten, das Wahrnehmen und die Funktion von Bildern unter den heutigen Bedingungen – angelegt. Der Kurator Florian Ebner spricht vom „Pavillon als Fabrik“, von einem Ort „reproduzierender Bilder“. Wenn Besucher meine Arbeit sehen wollen, müssen sie sich zurückbewegen von dem Pavillon, nach oben schauen, ob sie etwas sehen, das mit den Informationen, die sie schon haben, zusammenpasst. Insofern sind sie mittendrin in diesem Prozess des Sich-ein-Bild-Machens. Das, was sie da oben sehen, würde auch ohne sie stattfinden. Die Zuschauer können das nicht total erfassen, aber das ist keine künstliche Verhinderung, sondern eine praktische Anordnung. Auf dem Dach befindet sich eine Werkstatt, in der Bumerangs hergestellt und dann ausprobiert bzw. so weiterentwickelt werden, dass sie unter diesen konkreten Bedingungen vom Dach des Deutschen Pavillons am besten funktionieren, was heißt: in einer Schleife fliegen. Warum ist es wichtig, dass der Pavillon auch der Ort der Produktion ist? In einem produzierten Gegenstand vergegenständlichen sich die Bedingungen seiner Produktion. So eben auch der Pavillon...

Der Konzept- und Medienkünstler Olaf Nicolai über seine Arbeiten „Giro“ und „Non Consumiamo … (to Luigi Nono)“ bei der diesjährigen Biennale in Venedig im Gespräch mit Thomas Irmer

Tilmann Köhler und Miriam Tscholl: Montagswirklichkeit Dresden

Neuerscheinungen im Verlag