Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Angewiesenheit – dieser Begriff beschreibt den Kern des Theatermachens. Man ist voneinander abhängig. Und das gelte auch für Intendanten, merkte Ulrich Khuon, selbst Intendant des Deutschen Theaters Berlin und Präsident des Deutschen Bühnenvereins, in einer spontanen Ausführung an. Das gilt aber nicht nur innerhalb der Theater, es gilt auch gegenüber der Politik. Auch deshalb hat Frontfrau Lisa Jopt von Anfang an darauf geachtet, dass das Ensemble-Netzwerk (EN) vor allem eines ist: konstruktiv. Ein Signal des Miteinanders geht von der zweiten bundesweiten Ensemble-Versammlung aus, die vom 12. bis 14. Mai in der Reithalle des Hans Otto Theaters Potsdam stattfand. Während die Wut über oft niedrige Gagen und den hierarchisch strukturierten Betrieb vergangenes Jahr in Bonn noch mit Händen zu greifen war und Lisa Jopt sich immer wieder mit Verve dazwischenwarf, wenn die Stimmung zu kippen drohte, geht es in Potsdam überwiegend heiter-konzentriert zu. „Fast zu harmonisch“, wie einer der (wenigen) anwesenden Intendanten meint. Die neue Entspanntheit liegt natürlich an den inzwischen erzielten Erfolgen. Offenkundig ist, dass auch der Bühnenverein Veränderungen will. Die Anhebung der Mindestgage und die Regelung bei Gastverträgen sind wichtige Schritte. Und natürlich ist es ein starkes Signal, wenn Florian Fiedler zum Antritt seiner Intendanz in Oberhausen, der Stadt...

Die zweite bundesweite Ensemble-Versammlung in Potsdam sucht nach einem konstruktiven Miteinander im Kampf um bessere Arbeitsbedingungen

Laut und stark

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Thomas Spieckermann, Sie haben bereits 2014 mit Neil LaBute zusammengearbeitet. Damals leitete er das Internationale Autorenlabor am Theater Konstanz. Dieser Kontakt setzt sich nun mit dem Auftragswerk Ihres TAK Theater Liechtenstein an Neil LaBute fort. Was bedeutet Ihnen diese Kooperation in künstlerischer Hinsicht? Thomas Spieckermann: Für mich ist Neil La-Bute einer der bedeutendsten Autoren der Gegenwart. Seine Stücke sind meiner Meinung nach nicht nur sprachlich und dramaturgisch brillant, sie haben ein manifestes Interesse an den Abgründen der menschlichen Seele. Er zeigt die dunklen Seiten des Menschen als obligate Teile seines Wesens. Gleichzeitig ist er ein herausragender Mentor, der für das Theater lebt und junge Künstlerinnen und Künstler nach Kräften fördert. Mit ihm zusammenzuarbeiten, finde ich künstlerisch überaus fruchtbar und ein Privileg. Wie kam es zum aktuellen Projekt? Welche Erwartungen verknüpfen Sie damit? Spieckermann: LaBute und ich sind seit dem Autorenlabor in einem steten Dialog. Als ich über „Michael Kohlhaas“ als Eröffnungsproduktion nachdachte, habe ich ihn gefragt, ob er dazu einen inhaltlich daran angelehnten Text schreiben könnte, der in der amerikanischen Gegenwart verankert ist. Zu meiner großen Freude hat er dazu Ja gesagt. Mit diesen beiden Produktionen hoffe ich auf einen größeren erzählerischen Bogen quasi als Meta-Erzählung – mehrere Perspektiven auf...

Der US-amerikanische Autor Neil LaBute und Thomas Spieckermann, Leiter des TAK Theater Liechtenstein, über das Stück „Das vierte Reich“ im Gespräch mit Bodo Blitz

Lügen gehören für mich beim Schreiben zum täglichen Brot

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Sasha Marianna Salzmann, bei Ihnen glaube ich in den Interviews zu Ihren letzten Stücken „Hurenkinder Schusterjungen“ und „Die Aristokraten“ herausgehört zu haben, dass wir müden Europäer auf unserem Elfenbeinturm, der in Wahrheit eine Festung ist, das Privileg unseres Nihilismus pflegen, derweil wir gefährlich in Selbstgefälligkeit versinken. Und bei Ihnen, Laura Linnenbaum, hatte ich während des von Ihnen in Chemnitz kuratierten Festivals Unentdeckte Nachbarn und des von Ihnen inszenierten NSU-Stücks „Beate Uwe Uwe Selfie Klick“ den Eindruck, dass wir mitten in einer Blackbox sitzen. Wie kommen Theater und Gesellschaft da raus – oder täuscht der Eindruck und Sie selbst bewegen sich in eher klaren Frontstellungen? Sasha Marianna Salzmann: In Istanbul etwa erlebte ich, wie sehr die Theater – kleine Häuser, die in prekären finanziellen Situationen existieren – in die politischen Auseinandersetzungen involviert sind. Ebenso in der Ukraine, wo man mir sagte, dass die Theater vor den Ereignissen auf dem Maidan gar keine so große Rolle spielten, erst danach. Da sprießen also Theatergruppen nur so aus dem Boden. Oder schauen wir uns die Theaterlandschaft in Polen an. Der Kern von dem, was ich beobachte, scheint mir: Theater ist eine politische Kunstform – sich einzumischen, Stellung zu nehmen, sich zu formieren, auch grundsätzlich...

Das Gegenwartstheater zwischen Aktionismus und Elfenbeinturm – die Dramatikerin Sasha Marianna Salzmann und die Regisseurin Laura Linnenbaum im Gespräch mit Gunnar Decker

Lob des Störfalls

Frühlingstheater

Über den Maler und Bühnenbildner Gero Troike

Klare Räume, leere Landschaft

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Harald Welzers „Wir sind die Mehrheit. Für eine Offene Gesellschaft“ reiht sich im Guten wie im Schlechten in einen Schwung von Neuerscheinungen ein, die in den vordersten Regalen im Buchladen oder, wie bei Welzer, sogar im Drogeriemarkt feilgeboten werden. Im Guten, weil sich gegen den Kampf wider „die Feinde der Freiheit“ (Welzer) nichts sagen lässt. Im Schlechten jedoch, weil sich dieses selbstverständliche Anliegen in einem Appell ausdrückt, der einen fragwürdigen Alarmismus bedient und so Gefahr läuft, ins Banale zu driften. Welzers Duktus, eine Mischung aus offiziösem Wissenschaftler und markigen Worten, hilft dabei nicht weiter. Die „Offene Gesellschaft“ funktioniere uneingeschränkt, so Welzer, denn seit siebzig Jahren herrsche bei uns Frieden, alle Krisen seien bewältigt, ohne dass die gesellschaftliche Ordnung selbst infrage gestanden hätte; mehr noch: Deutschland sei das beliebteste Land weltweit. Das wirkt konstruiert, und gerade die Gründe für die Beliebtheit zerfließen dabei. Wenn Welzer vom Hier und Jetzt ausgeht, verstrickt er sich in eine allzu affirmative nationale Perspektive. Viele Zeitgenossen der letzten siebzig Jahre werden eben auch andere Erinnerungen haben – an den Kalten Krieg, die Angst vor der Atombombe oder soziale Kämpfe um die Teilhabe, zum Beispiel von Frauen. Und auch auf den heutigen Reichtum Deutschlands dürfte man in...

Harald Welzer: Wir sind die Mehrheit. Für eine Offene Gesellschaft. Fischer Taschenbuch, Frankfurt am Main 2017, 128 S., 8 EUR.

Ein Manifest für den Aktivbürger

<h1> </h1> Ankunft. Ich bin auf einem fremden Kontinent, zum ersten Mal bei einer Großveranstaltung der Internationalen Vereinigung des Theaters für Kinder und Jugendliche ASSITEJ und allein. Um nicht wie vorausgesagt überfallen zu werden, versuche ich so „untouristisch“ wie möglich zur City Hall, einem der drei Hauptveranstaltungsorte des hervorragend organisierten Festivals, zu laufen. Hier wird der Hauptanteil des eigentlichen Kongresses stattfinden, bei dem ich besser verstehen werde, wie die ASSITEJ weltweit organisiert und strukturiert ist. Kurz darauf sitze ich bereits beim Tischgespräch einer Konferenz zum Thema „Creative Case for Diversity and Interculturality“. Das Zitat „Nothing about us without us“ in Bezug auf die fehlenden Kinder bei der Konferenz bleibt mir am meisten in Erinnerung. Die Townships. Im Rahmen der Cultural Hubs besuchen wir die Townships, in denen seit den Zwangsumsiedlungen zur Zeit der Apartheid die Majorität der Schwarzen lebt. Mittendrin finden für uns Workshops und Vorträge, ein Programm der Kinder und Jugendlichen aus den Townships und drei Inszenierungen statt. Im biografischen „Spirit Songs“ singen, tanzen und sprechen dreißig Jugendliche aus den Townships über ihre Helden. Immer dabei: Dada Nelson Mandela. Ich bin von der Energie und Leidenschaft überwältigt, mit der die Jugendlichen, die hier unter widrigsten Bedingungen in Schiffscontainern oder Wellblechhütten leben,...

Zwölf Tage Kapstadt – Eindrücke vom 19. Weltkongress der ASSITEJ

Dada Mandela

Alles total anders

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Berliner Chaos-Tage

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Pollesch ohne Pollesch

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Der erste Dramatiker der Rockgeneration war in den letzten Jahren seines Lebens auch ein ehrwürdiger Hollywoodstar, dem es gelang, mit dem nie ganz verblichenen Rebellen- und Außenseiterimage sogar militärische Autoritäten zu verkörpern, wie den General Garrison in Ridley Scotts Somalia-Albtraum „Black Hawk Down“. Der 22-jährige Shepard war seinerzeit dem Kriegsdienst in Vietnam mit einer raffinierten und zugleich waghalsigen Behauptung entkommen – er wäre heroinabhängig. Eine andere exzellente Rolle der späten Filmkarriere war die des trunksüchtigen und leer geschriebenen Dichters Beverly Weston in der Verfilmung von Tracy Letts’ Erfolgsstück „August: Osage County“. Im Grunde besteht hier beim deutschen Publikum die Gefahr, dass neben dem Schauspieler in anspruchsvollen Filmen die Erinnerung an Sam Shepard als einen der wichtigsten amerikanischen Dramatiker des 20. Jahrhunderts verblasst. Tatsächlich ist es auch schon eine Weile her, dass seine Stücke auf deutschen Bühnen Aufsehen erregten. Zuallererst „Fool for Love“ (DSE 1986 am Theater Erlangen), eine in den amerikanischen Westen versetzte Inzesttragödie von beinahe griechischem Format, die auch die alten Cowboy-Mythen in neuen Zusammenhängen zeigt – letztlich Shepards dramaturgische Spezialität. Die Verbindung von prekären Familienverhältnissen mit den schwindenden Mythen der amerikanischen Zivilisation prägte auch den gemeinsam mit Kit Carson für Wim Wenders geschriebenen Film „Paris, Texas“, der 1984...

Zum Tod des großen US-amerikanischen Dramatikers, Schauspielers und Musikers Sam Shepard

True Sam

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Nationalsozial-charaktermasken

Lieber Klaus, Du wirst bei mir in einem Satz mit Kurt Hübner genannt. Ich hatte sehr viel mit den Bremer Intendanten Hübner, Peter Stoltzenberg und Klaus Pierwoß zu tun. Du warst aber der, welcher mir die vielen Inszenierungen jenseits der Bühne verschafft hat. „Die letzten Tage der Menschheit“ von Karl Kraus im U-Boot-Bunker Valentin im Jahr 1999 – was für ein Risiko Du da eingegangen bist, war unglaublich! Aber dank der Schauspieler und der gesamten Technik wurde es sieben Jahre gespielt und feierte an die 75 000 Zuschauer, dazu gab es eine Fernsehaufzeichnung. Die Inszenierung war in aller Munde, in Bremen und in Deutschland. Jahre danach gab es im Bremer Fernsehen zwei Dokumentarfilme über den U-Boot-Bunker Valentin. Die behaupteten, dass sechzig Jahre kein Mensch diesen Nazi-Bunker betreten hätte. Sie haben absichtlich die Inszenierung Pierwoß und Kresnik verleugnet. Intendanten wie Hübner, Stoltzenberg und Pierwoß waren ein rotes Tuch in Bremen und wurden von den Kultursenatoren aus dem Theater rausgeworfen. Du hast wie ein Fels vor dem Theater gestanden, um Kürzungen zu verhindern. Kultursenatoren hassten Dich: Weg mit Pierwoß! Intendant Pierwoß und Henning Scherf, Bürgermeister von Bremen, radelten im Trikot von Werder Bremen mit dem Tandem-Fahrrad ins Weserstadion. Auch Dein Herz schlägt...

Dem ehemaligen Intendanten Klaus Pierwoß zum 75. Geburtstag

Ein Fels des Theaters

Editorial

Video kann viel mehr als Bühnentapete sein. Das belegt die noch junge Technologie des Bewegtbildtheaters, in der Figuren aufgespalten und aus dem Fluss der zeitlichen Linearitäten herausgehoben, in dialogische Schleifen gebracht werden. Digitale Avatare, in der Green Box aufgezeichnet, werden dabei zu Kolleginnen und Partnerinnen einer Live-Performance, wie sie die Schauspielerin Martina Roth seit einigen Jahren entwickelt. Erstmals in Berlin zu sehen war ihre Arbeit „Die Frau und die Stadt“ auf der Basis von Gerlind Reinshagens gleichnamigem Theatermonolog. Vier Frauen, zwei Treppen, die ineinander verschlungen sind wie die Doppelhelix einer DNA. Darunter ist manchmal die Stadt zu sehen: das zerbombte Berlin, von der Siegessäule aus, deren Treppe die Doppelhelix bildet. Dass die Stadt schon zerstört zu sehen ist, ist ein Vorgriff in diesem Stück, ein seherisches Experiment. Bereits im Jahr 1942 steigt die von Gerlind Reinshagen am Vorbild der Dichterin Gertrud Kolmar erschaffene Figur auf die Siegessäule und wägt, in Gedanken an Bildnissen preußischer Siege vorbeigehend, ab, ob sie sich das Leben, schnell herunterstürzend, selbst nehmen oder sich durch die Drangsalierungen des NS-Regimes langsam nehmen lassen soll. Kolmar wurde später nach Auschwitz deportiert, wo sie auch starb. „Die Frau und die Stadt“ weist allerdings über die unmittelbaren Ereignisse der NS-Zeit...

Das Bewegtbildtheater von Martina Roth und Johannes Conen ist eine faszinierende Hybride aus Videospiel und Schauspiel

Die Zeit als Kugel

September 2017

Premieren

Samtener Schutzraum

Darwin-Theater

Die Unruhe des 21. Jahrhunderts auf den Straßen und Plätzen der Welt, das ist das akustische Material für die Komposition von „In the Woods There Is A Bird …“. Der bildende Künstler Olaf Nicolai ließ sich von den Korrespondenten der ARD und des Deutschlandfunks Tonaufnahmen von Demonstrationen, Protesten und Kundgebungen seit dem Frühjahr 2001 schicken und montierte diese gemeinsam mit dem Musiker Frank Bretschneider zu einem 31-minütigen Stück, einer Sinfonie des globalen Unbehagens. Von Albanien bis Venezuela, von diversen Wahlprotesten in Ländern Afrikas bis zur Moskauer Gay-Parade 2010 und dem von der Finanzkrise erschütterten Island reicht geografisch und politisch die Palette der Quellen. Reden und Ansprachen fehlen, es sind stets die kollektiv erzeugten Bekundungen wie Klatschen, Pfeifen, Schreien und das Schlagen von Rasseln, manchmal sekundiert von den Sirenen und dem Hubschraubergeknatter der Polizei. Ein Klangbild des Protests, bei dem gerade in den Überlagerungen und Loops einerseits ein starkes übergreifendes Moment entsteht, andererseits aber auch eine diffuse Atmosphäre von nicht mehr zu verortender Bewegung großer Menschenmengen samt ihren ganz unterschiedlichen akustischen Qualitäten. Der Klang der Unruhe ist von den bekannten Nachrichtenbildern abgelöst und wird so überhaupt erst hörbar – ein Konzept von erweiterter Musik als Klangkunst, lange nach John Cage im...

Olaf Nicolai: In the Woods There Is A Bird …, Koenig Books, London 2017, Verlag der Buchhandlung Walther König, Köln 2017, LP (31 Min.) & Leporello (12 S.), 50 EUR.

Sinfonie des Unbehagens

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Gleichwertigkeit und Unversehrtheit sind Grundsätze der bürgerlichen Gesellschaft. Sixtus Beckmesser, Stadtschreiber von Nürnberg, hilft das in Barrie Koskys „Meistersingern“ wenig. Kurz nach seiner missglückten Liebesballade für Eva wird er von einem Mob überrannt. Anders als in der Vorlage ist es nicht bloß der Schustergeselle David samt seinen Kumpanen, der Beckmesser aus Eifersucht verprügelt. Es sind die Bürger der Stadt Nürnberg, die wie entfesselt diesen Kampf befeuern. Eine rohe Bürgerlichkeit bricht sich hier Bahn, eine lüsterne Aggression unter dem Diktat eines Hasses, der gar nicht so sehr den Einzelnen meint als vielmehr den Einzelnen als Stellvertreter einer Gruppe. Über diesen gesellschaftlichen Mechanismus, den der Soziologe Wilhelm Heitmeyer in seiner Studie „Deutsche Zustände“ unter dem Begriff der „gruppenbezogenen Menschenfeindlichkeit“ anführt, wurde in der Wagner-Rezeption vielfach gestritten. Besonders in den „Meistersingern“, dieser Oper über die „heil’ge deutsche Kunst“, sah man in der Figur des Beckmesser Wagners Antisemitismus zementiert, karikiere er hier eben nicht nur, wie seine Verteidiger sagen, Einzelpersonen wie den Musikkritiker Eduard Hanslick (der ihn regelmäßig verriss) oder den deutsch-jüdischen Komponisten Giacomo Meyerbeer (der ihn komplett ignorierte), sondern eine vorsätzlich konstruierte Gruppe. Wagner, schreibt der Biograf Martin Gregor-Dellin, sei der Verteufelung der Juden erlegen. Diese Lesart ist nicht neu. Interessanter aus heutiger...

Der Meister und der Mob – Barrie Koskys „Meistersinger von Nürnberg“ bei den Bayreuther Festspielen

Wirr klatscht das Volk

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Es ist ein Uhr nachts, als im Luzerner Stadttheater die Produktion „Lethal Ballet“ beginnt. In der traumatischen Performance mit Musik nähern sich vier Schauspieler Jack Londons Text „König Alkohol“ an. Darin reißt der Literat seine Leser in die dunkle, brutale Welt seiner Trunksucht mit, die Triebfeder seiner geistigen Größe war. Vier Männer untersuchen die komplexe Persönlichkeit des amerikanischen Abenteurers, der als Robbenjäger und Pirat seinen Unterhalt verdiente. Der Regisseur Damiàn Dlaboha und Dramaturg Béla Rothenbühler haben das musikalische Albtraum-Szenario im Rahmen des Friendly Takeover der freien Szene im Mai dieses Jahres auf die Bühne gebracht. 24 Stunden zeigten die Freien der Zentralschweiz, wie viel Potenzial in ihnen steckt. Der Luzerner Intendant Benedikt von Peter gab ihnen den Schlüssel – und damit für einen ganzen Tag die Verantwortung für das Dreispartenhaus am Vierwaldstätter See. Mit geröteten Augenrändern verteilte Dlaboha, der zurzeit seine Regieausbildung an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK) abschließt, vor der Vorstellung Programmzettel. Der kreative Kopf des Kollektivs mit dem sprachspielerischen Namen Fetter Vetter &amp; Oma Hommage ist auch in organisatorischen Fragen Perfektionist. Da scheut sich der bärtige Luzerner auch nicht, selbst überall anzupacken. Mit einem kleinen Team hat der unermüdliche Arbeiter den 24-Stunden-Marathon der freien Szene organisiert, „weil...

Der Luzerner Regisseur Damiàn Dlaboha und sein Kollektiv Fetter Vetter & Oma Hommage

Träume in der Folterkammer

Autoren September 2017 / Vorschau

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Seit nunmehr zwanzig Jahren hat die Insel Hiddensee ein Theater, das man getrost zu den kleinsten deutschen Bühnen zählen kann. Es mögen wohl nur 120 Quadratmeter sein, die sich Zuschauer, Bühne, Bühnentechnik, Ausschank und Garderobe teilen müssen. Vielleicht kein großes Vergnügen, könnte man meinen, sich an heißen Sommertagen dort einzufinden. Hat man aber erst einmal diese mit viel Liebe eingerichtete Spielstätte betreten, wird man großzügig dafür belohnt. So auch in „Moby Dick“, Herman Melvilles vielschichtigem Meisterwerk, das in der Jubiläumssaison als einer der bedeutenden Mythen der Moderne hier in einer wunderbar kurzweiligen Fassung präsentiert wird. Wie ein mehrere hundert Seiten füllendes Werk auf nicht einmal sechzig Minuten reduziert wird, zeigt Holger Teschke (Buch und Regie), indem er sich auf das Wesentliche beschränkt. Unaufgeregt nimmt die Geschichte ihren Lauf. Menschliches Elend, Überdruss, Zivilisationskrankheit – Motive, die auch Hiddensee einst zu einem Sehnsuchtsort werden ließen – treiben Ismael an Bord des Walfängers hinaus auf die See. Und ganz wie von den Menschen auf Hiddensee lässt sich auch der Zuschauer vom rauen Ton und den derben Späßen der Mannschaft schnell einfangen. Ein gediegenes Spiel voller raffinierter Einfälle. Und wer bis dahin glaubte, sich als zuschauender Voyeur in Sicherheit zu wiegen, wird schnell eines...

Die Seebühne Hiddensee feiert mit einer Ein-Mann-Theaterversion von „Moby Dick“ ihr zwanzigjähriges Bestehen

Der weiße Wal

Angstlos! Heimatlos?

Entmitläufert euch, bitte!“ – Mit vielen Aufrufen und Anrufungen Jonathan Meeses kann man sofort nur einverstanden sein. Und kaum einer formuliert sie so eigentümlich und charmant wie der 47-jährige Meister des eigenen Kunst-Ichs. Jemand wie Meese hat mit Sprüchen in der bildenden Kunst schon getwittert, da gab es die App noch gar nicht. „Nur Kunst ist Chef“, „Das Gesamtkunstwerk ist die Regierungsform von morgen!“, „Führung ohne Politik und Religion ist geilstens“, „Kunst zukunftet alles“. Für den „Mondparsifal“ gilt: Er ist „unentschlüsselbarst Kunst“. Mit Jonathan Meese im Schlepptau war er der programmierte Höhepunkt der diesjährigen Wiener Festwochen, die erstmals unter der Leitung von Tomas Zierhofer-Kin über die Bühne gingen. Der aus der Musik kommende, festivalerfahrene und im Sinne einer antirepräsentativen Kunst programmierende Österreicher (er hat mit Markus Hinterhäuser anno 1993 das Avantgardefestival Zeitfluss in Salzburg gegründet) tat gut daran, im Fall des „Parsifal“ Wien anstelle von Bayreuth als Produktionsstätte ins Spiel zu bringen. Meeses Inszenierung wurde 2014 am grünen Hügel bekanntlich abgelehnt. Dass sie zu kostspielige Ansprüche gestellt hätte, ließ sich nun im Fall von „Mondparsifal Alpha 1–8 (Erzmutterz der Abwehrz)“ nicht erkennen. Im Theater an der Wien zeigt sich das Bühnenbild für die Richard-Wagner-Show für einen Anhäufungs- und Überschreibungskünstler wie...

Wiener Festwochen: Jonathan Meese bringt in seinem „Mondparsifal“ Richard Wagner mit der Popkultur zusammen

Wagner-Show im Raumschiff

Wir, die dreißig Zuschauenden, die im Rahmen des Schweizer Theatertreffens 2017 in den letzten Tagen eine kommunikative Achterbahnfahrt der Sprachwechsel bestritten haben, sitzen uns nun in einem kleinen, kalten Raum auf grauen Bänken gegenüber. Die Stille, die zu Beginn der installativen Performance „Twilight“ von Tricksterp entsteht, ist so kostbar wie laut, und doch beginnen sich langsam die Sprachklänge – französische, italienische, deutsche, englische, schweizerdeutsche und rätoromanische Töne – in den Köpfen zu sortieren. Seit 2013 bietet das Schweizer Theatertreffen einen Begegnungsraum für Theaterschaffende aus vier sehr unterschiedlichen Kulturräumen. „Die Schweiz lebt von ihrer Theatervielfalt, von ihren, je nach Sprachregion, verschiedenen Systemen, die sich mitunter mehr an den zur Sprachregion zugehörigen Nachbarländern orientiert als an einer genuin schweizerischen Ästhetik.“ So beschreibt es die Dramaturgin Joëlle Jobin im Blog zum Schweizer Theatertreffen. Nach zwei Auflagen in Winterthur und im letzten Jahr in Genf gastierte das vierte Schweizer Theatertreffen vom 24. bis zum 28. Mai 2017 in Lugano, Chiasso und Bellinzona. Ausgewählt wurden für das Schweizer Theatertreffen sieben Produktionen in über sieben Sprachen. Als Spiegel der Schweizer Theaterkultur stellt sich das Programm so sprachgewandt wie vielfältig dar. Die Inszenierungen zeigen das breite Spektrum einer Theaterszene, die in ihrer Ästhetik vielgestaltiger kaum sein könnte....

Schweizer Theatertreffen: Die vierte Ausgabe in Lugano spiegelt die sprachliche und kulturelle Vielfalt des Landes

Über sieben Sprachen musst du geh’n

Ran ans Märchen! 

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

TdZ on Tour

Figurationen im Film

Wir haben uns hier versammelt, um Abschied zu nehmen von unserem Freund Tankred Dorst. Wollten alle Personen, die der Bühnendichter Tankred in seinem langen Schriftstellerleben erfunden hat, mit uns an dieser Trauerfeier teilnehmen, die Kirche hätte ihnen nicht Platz bieten können. Merlin und sein Tross, Ernst Toller und die Revolutionäre, Herr Korbes oder der alte, verbitterte Hamsun, der die Welt nicht mehr versteht, sie alle müssen in unserem unsicheren Gedächtnis Platz nehmen. Hauptsache, sie sind noch da. Da das Theater ihnen keinen Platz mehr anbietet, sind sie vielleicht froh, in unseren Köpfen einen festen Ort zu haben. In unseren Köpfen gelten andere Spielpläne. In unseren Köpfen können wir Tankreds Stücke weiterhin mit Peter Lühr, Gisela Stein oder Thomas Holtzmann besetzen, ganz wie es uns gefällt. Und würden alle Schauspieler, Regisseure und die anderen Bühnenmenschen, die je Tankreds Stücke mit Leben erfüllt haben – in Deutschland und in der ganzen Welt –, zusammenkommen, die Lebenden und die Toten, um diesem alles andere als angeberisch um die Gunst von vielen buhlenden Menschen Lebewohl zu sagen, wir hätten leicht ein Stadion füllen können. Mehr als fünfzig Theaterstücke hat Tankred geschrieben, dazu Hörspiele, Libretti und Drehbücher. Wenn man sich diese Zahl vergegenwärtigt und sich...

Gedenkrede auf Tankred Dorst

Der König mit der grauen Haarkrone

Der Notfall als Prinzip

Die digitale Masse

Gegen die allgemeine Ermüdung Die Demokratie und das Theater brauchen den Mut zur Kontroverse – Hasko Weber im Gespräch mit Dorte Lena Eilers und Jakob Hayner Hasko Weber, was kann das Theater in einer gesellschaftlichen Situation, wie sie zurzeit existiert, machen? Wie kann es sich gegenüber Rechtspopulismus und rechten Bewegungen verhalten? Sie sind Intendant in Weimar. In einem Interview sagten Sie einmal, dass das Auseinanderdriften der Gesellschaft in Weimar selbst...

Gegen die allgemeine Ermüdung

Das Theater mit den Finanzen

Die performative Baustelle

Über 330 Veranstaltungen in 17 Tagen, 44 internationale Produktionen, davon 27 Ur- und Erstaufführungen: Im Gespräch mit dem Kuratorium, bestehend aus Amelie Deuflhard und András Siebold von Kampnagel sowie Joachim Lux und Sandra Küpper vom Thalia Theater, wurde deutlich, dass Theater der Welt 2017 in Hamburg an Grenzen geht (siehe TdZ 05/2017). Doch der Aufwand hat sich gelohnt: Die Auslastung des Hauptprogramms des Festivals vom 25. Mai bis zum 11. Juni lag bei satten 83,5 Prozent. Klar, dass der Ehrgeiz, „Theater von fünf Kontinenten“ zu präsentieren, auch eine finanzielle Herausforderung bedeutete. Zusätzlich zur gleichbleibenden Grundfinanzierung des Festivals kamen 2017 Mittel aus der Kulturabteilung des Auswärtigen Amtes und Zuwendungen privater Förderer hinzu. Gerüchte blieben nicht aus. Finanzielle Vorteile hätten die ausrichtenden Institutionen, wetterte Stefan Grund in seinem Artikel „Zombie-Orgie mit einem Planschbecken“ in der Welt vom 29. Mai. Kampnagel kaufe ein, „wie es immer einkauft“, Lux steuere „alte Kamellen und ein neues Stück aus dem eigenen Repertoire zum Festival bei“. Zudem habe Lux sich das Festival als Präsident des Internationalen Theaterinstituts (ITI) „praktischerweise“ selbst bewilligt. Das ITI antwortete mit einer Presseerklärung. Die Vergaberichtlinien des Festivals sähen vor, dass die sich bewerbende Stadt die Finanzierung zu zwei Dritteln aus kommunalen und Ländermitteln...

Theater der Welt 2017: Der Hafen als Zentrum globaler Bewegung

Ich seh die Waren zieh’n

Staatstheater Nürnberg: Globaler Zelluntergang

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Annemie Vanackere, seit fünf Jahren sind Sie Intendantin des HAU Hebbel am Ufer in Berlin, fünf weitere Jahre liegen vor Ihnen. 2012 kamen Sie von der Rotterdamse Schouwburg in die klar strukturierte Theaterstadt und machten die fremden Tierblicke zum plakatierten Label Ihrer ersten Saison. Nun gab und gibt es Umbrüche in den Berliner Theatern, alles verschiebt sich: Volksbühne, Berliner Ensemble, Berliner Festspiele. Wie nehmen Sie diese Situation wahr? Dass die Dinge sich ändern, nehme ich natürlich wahr. Da ich meinen neuen Vertrag schon vor eineinhalb Jahren unterschrieb, weiß ich allerdings auch schon länger, dass ich weitermache. Seitdem, muss ich gestehen, habe ich mich aber schon manchmal gefragt, warum eigentlich alles immer nur auf noch mehr Wettbewerb hinauslaufen muss. Natürlich überlegen wir im Team, das ja weitgehend das gleiche bleibt, wie uns die Veränderungen tangieren, und mir scheint, sie zwingen uns, unseren „Kern“ noch einmal genauer zu formulieren. Wie sieht die Formulierung des HAU-Kerns aus? In jedem Fall ist das HAU, auch in seiner Struktur, immer noch etwas ganz anderes als die Volksbühne oder die Berliner Festspiele. Das hat damit zu tun, wie wir mit Künstlern arbeiten: in langen Zeitlinien, mit einer gewissen Treue bei der Begleitung ihrer Arbeit. Damit setzen...

Die Intendantin des HAU Hebbel am Ufer Berlin Annemie Vanackere über die Veränderungen in der Berliner Theaterszene und die Aufgaben eines spartenübergreifenden Produktionshauses im Gespräch mit Doris

Der Maulwurf macht weiter

Theater ist überlebensnotwendig

2003 machte Wien von sich reden, weil ein Kulturstadtrat eine Reform auf den Weg gebracht hatte, die die freie Theaterszene in Wien verändern sollte. Eine scheinbar unüberbrückbare Kluft zwischen freien Gruppen und Theaterhäusern sollte überwunden werden. Die Gießkannenförderung sollte durch das Prinzip der „Ganz oder gar nicht“-Förderung ersetzt werden, ganzjährig bezahlte Kuratoren sollten die Verteilung der Projektförderung der Stadt Wien übernehmen, und sogenannte Koproduktionshäuser sollten zusätzliche Orte der künstlerischen Distribution werden. Ziele der Reform waren Professionalisierung und Internationalisierung der freien Szene. Alle vier Jahre wurde zusätzlich eine unabhängige Jury berufen, die über vierjährige Konzeptförderungen für Gruppen, Festivals und Häuser zu entscheiden hatte. Zwischendurch kursierten Schlagworte wie Mindestgagen und geregelte Anstellungsverhältnisse. Heute macht Wien von sich reden, weil die hochsubventionierten Wiener Festwochen (10,5 Millionen Euro aus dem Kulturbudget der Stadt Wien) sich unter neuer Leitung in ein Subkulturgewand kleideten, samt entsprechenden politischen Diskursen. Doch die Rechnung ging nicht auf: Der Intendant stimmte als Zeichen seiner politischen Integrität kommentarlos der fristlosen Entlassung seiner neuen Kuratoren zu. Zwei Bauernopfer, um den Intendantenkopf nach heftiger Kritik kulturpolitisch zu retten. Und wie ist die Situation der freien Szene heute? Das Gesamtvolumen der Projektförderung bewegt sich seit 2004 bei um die 2,6 Millionen Euro, wobei sich...

Wie eine fehlgeleitete Kulturpolitik die freie Szene in Wien gefährdet

Vor dem Kollaps

Brennender Schatten

Staatstheater Mainz: Apfelstrudel aus der Tube

Julius Hirsch war ein Idol aus der Frühzeit des Fußballs, als im Kaiserreich der Ballsport noch wegen seiner Herkunft aus England beargwöhnt wurde. In Karlsruhe, dessen Fußballverein die ersten Jahre der deutschen Meisterschaft wie heute Bayern München in Serie gewann, lief Juller, wie ihn alle nannten, in gebückter Haltung stets torgefährlich über den Platz. Hirsch spielte außerdem siebenmal in der damals gerade erst aufgestellten Nationalmannschaft des 1900 gegründeten DFB, darunter zweimal bei den Olympischen Spielen. In den Ersten Weltkrieg zog er als kaisertreuer Kämpfer und kehrte militärisch dekoriert in seinen Karlsruher Verein zurück, dem er nach der Zeit als Aktiver schließlich noch als Jugendtrainer angehörte. Bis 1933, als alle Juden aus den Sportvereinen verschwinden sollten. Juller trat aus und einem jüdischen Verein bei, um seinem Karlsruher FV verbunden bleiben zu können. Dieser Professor Mamlock des Fußballs durfte indes nicht einmal mehr ins Stadion. Mit der Deportation 1943 verlor sich seine Spur, Richtung Auschwitz. 1950 wurde er rückwirkend auf den 8. Mai 1945 für tot erklärt – seine einstige Popularität in Deutschlands beliebtestem Sport bot keinen Schutz. Der DFB verleiht seit 2005 einen Toleranz-Preis in Jullers Namen. Das Leben des jüdischen Wunderspielers ist inzwischen – unter anderem von dem Fußballhistoriker Werner...

Das Theater der Jungen Welt Leipzig geht mit einem Stück über den jüdischen Fußballer Julius Hirsch auf Tournee durch Bundesligastädte

Der Mann, den sie Juller nannten

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

Eine Wette auf die Zukunft

Es wird ein Schock für die Salzburger sein, wenn sie in diesem Jahr nicht auf die gefühlten 340 Regentage jährlich kommen. Denn schon Ende Juni glich ein Besuch der Stadt eher einem Aufenthalt in den Tropen. 36 Grad, Sonnenschein, 60 Prozent Luftfeuchtigkeit, tagelang. Nicht schockiert, aber überrascht ist man als Auswärtiger, in Salzburg ein kleines Festival zu entdecken, das nichts mit den Festspielen oder Mozart zu tun hat und das es vor allem schon sehr lange gibt: die Sommerszene. Sie nennt sich seit diesem Jahr zusätzlich International Performing Arts Festival und hat zum ersten Mal ihrem Namen auch meteorologisch alle Ehre gemacht. Für eineinhalb Wochen präsentiert der Kulturverein Szene Salzburg in diversen Spielstätten der Stadt ein gutes Dutzend Produktionen internationaler und österreichischer Künstler aus den Bereichen Performance, Tanz, Theater, bildende Kunst und Musik. Seit 2012 verantwortet Angela Glechner als Intendantin und kaufmännische Leiterin der Szene Salzburg das Programm. Sie konnte in den vergangenen Jahren Arbeiten renommierter Künstler wie Jérôme Bel, Anne Teresa De Keersmaeker, Boris Charmatz, Mette Ingvartsen und Tino Sehgal in die Stadt holen. Aber ebenso österreichische und lokale Größen wie den in Salzburg gebürtigen Choreografen Philipp Gehmacher, Konzeptkünstler und Performer Julius Deutschbauer oder die rabtaldirndln. Auch das diesjährige...

Das International Performing Arts Festival Sommerszene in Salzburg bildet einen kleinen, aber feinen Kontrapunkt zu den Festspielen der Stadt

Kein Tanz, kein Paradies

R Ä U M E

Der Beginn der neuen Spielzeit fällt mit den Wahlen zum Deutschen Bundestag zusammen. Für Theater der Zeit eine Gelegenheit, das Verhältnis von Theater und Politik genauer in den Blick zu nehmen und kritisch zu befragen. Kann man angesichts der Erfolge rechstpopulistischer Parteien von einer Krise der Demokratie sprechen? Oder täuscht nicht die Ausrufung der Krisen aller Teilbereiche der Gesellschaft über den großen krisenhaften Zusammenhang der kapitalistischen Weltgesellschaft hinweg? Ein solch...

Engagiertes, politisches Theater entsteht dort, wo die wesentlichen Fragen gestellt werden. Sie müssen nicht unmittelbar präsentiert werden, sie müssen aber in dem Prozess des Schaffens eine Rolle gespielt haben. Mich zum Beispiel treibt ein Unbehagen an. Wenn Ereignisse aus dem Fokus der medialen Aufmerksamkeit verschwinden, weil die Medien neue Schlagzeilen produzieren müssen, habe ich als Künstler das Privileg der Wiedervorlage – versehen mit meinen Fragen. Aus dem Unbehagen entstehen Fragen, und aus der Recherche entsteht Material, und dann muss man eine spezifische, vom Medium abhängige künstlerische Form finden. Aber zuerst ist die Notwendigkeit vorhanden, sich mit Dingen eingehend zu beschäftigen, Dingen, die meist nicht (mehr) im Fokus eines medialen Interesses stehen. So war das für mich bei der Auseinandersetzung mit Rechtsextremismus in meinem Stück „Der Kick“ über den Mord an einem 16-Jährigen durch drei Neonazis in Brandenburg. Ich habe mit meiner Arbeit zwei Jahre nach dem Prozess begonnen. Die Erregung, die Empörung und die Fassungslosigkeit waren verschwunden, und das gab mir die Möglichkeit, jenseits davon Strukturen sichtbar zu machen – politische, historische, ökonomische und auch individuelle Strukturen, die zu dieser Tat geführt haben. So die Besitzverhältnisse: Welche Rolle hat in dem Dorf ein Investor gespielt? Der ist zwar nicht für...

Das Theater kann Vorgänge sichtbar machen, die im hysterischen Medienbetrieb unterbelichtet bleiben – zum Beispiel die tief greifende Krise unserer Ökonomie und Demokratie

Welt aus den Fugen

Herzlichen Glückwunsch, Katrin Brack, zum Goldenen Löwen. Zum ersten Mal, seit dieser Preis der Venedig Biennale auch in der Kategorie Theater vergeben wird, erhält eine Bühnenbildnerin für ihr Lebenswerk diese Auszeichnung. Wie geht es Ihnen damit? Ich bin überwältigt, daran hab ich im Traum nicht gedacht. Ehrlich gesagt war die Theaterbiennale bisher gar nicht so präsent für mich. Und nun staune ich in Venedig über die großartige Atmosphäre, über interessante Arbeiten, die hier zu sehen sind, und wer in der Vergangenheit schon da war: Rimini Protokoll, Christoph Marthaler, Thomas Ostermeier, Pina Bausch. Goldene Löwen der Kunstbiennale gingen auch schon an Künstler wie Tino Sehgal und Christoph Schlingensief. Jetzt erhielten Anne Imhof und Franz Erhard Walther die begehrte Trophäe. Theaterbasiertes Arbeiten macht im Kunstbetrieb die Runde. Was sagen Sie zu dieser Annäherung? Performative Arbeiten haben in der Kunst eine lange Tradition, man denke nur an Dada, Fluxus, Happening, Wiener Aktionismus oder die Performance Art. Bildende Künstler haben auch immer wieder für das Theater gearbeitet. Umgekehrt orientieren sich natürlich auch die Theaterleute an der bildenden Kunst. Es gab also immer schon eine wechselseitige Annäherung oder Beeinflussung, und sowohl in der Kunst als auch im Theater waren und sind diese Schnittstellen besonders interessant...

Was macht das Theater, Katrin Brack?

Die letzte Regiearbeit, die ich von Friedo Solter sah, war vor einigen Jahren eine Abschlussinszenierung des Europäischen Theaterinstituts. Das ist eine private Schauspielschule in Berlin (die dieses Jahr ihr zwanzigjähriges Jubiläum feiert), wo Schauspielschüler sich durchzuboxen lernen in einem Beruf, der Kopf und Körper gleichermaßen fordert. Hierher passte er. Denn wer Angst hat, anzuecken, sich den Leib schrundig zu reiben, der lasse es lieber. Da saß er also, klein und massiv, mit Schal und Mantel gegen die Kälte im Raum, vor seiner Thermoskanne. Ob die Studenten, alle Anfang zwanzig, wussten, wer hier ihr Regisseur war? Das ist das grausame Faszinosum am Theater: Die Meriten von gestern zählen nicht, Auftritt ist immer hier und jetzt. Und trotzdem, so paradox es klingt, bildet das Theater ein Bollwerk gegen die Herrschaft einer gedächtnislosen Gegenwart. Gerade das Theater, wie Solter es versteht, hat Spuren hinterlassen, Narben und Striemen auch, in jenem Geschichtsleib, dessen Teil wir doch sind. Es ist nicht falsch zu sagen, Friedo Solter sei mit seinen Inszenierungen am Deutschen Theater Berlin der sechziger, siebziger und achtziger Jahre ein „wuchtiger Traditionalist“ (Hans-Dieter Schütt) gewesen. Es ist aber auch nicht richtig. Denn schon sein „Wallenstein“ (beide Teile), der 1979 herauskam, empörte die Hüter der...

Dem Regisseur Friedo Solter zum 85. Geburtstag

Schöpfer imaginärer Seelenlandschaften

Bühnen und Bilder

Das Ährenfeld als stille Utopie

Schauspiel Essen: Unnachgiebig behutsam

Mit einem Päckchen voll Handwerk, Ideen und Motivation gehe man aus der Schauspielschule in die Welt – und trage dann Verantwortung. So sagte es Mattea Cavic, die Vertreterin der Studierenden zur Eröffnung des diesjährigen Bundeswettbewerbs deutschsprachiger Schauspielstudierender in Stuttgart. Im dortigen Theaterhaus versammelten sich vom 25. Juni bis zum 2. Juli 19 staatliche Schauspielschulen des deutschsprachigen Raums, um anhand ausgewählter Inszenierungen ihrer Studierenden den Stand der Ausbildung zu zeigen – und zu diskutieren. Die gastgebende Schule aus Stuttgart mühte sich eröffnend mit Fassbinders „Katzelmacher“ und vor allem der idiomatischen Sprache des Stücks – und setzte die Agenda: das Verhältnis von Gesellschaft und Einzelnem angesichts der jüngeren politischen Entwicklungen. Aus Graz kam die Stückentwicklung „My Lovely Europe. Ein Heimatabend“, die mit Tempo und Witz Szenen aneinanderreihte, in denen das Zeitgeschehen verhandelt wurde – und die Spieler sich auch selbst auf der Bühne zum Gegenstand ihres Spiels machten. Dass sich Weltoffenheit und soziale Geschlossenheit nicht ausschließen („fühl dich wohl in deiner Schicht“), war ebenso Thema wie die moralische Selbstbestätigung in der Sphäre der Kultur („im Theater sind wir alle bessere Menschen“). Die Freiheit im Spiel drückte sich auch in der zum Gegenstand aus, alle Begriffe der Debatte um Europa wurden kritisch demontiert....

Das Treffen deutschsprachiger Schauspielstudierender in Stuttgart

Ich und die Wirklichkeit

Während Sie im Theater sitzen, begeben sich 40 000 Menschen auf die Flucht. Das sind etwa 24 flüchtende Menschen pro Minute. Derzeit befinden sich 22 Länder im Krieg. Die Hälfte der syrischen Bevölkerung befindet sich auf der Flucht. Im Krieg mit der FARC wurden in Kolumbien 250 000 Menschen getötet, es gibt fast 7 Millionen vertriebene Menschen. Diese Zahlen, die erschüttern und doch immer auch abstrakt bleiben, bilden den, im wahrsten Sinne des Wortes, roten Faden der mexikanischkolumbianischen Ko-Produktion „Mare Nostrum“ von Laura Uribe, die im Rahmen des diesjährigen Festivals Theaterformen in Hannover zu sehen war. Es ist ein heftiger Abend, gelegentlich zynisch, doch vor allem eines: ein berstender Schrei der Ungerechtigkeit, der eigenen Ohnmacht. Entlang von dokumentarischem und (vermeintlich) autobiografischem Material der Performer entwirft die Regisseurin mit ihrem Teatro en Código („kodiertes Theater“) ein multimediales Essay zum Meer als Ort der Sehnsucht und des Todes. Die Texte richten sich zumeist an einen Pinguin mit Namen „Senõr Puta“ als Stellvertreter der Gauner und Ganoven dieser Welt. Wir blicken auf wohlhabende Urlauber mit Kaviar und Cocktail, deren Sonnenbad von einer angeschwemmten Frau, die gerade ihr Kind gebärt und dabei stirbt, unterbrochen wird. Auf einer kleinen Strandbühne feiern Lokumbianer (Kode für Kolumbianer)...

Festival Theaterformen: Zuschauen und Handeln in der Festung Europa

Wider die Ohnmacht!

Dramaturgie der Solidarität

Ist Schiller aktuell oder doch schon historisch? Vielleicht weder das eine noch das andere. Am Nationaltheater Mannheim hat man eine andere, treffende Zuordnung gefunden: zeitlos. Während mancher Künstler dem Reflex verfällt, die Diskussion um die Selbstbestimmung des Menschen allzu schnell auf die Überwachungsmechanismen der digitalen Spätmoderne zu beziehen, zeigen die Aufführungen bei den diesjährigen Schillertagen Freiheit als Urthema des Individuums selbst. Dass sie in den Dramen des Dichters der Weimarer Klassik gerade jenen abhandenkommt, die vermeintlich am ehesten über sie verfügen, offenbart ihre Nähe zum Begriff der Verantwortung. Herrschaft bringt nicht zwangsläufig mehr Handlungsspielraum, sondern wirkt wie ein sich immer weiter zuschnürendes Korsett, wie auch Elisabeth in Andreas Kriegenburgs Inszenierung der „Maria Stuart“ (Münchner Kammerspiele) feststellen muss. Entgegen traditionellen Lesarten gelingt es dem Regisseur, von Anfang an die Sympathie auf die ungeliebte englische Königin, zerrissen zwischen Volkswillen und humanistischer Gesinnung, zu lenken. Sowohl sie als auch ihre mit Schönheit assoziierte, titelgebende Antipodin befinden sich abwechselnd vor derselben Kulisse: Mauerwände umgeben den Bühnenraum als eindrucksvolles Gefängnis zweier Frauen, die beide nicht über ihren Schatten springen können. Leider bleibt das Spektakel selbst zu sehr seiner eigenen Statik verhaftet. Mehr Mut zu starken Bildern jenseits der monumentalen Begegnungsszene der beiden Diven am Höhepunkt...

Die Schillertage am Nationaltheater Mannheim umkreisen die Autonomie des Individuums

Das Ich ist die Freiheit

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Es gibt jene Leute in dieser Bergregion im südlichen Marokko, die lassen sich mittlerweile für ihre Geschichte von Journalisten bezahlen. Illegale Migranten, die es verstanden haben, die Frage zu stellen: Wem gehört die Geschichte? Doch who owns my story wird zu who owns history? Und wer ist der Direktor der Wirklichkeit? Diese Frage, die Rolf Dieter Brinkmann so ausführlich zu stellen pflegte, schließt sich ja gleich an. Das sind mittlerweile als allgemein und bodenständig anerkannte Fragen. Wenigstens für die eigene Geschichte möchte man schon bezahlt werden. Nur, wer kann sie bezahlen? Und wird sie dann nicht erst recht enteignet? Zynische Fragestellung im Rahmen der vorherrschenden Eigentumsasymmetrien? Ich habe mich frei nach Marcel Beyers „blindgeweintem Jahrhundert“ in letzter Zeit für Tränen interessiert. Wer weint wann und wo? Denn das ist gar nicht mehr so eindeutig. Die öffentlichen Tränen wandern. Und sie wandern vermutlich seit jeher. Warum habe ich das Gefühl, es sind die falschen Stellen, an denen geweint wird? Überraschende, peinliche, scheint mir. Es gibt plötzliche Tränenmomente in den Geschichten einer sehr theoriefixierten Person, wo es platt wird. Es gibt Umschlagspunkte im Weinen. Und das sentimentale Weinen, jenes, das für die anderen immer mitweint, wo man besser Abstand gehalten hätte....

Who owns history?

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Anfangszeiten der Inklusion

Den Schauspielern möglichst nah sein! So ließe sich, etwas salopp formuliert, die formale Richtschnur beschreiben, entlang derer Rodrigo Francisco das Programm des diesjährigen 34. Festivals de Almada zusammengestellt hat. Im Zentrum stand die norwegische Produktion „Hedda Gabler“ des Visjoner Teater um Schauspielerin Juni Dahr. Die Mischung aus ortsspezifischer Kunst und klassischem Illusionstheater wurde 2011 in einer Sommerhütte in Oslo inszeniert. Das Publikum ist hier gleichsam im fiktiven Hause Tesman zu Gast und folgt den Figuren durch ihre Zimmer. Die angestrebte Intimität entsteht weniger durch Interaktion als durch die physische Nähe im geteilten Bühnenraum. Zudem präsentierte das größte staatlich finanzierte Theaterfestival Portugals, das vom 4. bis 18. Juli in Almada, einem kleinen Vorort Lissabons auf der anderen Uferseite des Tejo, stattfand, in diesem Jahr schwerpunktmäßig portugiesische Produktionen (11 von 27). Einen künstlerischen Höhepunkt bildete die Performance „Operários“ von Miguel Moreira und Romeu Runa, einem langjährigen Tänzer bei Alain Platel. Im Teatro-Estúdio António Assunção, einer Bühne für experimentelle Formen, zeigten die beiden vor zwanzig Jahren mit ihrer Gruppe Útero erste Arbeiten. Nun kehren sie zurück. Nicht nur zu den künstlerischen Anfängen, sondern auch in ihre Geburtsstadt, in der mit Lisnave auch eines der größten portugiesischen Schiffsbauunternehmen beheimatet ist. Ebenjenen Arbeitern (operários...

Das 34. Festival de Almada in Lissabon rückt nicht nur dem Zuschauer auf den Pelz, sondern auch der Kolonialgeschichte des eigenen Landes

Auf Tuchfühlung

Dies ist kein spektakuläres Ereignis. Man betritt einen leeren großen Raum in der ohnehin nüchternen Düsseldorfer Kunsthalle und erblickt fünf Akteure in Trainingsklamotten – zwei Frauen, drei Männer –, die sich dort bewegen, als würden sie sich auf ein Match einstimmen. Keine Dekoration, keine Requisiten. Kein Videoscreen. Keine Stühle für die Zuschauer. Kein Netz oder doppelter Boden. In einer Ecke stehen fünf Mineralwasserflaschen. Kaum ist man anwesend, hat sich zu orientieren versucht, wird man angesprochen: „Sie dürfen einen anderen Beginn wählen.“ Die Arbeit der rumänischen Künstlerin Alexandra Pirici, Jahrgang 1982, ist eine fortlaufende Performance, deren Module immer wieder neu montiert werden können. Sie handelt von „delikaten Instrumenten des Engagements“, so die Übersetzung des englischen Titels. Gemeint sind signifikante ikonografische Handlungen oder Szenen, seien sie politischer oder künstlerischer Natur – Szenen, die Geschichte geschrieben haben. Florian Malzacher hat Piricis Arbeit für die vierte und letzte von ihm kuratierte Ausgabe des Impulse-Festivals in Köln, Düsseldorf und Mülheim ausgesucht als bewusste Reverenz an die arte povera und an eine dezidiert politische Auffassung der Kunst, wie sie überhaupt seinem Konzept freien Theaters entspricht. Die meisten der gezeigten Szenen kommen ganz ohne Text aus. Die Körper der fünf Akteure formen und verdichten sich zu lebenden...

Festival Impulse: Alexandra Piricis Performance „Delicate Instruments of Engagement“ erkundet ikonografische Bilder aus Kunst und Politik

Die Verhüllung des Krieges

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Hasko Weber, was kann das Theater in einer gesellschaftlichen Situation, wie sie zurzeit existiert, machen? Wie kann es sich gegenüber Rechtspopulismus und rechten Bewegungen verhalten? Sie sind Intendant in Weimar. In einem Interview sagten Sie einmal, dass das Auseinanderdriften der Gesellschaft in Weimar selbst wenig zu spüren ist, wenn man aber ins Umland ginge, würde Ihnen schon himmelangst werden. Was erleben Sie denn da? Seit dem von Ihnen angesprochenen Interview ist ein Jahr vergangen, und die Situation hat sich verändert. Für ein kleines Land wie Thüringen mit nur zwei Millionen Einwohnern, eher ländlich als städtisch geprägt, war der große Zuwanderungsschub deutlich spürbar. Viele der Geflüchteten, die 2015 und 2016 bei uns ankamen, sind inzwischen in andere Regionen weitergezogen, vor allem in größere Städte. Die bereitgestellten Unterkünfte standen rasch leer, und die aggressive Frustration in verschiedenen Teilen der Bevölkerung ist auf ein normales Level zurückgefallen. Das normale Level aber ist nicht unproblematisch, weil der ideologische Missbrauch dieser Situation in den Programmen einzelner Gruppierungen, aber auch einer Partei wie der AfD anhält. Es gib eine rechtsorientierte Klientel in Thüringen, wie im Übrigen in unserer Gesellschaft insgesamt. In Weimar selbst sind die städtischen Institutionen wie Bauhaus-Universität, Gedenkstätte Buchenwald, Hochschule für Musik Franz Liszt,...

Die Demokratie und das Theater brauchen den Mut zur Kontroverse – Hasko Weber, Intendant des Deutschen Nationaltheaters Weimar, im Gespräch mit Dorte Lena Eilers und Jakob Hayner

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

Meldungen

„Entzünde dich an Enthusiasmus, und die Leute werden von überall kommen, dich brennen zu sehen …“ John Wesley Stille, Dunkel. Ein Mann sitzt auf einem Stuhl auf der Bühne. Neben ihm ein kleiner Tisch mit einer Flasche Wasser, einem kleinen gerahmten Gemälde und einer schmalen, langhalsigen Vase, in der eine Blume steht. Der Mann lächelt uns an. Wartet. Spricht dann: MANN: … um eins klarzustellen, und ich denke, darauf können wir uns einigen, als Ausgangspunkt: Hitler hat verloren. Ist so. Er hat den Krieg verloren, und deswegen wurde er zu einer der verrufendsten Personen der Weltgeschichte … Wartet. Liege ich damit falsch oder nicht? Wenn ja, widersprechen Sie mir bitte … lassen Sie mich hören, was Sie darüber denken, und danach fahren wir fort. Wartet. Na? Ich mein’s ernst … wirklich … fallen Ihnen viele andere Personen ein, über die mehr üble Scheiße geschrieben wurde als über diesen Typ? Egal, ob jetzt zu Recht oder Unrecht … gibt es irgendwen da draußen, der eine noch schlechtere Presse hat als Adolf Hitler? Wartet. Nein. Eben. Selbst wenn man das anders sieht als ich – und bestimmt gibt es solche Leute, muss es ja –, haben sie nicht die Eier, vorzutreten und...

Deutsch von Kerstin Daiber

Das vierte Reich

Der Spielort im Berliner Norden ist bereits ein Volltreffer in Sachen Heimatkunde. Nebenan befinden sich das Landesarchiv und die Wehrmachtsauskunftsstelle in den Gebäuden einer ehemaligen Waffen- und Munitionsfabrik, dazwischen eine riesige Lagerhalle, von der aus dieselschwere Laster die Aldi-Supermärkte beliefern. Ein Theater würde man in diesem Ambiente nicht vermuten, nicht einmal temporär – und schon gar kein sogenanntes Nationaltheater. Und doch richteten hier ab Februar dieses Jahres Ida Müller und Vegard Vinge mit einer größeren Gruppe von Mitstreitern ihr Theater ein, als Beitrag zum Programmschwerpunkt Immersion der Berliner Festspiele, die damit ihr internationales Festival Foreign Affairs ersetzt haben. Wer dachte, dass man in Berlin mit weit entlegenen S-Bahn-Werkstätten und Busreparaturhallen oder Flughafenbrachen schon das Maximum der seltsamen Theaterspielorte erreicht hätte, durfte staunen. Am Eichborndamm wähnte man sich sofort in einer kulturfernen Grauzone des Übergangs in eine andere Welt. Das Vinge-Müller-Theater hatte sich im Frühjahr 2011 im Prater der Volksbühne eingerichtet, zunächst für Ibsens „Wildente“, die man gleichsam von draußen wie im Diorama über die Länge von zwei Wochen erleben konnte (mit kleinen Ruhezeiten). Das war noch ein Geheimtipp und auch auf ein Zufallspublikum in der Kastanienallee gerichtet – ganz ohne die bei Theaterproduktionen üblichen Vermittlungsanstrengungen. Ein halbes Jahr später kam...

Vegard Vinge und Ida Müller präsentieren im Nationaltheater Reinickendorf „Baumeister Solness“ als immersives Gesamtkunstwerk

Die Ibsen-Explosion

Guilt-Trip durchs Vogtland

In „The Trip“ erzählt Anis Hamdoun die Geschichte von Ramie, der dem Krieg in Syrien entkommen ist und nun in Deutschland lebt. In Sicherheit, eigentlich. Doch die Vergangenheit lässt Ramie nicht los. Die Stimmen seiner Freunde, die getötet wurden, leben in seinem Kopf weiter. Ramie ist zerrissen zwischen Freiheit und Schuldgefühlen. Auch Hamdoun ist ein Geflüchteter, wie Ramie. Was läge also näher, als zu vermuten, dass Autor und Figur ein und derselbe sind? Doch der 32-Jährige wiegelt ab. Er erzähle in dem Stück einen Teil von sich, einen Teil von anderen und einen Teil einer gemeinsamen Geschichte. Ramie ist also nicht Anis. Aber Ramies Freunde, „die sind echt“, sagt Hamdoun. Der Autor und Regisseur hat selbst Freunde durch Assads Waffen verloren. 2012 nahm er an einer Demonstration gegen den syrischen Präsidenten teil, wurde verletzt und verlor sein linkes Auge. Über Ägypten konnte Hamdoun nach Deutschland fliehen, Ende 2013 kam er nach Osnabrück. Hamdoun ist mit dem Theater aufgewachsen. Obwohl er 2004 ein Chemie-Studium aufnahm, verbrachte er die meiste Zeit als Ko-Regisseur und Schauspieler im Theater. Sein Großvater Farhan Bulbul, einer der bekanntesten Theaterautoren und -wissenschaftler im arabischen Raum, bildete ihn aus. Neben seinem Studium und seiner Arbeit am Theater unterrichtete...

Der syrische Regisseur und Autor Anis Hamdoun spielt frech mit den Klischees und Abgründen der Willkommenskultur

Gegen die Fremdheit

Maxi Obexer beschreibt ihre Enttäuschungen über Europa. Sie wechselt munter die Perspektiven, nur die Enttäuschung bleibt. Es ist schon bizarr. Ausgerechnet in einer Ankündigung zur Lesung eines ihrer Texte, in dem die in Südtirol geborene Obexer über den Empfang der Einbürgerungsurkunde in die Bundesrepublik Deutschland berichtet, wird sie als italienische Autorin klassifiziert. In Rom spricht man ihr, so schreibt sie, aber das Italienischsein ab. Ihre Großeltern hatten einst das Italienischsein abgelehnt, weil das damals ein Bekenntnis zu Faschismus und Mussolini bedeutet hätte. Die Welt, oder auch nur Europa, ist komplex. Sollte man es vergessen haben, so wird man in Obexers jüngstem Buch „Europas längster Sommer“, mit dem sie für den Bachmann-Preis 2017 nominiert war, daran erinnert. Und solange die Autorin bei den biografisch nahen Begebenheiten bleibt, über das Fremdsein in Bozen und Brixen, in Berlin und Rom sowie im Zug von der Südtiroler Gemeinde Franzensfeste bis ins bayrische Rosenheim schreibt, lässt man sich gern daran erinnern. Man nimmt die immer wieder abgerissenen Erzählfäden mit Freude auf, verknüpft sie, assoziiert, lässt sie manchmal auch unverbunden hängen, weil ein Verbinden nur die Illusion von Intaktheit erzeugen würde. Oft aber zieht Obexer noch andere Erzählebenen ein – mit Material aus zweiter, dritter und...

Maxi Obexer: Europas längster Sommer. Verbrecher Verlag, Berlin 2017, 112 S., 19 EUR.

Mein Südtirol, dein Syrien

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Nach der spektakulären Aktion „Flüchtlinge fressen“ mit drei Tigern vor dem Berliner Maxim Gorki Theater hat sich das Zentrum für Politische Schönheit (ZPS) in die Münchner Kammerspiele begeben, wo die Aktion „Scholl 2017“ stattfand. Vom 26. bis 30. Juni konnten sich 14- bis 24-jährige Jugendliche (mit deutschem Pass) um einen Freiflug in eine Diktatur ihrer Wahl bewerben, um dort Flugblätter zu verteilen, die zum Regimesturz aufforderten. Reiseziele waren autokratische Systeme wie die Türkei, Saudi-Arabien, Russland, Sudan, Eritrea, Usbekistan, Syrien, Simbabwe und Tschetschenien. Gleichzeitig wurde ein Wettbewerb ausgeschrieben, um das beste Flugblatt gegen eine Diktatur inklusive verklausuliertem Aufruf zum Tyrannenmord zu küren. Initiiert wurde die Aktion vom neu gegründeten Bayerischen Staatsministerium für Bildung, Kultur und Demokratie – eine Erfindung des ZPS. In dessen Namen wurde eine hochwertige Broschüre an alle bayerischen Gymnasien verschickt, die Lehrmaterial zu den Geschwistern Scholl und der Widerstandsgruppe Weiße Rose sowie Fragestellungen zum heutigen Demokratieverständnis enthielt. An zwei Tagen wurde in den Kammerspielen Ersatzunterricht zu den genannten Ländern angeboten sowie das beste Flugblatt prämiert. So weit, so naheliegend. Dann wurde es seltsam. Auf der Pressekonferenz zur Aktion ergriff ein Journalist die bereitstehende moralische Keule und wendete sie gegen das ZPS: Herr Ruch sei ein „Granatenarschloch“. Jugendliche in...

Wie das Zentrum für Politische Schönheit seine Schärfe verlor

Kinderkreuzzüge und Oberklasseautos

Mit heruntergelassenen Hosen kniet Benny Claessens auf einer steinernen Berner Bühne. Die Performance des Belgiers beim Theaterfestival Auawirleben – diesjähriges Thema: overexposure – neigt sich spürbar dem Ende zu. Und Claessens’ overexposure, seine Enttarnung, erreicht in „Hello useless – for W and friends“ gerade den Höhepunkt. Leidend wirkt sein halbnackter Vierfüßlergang unter dem glitzernden Schriftzug „Joy“ in einem Gebäude, das mal ein Schlachthaus war. Sein Augenrollen, das Tänzeln und herausbrechende Lachen, das kokett berechnende Spiel mit der Bedeutungslosigkeit – alles passé. Ist das der bleierne Schluss seines leichtfüßigen Vorhabens, jeden Bühneneffekt und die schön gesungenen Songs ins Leere laufen zu lassen? Ein einzelner Zuschauer klatscht. „Denkst du, du kannst das machen, nur weil hier jemand nackt auf der Bühne ist?“, fragt Claessens sichtlich überfordert. Antwort: „Ja, ich denke.“ Claessens, der gerade scheinbar weder denken noch klatschen für angebracht hält, befeuert ihn schnippisch: „Dann mach weiter!“ Der Zuschauer stellt sich einsam applaudierend selbst aus, eine eigenartige Situation, unter der nun alle Anwesenden leiden. So erhält der Abend eine starke Wendung, und nach dem richtigen Applaus gibt sich auch Claessens zufrieden. Schlussendlich waren auch die allerletzten Hüllen gefallen, zeigten ihn verletzlich. Overexposure ist einer dieser typisch mehrdeutigen Begriffe, unter denen Auawirleben...

Schlingensiefiaden und Performer im Vierfüßlergang – das Theaterfestival Auawirleben in Bern

Gut getarnt ist halb verraten

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Auf der Bühne vollzieht sich der erste Auftritt des Schlitzertaxifahrers in einem hellblauen Uniförmchen. Es ist die achte Ausgabe seiner Poetikdozentur zur Straßenverkehrsordnung, und die ersten sieben haben wir verpasst. Er wirkt so mild, als wollte er an uns riechen, versichert sich mit einem schnellen Rundblick der Aufmerksamkeit des Auditoriums und sagt: „Die Urteilskraft ist die Vermittlungsinstanz zwischen Verstand und Vernunft, sie ist immer in Bewegung und wird von einem Verbrennungsmotor angetrieben. Es waren die Krise der Intuition und das Misstrauen in die Möglichkeiten einer autonomen Deutung, die die Urteilskraft anwiesen, sich zu informieren, was in erster Linie zu einer gewaltigen Überproduktion von Metatext führte. Hören Sie mir zu! Jede potenzielle Verstörung war zunächst als beabsichtigt auszuweisen, am ästhetischen Horizont musste unbedingt bekannt gegeben werden, dass der Künstler sich der Problematik, die er aufrief, bewusst war. Die Urteilskraft wurde täglich dünnhäutiger, wie ein Wiesel flitzte sie zwischen Verstand und Vernunft hin und her, als wollte sie ihre eigenen Wege mit jeder neuen Wiederholung löschen. Existierende Stereotype machten indes unbeschadet weiter und setzten sich in den Räumen der Entmischung fort. Dies hatte weitere Spaltungen zur Folge. Zwei Kolben befanden sich am oberen Totpunkt, die beiden anderen stockten am unteren Totpunkt. Vorfabrizierte...

Reisebüro Rinck: Kritik der Motorkraft

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

The Ghost, The Voice, The Faceless

Die Zukunft nebenan

da ist (unweit von Hooksiel), aus dem aufsteigend, was da aufsteigt schwarz aus der schwarzen See (ja, Tage zuvor war dieses Meer noch grün, likörgrün, viktoriagrün, Bergisch Grün), und grün (jägergrün, olivgrün, Schweinfurter Grün) waren auch die Wellen, die da von der Flut an Land gespült wurden, (doch hin und wieder zeigt sich auf ihren grünen Kämmen durchaus ein wenig Gelb, Marsgelb, Postgelb, Seitenstettner Gelb, und Grün (bis auf die Stellen (die Kuhlen, die man in sie gegraben hatte?), die leuchteten braun (hellbraun, kastanienbraun, Kasseler Braun) aus diesem Grün) war auch die Düne, die sich da rechts hinzog bis ..., und einmal lag auf dem grauen (zementgrauen, taubengrauen, mausgrauen) Meer eine gelbe (neapelgelbe, narzissengelbe, barockgelbe) Wolke, die tagelang nicht weiter kam, und einmal war hier alles so grau (aschgrau, flohfarbengrau, schiefergrau), dass man nicht unterscheiden konnte, was ist hier Strand, was ist hier Meer, und was ist hier Ferne ... dieser (ägyptisch blaue, luisenblaue, eisblaue, kadettenblaue, miloriblaue, chinesisch blaue, preußisch blaue an seinen Rändern aber durchaus auch melonengelbe, tizianrote, violette) HIMMEL, der auf seine Schauspieler wartet ... August 2017

Ein Bühnenbild Geros

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Kein Tanz, kein Paradies Das International Performing Arts Festival Sommerszene in Salzburg bildet einen kleinen aber feinen Kontrapunkt zu den Festspielen der Stadt Es wird ein Schock für die Salzburger sein, wenn sie in diesem Jahr nicht auf die gefühlten 340 Regentage jährlich kommen. Denn schon Ende Juni glich ein Besuch der Stadt eher einem Aufenthalt in den Tropen. 36 Grad, Sonnenschein, 60 Prozent Luftfeuchtigkeit, tagelang. Nicht schockiert aber überrascht...

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

Was die antiken Tragödien auch für unsere Gegenwart so faszinierend macht, ist der Einblick in den inneren Zerfall von Gesellschaften. Nehmen wir zum Beispiel „Die Bakchen“ von Euripides. Der tragische Untergang des Herrschers von Theben weckt unser Interesse. Pentheus ist im Grunde ein recht aufgeklärter Herrscher, weder abergläubisch noch tyrannisch. Und doch führt sein Verhalten zu einer fatalen Konsequenz, nämlich dass Teile der Bevölkerung sich außerhalb der schützenden wie einschränkenden Mauern der Stadt begeben und es letztlich zu einem Aufstand gegen die Polis kommt – mit hässlichem, weil tödlichem Ausgang. Dass die Ankunft des Dionysos einen derartigen irrationalen Aufruhr hat auslösen können, bleibt Pentheus unverständlich, bis er zuletzt selbst dem Reiz erliegt. Dass die Zivilisation auf Entsagung gebaut ist, lässt den Stachel des Triebverzichts zurück, der sich dann irrational Bahn bricht. Wir sehen hier, was Sigmund Freud – der hellsichtige Beobachter der Psychodynamiken moderner Vergesellschaftung – das „Unbehagen in der Kultur“ nannte, wobei er mit Kultur die Zivilisation meint. Freud bemerkt in seiner Schrift „Die Zukunft einer Illusion“, dass ein „dauerndes Maß von Unzufriedenheit“ innerhalb der Kultur zu „gefährlichen Auflehnungen“ führen mag. Freud nahm an, dass das aus der Entsagung hervorgehende Unbehagen nicht nur einen allgemeinen Charakter hat, sondern sich...

Wie sich Zivilisationsfeindschaft und Lust an der Katastrophe entwickeln

Das Unbehagen in der Demokratie

Die einzige Strategie, die ein Mensch, der sich von äußeren Umständen völlig überfordert und verloren fühlt, im Angesicht seiner menschlichen Ohnmacht verfolgen kann, liegt in der Dokumentation seiner Wahrnehmung dessen, was um ihn herum und in ihm geschieht. Auf dieser These basiert „Während ich warte“ des syrischen Dramatikers Mohammad Al Attar, das vor ein paar Monaten bei den Wiener Festwochen gezeigt wurde. Das diesjährige Dramatiker|innenfestival des Schauspielhauses Graz in Kooperation mit uniT Graz, dem Verein für Kultur an der Karl-Franzens-Universität, scheint in dieselbe Kerbe zu schlagen. Anhand des Festivalthemas „Privatsache“ entfalten sich nicht nur Inhalte, sondern auch Formen und Formate, die scheinbar einen Rückzug ins Private konstatieren. Von Rückzug zu sprechen, legt allerdings eine falsche Fährte. Keineswegs wird sich in den jungen, neuen Arbeiten, die das Festival auf verschiedenartige Weisen ausstellt, von einem politischen Kampfplatz zurückgezogen. Vielmehr stellen die jungen europäischen Denkerinnen und Denker hinter den dramatischen, lyrischen und prosaischen Texten eine neue Kampflinie her. Dem politischen Populismus setzt man detaillierte Innenschauen entgegen. Man kämpft, wo man kämpfen kann. Raus auf die Straße oder zurück ins Private? Diese Frage stellt das Festivalthema nicht nur den internationalen Dramatikern, von denen mehr als fünfzig ihren Weg ins frühsommerlich strahlende Graz gefunden haben,...

Kämpfen, wo man kämpfen kann – das Dramatiker|innenfestival in Graz

Privates Schreiben in Zeiten überschäumender Politik

Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

Der Kultur-Kahlschlag droht

„Wie lange / Dauern die Werke? So lange / Als bis sie fertig sind. / Solange sie nämlich Mühe machen / Verfallen sie nicht.“ Bertolt Brecht: Über die Bauart langandauernder Werke Wann das Berliner Ensemble administrativ begann, lässt sich bestimmen; es geschah am 1. April 1949, als das Politbüro der SED beschloss, „ein besonderes Ensemble unter Leitung von Helene Weigel zu bilden“. Die Frage, wann es endete, ist sehr viel schwerer zu beantworten. Aber hat es denn überhaupt geendet? Der Neonröhrenkreis mit den beiden Schriftzeilen, entworfen von Peter Palitzsch, der 1949 als Grafiker und Dramaturg in Brechts Truppe eintrat, dreht sich noch immer auf dem dazu verkürzten Turm des kriegsverschonten Theaters. Das Wahrzeichen ist längst zu einem Markenzeichen geworden, das ist der Lauf der Welt und in diesem Fall der eines einstigen Welterfolgs; die Frage ist (aber es ist nicht wirklich eine Frage), ob es nicht längst eine Mogelpackung bezeichnet. Der Karikaturist Herbert Sandberg zeichnete einmal Brecht, wie er im Innern des Turms sitzt und den Leuchtkreis durch eine Spindel in Drehung versetzt – das traf es im Kern, und man kann sich fragen, ob das Berliner Ensemble nicht schon endete, als er dort nicht mehr an der Kurbel drehte....

Eine Zeitreise vom Anfang bis zur Gegenwart

Wie lange dauerte das Berliner Ensemble?

Was macht das Theater, Thomas Köck?

Zu Beginn des Jahres 2017 konnte, wer wollte, in den Berliner Sophiensaelen an einem „Social Bootcamp“ der Künstlergruppe Social Muscle Club teilnehmen. Die aus „einem privaten Happening“ entstandene Veranstaltung bot laut Eigenwerbung „zahlreiche Übungseinheiten für die sozialen Muskeln wie Geben und Nehmen, Einsatz und Engagement, Offenheit und Authentizität“. Die Besucher sitzen mit Fremden am Tisch, man notiert auf Zetteln, was man sich von den anderen wünscht und was man im Gegenzug zu bieten hat, ein Lied zum Beispiel, eine Massage, ein Gespräch über das Glück oder einen gemeinsamen Spaziergang. In einer anderen „Übungseinheit“ sitzt man mit verbundenen Augen am Tisch und erzählt einander seine Träume. Oder man erlebt, was eine Reporterin des Regionalsenders RBB in einem Bericht über die Veranstaltung im Vollbesitz des gängigen Renommiervokabulars eine „Kochperformance“ nennt. Um was es an diesem Abend in einem Off-Theater geht, erklärt eine der Veranstalterinnen, die Schauspielerin Rahel Savoldelli, so: „Das Leben ist ein ongoing Fitnesscenter“, in dem „wir die ganze Zeit trainieren sollen“. Dieser Aufruf zur Selbstoptimierung ist selbstverständlich rundum positiv und nicht etwa kritisch gemeint. Wer einen Abend lang in den Sophiensaelen gegessen, sich über Geben und Nehmen unterhalten und an Harmlosigkeit schwer unterbietbare Wünsche notiert hat, durfte damit, so das...

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