Ein Jahr, bevor es die Kleinkrafträder der Suhler Marke Simson jetzt in ein Theaterstück schafften, hatten sie bereits das Parlament erreicht. Der Thüringer Landtag debattierte im September 2025 zwei Anträge dazu. „Wenn man an einem Sommerabend über Thüringer Landstraßen fährt“, erklärte dabei zum Beispiel ein CDU-Abgeordneter, „dann hört man sie schon, bevor man sie sieht: den unverwechselbaren Klang der Simson. Für viele Thüringer ist das nicht nur ein Motorengeräusch, es ist ein Geräusch der Jugend, ein Gefühl von Freiheit, das erste Stück eigene Mobilität – gerade auf dem Land. Doch die Simson ist eben nicht nur ein Erinnerungsstück. Sie ist ein Kulturgut …“ Ein Kollege der damaligen, inzwischen implodierten BSW-Fraktion, der früher mal ein Grüner gewesen war, betonte derweil für die seinen: „Alle unsere Abgeordneten sind früher Star, Simson, Schwalbe oder S51 gefahren. Darauf bin ich sehr stolz. Und da maße ich mir auch an, sagen zu können, dass unsere Lebensgeschichte dazu auch authentisch ist.“ Indes hieß es aus der rechten Ecke: „Wir als AfD leben Simson.“ Und Ministerpräsident Mario Voigt fasste schließlich zusammen: „Simson ist Thüringen. Simson ist Freiheit auf zwei Rädern. Simson bedeutet, ein Lebensgefühl – Alltag, Freiheit, Freundschaft, Dinge, die uns alle ausgemacht haben, weil es die...

In Suhl wurde mit großem Polit-Vorspiel das Doku-Theater „Freiheit:Simson“ uraufgeführt

Kulturkampf knattert auf zwei Rädern

Heimat, Horror, Hebebühne

Nach Erich Kästners „Fabian oder Der Gang vor die Hunde“ und Hans Falladas „Kleiner Mann – was nun?“ bringt <a href="https://tdz.de/person/1d6d6eb8-28b0-4fbb-ada8-0d47e96b8ed3">Frank Castorf</a> „Mephisto“ von Klaus Mann auf die große Bühne des Berliner Ensembles. Die Inszenierung gibt Anlass zum Rückblick auf eine Trilogie, in der niemand verschont bleibt, auch nicht das Theater und sein Publikum. Nachdem Franzosen und Algerier bis zum Kriegsende am 8. Mai 1945 gemeinsam gegen die deutschen Nationalsozialisten gekämpft hatten, beginnen noch an diesem Tag die französischen Massaker von Sétif, Guelma und Kherrata in Algerien. Derartige historisch-gesellschaftliche Widersprüche seien es, die ihn beim Theatermachen interessieren, berlinert <a href="https://tdz.de/person/1d6d6eb8-28b0-4fbb-ada8-0d47e96b8ed3">Frank Castorf</a> im prallgefüllten Kinosaal des Babylon bei einer Veranstaltung anlässlich seines 75. Geburtstags. Bei seiner „Mephisto“-Inszenierung, die drei Tage zuvor Premiere feierte, konnte man eindrücklich erleben, wie Castorf Widersprüche in Szene setzt. Abseits von einfachen Gegenüberstellungen, moralischen Gewissheiten oder plakativer Aktualisierung entfaltet er am Material einen Zusammenhang von Faschismus und Begehren. Wer den Roman von Klaus Mann nicht gelesen hat, kennt vielleicht István Szabós oscarprämierten Film mit Klaus Maria Brandauer: Der Schauspieler Hendrik Höfgen kommt über Hamburg und Wien schließlich nach Berlin ans Theater und macht dort in der Rolle des goetheschen Mephisto während der NS-Zeit Karriere. 1936 erscheint der Roman im...

Faschistische Verführungen in Frank Castorfs „Mephisto“ am Berliner Ensemble

„Ich hab mir auf den Grund gesehen“

Da ist es wieder – dieses Exil. Bis 2022 hatte ich dieses Wort nie benutzt und es war mir auch selten begegnet, nicht mal im Kontext von „aus dem Land abgeschoben zu werden“. Natürlich hat niemand von sich gesagt, er sei „im Exil“, weil es sich nach einer zu dramatischen Opferperspektive anhörte, viel zu theatralisch. Ich glaube, niemand wäre darauf gekommen, es als „Leben im Exil“ zu bezeichnen. Sie waren ausgewiesen worden von Menschen (deren Namen man nicht laut aussprechen durfte) und von da an lebten die Subjekte im Exilland, in etwa so? Schaut man sich die Revolution von 1917 an, den Großen Terror, die verschiedenen Emigrationswellen und die sowjetische Stagnation, kann man in Tagebüchern und Briefen nachlesen, wie das Subjekt damit beschäftigt ist, den Gedanken des „Sich-Aufmachens“ zu formulieren. Im letzten Moment emigrierte das Subjekt dann beispielsweise / floh / reiste aus / legte ab / flog aus und lebte dann – mehr recht als schlecht, luxuriös oder sorgenfrei – in Berlin / Paris / Belgrad / Riga / Shanghai / London / Prag / in Südfrankreich / den USA „и так далее, и так далее / und so weiter und so weiter“ als „Parasit“, wie der émigré poet...

Über eine nur schwer zu benennende Erfahrung

Geht es um Exil?

Ein frischer Geist im Theater, der durcheinanderbringt, was neu gesehen werden muss. Im Monat September ist in Freiburg, im Schatten des Flusses Dreisam, der letzte japanische Theaterphilosoph Wolfram Mehring gestorben. Wie viele Schauspielregisseure hatte er sich in seinen letzten Lebensjahrzehnten dem Musiktheater zugewandt, hier fand er einen Ort der Moderne, in dem er seine Theatersprache weiterentwickeln und zugleich ein wacher gesellschaftskritischer Mensch bleiben konnte. Mehring suchte zeitlebens nach der Endlichkeit, besser nach einer Musik und Sprache, die der Endlichkeit unserer Körper hätte gerecht werden können, diesen Körper, der dem Wort verbunden, also damit auch der Aufklärung, fand er in jedem Schauspieler und entwickelte nahezu tänzerisch in jeder Bewegung, in jeder Szene auf der Bühne das Zentrum des Spiels. Mehring war niemandem so verbunden wie der Spielerin und dem Spieler auf der Bühne und in jeder Hemmung, in jeder Attitüde des Spielers fand er ein Talent. Er floh in den 1950er Jahren aus Deutschland und fand in Paris eine offene Gesellschaft, mit Marceau und Sartre, mit Camus und all den Kindern des Olymp verband er endlich Philosophie mit tätiger Theaterkunst. Er inszenierte Opern: Verdi versus Wagner, verteidigte die großen Russen auf der Bühne der Nationaloper von Paris, schrieb Kinderstücke gegen den...

Nachruf auf den Regisseur und Theaterphilosophen Wolfram Mehring

Ein Japaner in Paris

Was ist eigentlich die Singstimme?

Was macht das Theater, Bernhard Schütz?

Sie konnte von „Kunscht“ sprechen, mit „sch“ in ihrem warmen wienerischen Timbre. Sie war die ikonische Mutter Courage vor ihrem Planwagen, aber auch die Mutter einer Familie, die nach der Machtergreifung der Nationalsozialisten durch mehrere Länder emigrierte und als einst gefeierte Schauspielerin 15 Jahre lang nur ganz wenige Rollen zum Spielen bekam. Und sie war schon in ihren Zwanzigern eine Kommunistin, die, wie es nun heißt, <a href="https://tdz.de/person/d1d91fb1-74fa-454f-8f45-8bccdba05a7a">Bertolt Brecht</a> politisierte, der sie wiederum in Gedichten und mit für sie geschriebenen Rollen in seinen Stücken poetisierte. Über Brecht sind in den letzten Jahrzehnten mehrere Filme entstanden, beginnend mit dem Spielfilm „Abschied – Brechts letzter Sommer“ von Jan Schütte (1999), Joachim Langs Dokumentation „Brecht – Die Kunst zu leben“ (2006) bis hin zu Heinrich Breloers hybridem Dokudrama „Brecht“ (2019), in dem <a href="https://tdz.de/person/64868d67-97b4-4339-8412-c2ca0428e9c8">Helene Weigel</a> in den Jahren nach dem Krieg von der österreichischen Schauspielerin Adele Neuhauser regelrecht verkörpert wurde. In jedem dieser Filme ist <a href="https://tdz.de/person/64868d67-97b4-4339-8412-c2ca0428e9c8">Helene Weigel</a> als wichtige Bezugsperson für Brecht und auch als Schauspielerin dargestellt. Doch einen Film über Helene Weigel, zu deren 125. Geburtstag das Berliner Ensemble 2025 seinen Innenhof als Helene-Weigel-Hof (am Bertolt-Brecht-Platz) benannte, gab es bislang nicht. Maria Wischnewski hat nun einen Dokumentarfilm fürs Kino gefertigt, der im Mai beim...

Maria Wischnewskis Film „Helene Weigel – Revolutionärin im Rampenlicht“ zeigt ein beeindruckendes Porträt der Schauspielerin und ersten Intendantin des Berliner Ensembles

Faszinierende Gestaltwandlerin

Navigieren mit Fledermausohren. Aufhorchen, wenn eine Frau im Blaumann in Trickfilmmanier ihr Werkzeugarsenal zum Klingen bringt. Ausharren in beklemmender Stille, die sich von einem überfüllten Schlauchboot aus in alle Richtungen erstreckt. Das Berliner Hörspielfestival öffnet unerhörte Klangräume jenseits des Radios. Dokumentarisch und dramatisch, poetisch, musikalisch und politisch stellt das Festival der freien Hörspielszene unter Beweis, dass die Audiokunst längst überall zu Hause ist. Im Foyer der Akademie der Künste im Tiergarten bilden Klangskulpturen bizarr geformte Inseln. Zeitgesteuerte Apparate schlagen Glocken an oder lassen mithilfe von Gebläsen Mundharmonikas ertönen. Die Künstlerin Hye Young Sin, das Kollektiv blablabor und Studierende der Berliner UdK haben einen klingenden Indoor-Garten gestaltet. Im großen Saal der Akademie entert die Hörkunst währenddessen mit akustischen Performances die Bühne. Die Vokalistin Ute Wassermann ist beim „Vater des Happenings“ Allan Kaprow in die Schule gegangen. In ihrem rasanten Sparring mit Turntablist Joke Lanz verbinden sich live gemixte Beats und Audioschnipsel mit atemberaubender Stimmartistik. Der Soundkünstler Marc Matter jagt Interviews und Radionachrichten durch den Schredder. Im Dialog mit einer KI-Stimme mixt er daraus ein vielschichtiges Set. <a href="https://tdz.de/person/f7923d90-9f55-4ad9-aa0f-539113814c54">Schorsch Kamerun</a> (Die Goldenen Zitronen) und Mascha Qrella spielen auf dem Festival mit frisch gegründeter Band und zelebrieren ihren Auftritt als Konzert und Klanglabor auf...

Das 17. Berliner Hörspielfestival feiert ein Crossover der akustischen Künste

Radau im Klangraum

Mecklenburgisches Staatstheater Schwerin: Strampeln bis zur Unmündigkeit

Der Zuschauerraum des <a href="https://tdz.de/person/e82fe1b8-944a-4883-a821-6914b0e77ffd">Maxim Gorki</a> Theaters ist freigelegt. Wo sich sonst die Reihen zum Blick auf die Bühne staffeln, ist das Parkett herausgerissen. Im Marmorsaal des Palais am Festungsgraben arbeitet derweil der Hausschwamm gegen die Zeit; die als zweite Spielstätte geplante Fläche bleibt vorerst unbespielbar. Die Werkstätten als Herz der Bühnenproduktionen sollen nicht mehr bezahlbar sein. Ein Theater für den Saisonbeginn: beschädigt, unfertig. Für die neue Gorki-Intendantin Çağla Ilk entsteht hier das Material, aus dem sie die erste Spielzeit gestaltet. Die 50-jährige Architektin und Kuratorin internationaler Ausstellungen startet an einem Punkt, an dem andere verzweifeln oder verweigern würden. Çağla Ilk macht aus der schwierigen Situation des Theaters einen programmatischen Start und bricht mit landläufigen Erwartungen an das Stadttheater ebenso wie mit Traditionen historischer Erzählung. Im neuen Gründungsmanifest heißt es, das Gorki sei ein Kunstraum, in dem Veränderungen der Gesellschaft nicht einfach nachvollzogen, sondern schon immer vorgedacht wurden. Das Haus am Festungsgraben, nahe Unter den Linden, war von jeher wichtiger Teil der Berlin-Geschichte und von jeher unterbewertet in seiner kulturellen Bedeutung. 1827 entstand der Gründungsbau der Sing-Akademie, im Jahr der Märzrevolution 1848 war es Ort der ersten preußischen Nationalversammlung. Nach dem Wiederaufbau des zerbombten Gebäudes gründete sich hier 1952 das <a href="https://tdz.de/person/e82fe1b8-944a-4883-a821-6914b0e77ffd">Maxim...</a>

Çağla Ilks fugaler Start am Berliner Maxim Gorki Theater mit der Installation von Sarkis

Das, was am Ende bleibt und anfangs war

Erleuchtung und Ernüchterung

Residenztheater München: Fünf Fremde im Gefühlsgewitter

Alles unter einem Dach

The Sound of Diversity

Kunst-Trabant in Wolfen-Nord

Den inneren Kompass stärken

Proxemik im Film

Mit dem Schriftbild ins Gespräch kommen

<a href="https://tdz.de/person/61a03523-a5ad-4a8e-87c3-3756e25e1fd1">Thomas Irmer</a>: Was ist für Sie der größte Verlust, der mit dem Zwang verbunden war, Russland zu verlassen? <a href="https://tdz.de/person/04bbffcf-b45a-4bb4-9368-e479cbee4915">Marina Davydova</a>: Der größte Verlust? Vielleicht fange ich etwas anders an. Wissen Sie, als ich in Russland lebte, sah ich mich nicht bloß als Russin, als russische Kritikerin oder Autorin; ich verstand mich als Kosmopolitin, die jenseits all dieser politischen und kulturellen Grenzen lebt. Ich gehöre zur Weltkultur – das war mein Motto, mein Leitgedanke. Dann emigrierte ich und wurde im Frühjahr 2022 zur politischen Emigrantin. Interessanterweise hat sich meine Perspektive dadurch leicht gewandelt, denn ich würde sagen, es sind zwei verschiedene Dinge: ein Kosmopolit im Allgemeinen zu sein oder ein Kosmopolit, der zum Emigranten geworden ist. Die Unmöglichkeit, in den Raum der eigenen Muttersprache zurückzukehren – das ist der entscheidende Punkt, der meiner Meinung nach einen schreibenden Menschen ausmacht: die Sprache. Mein größter Verlust ist also vielleicht die Möglichkeit, in diesem Kontext meiner eigenen Sprache zu leben. Ist es das allein? MD: In der Emigration begann ich zu begreifen, dass wir – oft ohne es zu wollen – an Dinge gebunden sind, über die ich zuvor nie nachgedacht hatte: nicht nur an kulturelle Codes oder Referenzen, sondern auch an...

Marina Davydova, Leiterin des Festivals Voices in Berlin, im Gespräch mit Thomas Irmer

Zum zweiten Mal alles verloren

Die Kunst des Dazwischen

Das besprochene Stück können Sie <a href="https://tdz.de/artikel/7036b150-0687-45e5-b411-49970054f41e">hier</a> ungekürzt lesen.Auf den ersten Blick wirkt „Puschkins Kinder“ wie ein Attentat auf den größten russischen Dichter – als solcher wird Alexander Puschkin zumindest in Russland nach wie vor wahrgenommen. War das Ihre Absicht? <a href="https://tdz.de/person/174d37fe-db09-4a9e-8380-ebbba1ffb4c1">Viktor Jerofejew</a>: Das berührt ein sehr wichtiges Thema der russischen Literatur: das Verhältnis von Vätern und Söhnen. Denken Sie nur an Iwan Turgenjews „Väter und Söhne“ oder Fjodor Dostojewskis „Die Brüder Karamasow“. In Russland ist es seit jeher ein großes Problem: Die Väter stehen auf der rechten Seite, die Söhne auf der linken – dann kommt die Revolution und so weiter. Und meistens war das ein schreckliches Drama. Ich war selbst Teil dieses Dramas, denn in meinem Buch „Der gute Stalin“ schrieb ich über meinen Vater, der Dolmetscher für Stalin und später Diplomat war. Als ich zum Dissidenten wurde, verlor er seinen Posten als Botschafter in Wien. Sie sehen also: Es war eine Art politisches Attentat, ein Mord. Dieses Thema liegt mir sehr am Herzen, denn mein Vater war zwar ein bedeutender Diplomat in den Diensten der Sowjetunion, entwickelte sich später aber zum Liberalen und wandte sich gegen den Kommunismus. Dieser Konflikt mag im Unterbewusstsein des Stücks mitschwingen. Mein...

Viktor Jerofejew über sein Stück „Puschkins Kinder“ und russische Kultur im Gespräch mit Thomas Irmer

Vom Dunklen im Menschen

Laying down a Path in Talking

Die Absicht trägt die Stimme

Belle Époque in Aspik

Ästhetiken des Zugangs

Chorsprechen

Der Standard, die Akzente und Vergemeinschaftungen

Recitar cantar

Die Lippen kräuseln sich bei ihr, der Blick ist aufmunternd bei ihm. Da fühlt man sich als Zuschauende(r) doch gleich willkommen. Deshalb will man den beiden – er nennt sich Onkel, sie Nichte – ebenfalls freundlich begegnen. Also kräuseln sich auch unsere Lippen, bevor man sich gerade noch entsinnt: Wir sind im Theater! Und dort sitzen uns die Schauspielerin Gulshan Sheikh und der Schauspieler Jonas Gygax an einem Tisch gegenüber. Er ist groß und schlaksig; sie ist kleiner und – nicht nur physisch, sondern auch verbal – derart quecksilbrig, dass einem immer mal wieder schwindelt. Was die beiden verbindet, sind die Besuche des Onkels bei seiner Nichte, um zu testen, ob sie (noch) fähig ist, ein sogenannt normales Leben in ihrer Wohnung zu führen. Von Überleben müsste man wohl eher sprechen, denn die Nichte, die zunehmend von den Fragen des Onkels genervt ist, weiß Ungeheuerliches zu berichten. Eine enorme Menge Gras ist über Nacht gewachsen. „Aus dem Boden“, sagt sie und fügt hinzu: „Dann kam der Igel. Er kam durch die Decke. Es gab dort ein Loch. Eine Flut.“ Das ist eine Katastrophe, gleichwohl ist sie euphorisch: „Gestern war die Wohnung klein. Und jetzt? Es hat hier Platz. Die Wohnung...

„Seltene Enten“ von Jens Nielsen – Regie Ursina Greuel, Ausstattung Cornelia Peter

sogar theater Zürich: Meine Wohnung ist der Sitz der Welt

Nachhaltigkeit ist ein Teamsport

<a href="https://tdz.de/artikel/5449fe97-eeed-4e84-bbd4-fa8e1f97499a">Zum Stück-Gespräch</a>Aus dem Russischen übersetzt von Beate Rausch © <a href="https://tdz.de/person/174d37fe-db09-4a9e-8380-ebbba1ffb4c1">Viktor Jerofejew</a> © Copyright der deutschen Übersetzung Beate Rausch 2026 <h3>Ein etwas unnötiges Vorwort des Autors</h3> An meine lieben Leser und künftigen Zuschauer. Thematisch handelt es sich bei diesem Theaterstück um eine neue erschreckende Version auswegloser Eltern-Kind-Beziehungen. Im Grunde ist dieses Stück mehr als absurd, es ist ein Absurdum hoch zwei, das sich in Zeit und Raum ständig dreht und fortbewegt, es handelt in erster Linie von uns allen und nur marginal von Puschkins Kindern. Es treten ganz und gar unbekannte Personen auf, Puschkin selbst eingeschlossen. In diesem Stück geht es darum, dass es langweilig, demokratisch und hilflos ist, wenn man den Sinn des Lebens in sich selbst findet. Findet man ihn aber außerhalb seiner selbst, wird man zum Kommunisten und Faschisten, zum Imperialisten und Rüpel, zu einem Hitler und Putin, vielleicht auch zum Mönch. Darum ist dieses Stück auch stellenweise lustig und reizvoll, politisch inkorrekt bis zur Unanständigkeit und pornografisch bis zum Gehtnichtmehr. Im Grunde genommen ist es natürlich eine irre Komödie, ein Fragment und Abbild unseres heutigen Lebens. <h3>PUSCHKINS KINDER1</h3> Ein Theaterstück SASCHA: Hallo, Kinder, unser Papa ist tot. MASCHA: Die Sonne der russischen Dichtkunst ist untergegangen. GRISCHA:...

Puschkins Kinder

Sprechen in den Studiengängen Dramaturgie und Regie

Vielfalt als Kompetenz

Im Nachhinein liest sich die Ausschreibung zur Erfurter Intendanz fast wie für Sie gemacht: Theatertransformation, Modernisierung der Strukturen, Öffnung zur Stadtgesellschaft, … Damit sind Sie schon in Karlsruhe und Wuppertal angetreten. Und im Vorstellungsgespräch sollen Sie gesagt haben: „Ich mag Change!“ <a href="https://tdz.de/person/rebekah-rota">Rebekah Rota</a>: Ja, das sind Themen, die mich schon länger begleiten und mir am Herzen liegen. Als ich die Ausschreibung gelesen hatte, habe ich sofort meinen Mann angerufen und gesagt: „Schatz, ich glaube, das ist mein Haus!“ Denn es fühlte sich so an wie die Faust aufs Auge: ein Haus, an dem meine Interessen gut zu denen der Stadt, der Belegschaft und der Institution passen könnten. Sie sind Theatermanagerin, waren bis vor zehn Jahren Opernsängerin und wurden dann auch Regisseurin. Kommen Sie als regieführende Intendantin nach Erfurt? RR: Zu inszenieren ist nicht mein Fokus, aber eine wichtige Möglichkeit, kennenzulernen, wie ein Haus wirklich funktioniert. Wenn man im Büro sitzt, bleibt das alles etwas theoretisch. Schon in Wuppertal habe ich selbst Stücke auf die Bühne gebracht, die sich mit der Stadt befassen. Wir haben dort ein Operetten-Pasticcio geschrieben: „Von Thalia geküsst. Eine Wupperetten-Revue“ erzählte 2025 vom historischen Thalia-Theater der Stadt, das auf Augenhöhe mit New York stand. Das hatte...

Was macht das Theater, Rebekah Rota?

Vom singenden Sprechen im Musiktheater

Wenn man den Fernseher nicht anstelle und die aggressive Stimmung in den öffentlichen Verkehrsmitteln meide, dann sei alles – schrecklicherweise – wie immer, sagt Olga, die Frau des ehemaligen künstlerischen Leiters des Theaters der Generationen (Teatr Pokoleniy) Danila Korogodsky, am morgendlichen Küchentisch. Sein Vater Zinovij Jakovlewitsch Korogodskij wäre Ende des Monats 100 Jahre alt geworden. Anlässlich des festlichen Erinnerungsabends in seinem ehemaligen Theater fahre ich nach St. Petersburg, die wunderschöne Puppe von Suse Wächter in meinem Gepäck, die diesen bekannten Leningrader Regisseur porträtiert. Sie wird in einem kleinen Beitrag auftreten. Die vermeintlich idyllische sommerliche Stimmung der allgemeinen Verdrängung scheint mir nur eine Seite der Medaille in der russischen Metropole an der Newa zu sein, die andere Seite ist geprägt von einer angespannten Ruhe vor dem Sturm, in Erwartung möglicher weiterer drastischer Verschärfungen der staatlichen Repression. Die Atmosphäre ist eine deutlich andere als bei meinen letzten sechs Besuchen nach dem Beginn der Vollinvasion vor zwei, drei und vier Jahren. Während meiner Anreise setzt sich auf dem Flug nach Istanbul eine nichtbinäre Person, die in Kyjiw Tanz und Artistik studiert hat, zu mir. Sie stammt aus einer halb russischen und halb iranischen Familie. Wir haben ein langes, sehr interessantes und offenes Gespräch...

Reise nach St. Petersburg zu einem verlorenen Theater anlässlich des 100. Geburtstages von Zinovij J. Korogodskij

Beobachtungen aus Puppenperspektive

Tradition in anderen Formaten

Kein Kiesel, kein Korken

Zirkus auf dem Weg zum Gesamtkunstwerk

Klimakatastrophe, Wohnungsnot und Deep Fakes

<h3>1.</h3> Um zu verstehen, was mit dem russischen Theater nach 2022 geschah, muss man kurz beschreiben, was da eigentlich seinen Ort verlor. Das russische (ehemals sowjetische) Theater war vor allem „Repertoiretheater“: große Häuser mit festen Ensembles, eine Institution neben anderen Institutionen, ein Haus mit Säulen zwischen dem Bezirkskomitee der Partei und der Universität. Nach dem Ende der Sowjetunion entstand daneben eine bewegliche Landschaft aus unabhängigen Gruppen, Werkstattformaten und temporären Zusammenschlüssen. Die Grenze war durchlässig, Menschen und Projekte wechselten zwischen beiden Systemen. Diese alt-neue Architektur hatte sich über 30 Jahre entwickelt. Und ich wage, im Voraus mit sämtlichen Einwänden einverstanden, die Behauptung: Zu Beginn der 2020er Jahre war das Theater trotz wachsenden politischen Drucks die lebendigste Kunst in Russland – und zugleich eine, die sehr genau wahrnahm, was im europäischen Theater geschah. <h3>2.</h3> 2022 begann es die Menschen aus dem Land „hinauszutragen“. Überspringen wir hier das Sich-Einrichten, die Hektik, die Ungewissheit und die bürokratischen Fallen. Das alles kostet unvorstellbar viel Zeit und Kraft. So sehr die Europäer selbst unter ihrer Bürokratie leiden mögen – sie wissen nicht, wie sie sich für jemanden anfühlt, der buchstäblich „in der Luft hängt“. Klammern wir das also aus und sagen möglichst emotionslos: Da ist eine...

Eine kurze Bestandsaufnahme der russischen Theateremigration

Exodus

Demokratie als Event

Was macht das Theater, Daniel Morgenroth?

Schauspiel Leipzig: Lasst uns einen Kirschbaum pflanzen!

Staatstheater Hannover: „Inception“ in manisch-depressiv

Müssen wir das wirklich alles mitnehmen? Ja!

Ein Zeichen des aufkommenden Faschismus ist das Verschwinden von Feminist*innen aus den Institutionen. Auch aus dem Theater. Ich hab mal geschrieben: „Das neue Patriarchat sind weiße Frauen, die sich wie weiße privilegierte Alphamänner verhalten, beziehungsweise Frauen, die zu Minderheiten gehören, die sich wie diese weißen Alphafrauen, die sich wiederum wie diese Alphamänner verhalten.“ Es geht darum, wie weißer Feminismus zu neoliberalem Girlboss-Feminismus mutiert ist, dem Race, Class und Gender egal sind. Je höher der Posten an einem prestigeträchtigen Haus, desto geringer die Wahrscheinlichkeit, dort eine*n Feminist*in zu finden. Stattdessen sitzen da Frauen*, die sich beugen. Aus Karrieregründen. Aus Existenzangst. Deshalb hier eine Liste für feministisches Arbeiten. 1. Du bist Intendant*in? Welches Geschlecht, welche Klasse, welchen Hintergrund haben deine Dramaturg*innen? Wie sieht die Prozentzahl aus? 2. Stell dich nicht dumm. Wir alle in der Branche wissen, wer die toxischen und wer die MeToo-Männer sind. Hör sofort auf, mit ihnen zu arbeiten. Hör auf, sie zu supporten. Hör auf, sie zu verteidigen. 3. Ghosting – besonders von Künstler*innen aus marginalisierten Gruppen und aus der Arbeiter*innenschicht – ist der Bodensatz der Menschlichkeit. 4. Wenn du Scheiße gebaut hast: Entschuldige dich. Und dann ändere dein Verhalten. 5. Wenn dich jemand verletzt und sich entschuldigt...

Ich sehe auf Leitungspositionen im Theater keine Feminist*innen, aber viele Karrierist*innen

Hören mit Akzent

„Sprechen, Sprechen und nochmals Sprechen“

Das integrative Moment der deutschen Sprache im theatralen Kontext

Kampnagel/Thalia Theater Hamburg: Zorn mit Wohlfühlfaktor

Mainfranken Theater Würzburg: Vom Wert der kleinen Freuden

Die Hände hinter dem roten Sommerkleid

Fragile Normalität

Gegen die Machtkämpfe ihrer Familien bäumen sich Romeo und Julia auf. Die Liebenden in Shakespeares Tragödie kämpfen in Bernadette Sonnenbichlers Inszenierung am Theater und Orchester Heidelberg um eine gemeinsame Sprache. Die Tragödie der jungen Menschen, die in den Machtkämpfen ihrer Familien zerrieben werden, überträgt die Regisseurin auf eine zeitkritische Ebene. Der neue Blick auf den Klassiker war Teil des viertägigen Eröffnungsmarathons. Mit einem Theaterparcours, der Gala, Konzerten und der ersten Produktion im TheaterMobil machte das Team neugierig auf die neue Vielfalt des Fünfspartenhauses. Dass die 44-jährige Theaterchefin mit ihrer Kunst neue Communitys für das Theater gewinnen will, zeigt ihre eigene Regiearbeit, mit der sie ihre Intendanz eröffnete. Der erbitterte Krieg der Familien Capulet und Montague ist in ihrer Lesart hochaktuell. In einer Welt, die Migrant:innen ausgrenzt, weil sie fremd klingende Namen tragen und eine andere Sprache sprechen, ist die Geschichte der unglücklichen Liebenden noch lange nicht auserzählt. Mit Texten der Kulturwissenschaftlerin Mithu Sanyal, deren Roman „Identitti“ Sex, Race und Diskriminierung thematisiert, hat Sonnenbichler die kluge, politisch pointierte Übersetzung von <a href="https://tdz.de/person/945969c4-48e5-4931-86be-652cc84022f5">Thomas Brasch</a> aufgeladen. Auch Passagen aus Braschs „Romeo und Julia“-Bearbeitung „Liebe Macht Tod“ hat das Team verwendet. Da rücken sie der Gegenwart plötzlich ganz nahe, die verfeindeten Capulets und Montagues, die...

Die Heidelberger Intendantin Bernadette Sonnenbichler will mit ihrem Programm und dem neuen TheaterMobil unmittelbar in die Stadt wirken

Bildgewaltige Ästhetik mit neuen Communitys

Notizen

Die Autorin Irene Sieben weiß, über wen und über was sie schreibt. Das macht dieses Buch aus: seine Authentizität und Anschaulichkeit. Manja Chmièl (geboren 1922 in Opava/Troppau, gestorben 2006 in Hannover) war eine ihrer Lehrerinnen im West-Berliner Wigman-Studio, mit ihr zusammen und in Chmièls Gruppen hat sie getanzt. Im Untertitel nennt sie Chmièl „Rebellin des Neuen Tanzes“. Und das trifft es sehr wohl. Denn Manja Chmièl, die 1945 bis 1949 bei Mary Wigman in Leipzig ihre Tanzausbildung absolvierte und nach kurzen Engagements in Göttingen und bei Kurt Jooss in Essen, dann in Berlin von 1952 bis 1962 Wigmans Assistentin war, hat sich anschließend kategorisch von der expressionistischen Kunst ihrer Meisterin – tanzend, unterrichtend und schreibend – abgewandt: „Mein Tanz ist nicht ‚Ausdruckstanz‘. Ich stelle weder Gestalten dar, noch deute oder veranschauliche ich emotionale Vorgänge und stoffliche Inhalte. Meine Tänze sind in bestimmte Ordnung gebrachte Bewegungsgebilde, die ihre eigene Realität haben und dem Zuschauer als dynamisch-optisches Bild zufließen sollen.“ Sie gründet verschiedene Gruppen, tritt mit ihnen im In- und Ausland auf, wird verkannt und wird erkannt. 1962 heißt es: „Sie kennt nicht den Zarathustra-Frühsport, das falsche Pathos hinter Kunstbergen. Sie bietet zu elektronischen Klängen auf das Wesentliche zurückgeführte Aktionen, klare, schöne...

Manja Chmièl – Biografie einer mutigen Unbekannten des Tanzes 

Bewegungsgebilde mit eigener Realität

Auf der abendlich dunklen Bühne steht ein Haus. Das Vogelzwitschern von der Tonspur wirkt etwas verfremdet, leise schleicht sich ein Gefühl der Bedrohung ins Bild, wie in einem Geisterfilm. Wie im Kino wird der Titel eingeblendet: „Bernarda Albas Haus“. Eine Beerdigungsprozession nähert sich einem blattlosen Baum. Eine in Schwarz gekleidete Frau trägt eine Urne, dahinter laufen in einer Reihe im Gleichschritt junge Frauen mit gelben Röcken, weißen Strümpfen und Schleifen im Haar. Eine alte Dame wird von einer hageren Frau gestützt. Bernarda Alba trägt ihren Mann zu Grabe. Und verkündet danach, dass nun acht Jahre Trauerzeit herrsche, in denen jede Freude aus dem Haus verbannt bleibe. Ihre Töchter erstarren, die Großmutter protestiert laut. Aber ihre Aufpasserin bringt sie zum Schweigen. Lucia Bihler inszeniert im Düsseldorfer Schauspielhaus großes Kino. Das Haus fährt nach vorn, dreht sich, nun schaut das Publikum in sein Inneres. Im Erdgeschoss befindet sich der Schlafsaal der Töchter, oben das Zimmer der Großmutter und ein Raum mit Blick auf den Garten. Die Tapeten sind pink, die ganze Einrichtung erinnert an ein Puppenhaus. Bernarda und ihre Töchter sind perfekt geschminkt, bewegen sich oft in einstudierten Choreografien. Alles soll kontrolliert, ritualisiert, ohne Überraschungen ablaufen. Ein lebloses Leben. Alice Birch hat...

„Bernarda Albas Haus“ von Alice Birch nach Federico García Lorca – Regie Lucia Bihler, Bühne Pia Maria Mackert, Kostüm Victoria Behr, Komposition und Sounddesign Fabian Kalker

Düsseldorfer Schauspielhaus: Horror in Pink

Sie haben gerade die erste Ausgabe eines eigenen Festivals mit dem Namen <a href="https://tdz.de/artikel/ueber-freundschaft-in-zeiten-des-otorop">Kirill &amp; Friends</a> in Berlin beendet, dafür ein eigenes Büro gegründet und zwei Ihrer größten Inszenierungen, „Der Schneesturm“ vom Düsseldorfer Schauspielhaus und „Legende“ vom <a href="https://tdz.de/spielort/thalia-theater">Thalia Theater Hamburg</a>, in einem zehntägigen Programm aus Filmen und Ausstellungen gezeigt. Was bedeutet das für Ihren Status als Künstler in Deutschland? Kirill Serebrennikow: Ehrlich gesagt habe ich am allerwenigsten an meinen eigenen Status gedacht, als ich dieses Festival entwickelt habe. In den vergangenen Jahren sind viele starke und interessante Künstlerinnen und Künstler mit unterschiedlichen kulturellen Erfahrungen nach Deutschland gekommen. Mir war wichtig, sie sichtbarer zu machen und Begegnungen mit deutschen Kolleginnen und Kollegen sowie mit dem Publikum zu ermöglichen. Im Festivalprogramm treffen unterschiedliche Generationen, Sprachen, Länder und künstlerische Praktiken aufeinander. Ich wünsche mir, dass Kirill &amp; Friends nicht nur eine Reihe von Theateraufführungen, Filmen und Ausstellungen ist, sondern ein Ort, an dem neue Verbindungen, Ideen und gemeinsame Projekte entstehen. Schon der Name des Festivals sagt viel darüber aus: Der Kreis der Freundinnen und Freunde ist offen und kann sich immer weiter erweitern. Sie selbst haben angefangen, Deutsch zu lernen. In „Der Schneesturm“ haben Sie Filipp Avdeev besetzt, der mit Ihnen schon am...

Kirill Serebrennikow über sein Festival „Kirill & Friends“ im Gespräch mit Thomas Irmer

Unabhängige Integration

„Nationaltheater“ – heißt der gerade auf Deutsch erschienene Roman von Tanja Šljivar, einer serbischen Dramatikerin, die ihr Jahr als Schauspieldirektorin an eben diesem Theater aufarbeitet, dem serbischen Nationaltheater in Belgrad. Außerdem jüngst erschienen ist „Szenenwechsel“, ein Roman von Alain Claude Sulzer, der den Tod einer fiktiven Theaterkoryphäe und die dazugehörige Trauerfeier auf der Bühne des „Berliner Theaters“ beschreibt. Wenn zusätzlich in Betracht gezogen wird, dass Klaus Manns „Mephisto“ nicht zuletzt auch als Theaterroman jüngst und mehrfach auf deutschen Bühnen gespielt wird, kommt die Frage auf, was an der Gattung „Theaterroman“ so fasziniert. Eine Gattung, die mindestens so alt wäre, wie Michail Bulgakows „Aufzeichnungen eines Toten“ es sind, die vor allem unter dem simplen Titel „Theaterroman“ bekannt wurden. Und die unleugbare Verwandtschaft der angeführten Romane über Zeiten und Länder hinweg scheint die Annahme einer solchen „Gattung“ zu bekräftigen. Wodurch zeichnet diese sich nun aus? Erzählt sie über ein Milieu oder reflektiert sie Gesellschaft? Sind es Schlüsselromane, die ihre Spannung aus dem Wunsch des Publikums beziehen, einmal hinter die Kulissen zu schauen? Oder huldigen sie mit einer gewissen Sentimentalität vor allem jenem Mikrokosmos, der schon immer und mehr denn je dem Untergang geweiht zu sein scheint? <h3>Einzigartige Theatertypen</h3> Der Dramatikerin Dina...

Kurze Studie zum Theaterroman als Genre

Milieu oder Gesellschaft?

Dinge unterwegs

Bei seiner Uraufführung muss dieses Stück den Athenern den Atem verschlagen haben. Drei Teile waren, bei einer der Großen Dionysien, vor mehreren tausend Theaterbegeisterten aufgeführt worden. Eingebettet in die großen Mythen geht es um ein nie enden wollendes Morden aus Rache und Vergeltung. Bis die Göttin Athene das Drama mit einer demokratischen Entscheidung beendet. Der Dichter Aischylos hat den Griechen damals, vor rund 2500 Jahren, ihre jüngste Geschichte auf die Bühne gebracht. Denn eine Verfassungsreform hatte gerade die alte Ordnung zugunsten der Demokratie entmachtet. Wann, wenn nicht jetzt, muss dieses Stück also auf die Bühne? Wo es schon bröckelt mit der Demokratie, nun auch in Mecklenburg-Vorpommern. Und zum Glück muss sich keiner mehr, also Zuschauer wie Darsteller gleichermaßen, an einem antiken Steinbruch die Zähne ausbeißen. Mit der Neubearbeitung von Robert Icke scheint die „Orestie“ plötzlich auch unsere jüngste Geschichte zu erzählen, so verschlägt dieser Abend einem den Atem. Der Vater kommt vom Büro nach Hause, an den großen Familientisch, der hier so groß ist, dass sie alle eher laut rufen müssen, um sich zu unterhalten. Die Kinder erzählen von ihrem Tag, der Bratentopf der Mutter dampft. Fleisch? Was? Da ist ein Tier getötet worden, damit wir es essen? Die Diskussion...

„Orestie“ nach Aischylos in einer Neubearbeitung von Robert Icke – Inszenierung Torsten Fischer, Bühne Herbert Schäfer, Malerei & Kostüme Vasilis Triantafillopoulos

Theater Vorpommern: Das Kind ist der Preis

„Im Moment sein – dann geschieht alles von selbst“

<a href="https://tdz.de/person/f71f1c6d-ca08-446b-9ed7-5854b3799214">Stefan Petraschewsky</a>: Am 7. November 1946 wurde das Theater der Jungen Welt (TDJW) in Leipzig gegründet. Kein Einzelfall in der sowjetischen Besatzungszone. Die Theater der Jungen Generation und der Jungen Garde folgten in Dresden und Halle. Die Siegermacht nutzte die Kraft des Theaters für Menschen, die sich, auferstanden aus Ruinen, einer besseren Zukunft zuwenden wollten und sollten. Ist die Idee, junge Menschen zu bilden und zu formen, noch aktuell? <a href="https://tdz.de/person/0ff9ab6a-9fb9-4b87-990d-a6408ecfbd8d">Miriam Tscholl</a>: Auch heute möchten wir die Kinder bilden und bei ihrer Persönlichkeitsentwicklung und im Nachdenken über die Welt unterstützen. Doch trotz aller Gemeinsamkeiten müssen wir auch die Unterschiede markieren. Das TDJW hatte ab 1946 den expliziten Auftrag, für eine sozialistische Erziehung einzustehen. Der Generalintendant <a href="https://tdz.de/person/789a11aa-cdc3-426a-becb-5f410369492f">Karl Kayser</a> war ein Parteifunktionär und Mitglied des Zentralkomitees. Alle Leipziger Bühnen, also die Oper, die Musikalische Komödie, das Schauspiel und das TDJW, waren ihm unterstellt. Wenn man ein Stück ansetzen wollte, musste man einen Antrag stellen! Das Ergebnis waren vor allem DDR-Autoren und russische Märchen. Karl Kayser, der ja fast die ganze DDR-Zeit Generalintendant in Leipzig war, soll in der Gorbatschow-Zeit aber auch kritische Stücke erlaubt haben, die woanders nicht möglich gewesen wären … MT: Dass viele Menschen um Freiräume gerungen haben, ist...

Intendantin Miriam Tscholl über das 80. Jubiläum des Theaters der Jungen Welt in Leipzig, des ältesten Kinder- und Jugendtheaters in Deutschland, im Gespräch mit Stefan Petraschewsky

Wir sind unserem Publikum verpflichtet und nicht der Politik

Seit 20 Jahren unterwegs in die Fremde

Wenn Klang eine Rolle spielt

Diversität divers begegnen

„Wenn ich an Russland denke“, sagt der heute in Berlin lebende Theater- und Filmregisseur Kirill Serebrennikow, „habe ich nur einen Gedanken: Stoppt den Krieg. Nichts anderes. Hört auf, Menschen zu töten!“ Serebrennikow, der gerade die erste Ausgabe seines Festivals „Kirill &amp; Friends“ in Berlin erfolgreich abschloss, gehört zu den Künstlern und Künstlerinnen der russischen Emigration, für die sich neue Möglichkeiten eröffneten. Andere haben sie nicht in dieser Dimension oder vermissen sie ganz und gar. Olga Fedyanina, die am <a href="https://tdz.de/spielort/staatstheater-cottbus">Staatstheater Cottbus</a> seit dieser Spielzeit die dramaturgische Leitung des Schauspiels übernommen hat, beschreibt die einzelnen Aspekte, die russische Theaterkünstler:innen, aber nicht nur diese allein, in der Emigration betreffen. Wir haben in der Redaktion abgewogen und diskutiert, was es bedeutet, in dieser Situation des Kriegs gegen die Ukraine einen Schwerpunkt mit diesem Thema zu machen, der einigen vielleicht als unsolidarisch mit ukrainischen Theaterleuten erscheinen könnte. Gewiss, ein äußerst sensibles Feld. Aber es handelt sich dabei eben nicht um eine politische Stellungnahme, sondern um das Interesse an diesen mittlerweile hier arbeitenden und lebenden Künstler:innen und ihrem Denken – und den von <a href="https://tdz.de/person/04bbffcf-b45a-4bb4-9368-e479cbee4915">Marina Davydova</a> oder mit Danila Korogodsky erzählten Verlusten. Letztlich interessierte in allen Gesprächen, auch dem mit <a href="https://tdz.de/person/174d37fe-db09-4a9e-8380-ebbba1ffb4c1">Viktor Jerofejew</a>, ob sich das russische...

Editorial

Die Welt, (k)ein Spiel

Seien wir ehrlich! Kein Schauspieler, keine Schauspielerin träumt ernsthaft von einer Karriere am Meininger Theater. Es ist der Ort, an dem der Nachwuchs lernt, dass Mitteldeutschland ein recht dehnbarer Begriff ist – und wie weit weg alles andere wirkt, wenn man erst in Grimmenthal umsteigen muss. Mag es eines der historisch bedeutenden Häuser sein, dessen Truppe einst unter Georg II. zu internationalem Ruhm gelangte, ist es bis heute beziehungsweise heutzutage längst wieder eines der beim Publikum erfolgreichsten, nicht nur nach Thüringer Maßstäben. Am Ende fragt sich dann womöglich doch wieder eine Schauspielerin, die noch ganz am Anfang sowie plötzlich in Meiningen steht: „Oh, Gott, wo bin ich denn hier gelandet!?“ Und ein Kollege, der schon wieder weg war, bevor sie kam, hätte eine passende Antwort parat: „am gefühlten Arsch der Welt.“ Solche Sätze kursieren in Meiningen seit den 1990er Jahren. Sie stehen sogar in Büchern. Viele andere Schauspielerinnen und Schauspieler kamen und gingen seitdem. Ihre Zahl ist Legion. Andere sind geblieben oder wiedergekommen. Unter den siebzehn Mitgliedern des Ensembles gibt es aktuell fünf, die schon da gewesen sind, bevor Jens Neundorff von Enzberg die Intendanz und Frank Behnke die Schauspieldirektion 2021 übernahmen. Elf von ihnen kamen hingegen erst später hinzu,...

Viele kommen, viele gehen – und doch entstand in Meiningen ein Ensemble, das zusammenhält und sein Publikum zu einem Teil seiner selbst macht

Ein Glücksfall namens Ensemble

Lehrmaterial Text

Von Puppen, Platzproblemen und Provisorien

„Wir müssen die Rezitative auf ihre szenische Aussage hin genau betrachten“

Mehr Resonanz!

Kontakt im Raum V

Kaserne Basel: Wirklichkeit erscheint

Textflächen entziffern, Textflächen sprechen

Das Boot, Beckenbauer und der Dialekt

„Open Schumann“ heißt ein mehrjähriges Projekt, mit dem das Theater Plauen-Zwickau den Komponisten Robert Schumann ehrt, der 1810 in Zwickau geboren wurde. Nach Oper, Ballett und Jugendtheatersparte findet es im Schauspiel vorerst seinen Abschluss mit der Uraufführung „Ich schieß’ auf den Adler!“ Den Text dieser „romantischen Rhapsodie in Tränen und Flammen“, wie der Untertitel verrät, hat Gastregisseurin Mizgîn Bilmen mit Kornelius Luther erarbeitet, der als leitender Dramaturg am Theater engagiert ist und mit diesem Stück seine Arbeit in Sachsen beendet. Intendant Dirk Löschner überreicht zum Abschied einen Blumenstrauß und dankt mit warmen Worten. Luther geht ans Volkstheater in Rostock. Mit „Transit Zwickau“ war ihm im Mai 2025 schon ein Dokumentartheaterstück zum Thema Vertragsarbeiter:innen am Produktionsort des DDR-Trabanten sehr gelungen. Er und Bilmen bleiben auch hier den Trabanten – den Himmelskörpern – treu. Dieses Mal sei, laut Programmheft, die Romantik der „Fixstern des Abends“, auf den die „Kometen“ „Heiner Müller, Frankenstein und Rapper Haftbefehl“ fallen und ihn beinahe aus der Umlaufbahn bringen würden. Theater als Teilchenbeschleuniger also, um eine Kernfusion zu initiieren – ein neues Energielevel für unsere Zeit. Und tatsächlich schleudern sich drei Schauspielerinnen und drei Schauspieler zunächst Worte wie Atome zu: „Blumen; am Rhein; im Wunderhorn; am Sternenzelt“ –...

„Ich schieß’ auf den Adler!“ von Mizgîn Bilmen und Kornelius Luther (UA) – Regie Mizgîn Bilmen, Bühne und Kostüme Sabine Mäder, Musik und Komposition Sebastian Undisz, Text und Konzept Mizgîn Bilmen, Kornelius Luther

Theater Plauen-Zwickau: Romantik im Überfluss

Ein nüchternes Intro auf leerer Bühne. Dann Techno. Grelle Lichtstreifen. Nebel. Und dann, irgendwo zwischen all dem, eine halbnackte Schauspielerin, die mit einem Eimer Wasser, einem Eimer Dreck, einem Eimer Kunstblut ringt. Sie stellt die große Frage: Woher kommt eigentlich die Gewalt im Menschen? Warum wählen so viele eine gesichert rechtsextreme Partei? Warum können wir nicht einfach nett zueinander sein? Alles gute Fragen. Vielleicht sogar die Fragen, für die Theater erfunden wurde. Und doch folgt auf sie erstaunlich oft: ein Soundteppich. Eine Atmosphäre. Ein Gefühl. Und Ratlosigkeit. In der Uraufführung von „Die Holländerinnen“ am Theater Magdeburg, nach Dorothee Elmigers Roman – da ist Gewalt allgegenwärtig: als Drohung, als Erinnerung, als Körperwissen, als etwas, das sich durch Bilder, Geschichten und Beziehungen frisst. Das ist stark. Das ist sinnlich. Das ist düster. Das kann erschüttern. Einschüchtern. Der Abend lässt einen mit dem Gefühl zurück, dass Gewalt offenbar etwas dem Menschen Eigenes ist. Aber spätestens nach der dritten metaphorisch aufgeladenen, bedeutungsschwangeren Untergangsgeschichte drängt sich die Frage auf: Ja, und jetzt? Theater liebt die großen Fragen. Es liebt sie vor allem in einer Größe, die garantiert, dass eine Antwort zu finden unmöglich ist. Also, so der fatale Schluss, wird auch keine gesucht. Subjektivität, hallo.In...

Russische Theaterkünstler im Exil

Neuerscheinungen im Verlag