Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Am Ende reißt er all die aus der Mode gekommenen Anzüge, Hemden und Hosen von den rollbaren Kleiderstangen, mit denen die Bühne im Nürnberger Schauspielhaus zugestellt ist, wirft sie auf den Boden, wo sich ein Textilienberg türmt, und hockt sich schließlich oben drauf. Willy Loman – auch er: ein Ausgemusterter, am Ende seiner Kräfte. „Der Mann ist erschöpft“, stellt seine Frau Linda zutreffend fest, die selbst gegen die eigene Lebensmüdigkeit anzukämpfen hat. Sie tut es mit demonstrativer Munterkeit. Die Inszenierung von Sascha Hawemann zeigt das letzte Aufbäumen der Familie Loman, ihre finalen Zuckungen. Wie das eben so ist bei Menschen, die nicht mehr können und doch durchhalten müssen: Sie werden zappelig, zappeln sich ab. Und so herrscht hektische Betriebsamkeit auf der Bühne. Während Willys Söhne Biff und Happy, die die hohen Erwartungen ihres Vaters zeitlebens konsequent unterlaufen haben, Turnübungen veranstalten und Klimmzüge an den Kleiderstangen üben, tänzelt, trippelt und scharwenzelt seine Ehefrau unruhig um ihren Gatten herum. Linda Loman ist hier deutlich jünger als ihr Mann. Im kurzen weißen Kleidchen und auf roten High Heels wirkt die auch schauspielerisch umwerfende Louisa von Spies wie ein ausgelassenes Animiermädchen, das seine schier endlosen Beine in die Luft wirft und aufgekratzt plappert, um...

Staatstheater Nürnberg: „Tod eines Handlungsreisenden“ von Arthur Miller. Regie Sascha Hawemann, Bühne Wolf Gutjahr, Kostüme Hildegard Altmeyer

Nürnberg: Mangelware

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Mit 19 war sie bildschön. Die Jungs von der Berliner Filmakademie rissen sich darum, sie in ihren Filmen mitspielen zu lassen. Aber Isa Genzken wollte selbst welche drehen, verbaselte allerdings die Aufnahmeprüfung, begann daraufhin, Kunst zu studieren – und wurde eine der bedeutendsten Künstlerinnen der Gegenwart. In ihrem berühmt gewordenen Film „Die kleine Bushaltestelle (Gerüstbau)“ spielt sie dann doch vor der Kamera, gemeinsam mit ihrem Künstlerfreund Kai Althoff. Die acht Episoden sind frei nach Andy Warhols „Chelsea Girls“ aufgenommen. Ein 70-minütiges Filmalbum, in dem alles vorkommt, was ihr wichtig erscheint und ihr eigenes Künstlerinnenleben beeinflusst hat. Bei Buster Keaton und Architekturmoderne angefangen bis hin zum glamourösen Undergroundfeeling liefert der Film herzzerreißend komische Paarkonstellationen, Rollentauschspiele und Identitätswechsel. Wenn Genzken sich Cindy-Sherman-like vor der Kamera rekelt und voller Lakonie über den Beruf als Prostituierte nachdenkt: „Ich mache das hier, bis mich keiner mehr will“, oder sich lauthals weigert, auf ihrer eigenen Vernissage zu erscheinen, dafür viel lieber im Hotelbett liegen bleibt, ergeben die zahlreichen Geschichten um die wilde Renitenz ihrer Person ganz plötzlich einen Sinn. Jahrzehntelang gilt Isa Genzken als Femme fatale, als exemplarische Aussteigerin mit unsagbar radikalen Werkbrüchen. Sie rauscht durch die Kunstszene, lernt Lawrence Weiner und Dan Graham kennen, performt...

Kunst: Alles ist Skulptur

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Anton Cechovs Name fiel 1966 bei Suhrkamp, als die Lektoren über den 10. Band der Spectaculum- Reihe diskutierten, der die wichtigsten Dramen des 20. Jahrhunderts enthalten sollte. Der jüngste unter den Lektoren, Peter Urban, sagte da zur Verblüffung der anderen: „Dann muss das erste Stück darin ‚Der Kirschgarten‘ von Anton Cechov sein.“ Verblüfft waren die Lektoren deshalb, weil die Stücke, die sie in den Stadttheatern sahen, doch eher ins 19. Jahrhundert gehörten. Das sollte sich bald ändern. Drei Jahre später verwirklichten die Lektoren mit der Gründung des Verlags der Autoren nicht nur ihren „Traum vom herrschaftsfreien Arbeiten“ (Urs Widmer), sondern Peter Urban auch seinen sehr persönlichen. Bereits ein halbes Jahr nach seiner Gründung, im Herbst 1969, kündigte der Verlag die Neuübersetzung des dramatischen Werkes von Anton Cechov durch Peter Urban an, und wiederum ein halbes Jahr später wurde die erste neue Übersetzung, ausgerechnet die des „Kirschgartens“, inszeniert von Hans Lietzau, am Hamburger Schauspielhaus uraufgeführt. Wenig später folgten „Onkel Vanja“ in Stuttgart, „Drei Schwestern“ in Darmstadt, „Die Möwe“ in Basel, selbst „Der Waldschrat“ in Heidelberg: ein Cechov-Boom in den 70er und 80er Jahren mit Aufführungen, die erst auf der Grundlage der vom Schutt und Schrott der alten Übersetzungen befreiten Neuübersetzungen möglich...

Zum Tod von Peter Urban

Die Kunst des Übersetzens

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Als wir 2003, im zweiten Jahr meines Schauspielstudiums, mit Regiestudenten an Texten von Bertolt Brecht, Werner Schwab, Hanoch Levin und Heiner Müller arbeiten, bleibt mir die „Hamletmaschine“ ein Rätsel. Das Instrumentarium, das ich als Schauspielerin benutze, erweist sich als völlig unbrauchbar. Andere Mittel sind nötig, etwas, was ich noch nicht kann. Es geht weder darum, die Figuren psychologisch zu analysieren, noch darum, sie emotional erfahrbar zu machen – es gibt überhaupt keine Figuren –, es geht vielmehr um eine andere Arbeitsweise, die sich einem durch die Form, das Textmaterial und den Rhythmus aufdrängt. Was mich an Heiner Müllers Texten erstaunt, ist ihr Sound, ihre poetische Kraft, die Chiffren, in denen sie verschlüsselt sind. Vieles davon ist mir damals noch unverständlich, die Form macht auf mich einen größeren Eindruck als der Inhalt, doch meine Leidenschaft für Müller, die deutsche Literatur und das deutsche Theater ist geweckt, was für meinen späteren Lebensweg von fundamentaler Bedeutung sein wird. An der „Hamletmaschine“ arbeiten wir über ein Jahr lang, wobei sich das Stück fortlaufend verändert. Wir verbringen endlose Stunden damit, einzelnen Episoden Form zu geben, proben in kleinen Sälen, präsentieren die Ergebnisse unserer Arbeit auf Off-Festivals, spielen jedes Mal in anderen Räumlichkeiten, in Bunkern, Kellern...

Heiner Müllers Texte über das Verstricktsein im Räderwerk der Geschichte sind in Polen so aktuell wie eh und je

Wühlen in Särgen

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Im Wintersemester 2012/13 veranstaltete das Institut für Kulturpolitik der Universität Hildesheim die Ringvorlesung „Theater. Entwickeln. Planen. Kulturpolitische Konzeptionen zur Reform der Darstellenden Künste“. Als Medienpartner stand nachtkritik.de zur Seite, veröffentlichte die Inhalte zeitnah im schlanken Thesenformat und trug damit zur Erweiterung des Auditoriums bei. Nun hat der Direktor des veranstaltenden Instituts, Wolfgang Schneider, die Beiträge in einem Sammelband zusammengestellt und um Texte u. a. von Thomas Oberender, Heiner Goebbels und Armin Klein ergänzt. Anspruch der Unternehmung: Expertenmeinungen aus Theaterwissenschaft (u. a. Günther Heeg, Peter W. Marx), -kritik (Esther Slevogt, Nikolaus Merck), -pädagogik (Geesche Wartemann) und Kulturmanagement (Birgit Mandel) einzutreiben, um mit ihnen das deutsche Theatersystem durch die bevorstehende, „größte Umbruchsituation seit seiner Entstehung“ (Thomas Schmidt) zu manövrieren. All jenen, welchen die Debatte zur Zukunft des Stadttheaters (Schließung? Reform? Denkmalschutz?) vertraut ist, kann der Band wenig neue Impulse liefern. Leseanreiz bieten dann einzig vergleichende, theaterhistoriografische Tiefenbohrungen ins 18. und 19. Jahrhundert. Für Neueinsteiger in das Feld kulturpolitischer Dilemmata ist der Band hingegen ideal. Zeigt er neben der detailreichen Status-quo-Beschreibung vor allem, woran der Diskurs krankt: an Dualismenanfälligkeit. Freies Theater versus Stadttheater, das heißt: Kunst versus Kommerz, Internationalität versus Lokalität, Innovation versus Bildungsauftrag, Projektförderung versus institutionelle Förderung, Selbstausbeutung versus soziale Absicherung usw....

Wolfgang Schneider (Hg.): Theater entwickeln und planen. Kulturpolitische Konzeptionen zur Reform der Darstellenden Künste. transcript Verlag, Bielefeld 2013, 320 S., 24,99 EUR.

Hildesheimer Thesenanschlag

Für seinen vorherigen Film „Nader und Simin – Eine Trennung“ erhielt der iranische Regisseur Asghar Farhadi nicht nur den Goldenen Bären der Berlinale, sondern auch den Oscar für den besten fremdsprachigen Film. Prompt folgte eine Einladung nach Frankreich, wo der internationale Autorenfilm noch immer am intensivsten behütet, diskutiert und gefördert wird. Hier erhielt Farhadi die Möglichkeit, Le Passé – Das Vergangene zu inszenieren, ebenfalls ein Film über familiäre Konflikte, Verschwiegenes und Verborgenes, Schuld und Vergebung. Ein dichtes, in jeder Nuance erregend gespieltes Drama, das beim Festival in Cannes zu Recht mit der Goldenen Palme geehrt wurde. Erzählt wird von Ahmad, der aus Teheran nach Paris zurückkehrt, um nach vier Jahren der Trennung von seiner Frau Marie die Scheidungspapiere zu unterzeichnen. Doch Ahmad wird schnell in die Konflikte involviert, die Marie belasten: Ihre 16-jährige Tochter hasst den neuen Partner der Mutter; und auch dessen fünfjähriger Sohn leidet unter den Verhältnissen. Farhadi skizziert eine Folge leiser, intensiver Eruptionen, aus denen das Gesamtbild eines zum Zerreißen gespannten familiären Netzes entsteht. Ein emotional wahrhaftiges Kammerspiel. Wer Lars von Triers Nymph()maniac darauf reduziert, dass der derzeit wohl umstrittenste Regisseur des intellektuellen Weltkinos nun auch mal einen Porno gedreht habe, liegt gründlich daneben. Sicher: Ein Film...

Film: Hass und Begehren

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Der Materialergründer

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Links oben. Einer läuft durch die engen Gassen der Altstadt. Ein Verwirrter, der immer wieder dasselbe Wort ausstößt. Mehrmals an diesem Tag begegnet er mir. Denn auch ich lauf durch die Stadt. Es ist so mild in Split wie mitten im Frühling. Kommst du von der Riva, der Uferpromenade mit ihren Palmen, triffst du, ehe du in das verwinkelte Gewirr vorstößt, auf zwei rot umkreiste, rot durchgestrichene Verbotsschilder. Links eine männliche Figur, Hand am Hosenschlitz, angestrengt, leicht gebückt. Rechts eine weibliche Figur, in der Hocke, den Slip heruntergestreift. Auf Deutsch: Pissen verboten. Tatsächlich hält sich fast jeder daran, denn die Gässchen sind sauber. Als der Verwirrte wieder vorbeikommt, versuch ich, sein Wort zu verstehen. Ich stell mir vor, dass es der Name einer Frau ist, vielleicht Daria. Eine Frau, hundert Gassen. Links unten. Schon mit seinem ersten Roman ist Renato Baretić berühmt geworden, „Der achte Beauftragte“. Zurzeit lehrt er Kreatives Schreiben; er nimmt mich mit in den Unterricht. Ich kapier so gut wie nichts, nur die Worte für Dialog und Terroristen. Dann sagt er auf Deutsch das Wort Sitzfleisch und grinst herüber. Nachher geht der ganze Kurs zum Trinken und Rauchen in eine Kneipe. Hier erzählt er, dass sein Roman...

Engel und Verwirrte in der kroatischen Küstenstadt

Split Screen

Unglaublich, dass eine derart strahlende Frau so düsteres Theater machen kann – mit bleischweren Texten in abrissreifen Häusern, im Wurstküchenkolorit, im spröden Jugendhaus … Ihre Mittel: Performance, Video, bildende Kunst – und Sprache. Und nicht zuletzt: ästhetische Überwältigung mit Twens und Teenagern, deren frühreife Grenzüberschreitungsbereitschaft schlicht atemberaubend ist. 2005 gründete Beata Anna Schmutz, Germanistin, Kunsthistorikerin, Pädagogin, Regisseurin, Dramaturgin (und einiges mehr), im Heidelberger Haus der Jugend eine Theatergruppe. So weit, so unspektakulär. Was die gebürtige Danzigerin dort aber mit Theater Performance Kunst Rampig, aus Rampe und pig, den „Rampensäuen“ also, entwickelt hat, ist weit mehr als landesübliches Jugendtheater. „Die Inszenierungen haben Werke der klassischen Literatur zur Vorlage, die mit den Mitteln der neuen Dramatik sprachliche und visuelle Motive und Zitate aus der Pop- und Hochkultur kombinieren und so die Aufhebung herkömmlicher narrativer Erzählverfahren zum Ziel haben“, stellt Schmutz ihre Arbeitsweise trocken vor. Doch was zu sehen ist, ist weitaus sinnlicher, emotionaler und klüger als das. Ins Geschäft ist Schmutz, die zuvor auch als Museumspädagogin arbeitete, gleich ganz theatergegenwärtig eingestiegen. Vorne tobt Hamlets multipel besetzter Wahnsinn, daneben wird getanzt, in der Ecke performt, während an der Bühnenwand live ein Gemälde entsteht. Hier spielt die Musik; und Videos flimmern, die Angst und...

Die Heidelberger Theatermacherin Beata Anna Schmutz arbeitet mit Jugendlichen ausschließlich postdramatisch – und zeigt genreübergreifend große Kunst

Die Nachwuchsbesorgerin

Bühnenexperimente am Bauhaus

Mensch Raum Maschine

Kompositionsprinzip Collage

Flughafen Tegel. Das Bewusstsein des privilegierten Reisens. Die Leute, die vor siebzig Jahren in Richtung Israel aufbrachen, hatten langwierige Schiffsreisen oder einen beschwerlichen Landweg vor sich. Der Weg ins Gelobte Land war unwegsam, aber noch die komplizierteste Reise wurde mit dem später belastenden Privileg des Überlebens belohnt. Privilegien haben viele Gesichter. Flughafen Ben Gurion. Obwohl diverse Reiseführer und das Auswärtige Amt vor den intensiven Befragungen warnen, gibt es trotz meines Iran-Visums keine. „What did you do in Iran?“ „I am a theatre director, I hold a workshop during a festival.“ Ich werde gemustert und durchgewinkt. Am Ausgang immer wieder orthodoxe Juden mit Schläfenlocken, Bärten, Hutschachteln der Firma Ferster. Wenn die Bärte sich grau färben, scheint sich die bei den Jungen vermutete fundamentalistische Militanz zu verlieren. Aber auch das sind Projektionen. Projektionen wie das gesamte Bild, das ich von Israel habe, weil unser Verhältnis nie „normal“ sein wird, solange es eine Idee von Geschichte gibt. Vielleicht war das ein Grund, warum die Reise mit „Arturo Ui“ nach Israel immer ein Wunsch war. Dass es einer von Heiner Müller war, ist Teil einer Legende. Als Müller starb, gab es noch keine zwanzig Vorstellungen, gab es kein einziges Gastspiel. Die setzten erst nach...

Brechts „Arturo Ui“ machte in der Regie von Heiner Müller Weltkarriere – nun erfüllte sich der Wunsch nach einem Gastspiel in Israel

Müllers Requiem

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Der letzte Tag. Silvester. Nach Mitternacht. Das Paar kehrt in Elisabeth Krenns Grazer Wohnung zurück. Graz – verhasste Stadt! Kellerkindheit in Schmutz und schimmliger Kälte. Knöcheltiefes Laub und Nebel im Park. Die Wohnung, eine schicke Beletage vielleicht, zumindest großbürgerlich, muss dem einstigen Unterschichtenkind, jetzt Fäkaliendramatiker und Aufs-Maul-schau-Dichter, wie eine Insel vorgekommen sein, eine Insel der Ruhe, eine Insel des Ekels, faszinierend und abstoßend zugleich. Gegen drei Uhr morgens stürzt im Souterrain des Hauses ein Betrunkener durch die Schaufensterscheibe eines Geschäfts. Elisabeth Krenn verlässt die Wohnung. Ein paar Stunden später ist Werner Schwab tot. Was genau sich an diesem 1. Januar 1994 abspielte, bleibt Mythos, im Dunkeln, wie das Kellerkind: Werner Schwab, der vor fast genau 20 Jahren, womöglich an einem Herzstillstand nach exzessivem Alkoholkonsum, starb. Eine Rückkehr ins Dunkel, nach einem kurzen, alles verzehrenden Leben. Der Theaterkritiker Helmut Schödel, auch er ein Besessener seines Metiers, hatte kurz nach Schwabs Tod dessen Lebensgeschichte verfasst. „Seele brennt“ heißt dieses irre Buch, das anlässlich des 20. Todestags des Dichters in kleiner, exklusiver Auflage von 1000 Stück als Hörbuch erschienen ist, eingesprochen in weiten Teilen von Schödel selbst in seinem raunenden, doch immer staunenden In-den-Bart-Genuschel-Ton, begleitet u. a. von Maximilian Simonischek, Peter Turrini und...

Helmut Schödel: „Seele brennt“. Der Dichter Werner Schwab. Ein Hörbuch. Verlag für moderne Kunst, Nürnberg 2013, 3 CDs.

Das letzte Biest am Himmel

Das Musikzimmer liegt ganz oben, im dritten Stock des Verwaltungsgebäudes des Maxim Gorki Theaters. Auf dem Flur riecht es nach Krankenhaus. Die Einrichtung des Zimmers mit dem so vielversprechenden Namen wirkt nüchtern, geradezu lieblos. Eine alte Musikanlage, auf der ein Zettel „defekt“ klebt, ein billig wirkendes Klavier, ein runder Tisch, Stühle, ein Spind und – immerhin – ein Sofa. Hierher muss man seine musische Hochgestimmtheit mitbringen, sie kommt einem nicht entgegen. Das ist auch die Situation des neuen Gorki Theaters unter Shermin Langhoff. Alles sehr nüchtern, funktional, fast schon lieblos – man muss den neuen Geist erst hereintragen ins Haus, ihn durchsetzen mit einem Anspruch, der, kaum beginnt man über ihn zu sprechen, in viele verschiedene Ansprüche zerfällt. Es ist die Stunde der vielen Communitys in der urbanen Großstadtkultur, für die das Gorki Theater einen Anlaufpunkt bieten will. Übergang und Transformation sind die allgegenwärtigen Worte dieser ersten Spielzeit. Aber woher und wohin, vor allem zu welchem Zweck? Ist das als soziologischer Anspruch am Ende interessanter als von seinen künstlerischen Resultaten her? Falk Richter betritt das Musikzimmer, er arbeitet als Gast hier, hatte an der Schaubühne mit „Trust“ einen Welterfolg gefeiert, das Stück wurde in 25 Sprachen übersetzt. Er scheint mit...

Shermin Langhoff und Jens Hillje erkunden in ihrer ersten Spielzeit am Maxim Gorki Theater Berlin Übergänge – nur woher und wohin?

Die Stunde der Vielen

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Goethe ist jetzt das Schimpfwort auf deutschen Schulhöfen. Und weil der Rapper Kay One vom Rapper Bushido mit Goethe verglichen wurde, ist er tödlich beleidigt. „Das ist wirklich zu viel. Das verzeihe ich nie.“ Vor Bushidos abgebrannte Villa in Kleinmachnow wurden die Bände der Sophien-Ausgabe gekippt. Der meistgesehene Film derzeit: „Fack ju Göhte“. Das ist die Lage. Im Theater kommt sie einem Kriegseintritt gleich. „Schiller für die Super-Illu. Transhumane Figurationen.“ Die Verlage vertreiben Stücke nicht mehr für zivile Zwecke, sie beliefern ein Schlachtfeld. Das ist nicht mehr der Ort, wo mit klaren Haltungen gearbeitet wird, begabt mit Interesse. Auch das war ein Kampf: mit den Verhältnissen. Da wurde der Text eingerichtet, jetzt wird er entkernt. Es geht blind in die Menge. Im neuen Gorki wird ein Stück unter meinem Namen gegeben, das mir unbekannt ist. Die Zeitungen haben mir abgenommen zu erklären, dass ich nicht der Autor bin. Ich konnte mich nicht mal insoweit vermengen, dass ich es verbiete. Es wäre mir lieber, nicht plakatiert, aber gespielt zu werden. Das Stück, das die Zensur überlebt hat … und sich nun selbst verbietet. Wenn man lesen könnt! Der Terror logiert im Theater, im Saal sitzen die Geiseln, und die Souffleuse würgt...

Der Terror logiert im Theater

Das ewige Prinzip, das die Welt in Bewegung hält: Die einen wollen hoch und die anderen nicht runter. Die Franzosen haben diesen bösen Kampf als Erstes zu einem hübschen, doch darum nicht weniger grausamen Spiel erklärt: Bleibe immer charmant und geistvoll! Auch auf dem Weg zur Guillotine sollte man weder die Contenance verlieren noch seine Garderobe vernachlässigen. Molière geht ihnen allen voran, Balzac, Stendhal, Flaubert. Da lässt sich einer nichts vormachen und hört doch nicht auf, das Spiel um Schein und Sein mitzuspielen. Es ist plötzlich ein neues Element in der Welt von Adel und Kirche hinzugekommen: der Bürger, durch erfolgreiche Geschäfte reich geworden. Der Kapitalismus ist die Welt von morgen – und sucht sich seine Bühne jenseits des Kontors. Aber auf der scheint der Bürger erst einmal ein beargwöhnter Emporkömmling. Sein Geld nimmt man gern, aber ansonsten ignoriert man ihn lieber. Molières „Tartuffe“ hatte 1669 Premiere, da gab es noch einflussreiche klerikale Kräfte am Hofe Ludwig XIV., die ihn dafür verbrennen lassen wollten. Religion: Hier nur noch eine Maske für andere Begierden, jene, die eine neue, doch keineswegs bessere Welt verheißen. Betrug wird in dieser zu einer Tugend, die den erfolgreichen Geschäftsmann zeigt – wer sich über ihn empört,...

Schaubühne: „Tartuffe“ von Molière. Regie Michael Thalheimer; Volksbühne: „La Cousine Bette“ nach Honoré de Balzac. Regie Frank Castorf

Berlin: Vertreibung aus keinem Paradies

Wie punktet man bei einem ersten Rendezvous? Indem man Adorno zitiert? (Nicht) unter (allen) Umständen. Ein gewisser Martin Neumann, Hauptfigur des jüngsten Martin- Heckmanns-Textes, versucht es. Allerdings mit zwei kleinen Abweichungen: „Geliebt wirst du dort“, hofft er, „wo du schwach dich zeigen kannst, ohne Stärke zu provozieren.“ Im Original, „Minima Moralia“ No. 122, hatte es noch geheißen: „… wirst du einzig“, „… dich zeigen darfst …“ Der Unterschied, so klein er sein mag, ist doch nicht ganz unerheblich: Adornos Monogramm scheint eher eine pessimistische Engführung zu enthalten denn eine (optimistische) Handlungsanweisung. Deuten wir es mal so: Martin Neumann/ Heckmanns nimmt ein wenig die Schärfe aus Adornos rigidem Moralismus. Der 1971 in Mönchengladbach geborene Autor spart ja in seinem „Kleinen Bochumer Welttheater“ (gewissermaßen der inoffizielle Untertitel seines Stücks „Es wird einmal“) nicht eben mit Verweisen und Anspielungen; man könnte auch sagen: Der Text ist wie eine weihnachtliche Wundertüte bis zum Rand vollgepfropft mit Bildungsgut, das er uns Zuschauern nun zum Naschen darbietet. Mit dem „Welttheater“ à la Calderon ist es bei Weitem nicht getan, auch das noch viel ältere Mysterienspiel vom „Sterben des reichen Mannes“, genannt Jedermann, ist mit von der Partie. Dabei geht es Heckmanns eigentlich viel eher ums Leben....

Schauspielhaus Bochum: „Es wird einmal“ (UA) von Martin Heckmanns. Regie Anselm Weber, Bühne Hermann Feuchter, Kostüme Meentje Nielsen

Bochum: Leben als Testverlauf

Es müssen Köpfe rollen

So übel ist die Liste nicht: Gustaf Gründgens, Karl-Heinz Stroux, Ulrich Brecht, Günther Beelitz, Volker Canaris, Anna Badora. Intendanten des Düsseldorfer Schauspielhauses, bisweilen mit einer Verweildauer von gut und gerne zehn Jahren. Amélie Niermeyer trat 2006 mit viel Elan an, stellte ein vorzügliches Ensemble auf, doch nach fünf Jahren hatte sie genug und wechselte als Professorin nach Salzburg. Es kam der Schwede Staffan Valdemar Holm. Der hatte gesundheitliche Probleme, wie sich herausstellte, aber auch gute Ideen und kühne Pläne; mit Falk Richter, Nurkan Erpulat und Nora Schlocker präsentierte er drei Hausregisseure mit je spezifischen Stärken. Der große Publikumsandrang blieb dennoch aus, die Politik machte Druck, das Experiment scheiterte, nach 15 Monaten gab Holm auf und hinterließ ein Defizit (es wird mit 1,6 Millionen Euro beziffert, aber Zahlen sind desto kryptischer, je länger man sie anschaut). Eine elfköpfige Intendantenfindungskommission zerstritt sich infolge von Indiskretionen: Jemand hatte die Reihe illustrer Kandidaten der Rheinischen Post anvertraut. Eine Posse? Ein Trauerspiel? Rheinischer Kapitalismus? Es ist doch so: Der Düsseldorfer mit seiner sogenannten Frohnatur liebt das Theater, liebt die Schauspieler, große Namen, große Titel, aber keine „Konzeptkunst“. Seit Johannes Rau Joseph Beuys aus der Akademie schmiss, ist dies ein wiederkehrendes Motiv; kein Running Gag, sondern...

Eine Posse? Ein Trauerspiel? – Am Düsseldorfer Schauspielhaus wartet man auf die neue Leitung

Der virtuelle Intendant

„Work hard, play hard?“

Im Dezemberheft von Theater der Zeit (12/2013) und im November in einem Interview der Zeit (49/2013) äußerte sich Thomas Oberender in Gesprächen mit Thomas Ostermeier, Ijoma Mangold und Moritz Müller-Wirth zur Zukunft des deutschen Theatersystems und schloss mit der Forderung nach einem „Systemwandel“. Beide Beiträge hinterlassen ein zwiespältiges Gefühl. Weil Oberender sehr vieles richtig beschreibt und Probleme zutreffend benennt, dabei aber gleichzeitig sehr ungenau und in mancher Hinsicht missverständlich bis fahrlässig formuliert. Um einige Beispiele zu nennen: Die Erprobung neuer Kooperationsmodelle und projekthafter Arbeitsformen in einen strategischen Zusammenhang mit neoliberalen Ideologien zu stellen oder sie daraus abzuleiten, rückt alle Versuche, an einem neuen, positiven Begriff von Stadttheater zu arbeiten, in ein schiefes Licht. Neoliberalismus ist nicht „okay“ (wie Oberender sagt) und bietet keinerlei Begründung für Entstehungsbedingungen von Kunst, die an der Teilhabe und Teilnahme von möglichst vielen Menschen interessiert ist. Solche Kunst wird sich im Gegenteil immer aus dem Widerspruch gegen neoliberale Tendenzen begründen. Wenn Oberender sagt: „Wir sind in vielen Häusern an einem Punkt, wo wir den Gürtel nicht mehr enger schnallen können. Jetzt kann man das Kleid nur noch ablegen“, dann ist das für die Kollegen von Rostock bis Halle und Wuppertal (und bis vor einigen Jahren auch...

Warum die institutionelle Förderung im Gegensatz zur Projektkultur. Eine Antwort auf die von Thomas Oberender in Theater der Zeit 12/2013 gestellte Systemfrage

Das freie Stadttheater

Februar 2014

Premieren

Der genetische Code Amerikas

Findet Boulevardtheater noch immer in einem Paralleluniversum statt – meist fern öffentlich finanzierter Häuser? Nein, die Grenzen sind fließend geworden. Das Theater Baden-Baden mit Intendantin Nicola May erprobt immer wieder aktuelle Boulevardtexte, derzeit ein Stück des preisgekrönten Broadwaydramatikers Christopher Durang, der mit schrägen, dunklen Psychologiekomödien wie „Trotz aller Therapie“ hier gern in die Woody- Allen-Schublade gesteckt wird: „Vania und Sonia und Mascha und Spike“, uraufgeführt 2012 am McCarter Theatre in Princeton, gibt sich im Titel als upgedateter Tschechow-Remix zu erkennen und gewann 2013 den begehrten Tony Award. Die Frage ist: Wie geht so etwas diesseits des Atlantiks? Die Europäische Erstaufführung (EEA) am Theater Baden-Baden inszenierte der Schweizer Stefan Huber, von Haus aus Musicalspezialist. Er entwickelt das komische Potenzial des Stücks eher beiläufig, locker, lässig, ohne Schrillheiten. Sonia und Vania, zwei schon in den Fünfzigern angelangte Nachkommen eines Professorenhaushalts, führen ein ereignisloses Dasein im ererbten Gut der Eltern. Dass sie sich schon beim Morgenkaffee zanken, lässt tief in ihr ungelebtes Leben blicken. Selbst als Sonia die volle Tasse an die Wand deppert („Ich hasse das Leben!“), hält Huber den Ball angenehm flach. Nein, allzu exaltiert agiert hier niemand, hier wird eher Tschechow-like geplaudert, gesehnt und gekabbelt. Manchmal auch bitterböse, klar. Was...

Theater Baden-Baden: „Vania und Sonia und Mascha und Spike“ (EEA) von Christopher Durang. Regie Stefan Huber, Ausstattung Andrea Wagner

Baden-Baden: Wir haben noch Briefmarken geleckt!

Der Atem des Raumes

Geschmack, Konsistenz und Aussehen Ihres Brötchens sollen genau richtig sein“, steht in projizierten Lettern auf der Theke. Tankwartin Ursula Richter erfüllt ihre Aufgabe als Bistromitarbeiterin mit weißen Hygienehandschuhen akkurat. Gekonnt teilt sie Butter und Belag nach Augenmaß, sie schmiert und belegt sorgfältig. Mit Bedacht beäugt sie die Form des Boulettenbrötchens, nickt stolz und legt es: in den Mixer. Warum die Tankwartin dann an ihrem so effizient zerkleinerten Brötchenbrei nippt, ist vielleicht gar nicht so wichtig. Jedenfalls nicht, wenn Marshall McLuhan recht hat: The medium is the message? Das Intermedia Orkestra (IMO) entstand 2009 aus Studierenden der Geisteswissenschaften in Leipzig. Für ihr aktuelles Projekt „Broadcasting Yerevan“, das im April dieses Jahres in der Bremer Schwankhalle in Kooperation mit Radio Bremen und Szenenwechsel, dem Förderprogramm der Robert-Bosch-Stiftung und dem ITI, Premiere feiern wird, formierte IMO sich 2013 neu. Als Gründungsmitglied versammelt der Germanist Lukas Bugiel nun die Berliner Tanzwissenschaftlerin Alexandra Hennig sowie die Hildesheimer Performerin Juliane Hahn und die Bochumer Theaterwissenschaftlerin Mareike Theile um sich. Nomen est omen, orchestrieren sie im Spannungsfeld verschiedener Künste, Formen und Formate, die sie zusammenbringen und in neue Richtungen steuern. Beim variationsreichen Zusammenführen und Verknüpfen der unterschiedlichen Formate und Präsentationsmodi ist für IMO maßgebend, dass sie in...

Die Leipziger Formation Intermedia Orkestra betreibt künstlerische Forschung nicht am, sondern mit dem Publikum

In Komplizenschaft

Irritierend ist das schon. Kann man doch, was seit Anfang Dezember vor stets vollem Haus auf der Bühne des Athener Attis-Theaters gezeigt wird, nur als Absage an all die Reformbemühungen verstehen, die Griechenland, wenn der Plan denn aufgeht, mittelfristig aus Not und Elend befreien und mitteleuropäischen wirtschaftlichen Standards annähern sollen. Oder doch nicht? Wie schon häufiger in neueren Aufführungen von Theodoros Terzopoulos erzählt „Amor“ keine Geschichte, sondern beschreibt, reflektiert, überhöht eine zielgenau gesetzte Ausgangs- und zugleich Endsituation. Konkret geht Terzopoulos dabei von einem Textentwurf des 35-jährigen Thanasis Alevras aus, der rund ein Jahrzehnt lang Schauspieler am Attis-Theater war, bevor er 2010 mit einem Projekt für Migrantenkinder auch als Dramatiker debütierte. Aber die Wortebene ist in „Amor“ nur eine unter anderen. Dicht an der Rampe des Theaters ist eine Art begehbare Skulptur installiert. Im Wesentlichen besteht diese aus einer vertikalen, fast die ganze Höhe des Raumes einnehmenden Röhre auf der linken Seite, an die sich, leicht schräg nach hinten versetzt, ein schmales, ungefähr kniehohes schwarzes Podest anschließt, das bis an die rechte Brandmauer führt. An dieser wiederum sind einige Tritte angebracht, die an den Anfang einer lotrechten Feuertreppe denken lassen. Natürlich laden sie dazu ein, an der Wand hochzuklettern. Aber leicht...

Attis-Theater: „Amor“ nach Texten von Thanasis Alevras. Regie, Bühne und Licht Theodoros Terzopoulos, Kostüme LOUKIA

Athen: Im Hochofen des Neoliberalismus

Cat und Stephanie verstehen sich gut. Sie leben in einer kleinen Stadt, in der sie gut erzogen werden – und natürlich doch viel „Verbotenes“ tun. Bald jedoch wird Cat zum Studium wegziehen. Und ihre Freundin Stephanie wird in der Provinzstadt zurückbleiben. Irgendetwas will Stephanie ihrer Freundin zum Abschied schenken. Warum nicht den iPod ihres Bruders? Vor dessen Protest braucht sie keine Angst zu haben, denn ihr Bruder wird kaum etwas sagen. Von ihren Eltern ist auch kein Ärger zu erwarten: Der Vater ist weg, und die todkranke Mutter wird Stephanies Aktion nicht kommentieren. Stephanies Überlegungen sind ziemlich unempfindlich. Und tatsächlich geht es in Simon Stephens’ Stück Morning auch nicht lange gut. Denn bevor Cat geht, wollen die beiden Freundinnen Stephanies Freund Stephen zu einem Dreier verführen. Was zu todbringenden Konsequenzen führt ... Verliebt, verlobt, verheiratet, geschieden, verliebt. So nüchtern lesen sich Glück und Schmerz. Jack und Jill verlieben sich nach anfänglichem Zögern. Heiraten dann auch – und bums, wird der Alltag zum mächtigen Dämpfer für die Liebe, der zur Trennung führt. Doch lassen können Jack und Jill nicht voneinander. Sie treffen sich immer wieder und verlieben sich erneut … Nichts Neues, könnte man sagen. Aber immer wieder auch ein hoffnungsvoller...

Hörspiel: Verlassen, verliebt, verhöhnt

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

<h2>JULIAN PÖRKSEN</h2> <h1>Verschwende Deine Zeit</h1> <h3>»Was die Macht in erster Linie auferlegt, ist ein Rhythmus (von allem möglichen: des Lebens, der Zeit, des Denkens, des Diskurses).«1 Roland Barthes</h3> THE ULTIMATE MACHINE Claude Shannon, Mathematiker und Begründer der Informationstheorie, hat eine Reihe von bemerkenswerten Apparaten entworfen, darunter mehrere Jongliermaschinen, eine frühe Version des Schachcomputers, einen motorisierten Pogo Stick, eine mechanische Maus und ein raketenbetriebenes Frisbee. Sein Meisterstück jedoch, zumindest in philosophischer Hinsicht, ist die Ultimate Machine. Eine dunkle Holzbox mit einem kleinen Kippschalter auf der Oberseite. Betätigt man den Schalter, dann ertönt ein schwaches Summen, eine Klappe öffnet sich, eine kleine Hand kommt zum Vorschein, befördert den Schalter zurück in die Ausgangsposition und verschwindet wieder im Inneren der Box. Die Maschine hat sich selbst wieder ausgeschaltet. Automatisierte Verweigerung, mechanischer Trotz, der Wunsch einer Maschine, von uns in Ruhe gelassen zu werden. I WOULD PREFER NOT TO Ähnlich verhält sich Melvilles zur Zeit so populärer Verweigerungskünstler Bartleby, ein Kanzleischreiber, der jede ihm aufgetragene Aufgabe mit dem unschlagbaren Satz »I would prefer not to« ablehnt. »Ich möchte lieber nicht« – und plötzlich steht zur Wahl, was immer selbstverständlich schien. Auch Nichtstun ist eine Option. Seine Umwelt, alarmiert und ratlos, versucht, ihn...

Verschwende Deine Zeit

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Rainer Nägeles „Der andere Schauplatz“ ist, so heißt es im Klappentext, ein Versuch, die Welt „etwas näher an das heranzurücken“, was sich in dem Quadranten verdichtet, den die Eckpunkte Georg Büchner, Bertolt Brecht, Antonin Artaud und Heiner Müller markieren. Mit Nägele betreten wir einen Resonanzraum schmerzhafter Wahrheiten. Ein Extrem oder poetisches Kristallisationsgitter, das den anderen Schauplatz, so ein Topos Walter Benjamins, erfahren lässt. Dieser Schauplatz des Anderen ist Lichtjahre entfernt von unserer aktuellen Konsensepoche, die vom Pathos einer leeren „Ehrlichkeitsrhetorik“ in die Knie gezwungen wird. Der Riss, der durch die Moderne ins Heute läuft, zeigt uns einerseits ein enorm angespanntes Bewusstsein und andererseits zugleich die Herrschaft eines selbstzufriedenen Juste Milieu. Auf der einen Seite steht der uneingeholte Versuch im Theater, mit Form und Sprache über das Bestehende hinauszugelangen, auf der anderen das unentwegte Feiern eines technisch aufgerüsteten neuen Naturalismus, mit einer gegen das Mimetische und Fiktive gerichteten Authentizität im Zentrum. Der Autor bekennt kurz und knapp, für welche Partei sein Herz schlägt: „Die Aufrichtigkeitskultur ist das Theater der objektiven Verlogenheit.“ Allerdings siedelt Nägele dieses Verhältnis nicht dialektisch an. Er hat alle Hände voll zu tun, so unterschiedliche Konzeptoren wie Brecht und Artaud zusammenzuspannen. Es gelingt ihm, die Affinität des widerspenstigen...

Rainer Nägele: Der andere Schauplatz. Büchner, Brecht, Artaud, Heiner Müller. Stroemfeld Verlag, Frankfurt a. M. 2013, 192 S., 28 EUR.

Der Mensch als Fehler

Gegen die Vereinzelung

<h2>Ein Diaessay von SABINA HOLZER und JACK HAUSER</h2> <h1>Hereinspaziert</h1> Exzerpt. 4. Brief an Miryam van Doren von Sabina Holzer Liebe Miryam, ich bin überzeugt, dass die Produktion eines Tatbestandes untrennbar mit dem Ort verbunden ist, an dem er zur Aussage gebracht wird; mit dem Ort, an dem der Tatbestand sich als Aussage veranstaltet. Können bestimmte Verortungen Repräsentationsraster verschieben? Das ist mein dringlichster Wunsch. Ihn will ich erforschen und dafür habe ich die besten PartnerInnen. Wir gleiten hin und her zwischen einem Ich und einem Wir. Wir sagen ich und ich sagt wir. Wir haben uns etwas aufgelöst, wir haben uns verkleidet, wir sind für eine kurze Zeit jemand anderer geworden. Ein Team, eine Bande, die plötzlich entsteht und sich wieder löst. Es soll keine Anmaßung sein zu sagen, hier sprechen viele, keine Anmaßung zu sagen, wir singen. Keine Anmaßung, dich einmal mehr zu bitten, erzähl. Erzähl von den Ägypter-Innen, hier, jetzt. Erst dachte ich, ich muss nach Ägypten, dann dachte ich, ich muss nicht nach Ägypten. Ich sollte zu einem Ort, der am weitesten davon entfernt ist. Irgendwo eine Insel, vielleicht im pazifischen Ozean und dort eine Geste der Zugehörigkeit setzen, für ein imaginäres Land in dem Formen von Beziehungen...

Hereinspaziert. Ein Diaessay

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Nele Hertling ist ein Phänomen. Seit Beginn der 60er Jahre bis heute ist sie wesentliche Mitgestalterin der internationalen Kulturkontakte in Berlin. Dabei sind es nicht die Netzwerke allein, mit denen sie die europäische Idee oder internationale Theaterstrukturen pflegt, sondern vor allem langfristige, intensive Freundschaften zu Künstlern und Veranstaltern. Diese Freundschaften basieren auf einem tiefen Verständnis für eine radikale Avantgarde der Nachkriegszeit und auf der Überzeugung, dass die Künste wesentlich beitragen zur gesellschaftlichen Aufklärung und zur Bildung einer kritischen und gerechten Demokratie. Der Gedanke der Emanzipation und die Infragestellung eingefahrener Strukturen sind ihr Triebkraft für eine unerschöpfliche Produktivität und ein nicht nachlassendes Engagement. Das verbindet sie mit Luigi Nono ebenso wie mit Jan Fabre, Reinhild Hoffmann, John Cage, Merce Cunningham, Gerhard Bohner, Heiner Müller, Pina Bausch oder Robert Wilson, um nur einige zu nennen. Die Liste ihrer Produktionen und Koproduktionen erscheint unendlich. Zwischen 1970 und 1987 stellte sie auf dem jährlich stattfindenden Festival Pantomime – Musik – Tanz – Theater in der Akademie der Künste die gesamte amerikanische Tanz-, Theater- und Musikavantgarde vor, widmete sich der französischen Szene ebenso wie Osteuropa. Allein mit ihrer Programmidee eines internationalen Werkstattfestivals zur Kulturstadt Europas 1988 versammelte sie die wichtigsten Protagonisten der internationalen Kunstszene in...

Herzlichen Glückwunsch zum 80., Nele Hertling!

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Für Horacio, der Papierschwänze und Zigarettenstummel wirklich überall hinsteckt. Sergio Blanco Óscar Cornago Lucrecia Martel Verehrter Kunde, stecken sie die Zapfpistole erst dann in die Zapfsäule, wenn sie fertig getankt haben.(1) Schild an einer Tankstelle Ich werde niemals deutsche Stücke schreiben können. Seid nicht so schwärmerisch. Fabián Suárez Trotz alledem halte ich mich nicht für unerfolgreich, was meine Künstlerkarriere als Süßigkeitenverkäuferin anbetrifft.(2) Francisco Fernández El negro cheche Ich habe ein Album über eine schlimme Phase, die ich überwunden habe, aufgenommen. Mit dieser Stimmung fängt das Album an und es hört damit auch wieder auf. Amy Winehouse Ein Ehrenkonzert Die Republik ist die Hauptperson Die Republik fordert das Lied How sure I your true love know das bereits William Shakespeare in der Uraufführung von Hamlet 1601 im Globe Theater spielen ließ Die Republik bestellt vier junge Menschen zur Inszenierung ein Amlet ihr Dramatiker Ophelia ihre Lunge Laertes ihre Handlung Braz ihre Hoffnung Alle vier sind Waisen Sie leisten dem Wunsch der Republik Folge Als Szenerie lässt die Republik die Terrasse vor dem Schloss erscheinen Es ist tiefe Nacht Auf die Plätze fertig los Auf gar keinen Fall LAERTES: Aufstehen und mir selbst sagen ein Scheiß bist du ein Scheiß...

Deutsch von Dorothea Köhler

Gestern habe ich aufgehört, mich zu töten. Dank dir, Heiner Müller

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Bei uns gelten sie schon seit Langem als beste Off-Off-Gruppe von New York, nur dort hat es noch niemand gemerkt. Wie einst The Wooster Group oder der junge Wilson haben Pavol Liska und Kelly Copper ihre Karriere hauptsächlich in und dank Europa gemacht: Da gab es die Koproduktionen und Gastspiele, die man ihnen zu Hause verwehrte. Dabei sind ihre Arbeiten durch und durch amerikanisch – nur der Name ihrer Gruppe, Nature Theater of Oklahoma, der stammt von Franz Kafka (aus dem unvollendeten Roman „Amerika“). Nach der Arbeitsmethode des Nature Theater befragt, antwortet der Regisseur Pavol Liska: „Wir nehmen Material, das noch nicht Kunst ist, und arbeiten hart daran, es in Kunst zu verwandeln. Unsere Arbeit markiert den Abstand zwischen dem Urmaterial und dem, was schließlich auf der Bühne zu sehen ist.“ Das Urmaterial besteht aus langen Telefongesprächen zu gesetzten Themen, alle schon vor Jahren geführt und nun in den Aufführungen eins zu eins vorgetragen, mit allen Ähs und Hms, allen Versprechern, Abschweifungen und Wiederholungen. Diese Struktur ist immer gleich, nur die Darbietungsform ändert sich, kann Drama, Musik, Film, Gesang oder Tanz sein, auch alles zusammen oder nichts davon. Liska und Copper begannen mit Tschechow und Horváth, fühlten sich aber von...

Armeschlenkern, Augenrollen, begriffsstutziges Stieren – das Nature Theater of Oklahoma verwandelt Nichtkunst in Kunst, und das virtuos

Äääh ...

Radikal weiblich

Jetzt sind sie wieder da, weithin sichtbar: Die roten LTT-Lettern, zeitweise „aus Sicherheitsgründen“ entfernt, prangen wieder auf dem Dach des Landestheaters. Am LTT tut sich was: Intendantin Simone Sterr, seit 2005 am Ruder, will das Haus nach neun Spielzeiten im Sommer 2014 verlassen, danach übernimmt Thorsten Weckherlin von der Landesbühne Dinslaken. Doch jetzt, in ihrer letzten Saison in Tübingen, will Sterr mit ihrem Team noch mal alles zeigen: „Die Fahne steht nicht auf Abschied, sondern auf Aufbruch.“ Neben Klassikern, regionalen Projekten und neuer deutschsprachiger Dramatik rückte das LTT unter Sterr stets auch internationales Gegenwartstheater von Kanada bis Sibirien in den Spielplan. Besonders die russische Dramatik entwickelte sich zu einem viel beachteten Schwerpunkt. Dank dieses kontinuierlichen Engagements konnte das LTT nun auch die deutschsprachige Erstaufführung von Sachar Prilepins „Sankya“ (2006) ausrichten, einem als „Kultroman“ der Opposition gepriesenen Buch, das jenseits von Zynismus und experimenteller Poetik das Lebensgefühl einer jungen regimekritischen Generation in realistischer Prosa auf den Punkt bringt. Dass „Sankya“ erst 2012 in deutscher Übersetzung erschien, mag damit zu tun haben, dass sich der Roman offensiv auf Begriffe wie „Heimat“ bezieht und nationalistische Töne anklingen lässt („Die Russen haben ihr Russisch-Sein verloren“). Vielleicht auch damit, dass der Autor Sachar Prilepin (Jahrgang...

Landestheater Tübingen: „Sankya“ (DSE) von Sachar Prilepin. Regie Ralf Siebelt, Ausstattung Hannah Landes

Tübingen: Russenrock und Rebellion

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Auf dem Dach des Theaters des Kulturzentrums Parque Cultural de Valparaíso steht der Musiker Lito Celis neben einem Mikrofon in der chilenischen Frühsommersonne. „Meer“. „Wacklig“. „Brise“. „Farbe“. „Bella Vista“. In jeweils fünf Worten sammelt er die Eindrücke, die die Stadt bei den Teilnehmern von Movimiento Sur nach einer Woche Akademie hinterlassen hat. Eine Stadt, die offiziell nie gegründet wurde, wie Celis erzählt, sondern spontan und planlos aus ihrem historischen Kern erwuchs. Ehemals wichtigster Handelsknotenpunkt am Pazifik, der mit der Eröffnung des Panamakanals 1914 seine wirtschaftliche Bedeutung verlor, erstreckt sich Valparaíso über 42 zum Meer abfallende Hügel, unten der Hafen, an den Hängen ein Gewirr aus bunten Häusern unterschiedlichster Baustile und -materialien, schiefen Treppchen und engen Gassen, Seilbahnen, streunenden Hunden und Katzen, Graffiti. Darüber ein Klangteppich aus Motorengeräuschen, Baulärm, Kirchenglocken, den Signalhörnern der Schiffe in der Bucht, dem Kläffen der Straßenhunde, dessen Echo wie Dolby Surround von Hügel zu Hügel wandert. Für Lito Celis hat Valparaíso eine ganz eigene Stimme – und die ist „pure Bewegung“. Der Chilene ist einer der sogenannten „Kontextleser“ des Laboratoriums, des Kerns von Movimiento Sur – lokale Künstler, Soziologen und Architekten, die in Referaten und Exkursionen die geografischen und sozialen Besonderheiten der Hafenstadt vorstellen. Ausgehend von...

Im chilenischen Valparaíso suchen lateinamerikanische Tänzer und Choreografen bei dem Akademieprojekt Movimiento Sur nach dem Eigenen

Generation ohne Angst

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Festival der Besessenen

Im Januar jährte sich Heiner Müllers Geburtstag zum 85. Mal. Für uns Anlass, über Müller in der Welt zu berichten, über seine Einflüsse, Bedeutung, Rezeption. Unser „Müller global“ beginnt in Lateinamerika mit dem Stückabdruck „Gestern habe ich aufgehört, mich zu töten. Dank dir, Heiner Müller“ des kubanischen Dramatikers Rogelio Orizondo. Harald Müller berichtet von dem Triumph der Gotscheff’schen „Hamletmaschine“ auf Kuba und in Mexiko, der umso bemerkenswerter ist, da die...

Editorial

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Inklusive Ansätze erproben!

Meldungen

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

Steht man vor dem Haus Kollwitzstraße 53 in 10405 Berlin, also dort, wo „der Gentrifizierungsprozess beinahe abgeschlossen ist“, entdeckt man eine schlichte Tafel mit dem aktuellen Monatsprogramm, nichts deutet darauf hin, auf was für eine Tradition diese „namenlose“ Institution zurückblickt und wie intensiv und extensiv hier gearbeitet wird. Nicht nur für den Kiez, nicht nur für Berlin, die Liste der Gastspielorte ist lang, sie beginnt mit anderen Häusern in Berlin (etwa der Schaubude, man kooperiert freundschaftlich), in vielen Städten der Republik (Braunschweig, Dresden, Hamburg, Halle u. a.), zudem gastiert das Theater o. N. auf Festivals in West- und Osteuropa, zwischen Barcelona im Westen und Jekaterinburg im Osten. Die Geschichte reicht zurück ins Jahr 1979, da gründeten Puppenspieler, akademisch ausgebildet und praxiserprobt, in Berlin die Gruppe Zinnober, ihren Stützpunkt fanden sie gleich um die Ecke in der Knaackstraße, in einem Ladengeschäft am Kollwitzplatz. Sie waren die erste wirklich „freie“ Gruppe in der durchreglementierten DDR, frei in jeder Beziehung, frei in ihren künstlerischen Entscheidungen, aber auch frei von Subventionen und anderer staatlicher Unterstützung, Freiwild für die Stasi. Jeder Auftritt musste einzeln genehmigt werden. Ihren größten Erfolg hatten sie mit „traumhaft“, das war berühmt wie berüchtigt. Vor dem Aus rettete sie möglicherweise das...

Auch ohne Namen erfolgreich: das Berliner Theater o. N.

Linzers Eck: Wachträume

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Herr Blume, im Gründungsmanifest wurde sie nicht erwähnt, aber Walter Gropius soll von Anfang an eine eigene Bühnenwerkstatt geplant haben, als er vor knapp einem Jahrhundert das legendäre Bauhaus in Weimar ins Leben rief. Er holte sich von Herwarth Waldens „Sturm-Bühne“ Lothar Schreyer und kurz darauf Oskar Schlemmer an die Bauhausbühne, der es am Ende auch war, der sie mit seinen Raumtänzen, aber vor allem mit seinem Triadischen Ballett in den Avantgarden verankern sollte. Bislang jedoch schien das Bauhaustheater mehr am Rand der modernen Kulturgeschichte zu stehen. Die seit Dezember und noch bis zum 21. April 2014 laufende Ausstellung am Bauhaus Dessau „Mensch Raum Maschine“ war für unser Grundverständnis von moderner, aber auch postmoderner Theaterentwicklung längst überfällig. Was gab den Ausschlag für die Ausstellung in der Stiftung Bauhaus Dessau? Dass wir die Ausstellung jetzt machen, hat natürlich auch damit zu tun, dass seit dem 1. Januar 2014 der bisher geltende Urheberrechtsschutz für das Werk Oskar Schlemmers entfällt und nun ein freierer Umgang damit möglich ist. Aber es geht nicht nur um das Ende der Restriktionen des Enkels Raman Schlemmer, sondern vielmehr um ein neues In-den-Blick-Nehmen des Bauhauses; darum, zu zeigen, dass das Bauhaus eine Schule war, an der das Gestalten...

Torsten Blume, Kurator der Ausstellung „Mensch Raum Maschine“ am Bauhaus Dessau, über die Bühnenexperimente der Bauhäusler im Gespräch mit Ute Müller-Tischler

Die Menschenbaustelle

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Die Taylor Swift unter den Theatern

Ulf Reiher, am 1. August 1936 in Weimar geboren, am 30. November 2013 in Halle (Saale) nach schwerer Krankheit gestorben, war der erste DDR-Theatermacher, der es in der alten Bundesrepublik zum Intendanten brachte. Reiher hatte an der Leipziger Theaterhochschule studiert, war Schauspieler in Gera, bevor er 1962 für zehn Jahre nach Senftenberg kam, schon damals eine der lebendigsten, weil von jungen Leuten dominierte Bühne. Er war dort Schauspieler (bis 1965), danach Oberspielleiter (bis 1967), schließlich Intendant (bis 1972). Die erste Begegnung mit Reiher, die für mein Verständnis dieses Mannes wichtig und prägend war, fiel in diese Zeit. Zum 25. Jahrestag der Gründung des Theaters der Bergarbeiter 1971 hatte Reiher Armin Stolpers „Himmelfahrt zur Erde“ inszeniert, härter und kompromissloser als die hallesche Uraufführung, und er hatte auf der Festveranstaltung eine Rede gehalten. Als ich zum offiziellen Empfang erschien, fand ich einen fast leeren Saal mit einem vollen Buffet vor, den Intendanten und seine engsten Mitarbeiter, die angesagte Kreis- und Bezirksprominenz hatte abgesagt: Der Genosse Reiher hatte sich nicht an die Anweisung gehalten, hatte unangekündigt Sanierungsmaßnahmen am maroden Theater angemahnt. Reiher nahm’s mit gelassenem Humor, vielleicht hatte er die Berufung nach Halle schon in der Tasche. Dann folgten fünf Jahre Intendanz in...

Im Gedenken an den ehemaligen Detmolder Intendanten Ulf Reiher

Der Mann aus dem Osten

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Es waren 16 lange Tage im vergangenen November, in denen das Spielart-Festival viel wagte und (zu) vieles aufbot: Namen, die mit ihm groß geworden sind, wie Rimini Protokoll, Jan Lauwers oder Tim Etchells. Erfolgsgeschichtenträger der jüngeren Zeit wie Philippe Quesne und das Nature Theater of Oklahoma und Einblicke in allerlei Petitessenschmieden wie etwa die der gewitzten Schwestern Cuqui und Maria Jerez oder der humorvoll mit Farbe spritzenden Miet Warlop aus Gent. Drei ganze Tage standen mit Ausrufezeichen unter dem Titel „Wakeup! Versammlung für ein anderes Europa“ und führten ein seit 2009 sich kontinuierlich weiterentwickelndes Diskursformat mit fast 40 Vorträgen und Lecture Performances fort. Die unumgängliche Kunst im öffentlichen Raum wurde witterungspragmatisch in zehn Container gesteckt. Und unter dem, was in täglich bis zu einem Dutzend Veranstaltungen über diverse Bühnen ging, fanden sich auch eine Werkschau des Living Dance Studio aus Peking, ein Israel- Schwerpunkt und zehn Ur- und deutsche Erstaufführungen. Denn Spielart, das sich aufgrund seiner begrenzten Mittel eigentlich nicht als Produktionsfestival versteht, hat mit dem Verein Spielmotor die älteste öffentlich-private Partnerschaft des Landes hinter sich stehen. Und weil zum zehnten Jubiläum beide Partner – die Stadt München wie die BMW Group – zu gleichen Teilen Zusatzgelder springen ließen, konnte...

In München sinkt man beim zehnten Spielart-Festival nicht mehr auf die Knie, nur weil mal der Guckkasten aufgeht

Durch die Wand

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Dimiter Gotscheff wollte unbedingt, dass das Gastspiel seiner Inszenierung der „Hamletmaschine“, in der er auch selbst mitspielte, in Mexiko und auf Kuba stattfindet. Er war schon im Krankenhaus, als er schließlich eine Aufführungsvariante akzeptierte, die anstelle seiner eine Filmaufnahme seiner beiden Auftritte verwendete, die die beiden Akteure Valery Tscheplanowa und Alexander Khuon in von Ort zu Ort und von Land zu Land je unterschiedlicher Form zueinander führten. Gotscheff starb am 20. Oktober 2013, in der Woche darauf begann in der Ambivalenz von Trauerarbeit und Triumph die Tournee. Sie fand ihre Erfüllung auf Kuba. Die szenische Praxis im Umgang mit Texten von Heiner Müller in Lateinamerika ist noch immer durch einen an Europa orientierten Blick geprägt. Auch wenn phasenweise radikale Loslösungen von Europa gefordert wurden, reichen die Folgen dieses suchenden, nach außen gerichteten Blicks von ehrfurchtsvollen Kopien bis zu einem selbstbewussten Umgang mit den europäischen Vorbildern. Besonders konnten sich viele Künstler zu dem von Müller immer wieder aufgenommenen „Gespräch mit den Toten“ in Beziehung setzen, das auch in den religiösen Praktiken, im Schamanismus, Spiritismus oder verschiedenen afroamerikanischen Religionen offen oder auch versteckt zum Ausdruck kommt. Das Fragmentarische der Texte Müllers, ihre Uneinheitlichkeit und ihre Widersprüche, die Koexistenz von Hoffnung und Verrat...

In Havanna spürt die „Hamletmaschine“ in der Regie von Dimiter Gotscheff dem Glutkern kubanischer Lebensverhältnisse nach: der Koexistenz von Hoffnung und Verrat

Zerfressene Zeit

Rogelio Orizondo, beim Lesen Ihres Textes „Gestern habe ich aufgehört, mich zu töten. Dank dir, Heiner Müller“ entsteht der Eindruck, dass Ihr Text zu einem spielerischen Parcours einlädt. Auf mich wirkt er wie eine im Derrida’schen Sinne in Bewegung begriffene Zwietracht zwischen verschiedenen Schreibsystemen, ein Mahlstrom der Referenzen: Heiner Müller, Sarah Kane, Virginia Woolf, Tschechow, Shakespeare, Guillermo Calderón, aber auch einige kubanische Dramatiker, Poesie, Kino, Musik etc. Es ist ein Spiel mit dem Wort und der Form und besteht aus Dialogen, die oft dysfunktional wirken. Ist das eine Kampfansage an den dramatischen Text, an jegliches System? Die Idee zu einem solchen Text kam, als ich zum ersten Mal verliebt war. Nachdem mein Freund und ich uns getrennt hatten, fing ich an zu schreiben, um diese harte Zeit zu überwinden. Ich wusste noch nicht, dass daraus ein Bühnenstück entstehen wird. Ich fragte mich aber, warum wir nach der Pfeife von Aristoteles tanzen sollen, den alle an der Universität verehren. Einige Workshops mit Sergio Blanco, Lucrecia Martel und Oscar Cornago überfluteten mein Verständnis vom Schreibakt und von der Kunst mit neuen Blicken. Während dieser Zeit streikten die Studenten des Instituto Superior de Arte, da das Mensaessen sehr schlecht war. Der Rektor schlug...

Wie Heiner Müllers Werk bei dem kubanischen Autor Rogelio Orizondo das Bedürfnis nach einer neuen Theatersprache auslöste. Ein Gespräch

Im Dialog mit einem Gespenst

Explodierendes Dokumentartheater

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Den eigenen Statuten zufolge hat der Deutsche Bühnenverein das Ziel, die einzigartige Vielfalt der Theater- und Orchesterlandschaft zu erhalten und zu pflegen. Und dennoch hat das Volkstheater Rostock seine Mitgliedschaft mit sofortiger Wirkung gekündigt. Warum? Weil wir der Meinung sind, dass die deutsche Theaterlandschaft mit einem Strukturwandel konfrontiert ist, für den die Politik der Besitzstandsverbände nicht nur keine Antwort hat, sondern ihn sogar kontraproduktiv verschärft. Der Austritt anlässlich des Tarifabschlusses für Orchester mit einer Vergütungserhöhung von 8,9 Prozent ist existenzsichernd für das Rostocker Volkstheater – und kann gleichzeitig das Signal einer Debatte sein, ob und wie das bestehende Theatersystem zu reformieren ist. Als Institution folgt Theater einer veränderlichen (also immer auch veränderbaren) Wahrheit, die sich freilich in Lobbyverbänden und fixierten Organisationsformen scheinbar ewig institutionalisiert hat. Dabei sind die Probleme evident, und sie sind struktureller Natur. Strukturell, weil das staatlich finanzierte Theatersystem eine Funktion des intervenierenden Wohlfahrtsstaates ist, der einen massiven Umbau erlebt. Die „neosoziale“ Politik des überschuldeten Staates zeigt in immer mehr Theatern und Ensembles ihre Wirkung. Das weiß auch der Bühnenverein. Unter anderem hat unlängst Marion Tiedtke die Krisensymptome in einem Vortrag vor dessen Intendantengruppe zusammengefasst: „Es wird alles dafür getan, damit das Theater nach außen funktioniert wie eh...

Rostocker Signal

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Eine Geste, die zwar mit akribischer Präzision ausgeführt (oder auch nur beschrieben) wird, der aber zugleich ein Bezugssystem fehlt, wirkt gleichermaßen beunruhigend wie komisch – jeder, der schon einmal in Kafkas Romanen und Erzählungen gelesen hat, weiß um diesen Effekt. Dass aber die Verstörungskraft wie die Komik der Geste sich noch einmal erheblich steigern können, wenn der Bezugsrahmen zunächst noch intakt scheint und erst nachträglich weggesprengt wird, das hat bislang wohl kaum jemand so überzeugend demonstriert wie der Südafrikaner Thamsanqa Jantjie. Zur Erinnerung: Es handelt sich um den Gebärdensprachdolmetscher, der die Trauerreden der Begräbnisfeier für Nelson Mandela am 10. Dezember 2013 übertragen sollte und dabei bzw. danach weltweit für Furore sorgte: Denn vier Stunden lang führte Jantjie mit stoischer Gelassenheit vor den Kameraaugen der Welt, direkt neben Barack Obama, UN-Generalsekretär Ban Ki-moon und dem südafrikanischen Staatschef Jacob Zuma, ein Gestenballett auf, das absolut nichts mit Gehörlosensprache zu tun hatte – ein Umstand, der freilich erst hinterher allgemein bekannt wurde. Und weder die nachträglichen Rahmungsversuche der südafrikanischen Vizeministerin, die in offenbarer Spekulation auf die weltweite Unkenntnis Afrikas behauptete, Jantjie habe in einen „afrikanischen Gehörlosendialekt“ übersetzt, noch Jantjies eigene Erklärung, er habe einen schizophrenen Anfall gehabt, konnten die Verstörung mildern, die von...

kirschs kontexte: Mittel ohne Zweck oder Für die Götter übersetzen

Berliner Ensemble: Dazwischen

Wer sich in den Rundmailverteiler von Patti Smith einträgt, erhält hin und wieder Nachrichten von der Rock- Ikone. Die sind oft verblüffend alltäglich: dass man nicht vergessen sollte, Zahnseide zu benutzen, empfahl sie mal, oder dass es wichtig sei, ausreichend Wasser zu trinken. Manchmal erinnert Smith auch an Freunde, etwa wenn sich der Tod von Weggefährten aus alten New Yorker oder Detroiter Zeiten jährt. Auch in ihren seltenen Interviews gibt sie sich nahbar. Sie erzählt über Begegnungen mit Rock- und Beatlegenden als seien es zufällige Interrailbekanntschaften gewesen – ob mit Dylan, Joplin, Burroughs oder Hendrix. Als sie im vorigen Jahr mit ihrer Band ein Open-Air-Konzert auf der Berliner Zitadelle gab, stellte sie ihrem größten Hit „People Have The Power“ einleitende Worte über Edward Snowden voran. 68 Jahre ist die Songdichterin aus Chicago inzwischen alt, und ihr künstlerisches Leben wirkt von außen betrachtet wie ein wundersames, fein verästeltes Kommunikationssystem, geknüpft aus Referenzbahnen zu lebenden Geistesgenossen oder lang verstorbenen. Von ihrer Verbundenheit mit anderen Künsten zeugt ihr Selbstbild, das sie zuletzt in ihrem autobiografischen Buch „Just Kids“ dargelegt hat. Das Schreiben insbesondere von Lyrik sieht sie als ihre Kerndisziplin: „Ich bin keine ausgefeilte Musikerin“, bekannte sie mal, auf der Gitarre könne sie...

Musik: Ein Spiel aus Worten und Musik

Zukunft. Längst kein utopischer Verheißungsraum mehr. Die von der Utopie hinterlassene Leerstelle füllt sich zunehmend mit Ungewissheit, die uns zwingt, über die eigene Lebensspanne hinauszudenken. Seit September 2013 befragen wir in unserer Reihe „Zurück in die Zukunft“ maßgebende Künstler und Theoretiker, wie sich ihrer Meinung nach das Theater angesichts des unberechenbaren Bedrohungszusammenhangs verhalten kann und welche ästhetischen und politischen Konsequenzen sich daraus ergeben. Bisher sprach Frank Raddatz mit Romeo Castellucci, Peter Stein, Harald Welzer und Helmut Schäfer. Herr Rigola, das Theater unterhält immer eine exklusive Beziehung zur Gegenwart. Sie ist flüchtig und lässt das Theater schneller altern als andere Künste. Daneben ist das Theater traditionell auch immer eingebettet in die Zeit, in Vergangenheit und Zukunft. Wir können sagen: Theater ist ein Spiegel in der Zeit. Aber was zeigt es uns? Ein absurdes Theater mit einer Kette unendlicher Wiederholungen? Nein. Das Theater zeigt uns in erster Linie Formen. Formen, die sich permanent verändern und erneuern. In diesen Formen zeigt sich uns unsere Zeit. Wenn wir diese Formen analysieren, verstehen wir möglicherweise unsere Zeit etwas besser. Es war die Überzeugung von Brecht und anderen, dass nicht der Inhalt, sondern die Form eigentlich das Politische transportiert. Seit 2010 leite ich die Biennale in...

Der spanische Regisseur Àlex Rigola über die Fähigkeit des Theaters, Handlungsmöglichkeiten offenzulegen – um so an der Zukunft zu arbeiten, im Gespräch mit Frank Raddatz

# 5: Die Demokratie hat Krebs

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Philipp Oswalt, früher waren die Meister am Bauhaus theaterbegeistert. Nicht nur dass Gropius die Bauhausbühne ins Leben rief und Theaterräume für Piscator entwarf, Paul Klee und Wassily Kandinsky sollen in Dessau auch keine Opernaufführung ausgelassen haben. Wie ist das bei Ihnen? Nun, wir sind nicht das historische Bauhaus und ich bin auch kein Meister. Aber es gibt die Bauhausbühne noch in unserem Gebäude, und sie ist für mich eine Chance und eine Verpflichtung, sich dieser Tradition in lebendiger Weise anzunehmen. In den späten Jahren der DDR spielte sie eine bemerkenswerte Rolle für die alternative Tanz- und Performanceszene – Jo Fabian und Lutz Dammbeck haben hier ihre ersten Arbeiten gezeigt. Seit einigen Jahren entwickeln wir gemeinsam mit dem Anhaltischen Theater unter dem Generalintendanten André Bücker eine intensive Partnerschaft, um die Bauhausbühne neu zu beleben. So waren Inszenierungen von Andrea Moses und fulminante Raumkonzerte mit dem Dirigenten Daniel Carlberg und der Anhaltischen Philharmonie zu erleben. In diesem Jahr, das Oskar Schlemmer gewidmet ist, werden wir im Februar und im April zeitgenössische Neuinterpretationen seiner Bauhaustänze von Ingo Reulecke, Doris Dziersk und Klaus Janek zeigen. Bei der derzeitigen, sensationellen Ausstellung „Mensch Raum Maschine“ in Ihrem Haus wird sichtbar, dass der Stiftung Bauhaus Dessau die...

Neuerscheinungen im Verlag