■ Die Stadt Baden-Baden hat den Vertrag mit der Intendantin Nicola May um fünf Jahre bis 2021 verlängert. May ist seit 2004 Leiterin des Theaters Baden-Baden. 1963 geboren, studierte sie Theaterwissenschaft, Germanistik, Musikwissenschaft und Philosophie in Wien und Berlin. Sie arbeitete am Wiener Burgtheater, beim Wiener Ensemble und für die Arena del Sole in Bologna sowie als Dramaturgin für Schauspiel und Oper am Berner Stadttheater, wo sie von 1998 bis 2004 Chefdramaturgin und Schauspieldirektorin war. ■ Die Jury des Berliner Theatertreffens (1. bis 17. Mai) hat ihre diesjährige Auswahl der zehn eingeladenen Produktionen bekannt gegeben: „Atlas der abgelegenen Inseln“ (Regie Thom Luz, Schauspiel Hannover), „Baal“ (Regie Frank Castorf, Residenztheater München), „Common Ground“ (Regie Yael Ronen, Maxim Gorki Theater, Berlin), „Das Fest“ (Regie Christopher Rüping, Schauspiel Stuttgart), „Die lächerliche Finsternis“ (Regie Dušan David Parízek, Burgtheater im Akademietheater, Wien), „Die Schutzbefohlenen“ (Regie Nicolas Stemann, Thalia Theater, Hamburg/Theater der Welt, Mannheim), „die unverheiratete“ (Regie Robert Borgmann, Burgtheater im Akademietheater, Wien), „John Gabriel Borkman“ (Regie Karin Henkel, Deutsches Schauspielhaus Hamburg), „Warten auf Godot“ (Regie Ivan Panteleev, Ruhrfestspiele Recklinghausen / Deutsches Theater Berlin) und „Warum läuft Herr R. Amok?“ (Regie Susanne Kennedy, Münchner Kammerspiele). ■ Die Kammerschauspielerin Elisabeth Orth, seit 2014 Ehrenmitglied des Burgtheaters in...

Meldungen

Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Herr Tilch, ein Zelt – das klingt nach Zirkus und fahrendem Volk und bedient ein romantisches Theaterideal. Aber Ihr Zelt sieht eher schmucklos aus. Wie macht sich das Theater darin? Ganz gut. Man vergisst, dass man in einem Zelt sitzt. Wir haben einen Guckkasten, einen Orchestergraben und bequeme Sitze. Ich nenne es gerne unser mobiles Kuppeltheater. Und die Lage auf dem Messegelände am Stadtrand? Findet das Publikum noch den Weg zu Ihnen? Die Zuschauer kommen fleißig. Kann sein, dass die Leute es sogar schätzen, weil sie hier direkt mit dem Auto parken können, was in der Innenstadt schon schwieriger war. Für uns Macher stellt sich das anders dar. Nach ein paar Monaten am Stadtrand empfinde ich Landshut fast schon als Großstadt, die ich hier draußen vermisse. Ich will es noch nicht Zeltkoller nennen. Aber das Gefühl ist schon da, abgeschnitten zu sein von Gesprächen mit allen möglichen Leuten, die man in der Stadt traf. Da fehlt der Kontakt zu denen, für die man spielt. Wie steht’s mit der Akustik? Ein Zelt ist ein Zelt. Wenn es regnet, dann hört sich das laut an. Lauter als draußen. Das ist ein Problem. Ansonsten bin ich zurückhaltend mit vorschnellen Aussagen. Wir sind noch...

Was macht das Theater, Stefan Tilch?

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

Münchner Kammerspiele: Klamauk und Katastrophe

Ein Fragezeichen, der Mann. Krumm ist er, seltsam hart und weich zugleich. Ein Wesen aus Gummi, aus Draht? So jedenfalls biegt sich Iwanow anfangs gegen den eisernen Vorhang. Das Saallicht ist noch an, den Besuchern, die nach ihren Plätze suchen, kehrt er den Rücken zu. Auf der anderen Seite des Vorhangs klimpert jemand Franz Schubert. „Fremd bin ich eingezogen“: Tja, ist das nun zum Lachen naheliegend oder zum Weinen wahr? Schon hier, in den ersten Minuten, eröffnet Luc Bondy das Ratespiel – oder sollte man sagen: den Tanz – zwischen Komödie oder Tragödie. So wie Iwanow da am Eisernen steht, weiß man jedenfalls: Der Mann zieht fremd auch wieder aus. Nur dass Iwanow, anders als Schuberts Wanderer, am Ende nie weggewesen sein wird, und auch da war er immer nur halb. Es gibt nur einen Ort für ihn, die gähnende Langeweile dieser namenlosen Provinzstadt, und auch hier kommt er nie an. Iwanow, der ewige Zaungast. Auf sein eigenes Leben guckt Iwanow wie auf seine Nachbarn, die reichen Lebedews, wie auf den jungen Landarzt Lwow (Yannik Landrein), der nimmermüde behauptet, ein guter Mensch zu sein, wie auch auf seine sterbende Frau Anna (Marina Hands): von außen. Das Gefühl dafür, die Verbindung...

Odéon – Théâtre de l’Europe: „Iwanow“ von Anton Tschechow. Regie Luc Bondy, Bühne Richard Peduzzi, Kostüme Moidele Bickel

Paris: Ein Zaungast geht

Berliner Ensemble: Umsturzphantasien mit KI

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Es zeugt von einem gerüttelt Maß an Souveränität, wenn eine Autorin dem Protagonisten ihres Debütromans einen Allerweltsnamen verpasst. Was buhlt die nachwachsende Generation nicht andauernd um Bedeutung, halst ihren Adas und Leanders Namen auf, die bloß irgendwie außergewöhnlich klingen sollen. Nicht so Lilian Loke. Schlicht und einfach Thomas Meyer, so heißt man also bei ihr. Und genauso meint sie das auch: Dieser Meyer, der sich immerhin mit einem zwar unhörbaren, aber buchstäblich extravaganten y schreibt, dieser Meyer ist zugleich Leerstelle und tragische Person, zugleich Typus und Individuum, so entfremdet wie authentisch, und er tut genau das, was sein Name ihm historisch vorhersagt. Früher hat ein Meier Grundbesitz verwaltet, heute stellt er sich als Immobilienmakler vor. Gold in den Straßen wagt genau das, was ein Roman stets wagen muss, nämlich die ganz große Geschichte vom Aufstieg und vom Niedergang, von der Karriere und vom Scheitern. Am Beginn steht eine Ohnmacht, Meyer ertrinkt aus lauter Angst vor dem Ertrinken beinahe im Stadtweiher. Dass er nicht schwimmen kann, weiß nur – als gliche ein Handicap das andere aus – sein blinder Freund Koll, ein Vertrauter seit seiner Zeit als Bankkaufmann, ein Relikt aus graueren Tagen. Meyers neue Welt gibt sich bunter und...

Literatur: Meyer, Alphatier

Man stelle sich vor: Es gibt jemand ein Porträt von sich bei Georg Baselitz in Auftrag. Und als es fertig ist, bemerkt er konsterniert: ‚Das Bild steht ja auf dem Kopf!‘“ Absurd? Bezogen auf den realen Fall, der für diese Analogie Pate gestanden hat, allemal: Frank Castorf inszeniert am Münchner Residenztheater Brechts Baal. Und wie das so ist, wenn er inszeniert, stellt er dabei ein Stück auch gern mal auf...

Editorial

Warum Theater,

Noch ehe man seinen Mantel an der Garderobe abgegeben hat, ist man mittendrin. Auf das verkürzte Vorspiel auf der Theatertreppe folgt auf der Bühne ein Prolog-im-Himmel-Torso. Gott und Engel – gestrichen. Mephisto steht an der Rampe und handelt die Wette mit sich selbst aus. Dann krümmt sich, gehüllt in Mantel und Wollmütze, der Doktor auf seiner Matratze und speit Verse. Das „Ach!“ gerät ihm zum hysterischen Gelächter. Dieser Faust, verkörpert von Rudolstadts Intendanten Steffen Mensching, wirkt überfordert. Vom Erdgeist (eine Stimme zu brodelndem Orchesterklang) in die Schranken verwiesen, wird er vom voll tönenden Wagner (Johannes Arpe) und dem gewieften Mephisto (Matthias Winde) fast an die Wand gespielt. Mit Winde übernimmt ein Urkomödiant das Kommando: „Goethe war gut, Mann, der konnte reimen …!“ Als sie in Auerbachs Keller den Rudi-Carrell-Schmarrn anstimmen, fallen nicht nur die deutschnationalen Suffköppe fröhlich ein, sondern schunkelt bald auch der ganze Zuschauersaal. Mephisto dirigiert grinsend die Menge. Es war nur eine Frage der Zeit, bis Mensching die Pfosten für Goethes „Faust“ im thüringischen Rudolstadt aufschlagen würde, wo er seit 2008 erfolgreich Theater macht, Komödien vor allem, weil sie die Bude füllen. Auf dieser Grundlage lässt sich dann auch mal Schwergewichtigeres stemmen – und dies in ungewöhnlicher Konstellation....

Theater Rudolstadt: „Faust_Eins“ von Johann Wolfgang von Goethe. Regie Steffen Mensching und Michael Kliefert, Ausstattung Frank Hänig

Rudolstadt: Der Studierstubenhocker

Die Zukunft jetzt gestalten!*

„Wer zuschaut, sieht.“ Dieser Slogan der Neuen Bühne Senftenberg stammt noch aus der vergangenen, der zehnten und letzten Spielzeit des damaligen Intendanten Sewan Latchinian, ziert weiterhin eine Hauswand in der Innenstadt. Ein bewusstes Kontinuitätsversprechen? Ob damit der implizierte Bildungsanspruch oder eher das emphatische Plädoyer für ein Anderssehen-Lernen durch Kunst gemeint ist, mit dem es am Senftenberger Theater weitergehen soll, kann seit dem 1. September 2014 ganz im Sinne des Spielzeitmottos mit „Neugier“ erkundet werden. Dabei gibt es ein Wiedersehen mit gut der Hälfte des Ensembles; das jährliche GlückAufFest wird in Reminiszenz an Benno Besson als „Spektakel“ weitergefeiert; und der Fokus auf deutsche Stoffe bleibt ebenso bestehen wie die Formate Theaterkino, Klassenzimmerproduktion und Amphitheater. Sogar das Layout der Programmzettel ist unverändert. All dies ist nach einem Intendantenwechsel keine Selbstverständlichkeit. Vermutlich jedoch selbstredend für einen Theatermann, der sein Medium und Arbeitsfeld primär als Ort kultureller Bildung, Traditionspflege und (teils historisch operierender) Gegenwartsbefragung begreift. „Und, sagen Sie, wie heißt der noch mal, der Neue?“ „Zu-bär-ang – das ist französisch“, weiß der Abenddienstkollege die Frage einer Neugierigen zu beantworten. Manuel Soubeyrand. Während Latchinian der Neuen Bühne in seiner Leitungsdekade vor allem aufgrund ästhetischer Innovationen zu überregionaler Sichtbarkeit, 2005 sogar zum „Theater des Jahres“ verhalf,...

Unter dem Motto „Neugier“ startet Manuel Soubeyrand an der Neuen Bühne Senftenberg – nun gilt es, auch der Gier nach Neuem nachzugehen

Global Gods

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Auf der fulminanten Abschiedsmatinee, die die Akademie der Künste ihrem nach siebenundzwanzig Amtsjahren aus dem Dienst scheidenden Archivdirektor Wolfgang Trautwein im großen Saal am Hanseatenweg gab, war viel vom Glück die Rede. Dass das ganz persönlich gemeint war, gab das riesige Lichtbild zu erkennen, das die Ansprache Erdmut Wizislas, des Direktors des Brecht- und des Benjamin-Archivs, begleitete: es zeigte den Scheidenden bei einem Betriebsausflug mit einem Strohhut auf dem Kopf und einer Weintraube in der Hand im Grase liegend gleichsam seinen Namen verbildlichen. Von dem Glück, ein Archivar zu sein, also ein Schatzsucher, der das kollektive Gedächtnis der Nation bewahren und erweitern hilft, hatte eingangs Klaus Staeck, der Präsident, gesprochen und mit seinem Dank an den langjährigen Mitstreiter den Hinweis auf dessen beide Spezialinteressen verbunden: die deutsche Exilliteratur und das Kabarett der Weimarer Republik. Dass für den unermüdlichen Akquisiteur des Guten, Schönen und Wahren hier ein besonderes Glück verborgen lag, gab der Gefeierte in einem kurzen Dankeswort zu erkennen: Er verdanke, sagte er, dem Archiv sein Lebensglück, insofern ihm das Schicksal mit dem Nachlass des Komponisten Werner Richard Heymann zugleich dessen Tochter Elisabeth beschert habe. Glückes genug – auch Heinrich Böll wurde berufen („Archive sind das letzte Glück dieser Erde“)...

Wolfgang Trautwein, der Direktor des Archivs der Akademie der Künste Berlin, wird verabschiedet

Der Schatzsucher

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Jetzt also der Baal. Was für eine Figur! Der Titelheld von Bertolt Brechts erstem abendfüllenden Drama ist ein Dichtergenie von geradezu animalischer Lustversessenheit. Ein Frauenverschlinger erster Güte, bei dem die saloppe Floskel von der „reichlichen Tinte im Füller“ schönste Doppeldeutigkeit hat: Baal hat Ergüsse am Schreibtisch wie im Bett, wobei Letzteres im Stück – und vor allem bei Castorf – weit ausführlicher vorgeführt wird und nicht zwingend einer Matratze als Unterlage bedarf. Baal macht’s auch im Stehen oder auf der Tischplatte, wie’s gerade passt. Fast wundert man sich, dass Frank Castorf nicht schon früher zugegriffen hat. Stück und Figur scheinen wie geschaffen für sein Theater, dem die Maßlosigkeit so wenig fremd ist wie Baal. Castorf schätzt das Extreme. Auch die extreme Länge. Gut viereinhalb Stunden in diesem Fall. Für einen Castorf-Abend ist das ja beinahe kurz, für den „Baal“ dagegen recht ordentlich. Natürlich hat das XXL-Format damit zu tun, dass Frank Castorf auch bei seiner dritten Münchner Inszenierung unter Residenztheater-Intendant Martin Kušej wieder jede Menge Fremdmaterial (unter anderem von Sartre und Rimbaud) in die Vorlage montiert hat, deren Szenen er zudem wild durcheinanderschüttelt. Ohne Rücksicht auf die Stückchronologie. Was bei Castorf niemanden ernsthaft überrascht haben dürfte. Doch so kann man...

Frank Castorf verlegt am Münchner Residenztheater Brechts „Baal“ nach Vietnam – der Skandal: Der Suhrkamp Verlag und die Brecht-Erben haben diese sensationelle Kolonialismusparaphrase gestoppt

Buschkrieg

Jeder Tänzer ist in einer Bewegung gefangen, die sowohl dem Tänzer, der vorangeht, als auch dem, der folgt, vorgängig ist. Dergestalt entsteht eine Choreografie, in der jede Folge simultan gesehen werden kann. Körper lösen einander kontinuierlich ab, so dass, wenn sich die Struktur auch endlos dreht, die Form selbst vollständig erhalten bleibt. Es ist eine Skulptur. Das Stück wiederum ist ein essentiell meditatives… Ohne dass die Körper es in Gang setzen, kann es nicht existieren. Diese Choreografie bezieht sich auch auf die subjektive Definition des Neutrums nach Roland Barthes: Das Neutrum als das Begehren nach der Aufhebung von Konflikten. Das Projekt ist gleichzeitig minimal und völlig maßlos, minimal deshalb, weil das Ganze des Stücks mit einem Blick erfasst werden kann, und maßlos, weil die Company enorm ist und von der Unendlichkeit der Atemgebärden in Bewegung gehalten wird. (Boris Charmatz)

Performance für 24 TänzerInnen

Levée des conflits (2010)

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Jetzt ist alles politisch

Junge Hoffnung

„Achtung! Sie verlassen jetzt die Innenbezirke von Wien!“ – So steht es zur Warnung auf den zitronengelben Zündholzschachteln, die das Werk X an sein Publikum ausgibt. Vom Stephansplatz in Wiens Stadtmitte sind es immerhin zehn U-Bahn-Stationen hinaus in das ehemalige Meidlinger Kabelwerk, wo zu Beginn der Spielzeit Ali M. Abdullah und Harald Posch mit ihrem Theater, dem Werk X, Quartier bezogen haben. Die U-Bahn-Haltestelle Tscherttegasse – kaum einer kannte sie bisher – ist nun das Revier der beiden Regisseure und künstlerischen Leiter. Ein neuer alter Theaterort zwischen Schrebergärten und Schnellbahngeleisen, inmitten einer Asphaltinsel mit kleiner Infrastruktur aus Dönerbuden, Cafés und Bars. Meidling, der 12. Wiener Gemeindebezirk, symbolisiert eine standhafte Arbeiterkultur, die heute allerdings – wie andernorts auch – mehr Mythos denn Realität ist. Nur das österreichweit berühmte Meidlinger L, eine auf einem lockeren Zungenschlag beruhende und mutmaßlich von tschechischen Einwanderern importierte Sprechweise, behauptet sich weiter. Das Meidlinger L besitzt sogar einen eigenen Wikipedia-Eintrag. Zum Arbeiterbezirk gehören heute auch neue Stadtteile. Auf dem Fabrikgelände der 1997 geschlossenen Kabel- und Drahtwerke AG, kurz Kabelwerk, entstanden Wohnanlagen. Inmitten dieser: ein großer, vierstöckiger Neubau mit zwei technisch hochmodern ausgestatteten Bühnen, die zusammen 600 Sitzplätze bieten. Auch drei Künstlerwohnungen gehören dazu. Hier wurde in den...

Am Stadtrand von Wien fusionieren die beiden Theaterorte Garage X und Palais Kabelwerk zum neuen Werk X

Bekenntnis zur Banlieue

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Es war eine Flucht ins Ungewisse. Aus Lebensmüdigkeit und Verzweiflung. Als der Sklave Esteban Montejo Ende des 19. Jahrhunderts von einer kubanischen Zuckerrohrplantage in einen Wald flüchtete, wusste er kaum, was ihn künftig erwartete. Im hohen Alter lässt er noch einmal die Jahre der Tortur als menschliche Ware, den Ausbruch und überhaupt den großen Kampf seiner Existenz Revue passieren. Welche Unwägbarkeiten und Träume den Weg dieses Helden begleiteten, ist derzeit am Konstanzer Stadttheater zu bestaunen. Mit minimalistischer Requisite inszenierte Wolfgang Mehring das Einmannstück „El Cimarrón“ nach dem gleichnamigen dokumentarischen Roman des kubanischen Autors Miguel Ángel Barnet Lanza als intensive Charakterstudie und überlässt allen verfügbaren Raum seinem Hauptdarsteller. Imposant und in würdevoller Statur mimt der Togolese Ramsès Alfa – ein bewährter Kulturbotschafter zwischen Afrika und der Bodenseestadt – einen traumatisierten Durchhaltekünstler, dem die Geschichte von Kolonialismus, aber auch des Befreiungskrieges der Kubaner gegen die spanischen Hegemonen zwischen 1895 und 1898 ins Gesicht geschrieben ist. Während den dunklen Bühnenraum lediglich einige Äste und Zweige bedecken, entsteht die wahre Rückschau aus der Imagination. Immer wieder starrt der Protagonist gebannt in den Zuschauerraum, wo sich die Erinnerungen vor seinem geistigen Auge aufbauen. Sichtlich vom Voodookult inspiriert, lassen schemenhafte Projektionen auf der hinteren Bühnenwand die...

Theater Konstanz: „El Cimarrón“ (UA) nach Miguel Ángel Barnet Lanza. Regie Wolfram Mehring, Ausstattung Dorothee Neuling

Konstanz: Geister schlafloser Nächte

Am 30. Juni 2009 verstarb Pina Bausch. Seitdem hat das von ihr gegründete Tanztheater Wuppertal Pina Bausch in jeder Spielzeit ca. 90 und damit insgesamt 540 Aufführungen vor zumeist ausverkauften Häusern gespielt – knapp ein Drittel davon in Wuppertal, sonst Gastspiele in der ganzen Welt. Es hat Stücke neu einstudiert, wiederaufgenommen und rekonstruiert wie „Kontakthof“, „Two Cigarettes in the Dark“ (2009/10), „1980“ und „Nur Du“ (2011/12), „Gebirge“ und „Rough Cut“ (2012/13), „Bandoneon“, „Ahnen“ und „Nelken“ (2013/14) und den Strawinsky-Abend „Frühlingsopfer“ mit Studierenden (2013/14). Mit Wim Wenders hat es den Film „Pina“ erarbeitet und 2012 ein Mammutprojekt gestemmt, dass Pina Bausch und Peter Pabst noch gemeinsam initiiert hatten: Zehn der 15 Koproduktionen, die zwischen 1986 und 2009 entstanden waren, wurden unter dem Titel „World Cities“ im Rahmen des London 2012 Festivals im Vorfeld der Olympischen Spiele gezeigt. Es war der Höhepunkt der Cultural Olympiad – 20 Aufführungen in knapp fünf Wochen. Die Spielzeit war 2009 schon weit vorgeplant, aber vieles musste auch neu entschieden werden, wie die Auswahl der Koproduktionen und damit die Leitung der Wiederaufnahmen für die London-Gastspiele. Zeitgleich wurde nach dem Tod Pina Bauschs die Pina Bausch Foundation gegründet. Sie hat das Archiv aufgebaut, pflegt nationale und internationale Kontakte...

Über Verantwortung im Umgang mit dem Werk von Pina Bausch

Ein Tanzerbe wählen

Die Bühne, ein liegendes Kreuz, von flackernden Glühlampen umrandet – Rummelplatz der Ideologien und Intrigen (Bühne Thilo Reuther). Später fährt der eiserne Vorhang hinunter, der ist aus Wellblech, und plötzlich liegt die schäbige Szenerie vor uns: das Ghetto der Verschwörung. Dann wieder weitet sie sich, aber alle Schlachten sind längst verloren – ein Pferdekadaver hängt kopfüber vom Bühnenhimmel herab, effektvoll von einer Lanze durchbohrt. Wir sind mittendrin in Schillers „Wal- lenstein“, alle drei Teile hintereinander, ein Marathon für Schauspieler und Zuschauer – über viereinhalb Stunden konzentrierte Schiller’sche Verssprache. „Hier ist kein Glanz, als der von Waffen!“ Damit scheint alles gesagt über Wallenstein und sein kriegerisches Gefolge. Ein Männerspiel aus Macht- und Mordfantasien. Wenn von Frieden die Rede ist, dann fühlen sie sich alle in ihrer kriegerischen Existenz bedroht. Schiller kehrte mit dem von Goethe 1798/99 in Weimar zur Uraufführung gebrachten „Wallenstein“ triumphal als Bühnenautor zurück. Denn seit dem „Don Carlos“ waren bereits zehn Jahre vergangen, in denen er Professor in Jena war. Nicht umsonst, wie seine „Geschichte des Dreißigjährigen Krieges“ zeigt. Er wusste nun, dieser Krieg steht vor uns als Urkatastrophe des modernen Europa, das sich im 17. Jahrhundert aus den dunklen Schatten, die er warf, herauszuarbeiten begann. Dominique Horwitz...

Deutsches Nationaltheater Weimar: „Wallenstein“ von Friedrich Schiller. Regie Hasko Weber, Ausstattung Thilo Reuther

Weimar: Interessen statt Ideen

Was folgt

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Als Katrin Plötner in jungen Jahren, das war Ende der 1990er, ihren ersten Castorf sah, dachte sie, am Theater geht es immer so zu. Ein schöner Irrtum, der wesentlich dazu beigetragen hat, dass die gebürtige Berlinerin wenige Jahre später Regiestudentin am Mozarteum in Salzburg wurde. Bei ihrem Abschluss 2011 zählte sie dann zu den besten Absolventinnen. Ihre Diplominszenierung „Angriffe auf Anne“ etwa wurde zu Fast Forward, dem Europäischen Festival für junge Regie, nach Braunschweig eingeladen. Aber auch während des Studiums machten ihre Arbeiten bereits die Runde auf diversen Nachwuchsplattformen. Das hat seine Gründe. Katrin Plötners Inszenierungen sind wild und irritierend, indes aber von tiefem Respekt der jeweiligen Textvorlage gegenüber getragen. „Mich interessiert es sehr, die Sprache bei dem zu belassen, wie sie ist, soweit ich ihr folgen kann, sie verstehen kann“, sagte sie während der Vorbereitung auf „Minna von Barnhelm“. Und trotzdem gelang es ihr, Lessings Lustspiel aus dem Jahr 1767 im vergangenen Dezember für das Landestheater Niederösterreich aus dem zeitgeschichtlichen Korsett und seinen uns heute möglicherweise fremd erscheinenden Ehrbegriffen herauszuschälen. Wichtig ist Plötner dabei, die Distanz zu einem Text ernst zu nehmen, sie nicht zu übertünchen. Dabei gelangen ihr im Fall von „Minna“ schöne Vexierbilder, in denen Figuren und...

Die Regisseurin Katrin Plötner nimmt die Distanz zu Theatertexten ernst

In mehreren Welten zu Hause

Eine verkohlte Elektrogitarre hängt an der Wand. Die gerissenen Stahlsaiten baumeln lose nach unten und werfen Schatten auf den makellos gestrichenen Hintergrund. Unversehens ist natürlich die Erinnerung an Jimi Hendrix da, der vor knapp 50 Jahren in Monterey seine Gitarre auf der Bühne anzündete und später Maschinengewehre und Militärflugzeuge mit ihr nachahmte. Mit dieser Erzählung beginnt die Ausstellung Verwobene Klänge – Von rasenden Himmelsschiffen und dem Erforschen versetzter Geschichten von Satch Hoyt in der Berliner Galerie Wedding. Es ist die erste Berliner Einzelschau des Musikers und Künstlers mit britisch-jamaikanischen Wurzeln, der schon mit der Schauspielerin und Sängerin Grace Jones und der Künstlerlegende Louise Bourgeois zusammenarbeitete. Seine Skulpturen und Objekte sind bekannt dafür, multisensorische Installationen zu sein, deren Geschichten von der afrikanischen Diaspora handeln und immer wieder mit Musik und eigenen Klangkompositionen verknüpft werden. Er selbst bezeichnet das Ergebnis dieses kreativen Verfahrens als kaum wahrnehmbaren „Sonic Text“. Seiner Ansicht nach ist das ein Mix aus Soundbites und visuellen Zeichen, der als Grundton jede Millisekunde unseres Alltags begleitet und sich deshalb auch seit Jahren in jeder einzelnen Arbeit wiederfindet. Alles soll hier im Zusammenhang stehen: die Tracks aus dem Dreikanalvideo „The Back Beat“, die lilafarbene Seide, die das Mikrofon im Kästchen mit...

Kunst: Sonic Text

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Yael Ronen sitzt in einer Loge des Schauspielhauses Graz, gleich rechts neben der Bühne. Ihre Arme liegen verschränkt auf der Brüstung. Das Kinn ruht auf den Armen. Sie lächelt. Neugierig wandert ihr Blick zwischen Bühne und Zuschauerraum hin und her. Es ist der Premierenabend von „Community“, dem dritten Projekt der israelischen Regisseurin in Graz, das diesmal das Theater der Stadt selbst zum Thema hat. „Schauspielhaus Graz Occupied“ steht auf den T-Shirts der Darsteller. Wir schreiben das Jahr 2018. Die Finanzkrise ist mit voller Wucht zurückgekehrt, das Theater soll zum Luxushotel umgebaut werden. Doch ein kleines Häufchen Unbeugsamer hält es besetzt. Die Bühne gleicht einem Occupy-Camp mit Matratzenlager, Suppenküche und Kräutergarten. Draußen macht sich angeblich schon die Polizei zum Sturm bereit. Die Schauspieler fordern das Publikum auf, das Theater mit ihnen gemeinsam zu verteidigen, eine Solidargemeinschaft, eine „Community“ zu bilden. Was ist uns das Theater wert? Sind wir bereit, es uns unter schwierigen Umständen zu leisten? Und was kann das Theater selbst leisten in schwieriger werdenden Zeiten? Das sind zentrale Fragen in diesem Stück, das Ronen gemeinsam mit dem Ensemble erarbeitet hat. Fragen, die die Schauspieler – oft in unmittelbarer Frontalansprache – ans Publikum weiterreichen. Was kann Theater? Yael Ronen sagt:...

Die israelische Regisseurin Yael Ronen bringt mit beißendem Witz Klischees zum Explodieren – erst so, sagt sie, werden politische Konflikte auf der Bühne verhandelbar

Die Unbeugsame

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Matthias Brenner, Sie werden am Neuen Theater in Halle den „Alleinunterhalter“ von Ralph Hammerthaler spielen. Beim ersten Lesen war ich irritiert über die Trivialität des Sujets. Aber dann schien es mir eine Art Endzeitzustand zu zeigen, der nach uns greift. Wie ging es Ihnen? Ähnlich, zuerst war auch ich irritiert, geradezu befremdet. Aber dann begann ich, mich in die Figur hineinzudenken. Dieser spezielle Typus des Unterhalters ist ja etwas tief Zwiespältiges. Ich dachte an O. F. Weidling, der in der DDR berühmt war und dann wegen einiger nicht genehmer politscher Äußerungen nicht mehr auftreten durfte. Was war das für ein schweres einsames Schicksal! Oder Achim Mentzel, der aus der frühen DDR-Beatmusik kam und dann mit volkstümlicher Musik so einen Riesenerfolg hatte, dass er fortan nur noch das machte – obwohl seine Wurzeln ganz andere sind. Da kommt man dann zum Problem der Massenkultur, der Unterhaltung als Ware, die verkauft werden muss und oft in Widerspruch zu den eigenen Werten steht. Da wird es widersprüchlich, das hat ja auch mit Theater zu tun, das einerseits unterhalten will und andererseits damit einen Anspruch verknüpft, nämlich Urteilskraft zu bilden, über Konsummechanismen aufzuklären, und mit der Verführungskraft von Geschichten ein Spiel betreibt, das zugleich...

Matthias Brenner über Ralph Hammerthalers „Alleinunterhalter“ im Gespräch mit Gunnar Decker

Die Trivialisierung ist die Apokalypse

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Im Wintersemester 2014/15 hatte die österreichische Schriftstellerin Kathrin Röggla die Poetikdozentur an der Universität Duisburg-Essen inne. Neben Reflexionen über Literatur und Politik, Mündlichkeit und Schriftlichkeit ging es im dritten Teil ihrer Vorlesungsreihe um das Arbeiten mit fiktionalen und/oder dokumentarischen Mitteln. Wir veröffentlichen einen Ausschnitt aus diesem Text – einer Mischung aus Tagebuchaufzeichnungen und Essay –, der vorausblicken soll auf eine Diskursreihe, in der sich Theater der Zeit ab Mai dem Thema Neuer Realismus widmet. Kathrin Röggla ist, ebenfalls ab Mai, regelmäßige Kolumnistin von Theater der Zeit. Wo ist unsere Wut hin? Sie scheint nicht mehr jene in Farbprismen zerlegbare Wut zu sein, sondern eine schwarze Wut, einfarbig, wenn man das als Farbe bezeichnen möchte, und zäh. Sie unterhält stets Verbindungen zu dem Hauptgefühl unserer Zeit: Angst. Nein, unsere zumindest in Deutschland durch relativen Wohlstand geprägte Zeit hat nicht etwa Sicherheits- und Wohlstandsgefühle zur Folge, sondern Unsicherheit, Angst, Orientierungslosigkeit. Die Angststörungen und Depressionen nehmen stetig zu, kann man allen Publikationen von Alain Ehrenberg bis zur Süddeutschen Zeitung entnehmen. Wir sind insofern immer weniger in gewissen Genres wie dem Thriller oder dem Krimi zu Hause, sondern mehr im Katastrophenfilm, dem Horrorgenre und gewissen Formen des dystopischen Science-Fiction: „Die Tribute von Panem“, „Minority...

Über Strategien eines literarischen Schreibens, das die durch Katastrophengrammatik und Facebook-Talk verzerrte Realität wieder zu fassen bekommt

Suchbilder

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Aalen Theater K. Köhler: Deine Helden – Meine Träume (G. Kistner, 08.03.) Baden-Baden Theater A. Döblin: Berlin Alexanderplatz (06.03.); E. Rottmann: Pocahontas 2015 (Show must go on) (J. Kracht, 15.03., UA) Basel Theater F. Dürrenmatt: Der Besuch der alten Dame (F. Fiedler, 26.03.); W. Lotz: Einige Nachrichten an das All (M. Rehberger, 28.03.) Bautzen Deutsch-Sorbisches Volkstheater J. Koch: Mój wumerjeny kraj (Landvermesser) (L. Hillmann, 14.03.) Berlin Grips Theater G. Caers: Adams Welt (G. Caers, 14.03.) Renaissance-Theater F. Roger-Lacan: Unwiderstehlich (A. Uitdehaag, 21.03.) Schaubühne n. F. Hölderlin/n. Sophokles: Ödipus der Tyrann (R. Castellucci, 06.03.) Volksbühne R. Pollesch: Von einem der auszog, weil er sich die Miete nicht mehr leisten konnte (R. Pollesch, 12.03., UA) Biel / Solothurn TOBS M. Merker/A. Hitz: Lachen verboten! Eine Hommage an Buster Keaton (M. Merker/A. Hitz, 06.03., UA) Bonn Kleines Theater Bad Godesberg D. Besse/A. Tutenuit: Toutou (S. Szameit, 14.03.) Theater S. Harbeke: Eine Nacht lang Familie (S. Harbeke, 27.03., UA) Braunschweig Staatstheater G. Büchner: Leonce und Lena (M. Mikat, 06.03.); A. Miller: Alle meine Söhne (M. Nimz, 21.03.); Fliehen &amp; Forschen (J. Roesler, 27.03.) Bremen bremer shakespeare company n. F. Schiller: Maria Stuart (P. Schultz, 05.03.) Schwankhalle F. Molnár: Liliom (A. Bartholdy/P. Gahmert, 06.03.) Theater...

März 2015

Premieren

Derman sendedir

Joël Pommerat springt tollkühn durch die Zeitalter. Dementsprechend turbulent geht es auf der von Alexander Müller-Elmau mit beweglichen Quadern bestückten, delikat beleuchteten Drehbühne zu: In drei unterschiedlichen krisenhaften Epochen spielt das aus acht Geschichten montierte Stück „Kreise/ Visionen“, nämlich im Mittelalter, zur Zeit des Hundertjährigen Krieges zwischen Frankreich und England, im beginnenden 20. Jahrhundert, vor dem Ersten Weltkrieg und schließlich in der Jetztzeit, in der die globale Krise gewissermaßen zur Gewohnheit geworden ist. Der französische Autor und Regisseur (Jahrgang 1963) hat ein eminent bühnenwirksames Szenario entwickelt, das nicht nur der Haustechnik, sondern auch dem Zuschauer einiges abverlangt: Kaum haben Auge und Ohr sich an ein Setting, eine Personnage gewöhnt, flackert eine Leuchtschrift auf, die eine neue Situation ankündigt, 500 Jahre früher oder 100 Jahre später spielend. Insgesamt acht Spieler (plus Statisterie) wechseln permanent die Rollen. Pommerat erzählt die Geschichten mit Breaks, und gelegentlich auch rückwärts. Der rote Faden – man kommt nach und nach dahinter – ist die Metaphysik, der Glaube, das spirituelle oder auch nur esoterische Moment in allen Spielarten. Ein eitler Conférencier will das Publikum dazu überreden, sich an einem „Unend- lichkeitsspiel“ zu beteiligen (heute). Ein trauriger Vertreter versucht, einer hochdepressiven Frau an ihrer Wohnungstür eine „Universalbibel für...

Düsseldorfer Schauspielhaus: „Kreise/Visionen“ (DE) von Joël Pommerat. Regie Hans-Ulrich Becker, Bühne Alexander Müller-Elmau, Kostüme Stefanie Seitz

Düsseldorf: Macbeth im Parkhaus

„Chor(e)ographien“

In der „Kinderwunschpraxis Wunschkinder“ ist alles möglich: Nicht nur verzweifelten Eltern soll mittels künstlicher Befruchtung irgendwann das Glück eines gemeinsamen Kindes zuteil werden, das sich zu einem gut gebildeten, hübschen Darling, everybody’s, entwickelt. Auch die Ärzte und Inhaber nutzen den Raum für ihre Zwecke: Der eitle Leiter und Sonnengott in Weiß Dr. med. Bernd Flause hat zum Unwissen der behandelten Frauen schon mehr als 300 Kinder „mit- gezeugt“. Um den Enkelwunsch der eigenen Mutter zu befriedigen, kommt auch dem alleinstehenden Diplombiologen Dr. Stefan Schimmerle seine Stellung als Laborant gerade recht. Wen stört es schon, wenn der Frau die eigene Spermaprobe statt der des Wunschvaters eingesetzt wird? In Felicia Zellers neuem Stück „Wunsch und Wunder“ geht es drunter und drüber. Man wird einer grotesken Menschenfabrik gewahr, errichtet auf Schöpfungsfantasien und der Schimäre harmonischer Elternschaft. In der Uraufführung der Komödie am Saarländischen Staatstheater stützt sich Regisseur Marcus Lobbes vor allem auf Motive des Märchenwaldes: In einem Rondell (Bühne Wolf Gutjahr) fächern sich mehrere symmetrisch aufgebaute und durch Türen verbundene Zimmer auf. Während Dr. Flause (Andreas Anke) im inneren Raum mit verschiedenen Materialien hin und wieder an einer monströsen Menschenpuppe herumbastelt, zeichnen die mit uniformen Waldpostern beklebten Wände zum Zuschauerraum das Bild einer...

Saarländisches Staatstheater: „Wunsch und Wunder“ (UA) von Felicia Zeller. Regie Marcus Lobbes, Ausstattung Wolf Gutjahr

Saarbrücken: In der Menschenfabrik

Um Andrei Swjaginzews neuen Film Leviathan tobt derzeit in Russland eine Art Glaubenskrieg. Ganze Heerscharen nationalstolzer Kritiker unterstellen dem Regisseur, er ziehe sein Land in den Schmutz, um auf internationalem Parkett zu punkten. Kulturminister Wladimir Medinski ließ sich zu der Aussage hinreißen, sein Haus werde künftig keine Filme mehr finanzieren, die das Vaterland als „Scheißhaufen“ darstellen. Droht dem russischen Kino ein ähnliches Schicksal wie dem ungarischen, wo die Förderung fast nur noch Kommerz, aber keinesfalls mehr Kunst unterstützt, die gesellschaftliche Prozesse kritisch begleitet? Irgendwo in der nordrussischen Küstenregion Murmansk lebt die Familie des Automechanikers Kolja in ihrem Haus am Meer. Das ist dem Bürgermeister ein Dorn im Auge, er will das Grundstück für sich und schafft es am Ende auch, dass Kolja ruiniert und im Gefängnis ist, seine Frau ist tot. Hinter dem Schreibtisch des feisten Bürgermeisters prangt deutlich sichtbar das Porträt Putins. Und der orthodoxe Bischof segnet dessen Taten mit Inbrunst. Vielleicht ist dies das eigentliche Angriffsziel: nicht der Staat, von dem kaum mehr jemand etwas erwartet, sondern jene Kirche, die sich in eine unheilige Allianz mit korrupten Beamten und einer eiskalten Justiz begeben hat, anstatt den Schwachen beizustehen. Die erbarmungslose Gottlosigkeit der selbsternannten Vertreter Gottes auf Erden. Schon...

Film: Jeder für sich und Gott gegen alle

In der internationalen Tanzwelt gilt er als Magier mit der Kraft eines Schamanen, weil er mit seiner Kunst durchsetzen will, wofür er sich mit seinem eigenen Körper einsetzt. Ein engagierter Performer und Initiator, dessen Arbeit die Aura des Kultischen atmet: Ismael Ivo ist als Solist wie als Choreograf ein Überraschungs- und Verwandlungskünstler der internationalen Szene. Seine Aufführungen werden überall in der Welt vom Publikum gestürmt, seine Festivals und Bildungsprojekte wirken nachhaltig, und das umso mehr, als sie nie irgendeiner Mode folgen. Ismael Ivo glaubt mit fast missionarischem Eifer an seine Aufgabe, seine Kunst tänzerischer Interpretation, die er als einen Dialog mit dem Körper versteht, und seine Philosophie der Bewegung an die Jugend weitergeben zu müssen. Verständlich, dass es für Ivo die Verwirklichung eines Traumes war, als er 2005 zum künstlerischen Leiter der Tanzsparte der Biennale von Venedig ernannt wurde. Als Huldigung an die Lagunenstadt wählte er als Motto „Venedig – das Tor zur Welt“ und kündigte zugleich an, dass es ihm bei diesem Tanzfestival um eine künstlerische Auseinandersetzung mit spezifischen Themen gehe. Er sprach von einer „Biennale des Körpers“ (Biennale del corpo) im Stil eines Triptychons, das den Körper als Spiegel unserer Zeit präsentiert. Menschen verschiedener Kulturen sollten ihre Visionen,...

Der Tänzer-Choreograf Ismael Ivo ist nicht nur ein einzigartiger Performer, sondern auch ein engagierter Vermittler

Bibliothek des Körpers

Die Stress-Knoten auflösen

Die Geschichte ist ein Laufsteg der Erinnerungen (bei Armin Petras) oder auch ein grellbunter Totentanz der Utopien (bei Sebastian Baumgarten). Dort aber, wo die Scheinwerfer der täglich wechselnden Aufmerksamkeit nicht hinreichen, herrscht das Dunkel, das traumlose Vergessen. Das vor allem fürchten wir, darum überhaupt gibt es Kunst als Beschwören eines Bildes des Vergangenen. Petras mit Christa Wolfs „Der geteilte Himmel“ und Baumgarten mit Heiner Müllers Adaption von Fjodor Gladkows „Zement“ verbindet ein archaisches Ritual, das im Theater wiederaufersteht: die Toten zu beschwören, eine Verbindung zu ihnen herzustellen, sie sprechen zu lassen. Was wir da hören, ist Warnung ebenso wie Ermutigung. Beide Regisseure befragen die Vergangenheit nach einer Zukunft, die sie unentdeckt in sich trägt. Darum geht es: „Das Unglück des Einzelnen ist immer der Bodensatz der Geschichte.“ Ist es eine glückliche Geschichte? Am Ende wohl nicht, aber wo ist dieses Ende der Geschichte? Der Satz wird in Armin Petras’ Inszenierung von Christa Wolfs „Der geteilte Himmel“ an der Berliner Schaubühne gesprochen. Er klingt nach unvermitteltem „Einbruch der Zeit ins Spiel“. Bei Sebastian Baumgarten tritt die antike Tragödie dann ganz direkt hervor: „Der Zement von morgen sind die Toten von heute.“ Mit anderen Worten: Wir selbst sind der Dünger für jenen...

Armin Petras’ „Der geteilte Himmel“ und Sebastian Baumgartens „Zement“ beschwören an der Schaubühne und am Maxim Gorki Theater Berlin die Toten, damit sie herausgeben, was an Zukunft mit ihnen begrabe

Bodensatz der Geschichte

In den Schützengräben Europas starben die Soldaten wie die Fliegen – und der Fürst zur Lippe baute sich erst einmal ein neues Theater. Noch heute prangt stolz am Giebel des Landestheaters Detmold: „Erbaut in den Kriegsjahren 1914/15“. Wer als Theatermacher tagein, tagaus unter einer solchen Inschrift zur Arbeit geht, müsste schon sehr geschichtsvergessen sein, wenn er eine Spielzeit, die 100 Jahre nach Beginn des Ersten Weltkriegs beginnt und 70 Jahre nach Ende des Zweiten Weltkriegs endet, nicht dem Krieg widmen würde. „Schlachten – Feste – Katastrophen“ hat Detmolds Intendant Kay Metzger als Motto ausgerufen. Und er hat das blutige Schlachtgemälde eines der berühmtesten Söhne der Stadt auf den Spielplan gehoben: „Herzog Theodor von Gothland“ von Christian Dietrich Grabbe. Ein monströses Opus, roh geschnitzt und kaum gespielt. Und von einer derart düsteren Weltsicht, dass man geneigt ist, an pubertären Pessimismus zu denken – der Vormärz-Dichter, der vergeblich versuchte, ein deutscher Shakespeare zu werden, schrieb die ersten Verse des Stücks noch als Gymnasiast. Das Landestheater aber zieht es vor, den Fünfakter hellsichtig zu finden. Denn das Endzeitszenario, das Grabbe vor fast zwei Jahrhunderten entwarf, erscheint in vielem sehr gegenwärtig: Berdoa, der „Neger“, will grausam Rache nehmen an den Europäern, den Kolonisatoren, die...

Landestheater Detmold: „Herzog Theodor von Gothland“ von Christian Dietrich Grabbe. Regie Tatjana Rese, Ausstattung Reiner Wiesemes

Detmold: Ohne Wendemöglichkeit

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

ZUSAMMENFASSUNG In diesem Essay möchte ich dem Nachdenken über Dinge in der Performance eine neue Dimension hinzufügen und sie direkt mit der Perspektive des transformativen Materialismus verbinden. Meine Hypothese lautet wie folgt: Um die hegemonische Ökonomie des Performance-Kapitalismus hinter sich zu lassen, muss zeitgenössische Performance die allgemeine Ökonomie der Dinge erneut aufschließen, deren Gefüge neu formieren und zusammensetzen. Aber was bedeutet ein ›Ding‹ eigentlich? Und warum sollte ein Ding performen? Und was ist unter einer Gemeinschaft von Dingen zu verstehen? Zunächst zur Frage: Was wollen die Dinge? <h2>DER WENDEPUNKT DER DINGE</h2> Zeitgenössische Performance ist besessen von Dingen – von Dingen, die performen oder behaupten zu performen. Der zeitgenössische Diskurs über Performance wiederum ist von der auratischen Präsenz der Dinge fasziniert und lässt sich seinerseits vom irrationalen Glauben in Besitz nehmen, Performance könne der Raum für diese – ästhetische, philosophische, politische – Wende sein. Tatsächlich bemühen sich jüngste kritische Aussagen um eine Verknüpfung besagter Tendenzen im zeitgenössischen Tanz und in der zeitgenössischen Performance mit einer zeitgenössischen Richtung in der Philosophie, der sogenannten objektorientierten Ontologie1. Diese ist vom Versuch bestimmt, die Kant’sche Idee zu unterminieren, indem eine Übereinstimmung von Erkenntnisobjekten und menschlichem Geist und somit von Existenz und Sein,...

Dynamische Ontologie und die Zukunft der Performance

Was wollen die Dinge?

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Hallo, Hanns Eisler, Hochschule für Musik. Gehst du daran vorbei, hast du Musik im Ohr. Jedes Mal denk ich, lasst sie raus, ehe sie so zugerichtet sind, dass sie den Schlaf der Oper nicht mehr stören können. Alle paar Jahre hab ich Lust auf eine Opernpolemik. Schau ich auf die Uhr, ist es schon wieder so weit. Die Oper ist mein Lieblingsgegner, leicht zu treffen, weil sie sich nicht bewegt. Tatsächlich ist sie zum Sterben schön, weil zum Leben fehlt ihr die Kraft, das wäre zwar auch schön, aber vor allem schön anstrengend. Ich darf nicht vergessen, meinen Satz unterzubringen, wie alle paar Jahre in der Polemik, fast schon ein Klassiker: „Nicht nur genuschelt hört sich die gute alte Oper an wie der gute alte Opa.“ Ha, ha, ha. Ich sollte Kabarett machen. Hallo, Marielle. Gut schaust du aus. Familienname Sterra. Sie kommt direkt von der Eisler. Dort studiert sie Regie fürs Musiktheater, für mich immer noch Oper, weil ich das große O nicht aufgeben will, da passt so viel hinein, vielleicht eine ganze Welt, wenn man sie nur hineinlassen würde. Musik studiert Marielle auch, Klavier, Tonsatz, Gehörbildung. Sie kann eine Zwölftonreihe vom Blatt singen. Die würde ich jetzt gern...

Glanz & Krawall mit der jungen Regisseurin Marielle Sterra

Das große O der Oper

1 Mann, 1 Keyboard. Ja. Er klimpert auf dem Keyboard, er summt und horcht den Tönen nach. Ja, gut. Er probiert ein paar Klangeffekte aus. Mensch, ja! Wie das fetzt. Oh, das fetzt! Wenn es nicht fetzt, dann stockt die Musik, dass es dich hinhaut. Er wirft die Rhythmusmaschine an, wippt und fängt an zu tänzeln. Ja! Dann schaltet er den Rhythmus wieder aus. Ich bin einer von den Großen hier bei uns, besser gesagt, der Größte, so stand es im Anzeiger, der größte Unterhalter Hans Klipp, derweil sie mich auch Würm-Hans nennen oder, kameradschaftlich, Würm-Hansi, weil ich ständig unterwegs bin um den Würmsee herum. Alle haben es gelesen, weil jeder hier den Anzeiger liest; kommst du im Anzeiger nicht vor, existierst du auch sonst nicht. Aber dann hat die Zeitung sich dermaßen verhaut, dass sie mir vorwarf, ich hätte mich im dritten Set verspielt, dabei verspiele ich mich nie und schon gar nicht im dritten Set, denn das dritte beherrsche ich im Schlaf, irgendwann später vielleicht, im vierten oder fünften, da hab ich dann schon mal danebengelangt, aber ohne dass einer es bemerkt hätte, der Anzeiger sowieso nicht, der Anzeiger bemerkt überhaupt nie etwas, und wenn, dann stimmt es...

Alleinunterhalter

„Is my future all in the past“

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Immer wenn ich durch die Industrielandschaft des Ruhrgebiets fahre, diese riesige Produktionsmaschine, die nicht mehr produziert, kommt mir der älteste erhaltene Tragödientext in den Sinn, Aischylos’ „Perser“. Das liegt sicher nicht an irgendeinem „hellenischen“ Charakter der 53 „Poleis“ zwischen Emscher und Ruhr, sondern eher am wüsten Äußeren der Gegend, ein ewiges Mal der Weltkriege des Industriezeitalters. Auch die „Perser“ sprechen ja von einem Krieg, den man ohne Übertreibung einen Weltkrieg der Antike nennen kann. Und die Stelle, die mir im Ruhrgebiet jedes Mal im inneren Ohr tönt (nach wie vor mit der Stimme Margit Bendokats aus Dimiter Gotscheffs „Perser“-Inszenierung), ist der berühmte Prolog der Tragödie: Jener lange Gesang, mit dem der Perserchor die größte Kriegsmaschine der damaligen Welt beschwört, die unermesslichen persischen Kriegerheere, die sich auf den Feldzug gegen die Griechen begeben haben (und zu diesem Zeitpunkt schon allesamt tot sind): „Andere auch hat der große und vielnährende / Nil geschickt: Susiskanes / Pegastagon, Ägypten entstammend (…) Und die goldreiche Sardes, fahrend / Auf vielen Wagen (…) Und die sumpfbewohnenden Ruderer der Schiffe / Gewaltig und an Menge unzählbar.“ Sehr vieles fasziniert an diesem Text, aber dass er für mich genauso im Ruhrgebiet wie am persischen Königshof spielt, liegt an...

Überlegungen zum aischyleischen Charakter des Ruhrgebiets

kirschs kontexte: Und Susiskanes war auch dabei

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Erinnerungsarbeit: Wo steht der zeitgenössische Tanz heute, in den Theatern, in der freien Szene, in Bezug auf seine kulturpolitische Verantwortung? Drei Beispiele zum Stand der Dinge. Und drei Fragen: Die Frage nach dem kulturellen Erbe im zeitgenössischen Tanz, die Frage nach der künstlerischen Position der freien Tanzszene und die Frage nach der gesellschaftspolitischen Bedeutung von Tanz sind die Leitlinien einer Fallstudie zur aktuellen Tanzszene, der sich Theater der Zeit in dieser Ausgabe widmet. Die Protagonisten sind Pina Bausch, VA Wölfl und Ismael Ivo. Das Tanztheater Pina Bauschs bleibt auch fünf Jahre nach dem Tod der Choreografin das künstlerische Aushängeschild der Stadt Wuppertal. Mit vereinten Kräften von Stadt, Land und Bund wird an dem Erhalt eines Jahrhundertwerks gearbeitet, das nicht nur als Archiv in einer Bibliothek überliefert, sondern als tänzerisches Bühnenereignis an die nächsten Generationen weitergegeben werden soll. Ein Blick auf die Tanzgeschichte des 20. Jahrhunderts macht die weitreichende Herausforderung sofort deutlich. Selbstverständlich werden die Klassiker des Balletts in zahlreichen Häusern immer wieder neu aufgeführt, aber die großen Innovationen der zeitgenössischen Tanzszene bleiben mangels wiederkehrender Aufführungen zumeist unsichtbar. Bemerkenswert sind hier Ausnahmen wie Sasha Waltz, die parallel zu den Neuproduktionen an dem eigenen Repertoire arbeitet. Es war jedoch der explizite Wunsch...

Wie der zeitgenössische Tanz seine ästhetische und politische Bedeutung behauptet. Eine Fallstudie zu den Schlüsselwerken von Pina Bausch, VA Wölfl / NEUER TANZ und Ismael Ivo

Transformationen

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Sechs Frauen sprechen von Krieg, von drohendem Klimawandel und gesellschaftlichem Kollaps. Wie auf einem Schachbrett ändern sich ihre Verhältnisse und Konstellationen zueinander. Die Wucht ihrer Sprache und die Klarheit ihrer Gedanken öffnen Bilderräume und richten sie ein, wie kein „Brennpunkt“ und keine „Breaking News“ es noch zustande bringen. Achim Lenz, der studierte Altphilologe, hievt das Epos „Der Bürgerkrieg“ des römischen Dichters Lucan über die zunehmend eskalierenden kriegerischen Auseinandersetzungen zwischen Caesar und Pompeius in ein kraftvolles Chortheater und bringt mit seiner Inszenierung einen brisanten Kommentar zum Trauma der Gewalt. Einer heutigen, wenig vorausschauend und fast fahrlässig lustvoll agierenden Protest- und Demonstrationswelle hält er gekonnt den Spiegel vor. In einem außergewöhnlichen Schulterschluss zwischen dem Theater Chur, dem Ringlokschuppen in Mülheim an der Ruhr und dem Schlachthaus Bern produziert, folgte die Aufführung im vergangenen Jahr stilistisch auf „Die Wolfshaut“. In einem Dorf mit dem symbolischen Namen Schweigen angesiedelt, bohrt Lenz’ Bearbeitung des Romans von Hans Lebert in eine Kruste aus Ex-Ortsgruppenleitern und Mitwissern. Auch hier geht es um die sukzessive Rekonstruktion einer Gräueltat und der Anfänge, gegen die sich niemand verwehrt hat, weil sie nicht ausreichend sichtbar waren. „Das, was ich kann, reicht nicht aus, um das zu machen, was ich da sehe“,...

Der Regisseur und Altphilologe Achim Lenz überführt Sujets vom antiken Epos bis zur Operette in kraftvolles Chortheater

Schweigen und Protest

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Mit „Frühling der Barbaren“ führt das Theater St. Gallen nach „Top Dogs“, „Die Kontrakte des Kaufmanns“ und „Das Ende vom Geld“ seine künstlerische Auseinandersetzung mit den Phobien der zeitgenössischen Finanzwelt fort. Dem Autor Jonas Löscher gelang es in seiner gefeierten Debütnovelle „Frühling der Barbaren“, nominiert für den Deutschen und den Schweizer Buchpreis 2013, aktuell widersprüchliche Absurditäten des zeitgenössischen internationalen Finanzsystems dingfest zu machen, ohne Tendenzliteratur zu verfassen. Im Mittelpunkt steht der Schweizer Unternehmenserbe Preising, der als Gast in einem tunesischen Luxusresort Zeuge eines pervers opulenten Hochzeitsgelages wird, zu dem ein junges Paar aus der Londoner Finanzwelt geladen hat. Doch während in der Wüste gefeiert wird, kündigt sich an der Börse ein Crash an, der bewirkt, dass am nächsten Morgen das Finanzsystem zusammengebrochen ist, die Vermögen aus den Aktienportfolios entwertet sind und die bald nicht mehr funktionierenden Smartphones den verkaterten Finanzjongleuren die Kündigungen überbringen. Der daraufhin zwischen Pool und Palmen ausbrechende Ausnahmezustand mutiert, scheinbar gesetzmäßig, die Yuppie-Gesellschaft in ein vielleicht etwas zu stereotypes Panorama menschlicher Entgleisungen. Zwei Dinge aber nehmen für den Theaterabend ein: Die Spielfassung, für die Regisseur Tim Kramer und Dramaturgin Nina Stazol Verantwortung tragen, erweist sich in ihrer originellen Reduktion des Geschehens auf den dramatischen Kern als überzeugend....

Theater St. Gallen: „Frühling der Barbaren“ nach Jonas Lüscher. Regie Tim Kramer, Bühne Michael Kraus, Kostüme Stefan Röhrle

St. Gallen: Am epischen Rand: das Zentrum

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

„Die Sonne drang durch die Wolken, der Wind fegte heftig den Himmel rein, das Silikat blendete, Parts musste mit der Hand die Au- gen beschirmen, neben einem Gebüsch flog ein Schwarm Tauben auf, er wandte den Kopf in ihre Richtung, aber sah nichts, der Himmel war zu weiß.“ Sofi Oksanen, die wohl wichtigste zeitgenössische Autorin Finnlands, die selbst estnische Wurzeln hat, erlaubt es dem Himmel über Estland nur kurz aufzubrechen – denn in „Als die Tauben verschwanden“ gibt es keine Hoffnung auf gleißendes Licht, das die trüben Kriegs- und Besatzungstage erhellen könnte. Erzählt wird eine Geschichte, die von menschlichem Unheil handelt, das während der zweifachen Okkupation Estlands über seine Bewohner hereinbricht. Dicht und komprimiert wird darin die sich über 20 Jahre erstreckende dunkle Historie eines besetzten Landes über drei in sich verwobene, sich immer wieder verlierende Lebensläufe und die sich darin wiederfindenden Sehnsüchte erzählt: Roland kämpft für die Freiheit Estlands, sein Cousin Edgar giert nur nach Macht und Anerkennung, während sich dessen Ehefrau Juudit nach Liebe verzehrt. Doch „Als die Tauben verschwanden“ ist nicht nur Sehnsuchtssuche, Liebesgeschichte, Familienepos – es ist auch Lehrstunde in Sachen Geschichtsschreibung und avanciert dadurch zum ausgemachten Psychothriller. Denn genauso langsam und behäbig, wie während der...

Sofi Oksanen: Als die Tauben verschwanden. Roman. Kiepenheuer & Witsch, Köln 2014, 432 S., 19,99 EUR.

Die Agonie okkupierter Herzen

Wer Musik digital konsumiert, gerät sofort in ein Dilemma unserer Zeit: zwischen freier Verfügbarkeit und totaler Überwachung. Wer einmal eine CD von, sagen wir: The Flock geordert hat, darf den Rest seines Lebens sicher sein, dass er nachhaltig mit Angeboten à la „für Flock-Fans auch interessant“ überhäuft wird. „Was so viele für ein Instrument der Freiheit hielten, wird aufs Effektivste für das exakte Gegenteil benutzt“, weiß auch Internetexperte Sascha Lobo. Der Heidelberger Frühling, vom Zuschnitt ein Premiumfestival des nach allen Seiten offenen Klassiksegments, bietet zum Thema „Dialektik der Freiheit“ sogar ein Symposium an. Gleichzeitig lotet der zeitgenössisch orientierte „off-spring“-Teil des Treffens die Möglichkeiten alternativer Musikkoalitionen aus: So wird ein Streichquartett akustische Klänge mit elektronischen Bummeltechno-Rhythmen des Labels Laut &amp; Luise tanzbar verbinden. Ähnlich stilübergreifend wird der israelische Sänger, Kontrabassist und Echo-Preisträger Avishai Cohen mit dem Stuttgarter Kammerorchester Schnittstellen zwischen Jazz und Klassik erkunden. MaerzMusik in Berlin, bisher zuständig „für aktuelle Musik“, hat sich in „Festival für Zeitfragen“ umbenannt. Die veränderte Ausrichtung geht auf den österreichischen Musikologen Berno Odo Polzer zurück, der den bisherigen künstlerischen Leiter Matthias Osterwold ablöst. MaerzMusik will, so Polzer, künftig den „Umgang mit Zeit“ thematisieren – durchaus auch im politischen Sinne, „wie wir leben, wie wir...

Musik: Flüssige Räume und Bummeltechno

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Tdz on Tour

Im Herbst 2007 realisierte VA Wölfl im Kunstverein Ruhr das Ausstellungsprojekt „Fontaine de Chocolat. Ein Readymade“. Schon 1977 hatte er mit „Broyeuse de Chocolat“ ein Readymade in Reaktion auf Marcel Duchamps Schokoladenmühle von 1914 geschaffen. In der Essener Ausstellung übersetzt er diese skulpturale Auseinandersetzung in ein räumliches Konzept, indem er einen White Cube innerhalb der Ausstellung innen vollständig mit Schokolade auskleidet. Die überwältigende Wirkung der Schokolade auf die Sinne des Besuchers spielt mit den synästhetischen Traditionen. Die Übersetzung des Readymade in den Raum spricht alle Sinne des Menschen an. Sie erscheint wie ein methodisches Schlüsselmotiv der Arbeit von NEUER TANZ. Bewusst nimmt VA Wölfl künstlerische Positionen des 20. Jahrhunderts auf, neben Marcel Duchamp vor allem Donald Judd, Walt Disney, Raymond Loewy, Ernie Kovacs und George Balanchine, befragt sie systematisch auf ein Denken in der Gegenwart, aber mit den Mitteln von Raum, Körper, Bewegung, Licht, Ton, Maschinen, also mit den Möglichkeiten der Bühne. Der vielleicht unmittelbarste Zugang zu den „Chor(e)ographien“ von VA Wölfl und NEUER TANZ ist die Fotografie. Mit dem Tanz oder mit dem Licht zeichnen, schreiben und malen, sind zentrale Charakteristika eines der konsequentesten und auch hermetischsten Bühnenwerke der Gegenwart. Zum fotografischen Werk von VA Wölfl schrieb der Kunsthistoriker...

Wie VA Wölfl mit den Mitteln der bildenden Kunst die Bühne erfindet

Licht in die Welt bringen

Man stelle sich vor: Es gibt jemand ein Porträt von sich bei Georg Baselitz in Auftrag. Und als es fertig ist, bemerkt er konsterniert: „Das Bild steht ja auf dem Kopf!“ Dürfte er mit Verständnis für sein Unverständnis rechnen? Frank Castorf inszeniert nicht erst seit gestern. Dass er Stücke zuweilen auf den Kopf stellt, sollte niemanden überraschen, der nur ein klein wenig Ahnung vom Gegenwartstheater hat. Umso verwunderlicher ist nun die Empörung des Suhrkamp Verlags und der Brecht-Erbin Barbara Brecht-Schall. Aber es geht hier nicht nur um Castorf. Man traut es sich kaum niederzuschreiben, weil es fast schon ein Gemeinplatz ist: Inszenieren heißt immer Interpretieren. Doch selbst das scheint sich noch nicht überall herumgesprochen zu haben. Wer zwischen erlaubten und verbotenen Deutungen unterscheidet, schränkt das Denken ein. Dramen aber brauchen Gedankenfreiheit, um auf der Bühne lebendig zu werden. Dafür werden sie geschrieben. Allerdings: Was als gutes Recht des Theaters scheinen will, deckt sich nicht zwingend mit dem Urheberrecht, das aufseiten des Verlags stand. Um dessen Einschreiten zu vermeiden, hätte das Münchner Residenztheater Bearbeitungsrechte erwerben können (auch die gibt es), freilich auf die Gefahr hin, dass Suhrkamp diese gar nicht erst erteilt hätte. Dem Theater hätte das zwar eine Menge Ärger...

Theater brauchen Gedankenfreiheit

Es war nicht gerade die charmanteste (und professionellste) Art, wie am Schauspiel Frankfurt im Frühjahr 2013 bei der Uraufführung von Oliver Klucks „Was zu sagen wäre war- um“ mit der Stückfassung umgegangen wurde. Dass sich Kluck – für seine ganz spezielle Affinität zur Beschwerde bereits bekannt – mit dem dramaturgischen Patchwork jener Frankfurter Fassung nicht einverstanden erklärte, äußerte sich durch eine ausbleibende Autorisierung, einen veröffentlichten Fassungsvergleich inklusive Stellungnahme auf seiner Homepage sowie durch eine Kündigung bei seinem damaligen Verlag (Rowohlt). Berechtigung gebührt diesem Vorgang nicht zuletzt deswegen, weil er zu überdenken gibt, wie die Gesellschaft und ihre Institutionen eigentlich mit ihren Künstlern umgehen. Nun, knapp zwei Jahre später, findet die Uraufführung der Autorenfassung am Theater Vorpommern unter der Regie des Schauspieldirektors André Rößler statt. Zwar um zirka ein Sechstel gekürzt, im Ganzen aber doch unverändert, wird der Autor mit diesem „Heimspiel“ gewissermaßen in sein Recht gesetzt. Und dass der 1980 auf Rügen geborene Kluck sich am Ende mit verbeugt, darf wohl als Geste des Einvernehmens mit dem Inszenierten gewertet werden. Mittenmang der Publikumsschar im Gustav-Adolf-Saal der Stralsunder Kulturkirche St. Jakobi beginnt Ronny Winter alias Autorenfigur „Ich“ den Abend. Zaghaft, noch etwas unbeholfen moderiert er in ungelenker Anzug-Sportschuh-Kombination die eigene Nabelschau...

Theater Vorpommern: „Was zu sagen wäre warum“ (UA) von Oliver Kluck. Regie André Rößler, Ausstattung Lisa Rohde

Stralsund: Lamenti und Gebrabbel

Blick in die Zaubermaschine

Eine Reise kommt einem Reisenden wie eine ihn überragende Größenordnung vor. Ich denke an meine Reise nach Teheran und schon spüre ich als ein „Heimgekehrter“, dass das (Nach-) Denken darüber dazu neigt, die Erfahrungen in einer reinen Beschreibung des Erlebten anzusiedeln. Dabei möchte die Reflexion – etymologisch: das Zurückbeugen – das subjektiv Erlebte sachlich darstellen. Sie versucht, in das behagliche innere Bewusstsein einzudringen, Bausteine zu rekonstruieren und somit an die Grenzen zur Objektivität zu gelangen. Eine Sisyphusarbeit – wie kann man (große) Ereignisse objektiv darstellen, über sie berichten, während man sie miterlebt? Der Blick auf die tabellarisch aufgelisteten Programmschienen des Teheraner Fajr-Theaterfestivals, die Zeitnot und die Distanz zwischen verschiedenen Veranstaltungsorten (dieses Jahr war die riesige Hauptstadtmetropole der einzige Austragungsort) drohten zusätzlich mit einem Gefühl von Ohnmacht und Wehrlosigkeit. Um Eindrücke von Raum-, Zeitund Körpererfahrungen und deren Begrenzungen während der Reise wiederzugeben, bräuchte man also einen geschützten Raum, in dem das Denken sowohl die Subjektivität als auch ihre Grenzen sehen lassen müsste. Die Wahrheit besteht aus Erscheinungen, die vielmehr zwischen Reflexion und Fiktion verortet werden. Der erfindungsreiche Odysseus stellt nach seiner Heimkehr dem Sauhirten Eumaios, der ihn in eine gemütliche Hütte führt, seine Reisen als von Göttern gewollte Leiden und Irrwege...

Das diesjährige Fajr-Festival in Teheran zeigt, wie junge Theaterschaffende trotz finanzieller und staatlicher Reglementierungen an einer Veränderung der gesellschaftlichen Verhältnisse arbeiten

Die neuen Alchemisten

Partitur der Geräusche

Als eine labyrinthartige Performance, konstruiert auf der Grundlage eines ausgedehnten Kanons von derivativen Gesten, ist Levée des conflits von Boris Charmatz unmöglich in Totalität zu rekonstruieren: ein Schnappschuss von 25 simultanen Gesten, die das Auge nicht mit einem einzigen Blick erfassen kann. César Vayssié hat daher weniger versucht, etwas von dieser perzeptiven Erfahrung zu bewahren, er entschied sich vielmehr für einen unklassifizierbaren Film, zwischen einer abstrakten Vogelperspektive, einem Dokumentar- und einem Genrefilm. Gedreht wurde auf der Halde Haniel im Ruhrgebiet, einem riesigen spiralförmigen Plateau. Hier treibt der Film den Tanz in eine unbestimmte Zone, irgendwo zwischen Science Fiction und Anthropologie. Die TänzerInnen sind in dieser Mondlandschaft gestrandet, sie scheinen von einer entropischen Bewegung getragen zu werden, gefangen in einer Abwärtsspirale von Emotionen: Ermüdung, Wiederholung, ein bitterer Kampf mit dem gestischen Material erscheinen wie unter einem Vergrößerungsglas und erzeugen ein Chaos, ein Nebeneinander von körperlichen Verfassungen. Durch den Kohlestaub beeinträchtigt, sucht die Kameralinse ihren Weg durch die sich bewegende Masse und enthüllt fragmentarisch die AkteurInnen als Partizipierende in einer seltsamen Zeremonie, die keinen anderen Zweck hat als die Erschöpfung von Formen und den Abbau von Kraft. Was ist zu sehen? Welche Perspektive ist einzunehmen? Ist es ein live aufgezeichnetes Ritual, ein...

Levée (2014)

Alfred Jarry war einer, „der auf der Straße der Sätze aus allen Worten eine Kreuzung mach- te“. Der französische Schriftsteller, passionierte Radfahrer und unerschöpfliche Optimist war eine Figur mit sagenhaftem Einfallsreichtum, die selbst der Fantasie entsprungen scheint. Alastair Brotchie erzählt in der 2011 in den USA erschienenen und nun ins Deutsche übersetzten Biografie „Alfred Jarry. Ein pataphysisches Leben“ schleifenförmig das Leben dieses avantgardistischen Künstlers und legt dabei die Geschichte und Atmosphäre einer ganzen Epoche dar, die manche Belle Époque, andere Fin de Siècle nennen. Bereits in der Schulzeit schuf Jarry als Karikatur eines unbeliebten Lehrers seine berühmteste Figur: König Ubu, Antiheld und symbolische Verkörperung all dessen, was grotesk ist in der Welt. Das Stück, das heute als erstes modernes Drama gilt, wurde im privaten Marionettentheater erstaufgeführt und kam später auf die Bühne des Pariser Théâtre de l’Œuvre, als Jarry bereits Eintritt in die literarischen Salons und Redaktionen von Mercure de France und La Revue blanche gefunden hatte. Dass Jarry zuweilen in der Ubu-Sprache, dem Pluralis Majestatis, sprach, brachte ihm Prominentenstatus in literarischen Kreisen ein und führte zu einem regelrechten Ubu-Kult. Immer noch stellt das Stück seine anderen Werke in den Schatten. Doch Jarry war auch Kritiker, Romancier, Librettist, Herausgeber zweier...

Alastair Brotchie: Alfred Jarry. Ein pataphysisches Leben. Piet Meyer Verlag, Bern/Wien 2014, 552 S., 44,70 EUR.

Angewandte Pataphysik

Unter Beobachtung

Frankfurt/Main: Stadtparlament beschließt Deutschlands größten Kulturneubau

Und was unterrichtest du? So lautete die erste Frage, die die Teilnehmer der International Platform for Performer Training (IPPT) beim diesjährigen Treffen Ende Januar in Zürich einander stellten. Zirka 70 Lehrende von öffentlichen Theaterschulen aus Großbritannien, Brasilien, den USA, Polen, Deutschland, der Schweiz sowie aus vielen skandinavischen Ländern, insbesondere dem vorjährigen Gastgeberland Finnland, waren der Einladung von Anton Rey, Leiter des Institute for the Performing Arts and Film an der Zürcher Hochschule der Künste (ZhdK), gefolgt. Veranstaltungsort waren die angestammten Räume in der Gessnerallee. Auch wenn inzwischen alle Fachbereiche der ZHdK mit ihren 2300 Studierenden und 700 Dozierenden unter einem neuen Dach versammelt sind – dem des imposanten Toni-Areals, eines gigantischen Hochhauses auf dem Gelände der ehemaligen Toni-Molkerei in einem früheren Zürcher Industriegebiet –, bleibt doch die erst vor wenigen Jahren sanierte Gessnerallee für die Theaterabteilung als Ausbildungs- und Spielstätte erhalten. Als internationales Branchentreffen versucht IPPT, übergeordnete Themen zu formulieren, die trotz unterschiedlichster Ausbildungswege und -ziele für alle von Belang sind – für die theaterpädagogische Schule im brasilianischen Problembezirk ebenso wie für das Schauspieltraining an der kalifornischen Universität oder die künstlerische Forschung in den Performing Arts in der für Studierende kaum noch bezahlbaren Schweiz, um nur einen kleinen Ausschnitt der...

Die Bibliothek des Körpers

Neuerscheinungen im Verlag