Totkürzungen drohen

Die Heterotopien erhalten

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Du, is aber schon ’n bisschen mehr Platz als drüben, nech?“, näselt eine elegante Dame dezent zu ihrem Begleiter und zeichnet mit dem rechten Fuß den Radius ihrer Beinfreiheit nach. Anerkennendes Nicken seinerseits. Drüben, das meint wohl das fußläufig gelegene Thalia Theater, das den Hamburger Subventionstheatergänger in den letzten drei Jahren mehr oder minder alleine bespaßt hat, weil das Schauspielhaus seit 2010 immer zielstrebiger in die Bedeutungslosigkeit hineingedümpelt ist. Ein Trauerspiel. Schuld daran – die Schuldfrage wird in Hamburg in diesen Tagen wieder häufiger gestellt – war die knausrige Pfeffersäckrigkeit des damaligen Kultursenators Reinhard Stuth, die Friedrich Schirmer zum vorzeitigen Rücktritt von seinem Intendantenposten bewog. Da dürfte die amtierende Senatorin Barbara Kisseler für Karin Beier eine andere Lösung gefunden haben, denn chronisch unterfinanziert präsentiert sich das Hamburger Schauspielhaus nun gerade nicht. Im Gegenteil. – Und das ist etwas, das bei den Hanseaten nicht so gut ankommen dürfte. Nach der tränenreichen jüngsten Geschichte – neben besagter Belanglosigkeit meint das vor allem die sogenannte „Bühnenhavarie“; bei einer Probe durchschlugen die im Zuge der Erneuerung der Bühnentechnik verbauten, anscheinend viel zu schweren Gegengewichte des eisernen Vorhangs den Bühnenboden – haben sich an die Wiedereröffnung des Hauses dermaßen große und durch die dann von...

Das Deutsche Schauspielhaus ist unter seiner neuen Intendantin Karin Beier zurück in Hamburg

Schuld und Schmiere

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Leipzig, der achte November seit der Friedlichen Revolution. Man hat scheinbar einen der seitdem verstaubenden runden Tische noch einmal hervorgeholt, aber geredet wird nun nicht mehr, sondern geschaut und gezeigt, je exzentrischer, desto besser. Eine neue tanzdemokratische Idee aus Belgien spricht jedermann und -frau als zum Wettbewerb Befähigte an: Auch du kannst Performer sein; Ausbildung, Nationalität, Alter spielen keine Rolle, was zählt, sind allein Individualität und Überzeugungskraft! Ein fast zwei...

Der Tänzer-Choreograf Hermann Heisig begreift Tanz als Spielfeld für mögliche und unmögliche Beziehungen von Mensch und Raum

Komische Körper

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

„Was ist ein Einbruch in eine Bank gegen die Gründung einer Bank?“, so lautet die Frage aus Brechts „Dreigroschenoper“, deren Bekanntheitsgrad freilich leicht den Blick auf den mitschwingenden Benjamin’schen Gedanken verstellen kann: Die Gewalt von Gründungsakten, so lässt sich Brechts Formulierung nämlich lesen, ist allemal größer und von einer anderen Qualität als jedwede Gewalt, die sich im Rahmen bereits gegründeter Ordnungen abspielt – und sei die Erstere noch so unscheinbar und die Letztere noch so offensiv. Das heißt zum Beispiel, ins Feld der Kunst übersetzt: Die größte Kraftanstrengung, das wildeste Bühnenspektakel – sie bleiben ohnmächtig, solange sie den Rahmen bestehender Ästhetiken intakt lassen, während die Neudefinition dieses Rahmens vielleicht nur eine winzige Verrückung bedeuten mag und dennoch unendlich größere Kraft entfalten wird. Denn nur in diesem Fall wird man es mit jener „rechtsetzenden Gewalt“ zu tun bekommen, die Walter Benjamins Essay „Zur Kritik der Gewalt“ einer „rechtserhaltenden Gewalt“ gegenüberstellte. Daran hat sich auch im Jahr 2014 nichts geändert, selbst wenn man meint, die Brecht’sche Frage angesichts der europäischen Gegenwart umformulieren zu müssen: „Was ist die Gründung einer Bank gegen die Rettung einer Bank?“ Doch wie viele Abermilliarden Euro auch immer noch in Banken fließen mögen, die sich derartig verspekuliert haben,...

kirschs kontexte: Ausverkauf in Sachsen

Die häufig zu Unrecht als schrilles Poptheater rezipierten Inszenierungen René Polleschs und die zuweilen als ikonoklastisch missverstandenen, äußerst reduziert arbeitenden Inszenierungen Laurent Chétouanes sind zwei auf den ersten Blick einander entgegengesetzte Theaterformen. Für Tim Schuster ist jedoch den beiden so unterschiedlichen Theatermachern eine Befragung der theatralen Darstellungsmechanismen gemeinsam, die das Raumparadigma fokussiert. Der Raum des Theaters ist keine Konstante der Darstellung, sondern muss selbst auf dem Theater erzeugt werden, was beide Regisseure in ihrem selbstreflexiven Theater zeigen. Mit dieser Themensetzung greift Schuster eine Theoriedebatte auf, die grob unter dem Stichwort „Neuentdeckung des Raums“ skizziert werden kann. Der Theaterraum, der bei Schuster immer auch als Utopie angesprochen wird, könne die Blackbox-Situation nur hinter sich lassen, wenn die wechselseitige Abhängigkeit von Körper, Raum, Bewegung und Sprache wirklich ernst genommen und konkretisiert werde. Im sogenannten „traditionellen Theater“, das sich unreflektiert in der ererbten Form des Guckkastens eingerichtet hat, seien naturalisierte Darstellungsdispositive am Werk, welche „die Körper und mit ihnen den Raum auf ihre Bildhaftigkeit und ihren Zei- chencharakter“ reduzierten. Indem das Theater jedoch durch das Spiel mit diesen Dispositiven geeignet sei, diese selbst aufzuzeigen und infrage zu stellen, könne es zum Ort der Dekonstruktion von überkommenen Wahrnehmungsdispositiven werden. Szenische Praktiken, die dies intendieren...

Tim Schuster: Räume, Denken. Das Theater René Polleschs und Laurent Chétouanes. Neofelis Verlag, Berlin 2013, 350 S., 26,00 EUR.

Der andere Raum

Zwei Schauspieler klettern waghalsig wie Reptilien auf schmalen Leitern von Zimmer zu Zimmer, die neben- und übereinander wie in einer Puppenstube angeordnet sind. An den Wänden Regale in strahlendem Orange, die wie Reliquien aus den siebziger Jahren wirken, randvoll mit Utensilien. Ein Bett verschwindet unter einer Tagesdecke aus bunten Blumen. Die Geschichte um eine außergewöhnliche Liebe zwischen einem alten Mann und einem jungen Mädchen, angefeindet von Nachbarn und Familie, beginnt schonungslos und eindringlich. Das Sterbezimmer – ganz in Weiß –, in dem die Totenbahre bereits wartet, ist parterre eingerichtet, um dort den Vater bzw. Großvater bald endlich verabschieden zu können. Bussenius gelingt, nicht zuletzt wegen eines unter ihrer Regie intensiv und unverkennbar agierenden Ensembles, eine feingliedrig differenzierte und unter die Haut gehende Sozialstudie, die zeitlos ist. „Rheinpromenade“ ist bereits Bussenius zweite Inszenierung am Schauspiel Köln. Zuvor positionierte sie Feridun Zaimoglus „Schattenstimmen“, eine Collage aus Kölner Migrantenstimmen, jenseits von Klischees und Betroffenheitsmaschinerie, indem sie aus den sprach- und machtlosen „Randexistenzen“ surreale Clowns machte. Für das HAU richtete sie auf dem Gelände des vietnamesischen Dong-Xuan-Großmarkts in Berlin-Lichtenberg eine Teilinszenierung zu vietnamesischen Flüchtlingen ein, bei der sie die Zuschauer in einen mit Memorabilien prall gefüllten Wohnwagen einlud. Ihre Inszenierung von „Undine, die kleine...

Die Regisseurin Nora Bussenius lässt ihre Figuren mal feingliedrig differenziert, mal knallhart zwischen Leben und Tod manövrieren

Dunkel ist der Weltraum

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Hamburger Marathon

Wer am höchsten hinauf strebt, stürzt am tiefsten. Wer alles zu wissen glaubt, weiß irgendwann nichts mehr. Wer immer nur gewinnen will, verliert garantiert. Ist das nun höhere Gerechtigkeit oder bloß Tücke des Niedrigen? Oder ist es etwas ganz anderes: das ganz normale Leben, mit den Augen eines nach dramatischen Wendepunkten fahndenden Regisseurs betrachtet? Wo ist überhaupt oben und unten, vorn und hinten in dieser Welt? Matthias Thieme erzählt in seinen Inszenierungen besonders gern von Menschen, die aus lang eingeübten Rollen fallen, sich im Ausnahmezustand wiederfinden. Manchmal zerbrechen sie ihre Rollen selbst, aus Mutwillen, nicht ahnend, welche Folgen das haben wird (Faust), manchmal geschieht es einfach so, wie ein Unglück, das man hätte kommen sehen sollen, aber nicht sehen wollte. Was gewinnt, wer die Fassung verliert? Einige dramatische – mitunter allerdings auch finale – Momente, die man schon längst nicht mehr für möglich hielt. Gib mir irgendeine Geschichte und ich stelle sie so auf die Bühne, dass so mancher, der es sieht, Lust auf Revolution im eigenen Leben bekommt! So kann man den Eindruck der Inszenierungen von Matthias Thieme zusammenfassen. Immer eine Feier der Hochenergie, die sich auf alle Beteiligten, auch die Zuschauer, überträgt. Und manchmal greift er auch bewusst...

Der Regisseur Matthias Thieme ist ein besessener Kollektivspieler, sein Theater eine Feier der Hochenergie

Auf Waljagd

Was Shermin Langhoff und Jens Hillje uns am Maxim Gorki Theater Neues zu bieten haben, muss man nicht alles schön finden, aber eins haben sie toll gemacht: Sie haben den guten alten Theaterzettel neu erfunden (für 50 Cent zu erwerben). Das ist ein ca. DIN-A3-formatiges Plakat der jeweiligen Inszenierung, doppelt gefaltet finden auf der viergeteilten Rückseite alle Informationen Platz, die ich als „einfacher“ Zuschauer benötige, und die Namen der Schauspieler sind extra groß gedruckt. Das ist ein deutliches Signal gegen die Bildungshuberei der Staatstheaterdramaturgien mit ihren textlastigen (und entsprechend teuren) Programmbroschüren und erzählt viel vom Publikumsverständnis dieser neu aufgestellten Bühne, die ein sozial und ethnisch breit gefächertes Zuschauerklientel vor allem unterhalten will, laut, bunt, schräg, nicht immer politically correct, es aber nicht belehren will. Bildung okay, aber mit Spaß. Es mag ein Zufall sein, oder eine Duplizität der Ereignisse, dass die Volksbühne auch eine Neuheit für ihr Publikum einführte, das Programmheft als Heimwerkerangebot. Das ist ein Heftchen im Oktavformat von 36 Seiten (inkl. Umschlag), vorn der Stücktitel, hinten das Räuberzeichen, zwei Seiten mit Stab und Besetzung vorn, hinten zwei Seiten mit einem Text, „Der Zuschauer“ aus einem Essay von Richard Sennett, darin der Satz: „Der erläuternde Programmzettel, der sich...

Wie Theater ihre Besucher schlau machen – oder für dumm verkaufen

Linzers Eck: Es lebe die Zettelwirtschaft!

Die von Thomas Irmer herausgegebene „ge- sprochene Autobiografie“ Andrzej Wirths, „Flucht nach vorn“, ist nicht nur ein überfälliges Buch, sondern auch ein besonders aufwendig gemachtes dazu. Während Irmers Fragen in einem türkis-blauen Farbton daherkommen, antwortet Wirth in einem hellen Rot. Im Mittelteil wird das Gespräch von zweispaltigen Materialien unterbrochen, während im Schlussteil Moritz Rinke die postemeritale Freundschaft besingt, die ihn mit seinem Professor verbindet. 1927 in Włodawa geboren, das heute an der Grenze zu Weißrussland liegt, führten die wöchentlichen Sonntagsausflüge nach Sobibor, wo die Deutschen 1942 ein Vernichtungslager errichteten. Wenige Zeilen nur und schon ist der Leser mitten in der Geschichte des blutigen 20. Jahrhunderts. Wirths Schicksalsweg führt über den Aufstand im Warschauer Ghetto ans Berliner Ensemble, zurück ins kommunistische Polen, von dort aus in die USA, bis er schließlich an die Justus-Liebig-Universität nach Gießen berufen wird, wo er die Angewandten Theaterwissenschaften gründet. Irmer: „Sie haben immer wieder gern darauf hingewiesen, dass ihre Initialen ATW auch ein Kürzel für die Angewandten Theaterwissenschaften sind.“ Wirth: „Naja, das ist Größenwahn, oder meine Vorliebe für Witze. Oder beides. Aber das ist schon lustig. Als ich einmal auf einem Buch meinen vollen Namen geschrieben sah, habe ich entdeckt, dass das auch das Kürzel für...

Andrzej Wirth: Flucht nach vorn. Gesprochene Autobiografie und Materialien. Hg. von Thomas Irmer, Spector Books, Leipzig 2013, 348 S., 28,00 EUR.

Eulen, Uhus, Igel

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

13.03. Buchpremiere „Reenacting History: Theater &amp; Geschichte“, Leipziger Buchmesse 14.03. Buchpremiere/ Ausstellungseröffnung „A Party for Will! Eine Reise in das Shakespeare-Universum“, Museum für Angewandte Kunst Köln 10.04. Buchpremiere „Recherchen 108. Horst Hawemann – Leben üben“, Theater an der Parkaue Berlin 19.04. Buchpräsentation, „Bernd Stegemann – Kritik des Theaters“, Schauspiel Leipzig 28.04. Büchertisch „MÜLLER-MONTAG“ Politisches Theater heute – nach Heiner Müller, Literaturforum im Brecht-Haus, Berlin 17.05. Büchertisch Tag der offenen Tür Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ Berlin 24.05. „Gipfeltreffen“ – Podiumsdiskussion zum ersten Schweizer Theatertreffen, Theater Winthertur, Schweiz 19.06. Buchpremiere „Recherchen 112. Parallele Leben“, Staatsschauspiel Dresden 25.06. Buchpräsentation „Recherchen 108. Horst Hawemann – Leben üben“, Spurensuche-Festival, Fundustheater Hamburg In den letzten Wochen war der Verlag Theater der Zeit mit gleich drei Buchpremieren und einer Lesung in Berlin und Wien unterwegs: Am 21. Januar wurde zum zehnjährigen Jubiläum der größten Ballettkompanie Deutschlands der Band Vladimir Malakhov und das Staatsballett Berlin in der Deutschen Oper in Berlin präsentiert. IXYPSILONZETT – Jahrbuch für Kinder- und Jugendtheater 2014 wurde am 28. Januar im Vestibül des Burgtheaters in Wien vorgestellt. In der Edition Gegenstand und Raum erschien das Buch Linkes Ufer, rechtes Ufer. Ernst May und die Planungsgeschichte von Magnitogorsk (1930 –...

TdZ on Tour

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Es war wie im richtigen (Theater-)Leben: Für Kaffeepausen oder die Angebote der „Work-Life-Oase“ (Schlafen, Sauna, Zeitverschwenden) hatte kaum jemand Zeit, das multiperspektivische und oft mehrfach parallele Jahreskonferenz-Programm der Dramaturgischen Gesellschaft entsprach in seiner herausfordernden Dichte und Vielfalt in etwa dem seit Jahren wachsenden Produktionsvolumen der Theater, die immer mehr Angebote für ein immer kleineres und in seinen Interessen heterogeneres Publikum entwickeln. Wie angesichts der nur rhetorisch vorhandenen „Freiräume“ schon zu vermuten gewesen war, lautete die wichtigste Frage dieser Tagung keineswegs, wie wieder weniger gearbeitet werden könnte. Die Überbelastung bei schrumpfenden Budgets und Honoraren sowohl der Stadttheatermitarbeiter als auch der „freien“ Theatermacher ist fraglos gegeben – man könnte das Ausbeutung nennen, bevorzugt wird meist ein augenzwinkerndes „Selbstausbeutung“. Lieber redete man (das heißt in der Regel: Mann in Leitungsposition) also davon, konzentrierter und inhaltlich fokussierter Theater machen zu wollen, denn zu riskant scheint es, sich durch Reduktion von Premieren, Projekten, Partys, Publikationen etc. quasi selbst schon abzuwickeln. Zudem ist es immer noch konsensfähig, ein Burnout völlig ironiefrei mit „für eine Sache wirklich gebrannt haben“ als heldenhaft zu verklären, wie die Arbeits- und Organisationspsychologin Erika Spieß am ersten Konferenzvormittag bewies. Mit dem Arbeitswissenschaftler Axel Haunschild, der unter anderem zum (früher) atypischen Beschäftigungssystem Theater...

Die Jahreskonferenz der Dramaturgischen Gesellschaft in Mannheim regte unter dem Motto „Wie wollen wir arbeiten?“ zur selbstkritischen Analyse des eigenen Arbeits(über)eifers an

Frag nicht – arbeite!

Der Materialergründer

Bayern ist überall. Und in Frankreich ist besonders viel Bayern, scheint es. Im vergangenen Herbst zeigte sich das Land, wieder einmal, als jener Ort zwischen Anarchie und Reaktionismus, den Rainer Werner Fassbinder in seinem Stück „Anarchie in Bayern“ beschrieben hat. Auch Frankreich liebt bekanntermaßen den Aufstand, den Umbruch, das Neue. Es liebt den öffentlichen Protest, die große Geste. Spätestens seit Beginn der leidenschaftlichen Diskussion um die Homo-Ehe Anfang 2013, aber eigentlich schon seit Napoleon wissen wir auch: Frankreich liebt ebenso das Gewesene. Die Umkehr. Es ist ein Widerspruch von vielen. Dazu gehört, aus deutscher Sicht: Patriotismus ist hier nicht nur ein Gadget der Konservativen. Und: Letztere beweisen in Frankreich gerne ein gewisses Knowhow linker Protestkultur. Im Frühjahr 2013 malten Gegner der Homo-Ehe für ihre Idee der traditionellen Kernfamilie Graffiti auf die Straßen, nannten sich – man achte auf den Schulterschluss – „Französischer Frühling“ und stürmten am Nationalfeiertag im November einen Auftritt von Präsident Hollande. Mit roten Mützen, dem Symbol für die freiheitliche Republik von 1789. Was wiederum für Aufregung sorgte, weil die Mützen eigentlich vor allem von protestierenden Bauern in der Bretagne verwendet werden. Fassbinder also hat das, dieses absurde Spiel mit den Versatzstücken der Politik, die Übungen im Revoltieren,...

Der Pariser Theaterherbst sucht mit Wilson, Handke und Fassbinder die absurde Kraft der Gegensätze – während ganz Frankreich sie lebt

Auf jedes Tick ein Tock

Aachen Theater M. Frisch: Homo Faber (J. Langenheim, 14.03.); H. Ibsen: Peer Gynt (E. Teilmans, 15.03.); M. Philipp: Kennen lernen (M. Philipp, 27.03., UA) Annaberg-Buchholz Eduard-von-Winterstein-Theater D. Fo: Bezahlt wird nicht (K. G. Kayser, 30.03.) Baden-Baden Theater n. A. Steinhöfel/F. Loewe: Rico, Oskar und die Tieferschatten (O. Bereska, 20.03.); M. Ruhbaum: Max macht Politik (P. Löhle, 27.03.); O. Wilde: Ein idealer Ehemann (C. Brier, 28.03.) Bamberg E. T. A.-Hoffmann-Theater J. Schubert: Die weiße Rose (H. Gohde, 15.03.); A. Schnitzler: Der einsame Weg (R. Friese, 22.03.) Basel Kaserne B. Nikitin: How To Win Friends &amp; Influence People (B. Nikitin, 20.03., SEA) Bautzen Deutsch-Sorbisches Volkstheater n. W. Herrndorf: Tschick (O. Hais, 14.03.) Berlin Berliner Ensemble B. Brecht: Hans im Glück (S. Sommer, 01.03.) Brotfabrik-Bühne R. Vitrac: Victor oder Die Kinder an der Macht (U. Hoch, 10.03.); A. Schnitzler: Anatol (J. Hasse, 27.03.) Deutsches Theater L. Vekemans: Ismene, Schwester von (S. Kimmig, 21.03.); J. Sartre: Das Spiel ist aus (J. Steckel, 28.03.) Grips Theater L. Hübner/V. Deshpande/R. Gobdole: Der Gast ist Gott (M. Salehpour, 07.03., UA) Maxim Gorki Theater C. E. López: Abgesoffen (T. Yigit/B. Prlic, 06.03.); Y. Ronen: Common Ground (Y. Ronen, 14.03.) Schaubühne B. Brecht: Herr Puntila und sein Knecht Matti...

März 2014

Premieren

Als Susan Philipsz vor ein paar Jahren als erste Klangkünstlerin den renommierten Turner-Preis erhielt, raunte man noch, das sei keine bildende Kunst. Was die Künstlerin mache, sei Musik. Das ist so verkehrt wie wahr, aber voll und ganz unerheblich, wenn wir ihren Arbeiten begegnen. Damals ließ sie unter Brücken melancholischrätselhafte Balladen erklingen und transponierte sie in eine Galerie von Tate Britain, zuvor sang sie im Supermarkt durch ein Mikrofon und installierte ihre Klangkunstwerke in unmittelbarer Nähe der Bank of London und im Guggenheim Museum in New York. Nichts war dann mehr so, wie es zu sein schien, der Sound ihrer Stimme verrückte die Raumwahrnehmung der Architektur und baute seine eigenen Bilder. Susan Philipsz hat Bildhauerei in Belfast studiert. Von Hause aus versteht sie es, mit Dreidimensionalität umzugehen. Auch die raumbildende und psychische Wirkungskraft von Musik weiß sie einzusetzen. Ein Klang könne tiefe Emotionen hervorrufen, erläutert sie ihre Arbeitsweise, schon ein feines Geräusch rufe längst verblasste Erinnerungen auf. Immer wieder sucht sie schmerzliche Gedankenbilder und Aufführungsräume, in denen sie Geschichte(n) anders erzählen kann. Unvergessen bleibt ihre Arbeit auf dem Kasseler Hauptbahnhof anlässlich der documenta 13, wo sie mit „Study for Strings“ dem Tschechen Pavel Haas, legendärer Orchestergründer von Theresienstadt, ein Memorial...

Kunst: Eine Art, den Regen zu beschreiben

■ Manfred Weber, Interimsintendant des Düsseldorfer Schauspielhauses, verließ Ende Februar seinen Posten. Ab 1. März 2014 teilen sich Günther Beelitz, der bereits von 1976 bis 1986 Intendant des Schauspielhauses war, und Alexander von Maravic, ehemaliger Geschäftsführer der Oper Leipzig, die Intendanz. Seitdem Staffan Valdemar Holm 2012 aus gesundheitlichen Gründen die künstlerische Leitung des Hauses aufgeben musste, sucht Düsseldorf einen Nachfolger, der bis 2016/17 gefunden worden sein soll. ■ Manuel Soubeyrand wird zum Herbst 2014 Intendant der Neuen Bühne Senftenberg. Seit 2004 ist er Intendant an der Württembergischen Landesbühne Esslingen. ■ Sewan Latchinian, seit 2004 Intendant der Neuen Bühne Senftenberg und designierter Intendant des Rostocker Volkstheaters, hat sein Amt als stellvertretender Vorsitzender der Intendantengruppe und seine Funktionen im Verwaltungsrat, im Künstlerischen Ausschuss sowie im Tarifausschuss des Deutschen Bühnenvereins niedergelegt. Grund für diese Entscheidung war der letzte Tarifabschluss des Deutschen Bühnenvereins. ■ Im April 2014 wird Joachim Sartorius, ehemaliger Intendant der Berliner Festspiele und Generalsekretär des Goethe-Instituts, Kurator für den Hauptstadtkulturfonds – dies beschlossen der Regierende Bürgermeister von Berlin Klaus Wowereit und die Beauftragte der Bundesregierung für Kultur und Medien Staatsministerin Monika Grütters als Mitglieder des Gemeinsamen Ausschusses. Die Amtszeit wird zwei Jahre betragen. ■ Vom 22. bis zum 31. Mai 2014...

Meldungen

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Kompositionsprinzip Collage

Herr Wilson, Sie haben aus Bildern, Sprache und Sound eine ästhetische Struktur entwickelt, die sehr suggestiv wirkt, auch Zustände von Trance hervorruft. Ist es Ihr Motiv, solche Veränderungen des Bewusstseins hervorzurufen? Die Zeit des Theaters ist für mich eine sehr plastische Angelegenheit. Sie lässt sich dehnen, kann aber auch komprimiert werden. Die Zeit im Theater funktioniert anders als die natürliche Zeit. In „Einstein on the Beach“ gibt es zum Beispiel lange Passagen, die sich sehr viel Zeit nehmen für die Dinge, die dort passieren, und dann gibt es Momente, in denen etwas sehr plötzlich und schnell vonstattengeht, wie in den beiden Tanzabschnitten. Dieser Umgang mit Zeit, Raum und Licht kann tatsächlich unsere Wahrnehmung verändern. In der Tat bewegen uns diese Effekte. Dieses Etwas, das sich mitunter kaum beschreiben lässt und dem keine offensichtliche Bedeutung innewohnen muss, berührt uns zutiefst. Dieses Phänomen stellen Sie in das Zentrum Ihrer künstlerischen Arbeit. Musik- und Lichteffekte besitzen eine spirituelle Dimension. Ich werde vom Sonnenuntergang ergriffen, ohne dass er etwas bedeutet. Ich kann dem Vogelgezwitscher lauschen, zum Beispiel dem Gesang einer Nachtigall, und bin berührt. Wir machen diese Erfahrungen, ohne dass sie eine Nachricht für uns beinhalten. Es ist etwas, was wir erleben. Erleben ist...

Warum für den Bildkünstler Robert Wilson die Imagination erst im Dunkeln wirklich frei sein kann. Ein Gespräch über Theater und sein erstes Hörspiel „Monsters of Grace II“

Raum der Stimmen

Angstlos! Heimatlos?

AUTOREN März 2014 Etel Adnan, Schriftstellerin und Malerin, Paris Margarete Affenzeller, Kritikerin, Wien Bodo Blitz, Kritiker, Freiburg Otto Paul Burkhardt, Kritiker, Tübingen Matt Cornish, Theaterwissenschaftler, Hampton, Connecticut Natalie Driemeyer, freie Dramaturgin, Berlin Gerwig Epkes, Hörfunkredakteur, Baden-Baden Friederike Felbeck, Kulturjournalistin, Düsseldorf Ralph Hammerthaler, Autor, Berlin Martin Krumbholz, freier Autor und Theaterkritiker, Düsseldorf Ralf-Carl Langhals, Theaterredakteur, Mannheim Christoph Leibold, freier Hörfunkredakteur und Kritiker, München Martin Linzer, Kritiker, Berlin Roland May, Generalintendant und Schauspieldirektor, Plauen-Zwickau Ute Müller-Tischler, Kunstwissenschaftlerin und Kuratorin, Berlin Ralf Schenk, Filmpublizist und Autor, Berlin Christina Schmidt, Theaterwissenschaftlerin, Bochum und Berlin Lena Schneider, Kulturjournalistin und Lektorin, Berlin und Paris Wolfgang Schneider, Kulturwissenschaftler, Hildesheim Theresa Schütz, freie Autorin, Berlin Shirin Sojitrawalla, Theaterkritikerin, Wiesbaden Dominique Spirgi, Kulturjournalist, Basel Anna Volkland, Dramaturgin, Berlin IMPRESSUM Theater der Zeit Die Zeitschrift für Theater und Politik Redaktionsanschrift Im Podewil, Klosterstraße 68, 10179 Berlin, Tel (030)24722414 / Fax (030)24722415 Redaktionsleitung Harald Müller (V.i.S.d.P.), Dr. Frank Raddatz Redaktion Dorte Lena Eilers, Chefin vom Dienst (030)24722414, <a href="mailto:d.eilers@theaterderzeit.de">d.eilers@theaterderzeit.de</a>, Mirka Döring (030)24630950, <a href="mailto:m.doering@theaterderzeit.de">m.doering@theaterderzeit.de</a>, Dr. Gunnar Decker, Sebastian Kirsch (Wien) Mitarbeit Jana Fröbel (Korrektur), Kerstin Car (Hospitanz) Verlag: Theater...

Impressum/Vorschau

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Die inzwischen 79-jährige Judi Dench ist nicht nur eine faszinierende Schauspielerin, sie hat immer wieder auch das Glück, Regisseure zu finden, in deren Geschichten sie ihre Kunst zum Leuchten bringen kann. In Philomena, dem neuen Film von Stephen Frears, spielt sie eine fromme alte Dame, die das Geheimnis ihres Lebens über Jahrzehnte für sich behalten musste: Als junge Frau war sie schwanger, brachte das Kind nach dem Willen ihrer Eltern in einem Kloster zur Welt und gab es, gezwungenermaßen, zur Adoption frei. Jetzt, fünfzig Jahre später, will sie ihren Sohn endlich kennenlernen und bedient sich dazu eines gewieften Reporters, der den nun öffentlich gemachten „Fall“ genüsslich auszuschlachten hofft. Das Wechselspiel zwischen den beiden so verschiedenen Figuren, der würdevoll gealterten Frau und dem sarkastischen Journalisten, der genau weiß, dass jede noch so schlimme Wendung nur seinem Erfolg dient, gibt dem Film seine eigentümliche Würze. „Philomena“ funkelt von ironischen und komischen Momenten, ist ebenso dramatisch wie elegant und nuanciert. Mit The Grand Budapest Hotel hebt Wes Anderson wieder ab ins Zauberreich der unbegrenzten Phantasie. Frei nach Erzählungen von Stefan Zweig beschwört er das untergegangene Universum der k.u.k. Monarchie, genauer gesagt: eines Luxushotels in den verschneiten Bergen, in dem sich die Welt zu...

Film: Das Leuchten der Lady

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Wandel durch neue Ideen“, rufen uns Stefan Rosinski und Sewan Latchinian in der Ausgabe 2/2014 von Theater der Zeit zu, und dann endet der Artikel. Die Redaktion schließt sich mit „Vehemenz“ dem „dringenden Appell“ an, Strukturreformen als Aufgabe zu begreifen, um die Zukunftsfähigkeit des Theaters zu gewährleisten. Schade, etwas mehr Neugier vonseiten der Redaktion hätte ich mir gewünscht, um zu erfahren, worin der Neuigkeitswert der nun geplanten Maßnahmen zur Rettung des Volkstheaters Rostock besteht. Andernorts im Osten und auch bei uns in Plauen und Zwickau wird seit Jahren mit Haustarifen gearbeitet, in Rostock kommt die Variante ins Spiel, gänzlich auf Tarifverträge zwischen Arbeitgeberverband und Gewerkschaften zu verzichten. Auslöser für diesen sogenannten Befreiungsschlag ist aber doch wohl die versäumte Rücklage von zu erwartenden Tarifnachzahlungen für das Orchester durch die Geschäftsführung. Der Begriff des Neuen ist in Zeiten, in denen Zukunft eher als Bedrohung wahrgenommen wird, verdächtig. Und so ist es wohl auch vorerst nur die alte Fratze „Verzicht“, die uns hier angrinst. Da ist erst einmal der Verzicht auf Einkommen, aber auch der Verzicht auf die Achtung der Leistung aller Mitarbeiter. Seit 1990 begegne ich in Ostdeutschland Kommunalpolitikern, die Theater fördern, weil die Vorgänger es auch schon gemacht...

Eine Antwort von Roland May, Generalintendant des Theaters Plauen-Zwickau, auf das „Rostocker Signal“

Noch nichts Neues unter der Sonne

Am Anfang des „Nibelungen“-Abends in den Godesberger Kammerspielen tritt der Schauspieler Wolfgang Rüter im Smoking vor den Vorhang und präsentiert – ganz die alte Schule – eine Geschichte von der Eroberung des Nibelungenhorts, vom Schwert Balmung, vom Drachenblut und von der Nebelkappe: eine genüssliche Prahlerei. Rüter ist nicht Siegfried – er ist, laut Programmheft, „Hebbel“, der Geist der Erzählung. Inszeniert hat der Isländer Thorleifur Örn Arnarsson, Brunhilds Landsmann sozusagen. Der Regisseur scheint Hebbel/Rüter, dem deutschen Sagengut mitsamt dem deutschen Theaterhandwerk mit einer gewissen Ironie zu begegnen. Wenn in der Rolle Siegfrieds dann der Ernst-Busch-Hochschulabsolvent Hajo Tuschy auftritt, hören wir die Prahlerei vom Hort, vom Schwert, vom Blut noch öfter – allerdings weniger schön gesprochen, eher salopp, nervös und betont „kunstlos“ dahingenuschelt. So mischen sich in dieser Aufführung die Schauspielerstile und die erzählerischen Blickwinkel gleichermaßen. Die Gleichzeitigkeit des Ungleichzeitigen, so könnte man das obwaltende Prinzip nennen. Neue Theaterleitungen stehen ja immer auch vor der Aufgabe, unterschiedliche Generationen und Stile zu einem Ganzen zu verschmelzen. Das dauert naturgemäß eine Weile; bei den „Nibelungen“, die nach der Hälfte der ersten Spielzeit Bernhard Helmichs Premiere hatten, wirkt das zehnköpfige Ensemble bereits erfreulich homogen. Dabei steht der Abend nicht zuletzt unter dem Zeichen des großartigen...

Unter dem neuen Intendanten Bernhard Helmich erfindet sich das Theater Bonn als intellektueller Abenteuerspielplatz neu

In der Deutschlandhöhle

Lothar Kittstein erzählt in seinem Stück „Der weiße Wolf“ ein deutsches Schauermärchen, eine Gruselgeschichte aus heutigen Tagen. Inspiriert vom Mördertrio des Nationalsozialistischen Untergrunds, NSU, erfindet er drei Gestalten, die mehr oder eher minder an Beate Zschäpe, Uwe Mundlos und Uwe Böhnhardt erinnern. 13 Jahre hielten diese sich gemeinsam versteckt und ermordeten zehn Menschen, acht Türken, einen Griechen und eine Deutsche. Die beiden Männer haben sich 2011 selbst aus dem Leben geschossen, Zschäpe steht bekanntlich seit Mai 2013 in München vor Gericht und schweigt. Bei Kittstein heißen sie Janine, Gräck und Tosch. In der Vergangenheit zogen sie mit dem Wohnmobil mordend durchs Land, heute versuchen sie, sich mit den Verhältnissen zu arrangieren. Janine und Gräck leben ihr schäbiges Leben irgendwo in der deutschen Provinz. Sie, verkörpert von Ines Schiller, ist ein Dummchen im weißen Flatterkleidchen, das auf Plateausohlen wie ein Fohlen über die Bühne stakst. Sascha Nathan spielt Gräck, den polternden Kerl an ihrer Seite. Er verdingt sich als Türsteher einer Disco mit Namen „Der weiße Wolf“, wo er jetzt Geld dafür bekommt, dass er für Recht und Ordnung sorgt, Türken abweist und handgreiflich wird. So würden sie dahinleben, käme nicht unverhofft Tosch, ihr Kampfgefährte aus alten Tagen, ins Haus geschneit....

Schauspiel Frankfurt: „Der weiße Wolf“ (UA) von Lothar Kittstein. Regie Christoph Mehler, Bühne Nehle Balkhausen, Kostüme Janina Brinkmann

Frankfurt am Main: Im schwarzen Loch

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Es müssen Köpfe rollen

Was macht das Theater, Alexander Karschnia?

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

„3, 2, 1 … ich komme!“ May Hope sucht nach ihren Eltern und Geschwistern. Das sechsjährige Mädchen glaubt fest daran, dass ihre Familie bald auftauchen wird – wie so oft zuvor beim gemeinsamen Versteckspiel. Sie hat ein Trauma und kann nicht verstehen, dass sie als Einzige ihrer Familie den Taifun Haiyan im vergangenen Jahr überlebt hat. In Jakarta habe ich im November 2013 in den Medien die Bilder der Zerstörung auf den Philippinen gesehen. Vier Wochen später treffe ich in Manila einige Mitglieder von PETA, der Philippines Educational Theater Association. Seit Ende der Diktatur 1986 beschäftigt sich die Gruppe verstärkt mit den Themen Natur und Klima, in der Hauptstadt und in den Provinzen. Gemeinsam mit Traumapsychologen haben sie eine Methode erarbeitet, wie sie den Opfern in Krisengebieten mit Mitteln des Theaters helfen können, die physischen und psychischen Fesseln des kollektiven, aber individuell empfundenen Traumas zu durchbrechen. Mit ausreichend Wasser und Brot im Rucksack reise ich in das Taifungebiet, arbeite dort bei einem Trauma-Theater-Workshop in Bohol mit und schaue mir auf anderen Inseln die Theaterproduktionen des PETA-Netzwerkes an. Eric Divinagracia, künstlerischer Leiter des Little Theater an der Universität San Agustin in Iloilo, lädt mich ein, die Arbeit seiner Gruppe kennenzulernen. Die...

Wie Theater auf den Philippinen hilft, denjenigen eine Stimme zurückzugeben, die ihre eigene angesichts der Zerstörung durch den Taifun Haiyan verloren haben

Das Gesicht des Klimawandels

Das Theater im Werftpark, eine Spielstätte des Kieler Theaters, war ihr Heimathafen. Erfolge feierte sie auch in Hamburg, in der Hauptstadt und anderswo. Im deutschen Kinder- und Jugendtheater spielte Franziska Steiof in der Champions League. Nominiert war sie, 1962 in Offenbach geboren, für den Mülheimer Dramatikerpreis, den Deutschen Kindertheaterpreis und den Friedrich-Luft-Preis; ihre Inszenierung von Lutz Hübners Jugendstück „Nellie Good- bye“ wurde als beste Berliner Jugendtheaterinszenierung mit dem Ikarus-Preis ausgezeichnet, ebenso ihre Adaption von „So lonely“ nach dem Roman von Per Nilsson. Die Autorin und Regisseurin kam über die Theaterpädagogik zur Bühne und machte sich gleichermaßen mit Klassikern und Gegenwartsstoffen einen Namen. Sie scheute nicht, die Jungen und Jüngsten mit den Problemen der Wirklichkeit zu konfrontieren, sie wollte ihnen etwas zumuten, sie zur Auseinandersetzung anregen. Am Grips Theater wirkte sie eindrucksvoll mit „David und Lisa“, einer Geschichte um ein hochbegabtes Kind in der Psychiatrie, und „norway.today“ von Igor Bauersima über eine lebensmüde Zwanzigjährige, die im Internet Gleichgesinnte sucht, die mit ihr in den Tod gehen wollen. Volker Ludwigs „Rosa“, die Lebensgeschichte der Revolutionärin Luxemburg brachte sie ebenso in die Arena am Hansaplatz in Berlin wie erst kürzlich Peter Lunds Generationenkomödie „Die letzte Kommune“. Im Norden entstand „Die Nächte der Schwestern...

Zum Tod der Regisseurin Franziska Steiof

Ringen mit der Wirklichkeit

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Das Theater Freiburg feiert das Autorentheater: Gleich zwei Auftragswerke kamen am selben Abend als Doppelpremiere zur Uraufführung. Gegenwartsdramatik zur Gesellschaft und ihren Verwerfungen. Paul Brodowsky gestaltete mit „Intensivtäter“ einen hysterischen Gesellschaftsdiskurs über den angeblichen Extremismus jugendlicher Straftäter. Dirk Laucke fokussiert in „Seattle“ Randfiguren dieser Gesellschaft, die zwischen idealistischer Gesellschaftskritik und realen Schulden zerrieben werden. Berlin-Neukölln statt Freiburg-Wiehre: Großstadtthemen, und diese bewusst nicht im kleinen Haus. Freiburgs riesige Bühne mit über 800 Plätzen ist dabei mehr als ein Spielort. Die Botschaft des Theaters lautet: Wir zeigen unsere Auftragswerke in unserer größten und repräsentativsten Stube. Eine mutige Programmatik, die vorab Respekt verdient. Es liegt nahe, mit Polaritäten zu arbeiten, wenn Vielfalt einen einheitlichen Abend sprengt. Paul Brodowskys vier Figuren vertreten laut Dramaturgin Viola Hasselberg eher „Positionen“, als dass sie als Charaktere entwickelt werden: Eine Jugendrichterin (Johanna Eiworth), ein Bezirksbürgermeister (Holger Kunkel), eine in ein präventives Jugend-Tanz-Projekt involvierte Performerin (Charlotte Müller) sowie eine Mutter (Iris Melamed) des scheinbar einzigen „indigenen“, gemeint ist: deutschstämmigen, Jugendlichen seiner Klasse. Es bildet sich von Anfang an ein zwar vielstimmiger, aber doch einheitlicher Chor medialer Stereotypen über die Gefahren aus Migration, Entfremdung, Beziehungs- und Bindungslosigkeit, der der Jugendlichen gar nicht bedarf, um schrill und künstlich zu klingen. Ein...

Theater Freiburg: „Intensivtäter“ (UA) / „Seattle“ (UA) von P. Brodowsky und D. Laucke. Regie J. Wehner u. J. Gehler; „Warten auf die Barbaren“ (DEA) nach dem Roman von J. M. Coetzee. Regie Th. Krupa

Freiburg: Die Sprache von Dosenbier

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Es war im Sommer 1972. Viele Jahre sind seitdem vergangen. Ich hatte Kalifornien verlassen und war in den Libanon zurückgekehrt, ohne zu wissen, für wie lang. Eines der faszinierendsten Ereignisse dieses Sommers war das international renommierte Baalbeck Festival, zu dem auch ich als Gast eingeladen war. Nach unserer Veranstaltung gab es, wie immer, eine kleine Party für Teilnehmer und Freunde. Wir trafen uns im Hotel Palmyra, gleich gegenüber dem Eingang zu einer grandiosen historischen Stätte aus der syrischen Römerzeit mit großen Bauten und umgestürzten Säulen. Ein hochgewachsener, junger Amerikaner betrat den Flur. Er fiel mir sofort auf. Zehn Minuten später wurde er mir als der berühmte Theaterregisseur Robert Wilson vorgestellt. Er kam aus Schiras, wo er eine einwöchige Performance mit dem Titel „KA MOUNTAIN AND GUARDenia TERRACE“ auf die Bühne gebracht hatte. Es war geplant, so hörte ich, den amerikanischen Regisseur mit einer Koproduktion der Festivals von Baalbeck und Schiras zu beauftragen. Der Leiter des Baalbeck Festivals, ein guter Freund von mir, schlug vor, dass ich den nächsten Tag mit Bob Wilson verbringen sollte. Einer der Fahrer des Festivals würde uns entlang der Küste in die ganz besonders schöne kleine Stadt Byblos begleiten. Byblos ist bekannt für seine Ruinen aus...

Bob Wilson passiert dir nur einmal im Leben

Zauber und Geheul

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Gegen die Vereinzelung

Zehn mal zehn Prozent

in Gedenken an alle, die mit einer Tränengaskartusche im Schädel auf einen besseren Moment warten, um aus dem Koma aufzuwachen, als jetzt PERSONEN Tschech, Besitzer, um die einundvierzig Ali, Frau, um die neunundzwanzig Buchs, Kind, um die fünfundzwanzig Vor den Türen (Casting) Tschech: Es könnte mir egal sein, aber es ist mir nicht egal. Buchs: Das finde ich gut. Tschech: Weil ich mit drin wohne. Ali: Das finde ich seltsam. Tschech: Seltsam? Buchs: Voll gut. Tschech: Familienbesitz schon lange. Man muss hier noch vieles instand setzen. Buchs: Mir ist ein trockener, dunkler Keller wichtig. Das Zimmer ist mir dann egal, ich verbringe die meiste Zeit in der Dunkelkammer. Tschech: Ich bin dran. Ali: Es ist sehr schön hier. Tschech: Marode. Ein bisschen. Ali: Ich mag’s. Buchs: Ich entwickle viel. Aber keine Angst, es wird nicht stinken. Tschech: Der Keller gehört dazu. Ist im Preis inbegriffen. Ali: Ich habe nie alleine gewohnt. Mit meinen Eltern, das war auch eine WG. Mit vielen Leuten. Tschech: Da ist das Bad. Zwei Waschbecken. Ali: Lustig. Tschech: In die Badewanne passen mehrere rein. Buchs: Sind gute Fotostrecken....

(mein Kopf ist ein offener Koffer aus dem Gott Vater Staat herausfällt aber nicht zerbricht weil er so zäh ist wie Gummi)

Hurenkinder Schusterjungen

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Marianna Salzmann, Sie haben „Hurenkinder Schusterjungen“ geschrieben, nachdem Sie im vergangenen Jahr in Istanbul waren, als dort im Mai die Proteste gegen Tayyip Erdogan und seine Regierung losbrachen. Wie haben Sie als Außenstehende die Demonstrationen erlebt? Ich habe acht Monate in Istanbul gelebt und mich in die Stadt verliebt. Ich wollte alles wissen, wollte alles verstehen. Das ist bei einer Stadt wie Istanbul nicht einfach. Ich habe mich viel mit Gentrifizierung befasst, war mit Aktivistinnen und Aktivisten, Gewerkschaftlerinnen und Gewerkschaftlern unterwegs. Mir schien alles, die Kultur, die Art zu leben, sehr nah. Obwohl ich zum ersten Mal in Istanbul war, hatte ich das Gefühl, vieles schon zu kennen. Aus Deutschland eben. Ich habe das theoretisch gewusst, dass Deutschland und die Türkei geschichtlich zusammengehören. Ich wusste um die Folgen der Neosklaverei der ersten Gastarbeitergeneration, ich wusste um das enge Verhältnis zwischen dem Sultan und Wilhelm II. Und um die deutsche Beteiligung am armenischen Genozid. Aber das waren alles Informationen aus Geschichtsbüchern. Als ich vor Ort war, wurde Geschichte zu Menschen. Zu konkreten Erlebnissen. Es gab an jedem Ort, in jedem Raum, in dem ich war, jemanden, der/die Deutsch sprach und/ oder Verwandte in Deutschland hatte. Es gibt in der Türkei ein...

Die Autorin Marianna Salzmann über ihr Stück „Hurenkinder Schusterjungen“ und den Luxus, nihilistisch sein zu können, während es an der Rändern Europas brennt, im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Bringst du Zitronen mit?

Theater ist überlebensnotwendig

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Die Kleinstadt als Kleinfamilie: Anfangs nimmt das fünfköpfige Ensemble Aufstellung wie zum Familienfoto in den eigenen vier Wänden, wobei die vierte Wand des kleinen Häuschens auf der Metropoltheater-Bühne natürlich (wie sich das im Theater gehört) fehlt. In den übrigen Wänden gibt es eine Tür und ein Fenster, außerdem thront das Häuschen auf einer Drehscheibe, so dass mal die Fensterfront zu den Zuschauerreihen hin rotiert, mal die Tür und mal die unsichtbare vierte Wand. So wird die Bühne zum Kaleidoskop: Mit jeder Drehbewegung wird man eines anderen Szenensplitters ansichtig. Setzt man alle zusammen, ergibt sich das Bild einer walisischen Kleinstadtgesellschaft, ganz so wie es Dylan Thomas in seinem Hörspiel „Unter dem Milchwald“ gezeichnet hat. Dazu folgt er ihren Bewohnern einen Tag lang, vom frühen Morgengrauen bis spät in die Nacht. Es treten auf: allerlei verrückte und verschrobene, liebenswerte, lustige und auch lüsterne Figuren. Vom schmachtenden Gemeindepfarrer, dessen unterdrückter Trieb sich in schwülstig-lyrischen Ergüssen Bahn bricht, über den unglücklich verliebten Schankwirt bis hin zum Postboten, der über den Sex- und Seelenhaushalt der Kleinstädter bestens im Bilde ist, weil seine Frau daheim regelmäßig Briefe aufdampft. Um die kleinen Ausflüchte der Menschen geht es, und um ihre beträchtlichen Abgründe. Prüderie und Begehren gehen hier...

Metropoltheater München: „Unter dem Milchwald“ von Dylan Thomas. Regie Ulrike Arnold, Bühne Julia Ströder Kostüme Katja Kirn

München: Lüsterne Kleinstadtgesellschaft

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Die Arbeit an After Trio A begann mit einer Einladung. Das Cover#2-Festival in Amsterdam bat vier ChoreographInnen, eine selbstgewählte Arbeit aus der Geschichte des Tanzes zu covern. Ich war fasziniert vom Konzept des Coverns. Was mich daran interessierte, war nicht so sehr, ein Stück neu zu inszenieren, sondern vielmehr die Begegnung mit der Arbeit von jemand anderem, eine Begegnung, in der das Originalwerk, meine eigene Arbeit und der Arbeitsprozess sichtbar würden. Anstatt etwas zu covern, zuzudecken, wollte ich enthüllen: die Intention des ursprünglichen Werks. Wie sich später herausstellte, setzte das einen Prozess in Gang, der mir etwas von meiner eigenen Arbeit enthüllte. Beim Schreiben dieses Textes, in dem ich über diesen Prozess nachdenke, habe ich das Gefühl, mich auf dieselbe Aufgabe einzulassen wie die Tänzer in After Trio A. Ich forderte sie auf, einen Teil der ursprünglichen Trio A-Tanzphrase live während der Vorführung von einem Monitor auf der Bühne zu lernen. Die Performance ist tatsächlich eine Performance des Lernens, des Gedächtnisses, der Enthüllung dieses Vorgangs für den Blick. Es ist ein Prozess der Aufdeckung des »Tanzes«, der »schwer zu sehen« ist. Ich befinde mich beim Schreiben dieses Textes in einer ähnlichen Situation, indem...

Über den Prozess in der Arbeit mit Yvonne Rainers „Trio A“ und „No Manifesto“ SOLO? Von Körpern und ihren Doubles im zeitgenössischen Tanz

Transmission

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Am Beginn steht ein Bekenntnis: Der Intendant des Neuen Theaters Halle, Matthias Brenner, selbst Schauspieler, übernimmt in Henriette Hörnigks Inszenierung von Gerhart Hauptmanns „Die Ratten“ die Rolle des ehemaligen Theaterdirektors Harro Hassenreuter. Mit weiß geschminktem Gesicht und rot unterlaufenen Augen tritt er vor den Vorhang: „Alles, was ich in mir finde, zeig ich euch …“, ein Theatermann mit Thomas Brasch auf den Lippen, der spielen will, der mit Leib und Seele zu einem anderen werden will. Doch er ist verunsichert, fragt einen jungen Kollegen, ob es glaubhaft sei, was und wie er spiele. Denn der Ballast des eigenen Anspruchs, die kleingeistige gesellschaftliche Ordnung im Theater zu stören, werde – und darauf rekurriert dieses Vorspiel – gegenwärtig und vor allem in Sachsen-Anhalt permanent von externem Legitimationsdruck beschwert. Die Kulturpolitik des Landes als Rattenplage und Hauptmanns Stück von 1911 als Gegengift? Maurerpoliersfrau John, die ihren Sohn unmittelbar nach der Geburt verlor, nimmt sich auf illegale Weise des unehelichen Kindes des polnischen Dienstmädchens Pauline Piperkarcka an. Als Letztere ihr „Kindeken“ zurückfordert, setzt Frau John ihr kurzerhand das bereits sterbende Neugeborene der morphiumabhängigen Sidonie Knobbe vor. Pauline dreht durch, Frau Johns Bruder Bruno Mechelke tötet sie. Und als man John „ihr“ Kind ein zweites...

Neues Theater Halle: „Die Ratten“ von Gerhart Hauptmann. Regie Henriette Hörnigk, Ausstattung Claudia Charlotte Burchard

Halle: Zerfressene Gegenwartszombies

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Die Bordsteinkanten in Budapest sind so abenteuerlich hoch wie jene in New York City. Sie garantieren das Überleben im rasanten Verkehr der Linienbusse. Schicke Lokale mit Veggie-Menüs und kinderwagenbreiten Gängen säumen die Boulevards der angesagten inneren Bezirke. Dort sitzen Studenten aus Übersee oder Ladys der Budapester Modernisierungsgewinnerelite und schlürfen ihren Prosecco. Die ungarische Hauptstadt sieht fabelhaft aus in ihrer Mischung aus k.u.k. Pomp und Pop-up-Stimmung. Von den politischen Veränderungen, die mit der nationalkonservativen Regierung Viktor Orbáns Einzug hielten, lässt sich die Donaumetropole auf den ersten Blick nichts anmerken. Unter der Oberfläche dieses munteren, europäischen Lebens aber gehen gravierende Änderungen vor sich. Ein Vierteljahrhundert nach dem kommunistischen Regime soll Kunstproduktion in Ungarn wieder politischen Zwecken dienen, der Erbauung der Nation, der Festigung des Heimatgedankens. Davon weiß Mária Szilágyi aus eigener Erfahrung zu berichten. Die Gründerin und Leiterin des Kortárs Drámafesztivál, des seit Mitte der 90er Jahre in Budapest ausgetragenen Festivals für zeitgenössisches Theater, musste in den letzten Jahren eine empfindliche Kürzung ihrer finanziellen Mittel hinnehmen. Genauer gesagt ist ihr Budget im Lauf der letzten Jahre von 67 000 auf den läppischen Betrag von 4167 Euro geschrumpft, ein Wert jenseits der Professionalitätsgrenze. Das Geld, von dem es zweifellos auch in Ungarn nicht...

Die ungarische Politik lässt das Kortárs Drámafesztivál in Budapest am langen Arm verhungern

Pomp und Pop-up

Das Vorzeigeeuropa ist in Finnland. Hohe Gehälter, effizientes Gesundheitssystem, Vorreiter im Bildungswesen. Regelmäßig ist das Land am nordöstlichen Rand des Kontinents in der Spitzengruppe der PISA-Erhebung. Das Schulsystem ist vorbildlich, die Klassen klein, der Inklusionsgrad hoch. Zudem ist Finnland einer der sichersten Flecke Europas, Touristen haben nichts zu befürchten. Das ist die eine Seite. Die andere ist: Jedes Land hat seine Wunden. Das Leben in Finnland spielt sich auf einer entlegenen Bühne ab. Abseits der südlichen Ballungszentren beginnt der Wald und zieht sich 1000 Kilometer bis nach Lappland hoch. Dazwischen Seen, dahinter Meer. „Jumalan selän takana“, sagt eine Redensart: hinter dem Rücken Gottes. Immer Abgeschiedenheit. Gerade deshalb treten Finnlands Probleme hervor. Die Neigung der Finnen zum Alkohol ist ausgeprägt, man trinkt nicht genüsslich ein Gläschen, sondern kippt es auf Wirkung. Das finnische Wort für „Prost“ weiß es genau: „Kippis!“ Abseits der Städte sind Einsamkeit und Arbeitslosigkeit dem Alkoholismus zuträglich. Das Resultat: höhere Gewaltbereitschaft vor allem unter Männern und eine vergleichsweise hohe Mord- und Selbstmordrate. Auch hinsichtlich der Schusswaffendichte ist Finnland ganz weit vorn. Sind das bloße Klischees? Dass ihnen ein wahrer Kern innewohnt, zeigt sich im gesellschaftlichen Spiegel Theater. Zumindest findet sich etwas davon in Okko Leos Komödie „The Orchestra“...

Das finnische Theater verankert sich in alltäglichen Erfahrungen zwischen Modernität und ländlicher Abgeschiedenheit. Eine Theaterreise

Hinter dem Rücken Gottes

Wir subventionieren keine Theater, sondern investieren – in die Köpfe der Menschen und in unsere Zukunft. Kulturreferent Hans-Georg Küppers über die Berufung Matthias Lilienthals zum Intendanten der Münchner Kammerspiele und die Neuerfindung des Theaters in der bayrischen Landeshauptstadt. Ein Gespräch zur Systemfrage Herr Küppers, mit der Inthronisation Matthias Lilienthals als Intendant der Münchner Kammerspiele haben Sie sich als Deutschlands wagemutigster Kulturdezernent profiliert. Die Entscheidung für Matthias Lilienthal hat der Stadtrat gefällt. Ich habe ihn vorgeschlagen, da ich ihn als künstlerische Persönlichkeit sehr schätze. Er hat von Basel an über die Volksbühne bis hin zum HAU völlig unterschiedliche Strukturen durchlaufen und überall seine Handschrift gesetzt. Mit vielen Ko- und Eigenproduktionen hat er maßgeblich die Internationalität des HAU vorangetrieben. Ich kenne niemanden, der in diesen Bereichen in vergleichbarer Art vernetzt ist. Wenn man ein Theater wie die Münchner Kammerspiele international weiterentwickeln und auch neue Produktionsformen ausprobieren will, ist es für mich der logische Schluss, jemanden zu suchen, der in dieser Hinsicht durch seine Persönlichkeit und seine Glaubwürdigkeit überzeugt. Und neue Produktionsformen zu inkludieren heißt …? Das heißt für mich nicht, dass die Produktionsformen, wie sie bisher an den Kammerspielen herrschen, völlig über Bord geworfen werden. Vielmehr geht es darum, Produktionsformen zu erweitern....

Hans-Georg Küppers über die Berufung Matthias Lilienthals zum Intendanten der Münchner Kammerspiele und die Neuerfindung des Theaters in der bayrischen Landeshauptstadt. Ein Gespräch zur Systemfrage

München macht’s möglich

Festival der Besessenen

Herr Wrede, Sie haben in den 1980er Jahren an der Berliner Hochschule für Musik „Hanns Eisler“ studiert. Hatten Sie da schon im Hinterkopf, einmal für das Theater zu komponieren? Der Bereich Tanz- und Unterhaltungsmusik an der „Hanns Eisler“ war in gewisser Weise ein Auffangbecken für oppositionelle Geister. Durch das Studium bekam ich Kontakt zu Autoren. Der Autor Leonhard Lorek gründete eine Band. Viele der Autoren, die ihre Texte im Schaden (eine illegale Künstleredition, Anm. d. Red.) veröffentlichten, hatten eigene Bands. Sascha Andersons Band hieß Fabrik. Unsere Band hieß Teurer Denn Je. Die Verbindung zwischen Musik und Literatur, Theater, Malerei und Fotografie war in dieser Szene sehr groß. Der Autor Ulrich Zieger hat Ezra Pound übersetzt, und wir haben ein Literatur-Musik-Projekt gemacht. Im Prinzip war das eine Art Hörstück. Ähnlich wie Heiner Müllers „Der Mann im Fahrstuhl“ von Heiner Goebbels, was mich damals ungeheuer beeindruckt hat. Sonst spielte ich in dieser Zeit vor allem Jazz, das war nicht so offensiv politisch, bot viele Freiräume. In gewisser Weise standen Sie dann also in der Tradition jenes berühmten Projekts Lyrik – Jazz – Prosa, das Josh Sellhorn in den 60er Jahren initiierte und das heute immer noch läuft? Ja, aber das fand...

Was macht das Theater, Bert Wrede?

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Inklusive Ansätze erproben!

Am 21. Januar 2014 hat das Rektorat der Universität Leipzig ohne Vorankündigung Kürzungspläne bekannt gegeben, die mittelfristig das Ende des dortigen Instituts für Theaterwissenschaft bedeuten. Falls diese Entscheidung umgesetzt werden sollte, wäre das eine Katastrophe: nicht nur weil das Leipziger Institut das einzige theaterwissenschaftliche Institut auf dem Gebiet der neuen Bundesländer ist. Es dürfte sich auch auf das Fach insgesamt verheerend auswirken, das mit den vier Leipziger Stellen über 20 Prozent seiner Professuren überhaupt verlieren würde. Dabei ist die einzige Begründung für die angekündigte Schließung ein enormer Spardruck, unter dem das Leipziger Rektorat steht: Nach dem „Hochschulentwicklungsplan“ des sächsischen Wissenschaftsministeriums soll es bis zum Jahr 2020 knapp 200 von insgesamt 1042 Universitätsstellen abbauen. Herr Heeg, die drohende Schließung Ihres Instituts ist das Ergebnis einer offensichtlich höchst widersinnigen Politik des Freistaats Sachsen – die schon damit beginnt, dass der Sparplan, dem das Leipziger Rektorat folgen soll, auf falschen Prognosen von 2010 beruht und nicht mit den stark steigenden Studentenzahlen in Leipzig und überall in Sachsen rechnet. Ist das, was Sie erleben, darum nur der Fall einer besonders fehlgeleiteten Landespolitik, oder sehen Sie darin etwas Symptomatisches für die derzeitige Bildungs- und Hochschulpolitik überhaupt? Es ist auf jeden Fall ein Symptom. Man kann...

Günther Heeg über die drohende Schließung seines Instituts in Leipzig und die generellen Angriffe auf die Geisteswissenschaften im Gespräch mit Sebastian Kirsch

Unidämmerung

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Mit dem Theater die Welt verändern

Die Autorin Marianna Salzmann über ihr Stück „Hurenkinder Schusterjungen“ und den Luxus, nihilistisch sein zu können, während es an den Rändern Europas brennt, im Gespräch mit Dorte Lena Eilers Marianna Salzmann, Sie haben „Hurenkinder Schusterjungen“ geschrieben, nachdem Sie im vergangenen Jahr in Istanbul waren, als dort im Mai die Proteste gegen Tayyip Erdogan und seine Regierung losbrachen. Wie haben Sie als Außenstehende die Demonstrationen erlebt? Ich habe acht Monate in...

Gespräch mit Marianna Salzmann

Guilt-Trip durchs Vogtland

Was ist Theater?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

Das Leben – wir wissen es – ist voller Überraschungen. Das gilt auch für Herzog Prospero von Mailand, der glaubt, sich den Büchern widmen zu können, weil er die Staatsgeschäfte beim geliebten Bruder in treuen Händen weiß. Doch er irrt sich, der kleine Bruder übernimmt das Zepter und setzt ihn mitsamt seiner Tochter Miranda auf einem löchrigen Kahn einer ziemlich gewissen Zukunft aus. Calixto Bieito durfte seinen lang gehegten Wunsch nach einem Projekt zwischen Oper und Schauspiel nun endlich mit Shakespeares „Der Sturm“ verwirklichen. Großes war am Mannheimer Nationaltheater hinsichtlich des Begehrs seit Jahren angekündigt worden: Hebbels „Nibelungen“ mit Opernchor sollten es werden, von mangelnden Chor- und Orchesterkapazitäten, von ausufernden Proben- und Bühnenzeiten war bei mehrfachen Verschiebungen die Rede. Und nun: Großes Werk ganz klein, ein Stürmchen im musikalischen Stundenglas, bei dem sich Mannheims gigantischer Opernapparat betont sparsam gibt. Ohne Chor, mit nur vier Schauspielern, zwei Gastsängern und Kammerorchester. Wer die Geschichte nicht kennt, bleibt angesichts der Streichung von vier Akten und zwei Dritteln des Personals entspannt. Man kann völlig unbelastet in einen Abend gehen und auf ein, so der Untertitel, „musikalisches Poem für Sänger, Schauspieler und Orchester“ treffen, das stets bildstark, stellenweise gar bezaubernd ist. Ernst Alisch als Prospero...

Nationaltheater Mannheim: „Der Sturm“ nach William Shakespeare und Henry Purcell. Regie Calixto Bieito, Bühne Kathrin Younes, Kostüme Rebekka Zimlich, musikalische Leitung Mauro Barbierato

Mannheim: Ein Stürmchen im Stundenglas

„Wissen Sie, warum man die Spitzen seiner Ellenbogen nicht lecken kann?“, fragt die ausgesprochen gut gelaunte junge Frau im blauen Schlabberpullover den etwas mürrisch wirkenden Mann im roten Schlabberpullover. Im Ratgeber für erfolgreiches Flirten wird man so einen Satz wohl kaum finden. So verwundert es wenig, dass ihre so gestaltete Annäherung bei ihm erst einmal wenig fruchtet: „Ich lebe in einer Beziehung.“ Einstieg missraten. Wie wäre es mit: „Ich habe mich grade getrennt.“ Schwieriger Fall. Oder: „Ah ja.“ Vielleicht wird noch etwas draus. Ein Mann und eine Frau lernen sich auf einer Party kennen. Der Funke springt über, eine Beziehung bahnt sich an und entwickelt sich – mit allen Hochs und Tiefs. Er geht fremd und/oder sie hat eine Liaison mit einem anderen Mann, er hält um ihre Hand an, sie ist (noch) nicht zum Jawort bereit, oder überraschenderweise doch? Sie wird von einer schweren Krankheit heimgesucht, verliert die Sprache, verabschiedet sich per Sterbehilfe, oder es stellt sich heraus, dass der Tumor vielleicht doch gutartig ist. Warum bahnt sich das Schicksal diesen, seinen Weg? Oder seine Wege? Wie wenig ist nötig, dass sich alles ganz anders entwickelt? In der Zweierbeziehung, die der britische Dramatiker Nick Payne in seinem 2012 in...

Theater Winkelwiese: „Konstellationen“ (SE) von Nick Payne. Regie Stephan Roppel, Ausstattung Marcella Incardona

Zürich: Im Multiversum

Caden Cotard in „Synecdoche, New York“ (Charlie Kaufman, 2008) – ein hypochondrischer Träumer, besessen von sich selbst und vom Tod – zieht sich im Verlauf des Films immer weiter in sein Lagerhaus in New York City zurück, wo er die Stadt nachbauen lässt. Er will in einem neuen, großen und wahren Theaterstück die Alltäglichkeit des Lebens abbilden. Unzufrieden mit der „Lüge“ der imaginären vierten Wand, bittet der von Philip Seymour Hoffman gespielte Caden seinen Bühnenbildner, die Kulissen zuzumauern, aus denen die Szenerie seines monumentalen Stücks besteht: „Zumauern“, sagt er, „alles.“ Das Geniale an Hoffmans Spiel war seine Fähigkeit, mit Körper und Stimme komplexe Geschichten zu erzählen, tief in seine Rollen einzudringen, ohne die von ihm gespielten Figuren vom Publikum abzuschotten. In einem eigentlich universalen Werk verortete er seine Geschichten meist doch lokal in New York City oder, allgemeiner, in Amerika. Der Charakterschauspieler Hoffman wurde an der Tisch School der New York University ausgebildet, einer Heimat des Method Acting. In vielerlei Hinsicht trat er das Erbe der Rollen an, die Marlon Brando und Dustin Hoffman einst füllten – und ging darüber hinaus. Er übernahm einige der auf Einfühlung basierenden Techniken und ergänzte sie um die ihm eigene raue Dynamik. Anders als...

Zum Tod des Schauspielers Philip Seymour Hoffman

Rastloser Läufer

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Künstlerinsert: Bühnenarbeiten

Aus irgendeinem Grund kamen Robert Wilson und Theater der Zeit bislang nicht zusammen. Dabei wäre allein die Affinität zu Heiner Müller Grund genug, uns mit Wilsons bildmächtiger Kunst – siehe Insert – ins Vernehmen zu setzen. Der Anlass für eine verspätete Begegnung müsste unserer eigenen Logik gemäß etwas recht Spektakuläres oder doch ganz Besonderes sein. Im Oktober 2013 präsentierte Robert Wilson bei den ARD Hörspieltagen sein erstes Hörspiel: „Monsters of...

Editorial

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Plötzlich, mitten im Gespräch, stockt Matthias Brenner und starrt aus dem Fenster. Er sagt: Da ist ein Auto explodiert. In einem Café in Halle, nicht weit von der Oper, sitzen wir und reden über die Verteidigung der mexikanischen Dörfer, also über die Theater in Dessau, Halle und Eisleben. Die Landesregierung von Sachsen-Anhalt nämlich will ihnen mehr als sechs Millionen rauben. Jetzt könnte ich mich fragen, ob Brenner überschnappt, weil ihn die Dämonen jagen. Aber ich bleib gelassen. Ich dreh mich nicht einmal um, da ich ja weiß, dass tatsächlich ein Auto explodiert ist. Vorher war ich da unten spazieren, dann scheuchten sie mich weg, weil viel zu gefährlich. Achtung, sagte eine Frau, gleich fliegt ein Auto in die Luft. Halle-Krimi, Filmaufnahmen. Gerade sind die glorreichen Drei im überfüllten Casino des Neuen Theaters aufgetreten, Matthias Brenner für Halle, André Bücker für Dessau und Ulrich Fischer für Eisleben. Gelesen haben sie aus dem ihnen gewidmeten Sonderheft von Theater der Zeit, aus meiner Reportage mit Fotos von Holger Herschel. „Sachsen-Anhalt ist nicht Mexiko. Aber ein bisschen Mexiko ist auch in Sachsen-Anhalt. Denn eine räuberische Landesregierung greift die Theater an.“ Auch auf den Bühnen von Dessau und Eisleben waren die drei Intendanten zu...

Dessau, Halle, Eisleben – Was hat der Protest für die Theater gebracht?

Die glorreichen Drei

Zwischen Illusion und Ideologie

Rita kämpft sich durch den niedergebrannten, rot glühenden Wald. Sie ist aus einem der evakuierten Dörfer nahe dem explodierten Kernkraftwerk geflohen. Die Bevölkerung wurde nicht darüber informiert, dass das Gelände verstrahlt ist. Rita will lediglich liegen gebliebene Wagen und Militärgerät ausschlachten, um zu etwas Geld zu kommen. Sie trifft Pjotr, den Vater ihres Kindes, der sich als freiwilliger Helfer gemeldet hatte. Beide versuchen, ihr Kind zu retten, das schon Anzeichen von Zersetzung zeigt. Und nicht nur ihr Kind, auch sie selbst sind bereits gezeichnet. Stéphanie Marchais gelang mit Roter Wald eine eindrückliche Kritik daran, wie menschenverachtend so mancher Staat mit der unberechenbaren Atomenergie umgeht. Eines der wohl gigantischsten Theaterstücke ist Die letzten Tage der Menschheit von Karl Kraus. Ein Stück als Reaktion auf den Ersten Weltkrieg. Es werden keine Kriegsszenen auf die Bühne gestellt, es geht vielmehr um das Verhalten der Menschen, die am Krieg nicht direkt teilnehmen, über den Krieg ohne Mitgefühl schwadronieren und die schließlich Geschäfte machen, sich am Krieg bereichern wollen. Dieses Verhalten brandmarkt Kraus als den eigentlichen Gräuel des Krieges. Das Stück reißt der Menschheit die Maske herunter. Am Schluss sagt Gott: „Ich habe es nicht gewollt.“ Da lässt ein Vater seine Tochter opfern, eine Ehefrau...

Hörspiel: Die Maske der Menschheit

Der Kultur-Kahlschlag droht

„Nach Moskau! Nach Moskau!“, riefen einst Tschechows „Drei Schwestern“ – ganze Symposien widmeten sich der Deutung dieser Chiffre für ein „anderes Leben“. MaerzMusik, eins der wichtigsten Festivals für aktuelle Musik, ruft dieses Jahr „Nach Berlin! Nach Berlin!“ – ein Motto, das die Hauptstadt als „Magnet musikalischer Immigration“ auffächern will. Berlin sei durch den Zuzug von Künstlern „zu einer kosmopoliten Kunst- und Musikstadt geworden“, so formulieren es unisono Thomas Oberender, der Intendant der Berliner Festspiele, und Matthias Osterwold, der künstlerische Leiter der integrierten MaerzMusik. Das einwöchige Programm porträtiert denn auch „musikalische Immigranten“ aus Russland, Tschechien und der Schweiz, aus Israel, den USA und Brasilien. Für den Standort Berlin gebe es viele Gründe, sagen Teilnehmer: der kreative Diskurs, der Charme einer permanent „unfinished city“, das Erlebnis von „Freiheit“. Und: die Möglichkeit, sich als Künstler in einer fremden Kultur neu zu definieren. Bei MaerzMusik erklingt z. B. „Shiva For Anne – Jenseitstrilogie III“, eine Musiktheater-Uraufführung der in Berlin lebenden Schweizer Komponistin Mela Meierhans, die sich mit Totenklagen im Christentum, Islam und Judentum beschäftigt. Oder die Kammermusik „Cihangir“ des palästinensisch-israelischen Neutöners und Wahlberliners Samir Odeh-Tamimi – sein Werk ist benannt nach einem Stadtteil Istanbuls, in dem er zeitweise wohnte, „auf der Suche nach dem...

Robert Wilson: Göttliche Monster

Assoziationen

Theater

Berliner Ensemble

Neuerscheinungen im Verlag