Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

März 2017

Premieren

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Personen: ein junges Mädchen, ihre Mutter Ein junges Mädchen und ihre Mutter beim Frühstück. – Deine Lehrerin macht sich Sorgen, sie hat mir gestern den Aufsatz gemailt, den du für die Schule über diesen Instagram-Account geschrieben hast. Ich hab ihn abends gelesen und mich ziemlich über die Art und Weise gewundert, wie du ihn geschrieben hast. – Wir sollten einen Text über ein aktuelles Thema schreiben und ich hab mir das ausgesucht. Was ist damit? – Wie du schreibst, das wirkt, als würdest du die Sache verteidigen oder rechtfertigen. – Ich sage bloß, dass es öffentliche Bilder sind und keiner sie gestohlen hat. Sonst nichts. – Ja, aber wie sie benutzt werden, ist unanständig. – Das Bild eines toten Kindes zu manipulieren, das mit dem Gesicht nach unten an einem Strand liegt, kommt mir unanständiger vor. – Geh mal auf die Seite und lies den Begrüßungstext, du wirst merken, wie geschmacklos er ist: „Ihre Länder fallen auseinander, aber Sexappeal haben sie immer noch.“ – Das ist ironisch gemeint. – Diese Menschen sind in einer sehr kritischen Lage. Wo ist da die Ironie? Mit so einem Thema darf man nicht leichtfertig umgehen. Stell dir vor, in diesem Moment bricht ein Bürgerkrieg...

Aus dem Spanischen von Franziska Muche

@hotmigrants (@hotmigrants)

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Personen: Zoltán (Intendant), András (Schauspieler) Zoltáns Büro. Zoltán sitzt hinterm Schreibtisch, ein Tablet in der Hand, drückt drauf herum. András tritt ein. Zoltán Ah, da bist du ja! (springt auf, schüttelt ihm die Hand) Komm, setz dich! András Gibt’s ein Problem? Zoltán Wie kommst du darauf? András Wegen deiner Nachricht, dass ich zu Mittag hier in deinem Büro sein soll. Aber du hast nicht gesagt, warum. Zoltán Setz dich erst mal (drückt András auf den Sessel und tätschelt seine Schulter). Ich möchte dir noch einmal zur 50. Vorstellung von Don Carlos gratulieren. Wir wissen, dass diese schöne, runde Zahl dein Verdienst ist. András Ach was! Ohne die anderen wär’s ... Zoltán Nein, nein, nicht so bescheiden! Das Publikum liebt dich. Alle lieben dich und ... Es ist einfach phantastisch, was du in dieser Inszenierung geleistet hast. András Danke. Zoltán Ich hoffe, du hast dich auf der Dernièrenfeier gut unterhalten. András Klar. Zoltán Das freut mich sehr. Ich habe sie vor allem für dich organisiert. András Für mich? Oh, danke sehr! Auch, äh ... für das Geschenk. Vielen, vielen Dank. Ich weiß gar nicht, wie ich ein so großes ... Zoltán Als Intendant werde ich mich immer geehrt fühlen, dass...

Aus dem Ungarischen von Fanny Kübeck-Montenuovo

Qualität. Zuverlässigkeit. (Minoség, megbízhatóság)

H&amp;M – sonst kann ich mir bei der Gage nichts leisten“, meinte die junge Schauspielerin Lou Strenger, als sie eben die Premiere von Elfriede Jelineks Stück über Mode „Das Licht im Kasten (Straße? Stadt? Nicht mit mir!)“ am Düsseldorfer Schauspielhaus hinter sich hatte und der Intendant von ihr wissen wollte, was sie denn privat so trage. Vor Publikum, wohlgemerkt. Im Gespräch mit der 1992 in Ludwigsburg geborenen Strenger zeigt sich aber, dass sie nicht einfach kess oder provokant auftrumpfen möchte. Im Gegenteil, so erfrischend die Schauspielerin auf der Bühne wirkt, als Shakespeares Julia ebenso wie bei Jelinek, so nachdenklich und selbstkritisch hinterfragt sie hinter der Bühne nicht nur ihren Auftritt, sondern nicht weniger als das ganze Metier, den Beruf als solchen. Als Kind im Schwäbischen hat Lou Strenger Ballett trainiert, diese Art von Disziplin vermisst sie am Theater. Ob Tango, Bogenschießen, Billard, irgendetwas, meint sie, müsste man doch neben den Proben machen, um Geist und Körper in Balance zu halten. Man müsste viel mehr an seinem Werkzeug arbeiten. Auch gebe es nach den Premieren praktisch keine Rückmeldung mehr, man sei auf sich allein gestellt. Alleingelassen. Auf die Frage, ob Shakespeares Julia als Einstand am Düsseldorfer Schauspielhaus nicht ein erfüllter Traum...

Zwischen furiosen Bühnenauftritten und nüchterner Selbstreflexion – die Schauspielerin Lou Strenger

Ein strahlender Stern

Claudia Bauer, Sie haben in Ihren Inszenierungen immer wieder mit Chören gearbeitet, zum Beispiel am Schauspiel Leipzig in „Metropolis“, „Und dann“, „Die Ermüdeten“ und „89/90“, auch in Franz Kafkas „Amerika“ am Staatstheater Hannover. Was ist ein Chor? Ein Chor ist eine Anzahl von Personen, die keine Figuren sind, sondern die überfigürlich etwas gemeinsam tun. Das können auch drei Personen sein, es müssen nicht zwanzig sein. Wenn Schauspieler zusammen etwas Überfigürliches machen, kann man also von Chor sprechen. Chöre auf der Bühne habe ich in verschiedensten Formen oft eingesetzt. Das ist zwar anstrengend, aber auch sehr beeindruckend. Ich habe die Inszenierungen von Einar Schleef noch gesehen, und auch sein Buch „Droge Faust Parsifal“ ist für mich in dieser Hinsicht ein Meilenstein. Sie verwenden den Chor als Kunstmittel. Es gibt ja aber auch die andere Tendenz, den Chor als Laienchor, als vermeintlich authentischen Repräsentanten von Wirklichkeit auf die Bühne zu stellen. Und Tasso nur mit echten Tassen. (lacht) Chor ist für mich per se etwas Künstliches, mein Bewegungschor in „Metropolis“ zum Beispiel besteht zwar aus Laien, aber ich habe mit denen so gearbeitet, dass sie etwas Künstliches geworden sind. Der Chor ist ein künstliches Gebilde, ein Kunstwerk, und als solches muss er...

Nicht nur über Politik reden, sondern politische Bilder schaffen – die Regisseurin Claudia Bauer im Gespräch mit Jakob Hayner

Der Chor der Individualisten

August lebt in einem dunklen Tal, umgeben von einer Bergkette. Die Alten, seine Mutter oder die Harte Hannah, sterben nicht – trotz permanenter Versuche, den Tod herbeizuführen. Das Leben lebt nicht, aber es stirbt auch nicht. Alles Lebendige steht unter einem Bann. Jan Gehler bringt am Kleinen Haus des Staatsschauspiel Dresden Thomas Freyers „kein Land. August“ (siehe Stückabdruck TdZ 02/2017) zur Uraufführung. Das Bühnenbild von Sabrina Rox besteht vor allem aus zwei großen schwarzen, matt glänzenden Wänden, die am vorderen Bühnenrand, ganz nahe vor der Zuschauertribüne, in die Höhe ragen. Zu Beginn sind sie etwas nach hinten geöffnet, so dass sie einen Spalt frei lassen, durch den sich August (Benjamin Pauquet) zwängt. Die Dialoge mit der Mutter (Anna-Katharina Muck) und vor allem der Harten Hannah (großartig besetzt mit Matthias Luckey) sind von tragischer Komik, beispielsweise wenn August sich bereit erklärt, die Mutter, nachdem sie sich zu ersäufen versucht hat, ins Bett zu legen. Dann wieder verendet die Sprache, die Figuren stehen wie bei Samuel Beckett bewegungsunfähig auf der Bühne, sagen „Ja“ und machen eine Pause, sagen wieder „Ja“ und machen wieder eine Pause. Stillstand als Prinzip. Bewegung kommt in die Handlung, als August beschließt, das Tal zu verlassen und seinen...

Staatsschauspiel Dresden: „kein Land. August“ (UA) von Thomas Freyer. Regie Jan Gehler, Bühne Sabrina Rox, Kostüme Katja Strohschneider

Dresden: Der schwarze Spiegel

Die Wege des Bühnenbodens bilden ein Kreuz, auf welchem die zwei Schauspieler (Antonis Myriagkos und Sophia Hill) umherlaufen. Sie bewegen sich mit Schwertklingen zwischen den Zähnen, als wollten sie einander verzehren, sich gemeinsam in einen Körper verwandeln, bis sie sich schließlich in eine kirchenartige Nische auf der Hinterbühne begeben, vor tragischem Vergnügen heulend. „Encore, encore, encore“, flüstern sie. Wiederholung als Struktur des Begehrens. „Alle Lust will Ewigkeit“, schrieb Friedrich Nietzsche, der Wiederentdecker des Dionysischen. Dionysos, der Gott der Zerstörung und Wiedergeburt, ist in den über dreißig Jahren seines Bestehens immer eine wesentliche Inspiration für das von Theodoros Terzopoulos begründete Athener Attis-Theater gewesen. Das Dionysische ist, in Übereinstimmung mit Nietzsche, ein produktiver Kunsttrieb des Wandels: künstlerischer Impuls sowie formgebende Kraft. Die Besessenheit des Attis-Theaters in Bezug auf geometrische Formen (Muster am Boden, Körperhaltungen, Gesten) basiert auf einem ästhetischen Gesetz der Abstraktion und ist Konsequenz des Vorgangs, „Dinge bis auf ihr Skelett zu reduzieren, ihr Fleisch und ihre Oberfläche herunterzureißen“ (Heiner Müller), wodurch in kühnen Konturen eine neue Gesamtheit konstruiert wird. Terzopoulos’ dionysische Methode verlangt das kreative Herausführen des Schauspielerkörpers aus seinen alltäglichen Strukturen und die kontrollierte Rekonstruktion des Körpers zu einem neuen performativen Selbst. Mit „Encore“, dem Abschluss einer Trilogie nach...

Theodoros Terzopoulos’ neuestes Stück „Encore“ in Athen

Eros und Thanatos

Dienstagmorgen in Berlin, ein eisiger Wind pfeift über den Alexanderplatz. Dort haben sich schon einige Hundert Menschen versammelt, sie tragen bunte Westen, in den Händen halten sie Transparente und Schilder aus Pappe, die mit politischen Forderungen beschriftet sind. Es sind vor allem die Erzieher und Lehrer, die sich hier versammelt haben, sie befinden sich im Streik. Sie formieren sich zu Gruppen, vereinzelt stimmen sie Sprechchöre an. Der öffentliche Raum ist...

Editorial

Die Postdramatik hat gesiegt. Ihre Impresarios wurden zu Intendanten großer Häuser, kürzlich noch erfolgreiche Dramatiker emigrierten in die Epik oder flohen zum Fernsehen, ja, die Jury des Theatertreffens verwies 2016 stolz darauf, dass kein einziges zeitgenössisches Drama mehr Grundlage einer eingeladenen Inszenierung gewesen sei. Wenn also, in trotzigem Optimismus, ein Symposium die „Zukunft des Dramas“ zu erörtern verspricht, zeigen dessen Veranstalter Haltung und bringen sich bewusst in Stellung gegen die Attacken der Postdramatik, die auch Angriffe der Gegenwart auf die übrige Zeit, auf Utopie und Überlieferung sind. Nicht allein die selbstbewusste Ankündigung der dreitägigen Veranstaltung, die jetzt im Brecht-Haus in Berlin-Mitte stattfand, auch dessen hochkarätige Besetzung zeigten, dass die wie zementiert anmutenden Gewissheiten der letzten Jahre jäh in Bewegung geraten sind und sich im postdramatischen Beton erste, wenn auch zarte Risse zeigen. Mit Wolfgang Engler, der den Begriff des Authentischen problematisiert, und Bernd Stegemann, der den scheinbaren Avantgardismus als neoliberale Staatskunst entlarvt hat, sind zwei exponierte Gegner der Postdramatik unter den Teilnehmern. Und es ist nur folgerichtig, dass die Gegenbewegung von der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ ausgeht, wo Engler wie Stegemann lehren, denn eine weiter fortschreitende Auflösung mimetischer Spielvereinbarungen entzöge dem Spiel den Boden und jeder klassischen Schauspielausbildung die...

Ein Symposium im Brecht-Haus in Berlin erörtert die „Zukunft des Dramas“

Risse in der Mauer der Postdramatik

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Was für Energien doch aus diesem schmalen Leib hervorbrechen! Gleich in ihrer ersten Spielzeit am Theater Chemnitz vor drei Jahren schaute man ebenso verblüfft wie fasziniert auf ihre Frau Elvsted in „Hedda Gabler“ (Regie Bogdan Koca). Während Hedda in ihrer eigenen Welt lebt, ohne Teilnahme an anderen, drängt mit unerhörter Seelenstärke diese Nebenfigur, mit der keiner rechnet, nach vorne – wie aus einer dunklen Nebenstraße auf einen hell erleuchteten Boulevard. Und sofort dämmert auf diesem Boulevard die Drohung. Maria Schubert und die stille Intensität, die auch laut werden kann – aber nie die Stille zurücklässt. Inzwischen hat sie ein ganzes Spektrum seelischer Zustände in ihrem Spiel sichtbar gemacht. Und mehr noch: diese Zustände zugleich reflektiert. Ihre bislang wichtigste Rolle war wohl Jeanne d’Arc in Jean Anouilhs „Jeanne oder Die Lerche“ (Regie Bogdan Koca). Da spielte sie ein Bauernmädchen, das während des Hundertjährigen Krieges dem bereits demoralisierten französischen Heer neuen Siegesglauben einhauchte. Eine Heilige, die schließlich als Ketzerin verbrannt wird. Welch Passionsgeschichte! Ist diese Jeanne stark aus sich selbst heraus, oder weiß sie einen göttlichen Auftrag in sich, der ihr erst die Größe gibt? Maria Schubert, 1984 in Halberstadt geboren und Absolventin des Europäischen Theaterinstituts in Berlin, ahnt, wohin die Frage...

In der Entfesselung ganz bei sich – die Schauspielerin Maria Schubert zeigt die Ambivalenzen großer Figuren

Kalter Rausch

Der Materialergründer

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Personen: Paige, Dee Die Bühne ist geteilt. Das Innere eines Badezimmers und der Flur davor. Gehobene Ausstattung im Bad. Metro-Fliesen. Teure Armaturen. Teure Handtücher. Maßgefertigter Duschvorhang. Paige sitzt auf der Toilette. Also, auf der Toilette. Wie auf einem Stuhl. Bei geschlossenem Deckel. Scrollt durch ihr Handy. Instagram? Twitter? Dee, zum Ausgehen ganz in Klamotten von LA Casual, klopft vom Flur aus an die Tür. Wartet. Klopft noch mal. Dee Sweetie? Alles okay? Paige Mmm-hmm. Dee Du bist schon eine ganze Stunde da drin – Paige Alles bestens. Dee Soll ich das Taxi rufen? Paige Gib mir noch fünf Minuten. Dee geht von der Tür weg. Überlegt. Klopft noch mal. Dee Baby, wir dürfen uns nicht verspäten. Paige scrollt weiter durch ihr Telefon. Hörst du mich? Paige Ich brauche nur ein bisschen Privatsphäre! Dee Aber geduscht hast du. Ja? Und es wäre sicher gut, ein bisschen mehr Make-up aufzulegen als sonst, HD-Kameras und so weiter. Paige Ich geh nicht hin. Dee will die Tür öffnen, sie ist abgeschlossen. Dee Paige. Komm schon, mach auf, wir können das besprechen. Paige Wir treffen uns nachher. Auf der Party. Lass meine Karten zurücklegen. Dee Honey. Wir haben das entschieden. Wir outen uns und kommen...

Aus dem Amerikanischen von Barbara Christ

Privatsphäre (Privacy)

Mein ganzes System zielt auf eine Metamorphose Der griechische Regisseur Theodoros Terzopoulos über seine Schauspielmethode im Gespräch mit Torsten Israel Theodoros Terzopoulos, Sie beschäftigen sich seit Langem systematisch mit der Ausbildung von Schauspielern und haben dazu eine individuelle Methode entwickelt, wie in der Vergangenheit etwa Stanislawski, Meyerhold und Grotowski. Warum? Das war ursprünglich gar nicht meine Absicht. Im Gegenteil: Begriffe wie „System“ oder „Methode“ machten mir Angst. Ich hatte das...

Mein ganzes System zielt auf eine Metamorphose (Langfassung). 

Personen: A, B, C, D Diese Szene spielt im möglichst originalgetreuen Setting der Serie „The Big Bang Theory“. Auch der Bewegungsablauf wird aus der Serie abgeleitet: Die Darsteller A, B und C kommen mit Essen-to-go- Kartons herein und verteilen sich auf die Plätze (Sofa, Sessel, Boden) rund um den Couchtisch. Die Kartons werden abgestellt und verteilt, jedoch nicht geöffnet. Es wird nicht gegessen. Man tauscht eventuell noch einmal die Plätze, weil einer der Darsteller doch lieber unbedingt woanders sitzen will. Weil die Darsteller so vehement sprechen müssen, kommen sie nicht dazu ihre Kartons zu öffnen. Das Sprechtempo ist etwas schneller als gewohnt. Das Geschlecht der Darsteller ist egal. Die Darsteller sprechen nicht miteinander, ihre Blickrichtung wird von imaginären Kameras, von denen es circa drei gibt, bestimmt. A (im Hereinkommen) Nach dem Frühstück frage ich erst mal, was ich heute so vorhabe, und du sagst mir, nach was es so aussieht, nach was sieht es denn aus, was werde ich denn heute? B Es sieht ganz so aus, als würdest du heute noch zum Arzt gehen wie jeden Freitag und dann den Rest des Tages in deinem Zimmer. A (man stellt die Kartons auf dem Couchtisch ab) Och nein! Ich...

Pläne

Kompositionsprinzip Collage

Seit gut 2500 Jahren steht bei Sophokles: Als Ödipus vom delphischen Orakel zu hören bekam, dass er sich „mit der Mutter vermischen müsse“, geriet er in Panik. „Und ich, als ich das gehört hatte, floh dorthin, wo ich niemals die Schandtaten, die mir das furchtbare Orakel vorhersagte, erfüllt sähe“, gibt der unglückliche Tragödienheld zu Protokoll. Vielleicht hätte Ödipus in Delphi aber besser zweimal hingehört, anstatt in kopfloser Angst eine Entscheidung zu fällen, die dann zu den bekannten Ergebnissen führte. Oder auch dreimal. Der in altphilologischen Fragen überaus versierte Rechtshistoriker Egon Flaig hat es vor einigen Jahren im Detail untersucht: So wie er von Sophokles’ Ödipus wiedergegeben wird, kann der berühmte Spruch der delphischen Pythia tatsächlich auf drei verschiedene Weisen verstanden werden. Und jene Bedeutungsmöglichkeit, die Ödipus sich wählte, ist nicht unbedingt die wichtigste. Denn „sich mit der Mutter vermischen“ kann im altgriechischen Original zwar natürlich den inzestuösen Verkehr mit der leiblichen Mutter bezeichnen, den Ödipus so fürchtet. Es kann im Wortlaut aber auch bedeuten: „die Herrschaft in der eigenen Mutterstadt übernehmen“ – was Ödipus, der schon bald nach seiner Orakelvisite den thebanischen Thron besteigt, unwissentlich auch tun wird. Vor allem aber kann die Wortkette schlicht und ergreifend meinen, dass man...

Zur Aktualität des Chors im Theater

Rückkehr zum Dreiweg

Bernd Freytag, Chor ist ein Begriff, dessen Bedeutung einige Wandlungen durchlief – dessen Grundbedeutung aber bis heute erkennbar geblieben ist. In der Antike war der Chor ein Tanzplatz als Teil einer kultischen Handlung. Dann teilen sich die Bedeutungsebenen. Im antiken Theater wird der Chor zum Kommentator, durch den die Götter indirekt Anteil am Geschehen haben: ein bewusstes Stilmittel von Autoren wie Sophokles oder Aischylos. Im Christentum bleibt Chor ein religiöser Begriff, wenn auch in gewandelter Bedeutung. Chor heißt in der christlichen Kirche der Raum vor dem Altar – er wird sowohl vom Priester als auch von den Laien betreten, bleibt jedoch ein herausgehobener Ort, und das, was hier an Begegnung geschieht, hat eine besondere geistige, zugleich sakrale wie auch profane Bedeutung. Das ist, wenn man so will, die Vorform dessen, was die säkulare Gesellschaft jenen öffentlichen Raum nennt, über dessen Kultivierungsgrad wir uns immer wieder neu befragen müssen. Ist das zu vieles und zu viel Verschiedenes, was sich mit dem Chor verbindet? Nein, durchaus nicht. Die Landschaft spiegelt die Arbeit des Chors, eine, so muss man wohl annehmen, vernichtende Arbeit. Ist also diese Vernichtungsarbeit dem Chor eingeschrieben? Chor ist hier als Vertreter von Menschheit gesetzt, als Menschheitschor. Kann der...

Der Chor als Kultus von der Antike über Einar Schleef bis zu Volker Lösch – Chorleiter Bernd Freytag im Gespräch mit Gunnar Decker

Das Charisma der Stigmatisierten

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Personen: Casey, Amy Der Vorhang geht auf. Im Garten eines gehobenen Vorstadthauses. Casey und Amy – beide berufstätige Frauen, dreißig plus – sitzen an einem Terrassentisch und trinken Wein. Casey ist mitten in einer Geschichte. Casey Wir sehen gerade fern, da klingelt es und John steht auf und geht zur Tür und da ist er, unser verrückter Nachbar – Dr. Pierce von nebenan. Amy Er war auf seiner Veranda, als ich gekommen bin. Hat mich total finster angestarrt – Casey Er ist Rentner und hat nichts zu tun, also sitzt er da draußen, den ganzen Tag und überwacht die Leute. Er brüllt jeden an, der seine Mülltonne nicht reinholt. Spinner. Aber egal – jedenfalls hat er so einen toten Ast dabei. Und er erzählt uns, ein Hund hätte seine Buchsbaumsträucher angepinkelt und er hätte „Grund zu der Annahme“, dass es Roscoe war. Und John so: „Das war nicht Roscoe, Roscoe verlässt nämlich nie unser Grundstück. Wir haben einen unsichtbaren Zaun.“ Amy Funktionieren die Dinger? Casey Total. John arbeitet als Vertreter für die Herstellerfirma. Unserer ist der stärkste, den sie im Programm haben. Roscoe erschrickt zu Tode, wenn er ihm zu nahe kommt. Roscoe hasst ihn. Aber egal – jedenfalls sagt...

Das innerste Heiligtum (Inner Sanctum)

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Theodoros Terzopoulos, Sie beschäftigen sich seit Langem systematisch mit der Ausbildung von Schauspielern und haben dazu eine individuelle Methode entwickelt, wie in der Vergangenheit etwa Stanislawski, Meyerhold und Grotowski. Warum? Angefangen hat alles mit den Proben zu meiner ersten Inszenierung der „Bakchen“ von Euripides vor etwa dreißig Jahren. Man kann dieses Stück nicht aufführen, ohne sich dem Phänomen der Ekstase zu stellen. Bei uns hat die Probenarbeit dann auch extreme Formen angenommen. Wir haben zum Beispiel viel in der Nacht probiert, sind in die Berge gegangen oder ans Meer, obwohl Winter war. Und wir haben uns mit den verschiedensten Ritualen beschäftigt, mit bestimmten Überresten dionysischer Kulte, die es in Nordgriechenland noch gibt, auch mit afrikanischen und asiatischen Traditionen. Eine Übung bestand darin, im Kreis zu gehen und dabei fest aufzustampfen, mit der ganzen Fußsohle. Dadurch wird der Blutkreislauf mit der Zeit so sehr stimuliert, dass sich der Körper von innen her zu öffnen scheint und das Bedürfnis entwickelt, sich im Raum zu entfalten. Das war schon eine ungeheure Erfahrung. Vom konventionellen, realistischen oder psychologischen Theater habe ich mich damals für immer verabschiedet. Mir geht es vor allem um den inneren Körper. Was meinen Sie damit? Die Übungen, die ich entwickelt...

Der griechische Regisseur Theodoros Terzopoulos über seine Schauspielmethode im Gespräch mit Torsten Israel

Mein ganzes System zielt auf eine Metamorphose

Es müssen Köpfe rollen

„Work hard, play hard?“

Französische Dystopia-Wochen am ETA Hoffmann Theater: Auf der großen Bühne läuft Michel Houellebecqs „Unterwerfung“, im Saal Joël Pommerats „La Révolution #1 – Wir schaffen das schon“. In Bamberg, der Stadt des Hörnchens, nimmt man sich also des Croissants und dessen Interpretation weltlicher Verbiegungen an. Niklas Ritter, zuvor in Potsdam und Bern tätig, inszeniert mit Pommerats Stück über Umsturz, Demokratie und Autorität seine zweite Arbeit in der fränkischen Mittelstadt. „La Révolution“ soll, obwohl die Zeit unmittelbar vor dem Sturm auf die Bastille als Vorlage dient, kein Historienstück, aber auch nicht ahistorisch sein. Dass man bei diesem Vorhaben keinem Drei-Stunden-Gewitter aus drögen Politphrasen ausgesetzt wird, grenzt nur scheinbar an ein Wunder, ist aber vielmehr eine meisterliche Leistung von Regie und Dramaturgie. Zu Beginn des Stücks erklärt sich das dreistöckige Bühnenbild wie von selbst, denn in jeweiliger Etage agieren die Vertreter des zugehörigen Standes. Pyramidenhaft, sich nach oben verschmälernd, wird angedeutet, dass wenige über viele regieren, die Macht superexponentiell umgekehrt proportional zur Personenstärke der Herrschergruppe steht. Dass dieser balkonartige Aufbau nicht von ungefähr an ein Puppenspiel erinnert, beweist sich, als Adel und Klerus als halbmenschliche Puppen-Chimären auftreten. Ihr vollends kretinöses Dasein zeigt sich nicht nur durch die intrigante und egomanische Weise, am leidenden...

ETA Hoffmann Theater: „La Révolution #1 – Wir schaffen das schon“ (DSE) von Joël Pommerat. Regie Niklas Ritter, Ausstattung Karoline Bierner

Bamberg: Es riecht nach Mord und Mob

Personen: Laura, Gordon Laura Taschen ausleeren. (Gordon leert seine Taschen aus.) Gordon … Laura Ihre Frau ist nett. Gordon Danke. Laura Hatte sie mal eine Affäre. Gordon Weiß ich nicht. Laura Wissen Sie nicht? Gordon Ich glaube nicht. Laura Haben Sie das mal überprüfen lassen? Gordon … Laura … Gordon Ich hatte nie das Bedürfnis, meine Frau zu überprüfen. Laura (schreibt) „Ich hatte nie das Bedürfnis, meine Frau zu überprüfen.“ Gordon Was machen Sie da? Laura Notizen. Gordon Warum? Laura Zur Dokumentation. Gordon Wir werden doch gefilmt. Laura Ich weiß. Aber manches dokumentieren wir gern nachhaltiger. Gordon Was denn? Laura Das, was an Ihren Worten und Taten am meisten über Sie verrät. Gordon …? Laura Wenn Ihr Panzer verrutscht. Gordon Wie beurteilen Sie, wann mein Panzer verrutscht ist? Laura Nur so ein Gefühl. Nichts Ominöses. Ein Glöckchen … ein ganz helles Glöckchen … bing. „Jetzt hat er sich verraten.“ Denken wir. „Das ist er.“ Also schreiben wir’s auf. Für die Dokumentation. Gordon Ich – Laura – was–? Gordon – glaube nicht, dass das, was ich gesagt habe, so – Laura – so? – Gordon – Es ist nicht – es ist – Laura – Was? Gordon Es ist nicht besonders...

Aus dem Englischen von Barbara Christ

Taschen ausleeren (Empty Your Pockets)

Der genetische Code Amerikas

Der Atem des Raumes

Herr Eckstein, dass sich 16 Autorinnen und Autoren sowie Theaterleute in verschiedensten Ländern mit dem Thema „Privacy“ beschäftigt haben, verdankt sich einer Idee von Ihnen. Wie ist es dazu gekommen? Woher stammt Ihre Faszination für diesen Themenkomplex? Die 16 Theaterstücke sind der praktisch-künstlerische Kern des „Plurality of Privacy Project“. Nach den Enthüllungen durch Edward Snowden, der Spionageaffäre um das Telefon der Bundeskanzlerin und den Anhörungen im NSA-Untersuchungsausschuss des Bundestags machte sich die Erkenntnis breit, dass der Schutz der Privatsphäre zwar ein weltweit verbrieftes Gut ist, dass aber unsere Auffassungen, was Privatsphäre ist, von regional spezifischen Gewohnheiten bestimmt werden. Was Privates von Öffentlichem unterscheidet, wann Gemeinschaft, Staat oder andere Akteure Einfluss darauf ausüben, ist kulturspezifisch. Da fließen Vorstellungen von Gerechtigkeit, vom Verhältnis des Einzelnen zur Gesellschaft und vieles mehr ein. Gemeinsam mit dem Verfassungsrechtler Russell Miller haben wir das Projekt zunächst als internationalen Rechtsvergleich angelegt. Daraus ging sein Sammelband mit dreißig Beiträgen zum Thema „Privacy and Power: A Transatlantic Dialogue in the Shadow of the NSA-Affair“ (Cambridge University Press 2017) hervor. Im zweiten Schritt haben wir dann aus dem politischen Projekt eine kulturelle Frage abgeleitet. Zusammen mit der Theaterkuratorin Gillian Drake und dem Politologen und Schriftsteller John Feffer entwickelten wir die...

Wilfried Eckstein, ehemaliger Leiter des Goethe-Instituts Washington, über die transatlantische Stückwerkstatt „P3M5 – Plurality of Privacy Project in Five-Minute Plays“ im Gespräch mit Karla Mäder

Privatsache?

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Ende des vergangenen Jahres rückte die ehemalige Residenzstadt Altenburg in den Fokus der Öffentlichkeit. Ausschlaggebend dafür waren die Kündigungen an dem mit Gera fusionierten Landestheater. Vier Ensemblemitglieder verschiedenster Nationalitäten hatten sich entschlossen, ihre Verträge nicht zu verlängern. Sie werden das Theater Altenburg-Gera mit Ende der Spielzeit 2016/17 verlassen. Die Leipziger Volkszeitung berichtete von „rassistischen Anfeindungen“, ausländische Künstler stießen im Alltag auf „Ablehnungen, Vorbehalte und Aggressionen“. In einem offenen Brief der Geschäftsleitung der Theater und Philharmonie Thüringen GmbH hieß es, dass eine Toleranzgrenze überschritten sei. In Altenburg scheint sich das Klischee der tristen Kleinstadt auf den ersten Blick zu bewahrheiten. Die Stadt verlor nach der Wende mehr als ein Drittel ihrer Bewohner. Neuzugänge sind eher eine Ausnahme, die Stadt hat für junge Menschen wenig zu bieten. Auf den schmalen Straßen fahren tiefergelegte Autos, in der Altstadt findet ein schlecht besuchter Wochenmarkt statt, am Bahnhof hängen ein paar Dorfpunks rum. Am Fuße des Schlosses inmitten leer stehender Geschäftsruinen befindet sich das Theater. „Herzlich willkommen im internationalen Theater Altenburg!“, grüßt Schauspieldirektor Bernhard Stengele, der mit dem Ende der Spielzeit 2016/17 nach fünf Jahren Amtszeit das Haus ebenfalls verlassen wird. Was schade ist, entwickelte sich das Theater unter seiner Mitarbeit doch zu einem Ort,...

Das Theater Altenburg-Gera kämpft für Vielfalt – und gegen die Fremdenfeindlichkeit in den thüringischen Städten

Jenseits der Komfortzone

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Sie tötete ihre beiden Söhne, weil es auch Jasons Söhne waren. Rache, das ist ihr, der Zauberin aus Kolchis, geblieben, war ihr übermächtiger Antrieb. Mit Rache konterte sie Jasons Verrat. Echte Barbarenart? Christa Wolf schrieb in „Medea. Stimmen“ gegen das Klischee an. Wer ist diese „wilde Frau“? Auf die vorherrschende Lesart der „Kindsmörderin“ will sie sich nicht einlassen. Mit diesem Wort versteht man nichts, es schließt die Geschichte von Medea und Jason nicht auf, markiert bloß deren Endpunkt, ist ein Spiegel letzter Ausweglosigkeit. Doch welche Wege führten dorthin? Mario Holetzeck erprobt in seiner letzten großen Inszenierung am Staatstheater Cottbus – nach acht erfolgreichen Jahren als Regisseur und Schauspieldirektor – mehrere Sichten auf Medea. Er nimmt dazu den Text des mit „Schlachten!“ berühmt gewordenen belgischen Autors Tom Lanoye „Mamma Medea“. Prägend für das Spiel: ein weißer Raum (Bühne Gundula Martin), Symbol des Todes. Bühnenrechtecke bewegen sich auf unheilvolle Weise vor und zurück. Der Tod ist die auf die Spitze getriebene Fremdheit: Verwandlung dessen, was eben noch das Eigene war, in ein Nichts. In diesen Anfangsminuten blendet das Licht immer wieder ab, der weiße Raum taucht ab ins Schwarz. Hierin zeigt sich bereits Mario Holetzecks dynamischer Regiestil. Er agiert wie ein Filmregisseur...

Staatstheater Cottbus: „Mamma Medea“ von Tom Lanoye. Regie Mario Holetzeck, Bühne Gundula Martin, Kostüme Susanne Suhr

Cottbus: Für immer fremd

Personen: Zivil, Dummchen, Saufbruder, Hohlkopf, Foodporner, Anonym, Voyeur, Mutter, Martin, Petra, Vašek Anmerkung der Autorin: Die Texte sind absichtlich oft mit Tippfehlern oder mit diversen spezifischen Zeichen versehen und verwenden Emoticons, da sie in einigen Fällen direkt aus Facebook kopiert sind oder diesen Eindruck vermitteln sollten. Die Schauspieler sitzen zwischen den Zuschauern. Eine Schauspielerin steht auf und tritt vor die Menschen. Zivil Tereza Volánková, arbeite als Prinzessin in der Gesellschaft 11:55. Vor drei Tagen habe ich auf Facebook die Veranstaltung Internationales Projekt P3M5 gepostet, dort wurden Freunde eingeladen, Freunde der Freunde und Menschen, die die Seite der Gruppe 11:55 liken. Die Veranstaltung startet gerade jetzt. (Sie nimmt ihr Telefon heraus und fängt mit dem letzten Wort an, das Publikum zu filmen.) Aus dem Publikum sprechen weitere Schauspieler. Dummchen Gefällt mir. Saufbruder Hofman Jan, Firmenchef selbständig. In dem heutigen digitalen Zeitalter schaffe ich es, meine private Zeit perfekt zu regulieren. Genauso wie in jedem anderen Zeitalter. Nur dass ich dazu andere Mittel verwende. (öffnet eine Bierdose) Hohlkopf Vašek Marhold, habe 650 Freunde. Also hört mal zu. Facebook – das meist verbreitete soziale Netzwerk – versucht das echte menschliche Leben so treu wie möglich nachzuahmen. Die Absurdität tritt dann ein, wenn ma...

Aus dem Tschechischen von Barbora Schnelle

Absolut online (Absolutne online)

Gegen die Vereinzelung

Am Anfang war die Beleuchtungsprobe. Licht an, Licht aus, Tag und Nacht – geht doch! So schöpft man Mut zu weiteren Taten: Gott, der am Anfang des Alten Testaments die Welt schuf und die Beleuchtungstechniker auf der Bühne auch. Jemand kommt mit einer Fuhre Holzkreuze auf dem Rücken – wohin soll das? Gute Frage – Alejandro Quintana, der 1973 aus Chile in die DDR ins Exil kam (und in Rostock erste Theatererfahrungen sammelte) hält beide Stränge des Geschehens die folgenden fast vier Stunden präsent. Es gibt die Bühne immer zweifach: für den Weltschöpfer und für uns, die – im besten Falle – Selbstschöpfer. Welch ein Wahnsinn, die Bibel an einem Abend spielen zu wollen! Dieses Buch der Bücher ist sich selbst genug Bühne. Es bleiben vierzig Szenen mit zwanzig Akteuren, das ist für ein so kleines Theater ein großer Anspruch. Aber auch ein großer Theaterabend? Die Stückfassung des Schweden Niklas Rådström (übersetzt von Intendant Steffen Mensching persönlich) kommt hier zur deutschsprachigen Erstaufführung. Eine Kurzfassung der biblischen Menschwerdungsgeschichte? Der Bilderbogen ist unvermeidlich, auch, dass im Folgenden mehr bebildert wird, als Bildschöpfung betrieben werden kann. Interessant wird der Zugang zu jenem „Mischmasch aus Irrtum und Gewalt“, als den Marx den menschlichen Fortschritt...

Theater Rudolstadt: „Die Bibel“ (DSE) von Niklas Rådström. Regie Alejandro Quintana, Ausstattung Mathias Werner

Rudolstadt: Januskopf der Emanzipationsgeschichte

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Das hier ist eine Ausfallkolumne, wie es derzeit so viele gibt. Alle schreiben sie etwas anderes, um nicht ständig zu schreiben: Wann hört das endlich auf? Aber es hört nicht auf, dieser Mann macht weiter, diese Newsportale machen weiter, diese Kriege machen weiter, die Krisen machen weiter. Ich muss allerdings zugeben, ich hatte tatsächlich gehofft, an dieser Stelle über die Genese des neuen Dramas zu schreiben, die Berliner Konferenz zur Zukunft des Dramas wäre ein wunderbarer Kolumnenansatz gewesen, mit Sicherheit hoffnungsfroh und kontrovers, vermutlich genauso wie die Konferenz zu Ensemblekollektivfragen in der Akademie der Künste, die Arbeitsorganisation, Mitbestimmung und Enthierarchisierung im Stadttheater thematisierte – ja, es ist was los im Moment –, und dann kam dieser Streckenabschnitt meines Lebens, der komplett ausfiel und mit Influenza nicht ganz korrekt bezeichnet werden kann. Dunkelheit in jedem Fall. Davon aufgewacht, reibe ich mir die Augen und sehe … nichts Unerwartetes: Es gibt derzeit nur noch eine Himmelsrichtung, und die heißt Donald Trump. Das ist dieser Mann, der vor dem oder in dem Fernseher sitzt und jeden Tag Dekrete erlässt, und alle sehen zu, und seine Regierung zerfällt dabei ein wenig. Was macht er heute wieder? Spricht er jemals mit jemandem? Jegliche Spekulation reiht...

Nachrichten aus dem Infektionsgeschehen

Der Ausfall

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Eines Morgens sah ich in der U-Bahn einen Mann in einem Bademantel. Mit bewundernswerter Präsenz stand er in einem Waggon der Linie U1 und nahm von den Umstehenden keinerlei Notiz, diese von ihm dafür umso mehr. Als wir auf halber Strecke zwischen Görlitzer Bahnhof und Kottbusser Tor waren, rief er plötzlich mit sonorer Stimme durch den Waggon: „Kottbusser Tor, Übergang zur U8.“ Dit is also Berlin, dachte ich im Stillen, ohne zu ahnen, dass ich soeben zur Komplizin einer im Entstehen befindlichen Utopie geworden war. Denn, klar, Utopien – wer hat die heute schon noch? „Ich“, sagt Torsten Holzapfel und windet sich durch ein Wirrwarr an Seilen, die er mit seinem Performance-Kollegen Martin Clausen im Studio des Theater Thikwa gespannt hat. „Ich habe eine Utopie: Wenn die Menschen mal vernünftig werden und das Geld nicht mehr für Vernichtung, Krieg und Waffen ausgeben, dann könnte man eine Welt-U-Bahn bauen. Die gläserne Atlantik-U-Bahn, in der alle Völker der Welt friedlich U-Bahn fahren.“ Eine erste Skizze, das Netz aus Seilen, sehen wir hier. „Ist das denn Kunst?“, fragt Martin Clausen. „Das ist unterschiedlich“, antwortet Torsten Holzapfel. Einige sehen darin nur Wäscheleinen. Andere denken, das sei Kunst. Ich sitze Gerd Hartmann gegenüber, dem Wäscheleinen-Arrangeur...

Das Theater Thikwa in Berlin wird 25

Ausweitung der Kunstzone

Die Schweizerische Eidgenossenschaft und die Volksrepublik China verbindet eine lange Geschichte. Vier Tage nach der Gründung der VR China durch Mao Tse-tung als Resultat des Siegs der Kommunisten im Bürgerkrieg erreichte ein Brief aus Peking die Schweizer Botschaft in Nanking – mit der Bitte um diplomatische Anerkennung. Und tatsächlich war die Schweiz das erste Land im Westen, welches die junge Volksrepublik anerkannte und am 17. Januar 1950, durch den damaligen Bundespräsidenten Max Petitpierre, die Aufnahme diplomatischer Beziehungen verkündete. Man bezog sich unter anderem auf die schon lang anhaltenden Handelsbeziehungen zwischen der Schweiz und China. Ähnlich formulierte es Xi Jinping, Generalsekretär der Kommunistischen Partei Chinas, Staatspräsident der Volksrepublik China und Vorsitzender der Zentralen Militärkommission, in einem Gastbeitrag für die Neue Zürcher Zeitung: „Die Kontakte und die Zusammenarbeit zwischen China und der Schweiz reichen weit zurück. Schon zu Beginn des letzten Jahrhunderts wurden Schweizer Uhren, Pharmazeutika, Textilien und Maschinen ins ferne China exportiert, und auch schweizerische Banken und Versicherungen nahmen in China ihre Geschäfte auf.“ Xi Jinping weilte Mitte Januar mit einer Delegation beim Weltwirtschaftsforum in der Schweiz, just zu der Zeit, als in Solothurn Benjamin Lauterbachs Stück „Der Chinese“ Erstaufführung in der Eidgenossenschaft feierte. Am bis 2014 generalsanierten Theater in...

Theater Orchester Biel Solothurn: „Der Chinese“ (SEA) von Benjamin Lauterbach. Regie Max Merker, Ausstattung Sara Giancane

Solothurn: Erschreckende Alpengroteske

Alles fließt

Meldungen

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Szene eins. Ein Mann vor einem Computer. Name? Henry. Status? Sehr gut. Upgrade? Möglich. Doch noch heißt es warten. Der Mann klickt hier und klickt da, checkt die Einstellungen seines Headsets, scrollt rauf und scrollt runter. „About me“, steht auf der Seite, weiter oben: „Brand New Father“, darunter ein Foto von einem jungen, glücklichen Paar. Plötzlich zuckt der Mann zusammen. „Oh, hey“, ruft Henry ins Headset und schaut gleichzeitig ungläubig drein. „Ist da jetzt ein Mensch?“ In der Leitung? „Ja?!“ Szene zwei. Ein Raum voller Menschen. Es ist dunkel. Und still. Nur hier und da scharren Füße über den Boden, fällt raschelnd ein Stück Papier. Irgendwer gibt ein Zeichen, und ein Klicken geht durch den Raum. Zwanzig Leselampen springen an und bilden Inseln aus schummrigem Licht. An den Tischen sitzen Jugendliche und ihre Zuhörer drum herum. Leise beginnen sie zu lesen. Nicht jeder ist zu verstehen. Auf Deutsch, Arabisch und Farsi erzählen sie ihre Geschichten. Andere hören zu und rücken neugierig näher heran. „Wenn Beschleunigung das Problem ist, dann ist Resonanz vielleicht die Lösung.“ So beschreibt der Soziologe Hartmut Rosa in seiner jüngsten Studie „Resonanz“ das Kernproblem unserer modernen Welt. Ein Satz, der als Motto auch über dem Dramatiker |...

Über das Dramatiker | innenfestival in Graz und die transatlantische Dramenwerkstatt „P3M5 – Plurality of Privacy Project in Five-Minute Plays“

Ist da ein Mensch?

Personen: 1942. 2017 Anmerkung des Autors: Die Geschichte beruht auf den Erlebnissen japanisch-stämmiger US-Amerikanerinnen und -Amerikaner in Internierungs- und Sammellagern während des Zweiten Weltkriegs. Zwei junge Frauen treten auf und blicken ins Publikum. Auf dem Videoscreen über der einen Figur erscheint eine Zahl: 1942. Über der anderen wird projiziert: 2017. Beide sind ungefähr siebzehn, hübsch, wirken normal. 1942 ist japanisch-stämmige US-Amerikanerin und trägt Kleidung im Stil der frühen Vierziger. 2017 ist US-Amerikanerin gemischter, auch japanischer, Abstammung und trägt Kleidung von heute. 1942 Wir wohnen alle ein Zimmer. Leere Militärkaserne. Papa, Mama, mein Bruder, meine kleine Schwester und ich. Die Wände zwischen den Zimmern sind dünn wie Papier. Hört man alles. Leute beim Streiten. Babys schreien. Paare beim Sex. Und Familie Ando, drei Zimmer weiter, man hört Mrs Ando weinen, weil Mr Ando sie schlägt. Alle hören alles. Alle wissen, was alle anderen tun. Was alle anderen beschämt. 2017 Ich mache das hier für meine Großmutter japanischerseits. Wir haben denselben Vornamen. Tomoko. Ich erweise meiner Obaachan nämlich Respekt, wenn ich mich mit ihrer Geschichte befasse. Mir reinziehe, was sie erlebt hat. Andere Zeit, und trotzdem ein gemeinsamer Raum. Vielleicht sind wir gar nicht so verschieden. 2017 posiert vor dem Internierungslager Rohwer...

#CAMPTULELAKE

Spielpläne ringen um mehr Frauenstimmen, ist doch der klassische Dramenkanon sehr von männlichen Perspektiven geprägt. Sensibilität dafür gibt es vor allem an Häusern, die von Frauen geleitet werden, zum Beispiel am Burgtheater. Direktorin Karin Bergmann und ihr Dramaturgenteam haben ein Projekt aus der Taufe gehoben, das die Frauenquote schlagartig in die Höhe schnellen lässt: Fünf Autorinnen wurden beauftragt, Monologe für Frauenfiguren zu schreiben. Barbara Frey übernahm die Regie. Ein verheißungsvolles Vorhaben, doch die Arbeit im Akademietheater ging nicht richtig auf. Es blieb bei einer Kette von Texten, die zueinander wenig Bezug suchten und fanden. Der Abend heißt „Ein europäisches Abendmahl“, aber so gemeinschaftlich, wie der Titel annehmen lässt, wird es nicht. Die fünf quer durch die Länder Europas ausgewählten Autorinnen arbeiteten unabhängig voneinander, was zu ganz autonomen Texten führte, die nicht wirklich miteinander kommunizieren, die eigentlich nur höflich nebeneinanderstehen können. Mehr dramaturgische Stütze hätte da sicher gutgetan, um ein integrativeres Texttableau zu erhalten. Die in Berlin lebende Ungarin Terézia Mora lässt eine ältere Frau namens Mari (Kirsten Dene) zu Wort kommen, welche sich als ehedem Zugewanderte im „Westen“ ein schönes Leben aufbauen konnte, aber nun angesichts der neuen Immigrationswelle resigniert und die Bettler am Supermarkteingang gleichmütig-distanziert wahrnimmt. Elfriede Jelinek lieferte...

Burgtheater: „Ein europäisches Abendmahl“ von Jenny Erpenbeck, Nino Haratischwili, Elfriede Jelinek, Terézia Mora und Sofi Oksanen. Regie Barbara Frey, Bühne Martin Zehetgruber, Kostüme Esther Geremus

Wien: Nebel über Europa

Personen: M, F Ein Garagenverkauf. Verschiedene Schachteln mit alten Dingen, daneben auch Haushaltsgeräte, ein Fahrrad, Fotoalben, ein paar Gemälde, eine Uhr. Eine Frau (F) nähert sich einer Schachtel voller T-Shirts und wühlt darin. Ein junger Mann (M) steht als Verkäufer bereit. Die Frau faltet ein T-Shirt auf. Auf ihm befindet sich ein Schriftzug: HI, ICH BIN HERBERT LEITGEB ICH KANN NICHT SPRECHEN ICH HABE VIELLEICHT ANGST UND MÖCHTE NACH HAUSE MEINE ADRESSE IST: Sie dreht das T-Shirt um. Da steht die Adresse. Dazu eine Telefonnummer und sogar ein schon etwas abgewetztes, aber immer noch erkennbares Foto, das einen alten weißhaarigen Mann zeigt, der lacht. Die Frau hält das T-Shirt fragend in die Höhe. Der junge Mann kommt näher. M Dieses hier? F Ich wollte nur fragen. Was bedeutet das? M Das gehörte meinem Großvater. Wir ziehen von hier fort, deshalb lösen wir den Haushalt auf. Besser ohne Ballast umziehen. F Aber warum ist er auf dem T-Shirt? M Naja. Die letzten Jahre waren schwer für ihn. Er wollte oft nach Hause, dabei war er zuhause. Ist eines der Symptome. F Demenz? M Ja. Die letzten Jahre waren wirklich schwer. Aber er hat das T-Shirt gern getragen. Es hat ihn so...

Leitgeb

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Pjotr Pawlenski: Der bürokratische Krampf und die neue Ökonomie politischer Kunst. Herausgegeben und mit einem Nachwort versehen von Wladimir Velminski, Merve Verlag, Berlin 2016, 128 S., 12,00 EUR. Pjotr Pawlenski / Wladimir Velminski: Gefängnis des Alltäglichen. Matthes &amp; Seitz, Berlin 2016, 135 S., 12,00 EUR. Pjotr Pawlenski: Aktionen. Herausgegeben von Ilya Danishevsky und Wladimir Velminski, ciconia ciconia Verlag, Berlin 2016, 152 S., 26,90 EUR. Über die Möglichkeit und Notwendigkeit von Kunst in Diktaturen ist viel – man kann sagen: hinreichend viel – gesagt und geschrieben worden. Der Vorwurf, Russland habe sich in einen despotischen Staat verwandelt, ist populär, vielleicht nicht ganz von der Hand zu weisen; doch schwingt bei dieser Anschuldigung stets auch politisches Kalkül mit. Der russische Aktionskünstler Pjotr Pawlenski meint es ernst, wenn er seine Kunst als dringliche Intervention gegen einen unterdrückerischen Machtapparat versteht, allerdings aus einem anderen Bewusstsein heraus: Ihm ist jede Form von Machtausübung eine nicht hinzunehmende Freiheitsbeschneidung. Seine Arbeiten macht es umso spannender, dass er nicht affirmativ das System der westlichen Demokratien als Utopie für ein neues Russland verkauft. Seine überaus bildmächtigen, sehr körperlichen Aktionen, vom Zunähen des eigenen Mundes bis zum Anzünden der Tür vom Sitz des russischen Geheimdienstes FSB (siehe auch TdZ 02/2016),...

Pjotr Pawlenski: Der bürokratische Krampf und die neue Ökonomie politischer Kunst. Herausgegeben und mit einem Nachwort versehen von Wladimir Velminski, Merve Verlag, Berlin 2016, 128 S., 12,00 EUR.

Krampf und Widerstand

Radikal weiblich

Raskolnikow ist eine Frau. Schauspielhaus Bochum, Spielzeit 2016/17, Dostojewskis „Schuld und Sühne“ beziehungsweise „Verbrechen und Strafe“, wie der Roman seit der Neuübersetzung von Swetlana Geier heißt. Raskolnikow, der Jurastudent, der eine Pfandleiherin und deren Schwester erschlug, um der Welt zu beweisen, dass ein freier Mensch seinen eigenen Gesetzen folgen darf, wird von der Schauspielerin Jana Schulz gespielt. Das Geschlecht der Darstellerin ist im Grunde Nebensache. Weder verstellt Jana Schulz ihre sehr helle Stimme, noch wird sie in ein männliches Outfit gepresst; die blonden Haare sind lediglich zu einem Knoten gebunden. Ihr Kostüm, einem Pyjama ähnlich, ist geschlechtsneutral. Wenn Raskolnikow mit Sonja flirtet, der er schließlich sein Verbrechen gestehen wird, ist er/sie der Partnerin freundlich zugewandt, doch sexuelle Untertöne fehlen. Es geht in der Inszenierung des polnischen Regisseurs Jan Klata offenbar nicht um ein Geschlechtswesen, sondern um einen Menschen. Und Jana Schulz begreift sich als eine Menschenspielerin. Wie kaum eine andere Schauspielerin zuvor hat sie die geschlechtliche Identität der von ihr gespielten Figuren nicht überwunden, sondern – zur Nebensache erklärt. Und das Postulat, dass jede(r) jede(n) spielen kann, mit Leben erfüllt. Düsseldorf, Ende Januar, der zweite Probentag für Euripides’ „Medea“ in der Inszenierung von Roger Vontobel, den Schulz seit der gemeinsamen...

Die Schauspielerin Jana Schulz erkundet seelische Welten jenseits der Grenzen der Geschlechter

Mann? Frau? Mensch!

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Plot? Figuren? Nicht mit mir! Es gehört zu den magischen Phänomenen der gegenwärtigen Theaterszene, dass aus Jelinek-Texten Theateraufführungen werden. Dies ist das Verdienst gar nicht so weniger Regisseurinnen und Regisseure, aus den Prosatexten mit ihren viel zu langen, umständlichen Sätzen, ihren ironisch gebrochenen Empörungskaskaden, aber auch Redundanzen, Kalauern und Idiosynkrasien Szenen und Figuren zu formen. „Zweihundert Frauen aus einem burgenländischen Triumph-Miederwerk“, (die entlassen wurden), „die tun mir besonders leid.“ Gehört so etwas in einen Theatertext, wenn es sich nicht um Figurenrede handelt? Das „mir“ in diesem Statement ist Königin Jelinek, sie verfügt über die einzige Rolle im Text, und dass sie zuverlässig Empathie für die Opfer dieser Welt empfindet, ist nobel – schließlich ist sie ja auch Nobelpreisträgerin (um auch mal zu kalauern). Doch genau dies zeichnet eben die besagte Theaterszene (oft) aus: auch die irrsinnigsten Herausforderungen und Zumutungen anzunehmen und (gerade) daraus gelegentlich beeindruckende Theaterabende zu generieren. So beispielsweise am Düsseldorfer Schauspielhaus bzw. in der Ausweichspielstätte Central, wo „Das Licht im Kasten (Straße? Stadt? Nicht mit mir!)“ von Jan Philipp Gloger brillant uraufgeführt wurde. Der Titel knüpft an das 2012 für die Münchner Kammerspiele entwickelte „Die Straße. Die Stadt. Der Überfall“ an, auch im jüngsten Werk ist der „Aufhänger“,...

Düsseldorfer Schauspielhaus: „Das Licht im Kasten (Straße? Stadt? Nicht mit mir!)“ (UA) von Elfriede Jelinek. Regie Jan Philipp Gloger, Bühne Marie Roth, Kostüme Esther Bialas

Düsseldorf: Wenn der DHL-Mann zweimal klingelt

Eine Welle von Suiziden soll das Lied „Gloomy Sunday“ (deutsch: düsterer Sonntag), vom ungarischen Pianisten Rezso Seress 1933 komponiert, ausgelöst haben. In Zeiten der nationalsozialistischen „Machtergreifung“ rüttelte das Chanson, auch als „Lied vom traurigen Sonntag“ bekannt, die Menschen im krisengeschüttelten Europa auf. Seine dunkle Melodie erstirbt der Sängerin und Serviererin Ilona in dem Stück von John von Düffel auf den Lippen. Als großen Kampf der Gefühle hat die neue Chefregisseurin des Theater Heilbronn, Uta Koschel, den Text uraufgeführt. Im Kino berührte „Ein Lied von Liebe und Tod – Gloomy Sunday“ von Ruth Toma und Rolf Schübel nach dem Roman von Nick Barkow auch 1999 noch ein breites Publikum. Einen erfolgreichen Film für die Bühne zu adaptieren ist immer ein Wagnis. Romane hat der Autor und Dramaturg John von Düffel schon mehrere dramatisiert. Dass die tieftraurige Liebesgeschichte im Kino wie im Theater trägt, zeigt Koschels starkes, klug auf die Schauspieler zugeschnittenes Regiekonzept. Mit dem Ensemble entwickelt die Regisseurin große Porträts der Figuren, die Kinder ihrer Zeit sind. Da ist selbst die Liebe von Rassismus und politischem Konflikt nicht zu trennen: Der jüdische Restaurantbesitzer László, der Nazi Hans Wieck und der Pianist András kämpfen um eine Frau, die bei den Männern Sehnsüchte...

Theater Heilbronn: „Ein Lied von Liebe und Tod (Gloomy Sunday)“ (UA) von John von Düffel nach dem Drehbuch von Ruth Toma und Rolf Schübel. Regie Uta Koschel, Bühne Stefan Brandtmayr, Kostüme Cornelia

Heilbronn: Spiel der Erinnerung

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Márton Ágh, Sie sind bekannt für Ihre detaillierten fotorealistischen Bühnenbilder, jüngst wieder zu sehen in Kornél Mundruczós Produktion „Imitation of Life“. Wie hat sich dieser Stil entwickelt? Nach meinem Abschluss an der Budapester Universität der Künste 1996 habe ich ungefähr achtzig szenografische Arbeiten für Film und Theater entworfen. Der entscheidende Moment kam dann im Jahr 2000: die Begegnung mit Árpád Schilling im Rahmen der Inszenierung „Nexxt“ – ich sagte sofort alles andere ab und hatte das Gefühl, dass alles zuvor nur Vorbereitung für die Arbeit mit ihm gewesen war. Bald darauf wurde Kornél Mundruczó von Schilling eingeladen, eine site-specific-Arbeit für sein Krétakör-Theater zu entwickeln. Für Kornéls nachfolgende Produktion von „Caligula“ kamen wir dann zusammen – und blieben es bis heute. „Imitation of Life“ kann man als Ergebnis dieser langen Zusammenarbeit und unserer gemeinsamen Entwicklung sehen. Am Anfang ging es mir nur darum, mich möglichst nicht zu wiederholen und eine langweilige Routine zu vermeiden. 2006 erarbeiteten Sie mit Mundruczó die international viel beachtete Inszenierung „Eis“ nach dem Roman von Vladimir Sorokin. Wir wollten eigentlich einen anderen Roman von Sorokin, „Die Herzen der Vier“, inszenieren, bekamen aber die Rechte nicht. Sein Agent schlug stattdessen das damals neue Buch mit dem Titel...

Der Bühnen- und Kostümbildner Márton Ágh über die Wandelbarkeit realistischer Räume und die Zusammenarbeit mit dem Regisseur Kornél Mundruczó

Inspiration zum Spiel

Festival der Besessenen

Personen: A, B, C A kommt herein und sieht B mit einem veralteten Handy stehen, das weder eine Kamera noch ein Farbdisplay noch Internet etc. hat. A Ganz ehrlich, deine Paranoia ist fast genauso krank wie die Tatsache, dass dieses Schrotthandy immer noch funktioniert. B Ich will doch keinen Spionageapparat vom Staat in der Hosentasche haben. Auch wenn das Telefon abgehört und die SMS gespeichert werden, ist das immer noch besser, als wenn sie wissen, wo ich bin. A Wenn du eine reine Weste hast, brauchst du dir doch keine Sorgen zu machen. B Bloß weil ich eine reine Weste habe, will ich noch lange nicht, dass sie von schmutzigen Fingern betatscht wird. A Die Überwachung gibt es, weil der Staat uns schützen will. B Wir werden überwacht, weil der Staat die totale Kontrolle und Macht über uns haben will. A Nein. Wir sind die freie Welt. B Nein. Wir sind die eingesperrte Welt. A Wir sind die Generation der Geborgenen. B Wir sind die Generation der Entblößten. A Wir sind die Generation der Bewussten. B Wir sind die Generation, der man die Mystik genommen hat. In einem Bewerbungsgespräch haben ihre Kalküle, die auf gesammelten Informationen über mich basieren, größeres...

Aus dem Schwedischen von Jana Hallberg

Überwachungsstaat (Weevils)

Der historische Angelpunkt des kleinen HAU-Festivals „Utopische Realitäten – 100 Jahre Gegenwart mit Alexandra Kollontai“ war der Beginn der Russischen Revolution vor genau hundert Jahren – ein Jubiläum, das hier in der allgemeinen Luther-Lawine untergeht. Alexandra Kollontai wiederum ist eine in Vergessenheit geratene Person der Geschichte, eine russische Revolutionärin, die als Frauenrechtlerin und spätere Diplomatin das einzige Mitglied des Zentralkomitees der Kommunistischen Partei von 1927 war, das Stalins Vernichtung überlebte. Kollontai ist somit die ideale Figur, eine einigermaßen bekannte Geschichte in neuen Zusammenhängen zu erkennen – von den Utopien der russischen Revolutionäre bis zum Russland Putins heute. Marina Davydova, Schauspieldirektorin der Wiener Festwochen 2016, und Bühnenbildnerin Vera Martynov entwarfen dafür eine komplexe Parcoursinstallation. Im Zentrum, auf der Bühne des HAU 3, befindet sich der Raum „Eternal Russia“, so auch der Titel des Ganzen. Der Raum ist eingerichtet als Salon vor der Revolution, mit einem Porträt des letzten Zaren Nikolaus II. über der Tafel, auf der bald das Porzellan zu vibrieren und zu klirren beginnt, während historische Filmaufnahmen die Unruhen auf den Straßen zeigen. Schließlich kippt auch noch eine klassizistische Statue vom Sockel und zerbricht – die alte Welt geht in Trümmer und der Besucher wechselt in den ersten Raum der...

Das Festival „Utopische Realitäten – 100 Jahre Gegenwart mit Alexandra Kollontai“ am HAU Hebbel am Ufer Berlin

Ewiges Russland

Autoren März 2017

„Das Drama wird von den deutschen Bühnen verdrängt. Der aus der freien Theaterszene kommende Trend zu Textflächen, Performances, Stückentwicklungen und dokumentarischen Formaten, die häufig durch die Arbeit mit sogenannten ‚Experten‘ für vermeintliche Authentizität werben, greift inzwischen immer mehr auf die Stadt- und Staatstheater über.“ Dieser alarmierende Befund stammt nicht von Gerhard Stadelmaier. Er eröffnet vielmehr das Konzept der prominent besetzten Tagung „Die Zukunft des Dramas“, die im Januar unter anderem vom Heiner Müller Archiv/Transitraum im Berliner Brecht-Haus veranstaltet wurde. Ich habe die Tagung nicht besucht. Aber allein das Konzept, das sich mehr als selbständiges Manifest gibt (<a href="http://www.zukunft-des-dramas" target="_blank">http://www.zukunft-des-dramas</a>. de/download/Die-Zukunft-des-Dramas_Konzept.pdf), scheint mir so kritikwürdig und zugleich von exemplarischen Missverständnissen durchzogen, dass es einen eigenen Kommentar wert ist. Eigentlich müsste man es sogar Zeile für Zeile entwirren. Denn nur schon die zitierten Sätze werfen so vieles durcheinander, dass man kaum nachkommt, von der suggerierten Gleichsetzung der deutschen Bühnen mit den Stadt- und Staatstheatern bis zum pauschalen Vorwurf eines naiven Haschens nach Authentizitätseffekten, das ja eher zum Kerngeschäft des Stadttheaterbetriebs gehört: Zu dessen Spezialitäten zählt schließlich seit je die Produktion von Realitätseffekten, die Realität einfach als gegeben voraussetzt, als äußeres, nachahmbares Modell. Ein Punkt indes kommt mir besonders abenteuerlich vor: Was hier...

Müller gut, Jelinek böse

kirschs kontexte: Was für ein Drama?!

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

Wer eine Inszenierung von Ulrich Rasche besucht, kann sicher sein: Wo Rasche draufsteht, ist auch Rasche drin. Man weiß, dass seine Arbeiten zum Epischen neigen. Die Schauspieler schreiten endlos auf Laufbändern gegen die Richtung. Flankiert werden sie stets von einem antikisierenden Chor. „Wehe, ihr Verrückten!“, ruft das Stimmenkollektiv den Zuschauern in Rasches jüngster Inszenierung „Sieben gegen Theben / Antigone“ am Schauspiel Frankfurt schleifenartig und unter tosendem Klanggebaren entgegen, nachdem jedoch das Schlimmste schon eingetreten ist. Nach dem Tod des Ödipus haben sich seine Söhne Polyneikes und Eteokles in einem Machtkampf um Theben gegenseitig umgebracht. Rasche, 1969 geboren und durch sein Performanceprojekt „Singing! Immateriell arbeiten“ (2004) bekannt geworden, arbeitet als ein Verehrer der klassischen Antike mit modernem Anspruch. Noch immer zeugen seine oratorienartigen Theaterrealisierungen von einem Chor, der mahnt und kommentiert, einem Chor, der das Pathos im urtümlichsten Sinne als Leiden der Figuren an ihrem Schicksal auf die Bühne bringt. Doch auch Hoffnung geht von ihm aus. Vergegenwärtigt man sich etwa seine Inszenierung der biblischen „Apokalypse“ (2013) am Schauspiel Stuttgart, so erkennt man in der Verdichtung der Stimmen durchaus einen anderen, fast schon erbaulichen und jenseitigen Raum. Während Johannes im Vordergrund den nahenden Weltuntergang vorhersagt, ziehen die Mitglieder des Chors auf...

Der Regisseur Ulrich Rasche setzt auf Pathos, Laufbänder und chorische Klangräume

Immerzu gehen

The Case of Digital Arts

Was wäre, würde der Chor sich auf der Bühne versammeln und nichts tun? Er würde wohl sich selbst zum Symbol werden, das heißt in sich selbst als Bedeutung verharren. So ließe sich Judith Butlers neueste Publikation „Anmerkungen zu einer performativen Theorie der Versammlung“ zusammenfassen. Den Ausgangspunkt bildet die Feststellung, dass eine Versammlung zuerst eine Ansammlung von Körpern ist. Das allein ist schon ein politischer Akt, noch vor den unterschiedlichen Forderungen der von Butler exemplarisch untersuchten Demonstrationen von Black Lives Matter, Pegida oder Occupy. Körper werden von Butler als aufeinander bezogen, relational, und verwundbar, vulnerabel, definiert: Sie können aufgrund ihrer Verwundbarkeit nur innerhalb des ökonomischen, infrastrukturellen und sozialen Beziehungsgeflechts existieren. Daraus lässt sich der Schluss ziehen, dass Körper als Konglomerat von Diskursen begriffen werden müssen. Für die Versammlung als verkörperte Inszenierung ergeben sich nach Butler notwendig politische Forderungen nach Freiheit, Gleichheit und für ein lebbares, nicht prekäres Leben: In der körperlichen Ansammlung wird die Gleichheit der Körper vorausgesetzt und politisch gelebt. Freiheit entsteht mit der Freiheit, in Erscheinung zu treten. Das ist im Kampf um die Öffentlichkeit als Platz politischen Handelns zwar um-, im Moment der Versammlung aber schon erstritten. Der Protest gegen Prekarität äußert sich gleichermaßen darin, dass die versammelten...

Judith Butler: Anmerkungen zu einer performativen Theorie der Versammlung. Suhrkamp Verlag, Berlin 2016, 312 S., 28,00 EUR.

Ich – Du – Wir – Sie

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Anmerkung des Autors: Der Text ist in zwei parallel verlaufenden Partituren verfasst, die Spalte eins (links) ist dazu bestimmt, von Schauspielerinnen und Schauspielern interpretiert zu werden, die zweite (rechts), auf mehrere Bildschirme auf der Bühne projiziert zu werden, wenn das Stück vor einem Publikum gespielt wird. Bühne Dunkel Bild 1 – Übersiedlung Der Spediteur – So, jetzt wäre alles im Laster verstaut. Außer, was im Zimmer des Mädchens war, das kommt ja ins Depot. Das haben wir in Kartons getan. Wir haben alles genau aufgelistet. Hier. Karton 1: sechs Stofftiere, eine Nachttischlampe mit rosa Schirm, ein Paket Ansichtskarten, ein herzförmiges Kissen, zwei Kissen mit Blumen drauf, eine Schmuckschatulle. Karton 2: ein kleiner Flachbildfernseher, eine Mini-Stereo-Anlage. Karton 3 und 4: diverse Kleidungsstücke. Karton 5: Schuhe. Karton 6 und 7: Bücher und Magazine. Karton 8: Schulhefte, Mappen mit Klappen. Karton 9: Poster und kleine Dekorationsteile. Karton 10: ein Globus. Karton 11: Klavierpartituren, ein kleiner Rucksack. Außerhalb der Kartons: Rahmen und Poster, ein Elektronikklavier und sein Gestell. Das war zu groß, das ging in keinen Karton hinein. Aber wir haben es in Noppenfolie verpackt. Sie werden sehen, das Inventar ist ganz nützlich, damit finden Sie im Fall des Falles leicht, was in jedem...

Aus dem Französischen von Heinz Schwarzinger

White Pig (White Pig)

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Ein Mann, Henry, sitzt vor einem Computerbildschirm und schaut ihn gedankenverloren an. Eine Stimme meldet sich. Henry: Oh, hey … ‘tschuldigung, ist da jetzt ein Mensch? … Ja?! … Ja! Okay, … nein, nein, nein … nein, man hat mich nur ein bisschen herumgeschubst … nein, nein, schon gut, ist gut. Ja … … … ähm, wie war Ihr Name noch mal? Henry schreibt den Namen auf. Mh-hm, mh-hm. Super. Und haben Sie eine Durchwahl, falls wir getrennt werden? Henry schreibt die Durchwahl auf. Mh-hm, mh-hm. Super. Okay. Also, ich bin hier so ein bisschen in einer Situation, und ich hoffe, Sie können mir helfen, die Sache aufzuklären … … Mh-hm. Mh-hm. … … Mein Name ist Henry – … … Er schaut auf ein Stück Papier. … Jap, meine Kundennummer ist dreizehn Strich null null null drei vier sechs sieben acht eins A fünfundvierzig … … ja, ja, das bin ich. Okay. Also, ich hatte gehofft, Sie könnten mir helfen mit einem kleinen Missverständnis hier … … mm-hm, mm-hm, ja, also, ich hätte da eine Frage … ähm, ich hätte da eine Frage, also, wissen Sie, ähm … … tja, na ja, wissen Sie, sieht aus, als hätte...

9022131 – PINK

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

TdZ on Tour

Personen: Nejc, Sexy Frau Hopp, hopp. Ich überspringe zwei Schritte auf einmal. Hopp, hopp. Eine Einkaufstasche schlägt gegen meine Rippen bei jedem Sprung. Hopp. Eine Glastür geht auf. Siiik. Wie im Spiel Prince of Persia. Siiik! und – TSCHK! und – GAME OVER! Der Prince of Persia ist Hackfleisch. Eine Blutspur an der Mündung einer Guillotine – siiik – die Guillotine hört nicht auf zu zerstückeln. Siiiik. Wie gut, dass du mehrere Leben hast. Siiik. Die Glastür geht hinter mir zu. Ich grüße den Sicherheitsbeamten. Er schaut zurück so auf die Art: Was ist mit dir – machst du dich vielleicht über mich lustig oder was soll das, dass du mich begrüßt du fauler Sack, der sich um halb neun morgens in Bibliotheken rumtreibt, wenn normale Menschen arbeiten?! Ich nehme ein Stück Papier aus meiner Tasche. Es ist so lang wie der Montag bei Büroarbeit. Nein, eher nicht. Ich nehme ein ziemlich normal langes Stück Papier aus der Tasche, auf dem ich die ISBN-Nummer des Buches geschrieben habe, das ich haben möchte. Ich suche Nummern. Ich suche Regale. Ich suche Bücher. Ich finde – eine sexy Braut! Die ist echt heiß. Meeeeega heiß. Während sie in den Regalen herumschaut, spiele...

Aus dem Slowenischen von Clemens J. Setz

… das Wesentliche ist für die Augen unsichtbar (Ce hoceš videti ...)

Zwei Dörfer an einem Bach. Eines rechts, eines links am Ufer gelegen. Ein jedes hat einen Dorfplatz, eine Kirche, eine Wirtschaft, „den ,Roten Ochsen‘ hier und dort die ,Schwarze Traube‘“. Die Dörfer liegen so eng „wie Zwillinge im Bauch der Mutter“. Einzig die Uhrzeit will sich in das Miteinander nicht fügen. Auf der einen Seite des Baches schlägt die Glocke des Kirchturms früher. Erst mit Verzögerung folgt die andere Seite nach. Der Dramatiker Roland Schimmelpfennig liebt Metaphern und Allegorien. Oft sind es Tiere, die als Stellvertreter einer irrationalen, ursprünglichen, brutalen, aber auch mystischen Natur die modernen Settings in seinen Stücken durchstreifen. In seinem Romandebüt „An einem klaren, eiskalten Januarmorgen zu Beginn des 21. Jahrhunderts“ ist es ein Wolf, der kurz nach Sonnenaufgang den vereisten Grenzfluss zwischen Polen und Deutschland überquert. In seinem jüngsten Theaterstück „Das große Feuer“, uraufgeführt am Nationaltheater Mannheim, ist Schimmelpfennig nun vollends auf dem Dorf gelandet. Die Geschichte beginnt im Mai, in einer längst vergangenen Zeit. Die Bewohner der beiden Dörfer, darunter ein Viehwirt und ein Winzer, ein dicker und ein dünner Pfarrer sowie ein Lehrer mit Hang zur Dichtung, sind umgeben von Feldmäusen, Grillen, Schwalben, Schmetterlingen, Schnecken, Käfern, Füchsen, Hasen, Mücken, Spatzen und Krähen. Eine bukolische...

„Das große Feuer“ von Roland Schimmelpfennig und „Vereinte Nationen“ von Clemens J. Setz am Nationaltheater Mannheim

Das Leben der Tiere

Personen: Anna (70), Christina (35, Annas Tochter) Anna steht vor der Filmkamera. Christina ist in der Küche. Zunächst hören wir Christina nur dazwischenreden. Anna Nein. Mein Mann war kein Held. Mein Mann war ein gewöhnlicher Mensch. Nein. Mein Mann war ein Held. (Sie nähert sich der Kamera.) Wie lösche ich die bisherige Aufnahme? Christina? Christina Ich kann jetzt nicht, Mama. Anna Mein Mann wurde 1928 geboren. 1946 ist er der Rumänischen Kommunistischen Partei beigetreten. Bald wurde er sich der Unregelmäßigkeiten innerhalb der Partei bewusst. Aktivisten, die die Rechte der Arbeiter vertreten sollten, verteidigten ihre eigenen Interessen. Mein Mann kritisierte sie. 1968 ist er aus der Rumänischen Kommunistischen Partei ausgetreten. Sein ganzes Leben lang hat er sich für Gleichheit eingesetzt. Er ist von der Securitate befragt, geschlagen und etliche Male gefoltert worden. Er wurde auf der Straße entführt und aus politischen Gründen in eine psychiatrische Klinik eingeliefert. Er hat dem Ganzen standgehalten. Er hat nicht aufgegeben. Christina Mit wem sprichst du, Mama? Anna Jugendliche haben mich gebeten, ein paar Worte über deinen Vater für ihre Kampagne zu sagen. Christina Was für eine Kampagne? Anna „Entdecke den Helden neben dir. Die Vergangenheit ist allgegenwärtig.“ Sie wollen Gymnasiasten über Menschen erzählen,...

Aus dem Rumänischen von Irina Wolf

Die Wahrheit und nichts als die Wahrheit (Adevarul si numai adevarul)

Mit dem Theater die Welt verändern

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Es ist mein Recht Gefühle auszusprechen und meine Meinung zu sagen Es ist mein Recht Und deins gehört dir und meins gehört mir Doch der ständige Blick auf die Seiten steckt an. Wenn die ganze Welt Gut sehen kann, wie du und ich Seelenruhig ein Display betrachten Doch niemals einander … nicht mehr. Und wir verschenken alles Wie Sterne in der Nacht Wir verschenken alles Verglühen und strahlen hell Wir verschenken alles Wie Bonbons an ein Kind Bittersüß im Geschmack Wir alle sind Stars, und nun verkommen wir Und wir verschenken alles, wir verschenken alles Wenn wir alles verschenken … Ist nichts mehr da. Nacht für Nacht, die Snapshots, Selfies, angemeldet, abgemeldet. Wer blickt auf mich, wer blickt auf dich? Ja, wir haben eine Wahl und eine Stimme Kommt schon, macht euch bemerkbar! Und wir verschenken alles Wie Sterne in der Nacht … Wir sind das Feuer in unseren Herzen Die Hüter unserer Flamme Unendlich, verteidigenswert, Verliert nicht alles, was wir sind … Heb ein bisschen was auf, heb ein bisschen was auf, nur für mich Heb ein bisschen was auf, heb ein bisschen was auf, nur für mich Heb ein bisschen was auf, heb ein bisschen was auf, nur...

Sterne (Stars)

Die Taylor Swift unter den Theatern

Während im deutschen Theater mit den Arbeiten Einar Schleefs so etwas wie die Wiederentdeckung des Chors eingeleitet wurde, gab es in Polen lange Zeit kein vergleichbares Phänomen. Chöre blieben an die katholische Alltagskultur gebunden, Hochzeiten und Trauerfeiern vorbehalten, während sich in den Fußballstadien Männerchöre anderer Art formierten. Im Theater spielte der Chor auch dann kaum eine Rolle, wenn er eigentlich Bestandteil eines Werkes war, wie etwa in den Tragödien der...

Zum Chortheater der polnischen Regisseurin Marta Górnicka

Die Gesellschaft auf der Bühne

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Wurde Heiner Müller eigentlich je verstanden? Für die beiden Müller-Freunde Jürgen Kuttner und Heiner Goebbels eine hübsche Frage, ins launige Fabulieren zu kommen über das hartnäckigste Grundmissverständnis in der Kunst überhaupt. Verstehen? Wenn der Komponist Goebbels von seinen Begegnungen mit Müller spricht und der Arbeit, die daraus entstand, dann ist das Verstehen erst mal der am weitesten entfernte Punkt von all dem, was er darin fand und zu wecken beabsichtigte. Und er ist sich sicher: Was er mit den Klängen und Tönen versucht, das tat Heiner Müller mit der Sprache. Sie nämlich als „eigene Realität“ zu begreifen und ihr dafür Raum zu schaffen. Den Ausdruck „eigene Realität“ wird Heiner Goebbels noch oft verwenden an diesem Abend im Saal des Deutschen Theaters Berlin. Es ist der vorletzte Januarmontag, und im Deutschen Theater beginnt die neue Gesprächsreihe „Müllersalon“, die nun alle sechs Wochen Künstlerinnen und Künstlern Gelegenheit gibt, in offener, ungeplanter Form über ihre Erfahrungen mit Heiner Müller und seinem Werk zu sprechen. Anders als an den „Müllermontagen“, von der Internationalen Heiner Müller Gesellschaft vier Jahre lang allmonatlich im Berliner Literaturforum im Brecht-Haus ausgerichtet, soll der lockere „Müllersalon“ nun nicht mehr in erster Linie literarisch-wissenschaftlich auf das Müller-Werk blicken, sondern vor allem...

Alles außer gewöhnlich

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Neuerscheinungen im Verlag