Grundlegende Recherche. Detailversessenheit. Verspieltheit. Genauigkeit. Improvisationstalent. Alles Begriffe, die zu Klaus Gehre gehören. Zusammen mit dem Spieldesigner Lev Ledit hat Klaus Gehre zwei Jahre lang seine jüngste Arbeit am Theater Freiburg vorbereitet: „Regiodrom“, eine irrwitzige wie überwältigende Theatererfahrung. 24 Stunden simulieren 100 Zuschauer das Spiel des Kapitalismus, agieren in zwei Dörfern wirtschaftlich, politisch, gesellschaftlich. Das gesamte Theater mit seinen drei Spielstätten wurde für diesen Marathon geschlossen und umzäunt: Verschwendung von Ressourcen unter der Überschrift kapitalistischer Nachhaltigkeit. Von Anfang an wirft Gehres Kapitalismusspiel jeden Teilnehmer auf existenzielle Bedürfnisse zurück. Selbstwertgefühl entsteht mit dem Erhalt von „Blüten“, dem täuschend echt designten Spielgeld. Was konsumiert wird, muss erwirtschaftet werden – sei es über der Hände Arbeit, sei es über Spekulation. So sorgt selbst das kräftezehrende Abtragen in der „Mine“ nach einer halben Stunde für Glücksgefühle des teilnehmenden Spielers, weil nun endlich Bedürfnisse über den Konsum befriedigt werden können. Währenddessen amüsieren sich andere individuell in der „Unterwelt“ bei verbotenen Spielen, deren Gewinne nicht mit in die „Oberwelt“ genommen werden dürfen. Das sorgt für die Erfahrung grundlegender Dichotomien. Verteilungsgerechtigkeit sieht anders aus. Gehres Lust am Spiel ist keineswegs selbstreferenziell. Einfachheit und Klarheit der Spielanordnungen sind Voraussetzungen für deren Gelingen. Aufwand und Ertrag werden von den...

Der Regisseur Klaus Gehre schafft lustvoll Spielanordnungen, die den Blick auf Verborgenes schärfen

Auf Puppenstubengröße

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Frühlingstheater

Neulich im brasilianischen Porto Alegre. Eine internationale Konferenz über Bertolt Brecht hat sich dem Thema „Der kreative Zuschauer“ gewidmet. Zwei Fragen mochte sich der Beobachter bei diesem Zusammentreffen von lateinamerikanischen Wissenschaftlern und Theaterleuten, die ein starkes Interesse an Brecht verbindet, stellen. Erstens: Was bedeutet es, dass Brecht, dieser vielleicht am meisten wahrgenommene Beitrag Deutschlands zum Welttheater, dieser berühmte Brecht, den jeder kennt oder zu kennen meint, der – übersetzte Brecht ist? Dass man seine genauen Worte im Grunde kaum kennt? Zweitens: Wohin führt eigentlich die immer mehr intensivierte Thematisierung des Zuschauers, des Homo spectator, im Gegenwartstheater und in der theoretischen Reflexion darüber? Es scheint sich um zwei sehr verschiedene Fragen zu handeln, doch sind beide für das künftige Schicksal eines von Brecht (nicht von der Brecht-Konvention) inspirierten Theaters des Politischen von Belang. Wer den Lyriker Brecht kennt, mag an der ersten Frage leicht verzweifeln. Die exquisite Kunst seiner Gedichte, die Worte haarscharf am Rand des alltäglichsten Sprachgebrauchs zu finden, übersetzt sich beinahe gar nicht. Die Nuance, der spielende Bezug auf das übliche Sprechen, entfällt, wird bestenfalls im Hintergrund mitgehört. Was bleibt ist die „Aussage“. Nackt gesetzt, büßt sie nicht nur ihre Grazie, sondern oft ihren eigentlichen Sinn ein. Dies ist...

Words, Words, Words

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Premieren: Oktober 2013

Alles total anders

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Berliner Chaos-Tage

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Pollesch ohne Pollesch

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

Unsere Zeit auf dieser Welt ist begrenzt. Am Ende steht der Tod, und der gehört, wie es so schön hilflos im Floskeldeutsch heißt, zum Leben dazu. Wir wissen das und akzeptieren es, weil wir müssen. Und trotzdem reißt uns der Verlust eines Menschen plötzlich aus der gewohnten Bahn und konfrontiert uns mit unserer allgegenwärtigen Vergänglichkeit. Ende August nahm sich der Autor Wolfgang Herrndorf nach langem Kampf gegen einen ungleichen Gegner das Leben. Die Nachricht konnte nicht wirklich überraschen und doch traf sie mitten in die Magengrube von Familie, Freunden und Menschen, die ihn nicht persönlich kannten, denen er aber durch seine Bücher und seinen Blog ein Begleiter war. Er ist gegangen und hinterlässt mehr als nur seine in Holz geschnitzten Initialen. Seine Geschichten bleiben. Eine ganz besonders: „Tschick“. Der Roman über zwei jugendliche Ausreißer, die mit einem geklauten Lada durch die ostdeutsche Pampa heizen und in diesem träumerischen Sommer ein Stück erwachsen werden, wurde über eine Million Mal verkauft und vor zwei Jahren vom Dresdner Chefdramaturgen Robert Koall auch für die Bühne adaptiert. Es ist das meistgespielte Stück dieser Spielzeit und stiehlt gestandenen Theatergrößen wie Shakespeare, Büchner und Ibsen die Show, und das zu Recht. Ein Geschenk für ein Theater,...

Zum Tod des Schriftstellers Wolfgang Herrndorf (1965 – 2013)

Vom Luftanhalten

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Nationalsozial-charaktermasken

Auf den alten Bildern ist ein junger Mann zu sehen. Er ist hübsch und groß, auf seinem Gesicht liegt ein Schatten. Wir sehen Arnold Petersen im letzten Jahrhundert: ein junger Soldat, er ist der Barbarei entronnen, einer, der „draußen vor der Tür“ um Einlass bittet. Hat er Glück? Wird ihm aufgetan? Es regnet, und der vaterlose Junge stellt sich unter ein Blechdach. Dann öffnet sich das Tor, der neue Intendant fragt ihn, ob er nicht Arbeit suche, ob er nicht sein Volontär werden wolle – gesagt, getan, und so nahm die Geschichte ihren Anfang. Als ich ihn 50 Jahre später (1996) auf einem Intendantentreffen in Esslingen kennenlernte, traf ich auf einen bescheidenen Kollegen, das war nicht die Regel. Höflich und zurückgenommen dosierte er sehr genau, wen er an seiner Klugheit und seinem Wissen teilhaben lassen wollte. So fasste ich mir ein Herz und fragte, ob er mir, wenn ich ihn brauche, als Ratgeber zur Seite stünde, da ich in „Intendantendingen“ etwas unerfahren sei. Er lächelte, nahm mich an der Hand und lud mich zu seinem 70. Geburtstag ein. Bis dahin war er Dramaturg (1946 – 1956), Chefdisponent (1956 – 1972), Leiter des Betriebsbüros bei August Everding und 18 Jahre Generalintendant...

Zum Tod des Mannheimer Generalintendanten a. D. Arnold Petersen (1926 – 2013)

Über die Kunst, ein Generalist zu sein

Editorial

<ul> <li><a href="#finzi">Interview mit Samuel Finzi</a></li> <li><a href="#yordanov">Interview mit Nikolay Yordanov, Leiter des Internationalen Theaterfestivals „Varna Summer“</a></li> <li><a href="#sokolovska">Interview mit der Regisseurin Neda Sokolovska über die Geburt des Dokumentartheaters in Bulgarien in Zeiten politischen Protests</a></li> </ul> <h3 id="finzi" style="padding-top:4em">Protests made in Bulgaria</h3> Der Schauspieler Samuel Finzi im Gespräch mit Dorte Lena Eilers Herr Finzi, Sie haben vor ein paar Monaten der Süddeutschen Zeitung ein Interview gegeben, in dem Sie von einer neuen Energie berichteten, die Sie in...

Interviews mit Samuel Finzi, Nikolay Yordanov und Neda Sokolovska zu den Protesten in Bulgarien

Samtener Schutzraum

Darwin-Theater

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Georg Büchner war Naturwissenschaftler und promovierte über das Nervensystem der Barbe, einer Fischart. Durs Grünbein, Sie haben schon 1995 in Ihrer Rede zum Georg-Büchner-Preis gefragt, was Schädelnerven der Wirbeltiere mit Dichtung zu tun haben. Was sucht die vergleichende Anatomie im Monolog eines dramatischen Helden? Und welcher Weg führt von der Kiemenhöhle der Fische zur menschlichen Komödie? Diese Fragen sind noch immer nicht beantwortet, und ich möchte sie an Michael Hagner weiterreichen. Vielleicht können Sie für uns kurz den Kontext zur Wissenschaftsgeschichte dieser Zeit umreißen? Michael Hagner: Vielleicht ist es sinnvoll, wenn man zwei Zugänge zum Verständnis des Gehirns, zur Struktur und Funktion des Gehirns im frühen 19. Jahrhundert, unterscheidet. Entweder man geht von der am höchsten entwickelten Form des Gehirns aus, die in der Natur vorkommt – das menschliche Gehirn. Dann kommt man zu der Frage, die Büchners Danton stellt, nämlich: „Was ist das, was in uns lügt, mordet, stiehlt?“ Damals wurde das durch die Phrenologie von Franz Joseph Gall beantwortet, die eine erste psychologisch motivierte Lokalisationstheorie darstellt, die in ihren Grundannahmen bis zum heutigen Tag in der Hirnforschung Gültigkeit hat. Sie besagt, dass verschiedene kognitive, emotionale, triebhafte Qualitäten des Menschen ihren Sitz und Ursprung im Gehirn haben. Das wäre...

Wie die Naturwissenschaften das dramatische Werk von Büchner und Brecht beeinflussten – Ein Gespräch mit Durs Grünbein und Michael Hagner anlässlich des 200. Geburtstags von Georg Büchner

Dramaturgie der Autopsie

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Der TdZ-Büchersommer

Angstlos! Heimatlos?

SCORES

Über die schmutzige Leinwand zieht eine karge Schwarz-Weiß-Landschaft. Darin verliebt sich ein Clown in eine Seiltänzerin und stirbt, als sie weggeht, an gebrochenem Herzen. Er hinterlässt, in schwarzer Tinte gezeichnet, ein Märchen über Zwillinge, die nach der Geburt getrennt in unterschiedlichen Verhältnissen aufwachsen – das Mädchen bei den armen Bauerneltern, der Junge beim unfruchtbaren Königspaar – und sich als Jugendliche wiederbegegnen und ineinander verlieben. Jahre später findet der Sohn des...

Wir veröffentlichen hier eine gekürzte Fassung des Gesprächs, das am 14. Februar 2013 im Literaturforum im Brecht-Haus, Berlin, im Rahmen der Brecht-Tage 2013 unter dem Thema „Bertolt Brecht, Georg Büchner und das Theater der Revolution“ stattfand. <h3>Dramaturgie der Autopse</h3> Wie die Naturwissenschaften das dramatische Werk von Büchner und Brecht beeinflussten – Ein Gespräch mit dem Lyriker Durs Grünbein und dem Wissenschaftshistoriker Michael Hagner anlässlich des 200. Geburtstags von Georg Büchner...

Gespräch mit Durs Grünbein und Michael Hagner

Ran ans Märchen! 

Alter, ist das gei-eil! Maximaaaal!“, schreit da einer seine Begleitung an. Der meint es richtig ernst. Sitzen und dabei gleichzeitig auf und ab hüpfen, das muss man erst einmal fertigbringen. Das Regencape, das vorsorglich auf seinem Platz wartet, fegt er vom Stuhl, als er in die erste Reihe stürmt. Dass der sein T-Shirt noch anhat – so aufgeregt, wie der ist. Vorab die Warnungen: „In dieser Vorstellung wird Stroboskop- Licht eingesetzt“, „Bitte lassen Sie Ihre Handtaschen an der Garderobe“, „Passen Sie gut auf Ihre elektronischen Geräte auf“. Beim Einlass reicht man mir Ohrstöpsel. Alternierend denke ich „Och nö“ und „Ach komm!“ und fühle mich ungut an meine Zeit auf der Kunstakademie erinnert. Alarmiert rutsche ich also auf dem Stuhl hin und her, blicke gequält drein und nestle mich in den Regenschutz. Dann die Attacke. Mein Herz bleibt kurz stehen. Dreißig hyperaufgeregte Japaner stürmen die wasserfeste Bühne und choreografieren sich tanzend, singend, schreiend durch die nächsten vierzig Minuten. Die Musik fährt so überlaut in meine Knie, dass ich mich irgendwo hinsetzen will. Dabei sitze ich ja schon. Eine Performerin krabbelt auf meinen Schoß und spuckt eine angekaute Gurke aus. Ich erblinzle durch die zugekniffenen Augen einen Gartenschlauch. Und Eimer. Wasser überall....

Beim Internationalen Sommerfestival auf Kampnagel in Hamburg sind die Grenzen zwischen den Genres fließend – wortwörtlich

Die Maximalperformance

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

Wenn das Theater als Institution ein Flughafen wäre, mit Gewerken und Mitarbeitern als funktionierendem Bodenpersonal, wären die einzelnen Inszenierungen die Flugreisen. Der regieführende Intendant gäbe den Piloten und die Schauspielerinnen und Schauspieler träten als Stewardessen und Stewards auf. Die Reiseziele lüden zum Träumen und Visionieren über der Wolkendecke ein. Und im besten Falle käme der Zuschauer als Passagier am Ende nicht nur an einen anderen Ort, sondern verändert auf den...

Das 10. GlückAufFest der Neuen Bühne Senftenberg nimmt die Zuschauer mit auf einen Langstreckenflug durch die deutsche Realität

Ohne Turbulenzen?

Jetzt ist es passiert! In Mauro de Candias „Morphings“ schaut das Publikum aus den oberen Etagen eines Bürohauses senkrecht auf die Tänzer – plötzlich fällt eine Jacke hinunter. Die vermeintliche Panne ist einer von vielen Illusionstricks der Osnabrücker Spieltriebe. Schuld ist das Festivalmotto: Unter dem Schlagwort „Total real“ fragten vom 6. bis zum 9. September 2013 elf Produktionen (neun als Uraufführung) nach dem Verhältnis des Theaters zur Wirklichkeit. Das schreit nach Störeffekten, so dass die Darsteller immer wieder Blickkontakt mit dem Publikum suchen oder vom Spielen sprechen statt zu spielen – alles, um die vermaledeite Scheinwelt der Fiktion zu zerschlagen. Im Eröffnungsstück „Das Leben der Insekten“ wird kurzerhand die Rückseite der Kulisse zur Rampe gedreht. Wie in den vergangenen vier Ausgaben des zweijährlichen Festivals beginnt jeder Abend mit einem gemeinsamen Stück im Großen Haus, danach begibt sich das Publikum in Bussen oder zu Fuß auf fünf Routen, die weitere Produktionen in Weltkriegsbunkern, verfallenen Landgütern und Bürobauten präsentieren. Die Dramatisierung von Viktor Pelewins Roman „Das Leben der Insekten“ verbindet die vergnügte Stimmung des Festivals mit seinem erkenntniskritischen Impetus. Die lose komponierten Episoden sind ein Höhlengleichnis im Wortsinn: Die Bühne ist ein gigantisches Erdloch, handelnde Figuren sind Ameisen, Mücken und Motten. Jedes...

Theater Osnabrück: Total real – Spieltriebe 5. Festival für zeitgenössisches Theater

Osnabrück: Relativitätstheorie der Wahrnehmung

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Figurationen im Film

Der Notfall als Prinzip

Die digitale Masse

Global ist lokal, sagen die Soziologen. Das klingt nicht besonders poetisch, aber benennt die Tatsache, dass die Welt ein Dorf ist. Hans-Jürgen Syberberg lebt im vorpommerschen Nossendorf die sinnliche Seite dieser Abstraktion. Es ist der Ort, in dem er 1935 geboren wurde. Lebt er einen Traum? Vielleicht. Gewiss aber lebt er die Erinnerung an etwas, das nicht nur im Gestern wurzelt, sondern durch alle Zeiten geht. Hermann Bang hat es in seinem Buch „Das weiße Haus“ fast rituell beschworen. Das Leitmotiv hier passt zu Syberbergs Nossendorfprojekt: „Kindheitstage, ich will euch zurückrufen, Zeiten ohne Neid, freundliche Zeiten, eurer will ich gedenken.“ Und über allem steht: „long long ago – long ago“. Ist dies ein Exil für den unruhigen Kunstgeist, der sich nun an seinem wiederaufgebauten Gutshaus, an dem Garten mit Katzen, an dem neuen Kirchturm des Dorfs, den es ohne ihn nicht gäbe, ergötzt? Eine Tschechow-Idylle, die trügt? Nein, aber ein Ort des Rückzugs und der Meditation dann doch. Und im Winter zum Ofen-Heizen und Schnee-Wegfegen unterm Notdach. Romantische Weltflucht also schon mal nicht, sondern Arbeit am Gegenweltmodell, das unsere Zeit so dringend braucht. Alles Gestern wird von der ewig jungen Zeit, diesem Barbaren, zerstört, um mit den Trümmern dann neue...

Der Filmemacher Hans-Jürgen Syberberg arbeitet am Gegenweltmodell

Die Nichtidylle

Wie geht ein Zeitalter zu Ende? Idealerweise in Schönheit. Aber der Lack hat Risse, die Schönheit ist nicht viel mehr als ein kostbares Kostüm. Es wird nicht getragen, sondern – im Gegenteil – es selbst trägt nun den Menschen, den es kleidet, wie ein Korsett. Eine Weile noch. Dann rufen sie alle: „Der Kaiser ist ja nackt!“, egal in welchen Mantel er sich jetzt noch hüllt. Keine Maske verbirgt mehr sein wahres Elend. Tom Kühnel und Jürgen Kuttner haben mit „Agonie“ ein „zaristisches Lehrstück“ auf die Bühne gestellt. Das klingt merkwürdig, aber es hat die entscheidende Frage im Blick: Wie bereitet eine alte Ordnung der neuen (über die inzwischen auch längst die Zeit hinweggegangen ist) den Boden? Damit das nicht mit einem Urania-Abend verwechselt wird, stürzen sich Kühnel &amp; Kuttner mutig ins Artifizielle. Sie collagieren nach Kräften, schließlich sind die realen Personen, die hier auftreten, längst tot. Dies hier wird zur Fahrt auf der Gespensterbahn der russischen Geschichte. Und wie in jedem echten Lehrstück singt dazu Ernst Busch: „Du musst die Führung übernehmen!“ Die Kampflieder kommen vom Band, Playback werden sie bereits dem neu geborenen Zarewitsch (Moritz Grove) in den Mund gelegt: ein todgeweihter Bluter, bei dem der Mönch Rasputin...

Deutsches Theater: „Agonie. Ein zaristisches Lehrstück von Tom Kühnel und Jürgen Kuttner. Regie Tom Kühnel und Jürgen Kuttner, Bühne Jo Schramm, Kostüme Daniela Selig

Berlin: Karussell der Geschichte

Das Theater mit den Finanzen

Die performative Baustelle

Staatstheater Nürnberg: Globaler Zelluntergang

Personen: Er Sie Fremder Leopold Eine Straße Stimmen Fremder: Und als ich wegging – Bäume – Sträucher – Landschaft. Unregelmäßigkeiten – der Weg. Und Straße jetzt. Gerade. Kürzeste Strecke. Verbindung zwischen ... Denn Inseln lägen wir sonst – gleich kastrierten Tagen – kann Freude in sich selbst versickern? (Sieht sich seitlich der Straße um) Der glatte Rasen. Noch frierend rings das frischlackierte Grün. Nichts von dem trocknen Gras – wo wir – zwecks Liebe lagen … Kahlschlag! Obwohl ihr Name hier an jedem Stengel hing. Es müßten Wurzeln noch im Boden liegen ... (Rufend) Ankunft! Albernheiten ... Hier wagt kein Echo sich aus dem Versteck. Sie: Föhn wird es geben. Er: Hoffentlich. Sie: Ich bin allergisch gegen Wetterstürze. Er: Geschehen muß etwas. Sie: Gleich wird er seinen Sitzplatz wechseln – davon erwartet er meist Wunder. (Schweigen) Er: Die Gegend geht am Nullpunkt schwanger. Sie: Und du bist mitgekommen ... Er: (ärgerlich) A-a-a-ach. Sie: Weil du mich brauchst ... Er: Gut so. Sie: Weil du mich liebst. Er: Noch besser. Sie: Liebst du mich noch? Er: Wenn du darauf bestehst? (Schweigen) Er: Ein Alptraum diese Straße. Nicht seit einer Stunde ... Sie: Auf was wartest du? Er: Daß man...

Das Fest

Es ist schon eine Weile her, dass Gottfried Benn in „Summa Summarum“ die Rechnung aufmachte, wie viel er in seinem Dichterleben mit lyrischen Hervorbringungen eigentlich verdiente. Er kam auf eine Summe von rund vier Mark fünfzig im Monat und konstatierte, dies sei nicht eben viel für einen, der als einer der größten seiner Zunft gelte. Etwas resigniert, doch nicht ohne Stolz, fügte er hinzu, es gebe nun mal so etwas wie die „unbesoldete Arbeit des Geistes“. Für die Gesellschaft aber ist genau diese eine wichtige Quelle ihres kulturellen Reichtums, den sie sich etwas kosten lassen sollte. Gelebt hat einer der bedeutendsten Autoren des 20. Jahrhunderts übrigens vor allem von seiner Praxis für Haut- und Geschlechtskrankheiten. Aber auch das sehr kümmerlich: In den zwanziger Jahren bekam ein Kassenarzt eine Mark pro Patient im Quartal, und bis in die fünfziger Jahre wurde es auch nicht viel mehr. Während heute die Krankenkassen daran arbeiten – von den Kranken finanziert –, Ärzte zu Millionären zu machen, musste sich Benn noch mit illegalen Abtreibungen über Wasser halten. Und die Unterschiede zwischen den Einkommen wachsen weiter dramatisch! Es war eine der wenigen großen Reformleistungen der alten Bundesrepublik, dass sie den freien künstlerischen Berufen eine Mindestabsicherung gab:...

Die Künstlersozialkasse ist in Gefahr

Elite als Sozialfall?

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

Klaus Rohleder ging über das Meer. Er ist mit 78 Jahren gestorben, wie er gelebt und geschrieben hat. Ohne Umschweife. Immer fragte er rundheraus, ob es Dinge gibt, die ganz für sich und unabänderlich sind. Sein Schreiben war der persönliche Weg, die Welt zu verstehen. Ein befreiender Weltzugang, zu gestalten und die Dinge zu inszenieren, statt alles nur unabänderlich geschehen zu lassen. Er bewegte sich deutlich heraus aus vorgefundenen Bezügen. 1935 im thüringischen Waltersdorf in eine landwirtschaftliche Ordnung hineingeboren, die sich unentrinnbar in einer Kollektivierung auflöste, um dann nach einer überraschenden „Wende“ wieder in einer bäuerlichen Neueinrichtung zu münden. Rohleder wollte dieser Prägung entfliehen, spürte Vakanzen, suchte das verlockend ungelebte Leben. Er kämpfte gegen die Insignien eines falschen Lebens, doch trennte er sich bis zuletzt nicht von seinen Ursprüngen. Die Kunst wurde für ihn nicht das Mittel, die Welt zu ändern, aber zum Versuch, sie zu überleben. Es war Notwehr. Aus der Angst, sich selbst zu verfehlen, begann er zu schreiben. Spät, da war er fast vierzig. Rohleder hat gespürt, die Realität an sich genügt zum Schreiben so wenig wie die Biografie des Autors. Er unterlief das Reale und zog es in einen sanften Surrealismus. Was ihm als Dramatiker expressiver...

Zum Tod des Dramatikers Klaus Rohleder

Verbotene Spiele

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Theater ist überlebensnotwendig

Ein weltweit bekanntes Dorf liegt in Gallien. Das kleine Dorf, von dem wir im Künstlerinsert Bilder zeigen, liegt in Mecklenburg-Vorpommern: Nossendorf. Hier führt Hans-Jürgen Syberberg seit vielen Jahren einen Kampf um die Rückgewinnung jenes Glücks, das ihm dieser Ort, in dem er 1935 geboren wurde, einmal gewährte. „Lebt er einen Traum? Vielleicht. Gewiss aber lebt er die Erinnerung an etwas, das nicht nur im Gestern wurzelt, sondern durch alle Zeiten...

Pünktlich zum 200. Geburtstag Georg Büchners ist sein literarisches Gesamtwerk in einer Hörspieledition des Münchener Hörverlags erschienen, und die versammelt vier bemerkenswerte Aufnahmen. „Dantons Tod“ ist in der Bearbeitung und Regie von Joachim Staritz zu hören, dem Hörspielzauberer des Rundfunks der DDR. Staritz hatte für diese Produktion 1980 ein großes Ensemble engagiert: Dieter Mann als Robespierre, Eberhard Esche als Lacroix, Michael Gwisdek als Camille, Ursula Karusseit als Julie und Günter Zschäckel als Danton. Hier kann man noch einmal hören, wie gegenwärtig Büchner in der DDR war und wie das Politische zur Wirkung gebracht wurde, ohne plakativ oder historisierend zu werden. Die Musik von Reiner Bredemeyer schafft einen ebenso gegenwärtigen Kommentar zu Büchners Text. Helmut Haruns Hörspielfassung der „Lenz“-Novelle aus dem Jahr 1955 für Radio Bremen ist ebenfalls eine lohnende Wiederentdeckung. Harun hat die Novelle dialogisch aufgelöst und mit Zitaten aus Büchners Stücken und Briefen collagiert, so dass die Produktion, unterstützt durch die Kompositionen von Klaus Blum, ein Netzwerk von Assoziationen schafft, das sich akustisch ebenso dicht wie sprachlich virtuos entfaltet. Hans Paetsch als Sprecher, Günther Dockerill als Lenz, Ludwig Anschütz als Oberlin und Karin Becker als Singende Magd gelingt es, die dramaturgische Komplexität dieses Fragments hörbar zu machen.

Büchner on air

In den frühen Morgenstunden, wenn der Verkehr auf dem Boulevard Maria Luiza noch schläft und die TUI-Urlauber mit Brummschädel im Bett liegen, erwacht das Rathaus in Varna, wie mancher hier vielleicht sagen würde, mit teuflischem Gesicht. Schräg beleuchtet von der aufgehenden Sonne, glüht der zwölfstöckig-verglaste Klotz der Stadtverwaltung, den viele am Tag nur im Rückspiegel wahrnehmen, wenn sie mit quietschenden Reifen Richtung Strand abbiegen, zwielichtig rot, fast dämonisch. Der kleine Haufen Geröll auf dem Gehweg fällt davor kaum ins Gewicht. Liegt da, traurig grau, doch immerhin frech mitten im Weg. Dort, wo einmal ein Mensch gestanden hatte. Und also nicht vorbeigegangen war, wie so viele in den letzten Jahren, tagaus, tagein, raus aus dem Gebäude, rein in das Gebäude, Politiker, Angestellte und Menschen, über die man lieber schwieg. Sondern stehen geblieben war an einem frühen, sehr frühen Morgen wie diesem. Sportlich, durchtrainiert, lebensfroh. Ein Mensch, der zupacken konnte. Und nun zupacken wollte. Stehen geblieben auf dem Platz vor dem Rathaus, so dass alle ihn sahen, mit einem Transparent in der Hand – und einem Kanister voll Benzin. Bulgarien 2013 – das ist das Jahr der Proteste. Das Frühjahr des Zorns, der Sommer der Hoffnungen, der Herbst der Beharrlichkeit. Ein Jahr,...

In Bulgarien ist 2013 das Jahr der Proteste: Schluss mit der Mafia, heißt es. Auch das Theater mischt kräftig mit – indem es Geschichten sammmelt, die auf der Straße liegen

Verbrechen und Zorn

Dass ich Theaterkritiker geworden bin, daran sind im Wesentlichen zwei Leute schuld: Fritz Erpenbeck, 1954 mein erster Chef bei Theater der Zeit, und Herbert Ihering (1888 – 1977). Beide habe ich schon gelesen, da ging ich noch zur Oberschule, und Theaterkritiker war eher eine utopische Vision als ein realistischer Berufswunsch. An Erpenbeck schätzte ich die einfachen, politisch unterfütterten Wahrheiten, an Ihering – das eher ergänzend als korrigierend – die differenzierte ästhetische Wertung, die freilich nie die politische Dimension des rezensierten Gegenstands aus dem Auge verlor. Um es an einem markanten Beispiel zu verdeutlichen: Erpenbeck lehnte Sartres „Fliegen“ – in Jürgen Fehlings Regie eine der herausragenden, freilich auch polarisierenden Inszenierungen der späten Vierziger – mit ihrem existenzialistischen Diskurs über Freiheit und Verantwortung als politisch kontraproduktiv ab, während Ihering – bei aller auch bei ihm zu spürenden Skepsis und seiner Kritik an der Dekonstruktion des antiken Vorbilds – doch die öffentliche Auseinandersetzung mit dem Autor und seinem Werk für unverzichtbar hielt. Die schmalen im Aufbau-Verlag erschienenen Bändchen „Berliner Dramaturgie“ und „Vom Geist und Ungeist der Zeit“ (und andere) sowie die bei Henschel erschienenen Almanache „Theaterstadt Berlin“ (1948) und „Theater der Welt“ (1949) gehörten zum Grundstock meiner Theaterbibliothek, und sie waren Orientierungshilfen in...

Zwei Bücher von und über Herbert Ihering erzählen von seinem Leben und seinen Problemen

Linzers Eck: Ein besessener Theatermann, ein Kritiker

Brennender Schatten

Staatstheater Mainz: Apfelstrudel aus der Tube

Yoko Ono, Sie haben vor einem halben Jahrhundert Fluxus mit erfunden. Ihre Happenings und Live-Acts mit John Lennon sind legendär, Ihre Score-Events sind in die Nachkriegsgeschichte der Avantgarden eingegangen. Wie nehmen Sie die weltweite Verbreitung der Performance-Art wahr? Nicht schlecht. Das Grapefruit-Manuskript gilt als Ihr Hauptwerk. Es war wegweisend für Konzeptkünstler wie Sol LeWitt, Robert Rauschenberg oder George Brecht und George Maciunas. Erinnern Sie sich noch an den Anlass, es zu verfassen? Ich hatte damals so viele Instructions gesammelt, dass ich sie in einem Buch zusammengefasst sehen wollte, bevor ich die Papiere verlieren oder sie vergessen würde. Die in dem Buch versammelten Event-Scores und Instructions sind Handlungsanweisungen, Ideenskizzen für Performances, die im Grunde jeder durchführen könnte, so meint man. Noch heute inspirieren sie viele Künstler in den transdisziplinären Künsten. Wie ist es bei Ihnen, handeln Sie selbst noch immer danach? Mich interessiert eher meine aktuelle Arbeit. Heute werden Sie immer wieder von Museen und Theatern eingeladen. Mit Ihren hinreißenden Improvisationen, zuletzt in Hamburg zusammen mit Thurston Moore von Sonic Youth, überzeugen Sie das Publikum von der Kraft der Phantasie. Verraten Sie uns, wie Sie das machen? Ich bin ich. Das ist alles. Schaut man auf Ihr Lebenswerk, sieht man unfassbare...

Was macht das Theater, Yoko Ono?

Ende der Exception Culturelle

Mrożek war der letzte polnische Name, den ich beim Verlassen meiner Warschauer Altstadtwohnung am frühen Morgen des 19. April 1966 hörte. Ich wusste damals nicht, dass ich nie mehr zurückkehren würde. Mein stotternder Hausmeister hatte mich im Flur aufgehalten: „Die In-in-in-ge-nieure haben bei Mro-mro-żek eingebrochen!“ Die Bewunderung eines in die Stadt versetzten Bauern für das technische Können der Diebe war nicht zu überhören. Wand an Wand hatte ich in einer Mansarde mit Sławomir Mrożek gewohnt, in einer architektonischen Installation für Privilegierte. Zwei Jahre später wurde Mrożek zum Emigranten, aus demselben Grunde wie ich: dem Erdrosseln des Prager Frühlings durch sowjetische Panzer. Wir bewegten uns auf einer Doppelhelix-Rampe der Zeit, ohne es zu wissen. Mrożek war ein seltenes Multitalent, ein origineller Cartoonist, ein Satiriker und Humorist, ein Kurzgeschichten- und Novellenschreiber, ein Stücke- und Einakter-Entwerfer, ein Memoirenverfasser. In jedem Genre war er sehr profiliert. Neben Geniestreichen gab es auch Misslungenes. Doch: De mortuis nil nisi bene – wir wollen uns an seine Meisterwerke erinnern. Sein frühestes Meisterstück ist wohl der illustrierte Band „Der Elefant“ (1957), in dem eine belagerte Stadt als Modell für eine vereinheitlichende immanente Systemkritik dient (siehe Kalter Krieg, Stalinismus). Sein großer Wurf ist dabei die darauffolgende Anwendung seiner satirischen...

Dem polnischen Multitalent Sławomir Mrożek (1930 – 2013) zum Abschied

Zwei Octogenarians auf der Doppelhelix-Rampe der Zeit

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

Eine Wette auf die Zukunft

R Ä U M E

„Auf einmal“, neun Tage nach Beginn des Mauerbaus, taucht Konrad Adenauer (Sven Simon) am Tatort auf. Geisterhaft schleicht „der Alte“, wie er längst im Volksmund heißt, über die Bühne, nichts tuend, nichts sagend, fast wie tot. Trüge er nicht eben jene unverwechselbaren Gesichtszüge des ersten Kanzlers der Bundesrepublik, könnte dieser Mann ohne weiteres als Geist des toten Königs von Dänemark durchgehen. Im Vordergrund verfolgt Willy Brandt (großartig: Andreas Hutzel), Bürgermeister Berlins, gebannt das Geschehen – und ist sich sicher: Unmöglich könnten die Bürger den „Alten“ ein weiteres, viertes Mal zum Bundeskanzler wählen, nicht diesen Stillstand in Person – und schon gar nicht gegen ihn, den Visionär, der das Volk wieder vereinigen und den Kalten Krieg beenden möchte. Ehefrau Rut (Susanne Höhne) hingegen sieht es kommen: „Unterschätze den Uhu nicht!“, mahnt sie ihren Mann. Und als es schließlich so weit ist, der inzwischen 85-jährige Adenauer zum vierten Mal die Wahl gewinnt, weiß Rut prompt den Grund: „Er menschelt“, sagt sie über den „Uhu“ – nicht ohne Gatte Willy eins zu verpassen. Sie hält ihm vor, in jeder Lebenslage derselbe öffentliche Mensch zu sein. Es ist nicht die einzige, vielleicht aber die prägnanteste Szene, in der Autor und Regisseur Michael Wallner Willy...

Theater Lübeck: „Willy Brandt – Die ersten 100 Jahre“ (UA) von Michael Wallner. Regie Michael Wallner, Bühne Heinz Hauser, Kostüme Tanja Liebermann

Lübeck. Das Brandt-Klischee

Menschen können füreinander bestimmt sein, ohne dass sie davon wissen. Ihrem Schicksal entgehen sie dennoch nicht. So erzählt und vorgeführt von Georg Büchner in der Komödie Leonce und Lena. Wie es damals so war: Bestimmt wurde die Ehe nicht von den zukünftigen Eheleuten, sondern entschieden wurde nach Staatsinteressen: Leonce aus dem Reich Popo sollte Lena aus dem Reich Pipi ehelichen. Doch Leonce wollte nicht und floh aus seines Vaters Land, allein schon weil er dem verordneten Müßiggang und der sozialen Ungerechtigkeit entkommen wollte – und natürlich der Eheschließung mit Lena. Und Lena? Auch sie mochte keine Konventionen. Aber beide trafen sich zielstrebig auf ihrer Flucht. Und beide erkannten sich nicht – und entgingen ihrem Schicksal nicht … Dazu passt das Hörstück von Hermann Kretzschmar nach Texten von Georg Büchner, u. a. aus dem „Hessischen Landboten“, jenem Text, in dem Georg Büchner 1834 die Landbevölkerung zum Widerstand gegen die herrschenden Klassen – Adel und Bürgertum – aufrief: „Friede den Hütten! Krieg den Palästen!“ In seinem Hörstück Büchners Bote fragt sich Kretzschmar: „Sind heute noch gesellschaftliche Zustände wie im Landboten beschrieben existent? Ist dieses Stück noch aktuell nach seiner 180-jährigen Emanzipationsgeschichte gegenüber Staat und Obrigkeit? Kann der Text mehr sein als nur...

Hörspiel: Krieg den Hütten

Fotos für das Tagebuch aus Nossendorf

Meldungen

Herr Stein, als Sie mit Ihrem Ensemble an die Berliner Schaubühne gingen, gab es noch Zukunft. Sie waren überzeugt, Sie könnten die Realität verändern, das Künftige gestalten, Entfremdung aufheben. All diese Ansprüche gibt es heute nicht mehr. Da wird von Alternativlosigkeit gesprochen, und in den meisten Bereichen herrscht Resignation oder doch Lethargie. Aber das scheint mir in erster Linie ein vorübergehendes Phänomen. Zuerst möchte ich allerdings sagen, dass ich inzwischen 75 bin und eigentlich meinem Alter gemäß zu beklagen hätte, dass früher alles viel besser war, dass es jetzt immer schlechter wird und es keine Zukunft mehr gibt. Doch selbst wenn ich dergleichen meinem Alter entsprechend gerne postulieren würde, es ist mir schlicht und einfach nicht möglich, solche Behauptungen aufzustellen. Ich habe mit sieben Jahren das zerbombte Berlin gesehen, mit Leichen auf der Straße, zerstörten Häusern. Nichts als Schutt. Wenn ich heute durch Berlin gehe – was mir nicht viel Spaß bereitet, da ich Berlin nach wie vor nicht mag, auch wenn ich dort geboren bin –, kann ich nicht abstreiten, dass es dort heute wesentlich besser aussieht. Wie kann ich angesichts dieses Wissens sagen, dass alles schlechter wird? Ausgeschlossen. Dazu kommt noch – das muss man wissen –, dass...

Peter Stein über die Zukunft des Theaters als letzte Bastion der Öffentlichkeit, befragt von Frank Raddatz

Das kommende Kollektiv

Das Ährenfeld als stille Utopie

Schauspiel Essen: Unnachgiebig behutsam

Da durchwandert einer auf verschlungenen Wegen seine Welt. Faust? Nein, Hasko Weber, der neue Generalintendant des Nationaltheaters Weimar, nimmt sein Haus in Besitz. Im dunklen T-Shirt und Jeans kreist er gerade durch sein für die Klassikerstadt bemerkenswert funktionales Büro. Aber Weimar ist vieles, nicht nur Goethe und Schiller, auch Nietzsche und Bauhaus. Bloß nicht repräsentieren wollen, in Weimar muss man immer gegen den musealen Sog anspielen! Hasko Weber, ein später Nachfolger des Theaterdirektors Goethe, hat seine Rolle, so scheint es, sofort gefunden: ein Bühnenarbeiter im multifunktionalen Auftrag! Bis er am Tisch sitzt, dauert es einen Moment, er muss nur noch schnell eine SMS abschicken und eine Mail beantworten, das lässt sich am besten im Gehen erledigen. In zwei Stunden beginnt „Lohengrin“, gestern eröffnete die Spielzeit mit dem von ihm inszenierten „Faust“, und morgen steht Christoph Heins „Weiskerns Nachlass“ im E-Werk auf dem Plan. Dafür wirkt er sehr gelassen. Er kann die Reihe der unzeitgemäßen Existenzen noch fortsetzen: In dieser Spielzeit stehen auch noch Raskolnikow aus Dostojewskis „Schuld und Sühne“ und Ibsens „Baumeister Solness“ auf dem Programm. Sind das nicht alles Die-Welt-ausden- Angeln-Hebende, die sich schließlich überheben, Wirklichkeitsflüchtlinge, die von der Wirklichkeit brutal eingeholt werden, Traumverlorene, die der Albtraum verschlingt? Diese...

Hasko Weber, der neue Generalintendant, spielt in Weimar gegen den musealen Sog an

Doping für die Utopie

Dramaturgie der Solidarität

Im Oktober feiert Georg Büchner seinen 200. Geburtstag. Ehrte beispielsweise die Akademie der Künste in Berlin den im selben Jahr auf die Welt gekommenen Richard Wagner mit einer Vielzahl von Veranstaltungen, wird Büchner dagegen vergleichsweise stiefmütterlich behandelt. Dieses Faktum gilt allerdings nicht für den Buchmarkt, wo Jan-Christoph Hauschild und Hermann Kurzke termingerecht mit Biografien aufwarten. Ein Unterfangen, das bei der spärlichen Quellenlage viel interpretatorisches Geschick der Autoren fordert. Beide Interpreten widersprechen einander zutiefst. Während bereits Hauschilds Titel „Georg Büchner. Verschwörung für die Gleichheit“ anzeigt, dass es darum geht, das Denken und Dichten des von den hessischen Behörden steckbrieflich Gesuchten im Projekt Geschichte zu lokalisieren, bemüht sich Genieästhetiker Kurzke mit „Georg Büchner. Geschichte eines Genies“ um das genaue Gegenteil. Seine Anstrengung widmet sich dem Versuch, ihn aus politischen Zusammenhängen zu entfernen, um ihn in christlichen Kontexten neu einzubetten – was bei dem Verfasser der revolutionären Propagandaschrift „Der Hessische Landbote“ mit der eingängigen Parole „Friede den Hütten! Krieg den Palästen!“ oder des Revolutionsdramas „Dantons Tod“ offensichtlich kein einfaches Unterfangen ist. So präsentiert Hauschild einen Büchner, der „die gerechte Verteilung der gesellschaftlichen Produktion anvisiert“ und dessen geschichtliche Existenz in „einer Atempause zwischen zwei Gewaltanstrengungen“ – gemeint sind die Französische Revolution und die Deutsche...

Büchner – unversöhnbar

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Das Publikum ist der Freier. Es hat keine Chance, sich im Dunkel des Zuschauerraums zu verstecken. Ohne dass jemand dem ironisch-lasziv gesungenen Megafonappell „Ruf mich an!“ nachkommt, treten die Prostituierten nicht aus ihrem rot beleuchteten Schaufenster heraus und erzählen von ihren Erfahrungen – das Publikum muss die eingeblendeten Handynummern schon auch anrufen. „Rotlicht“, wie die neueste Produktion des freien Ensembles werkgruppe2 heißt, feierte unter Beifallsstürmen im April ihre Uraufführung im Deutschen Theater in Göttingen. Zwei Stunden lang geht es um reale Lebensgeschichten und Erlebnisse aus dem Berufsalltag von Prostituierten, die in Deutschland arbeiten – ein zeitgemäßer Blick auf intimste Wünsche und Probleme innerhalb einer von jeher boomenden und noch immer tabuisierten Dienstleistungsbranche. Julia Roesler (Regie), Insa Rudolph (Musik) und Silke Merzhäuser (Dramaturgie), gemeinsam der Kern der Gruppe, entwickelten zusammen mit dem Deutschen Theater eine verdichtete, auf Interviews basierende Textfassung, die klar im Vordergrund der Inszenierung steht. Von der Sexualtherapeutin über die Domina aus Leidenschaft bis zur ausgebeuteten Migrantin reicht das Spektrum von Sexarbeiterinnen, denen stets eine oder mehrere reale Stimmen zugrunde liegen. „Rotlicht“ ist die vierte recherchebasierte Stückentwicklung, die in Kooperation mit dem DT nach „Friedland“ (2009), „Soldaten“ (2011) und „Zirkus“ (2012) entstand. Handelte es sich 2006 in den Anfängen...

Wie das freie Ensemble werkgruppe2 das Publikum daran hindert, sich zurückzulehnen

Im Zuschauertraining

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Anfangszeiten der Inklusion

Wer glaubt heute noch an eine Weltverbesserungsmaschine? Hand aufs Herz, die wenigsten wollen sich eine solch allumfassende Mechanik vorstellen, mit der man die Welt gestaltet. Das war nicht immer so. Als Bengt Skytte, ein schwedischer Edelmann und Gelehrter, in der Mitte des 17. Jahrhunderts für den Königshof in Stockholm kostbare Archivalien aus Bibliotheken und bedeutenden Kunstsammlungen Europas zusammentrug, hatte er eine große Konstruktion vor Augen, die er gemeinsam mit der wissenschaftlichen, geistlichen und politischen Elite verwirklichen wollte. In Schweden sollte er seine Weltverbesserungsmaschine nicht bauen, aber Friedrich Wilhelm, Markgraf von Brandenburg, holte ihn nach Berlin. Dort sollte irgendwo in der Mark ein „modernes Athen“ entstehen, wo unter dem Schutz des Kurfürsten angesehene Wissenschaftler und Künstler Entdeckungen zum „Heile und Fortschritt des Menschengeschlechts“ machen und in der Welt verbreiten sollten. Geplant war dieses universelle Forschungszentrum für Tangermünde an der Elbe. Hier wollte der Visionär und wegweisende Netzwerker Skytte seine Arbeit an der Weltverbesserungsmaschine beginnen. Doch seine Bemühungen scheiterten. Trotzdem wird seine Idee nicht vergessen. Sie taucht später in geheimen Bauplänen auf. Auch die preußische Akademie der Wissenschaften und Künste lässt sich auf sie zurückzuführen. Der Architekt und Designforscher Friedrich von Borries hat die jahrhundertealte Utopie von der Weltverbesserungsmaschine jetzt wieder ausgegraben...

Kunst: Weltverbesserer

Was macht das europäische Musiktheater unter prekären Bedingungen? Es hört ganz einfach auf zu singen. Den Rückgang von Gesang zugunsten performativ-schauspielerischer Praktiken hat man in den letzten Jahren im zeitgenössischen Musiktheater ohnehin als Tendenz beobachten können. Spardruck mag solche zunächst ästhetisch begründeten Entscheidungen noch weiter forciert haben. Beim von der Neuköllner Oper organisierten Festival Move Op!, das den semantischen Zusammenschluss von Europa, Prekariat und Musiktheater in den Untertitel transportierte, durfte man jetzt das radikal-reduktive Moment des Musiktheaters ganz ohne Gesang gleich zweimal erleben. Zuerst fiel er bei einem selbsterdachten Gehweg-Monopoly über die Hintergründe der europäischen Schuldenkrise auf dem Trottoir vor der Neuköllner Oper aus. Danach beschränkten sich in der charmanten Produktion „Westwärts“ die famosen Musiker der Jazzcombo The Skopje Junction weitgehend auf Instrumentalmusik. Sie waren neben dem Saiten-Streichen und Tasten-Touchieren vor allem schwer damit beschäftigt, sich der landläufigen Klischeevorstellungen über Musik vom Balkan zu erwehren, mit denen der Schauspieler Kai Meyer sie überhäufte. Meyer, ein blonder Ostfriese wie aus dem Regionalbilderbuch herauskopiert, war mit seiner an sich schon hochkomplexen Rolle als Schauspieler, der sich seine Brötchen als Schleuser von nicht unbedingt schleusungswilligen Personen verdient (die Musiker der Combo) und davon träumt (und dann wieder davon angewidert ist), in Hollywood Karriere...

„Move Op! Europäisches Musiktheater unter prekären Bedingungen“ an der Neuköllner Oper in Berlin streicht den Gesang – zugunsten des Schlachtrufs der Straße

Gezi, Gezi, Taksim, Taksim

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

Herr Hein, die regierenden Parteien – wir sprechen noch vor der Wahl – preisen den Stillstand und behaupten, es gehe uns so gut wie nie. Rüdiger Stolzenburg, der Held Ihres Romans „Weiskerns Nachlass“ und unsere Identifikationsfigur, ist, wie wir heute sagen würden, ein Loser – wenn auch einer mit moralischen Skrupeln. Wie gut geht es uns denn nun wirklich? Vor einigen Jahren gab es unwiderlegbare Beweise, dass die große Klimakatastrophe...

Der Autor Christoph Hein über eine Wirklichkeit, die nicht mehr nach dem Humanismus fragt, im Gespräch mit Martin Linzer

Rasender Stillstand

Guilt-Trip durchs Vogtland

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Bei unserem ersten ernsthaften Gespräch, also außerhalb der Berliner Theaterkantinen, ging es nicht um die Schauspielerei, sondern um Kunst, um Mode und Malerei. Die Zeitschrift Sibylle hatte mich gebeten, über die Absolventin der Kunsthochschule in Weißensee und ihre Bilder zu schreiben. Aber da betrieb Katja Paryla die Malerei schon nur noch als Hobby, hatte sie nach dem ersten Studium doch ein zweites an der Berliner Schauspielschule erfolgreich beendet – sie folgte schließlich der „Stimme des Blutes“, Vater (Emil Paryla alias Stöhr), Mutter, Onkel, Cousins, alles Schauspieler – und war nach einem Engagement an der Volksbühne (hier war sie 1965 in Benno Bessons legendärem „Moritz Tassow“ zu sehen) am Maxim Gorki Theater gelandet. Kritiken aus dieser Zeit (1967 bis 1977) beschreiben sie als Schauspielerin mit „weiblicher List“, aber auch „rustikaler Robustheit“, sie hat damals vor allem die Landmädels gespielt wie die Tuzza in Pirandellos „Liolà“ oder die Tomaten- Karla in Kerndls „Alois Fingerlein“ – die Stadtfräuleins spielte Jutta Hoffmann –, und die Rosaura in Goldonis „La donna di garbo“ war ein Dauerbrenner. 1977 folgte Katja Paryla dem Ruf ans Deutsche Theater – der Olymp für jeden jungen Schauspieler in der DDR –, Mutter Selly Paryla war da die persönliche Referentin von...

Zum Tod der Schauspielerin und Regisseurin Katja Paryla (1940 – 2013)

Decket euch mit Mondlicht zu

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Herr Schulze, das Senftenberger GlückAufFest beschäftigt sich in diesem Jahr mit der deutschen „Wirklichkeit“. Ihr Text denkt dabei anhand des Märchens „Des Kaisers neue Kleider“ über die selbstverordnete bzw. ‑auferlegte Blindheit unserer Gesellschaft nach: Krise der Euroländer, Krise des Sozialstaats – alle sehen, was derzeit passiert. Doch niemand ruft: Der hat nichts an. Aber stimmt das wirklich? Das Misstrauen der Bevölkerung ist doch recht groß. Es gab Occupy, Stuttgart 21...

Der Autor Ingo Schulze über seinen gesellschaftssezierenden Essay „Unsere schönen neuen Kleider“ im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Die Beobachtung des Beobachters

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Bühnen, wollt ihr ewig leben?

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

The Ghost, The Voice, The Faceless

Konzert Theater Bern: „The Fool and the Princesses“ von Cirque de Loin. Regie Michael Finger, Bühne Thomas Fri Freydl und André Lu Lusser, Kostüme Martina Barandun

Bern: Scheitern und schummeln

Die Zukunft nebenan

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Am 4. April 2011 wurde der Regisseur und Schauspieler Juliano Mer- Khamis vor seinem Freedom Theatre erschossen. Als Sohn einer jüdischen Mutter und eines palästinensischen Vaters hatte er die Bühne, mitten im Flüchtlingslager von Jenin, dazu genutzt, um gegen die allgegenwärtige Hoffnungslosigkeit, den Hass und die Gewalt anzuspielen. Der Dokumentarfilm Art/Violence erinnert an den ermordeten Aktivisten, indem er zeigt, wie dessen Vermächtnis bewahrt wird. Um dem Gefühl lähmender Wut zu entkommen, gab es für die Freunde und Mitarbeiter Julianos nur einen Weg: die Intentionen des Theatermannes in die Zukunft zu tragen. In drei Kapiteln beschreibt der Film die Metamorphosen mehrerer Projekte: „Alice im Wunderland“, Julianos letzte Regiearbeit, erweist sich als spielerischer philosophischer Diskurs über Anpassung und Aufbruch. In „Warten auf Godot“ werden alle Rollen von Frauen übernommen, die damit zugleich ihre Ohnmacht gegenüber einer oft nur schwer durchschaubaren, patriarchalisch dominierten Realität artikulieren. „Antigone“ schließlich skizziert das Bemühen von Julianos Tochter, den Traum ihres Vaters, eine Verfilmung des klassischen Stücks, zu verwirklichen. In seiner Mischung aus Theater- und Konzertszenen, Animationen und Interviews eröffnet „Art/Violence“ berührende Einblicke in das Geflecht von Bedrohung, Lethargie und Widerstand im Westjordanland. Alles im Leben von Marc, dem Helden von Angela Christliebs Naked Opera, dreht sich um...

Film: Dem Tod entgegen

Görlitz-Zittau: Gerhart-Hauptmann-Theater beendet Suche nach Namenssponsor

Das Haus der Kulturen der Welt in Berlin ist immer gut für eigenwillige Reihen mit hohem Überraschungswert. Böse Musik lautet nun der Titel eines spartenübergreifenden Minifestivals, das sich mit der Anziehungskraft von Mafialiedern, Drogenballaden, „Hate-Rap“ und anderen „Oden an Gewalt, Tod und Teufel“ befasst. Da wäre etwa das florierende Musikgenre der „Narcocorridos“, das Mexikos Jugend ein Heer an Stars und bösen Posterboys beschert hat. Zu frohsinnigen Polkaklängen besingen die Interpreten mörderische Taten von Drogenbossen nach Art von Heldensagen. Als Mexikos Antwort auf „Gangsta-Rap“ bezeichnen die Musiker ihr Genre stolz und sind selbst irritierend eng mit ihren Auftraggebern aus dem Drogengeschäft verbandelt. Dem aberwitzigen Pop-Phänomen nähert sich der Berliner Musiker Georg Zeitblom bei seinem Konzert mit Band und Michael Farin an: Der Buch- und Hörspiel- Autor ist gewissermaßen Fachmann für die Abgründe der Seele, mit denen er sich schon in Arbeiten zu „Totmacher“ Fritz Haarmann oder „Psycho“-Vorbild Ed Gein näher befasste. Auch Klangbastler und Cumbia-Freigeist Axel Krygier versetzt sich beim Abschlusskonzert in die Perspektive eines „bösen“ Charakters. Sein „Mann aus Stein“ – „Hombre de Piedra“ – geistert als finsterer Protagonist durch die neuen Songs des Argentiniers. Verstört- verstörende Innenansichten prallen dabei auf Krygiers elektroinfizierte, durchaus partyselige Klänge. Neben exklusiven Auftritten von...

Musik: Oden an Gewalt, Tod und Teufel

Frankfurt (Oder): Miriam Unterthiner erhält Kleist-Förderpreis für neue Dramatik

Der Kultur-Kahlschlag droht

Was macht das Theater, Thomas Köck?

„Wenn die Herrschenden nicht mehr können und die Beherrschten nicht mehr wollen, entsteht eine revolutionäre Situation“, so heißt es bei Lenin. Vor ein paar Jahren hat Carl Hegemann versucht, den alten Satz zu variieren: Ist es heute vielleicht so, dass die Herrschenden zwar noch können, aber nicht mehr wollen, während die Beherrschten noch wollen, aber nicht mehr können? Wie richtig Hegemann lag, hat sich allerdings noch nie so offen gezeigt wie im diesjährigen Bundestagswahlkampf. Nein, es ist klar: Irgendetwas hat sich verschoben. In den Wahlen der letzten, sagen wir 15 Jahre war aufseiten der „Herrschenden“ immerhin noch so etwas wie ein verzweifelter Wille zu spüren. Und den musste man selbst dann anerkennen, wenn man nicht an die dramatischen Entschlossenheitsgesten, personalisierenden Zuspitzungen und haltlosen Versprechen glaubt, ohne die das politische Geschäft in der repräsentativ organisierten Öffentlichkeit nun einmal nicht auskommt. Immerhin gab es sogar Sternstunden des Polittrashs: die hysterischen Aktionen des „Projekts 18“, die Guido Westerwelle in den „Big Brother“- Container und ins „Guidomobil“ führten; Gerhard Schröders Elefantenrunden-Auftritt, bei dem er wie ein deutsches Jack-Nicholson- Imitat agierte, das es um jeden Preis in Hollywood schaffen will. Noch Frank-Walter Steinmeiers Versuch, im Wahlkampf 2009 aus der Regierung heraus Oppositionsgeist zu verkörpern, war...

Christoph Hein und Ingo Schulze: Rasender Stillstand

Neuerscheinungen im Verlag