Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Peter Handkes neuestes Buch wird mit Sicherheit bald auch die Bühnen erreichen. Denn das „Zwiegespräch“, ohne Gattungszuweisung des Autors, ist zwei großen Schauspielern gewidmet, beide in den letzten Jahren verstorben und unsterblich als die Engel über Berlin in Wim Wenders’ Film, für den Handke das Drehbuch schrieb: Bruno Ganz und Otto Sander. So wird man sich die beiden beim Lesen des Dialogs vielleicht in Erinnerung rufen, aber es können auch andere sein. „Genug jetzt ins Leere geschaut“ lautet der erste Satz, der auch einen Beckett-Dialog in Gang setzen könnte. Es gibt eigentlich nichts direkt zu besprechen, sondern eher als eine Möglichkeit des Erzählens zu umkreisen oder als Spiel aufzumachen. So erinnert sich der eine an seinen Großvater als „eine Spielernatur“, um zu sinnieren: „Das Idealisieren der Ahnen ist Teil der Materie“. Dass vieles von Handkes Werk sich wesentlich aus seiner eigenen Familien-Mythologie speist, darf hier mitgelesen werden. Bis zurück zu seinem ersten Roman „Die Hornissen“ (1966), der hier in loser Assoziation als konkret bekämpftes Hornissennest in der ­Geschichte des Großvaters erscheint. „Zwiegespräch“ kann somit auch als spuren­suchende Rückblickspoesie gelesen werden, für zwei Stimmen des einen Handke. Wer nun nach Äußerungen zu den Ereignissen unserer Gegenwart oder Bekundungen zu den Diskussionen...

Peter Handke: Zwiegespräch. Suhrkamp Verlag, Berlin 2022, 68 Seiten, 18 Euro

Kritik aus Enttäuschung

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Der Feldherr als Feldspieler – darauf muss man auch erst mal kommen. Anne Lenk macht aus Kleists Kriegern: Kicker. Amphitryon mutiert am Staatstheater Nürnberg vom Heeres- zum Spielführer, der nach erfolgreicher WM als Weltmeister nach Theben heimkehrt. Dort muss der gefeierte Fußballgott allerdings feststellen, dass ihn ein echter Gott zum Tor des Monats, ach was, mindestens zum Toren des Jahrhunderts gemacht hat. Denn noch während sich der WM-Held auf dem Rasen abrackerte, räkelte sich Womanizer Jupiter bereits im Bett mit des Mannschaftskapitäns Ehefrau Alkmene. Amphitryon sieht sich gehörnt und, schlimmer noch, seiner Identität beraubt. Fußball-Fans wissen: „Es gibt nur ­einen Rudi Völler!“ Amphitryon dagegen scheint plötzlich doppelt zu existieren, und die Fälschung ist offenbar noch besser in Form als das Original, gemessen jedenfalls an den Scorer-Punkten, die Alkmene für die Performance des Fake-Gatten vergibt. Fairplay sieht anders aus. Als sich der Göttervater am Ende zu seinem groben Foul bekennt, bleibt auch Alkmene nur ihr finales „Ach!“. Es ist schon bemerkenswert, wie kriegerisch der Fußballjargon ist. Auch da werden Schlachten geschlagen, es wird geballert, Gerd Müller war einst gar der „Bomber der Nation“. Angesichts des Kriegs in der Ukraine mag es ein kluger Schachzug gewesen sein, Kleists Stück zu entschärfen. Zwar...

Staatstheater Nürnberg: „Amphitryon“ von Heinrich von Kleist. Regie Anne Lenk, Bühne Judith Oswald, Kostüme Sibylle Wallum

Nürnberg: Leichtfüßig verspielt

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Gegen Ende der Performance tanzt Robin Arthur mit einer Stehleiter, wiegt sie in seinen Händen wie eine Frau, und man könnte schwören, die Szene schon mal in einem Charlie-Chaplin-Film gesehen zu haben. Der Slapstick und das habituell Überforderte sind auch der neuen Performance des britischen Kollektivs Forced Entertainment eingeschrieben. Diesmal verlieren sie dabei, wie schon in ihrem 2018 in Frankfurt am Main urauf­geführten Stück „Out of Order“, kein Wort. Die Bühne markiert ein Quadrat aus grünem Kunstrasen, begrenzt von einigen weißen Stellwänden. Robin Arthur, Nicki Hobday, Richard Lowdon, Claire Marshall, Cathy Naden und Terry O’Connor treten in Blaumännern und schwarzen Laufschuhen dahinter hervor. Mit ihnen auf die Bühne kommen vier Stühle, acht Kartons, ein ­Podest, eine Leiter und ein Tisch. Die Performer:innen aus der Arbeiterstadt Sheffield tragen die Dinge von hier nach dort, von einer Ecke in die andere, stapeln sie mal vorne, türmen sie mal hinten auf, laufen zügig oder hastig, quer oder diagonal zu den Seiten des Rasenstücks. Dabei rempeln sie sich nicht an, obwohl sie meist stur geradeaus ­blicken, Gesichter der Arbeit ziehen. Dazu ertönt ohrenbetäubender Lärm in einer Mischung aus Jahrmarktsmusik und Presslufthammergewummer (Komposition: Graeme Miller). Ein Gong ertönt wie ein Weckruf. Nach zehn Minuten versammelt...

Künstlerhaus Mousonturm: „Under Bright Light“ von Forced Entertainment. Regie Tim Etchells, Bühne Richard Lowdon

Frankfurt am Main: Der volle Raum

In diesem Stück treten möglichst viele Schauspieler auf. Wir sind ja auch stets viele, zu viele, aber dennoch sind die Human Resources immer knapp, deswegen sehen wir, wie wir zurechtkommen. Vielleicht ist das ja nicht schlecht, wenn niemand nur eine Rolle spielen muss, sondern verschiedene, und das in unterschiedlichen Rahmenbedingungen. Der Zustand ist wie folgt zu beschreiben: Alles ist weit weg. Also viel zu weit weg. Die Katastrophen, die sich vollziehen, sind immer woanders, auch wenn sie real vor unserer Haustüre stattfinden. Noch immer werden sie Naturkatastrophen genannt. Auch „unser“ Wissen darüber hält sich auf Abstand, als hätte Kausalität ausgesetzt, was solls, ein Überblick ist ohnehin nicht zu bekommen, schon gar nicht im Theater. Wir wissen so viel: Die Tragödie lebt vom Handlungsdruck und der ist gegeben. Die Uhr tickt, und die Dinge sind immer bereits aus dem Rahmen, die Dimensionen stimmen nie, kaum versucht man, Probleme zu benennen, und das menschliche Maß ist aus „uns“ ausgewandert. Unsere Vorstellungskraft ist mit einem Kausaldenken überbeschäftigt, das sie nicht fassen kann. Alleine der Gedanke, als Menschen nun eine geologische Kraft zu sein, aber eben nicht als einzelne, sondern nur als „wir“, als Menschheit, ist einer, der stolpern lässt. Und hier wird gestolpert....

Auftragsarbeit für das Staatstheater Dresden

Das Wasser

Am Schweriner Theater war Kunst eine Re­publikflucht: in die Welt. Fünfzehn Jahre lang, von 1974 an, hat Intendant und Regisseur Christoph Schroth im Norden des Ostens auf eine besondere Weise Theater gezaubert, ­gearbeitet, gewuchtet. Der „Faust“ etwa. Goethe als freches Gleichnis, als ein böser wie belebender Blick auf die brüchige, also bearbeitbare Gegenwart. Schroths Theater erteilte allen Zeitungsausrufe­zeichen ein Hausverbot. Das Publikum strömte und drängte. Die scheinbare Provinz als Zentrum. Schroth betrieb Volkstheater. Ohne Ruch des ­Herabkömmlichen. Aber auch ohne jene Verklärung der Köchin zur Staatenlenkerin. Im Mai 1937 in Dresden geboren, studierte Schroth Journalistik, entrann aber ahnend dem zukünf­tigen Beruf: Er wurde Assistent am Gorki-Theater, ging 1966 nach ­Halle, wo die ­berühmte Inszenierung „Zeitgenossen“ (von Stol­per/Gabrilowitsch/Raisman) entstand, mit Kurt Böwe und Martin Trettau. Ein Bühnen-Best­seller ganz aus Glut für die sozialistische Arbeitsethik. Halle damals: das in der DDR weltberühmte Zeitgenossen-Theater. Ursula Werner, Gerd Grasse, Wolfgang Winkler, Jürgen Reuter, Marie Anne Fliegel, Roman Silberstein. Sie trugen gern Lederjacke: der stämmige Böwe, der klug lenkende Schönemann, der literarische Dramaturg Stolper, der drängend-kämpferische Schroth. Sie gehörten zusammen, und Gerhard Wolfram war ein fühlsamer Intendant. Aber just Schroth steht für den Riss. Es dauert nämlich nicht lange, da ist er arg bedient von...

Dem Regisseur und langjährigen Intendanten Christoph Schroth zum 85. Geburtstag

Entdeckungen, Ermutigungen

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Irgendwo ist Krieg, vielleicht auch eine Pandemie. Aber das ist den Leuten auf der Bühne ziemlich schnurz. Sie haben ihre eigenen Probleme, und zwar genau dort, wo sie das größte Glück verspüren sollten. In der Familie, beim Nachwuchs, den Kindern, der Zukunft unserer Gesellschaft. Kathrin Röggla hat schon vor zehn Jahren das „Kinderkriegen“ zum Thema einer boshaften Satire gemacht. Wobei der Begriff doppeldeutig ist, denn die Eltern ­bekriegen sich untereinander. Jeder und jede glaubt, das richtige Rezept zu haben, wie aus dem Nachwuchs ein mindestens halb­geniales Wesen mit Menschheitsrettungspotenzial wird. Von diesem Druck erzählt das Stück. Ursprünglich war es ein Singspiel, doch nun ist die Musik verloren gegangen. „Kinderkriegen 4.0“ ist – so beschreibt es die Autorin selbst – ein „Musical, dem die Farbe abgeblättert ist“. Auch sonst hat Kathrin Röggla ihren Text überarbeitet und dem heutigen Sprachmüll angepasst. Ein junger Vater – laut Programmheft der „Engagierte“ – springt schon vor Beginn im Publikum herum. An Christopher Heislers Kleidung kleben eine ­Menge Kuscheltiere. Der Versuch, in die Welt der Kinder einzutauchen, endet schnell in der Grenzdebilität. Den anderen ergeht es nicht viel besser. Das Ensemble sitzt auf einer Mischung aus Klettergerüst und umgekippter Achterbahn. Über ihnen erscheint der Sprechchor des...

Kathrin Rögglas „Kinderkriegen 4.0“ am Schauspiel Dortmund

Röggla I–III. II: Der Vater greift zur Kettensäge

Als Scout für das Gastland Spanien gestalten Sie das Programm des Heidelberger Stückemarkts im Mai mit. Die spanische Theaterszene ist im Aufbruch. Viele junge Autor:innen kommen auf den Markt. Wie bewerten Sie den Stellenwert der spanischen neuen Dramatik in Deutschland? Schon als ich 2008 zum ersten Mal beim Stückemarkt des Berliner Theatertreffens mit meinem Stück „Meine Seele anderswo“ in szenischer Lesung dabei war, hatte ich den Eindruck, dass die spanische Dramatik in Deutschland im Kommen ist. Deutsche Bühnen führen spanische neue Dramatik auf, Texte junger Autor:innen werden ins Deutsche übersetzt. Gerade die junge Generation, die noch nicht so etabliert ist, kommt auf die Bühne. Das deutsche Theater ist offener für neue Stücke aus Spanien, als das umgekehrt der Fall ist. Da setzt man auf arrivierte deutsche Dramatik, auf große Namen. Gibt das spanische Theatersystem denn der jungen Theatergeneration Raum, sich zu entfalten? Es ist wichtig, Strukturen zu schaffen, in denen sich Autor:innen und Regis­seur:in­nen entfalten können. Da sehe ich noch Defizite im spanischen Theatersystem. Kulturelle Projekte sind sehr stark von den politischen Machtverhältnissen abhängig. Da ist es schwer, Langzeitprojekte zu realisieren, weil sich die Finanzierung nicht langfristig planen lässt. Manchmal habe ich den Eindruck, dass die Bühnen in ganz Europa...

Was macht das Theater, José Manuel Mora?

Der Materialergründer

Mit einigem Stolz blickt Sachsen auf seine dichte Theaterlandschaft. Doch ohne Brüche hat trotz des Kulturraumgesetzes auch diese die Jahre nach 1990 nicht überstanden. Plötzlich wurde das reiche Erbe als Last empfunden. Im Wiedervereinigungsjahr 1990 erschien immer deutlicher, dass die Dichte der staatlich finanzierten Kultureinrichtungen im „Beitrittsgebiet“ nicht zu halten war. Die DDR verteilte ihr vergleichsweise bescheidenes Bruttosozialprodukt nach anderen Prämissen, leistete sich aus westdeutscher Sicht einen über­dimensionierten Kultursektor. Etwa 70 Theater mit 200 Spielstätten und 88 Orchester bedeuteten Weltrekord in der Pro-Kopf-Versorgung. Laut Artikel 35 des Einigungsvertrags sollte aber die kulturelle Substanz keinen Schaden nehmen. Der Kompromiss bestand in ­einer Übergangsfinanzierung des Bundes für die wiedergegründeten ostdeutschen Länder, auf die die Kulturzuständigkeit nunmehr überging. Damit sollte die neu zu schulternde Last bei schwacher Wirtschaftskraft befristet abgefedert werden. Zugleich entstand aber auch ein enormer Handlungsdruck in den ostdeutschen Ländern. Das galt besonders für den mitteldeutschen Raum, speziell für Sachsen. Der wiedererwachte „Nationalstolz“ auf kulturelle und technische Leistungen kollidierte hier besonders auffällig mit den Finanzierungsmöglichkeiten unter marktwirtschaftlichen Bedingungen. Aber die Sachsen halten sich selbst großen Erfindergeist zugute. Und so fegte 1992 eine nach dem Komponisten Johann Gottlieb Naumann benannte Kommission durchs Land, bei der manchem Bewahrer der hergebrachten Kulturstrukturen nichts Gutes...

Vom 10. bis 15. Mai findet in Plauen und Zwickau das 11. Sächsische Theatertreffen statt – Überblick einer Landschaft

Hart erkämpfte Stabilität

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Stas Zhyrkov, der die vorstehende Umfrage „Was soll das Theater jetzt tun?“ eröffnet, ist Intendant des Kiewer Theaters am Linken Ufer. Er konnte die Ukraine verlassen mit einer besonderen Genehmigung des Kulturministeriums. Daran kann man erkennen, dass die Regierung der Ukraine den russischen Angriffskrieg auch als Vernichtungskrieg gegen die ukrainische Kultur versteht und entsprechende Maßnahmen ergreift. Künstler wie Zhyrkov müssen überleben, um im Ausland den Wiederaufbau der Kultur in der...

Editorial

Das Gerichtsdrama scheint en vogue zu sein. Man denke nur an die theatralische Bühnenanklage unseres Versagens in der ­Klimapolitik, Andres Veiels „Ökozid“, oder an Ferdinand von Schirachs „Gott“, das in verschiedenen Häusern der Republik rauf und runter gespielt wird. Und natürlich wäre da auch noch Elfriede Jelineks „Das schweigende Mädchen“, eine Farce über den NSU-Prozess zu erwähnen. Und war da noch was? Ja, nun reiht sich auch Kathrin Röggla mit ihrem just am Saarländischen Staatsthea­ter zur Uraufführung gebrachten Werk „Verfahren“ in diese Riege ein und nimmt dazu wie die österreichische Nobelpreisträgerin die mehrjährige strafrechtliche Aufarbeitung um Beate Zschäpe zum Anlass. Allerdings betrachtet sie weniger die juristischen Akteure oder die Beweisführung als vielmehr das damalige Publikum. Die stereotypen Figuren „Gerichtsoma“ (Martina Struppek) samt „Gerichtsopa“ (Alexander Ebeert), die „Frau von der türkischen Botschaft“ (Anne Rieckhof), ein „sogenannter Ausländer“ (Raimund Widra), der „Kollege Strafverteidiger“ (Burak Hoffmann), die linksalternative „Blogger*in“ (Silvio Kretschmer) sowie die „Gerichtsdienerin“ (Florence Adjidome) schauen noch einmal zurück. Das Bild wird aber nicht klarer. Der Protagonist mit Migra­tionshintergrund erhält kaum Zutritt zum Tribunal, eine andere plädiert dafür, jetzt doch endlich den Blick in die Zukunft zu richten. Auch Kritik findet ihren Raum, etwa an den Medien, die den Prozess vermeintlich klein...

Kathrin Rögglas „Verfahren“ in Saarbrücken uraufgeführt

Röggla I–III. III: Andere müssen eben arbeiten ...

Die in der beginnenden Pandemie halb vergessene Produktion „Wir sind das Volk“ von der Band Laibach mit Texten von Heiner Müller wird urplötzlich zum aktuellen Stück zur Lage. Gesagtes, Geschriebenes und auch Gesun­genes ändern sich, wenn die Kontexte sich ändern. Diese Erfahrung durfte man beim musikalisch-theatralen Industrial-Event „Wir sind das Volk“ machen, den die slowenische Konzept-Band Laibach mit sehr deutschen Texten von den Gebrüdern Grimm über Adolf Hitler bis Heiner Müller im Berliner HAU veranstaltete. Das war nicht ganz unerwartet, weil mit Laibach und Müller nicht nur De- und ­Rekontextualisierungsstrategen aufeinandertrafen. Auch die per Tondokument eingespielte nationalsozialistische Rhetorik ist mit seinen antikapitalistischen Momenten sehr schillernd. Und Grimm’sche Märchen sind per se deutungsoffen in ganz viele Richtungen. Aber als Glanzstück der Rekontextualisierung erwies sich dann doch das Müller-­Zitat „Ich will ein Deutscher sein“. Es wurde von Cveto Kobal, unterstützt von einem Streicherquartett und den Perkussionsperformern von The Stroj, in der Manier eines Schlagerbarden vorgetragen. Bei der ersten Aufführungsserie im fernen Jahr 2020 löste der in Dauerschleife gesungene Satz beim Ironie-seligen und postdramatisch konditionierten HAU-Publikum noch hübsches Gelächter aus; in Unkenntnis des Müller’schen Kontextes mochte man sich da noch Zwerchfell bebend von jedem Deutschsein-Wollen distanzieren. Müller entnahm den Satz ursprünglich dem Tagebuch...

Das Heiner-Müller-Programm der slowenischen Band Laibach

Die Zeit als Sinnverdichter

Kathrin Röggla ist eine der produktivsten Thea­terautorinnen unserer Gegenwart. Ihre große Zeit als Dramatikerin begann in der Spielzeit 2002/03 mit „fake reports“, was dann später unter „DIE 50 MAL BESSEREN AMERIKANER“ noch oft aufgeführt wurde. Allein in den letzten zehn Jahren entstanden 15 Theaterstücke. In dieser Spielzeit werden drei Stücke präsentiert. „Kinder kriegen“, erstmals gespielt 2012, feiert im Theater Dortmund Premiere. Dann folgen gleich zwei Uraufführungen: am 7.4.2022 „Das Wasser“ am Staatsschauspiel Dresden, am 2.4.2022 die Uraufführung „Das Verfahren“ über den NSU-Prozess am Staatstheater Saarbrücken in Kooperation mit Theater Rampe in Stuttgart. Insgesamt zählte der Verlag weit über 50 Inszenierungen von Kathrin Rögglas Theaterstücken. Angesichts dieser Fülle werden Sie verstehen, dass ich weder die Inhalte der Stücktexte zusammenfassen kann noch auf die Entwicklung der literarischen Techniken im Laufe des reichen Schreibprozesses eingehen will. Ich fühle mich aber auch noch aus einem anderen Grund legitimiert, diesen Überblick zu verweigern. Ich stehe heute weder als Literaturwissenschaftler noch als Theatertheoretiker oder als mehrjähriger Leiter einer Theaterzeitschrift vor Ihnen. Auch nicht als vielseitiger Theaterpraktiker. Der Grund besteht darin, dass ich zusammen mit der Arktisforscherin und Direktorin Antje Boetius im Spätsommer 2019 auf der Neuköllner Terrasse der Autorin von der Gründung eines ökologisch ausgerichteten Theaters...

Laudatio zum Else Lasker-Schüler-Preis für Kathrin Röggla

Das Drama der Ökologie

STAS ZHIRKOV Regisseur und Intendant des Theaters am Linken Ufer in Kiew (s. Theater der Zeit 12/21 und Theater der Zeit 01/19), zurzeit in Litauen I am ok now, with my family in Lithuania! One month I was alone in Lviv and after get special permit from Minister of Culture to get out! But our flat in Kyiv destroyed … Because we lived near Kyiv, near Bucharest and Irpin … So, if you can help me to get some projects in Germany – it would be great … Thank You! MARTA GÓRNICKA Regisseurin, Autorin, Sängerin Hier sind meine Worte für Sie. Und meine persönliche Reaktion auf die Situation in der Ukraine. Ich hoffe, dass wir uns bald treffen und mehr miteinander reden können. Im Moment ist mein Zuhause ein Ort für ukrainische Flüchtlinge, viele Theater und Kulturräume in Warschau wurden in Schutzräume und Orte der Intimität für Kinder, ältere Menschen und Tiere umgewandelt. Das ist eine echte Antwort auf den Schmerz. Und wir alle, die Künstler, werden gerade jetzt zu sozialen Aktivisten. IN ZEITEN DES KRIEGES brauchen wir das Theater als Schutzraum und Heimat für die Gemeinschaft. Ein Theater, das all jenen, die vor Gewalt fliehen, den Atem verschafft. Ein...

Theaterkünstler:innen antworten

Was soll das Theater jetzt tun?

Kompositionsprinzip Collage

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Ein Kinderzimmer steht auf der Bühne, mit vier Wänden drum herum. Das Publikum kann durch die Fenster und die Tür hineinschauen, auf einen bunten Teppich, ein Bett, Poster an den Wänden. Es ist ein Raum, in dem sich die Kinder der Familie Arslan sicher gefühlt haben. Bis er abbrannte, wie das ganze Haus. Zwei Kinder und eine Frau sind gestorben in Mölln, am 23. November 1992, als zwei Skinheads Brandbomben in zwei Wohnhäuser warfen. Natürlich wird das nicht nachgespielt im Stück „Mölln 92/22“ von Nuran David Calis. Es geht darum, wie rechtsradikaler Terror heruntergespielt und halbherzig bekämpft wurde, über Jahrzehnte hinweg. Und darum, wie mit den Opfern umgegangen wird. In Mölln gibt es eine Gedenktafel und Erinnerungsveranstaltungen, offiziell im Rathaus. Doch die Familie gestaltet ihre eigenen Gedenkfeiern, am Ort des Geschehens. Das Kölner Ensem­ble ist nach Mölln gefahren und hat daran teilgenommen. „Wie die Anwohner reagiert haben“, erzählt Schauspielerin Kristin Steffen im Stück, „das war absolut verstörend. Die sind da einfach durchgelatscht. Da hab ich gemerkt, dass diese Gedenkfeier nicht nur nicht akzeptiert wird. Sie ist unerwünscht.“ Wer hat die Deutungshoheit über das Verbrechen? Das ist eine der Fragen, die im Stück diskutiert werden. Zwei junge Männer aus der Familie...

Schauspiel Köln: „Mölln 92/22“ von Nuran David Calis (UA). Regie Nuran David Calis, Bühne Anne Ehrlich, Kostüme Patricia Ruszkiewicz

Köln: Die Deutungshoheit gehört den Opfern

Kriegsangst und die Furcht vor geistiger Gleichschaltung verfolgten den Dichter Stefan Heym im Exil in Los Angeles. Diese Zeiterfahrung hat er 1941 in Los Angeles in seinem einzigen Theaterstück verarbeitet. Wie Adolf Hitler, der mit den Nationalsozialisten am 30. Januar 1933 die Macht ergriff, verführte der Hellseher Erik Jan Hanussen die Menschen – er soll unter anderem den Reichstagsbrand vorausgesehen haben. Der Magier hieß eigentlich Hermann Chajm Steinschneider und war jüdischer Herkunft. „Der große Hanussen“ hat der Regisseur Klaus Hemmerle im Schauspielhaus der Landesbühne Esslingen (WLB) uraufgeführt. Er treibt das Ensemble in einen Totentanz auf dem Vulkan der goldenen 1920er Jahre hinein. Gerade in Zeiten des Ukraine-Kriegs rückt das Thema beklemmend nah. Es ist ein Glücksfall, dass die WLB das verschollene Drama des großen DDR-Schriftstellers und Kulturpolitikers Stefan Heym in Cambridge entdeckt hat. Der Germanist Christoph Grube, Bruder des Esslinger Intendanten Marcus Grube, hat das Stück bei seiner wissenschaftlichen Arbeit an der englischen Elite-Universität entdeckt. Heym hat das Stück in englischer Sprache geschrieben. Manches in der Übersetzung von Stephan Wetzel klingt schroff, hölzern. Die kantig gezeichneten Figuren haben das Ensemble vor Herausforderungen gestellt. Dennoch liegt in dem Stück großes inhaltliches Potenzial. Das fördert Hemmerles Regie zutage. Mit starken Soundcollagen von...

Württembergisches Landesbühne Esslingen: „Der große Hanussen“ von Stefan Heym (UA). Regie Klaus Hemmerle, Übersetzung, Stephan Wetzel, Bühne und Kostüme Frank Chamier

Esslingen: Schillernder Totentanz

Fenster für bewegtes Licht

Spanien ist dieses Jahr Gastland der Frankfurter Buchmesse. Was das Theater und insbesondere die zeitgenössische spanische Dramatik angeht, ist die Kenntnis hier relativ gering. Aber das könnte sich nun ändern. Der Heidelberger Stückemarkt (siehe S. 80) hat gleichfalls Spanien zu Gast, und das Centro Dramático Nacional (CDN), eine Art reformiertes Nationaltheater mit zwei Bühnen im Zentrum der Hauptstadt, bemüht sich um eine systematische Förderung von jungen Autoren. Dazu gehören seit 2020 Residenzen mit Workshop-Entwicklungen und in der jüngsten Ausgabe der eigenen Zeitschrift Dramática eine Bestandsaufnahme zur neuen Dramatik mit einer katalogartigen Darstellung von beachtlichen „75 Dramatiker:innen für das 21. Jahrhundert“. Ihr Herausgeber, der CDN-Produzent Fernando Sánchez-Cabenado, schätzt den Moment als äußerst günstig für neue Autoren im Theater ein, wie auch die stellvertretende Direktorin Fefa Noia, die sich für die Fortführung der Autorenresidenzen stark macht. Es gibt Themen, die brennen, wie die langen Schatten der Franco-Diktatur, die nun fast fünfzig Jahre nach deren Ende vor allem in Familiengeschichten aufgearbeitet werden. Auch die kulturellen Autonomiebestrebungen der einzelnen Regionen des Landes sind ein Thema und selbstverständlich der Blick auf neue soziale Phänomene. Dass Behinderte ihre Sexualität leben wollen und ihnen dabei vielleicht geholfen werden müsste, ist auch in Spanien fast ein Tabu. Esther...

Ein Drama-Showcase des Centro Dramático Nacional in Madrid

Aufbruchstimmung

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

„Work hard, play hard?“

Der genetische Code Amerikas

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

„She is Sunny. They will say. Some day.“ Das ist Sunny, werden sie eines Tages sagen. So heißt es in Sunnys Solo, auf das alle immer warten bei „Solo Sunny“. Bei der Filmpremiere 1980 ließ sich der die Zeiten überdauernde Erfolg des Streifens nicht orakeln. Aber, ja, das ist Sunny. Wir sind in Zeiten von „eines Tages“ angekommen. Konrad Wolfs Film um das Mädchen Ingrid Sommer, beziehungsweise Renate Krößner in ihrer Mädchenrolle, ist Kult. Und jetzt auch als Theaterstück zu sehen. Crivitz hat kein Theater. Für die Produktion von „Solo Sunny“ ist das Mecklenburgische Staatstheater in das dor­tige Kulturhaus verzogen. Das spart jede Menge Ausstattung. Sprelacart-Vertäfelung, Bestuhlung, Vorhänge – alles in der gleichen Nichtfarbe. Konservierte Geschmacksverirrung hat schon wieder Charakter. Das Publikum sitzt drin, im Bühnenraum, sozusagen, der muffelnden Gemütlichkeit eines Kulturhauses der 80er, Getränke gibt’s an der Bar, Zigarettenqualm kommt aus der Nebelmaschine (Bühne und Kostüme von Matthias Nebel). Da kann man als Zuschauer schon mal durcheinanderkommen. Bin ich jetzt in einem Theaterstück? Oder in der Tingeltangel-Kleinkunst-Bühnenshow, in der Benno Bohne gerade zum wiederholten Mal den Witz mit den Schuhen erzählt und dann „die schönsten Männer der Welt“ von den „Tornados“ mit einem launigen „Haut Rein!“ anfeuert? „Solo Sunny“...

Mecklenburgisches Staatstheater: „Solo Sunny“ von Wolfgang Kohlhaase. Regie Sebastian Kreyer, Bühne und Kostüme Matthias Nebel

Schwerin: Meta-Film

Nach 20 erfolgreichen Jahren am Jungen Ensemble in Stuttgart verabschiedet sich Intendantin Brigitte Dethier mit dem internationalen Festival Schöne Aussicht. In einer kleinen Wohn­küche erlebt Oma Monika mit ihrem Enkel Abenteuer. Wenn seine Eltern bei der Arbeit sind, fragt der Junge die Seniorin, wie ihr Leben war. Brigitte Dethier, Theaterchefin des Jungen Ensembles Stuttgart (JES), steht in dieser schwierigen Rolle selbst auf der Bühne. Umsichtig denkt sie sich in die Welt der Frau hinein, die immer mehr die Orientierung im Alltag verliert. „Weißt du noch, was dein Beruf war?“ Die Neugier des Jungen, den Sebastian Kempf spielt, ist deutlich zu spüren. Das verwirrt die demenzkranke Frau. Sie erinnert sich nur noch daran, „dass er zwölf Buchstaben hatte“. In dem Stück des jungen Regisseurs Milan Gather, das für den Kinderstücke-Wettbewerb des Mülheimer Dramatiker-Wettbewerbs ausgewählt wurde, geht es um das Verstehen. „Diese Rolle zu spielen, das war ein Traum für mich“, sagt die 63-jährige Intendantin des JES. Zum Ende der Spielzeit gibt sie die Leitung der Kinder- und Jugendbühne am Stuttgarter Tagblatt-Turm in jüngere Hände an ihre Nachfolgerin Grete Pagan. An Ruhestand denkt die Regisseurin, die auch Vorsitzende der Internationalen Vereinigung für das Kinder- und Jugendtheater (ASSITEJ) ist, noch lange nicht: „Die...

Das JES Stuttgart verabschiedet seine Intendantin Brigitte Dethier

Mit Blick in die Welt

Mit der kühlen Mitteilung, Brecht habe bereits 1953 gefordert, die Lehren und Methoden Stanislawskijs in ihrem historischen Entstehen, ihrer inneren Widersprüchlichkeit kennenzulernen, begann Dieter Hoffmeier, Dozent für Deutsche Theatergeschichte an der Leipziger Theaterhochschule im Jahre 1967 als erster deutscher Theaterhistoriker seine jahrzehntelange Expedition durch das sprachlich und terminologisch ganz eigen­wil­lige Dickicht der Schriften und Inszenierungen Konstantin S. Stanislawskijs. Hoffmeier beschrieb sein Unternehmen, Stanislawskij neu, sprich historisch, entgegen der normativ kulturpolitisch festgezurrten Lesart zu lesen: „Wenn man seine Ansichten undogmatisch, d. h. in ihrer historischen Entwicklung und nicht in äußerlich zurechtgestutzter Systematik auffassen will, muss man alle Bemühungen erwähnen, bei denen er seine Grundansichten erneut an der Wirklichkeit der Gesellschaft und des Theaters zu überprüfen versuchte, selbst wenn ihm das nicht völlig glückte. … Erst auf solcher Materialgrundlage kann später überhaupt untersucht werden, welche Anwendungsmöglichkeiten sich in unserer heutigen Theaterpraxis für Stanislawskijs Lehren und Methoden ergeben … und worin sie unter weiterentwickelten geschichtlichen Bedingungen zwangsläufig unzulänglich bleiben.“ Um diese Ziele zu erreichen, war der Ausbruch der Theaterwissenschaft, westlich aus den geistesgeschichtlichen Traditionen und östlich aus dem parteiideologischen Gehege, unumgänglich. Sie musste sich erst zur Wissenschaft emanzipieren, was ihr erstaunlicherweise zeitgleich und beidseits mittels des Rückgriffs auf sozialpsychologische Erklärungsmuster des theatralischen Handelns...

Dem Theaterhistoriker und Stanislawskij-Spezialisten Dieter Hoffmeier zum 90.

Kern des theatralischen Handelns

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

1786 Errichtung des ersten Theaters in Rostock 1880 Brand des alten Stadttheaters 1895 Errichtung eines neoklassizistischen Neubaus gegenüber dem mittelalterlichen Steintor, Architekt Heinrich Seeling, Hamburg. Bauzeit 15 Monate, Kosten 600 000 Mark, der größte Teil der Kosten kam aus Spenden zusammen, neben Schauspielen wurden vor allem Opern von Richard Wagner inszeniert, stilistisch orientiert am Bayreuther Vorbild, ab 1911 eigene Wagner-Festspiele mit Starbesetzung, „das Bayreuth des Nordens“ 1925 die Stadt Rostock übernimmt den Theaterbetrieb 1942 Zerstörung des Theaters durch Bombardement, später Abriss 1943 Umzug in die provisorische Spielst.tte Neues Haus im ehemaligen Gast- und Konzerthaus Philharmonie 1952 Hanns Anselm Perten wird Generalintendant, unter dessen Leitung wird das Volkstheater Rostock zu einer der bedeutendsten Theaterbühnen der damaligen DDR. Perten eröffnete einige weitere kleine Spielst.tten, die er mit einem Ensemble aus 248 Künstlern und Künstlerinnen aller Sparten bespielte, viele Gastspiele führten ins Ausland, auch in den Westen Ab 1989/90 das Theater erleidet durch mehrere Intendantenwechsel und Konzeptlosigkeit einen Bedeutungsverlust 2011 kurzzeitige Schlie.ung des Gro.en Hauses wegen Brandschutzauflagen 2012 erster Bürgerschaftsbeschluss eines Theater-Neubaus 2015 neuer Beschluss eines Neubaus durch die Bürgerschaft 2019 das Berliner Architekturbüro Hascher Jehle gewinnt den internationalen Architekturwettbewerb 2023 soll der Bauantrag gestellt werden, 2029 Eröffnung

Geschichte des Rostocker Volkstheaters

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Autorinnen und Autoren Mai 2022 / Vorschau

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Das Schauspielhaus Bochum hat im gesamten März kaum einmal im großen Haus gespielt. Ob Aufführungen an den deutschsprachigen Theatern stattfinden, ist zu einer Art Lotterie geworden. Nicht nur Schauspielhäuser, besonders Opernensembles und Ballettkompagnien sind betroffen. Je größer ein Ensemble ist, umso mehr wächst die Gefahr, dass sich Infektionen ausbreiten. Die Oper Bonn wollte schon vor Wochen Giacomo Meyerbeers völlig unbekanntes Singspiel „Ein Feldlager in Schlesien“ der Vergessenheit entreißen. Die ersten vier Premierenversuche mussten abgesagt werden. „Das ist auf jeden Fall die chaotischste Phase dieser ganzen Pandemie“, sagt Bonns Generalintendant Bernhard Helmich, „und die, die für uns alle mit ganz großem Abstand am anstrengendsten ist.“ Die Geschäftsführerin des Deutschen Bühnenvereins Claudia Schmitz bestätigt: „Die Absage von Vorstellungen und das Verschieben von Premieren betrifft die Bühnen derzeit tatsächlich deutschlandweit. Für die Bühnen bedeutet das eine massive Beeinträchtigung ihrer Arbeit. Sie müssen nicht nur täglich, sondern zum Teil stündlich neu disponieren. Kann die Vorstellung heute stattfinden? Kann ich etwas anderes spielen? Muss ich die Vorstellung komplett absagen?“ In den Betriebsbüros glühen die Telefone, weil sie ver­suchen, für positiv getestete Sängerinnen und Sänger noch schnell Ersatz zu finden. In den Schauspielensembles ist Einspringen über Nacht fast schon zum Alltag geworden. Sollte man vielleicht dazu...

Flächendeckend sagen die Bühnen Vorstellungen und Premieren wegen der vielen Infektionen ab

Spielpläne im Virensturm

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Festival der Besessenen

Lady Macbeth ist tot. Einfach umgekippt, nicht von den Mauern des Schlosses Dunsinane gesprungen. Sie ist deutlich älter als Macbeth, mehr Mutter als Ehefrau. Er steht direkt daneben, ein schmaler junger Mann, der die einzige Person verloren hat, die ihm noch geblieben ist. Der Schauspieler André Kaczmarczyk hebt langsam die Arme. Es wirkt, als wolle er ein unsichtbares Instrument spielen, einen Kontrabass. Dann scheint er zu tanzen, erst mit dem Geist der Lady, dann mit sich allein. Es gibt keine Musik zu dieser Szene, und das ist großartig. So liegt alle Aufmerksamkeit auf diesem Mann, der alles verloren hat. Und man sieht, wie er reagiert, rein körperlich, ohne dass sich der Tanz klar deuten ließe. Ein großer Theatermoment. „Das ist wie ein Übertritt in den Wahnsinn, den man gar nicht anders zeigen könnte“, sagt André Kaczmarczyk im Gespräch. „Der Tanz entsteht an jedem Abend neu.“ Eine Choreografin war hier nicht im Spiel. Die Bewegungen kommen aus dem Inneren, sind Ausdruck purer Emotion und deshalb auch unvorhersehbar. André Kaczmarczyk lässt sich auf so etwas ein, völlig natürlich, ohne einen Anflug von Scheu. Das macht sein Spiel bei aller Virtuosität so offen und faszinierend. Er ist einer dieser wenigen Spieler, die in...

André Kaczmarczyk rockt als Schauspieler und Regisseur das Düsseldorfer Schauspielhaus. Seit Neuestem ist er auch Fernsehkommissar im „Polizeiruf 110“ in Frankfurt (Oder)

Verschlungen vom Theater

Manuel Bürgin ist ein Kommunikator. Er sagt, was er denkt, und wenn er erzählt, dann plastisch und konkret. Den Satz, der seine siebenjährige Intendanz (2015–22) am besten zusammenfasst, sagt er gleich zu Beginn unseres Gesprächs: „Es hat sich gelohnt, sich nicht einzuschränken.“ Es stimmt: Bürgin hat im Kellergewölbe der altehrwürdigen Villa Tobler auf Vielfalt gesetzt. Und es gab Leute, die ihn dafür kritisierten. Sein Vorgänger ­Stephan Roppel hatte das Profil des Hauses zweifellos geschärft und mit einem beinahe protestantischen Sola-scriptura-Purismus fast ausschließlich auf Gegenwartsdramatik gesetzt. Bürgin und sein Team fanden: Es führen viele Wege zu einem gelungenen Thea­ter­abend. Man kann sich den scheidenden künstlerischen Leiter der Winkelwiese darum als Botaniker vorstellen, der vor Monokulturen warnt – und mir scheint: zu Recht. Man glaubt Bürgin, wenn er sagt, dass er sein Theater als Ort mag: „Alles ist kompakt, alles ist nah. Ein Handgriff, und man hat eine Leiter. Gleich daneben steht das Lichtpult. Und in zehn Schritten ist man drüben im Büro.“ Es ist diese Nähe, die seiner Art des Arbeitens entspricht. Bürgin ist ein Teamplayer, er denkt in der Gruppe, und die kurzen Wege, die Unmittelbarkeit, das liegt ihm. Aber er mochte und mag auch den Bühnenraum: „Der Bogen, unter...

Eine Bilanz von Manuel Bürgin am Theater Winkelwiese in Zürich

Der Kommunikator zieht weiter

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Premieren Mai 2022

Ich wollte nie die klassischen Texte oder Kompositionen zerstören. Ich wollte sie aushorchen, ausspionieren, dahinter kommen im wahrsten Sinne des Wortes, Recherche treiben, Detektivarbeit, mich mit ihnen anfüllen, mich durch sie vergrößern, verbreitern, mich verfestigen, mich aufweichen, alles je nacheinander oder zugleich. Schon als Schüler stellte ich mir vor, was der letzte Satz des Grafen Kent in Friedrich Schillers ‚Maria Stuart‘ für Königin Elisabeth bedeutet, der auf ihren Befehl ‚Graf Leicester, komme her!‘ antwortete: ‚Der Lord läßt sich entschuldigen, er ist zu Schiff nach Frankreich.‘ Zwar schreibt Schiller als Regiebemerkung: ‚Sie bezwingt sich und steht mit ruhiger Fassung da‘. Der Vorhang fällt, doch ich konnte es nicht glauben. Eine Königin, schon älter, gezwungen, ­allen gegenüber misstrauisch zu sein, verliert ihren engsten Vertrauten und Liebhaber. Plötzlich, ohne ein Wort des Abschieds, verschwindet die einzige Lichtgestalt ihres Lebens. Sie ist für immer allein. Beim Gespräch, bei Tisch, im Bett, beim Spaziergang. Zugegeben, auch ich war im gewissen Sinne allein, ohne Freundin, denn die Mädchen konntest du damals höchstens im Freibad wie zufällig anfassen, aber ich war erst fünfzehn, hatte Eltern und ein paar Freunde. In meiner Fantasie ließ Königin Elisabeth den Grafen gerade noch abgehen, ehe sie vom Schwindel ergriffen in einen...

Rede zur Trauerfeier für Hans Neuenfels

Unbedingtes Wissenwollen

Walid Raad ist ein vielseitiger Künstler, Performer, Filmemacher, Videogestalter, Zeichner, Fotograf, Moderator, Welterklärer. 1967 im Libanon geboren, lebt er heute in New York, wo er an der renommierten Cooper Union lehrt. Seine Arbeiten wurden zur documenta11 und dOCUMENTA (13) eingeladen. Er hatte zahlreiche Einzelausstellungen in aller Welt, die jüngste, „We Lived So Well Together“ in der Kunsthalle Mainz (noch bis 15. Mai). Was seine Arbeiten so besonders macht, und ihn zum Magier, ist die Vermischung von Realität und Fiktion, das Insistieren auf einer Doppelbödigkeit in allen Dingen, Menschen und Materien. Kunst ist für ihn nicht statisch, sondern sie wächst oder zerfällt nach Belieben. „Je länger man etwas ansieht, desto fremder schaut es zurück“ – der berühmte Satz könnte von ihm sein, lässt er doch das Sichtbare im Abgrund verschwinden und den Abgrund im Rausch des Erzählens. 1989 gründet Raad The Atlas Group, mit der er den libanesischen Bürgerkrieg mit allen Folgen und Verstrickungen dokumentiert. Hunderte, wenn nicht Tausende von Dokumenten, Briefen, Aussagen und Forschungen bilden einen Ring des Grauens und gleichzeitig der Durchhaltekraft. Und einige der Geschichten sind so absurd, dass man sie schier nicht glauben mag (nicht glauben soll?). Aber dann wird einem klar, dass es vielleicht gerade die...

Zu den Arbeiten von Walid Raad und einer Ausstellung in Mainz

Zwischen Theatern und Museen

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Oliver Bukowski gewann 2020 mit „Der Sohn“ den LAUSITZEN-Stückewettbewerb (Abdruck in TdZ 4/20), aber die Uraufführung kam ­coronabedingt erst zwei Jahre später auf die Bühne. Die Problemlage des auf diesen Teil der Niederlausitz fokussierenden Stücks hat sich freilich kaum geändert, was schon mit dem Video-Schnipsel-Intro von Oliver Seidel leicht zu bemerken ist. Da gibt es glitzernde Seen und schwingende Adler, aber auch für die Kohle aufgebaggerte Landschaft – und mit späteren Motiven werden dazu abenteuerliche Investment-Pleiten wie die einst als Luftschiffwerft geplante Badehalle von Tropical Island und der als Rennstrecke kaum genutzte Lausitz-Ring ins Bild gerückt. Was wie die Parodie eines Imagefilms über blühende Landschaften aussieht, funktioniert als Referenzrahmung für Bukowskis Familie Walter bestens. Der Vater Thomas ist ein entlassener Braunkohle-Bergmann, der nun, Mitte 50, als Kaufland-Security bei null wieder anfängt bzw. „als Null“, wie seine Frau Anja meint, die ihr persönliches Landschaftserblühen vor allem im Yoga sucht. Tochter Anja hat es mit der Rebellion von links und Fridays for Future, der titelgebende Sohn Finn dagegen wird von der rechtspopulistischen Seite abgeholt, zumal ihm der Arzt Dr. Bremer als Mentor und Patenonkel dafür zur Seite steht. Eine mustergültige Sozial-Problem-Familienaufstellung, in der Bukowski freilich etliche Fallen der Entlarvung falscher Klischees vorsieht....

Neue Bühne: „Der Sohn“ von Oliver Bukowski (UA). Regie, Bühnen- und Kostümbild Mario Holetzeck, Video Oliver Seidel

Senftenberg: Fallen in der Lausitz

Wir werden etwas kommen gesehen haben“, blickt die „Frau mit Zukunft“ dreißig Jahre voraus. Die Folgen des Klimawandels in seiner feucht-trockenen Dimension nämlich, mit dem sie sich aber erst befassen will, „wenn die Kinder groß sind“. Unter anderem mit diesem Zitat kündigt das Staatsschauspiel Dresden die Uraufführung des jüngsten Auftragswerks an Kathrin Röggla an. Wäre nicht sie die Autorin, hätte sich erst einmal Skepsis eingestellt. Aha, wieder ein Spiel mit der Apokalypse, gar eine masochistische Untergangsverliebtheit wie in amerikanischen ­Katastrophenfilmen? Text (siehe Stückabdruck S. 38) und Inszenierung aber verweigern den Besuchern im Dresdner Kleinen Haus jeden reißerischen Kitzel, jedes wohlige Gruseln bei der Vorführung einer Katastrophe. Die steht zwar als unüberwindliche Mauer, als schwarze Wand symbolisch vor uns. Aber sie bietet auch einen Durchbruch, ein Loch, das den Blick auf ein sanft plätscherndes Meeresidyll dahinter freigibt. Dieses starke Bühnenbild von Sabrina Rox stellt von Anfang an klar, dass es eine Handlungsoption, eine Alternative gibt. Wer aber sollte handeln, wenn nicht wir als Menschheitskollektiv? „Wasser“ ist auch ein Stück über das Anthropozän, zu dem das Programmheft einen kleinen Essay von Eva Horn beisteuert. Die zivilisatorischen Schäden haben wir selbst ausgelöst. Nicht ein anonymes bedrohliches ES macht etwas mit uns, sondern wir...

Regisseur Jan Gehler braucht in Dresden keine Effektverstärker für die Uraufführung von Kathrin Rögglas „Das Wasser“

Röggla I–III. I: Wir sind das Klima-Problem

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

IS THIS REAL? steht auf einer leeren Plakatwand und stellt damit gleich eine programmatische Frage des Romans. Was ist real, wenn mehrere Schichten aus (virtuellen) Realitäten übereinander lagern? Die Realität glitcht, sie verschwimmt, sie entzieht sich. Zunächst einmal ist die Realität in Rudi Nuss’ Debütroman vor allem eins: löchrig. Überall Wurmlöcher in der Welt, überall Übergänge von der einen virtuellen Welt in eine andere, und als wäre das nicht genug, malt der Mitbewohner Wolfgang Bilder mit Schwarzen Löchern in der Landschaft und hat Löcher in der Unterhose. Währenddessen lassen immer mehr Menschen sich und ihr Bewusstsein in Löchern versenken, in Pools. In einer dystopischen Welt am Rande verschiedener Schichten einer zerfallenden (virtuellen) Realität und am Rande eines Landes, an einer Küste, lebt Conny mit dem schwulen Paar Nikita und Wolfgang auf einem Schrottplatz, wo Nikita Drogen aus alten Computerteilen schmilzt. Herumliegen neben Kuscheltieren und alten Monitoren auch Pixel und abgenutzte Systeme. Die Welt, in der Conny lebt, ist bevölkert vom Inhalt des Internets: „Daten längst vergangener Userx, Messages und Posts von wirren Sexts voller Typos und rassistisch[e] Shitposts und in Gewässern gelöst[e] Discourse bis hin zu irrelevanten, vergessenen Cartoonserien, Amateurporn zarter Otter und flauschiger Dykes“. Immer wieder: der Ausflug in...

Rudi Nuss: Die Realität kommt. DIAPHANES, Zürich 2022, 248 Seiten, 22,50 Euro

Die Realität ist glitchig

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Meldungen

Explodierendes Dokumentartheater

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Nun ist Autorin und Regisseurin Nora Abdel-Maksoud also auch im Maxim Gorki Theater, in dem sie mit Beginn der Intendanz von Shermin Langhoff als Schauspielerin engagiert war und 2017 bis 2018 ihre Stücke „Making of“ und „The Sequel“ im Studiozur Uraufführung brachte, auf der großen Bühne angekommen! „Rabatt“ heißt ihr jüngster Streich, der sich inhaltlich wie ästhetisch nahtlos in ihr Schaffen einreiht. Zunächst zum Plot: Lieferando-Fahrer Davide erleidet bei einer Sushi-Auslieferung an die geldliebende Journalistin Dena und ihre Assistentin Luigi einen Herzanfall und stirbt. Beim Abtransport der Leiche gerät auch Denas privater Safe in Form eines Kissens in die Hände des Bestattungsunternehmens. „Undertaker“ Dirk und sein Bruder, Verwalter Anselm, sind Discountbestatter im Vorort-„Valley“: Sie bestatten vornehmlich Menschen aus dem Niedriglohnsektor wie Davide, bei denen ad hoc keine Angehörigen ausfindig gemacht werden können. Und dies tun sie unerschrocken effizient: ungewaschen, nackt, ohne lange Kühlung, ohne Urne – nur eine Aschekapsel in einem Abflussrohr. Als Dena ihr Kissen zurückfordert, verlangt Dirk im Gegenzug einen Artikel zur Rehabilitierung seines Rufs. Unterdessen versucht der Geist des toten Davide, Dena mittels Bowie-Referenzen und Bourdieu-Lektionen den gesellschaftlichen Verblendungszusammenhang einer auf Ungleichheit und Ausbeutung basierenden Welt aufzuzeigen, für die die Erzählung einer „Leistungsgesellschaft“ blanker Hohn ist. Just...

Maxim Gorki Theater: „Rabatt“ von Nora Abdel-Maksoud (UA). Regie Nora Abdel-Maksoud, Bühne Moïra Gilliéron, Kostüme Katharina Faltner

Berlin: Sayonara!

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Rostock hat was gutzumachen bei seinem Theaterpublikum. Weil sich die Rostocker Theaterfreunde seit 1943 in einem maroden Provisorium um vier Sparten drängeln, in dem zum Beispiel die Bühnenaufbauten bis heute durchs Foyer geschleppt werden, weil es keine Hinterbühne gibt. Von einer Drehbühne ganz zu schweigen. Ja, die Rostocker haben wirklich was hinter sich, wobei die 31 Jahre dauernde Generalintendanz von Hanns Anselm Perten noch zu den guten Zeiten zählt. Außerdem rumpelt der Theaterkarren seit knapp 30 Jahren ohne Federung durch Stellen-Abbau, schwelende Auflösungs- und Fusionsandrohungen und so abrupte wie skandalöse Intendantenwechsel. Dass die Stadt jetzt wirklich ein Theater bekommen soll, kann schon als so was wie ein Wunder von Rostock gefeiert werden. Und das tun die Rostocker auch. 2029 soll sich für die erste Premiere der Vorhang heben. Bussebart heißt das städtische Areal zwischen der Langen Straße in Höhe des Kröpeliner Tors und dem Stadthafen, ein Parkplatz in attraktiver Innenstadtlage. Das neue Stadttheater wird dort ein freistehender Solitär. Eine begehbare Gebäudeskulptur, heißt es überschwänglich. Ohne Vorder- und Rückseite legen sich organisch geschwungene Fassaden aus lichtführender Materialität in Grau-Weiß-Gelb um einen aus der Mitte wachsenden Turmaufbau, der sich mittels sich windender Außentreppe erklimmen lässt. Die Dachterrasse biete einen hochattraktiven Rundumblick über...

Was soll das Theater jetzt tun?

Assoziationen

Theater der Zeit 10/2022

Der Untergang des russischen Theaters

Neuerscheinungen im Verlag