„Ich habe ganz abwechslungsreich gelebt“, sagte er Anfang letzten Jahres resümierend in einem kurzen Film für das „Berliner Zimmer“, einem Videoarchiv von Sonya Schönberger und dem Stadtmuseum Berlin, und stellte ernüchternd fest: „Das ist jetzt meine letzte Wohnung.“ Zwanzig Minuten lang erzählt Scotch (Hansjörg) Maier Biografisches, von der Kindheit in Heidelberg, vom Studieren und Dozieren in Berlin, von seiner Theaterarbeit und vom Domicil, dem Seniorenpflegeheim Am Frankfurter Tor, in dem er damals wohnte. Am 19. Februar 2021 ist er im 76. Lebensjahr verstorben. Er war ein Pionier des freien Theaters, Mitbegründer der Berliner Zentrifuge, zusammen mit Willy Praml Protagonist eines neuen Lehrlingstheaters an der Hessischen Bildungsstätte Dietzenbach, langjähriger Wegbereiter künstlerischer Teilhabe am Wannseeheim für Jugendarbeit in Berlin sowie Dramaturg unter anderem bei Jürgen Flügge am Theater der Jugend in München. Aus Seminarangeboten für das Deutsch-Französische Jugendwerk, die mittels Theater Feindschaften überwinden sollten, entstanden Modelle einer Kulturarbeit in Lebenszusammenhängen. Legendär eine Uraufführung im Frankfurter Theater am Turm mit streikenden Auszubildenden, in deren Verlauf nicht nur Ton Steine Scherben die Musik beisteuerte, sondern auch die Theatermacher als Konterrevolutionäre beschimpft wurden. Scotch Maier hatte es sich zeitlebens zur Aufgabe gemacht, jenen eine Stimme zu geben, die ansonsten nicht zu Wort kommen, und gilt...

In Gedenken an Scotch (Hansjörg) Maier

Pionier des freien Theaters

Verletzte Körperlandschaft

Meldungen

Theater für Taiwan

Hasko Weber, wir würden nicht über beunruhigende Entwicklungen am rechten Rand sprechen, wenn es dort nicht die Behauptung gäbe, das Deutschland der Merkel-Ära sei nach links gerückt und man müsse es wieder auf den rechten Weg zurückführen. Welche Spektralverschiebung nehmen Sie wahr? Aus der Rechtsaußen-Perspektive kann es ja nur so sein, dass etwas nach links gerückt ist. Das Spektrum hat sich verschoben. Innerhalb der CDU/CSU nehme ich das so nicht wahr, da geht es wohl eher um die Veränderung des politischen Stils und der innerparteilichen Kommunikation. Ich lese Alexander Gaulands „Wir holen uns unser Land zurück“ tatsächlich als rechte Parole und halte es für sehr polemisch, daraus einen Linksruck der CDU und der Bundeskanzlerin zu machen. Der rechte Weg hat inzwischen so weit nach rechts geführt, dass die Einstufung der AfD als Verdachtsfall durch den Verfassungsschutz vorerst nur an einem Formfehler gescheitert ist. Eine neue Situation auch für Bühnenkünstler und den Bühnenverein? Wir haben vor drei bis vier Jahren eine Phase rechter Übergriffe erlebt, wo es viele einzelne Attacken, teils sogar aus Stadtparlamenten, auch gegen Theater gab, die medial erfasst und immer wieder ­zitiert wurden. Nach meiner Wahrnehmung sind solche Aktionen in der letzten Zeit weniger geworden. Dass sich Kunst...

Die AfD – bald ein bundesweiter Verdachtsfall? Ein Gespräch mit Hasko Weber, Generalintendant des Deutschen Nationaltheaters Weimar, über alte und neue Kämpfe gegen die Neue Rechte

Man wird schnell aus dem Raum gekegelt

Mit seiner Produktion „Edward II. – Die Liebe bin ich“, basierend auf einem Text von Ewald Palmetshofer, der sich seinerseits auf eine Vorlage von Christopher Marlowe bezieht, hat das Schauspiel Köln so ziemlich alles in den Schatten gestellt, was seit dem Beginn der Pandemie an Live- und Konservenstreamings angeboten wird, und das ist ja nicht eben ­wenig. Denn diese Inszenierung von Pınar ­Karabulut filmt nicht einfach eine Aufführung ab, ob mit einer Kamera, mit vieren oder einem Dutzend. Karabulut hat in Köln einen regelrechten sechsteiligen Film gedreht, mit einem kleinen Kernensemble und einem erweiterten Cast für Hof- und Partyszenen. Was in diesem Fall fast das Gleiche ist. Vor allem aber mit einem stupenden Blick für Ikonografien, für Settings, für Dekor und Kostüme. „Edward II.“ ist kein Werkstatt- und Nebenbei-Produkt, sondern eine augenzwinkernde Reverenz an das (amerikanische) Kino, etwa an Sofia Coppola, David Lynch und Quentin Tarantino. Marlowe erzählt in seiner Tragödie von einem überforderten König, der vor Liebe (zu einem Mann) fast blind ist und den Kabalen und Machenschaften am Hof zum Opfer fällt. Edward ist kein Held, auch kein Charismatiker, schon gar kein Politiker, sondern ein Kerl, dessen ganzes Programm, wie es Palmetshofers Titel so schön pointiert, eben „die...

Schauspiel Köln: „Edward II. – Die Liebe bin ich“ von Ewald Palmetshofer nach Christopher Marlowe. Regie Pınar Karabulut, Bühne Bettina Pommer, Kostüme Teresa Vergho, Video Leon Landsberg

Köln: Und übermorgen Hollywood

Mauern sperren die Menschen ein. Die sehnen sich nach Freiheit. Augenblicke später beginnen sie zu fliegen: Virtuelle Realität macht die Reise im historischen Kellergewölbe des Zimmertheaters Tübingen möglich. Das Publikum trägt in dem immer­siven Projekt „VReedom – eine dreidimensionale Befreiung“ von Corinne Soland VR-Brillen. Schweben im Raum fühlt sich da fast real an. Trotz aller Corona-Beschränkungen hat der junge Dramaturg Ilja Mirsky das ungewöhnliche Format am Institut für theatrale Zukunftsforschung (ITZ) realisiert: „Manchmal bin ich auch Programmierer hier, in letzter Zeit immer öfter.“ Sein Strahlen verrät, dass ihn das überhaupt nicht stört. Gerade tüftelt Mirsky wieder an einem neuen Projekt. Mit der Berliner Autorin Hannah Zufall ent­wickelt er einen Theaterspaziergang durch Tübingen, den die Besucher auf eigene Faust mit dem Smart­phone erleben – „Olfaktoria. Ein ­Audiowalk zum Durchatmen“ hat an Ostern Premiere. Dass ihn die technischen Möglichkeiten des digitalen Theaters faszinieren, verhehlt der 25-jährige Kognitionswissenschaftler mit Bachelor-Abschluss der Universität Tübingen nicht. „Aber für mich steht immer der Mensch im Mittelpunkt“, stellt er klar. Mirsky ist auf der Suche nach einer digitalen Dramaturgie, die den Performern neue Horizonte eröffnet. Ihn interessiert die Zukunftsfrage, die der polnische Science-Fiction-Autor Stanislaw Lem schon in den 1960er Jahren aufgeworfen hat: Dominiert der Mensch die Maschine...

Der Tübinger Dramaturg Ilja Mirsky knüpft digitale Theaternetzwerke

Durchatmen mit Smartphone

Was macht das Theater, Maciej Nowak?

Rekonstruieren, was uns die Diktatur genommen hat

Freiheiten keinesfalls ungenutzt lassen

Warum Theater,

Das Unbehagen fest umklammert

Guerrilla Marika

50 Jahre nach dem Putsch in Chile

Die Zukunft jetzt gestalten!*

„Ich glaube, dass Du ein wenig betrübt bist, weil auf dem Theater nichts los ist“, schrieb Bertolt Brecht 1933 aus der Schweiz an Helene Weigel. Die Nazis hatten die Macht ergriffen, Brecht ging ins Exil. Heute sorgt Corona für Betrübnis, dass auf dem Theater nichts los ist. Für das Augsburger Brechtfestival 2021 lasen Charly Hübner und Lina Beckmann ausgewählte Passagen aus dem Briefwechsel zwischen Brecht und Weigel, vorzugsweise Texte, die in pandemischen Zeiten aufhorchen ließen. Da gibt es Erheiterndes, etwa wenn sich Brecht Zigarren der Marke Corona wünscht oder wenn er in der Schweiz aus Carona (!) schreibt, aber vor allem Ernstes, wenn er berichtet, wie ihn eine Grippe plagt oder Helene Weigel Bedenken wegen seiner Nähe zu Margarete Steffin anmeldet. Neben Eifersucht dürfte sie dabei die Sorge vor einer Ansteckung umgetrieben haben. Steffin litt an TBC. „HelliBert und PandeMia“ hieß der ­Festivalbeitrag von Beckmann/Hübner, ein gut halbstündiger Film, in dem das Schauspielerehepaar die Korrespondenz aus dem Off vorträgt, in nüchternem Chronisten-Ton, dazu laufen Bilder (von Hübner selbst schwarz-weiß gedreht und mit Flackereffekten auf ­historische Anmutung getrimmt) aus dem winterlich verwaisten Hamburg. Nix los im Lockdown, nirgends. Auch nicht im Deutschen Schauspielhaus, wo Beckmann und Hübner engagiert sind und auf...

Das digitale Brechtfestival 2021 in Augsburg stellt die Frauen in den Vordergrund, die zeitlebens mit Bertolt Brecht gearbeitet haben

Ballade über das Verheimlichen weiblicher Autorschaft

Dafür gibt es in ihrer Sprache bestimmt einen Ausdruck 

Räume im Besitz der Bürger

Hessisches Landestheater Marburg: Spiel mir das Lied von der EU-Bürokratie

Figuren Silke Gründerin Maude Hartz-4-Betroffene Gabor Sachbearbeiter Jobcenter Armin Sachbearbeiter Jobcenter Volkmar Musiker, Hartz 4-Schamane Anmerkungen 1. Das Stück spielt auf zwei Zeitebenen. Die Interview-Ebene („Interview“ oder „Publikum“) markiert die Gegenwart. Die Rückblenden zeigen das bereits Geschehene. 2. „Jeeps“ entstand als Stückauftrag für die Münchner Kammerspiele. Das Lokalkolorit kann durch Entsprechungen ersetzt oder vernachlässigt werden. 3. Die Spieler*innen gehen erst am Ende des Prologs „in character“. 4. „ / “ bedeutet die Texte werden gleichzeitig gesprochen. 1. Akt 1.1 Prolog Spieler*innen von Maude, Armin und Volkmar treten auf. Eva: Stefan. Stefan: Eva. Eva: Enik. Enik: Eva. Stefan: Enik. Enik: Stefan. Eva: Liebes Vorbühnenpublikum, wir würden heute Abend gerne eine Neiddebatte starten. Stefan: Ja. Eva: Unser Sujet ist das Erben. Stefan: Uh! Eva: Ah! Stefan: „Erbe“, da sehe ich bereits erste sich auftürmende Zornesfalten in diesem spärlich besetzten Schauspielhaus. Eva: apart Wir wollten eigentlich sparsam umgehen mit den Louis de Funès-Referenzen. Stefan: apart Du wolltest sparsam mit ihnen umgehen, ich finde die herrlich. Eva: Es ist ja so, jedes fünfte Kind in Deutschland ist arm. Weint. Mimimi. Nein, Scherz, bitte keine Zartgefühle....

Jeeps

In der Nacht zum 4. März 2021 verstarb nach kurzer, schwerer Krankheit der Schauspieler, Regisseur und Intendant Heinz Klevenow im Alter von achtzig Jahren. Sohn einer weitverzweigten Theaterfamilie (Mutter Marga Legal und Vater Heinz Klevenow Senior waren in den fünfziger und sechziger Jahren Schauspieler, sein Großvater Ernst Legal war in den Zwanzigern und Dreißigern Intendant der Deutschen Staatsoper in Berlin), studierte er an der Staatlichen Schauspielschule in Berlin. Stationen als Schauspieler führten ihn unter anderem nach Weimar und Halle. Die DDR hatte er mitgetragen, ertragen, auch erlitten, sich aber auch Selbstständigkeit im Denken und Handeln erarbeitet sowie Anstand bewahrt. Die politische Wende erlebte ihn als furchtlosen wie initiativen Intendant in Senftenberg, wo er nicht nur den Bestand des Theaters rettete, sondern es im Verlaufe der neunziger Jahre und bis zu seiner Verabschiedung als Intendant 2004 zu einem auch überregional wahrgenommenen Leuchtturm in der Theaterlandschaft des Ostens wieder aufbaute. Den Zumutungen der neuen Zeit, ihren Delegitimierungsattacken wusste er wirkungsvoll und überzeugend zu begegnen, sich zuweilen auch zu widersetzen. In solchen Fällen spielte er die Rolle des Intendanten mit Hingabe, zuweilen auch mit List. Konflikten ist er dabei nicht aus dem Weg gegangen, aber er suchte sie nicht, und erst recht genoss...

Zum Tod des ehemaligen Intendanten der Neuen Bühne Senftenberg Heinz Klevenow

Von unverwechselbarer Gestalt

Eines Abends in den späten 1960er Jahren blieb das Motorrad eines deutschen Touristen in der Nähe eines albanischen Dorfes in Kosovo liegen. Einige Dorfbewohner, die gerade mit Äxten aus dem Wald zurückkehrten und kein einziges Wort Deutsch verstanden, luden den ausländischen Gast gestikulierend in ihr Haus ein. Es war dunkel, und der deutsche Tourist ergab sich trotz der bedrohlich wirkenden Äxte seinem Schicksal. Als er das Wohnzimmer eines der Dorfbewohner betrat, fand er sich in einem Raum mit vielen Regalen voller Bücher wieder. Er wurde in dieser Nacht bestens bewirtet und unterhalten; und am nächsten Morgen reparierte er sein Motorrad und setzte seine Reise fort. Einige Monate später schrieb er seinen kosovarischen Gastgebern und gestand ihnen, sich in jener Nacht sicher gewesen zu sein, dass sie ihn mit ihren Äxten umbringen wollten. Es habe ihn aber erleichtert, die Bücher im Zimmer zu sehen. Vielleicht werden sie mich nicht mit Äxten töten, und das Ganze fällt weniger barbarisch aus, habe er gedacht. Die Freundschaft des deutschen Touristen mit den kosovarischen Dorfbewohnern ist seitdem unerschütterlich, aber diese Geschichte muss ein andermal erzählt werden. Bei den jüngsten Wahlen in Kosovo, die am 14. Februar ­dieses ­Jahres stattfanden, erhielt die Lëvizja Vetëvendosje, die links-­nationale...

In Kosovo ist mit dem Sieg der links-nationalen Partei Lëvizja Vetëvendosje eine neue Ära angebrochen – Sorgt Theaterliebhaber Albin Kurti nun für ein Ende von Korruption und Cowboy-Politik?

Die Wahl zwischen Buch und Axt

Sie sind lost in translation, sobald es vom analogen in den virtuellen Raum geht? Kein Problem! Unser alphabetisch geordnetes Glossar leistet Übersetzungshilfe – vom Avatar bis zum VRChat, von der Datenbrille bis zum Trackingsystem. Augmented Reality (AR, erweiterte Realität) ist eine computerunterstützte Wahrnehmungsweise von Welt, in der die physisch vorhandene Welt durch virtuelle Aspekte erweitert wird. Meist handelt es sich um visuelle und auditive Erweiterungen. Es können aber auch...

Das Theater und sein digitales Double. AR? VR? Mozilla Hubs? Glossar zum Schwerpunkt „Elektro-Theater – Der virtuelle Raum“

„Falsch wie Fischstäbchen“

Mein Land

„Brecht und das Fragment“, so lautet der Titel des Tagungsbandes, der auf die Brecht-Tage 2018 in Berlin zurückgeht und im Verbrecher Verlag erschienen ist. Das klingt ein bisschen nach trockener Germanistik. Dass die Lektüre sich dann doch sehr kurzweilig ausnimmt, liegt an der umsichtigen Auswahl an Beiträgen, die einen Eindruck von sehr ­unterschiedlichen Formen der praktischen Beschäftigung mit Bertolt Brechts Werk gibt. So gewährt beispielsweise Martin Kölbel, ­Herausgeber von Brechts „Notizbüchern“, von denen ein weiterer Band noch in diesem Jahr erscheinen wird, Einblick in die herausfordernde Editionsarbeit. In einem Gespräch geben einige Übersetzerinnen und Übersetzer, die an der englischsprachigen Sammlung „Brecht and the Writer’s Workshop. Fatzer and Other Dramatic Projects“ beteiligt sind, welche Brechts Stückfragmente in einer Auswahl zugänglich macht, Auskunft darüber, wie ein Umgang mit den nicht abgeschlossenen Werken aussehen kann. Dabei stand nicht der Wunsch nach einer historisch-kritischen Heran­gehensweise im Mittelpunkt, vielmehr wurde ein pragmatischer Ansatz – auch mit Blick auf die Theaterpraxis – gesucht. Tom Kuhn etwa sagt zu seiner „Fatzer“-Übertragung: „… ich rekonstruiere eine Fabel, weil mir bei dem ganzen Band vorschwebte, dass er nicht nur für Leser, sondern auch für das Theater Material liefert.“ Zahlreiche Beispiele aus der Übersetzerwerkstatt, an denen das unmittelbar deutlich wird,...

Brecht und das Fragment. Hg. von Astrid Oesmann und Matthias Rothe, Verbrecher Verlag, Berlin 2020, 240 S., 22 EUR.

Stückweise Brecht

Widerhall einer kollektiven Erinnerung in Chile

Theater als Raumschiff

Allianzen bilden

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Die Straße wird queer

Der Albtraum ist noch nicht vorbei

Zu woke für das Publikum?

Vom toten Huhn bis zu den Millennials

„Dieser männliche Mut!“, „dieser feurige Geist!“ – wenn Papa Moor über den älteren der beiden Söhne spricht, dann erhellt sich sein Gesicht, und neuer Lebensmut fährt in seinen Körper. Was kann der Nachwuchs einen doch stolz machen! Zumindest einer der Sprösslinge. Über dem anderen, weniger hübsch und weniger aufregend, liegt indes zeitlebens der Schatten. Franz war immer das Mauerblümchen, dem niemand Beachtung noch Zuneigung schenkte. In Friedrich Schillers „Die Räuber“ nimmt er ausgiebig Rache. Mit Gregor Schulz steht am Salzburger Landestheater dafür ein Schauspieler ein, dem die Entschlossenheit zur (Selbst-)Zerstörung nur so aus den Augen funkelt. Innerlich gestählt wie der heimkehrende Soldat Nicholas Brody in der US-Serie „Homeland“: einschlagende Blicke, geharnischte Bewegungen, keine verschwendete Geste, perfekte Verstellung bis in die roten Haarspitzen. Im ersten Akt sind diese noch adrett zu Stirnfransen gebügelt, am Ende dann dynamisch hochgeföhnt. Sturmfrisur trägt hingegen Karl (Skye MacDonald). Und um Sturm geht es auch, genauer: um die literarische Epoche des Sturm und Drang (Uraufführung war 1782) beziehungsweise die Zeit der Aufklärung, die zur Mündigkeit aufrief und den freien Einsatz des Verstandes propagierte. Beide Brüder handeln danach, auf völlig unterschiedliche Weise, um sich von Zwängen und Vorschriften zu befreien: Karl, der studierte Libertin, bildet außerhalb der...

Salzburger Landestheater: „Die Räuber“ von Friedrich Schiller. Regie Sarah Henker, Ausstattung Eva Musil

Salzburg: Franz, der Schläfer

Emily weint doch nie

Was folgt

Teatro Lautaro in Deutschland gestern und heute

Schauspiel Leipzig: I got to break free

Der ewige Wettkampf

Im SÜDEN, wo sich die Überflüssigen treffen

 Das Ende der Verzichtsmetapher

Nora Abdel-Maksoud, in einem Interview, das wir 2015 geführt haben, haben Sie erklärt, dass Sie seit Ihrer Jugend vergeblich auf eine Revolte warten. Gib Ihr neues Stück „Jeeps“ die Richtung dieser Revolte vor? Nein, unsere „Erbrechtsreform“ wäre mir zu totalitär. Aber das Gedankenspiel, dass die 400 Milliarden, die in Deutschland pro Jahr als Erbe fällig werden, per Losverfahren verteilt werden und nicht qua Geburtenbingo, gefällt mir schon. Weil es dann ja auch plötzlich im Interesse der Besitzenden sein könnte, „Wohlstand für alle“ zu schaffen. Wenn ich nicht mehr automatisch davon ausgehen kann, dass meine Kinder in die private Kita gehen, will ich vielleicht doch die bestehende Infrastruktur verbessern. Also so etwas wie eine Gemeinsinn-Verordnung durch soziale Angst für alle, die in Ihrem Stück durch das Jobcenter verwaltet wird. Das Thema Enteignung und Umverteilung wird ja vermutlich eines der heißen politischen Eisen der Stunden nach der coronabedingten Staatsüberschuldung werden. In „Jeeps“ schreiben Sie diese Idee witzigerweise den Liberalen zu, die damit wieder daran erinnert werden, dass ihre Idee von Wohlstand durch Leistung ursprünglich mal an Arbeit gekoppelt war. Genau das, ja … … doch auch generell stürzt sich das Stück vornehmlich auf die Widersprüche in Lebensentwürfen und Selbstbildern. Meiner Beobachtung nach...

Die Dramatikerin Nora Abdel-Maksoud über ihr Stück „Jeeps“, dessen Uraufführung sie selbst an den Münchner Kammerspielen inszeniert, im Gespräch mit Sabine Leucht

Den Reichen ihr Geld, den Schönen ihren Applaus, den Armen ihre Scheißverhältnisse?

Wie stößt man vor in unbekannte Dimensionen? Zum Beispiel in die Unterwelt, aus der noch kein Mensch zurückgekehrt ist, weshalb auch niemand aus eigener Anschauung berichten kann? Literaten hat das über die Jahrhunderte nur umso stärker beflügelt, sich diesen Ort in leuchtendsten Farben auszumalen. Man denke nur an Dantes Inferno. Aber wie stellt man Hades, Hölle oder auch Himmel auf dem Theater dar, ohne dass es nach Kinderfasching oder Geisterbahn aussieht? André Bücker, Intendant am Staatstheater Augsburg, hat im vergangenen Herbst Christoph Willibald Glucks Oper „Orfeo ed Euridice“ inszeniert, die mythische Geschichte von Orpheus, der seine Geliebte aus dem Jenseits zurückholen will. Um diesen Trip für sein Publikum eindrücklich zu gestalten, arbeitete Bücker mit Virtual-Reality-, kurz VR-Brillen, die Bewegtbilder zeigen, in denen man sich umschauen kann: 360 Grad einmal komplett um die eigene Achse, aber auch nach oben oder unten. Die Brillen wurden unter den Sitzen deponiert, die Zuschauer dazu aufgefordert, sie an den entsprechenden Stellen in der Handlung aufzusetzen, um so als „Wanderer fremde Welten staunend zu durchstreifen“, wie Bücker es beschreibt. Die erste Etappe führte durch eine dystopische Stadtszenerie, es folgte das Elysium, hier eine Art Fantasy-Wellnesslandschaft, ehe bei der dritten Station das Idyll ironisch gebrochen wurde. Die...

Das Staatstheater Augsburg erfindet bahnbrechende VR-Theater-Welten – Ein Hausporträt

Was ist möglich? Alles!

Es steht schlecht um die Freiheit der Kunst. Das Erstarken von Populismus und Faschismus gefährdet das Leben von Künstlerinnen und Künstlern weltweit, wie aus dem Report der Organisation Freemuse zum Status der künstlerischen Freiheit 2020 hervorgeht. Dort sind 978 Fälle verzeichnet, bei denen das Recht auf kreativen Ausdruck verletzt wurde – durch strafrechtliche Verfolgung, Inhaftierung und Ermordung. Im Vergleich zum Jahr 2019 ist die Zahl um 267 Fälle gestiegen. Die mexikanische Künstlerin Isabel Cabanillas de la Torre ist eine der 17 Menschen, die wegen ihrer Kunst getötet wurden. Die 26-jährige Feministin hatte immer wieder öffentlich gegen Femizide, also die Ermordung von Frauen aufgrund ihres Geschlechts protestiert. Am 18. Januar 2020 wurde sie in der mexikanischen Stadt Ciudad Juárez erschossen. Wie der Bericht klarstellt, ist dies einer von vielen Fällen, in denen FLINT-Künstlerinnen und -Künstler (FLINT steht für Frauen, Lesben, inter, nicht-binäre und trans Personen) im Kampf um ihre Rechte Gewalt und Repression erfahren. Die Veröffentlichung des erschreckenden Reports bildete den Auftakt des Festivals Re:Writing the Future in Berlin, das sich Ende Februar Kreativen im Exil widmete. Organisiert von der Allianz Kulturstiftung wurde an vier Tagen ein Raum geschaffen, in dem Verfolgte ihre Arbeit präsentieren und über die Freiheit der Kunst...

Das Festival Re:Writing the Future in Berlin setzt sich für verfolgte Künstlerinnen und Künstler im Exil ein

Auch hinter Gittern nicht zu brechen

Laudation von Jurymitglied Martin Brachvogel für Lena Gorelik

Gründung einer Akademie der darstellenden Künste in München

Wenn alles auf der Goldwaage liegt

SagdochmalLuca

Das Theater begeht dieser Tage ein Jubiläum, auf das es liebend gern verzichtet hätte: Genau ein Jahr ist es her, dass die Häuser in den ersten Covid-Lockdown gingen. Seitdem ist der Dreh- und Angelpunkt der Bühnenkunst – die „leibliche Kopräsenz“ von Spielenden und Zuschauenden, wie es im Branchenjargon so schön heißt – ausgehebelt, wenn man das kurze herbstliche Öffnungsintermezzo mal als statistisch irrelevant vernachlässigt. Und natürlich ließe sich jetzt prächtig...

Editorial

Mateja Koležniks „Kinder“

GRIPS 2.0 – Neue Räume für das Kinder- und Jugendtheater

Man darf momentan nicht als Mensch ins Theater gehen. Aber es ist natürlich erlaubt, es als körperlos schwebendes Bewusstsein, das heißt, als Gespenst zu betreten. Dafür benötigt man eine Virtual-Reality-Brille. Zwei deutschsprachige Schauspielhäuser waren so freundlich, mir für einige Tage eine solche Brille zu leihen, auf der, als dreidimensionale Filmclips gespeichert, zwei aktuelle Inszenierungen von Theaterstücken zu sehen waren: einerseits das Schauspielhaus Graz mit dem Stück „Krasnojarsk“ des vor Kurzem durch seinen Roman „Max, Mischa und die Tet-Offensive“ auch bei uns bekannter gewordenen Norwegers Johan Harstad, und andererseits das Staatstheater Augsburg mit Einar Schleefs kurzem Monolog „14 Vorhänge“. „Krasnojarsk“, bereits 2008 verfasst und nun inszeniert von Tom Feichtinger, ist eine postapokalyptische Fantasie. Ein Mann ist madmaxhaft allein im Trümmerland unterwegs, da trifft er – nein, man muss es etwas klischeevoller formulieren, da läuft ihm eine Frau zu, die bislang ebenso allein durch das Nichts geirrt ist. Die beiden erleben einige Szenen der Annäherung miteinander, er konzentriert, rau und methodisch, die Frau dagegen tierhaft verschreckt und ständig fluchtbereit. Am Ende werden sie von düsteren Mächten eingeholt, verkörpert durch eine irgendwie konturlos bleibende und wenig greifbare Bande umherziehender Halunken. Eine wichtige Rolle spielen „Berichte“, über die die Frau verfügt, das heißt schriftliche...

Über VR-Theater – Ein Essay

Einübung der eigenen Abwesenheit

Bonobo

Vom Verschwinden der Körper in frostiger Zeit

Theater für alle versus faire Bezahlung?

Diktatoren hassen das Theater – insbeson­dere, wenn es sich auch noch als unabhängig, gar kritisch gebärdet. Passenderweise beginnt die szenische Lesung von Andrej Kurejtschiks Stück „Die Beleidigten. Belarus(sland)“ genau mit dieser Schmähkritik aus dem Mund von vielleicht Europas letztem Usurpator Alexander Lukaschenko. Gespielt wird der seit 1994 amtierende Präsident des titel­gebenden Staates von Christina Rubruck. Am Rednerpult stehend, geißelt sie die Verlogenheit des Schauspiels, währenddessen sie sich mithilfe eines Handspiegels einen Schnauzer aufmalt. Ironischer, schlagkräftiger könnte der Beginn dieser Gesellschafts- und Funk­tionärsanklage gar nicht ausfallen. Ließ sich der belarussische Regierungschef noch vor Kurzem in sportlicher Pose beim Skifahren mit Wladimir Putin ablichten, so durchkreuzt die Inszenierung von Anfang an sämtliche Männlichkeitsklischees. Der Autokrat mag den starken Max mimen, als Frau mit Make-up scheint der Macho zumindest auf der ­Bühne machtpolitisch kastriert zu sein. Doch der 1980 in Minsk geborene Schriftsteller ruht sich nicht auf einer Karikatur des umstrittenen Präsidenten aus, sondern zeigt ein breites Panorama eines zerrissenen Volkes. Auf der einen Seite stehen natürlich die Getreuen: eine Lehrerin, verkörpert von Katharina Quast, wettert neben einem weißen Flipchart gegen Wahlen, die ohnehin nur Instabilität schüfen. Derweil klopft ein Söldner (Steffen Gangloff) populistische Sprüche, wünscht „den Fremden den Tod“, hetzt gegen das...

Theater und Orchester Heidelberg: „Die Beleidigten. Belarus(sland)“ (DSE) von Andrej Kurejtschik. Texteinrichtung Jürgen Popig, Video Hanna Green

Heidelberg: Zerrissenes Land

Laudatio von Jurymitglied Brigitte Korn-Wimmer für Marisa Wendt (Auszug)

Vor Corona hieß die Produktion noch „Morgen!“. Christoph Frick und sein künstlerisches Team recherchierten zur verheerenden Brandnacht Darmstadts im Kriegsjahr 1944; sie bezogen die Gegenwart der Hessischen Metropole über Biografien von Darmstädterinnen und Darmstädtern mit ein. Der Autor Lothar Kittstein entwickelte zusammen mit Frick ein Stück, das dem Staatstheater Darmstadt nun zur Verfügung steht. Wozu aber ein Theaterpräsent für die Darmstädter, wenn es die Stadt wegen des aktuellen Lockdowns nicht entgegennehmen kann? Ungefähr zwei Monate vor Probenbeginn erfolgte der radikale Wechsel: Aus dem Projekt „Morgen“ wurde „Jetzt!“, und die Gegenwart hielt Einzug in ein besonderes Stück Netztheater. Frick und Ensemble entschieden sich gleich gegen zwei gängige Vorgehensweisen auf den deutschsprachigen Bühnenbrettern. „Morgen“ sollte weder auf die lange Bank der kommenden Spielzeit geschoben noch für eine trotzig aufrecht erhaltene Premiere singulär gestreamt werden. Anstelle des Produktes trat der Prozess. Frick und Ensemble öffneten vom ersten Tag der Proben Mitte Januar an die Türen der Institution Staatstheater und ließen so die Stadt teilhaben am neuen Projekt „Jetzt!“. Die Singularität als wesentliches Element der Theaterkunst dominiert. Nichts aus diesen acht Wochen lässt sich wiederholen. Das Theater fungiert als Resonanzraum für eine Stadt und deren Erfahrungen mit der Pandemie. Corona bewährt sich in den...

Staatstheater Darmstadt: „Jetzt!“ von Christoph Frick, Lothar Kittstein und Ensemble. Regie Christoph Frick, Räume Thea Hoffmann-Axthelm

Darmstadt: Staatstrojaner im Netztheater

Einmal hab ich mir eine fremde Sprache angeeignet, das Spanische, weil ich mit Menschen in Mexiko und Kolumbien direkt sprechen wollte, ohne aufs Englische auszuweichen. Und weil ich Bolaño im Original lesen wollte. Irgendwann hat es leidlich geklappt. Als sie „Schnappräuber“ in Mexico City aufführten, hielt ich in der Universität einen Vortrag, über mein Stück und Tendenzen der deutschen Dramatik. Ich sprach auf Spanisch, was, wenn auch nicht perfekt, gut ankam. Nicht ganz so gut an kam mein hochspanisches Lispeln, das ich damals dynamisch fand. Danach flüsterte mir mein Regisseur ins Ohr: So klingt die Sprache der Kolonisatoren. Für meinen Roman „Kosovos Töchter“ hab ich monatelang auf dem Balkan recherchiert. Überwiegend sprach ich mit Frauen, jungen und alten, zumeist Feministinnen, aber auch mit deutschen Soldaten oder dem Politiker Albin Kurti, dem Rudi Dutschke Kosovos. Zu diesem Romanprojekt hat mich, was gar nicht nötig gewesen wäre, mein ­albanischer Freund Besim immer wieder ermuntert. Vielleicht, sagte er, siehst du etwas, was wir in Kosovo nicht sehen. Könnte gut sein. Aber wer weiß. In Prishtina lief auf der Leinwand ein Fußballspiel, und junge Männer trugen Trikots des FC Bayern München. Frage an alle: Wer ist der Fremde? So gesehen müsste mich der Vorwurf...

Warum die Kritik an „kultureller Aneignung“ in Aberwitz verdampft

Kommt näher

Laudatio von Jurymitglied Eva-Maria Voigtländer für Yannic Han Biao Federer

Vielleicht ein Aufbruch

Autorinnen und Autoren April 2021 / Vorschau

Arne Vogelgesang war zuletzt häufiger mal nicht im eigenen Körper anzutreffen. Beim diesjährigen Netzwerktreffen „Performersion International“ des Performing Arts Programms Berlin trat der Theatermacher und Medienkünstler als Käferwesen mit vier Armen und langen Fühlern auf und erläuterte routiniert die technisch komplexe Steuerung seines insektenmäßigen Bewegungsapparates. Bei der Jahreskonferenz der Dramaturgischen Gesellschaft erschien er als kleiner Wolf mit großen Augen und stellte seine neue Probebühne vor: ein über den Wolken schwebendes Plateau, das mühelos die verschiedensten Konfigurationen erlaubte. Farbwechsel von Lila zu Theatergrau zum Beispiel. Und seinen Impuls auf der Online-Konferenz „Postpandemisches Theater“ gab er in Gestalt eines Pestdoktors im Frack, mit Vogelmaske und Monokel. Obendrein im freien Fall. Der wesensverwandelte Vogelgesang – bislang als Gründer des Labels internil vor allem auf den Bühnen freier Produktionshäuser und auch im Stadttheater präsent – ist in neue Sphären künstlerischer Freiheit vorgedrungen. Zusammen mit Christopher Böhm, Katharina Haverich und Holger Heißmeyer hat er (unter dem Feldforschungsnamen unreal.theater) das vergan­gene Corona-Jahr hauptsächlich dazu genutzt, auf der Plattform VRChat zu erkunden, was der virtuelle Raum Theaterschaffenden zu bieten haben könnte. Die Grundvoraussetzung dafür ist ein nicht nur laienhaftes technisches Verständnis. Virtual Reality verlangt – um es im Begriffsnebel von Augmented Reality, Extended Reality oder Mixed Reality...

Kein Theatermacher besitzt so viele alternative Ichs wie der VRChat-Pionier Arne Vogelgesang – Ein multiples Porträt

Is this not a game?

Die Pandemie machte Fabian Raith zum Außenraum-Spezialisten. Eigentlich wollte der 33-Jährige ein Projekt mit dem Titel „Baseballschlägerjahre“ für geschlossene Theaterräume ent­wickeln. Es ging darum, mit GANs – besonderen Konfigurationen des maschinellen Lernens – typische Ansichten von ostdeutschen Plattenbauvierteln zu kreieren. Sie sollten aussehen wie die, in denen in den 1990er Jahren Neonazicliquen prügelten. GANs – bereits kommer­ziell genutzt zum Errechnen von nicht existierenden, aber naturalistisch wirkenden Bildwelten aus digitalen Fotoarchiven – dienen Raith als ­Metapher für Erinnerung überhaupt. „Erinnerung funktioniert doch so, dass alle etwas vor Augen haben, was es genau so in Wahrheit aber gar nicht gab“, erzählt er. In das künstlich erzeugte Neubau-Milieu wollte er narrative Elemente einbetten. Aber Innenraum-Theater ging nicht im Lockdown. So schuf er, noch als Student des allerersten Jahrgangs des 2018 eingerichteten Master­studiengangs Spiel und Objekt der Abteilung Puppenspiel der Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch, Augmented Reality-­Applikationen für den Außenraum. Der Walk „Nur für einen Tag“ bezog reale Denkmale in einen Diskurs über Erinnerungskörper im Stadtraum sowie historische und aktuelle Heldinnen- und Heldenkonstruktionen ein. Die Teilnehmenden strolchten mit Tablets und Smartphones durch die Straßen, sahen die physisch vorhandenen Objekte und nahmen auf den Monitoren die digitalen Erweiterungen wahr. Für die Burg Hülshoff, das Geburts-...

Der Berliner Puppenspiel-Absolvent Fabian Raith kreiert Augmented-Reality-Spiele

24/7-Theater

Einmal hat der Ich-Erzähler, der mit dem Autor dieses Romans identisch zu sein scheint, als Regisseur einer Theaterproduktion einen berückenden Einfall. Er schreibt der Schauspielerin einen kleinen Monolog, den sie nur denkt, stumm, aber Wort für Wort. „Sie sagt nichts, kein Wort, sie denkt meinen Text. Und das, was das Publikum sieht, ist höchstens das, was beim Denken auf dem Gesicht von Myria passiert.“ Ort der Handlung ist eine ungenannte Landesbühne in Süddeutschland, wo der Erzähler als Dramaturg engagiert war, und geschrieben sind diese ziemlich authentisch wirkenden Erinnerungen, das ist nicht unwichtig, in der Berner Mundart – für die Buchausgabe wurden sie ins Hochdeutsche übertragen. Dass man sich die Mundart dazudenken muss, ist natürlich ein bisschen schade, denn sie gibt diesem Memoire zugleich Wärme und Distanz. Guy Krneta wurde 1964 in Bern ­geboren, die Handlung seiner Geschichte ­erstreckt sich über mehrere Jahrzehnte. Und die Bilanz ist nicht nur erfreulich. Am Theater sind eben, wer hätte das gedacht, nicht nur nette Menschen tätig. Es gibt autokratische Intendantinnen, sexistische Chefdramaturgen, hochgradig eitle alternde Schauspieler … In der Summe ergeben diese Beobachtungen, gerade weil sie ohne falschen Eifer notiert wurden, eine recht bittere Note. Manch ein Vorfall hätte das Zeug zur lustigen Anekdote,...

Guy Krneta: Die Perücke. Roman. Aus dem Berndeutschen von Uwe Dethier. Verlag Der gesunde Menschenversand Luzern. 211 S., 32 CHF.

Theater frisst Leben

Was macht das Theater, Anne Rabe?

Theater Bremen: Die persönliche Schmerzfigur

Heike Faude, Walter Bart, zuerst die gute Nachricht: Die akute Gefahr einer Finanzierungskrise scheint abgewendet! Heike Faude: Ja, glücklicherweise ist das Haushaltskonsolidierungskonzept im Stadtrat gekippt worden. Es gab keine politische Mehrheit für Kürzungen in dieser Dimension. Atmet das Theaterhaus jetzt auf? Faude: Na ja, für 2021 war ursprünglich eine Zuschusserhöhung geplant, die Lohnsteigerungen über vier Jahre ermöglicht hätte. Die ist nun eingefroren worden. Wir haben uns mit dem Eigenbetrieb JenaKultur verständigt, dass wir auf dem Finanzierungsniveau von 2020 weiterarbeiten. Mit welchem Budget können Sie also rechnen? Faude: Unser Etat beträgt etwa zweieinhalb Millionen Euro. Die Stadt Jena schießt davon etwas über eine Million zu, das Land Thüringen die gleiche Summe. In vielen Kommunen versucht die AfD, die „Gunst“ knapper Kassen zu nutzen und gegen lästige „linksextreme“ Vereine und Institutionen zu schießen. Sie spielt dabei Kultur gegen Wirtschaft und Soziales aus. Auch in Jena? Faude: Ja, es gab einen Antrag der AfD im Stadtrat, unserem Theaterhaus komplett den Zuschuss zu streichen. Sie begründete das Ansinnen damit, dass wir keine überregionale Präsenz aufzuweisen hätten. Außerdem gebe es ja unweit auch noch die Bühnen in Weimar und Gera. Der Antrag ist nie durch den Stadtrat bearbeitet worden, weil auch das Haushaltssicherungskonzept nicht weiter...

Was macht das Theater, Heike Faude und Walter Bart?

Beste Stücke

Schreiben, um nicht zu vergessen

Die VR-Theater-Welten des Staatstheaters Augsburg

Geumhyung Jeong ist neugierig, ergebnis­offen und beharrlich. Zudem hat sich die koreanische Choreografin und Performerin jene Art von Verspieltheit bewahrt, die dazu führt, dass man ihr gerne in alle Gefilde folgt, in die sie ihre Neugier treibt, und dort auch ausharrt – selbst dann, wenn ihre Beharrlichkeit sie lange dort verweilen lässt. Knapp dreieinhalb Stunden dauert eine Streamfassung von „Test Run“, einer Koproduktion von Mousonturm in Frankfurt und PACT Zollverein in Essen. Geumhyung Jeong ist eine Entdeckerin. Sie versucht herauszufinden, welche Art von Gefährten Maschinen sein können. Sie nimmt bei dieser Erkundung das Wort „Gefährte“ ernst, in gleich mehrfachem Sinn. Denn Maschinen sind ihr nicht Diener, die langweilige oder gefährliche Arbeiten abnehmen. Sie sind ihr auch nicht Herrscher, denen sich die mangelbehaftete Menschheit zwangsläufig unterwerfen muss. Geumhyung Jeong entzieht sich damit den beiden gän­gigen Deutungsmustern, die seit Längerem die Debatte um Roboter und künstliche Intelligenzen und deren Verhältnis zu Mensch und Biowelt prägen. Sie wählt einen anderen Zugang. Die Maschinen, mit denen sie sich umgibt, werden ihr erst Objekte, später sogar Subjekte der Lust. Dazu stellt sie diese Gefährten erst ­einmal her, ganz in der Tradition des Victor Frankenstein aus Mary Shelleys Roman „Frankenstein oder der moderne Prometheus“ und des...

Künstlerhaus Mousonturm/Pact Zollverein: „Test Run“ von Geumhyung Jeong

Frankfurt/Essen: Liebesspiel mit Servomotoren

Drive in

„Der Mensch“, das war für Ödipus des Rätsels Lösung. Mit dieser Antwort konnte er die Sphinx bezwingen und Theben von ihrer Schreckensherrschaft befreien. Sie hat ihn zum König der Stadt und zum Gatten seiner eigenen Mutter gemacht. Damit war sie es aber auch, die neues Unglück und den Fluch der Götter über ihn und ganz Theben gebracht hat. So hat Sophokles in einer Ära, in der noch der Glaube an die Götter wie an das Schicksal mächtig war, das Doppelgesicht des Menschen beschworen. Auf der einen Seite kann er dank seiner Fähigkeiten zum Retter werden. Auf der anderen sind es eben diese Fähigkeiten, die ihn zum Zerstörer und Vernichter werden lassen. An diese tragische Ambivalenz erinnert Alexander Eisenach mit „Anthropos, Tyrann (Ödipus)“. Allerdings ist „der Mensch“ in Eisenachs Versuch, den gerade stattfindenden Untergang der Welt mit den Mitteln des Theaters und der Wissenschaft zu beschreiben und vielleicht doch noch aufzuhalten, nicht mehr die Lösung des Rätsels. Die Antwort, die Ödipus’ zahllose Erben, Denker wie Herrscher, Wissenschaftler wie Geschäftemacher, immer wieder auf alle Fragen gegeben haben, ist die Wurzel aller Übel der modernen Welt. Im Zeitalter des ­Anthropozäns ist die Aufforderung an den Menschen, sich die Erde untertan zu machen, Fakt...

Volksbühne Berlin: „Anthropos, Tyrann (Ödipus)“ von Alexander Eisenach nach Sophokles. Regie Alexander Eisenach. Konzeptionelle Mitarbeit Frank M. Raddatz (Theater des Anthropozän)

Berlin: Auch du!

Mönchszellen und Bühnenräume

Muttertier

Nach einem halben Jahrhundert Leben, wie lange sind fünfzig Jahre?

Berliner Ensemble: Starabend ohne Widerspruch

Theater und Digitalität

Sie sind lost in translation, sobald es vom analogen in den virtuellen Raum geht? Kein Problem! Unser alphabetisch geordnetes Glossar leistet Übersetzungshilfe – vom Avatar bis zum VRChat, von der Datenbrille bis zum Trackingsystem. Augmented Reality (AR, erweiterte Realität) ist eine computerunterstützte Wahrnehmungsweise von Welt, in der die physisch vorhandene Welt durch virtuelle Aspekte erweitert wird. Meist handelt es sich um visuelle und auditive Erweiterungen. Es können aber auch Gerüche (die als Aerosole versprüht werden) oder haptisch erfahrbare Erweiterungen (etwa durch Vibrationen) produziert werden. Die erweiterte Realität (AR) unterscheidet sich insofern von der virtuellen Realität (VR), als in ihr die Wahrnehmung der physisch vorhandenen Welt eben nicht ausgeblendet, sondern durch Datenschichten erweitert wird. Zugänglich sind Umgebungen der erweiterten Realität entweder durch transparente Brillen oder Linsen, auf die die Bilddaten projiziert werden, durch Projektionen direkt auf die Retina oder durch Smartphones und Tablets, auf denen das durch die eingebauten Kameras aufgenommene Umgebungsbild durch digitale Bilder überlagert wird. Augmented-Reality-Anwendungen sind in vielen Branchen für Reparatur- und Wartungsarbeiten gebräuchlich. Zur Visualisierung von Architektur, in der Geologie zur Erforschung von Erdschichten und Erkundung von Bodenschätzen, bei Fernsehübertragungen von Sportveranstaltungen durch eingeblendete Linien (Abseits, Überschreiten von Tor- und Seitenlinien, Lauf- und Passwege) oder in...

Unser Glossar zum Schwerpunkt „Elektro-Theater – Der virtuelle Raum“, erstellt von unserem VR-Experten Tom Mustroph

AR? VR? Mozilla Hubs?

Wir sind pessimistisch

Betriebswirtschaftliche Zusammenhänge im (Freien) Kinder- und Jugendtheater

Schauspiel Wuppertal: Generalabrechnung mit der Menschheit 

Inspiration durch Stille – Kreativität durch Bewegung

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

„Die Glaswanne darf nie kaltlaufen“

Colina

Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer

Lachend springt die 16-jährige Sophie Scholl aus dem Fotorahmen. Die Unbeschwertheit des Mädchens steckt an. Mit starken Film­bildern wie diesem setzt der Theater- und Filmregisseur Volker Maria Engel die Geschichte der Widerstandsgruppe Weiße Rose als Online-Stream in Szene. In Corona-Zeiten hat die Landesbühne Rheinland-Pfalz im Schlosstheater Neuwied die packende Inszenierung fürs Netz konzipiert. Wie schon die Produktion „Corona-Papers“ des österreichischen Dramatikers Stephan Lack steht sie auf der Homepage zum Abruf. In Lacks hochaktuellem Zeitstück, das im Juni vergangenen Jahres noch vor Publikum im Theater gezeigt werden durfte, legte Regisseur Lajos Wenzel den Schwerpunkt auf die Live-Performance. Da geht die neue Produktion weiter. Denn bei der Premiere im Februar gab es keine Möglichkeit, vor Zuschauern zu spielen. Dass Regisseur Engel ein Grenzgänger zwischen Theater und Film ist, macht das Projekt so reizvoll. Sein Blick auf das Leben von Sophie Scholl und die anderen Mitglieder der Weißen Rose, die am 22. Februar 1943 von Nazi-Schergen hingerichtet wurden, tariert die Qualitäten von Bühne und Film klug aus. Mit feinem Gespür für die Balance von Nahaufnahme und Totale übertrug Engel die Inszenierung in eine stimmige Filmsprache. Dennoch lässt die Produktion dem Ensemble Raum, seine Rollen zu entfalten. Durch diese Langsamkeit emanzipiert sich Engels Arbeit...

Landesbühne Rheinland-Pfalz: „Sophie Scholl. Die letzten Tage“ von Betty Hensel und Fred Breinersdorfer. Regie Volker Maria Engel, Ausstattung Sandra Van Slooten

Neuwied: Gestohlenes Leben

Mehmet Ateşçi, Sie sind einer von 185 Schauspielerinnen und Schauspielern, die unter dem Titel #ActOut mit einem Manifest und einem Gespräch im Magazin der Süddeutschen Zeitung an die Öffentlichkeit gegangen sind, eine Aktion, die man als kollektives Coming-out verstehen kann, aber auch als Appell, als nicht-heteronormativer Schauspieler offen mit seiner Sexualität um­gehen zu können, ohne Konsequenzen für die Arbeit fürchten zu müssen. Eine der Forderungen im Manifest ist die nach mehr Sichtbarkeit. Was bedeutet das konkret? Sichtbar wird man, wenn man über etwas redet, das vorher totgeschwiegen wurde. Es geht darum, den Vorbehalten, dass man bestimmte Rollen nicht mehr spielen kann, dass sich nach einem homosexuellen Outing junge Zuschauerinnen nicht mehr in einen verlieben oder dass private Beziehungen niemanden etwas angehen, etwas entgegenzusetzen. Es passiert in diesem Business so viel unterschwellig, hinter verschlossenen Türen, mit viel Druck und emotionalen Erpressungsmechanismen. #ActOut will Schluss machen mit dem Schweigen, mit den Druckmitteln und auch mit der Einsamkeit. Es war unser Anliegen, nicht nur als Privatpersonen dazustehen, von eigenen Erfahrungen zu erzählen, sondern auch Vorbild und Mutmacher zu sein. Auf das Manifest und das Gespräch gab es ein großes Medienecho. In der FAZ ist ein sehr kritischer Artikel von Sandra Kegel erschienen. Was...

Der Schauspieler Mehmet Ateşçi über die Initiative #ActOut, stereotype Rollenbilder und das Für und Wider biographischen Theaters im Gespräch mit Erik Zielke

Alle sollen alles spielen können

Viel Potenzial, wenig Raum

Theater Heidelberg: Psychoanalyse mit der VR-Brille

Gebrannt hat es immer schon

Theater und Transformation

Klänge von Gestern und Heute auf den Bühnen Chiles

Leichensäcke mit Leichtigkeit

Jonathan Harth, wir sprechen dieser Tage sehr schnell von virtuellen Räumen, wenn wir nur Digitalität meinen. Wo fängt für Sie Virtualität an? Die Begrifflichkeiten zu sortieren macht Sinn, weil heute vermutlich nicht immer klar ist, was man genau meint, wenn man von „virtuell“, „Virtualität“ oder „virtueller Realität“ spricht. Selbst unsere Zoom­konferenz jetzt gerade hat einen virtuellen Charakter, weil wir medienvermittelt miteinander kommunizieren, nur dieses kleine Bild von­einander sehen und viele Informationskanäle beschnitten sind. Die Kommunikation eröffnet sozusagen performativ den virtuellen Raum, in dem wir uns – in Anführungsstrichen – befinden. Wenn man das Virtuelle definieren möchte als eine Form der Erweiterung oder Alternative zur physischen, gewohnten Realität, dann hätten wir das auch jetzt gerade. Ich würde aber von virtueller Realität erst ab dem Moment sprechen, wo man eines dieser neuen Geräte auf den Kopf aufzieht. Und selbst da ist in der VR-Szene nicht eindeutig geklärt, welche der Inhalte dieser „Head Mounted Displays“ als „echte“ VR zu bezeichnen sind. Wieso? Erst seit ein paar Jahren setzen sich Geräte als VR-Standard durch, die die „six degrees of freedom“ ermöglichen: also Kopfbewegungen auf allen sechs Achsen. Während viele frühere Installationen in Museen, Theatern und Galerien noch Geräte benutzt haben, die bestimmte ­Tracking- und...

Der Soziologe Jonathan Harth über virtuellen Körpertausch, die Tücken von Zoom-Calls sowie Möglichkeiten und Grenzen des VR-Theaters im Gespräch mit Sabine Leucht

Elektro-Theater

Assoziationen

Hybridtheater

Neuerscheinungen im Verlag