Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Eine Skulptur aus jungen Menschen, die einander pantomimisch in den Arsch kriechen. Eine Frau Mitte zwanzig, die ihrem schizophrenen Zombieleben zwischen lächelndem Funktionieren und eskapistischem Rausch ein Ende setzt. Zehn Kassiererinnen, die ihre Perspektivlosigkeit besingen, und ein Paar, das sich an der Abarbeitung seiner Bucket Lists erschöpft. Man kann den beteiligten Künstlerinnen und Künstlern der diesjährigen, fünften Ausgabe des in Braunschweig unter künstlerischer Leitung von Barbara Engelhardt stattfindenden Festivals Fast Forward eines wahrlich nicht vorwerfen: dass sie sich und ihre Generation der 25- bis 35-Jährigen nicht genügend (selbst)reflektieren würden. Wir haben fast ausschließlich mit Stückentwicklungen zu tun, die privates Material, Alltagsanekdoten und kritische Gedanken zur aktuellen Lage in künstlerisch äußerst heterogene Formen zu bündeln wissen. Zukunftsängste, Gefühle der Überforderung und Sorgen über fehlende Alternativen eines gerechten und solidarischen Zusammenlebens schälen sich als geteilte Kernsujets heraus. Der spanische Festivalbeitrag „Szenen für ein Gespräch nach dem Ansehen eines Filmes von Michael Haneke“ von El Conde de Torrefiel (gegründet von Pablo Gisbert und Tanya Beyeler) umfasst zwölf narrative Miniaturen, die mit wenigen Mitteln szenisch kommentiert werden. Dabei reicht das Bebilderungsspektrum von einer ausgeleuchteten Live-Erektion bei der Beschreibung einer Berliner Partynacht über ein Tableau vivant für den Bericht einer Karfreitagsprozession in Sevilla, die die...

Bei Fast Forward, dem Europäischen Festival für junge Regie in Braunschweig, betrachtet sich die Generation Y selbst im Spiegel

Nixe sein, Berg besteigen

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Bühnenbilder

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Weichen für weitere Tagebauaufschlüsse in der Lausitz sind gestellt, in deren Folge auch die sorbischen Dörfer Nr. 138, 139 und 140 von der Landkarte verschwinden müssten. Die Wende 1989, die doch eine zum Besseren sein sollte, hat zumindest am Landschaftsfraß in der Lausitz nichts geändert. Insofern bleibt ein Drama des sorbischen Autors Jurij Koch von beklemmender Aktualität. Der doppeldeutige Titel „Mein vermessenes Land“ geht zurück auf die Erzählung „Landvermesser“ von Koch aus dem Jahr 1975. Das Industriezeitalter bricht in Gestalt des Braunkohleabbaus in die fest gefügten sorbischen Traditionen ein. Im Frühjahr dieses Jahres hatte Intendant Lutz Hillmann, der auch Regie führt, dieses Stück nach mehr als 35 Jahren am Deutsch-Sorbischen Volkstheater Bautzen neu aufgelegt. Zunächst in einer rein sorbischen Fassung, die in sechs Vorstellungen das Potenzial des sorbischen Publikums von nur etwa 1000 Besuchern ausschöpfte (siehe TdZ 6/2015). Im November hatte nun die deutschsprachige Version Premiere. Interessant sind nicht nur die Veränderungen der Inszenierung und die Rezeption durch ein anderes Publikum. Verändert hat sich auch die Konstellation in der Tagebauregion, die dort ähnlich intensiv diskutiert wird wie das Flüchtlingsthema. Der schwedische Staatskonzern Vattenfall trennt sich vom Auslaufmodell Kohle. Vier Kraftwerke und fünf Kohlegruben stehen zum Verkauf. Zwei tschechische Energiekonzerne...

Lutz Hillmann spitzt in Bautzen mit der deutschen Fassung von Jurij Kochs „Mein vermessenes Land“ die Folgen des Kohleabbaus für die Sorben empfindlich zu

Landschaftsfraß im Namen des Fortschritts

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Dieser Baucontainer, wie abgeworfen im Weimarer e-Werk zwischen großen und kleinen Kesseln, Leitungen und Röhren (Ausstattung Katrin Hieronimus), wirkt wie eine trotzige Behauptung proletarischen Selbstbewusstseins. Aber das täuscht, denn wenn etwas gründlich weg ist, dann dieses Selbstbewusstsein. Aus dem Arbeiter Hupka (wie aus Versatzstücken von Voltaires blauäugigem Candide und Grimmelshausens Simplicissimus gefertigt: Bastian Heidenreich) ist ein Arbeitsnomade geworden, der durch ganz Europa von Baustelle zu Baustelle unterwegs ist, mal schlecht, mal gar nicht bezahlt. „On the road again“, dröhnt es aus dem Off, während Hupka in blauer Arbeitshose und so notorisch frohgemut, wie sein Naturell nun mal ist, an den dicken Rohrleitungen des e-Werks entlangklettert. Er denkt an Anita, seine Frau, deren Gesicht er „zwischen der Küchengardine“ vor sich sieht, er ist eben ein unheilbarer Romantiker. Aber Anita lässt sich gerade scheiden, sie hält ihn für einen Versager, der nicht begriffen hat, worum es in diesem Leben geht. Ums Geldverdienen! Aber Hupka träumt lieber vom großen Roadmovie mit und ohne Auto. Dirk Laucke breitet mit „Luft nach oben“ (inspiriert von Jura Soyfers „Astoria“, wie es im Programmheft heißt) pointenreich ein Tableau von Existenzmöglichkeiten aus, die man gleichermaßen postsozialistisch und postkapitalistisch nennen kann. Man mogelt sich so durch. Ist das das...

Deutsches Nationaltheater: „Luft nach oben“ (UA) von Dirk Laucke. Regie Enrico Stolzenburg, Ausstattung Katrin Hieronimus

Weimar: Ein Simplicissimus vom Bau

Tdz on Tour

Er dachte nie, dass er sterben würde, schrieb Luc Bondy über den von ihm bewunderten Peter Zadek, als der starb. Das war vor sechs Jahren. Damals hieß es: Ein Titan geht. Einer, der das Theater revolutioniert hat. Jetzt ist Luc Bondy dem zwanzig Jahre Älteren gefolgt. Jetzt könnte es heißen: Ein Träumer geht. Einer, der das Theater geliebt hat. Gern hätte man sich solche zum Scheitern verurteilten Versuche, ein Theaterleben satzweise zusammenzufassen, noch viele Jahre aufgehoben. 67, das ist kein Alter, um zu gehen. Es ist das Alter, in dem andere ihr Alterswerk erst so langsam beginnen. Aber der Tod war Luc Bondy sein Leben lang dicht auf den Fersen. Das erste Mal klopfte er an, da war Luc Bondy 25. Lymphknotenkrebs. Zudem war er schwer zuckerkrank. Bondy glaubte nicht, wie Zadek vielleicht, er könne dem Tod vielleicht doch noch entkommen. Es gibt Gedichte, die davon zeugen. Das Theater, das Luc Bondy liebte, konnte wirken, als entstamme es einer anderen Zeit. Er kokettierte selbst gern damit. „Man muss das können: unmodern sein“, sagte er. Was ihn interessierte, das waren die alles umspannenden Themen. Die Liebe. Der Trieb. Die Vergänglichkeit. Der Tod. Er suchte nicht den Kontext, die großen gesellschaftlichen Zusammenhänge....

Zum Tod von Luc Bondy

Der Träumer

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Der verletzte Soldat umklammert meine Hand, seine Lider flattern, dann durchfährt ein Zucken seinen Körper. Für einen Moment steht die Zeit still, da eilt der Stationsarzt ans Krankenhausbett, ich trete zur Seite, und er misst schweigend den Puls des jungen Mannes. Dann lässt er den Arm des Soldaten sinken, sieht mich lange an und schüttelt den Kopf. Ich blicke auf meine Hände und das Kunstblut darauf, als ich auf den Flur trete, um meine Gruppe zu suchen, mit der zusammen ich in diese „Simulation“ geschickt wurde. Zwei Stunden zuvor, 18 Uhr, vor der ehemaligen staatlichen Gewerbeschule für Bauhandwerker in Barmbek, auf dem Glas der Tür das Logo „Söhne &amp; Söhne“. Alle Menschen, die hier auf Einlass warten, werden sich heute Abend auf eine Realitätsverschiebung einlassen. Sie werden alles abgeben, was sie an persönlichen Dingen bei sich tragen, und ihren „ersten Arbeitstag“ bei einer sektenähnlichen Firma namens Söhne &amp; Söhne verbringen, der sie sich für ihr restliches Leben verpflichten. Sie werden ein Klemmbrett mit einem Zettel erhalten, auf dem „Ein- gangsbewertung“ steht. Streng dreinblickende Mitarbeiter in Grau und Beige werden darauf geheimnisvolle Nummern notieren und Stempel machen, nachdem die Station durchlaufen wurde. Zu Beginn werden die Teilnehmer in der Aula zu...

Deutsches Schauspielhaus Hamburg: „Söhne & Söhne“ (UA) von SIGNA. Regie Signa Köstler, Bühne Signa Köstler und Mona el Gammal, Kostüme Signa Köstler und Dirk Traufelder

Hamburg: Die Firma

Wolfgang Engler, Europa hat seit dem Herbst 2015 nicht nur „Willkommenskultur“ erlebt, sondern auch eine seit 1990 nicht gekannte Welle von Angst und Hass. Brandsätze, Messerattacken, offene Todesdrohungen gegen Politiker und Helfer, aber auch Terroranschläge wie in Paris. Die Hemmschwellen für Gewalt sind dramatisch gesunken. Erleben wir nicht nur einen „Epochenbruch“, sondern auch den Beginn eines „Zivilisationsbruchs“? Das kann man nicht ausschließen. Alle Systemkritiker, deren Fahrwasser die Krise ist, können zurzeit frohlocken. Die Krisendynamik geht einher mit der zunehmenden Verunsicherung vieler Menschen in Europa. Es ist ja noch nicht allzu lange her, da war der Konflikt zwischen der Ukraine und Russland das beherrschende Thema. Das wurde dann überlagert von der Griechenland-Krise, auf die dann die Flüchtlingskrise folgte. Dabei gerät immer wieder der rote Faden, der sich durch all diese Krisen zieht, aus dem Blickfeld: das neoliberale Regime der westlichen Eliten in Wirtschaft und Politik. Dieser Zusammenhang wird nur selten hergestellt. Aber nur in diesem Kontext lässt sich die Zunahme von Frustration, Hass und Gewalt angemessen diskutieren. Das kam auch in der Premiere von Falk Richters „FEAR“ zu kurz, die ich im November in der Schaubühne sah. Jetzt rächt sich auch ein Prozess, der in den vergangenen 25 Jahren gerade im...

Wolfgang Engler, Rektor der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ in Berlin, über den roten Faden der andauernden Krisen: das neoliberale Gebaren der westlichen Welt im Gespräch mit Holger Teschke

Nichts zu machen?

Der Materialergründer

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Katharina Klars Gesicht hat elegante, skeptische und überaus konzentrierte Züge, die die Schauspielerin davor bewahren, in den Frauen- und Mädchenrollen des klassischen Dramenrepertoires als liebliches Blondchen missverstanden zu werden. Das ist sie keineswegs. Und es tut auch den Frauenbildern gut, wenn sie Kanten zeigen. Als heute 28-Jährige hat Klar das Gretchen gespielt, die geduldige Solveig in „Peer Gynt“, Büchners Lena oder die schöne Helena im „Sommernachtstraum“. Im Jänner folgt nun die liebesund todessehnsüchtige Julia in einer ungewöhnlichen Dreifachbesetzung am Wiener Volkstheater. Hierher ist sie in dieser Spielzeit mit Intendantin Anna Badora vom Schauspielhaus Graz gewechselt. Badora hat die junge Darstellerin vor sechs Jahren, noch vor deren Abschluss an der Universität für Musik und darstellende Kunst Graz, an das Schauspielhaus engagiert. Als 22-Jährige hat sie dort den Stadttheaterbetrieb kennengelernt, samt allen Vorund Nachteilen. Von Anfang an konnte sie immer irgendwie besondere Präsenz zeigen, ihr Ernst war erschütternd, ihre Figuren zeigten komplexe Befindlichkeiten. Oder anders: Katharina Klar nahm und nimmt die eigene Komplexität in die Figuren mit. Sie selbst formuliert es so: „Ich denke, der Widerstand, den es unbedingt braucht, ist, die Person, die man selber ist, in die Rolle einzubringen.“ Die vielen „erschütternd aufopfernden und passiven Frauenfiguren der klassischen Stücke“, mit...

Figuren des klassischen Repertoires konfrontiert die Wiener Schauspielerin Katharina Klar mit einem Widerstand: sich selbst

Aus dem Wiener Transdanubien

Impressum/Vorschau

Die euroscene ist ein Kind der Wendezeit, ins Leben gerufen von dem Theaterwissenschaftler und Regisseur Matthias Renner. Internationales Theater und Tanz aus ganz Europa hat sie nun im 25. Jahr ihres Bestehens nach Leipzig geholt. Renner war früh, wenige Wochen vor dem dritten Festival, verstorben. Seitdem führt die Musik- und Theaterwissenschaftlerin Ann-Elisabeth Wolff das Festival fort. In der spärlich bestückten Festivallandschaft Ostdeutschlands lässt sich nur das Kunstfest Weimar mit der euroscene vergleichen. So kommt ihr in Mitteldeutschland eine Vorreiterrolle für internationales Theater und internationalen Tanz zu. „Besuch unter Freunden“ hätte das in diesem Jahr titellose Programm überschrieben sein können. Viele, die die Geschichte der euro-scene geprägt haben, waren gekommen: Anne Teresa De Keersmaeker mit ihrer zeitlos guten Performance „Rosas danst Rosas“, Romeo Castellucci mit „Schwanengesang D 744“, der hinter die Komplexität seiner anderen Inszenierungen zurückfällt, Béla Pintér mit „Titkaink“, das ein sozial-politisches Lehrstück par excellence ist, und Josef Nadj (siehe Seite 36), dessen „Paysage inconnu“ als kryptisch-famoser Totentanz fesselt. Alain Platels packende, aufrichtige, verletzliche Arbeit „En avant, marche!“ wurde, kaum war der letzte Ton verklungen, mit stehenden Ovationen im Schauspiel Leipzig gefeiert. Die Liste der langjährigen Festivalweggefährten ist damit noch nicht zu Ende. Auf der Bühne des Lofft präsentierte die...

Das internationale Theater- und Tanzfestival euro-scene in Leipzig feiert 25 Jahre seines Bestehens

Das Nachleuchten

Kompositionsprinzip Collage

Am 26. November 2015 beging das deutsche Zentrum des ITI den 60. Jahrestag seiner Gründung in der Berliner Akademie der Künste. Das Netzwerk des Internationalen Theaterinstituts wurde 1948 unter dem Schirm der UNESCO mit Blick auf den gerade beendeten Zweiten Weltkrieg gegründet; 1955 schloss sich die Bundesrepublik an, vier Jahre später die DDR mit einem eigenen Zentrum – die deutsche Parallelexistenz währte, wie es heißt, relativ problemlos bis 1991. Thalia-Intendant Joachim Lux, seit vergangenem Jahr als Präsident vom ITI Deutschland Nachfolger von Manfred Beilharz, hielt angesichts der Gegenwart eine allzu ausführliche Rückbesinnung auf die Fernzeit des Kalten Kriegs allerdings für unangemessen. Seine Rede (in wesentlichen Punkten auch dokumentiert im gerade erschienenen Jahrbuch des ITI) richtete sich vielmehr auf die neu zu bestimmenden Herausforderungen für die allernächste Zukunft: „Die Internationalität unserer Kultur- arbeit ist nicht mehr länger nur eine der Außenbeziehungen zu Künstlern in anderen Ländern, sondern unsere eigene Gesellschaft internationalisiert sich in diesen Wochen und Monaten so rapide wie noch nie. Mit gravierenden Auswirkungen auf die kulturelle Arbeit in unserem Land. Mit Auswirkungen, die wir selbst noch gar nicht ermessen können. Wir alle müssen künstlerisch und politisch unsere Position finden zu den nicht abreißenden Flüchtlingsströmen, den Begriff der ‚Willkommenskultur‘ jeweils...

60 Jahre ITI Deutschland und der neue Blick ins eigene Land

Lasst uns einfach mehr Theater machen!

Der Aufstieg der „Sharing Economy“, dieses neuesten Internetgeschäfts, das sich als Ökonomie des Teilens ausgibt, realiter aber vor allem globale Datenkraken und gigantische Monopole generiert, verheißt nicht nur Taxiunternehmen und Hotelinnungen schwere Zeiten. Er betrifft auch all jene (halb)öffentlichen städtischen Orte, die bereits in prädigitalen Zeiten zum Teilen und Vernetzen gemacht wurden, vom Waschsalon bis zum DVD-Verleih. Auch die guten alten Stadtbibliotheken gehören darum zu jenen Orten, die allmählich eine ähnliche Tristesse zu verströmen beginnen wie ein Zeitungsstand, der sich gegen digitale Newsticker und kostenlose Nachrichtenportale zu behaupten sucht. Umso bemerkenswerter sind indes die Ausnahmen von der Regel: Eine der einladendsten, architektonisch interessantesten und anscheinend auch bestfrequentierten Stadtbibliotheken, die ich kenne, ist die Wiener Hauptbücherei am Urban-Loritz-Platz. Und weil ich bei gelegentlichen Wien-Besuchen immer gerne einmal in dieser Bibliothek sitze und lese, habe ich umso neugieriger die performative Installation „urban laboratory IDEAL PARADISE fragment 17“ des Wiener theatercombinats besucht: Bruchstück einer groß angelegten Forschungsarbeit des Kollektivs um Claudia Bosse, die möglichen Gemeinschaften „zwischen Menschen, Dingen und Ideologien“ in urbanen Räumen gilt und sich diesmal ebenmeiner Lieblingsstadtbücherei widmete. Je drei mit Taschenlampe versorgte Besucher durften sich eine knappe Stunde lang von einem „persönlichen Agenten“ des theatercombinats durch die (Wissens-) Räume der...

Die Ordnung der Bibliotheken

kirschs kontexte: Bücher lesen wie man Pilze liest

Auf der auf Postkarten verewigten Flaniermeile Piata Victoriei reiht sich im Temeswarer Stadtzentrum ein Café an das nächste, dazwischen kleine Geschäfte, im Herzen davon: ein bunter, liebevoll und akkurat angelegter Stadtgarten. Wie schon in den vergangenen Jahren findet in diesen Tagen im Herbst das Eurothalia-Festival des Deutschen Staatstheaters in Temeswar statt. Und wie schon in den Jahren zuvor wird es begleitet von einem Theater, das auf der Straße stattfindet. Anfang November versammelten sich Bürgerinnen und Bürger, um gegen Korruption und Misswirtschaft im Land zu protestieren, nachdem bei einem Brand in einem Bukarester Nachtclub – obwohl Sicherheitsbehörden nur eine Woche zuvor erhebliche schließungswürdige Mängel festgestellt hatten – insgesamt 60 Menschen starben. Der Protest, der in ganz Rumänien Anhänger fand, zeigte Wirkung: Der rumänische Premierminister Victor Ponta, selbst mehrfach wegen diverser Delikte angezeigt, trat zurück. Derartige „Sanierungs- versuche“ sieht man auch ganz konkret im Temeswarer Stadtbild: Die Stadt möchte sich als Europäische Kulturhauptstadt 2021 bewerben – und muss sich dafür herausputzen. Kaum etwas scheint von den exzessiven Renovierungsarbeiten verschont, die Piata Unirii, sonst einer der – so sagt man – schönsten Plätze in Temeswar: überlagert und verunstaltet von Bauschutt. Doch es passt zusammen: Wirtschaftlicher Aufbruch, Sehnsucht nach gesellschaftspolitischer Veränderung und eine immanente...

Das Eurothalia-Festival am Deutschen Staatstheater im rumänischen Temeswar reibt sich an osteuropäischen Realitäten

Du Tier!

Die Beats der Einstürzenden Neubauten, sagt Silke Johanna Fischer, gehören unbedingt zu Heiner Müller, zu einem so absurden Collagestück wie „Leben Gundlings Friedrich von Preußen Lessings Schlaf Traum Schrei“ ohnehin. Die Regisseurin erzählt die Geschichte großer Männer als Absturz. Denn sie wollen immer nur darüber hinwegtäuschen, dass sie den elenden Wurm, den sie auch in sich tragen und der sich krümmt und windet in ihrer Seele, mit viel Stechschritt und Pflicht statt Neigung für immer still machen. Für immer? Müller nennt den „Gundling“ ein „Gräuelmärchen“ – es ist ein Totentanz der ungelebten Wünsche, des ausgebliebenen Vatermords, von unterdrückten Trieben, die nun aus dem Grab heraus nach uns greifen. Als ich ihr sage, dass ich ihre Tim-Burton-Fantasien nicht haben möchte, aber es ihr ja offenbar gut damit zu gehen scheint, lacht sie. Silke Johanna Fischer überfordert andere gern mit ihren kraftvollen, fast schon hermetischen Bilderwelten. Über vier Jahre war sie Regieassistentin, erst in Zittau, dann in Chemnitz. Seit dieser Spielzeit arbeitet sie als freie Regisseurin. Die eigenen Inszenierungen, die sie bisher in Chemnitz – ermutigt von Schauspieldirektor Carsten Knödler – vorlegte, sind auf ihre Weise immer kompromisslose Exerzitien jener inneren Zerrissenheit, die jeder, der handelt, aushalten muss. Mehr noch: Man muss...

Die Inszenierungen der Regisseurin Silke Johanna Fischer sind kompromisslose Exerzitien der inneren Zerrissenheit

Rhythmischer Störfall

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Sechs Jahre Dresden-Erfahrung haben ihre Spuren nicht nur bei Intendant Wilfried Schulz oder Chefdramaturg Robert Koall hinterlassen. Die Hausspitze des Dresdner Staatsschauspiels wird im kommenden Jahr das ach so gerühmte Florenz des Nordens in Richtung Düsseldorf verlassen. In „Graf Öderland/ Wir sind das Volk“ am letzten Novemberwochenende kündigte aber auch die Schauspielstudentin Alexandra Weis in ihrem persönlichen Statement an, hier nicht bleiben zu wollen. Es deutet sich ein weiteres Kapitel des jahrhundertelangen Schaukelns zwischen Faszination und Abstoßung an, das insbesondere Künstler an dieser Stadt irre werden ließ. Dank Pegida ist Dresden in den zweifelhaften Ruf der „Hauptstadt der Bewegung“ geraten. Das Staatsschauspiel insbesondere hat versucht, sich mit anschwellenden Bocksgesängen und dem auseinanderzusetzen, was aus immer noch fruchtbaren Brecht’schen Schößen kriecht. Ein Ringen um Antworten, um passende Mittel und um die Relevanz dramatischer Arbeit. Zudem ein Kampf gegen die schleichende Resignation in den eigenen Reihen. Insofern mutet die neue Schärfe und politische Positionierung in der letzten Spielzeit vor Schulzes Weggang wie eine Flucht nach vorn an. Wenn man dazu einen Volker Lösch holt und vier Jahre nach Elfriede Jelineks „Kontrakte des Kaufmanns“ den Dresdner Bürgerchor wieder zusammenruft, weiß man am Haus, was man will. Wobei der Untertitel zur Stückvorlage, „Wir sind...

Carola Reuther; „Morgenland“ (UA). Regie Miriam Tscholl, Ausstattung Belén Montoliú Garcia

Dresden: Wenn Volk und Führer sich finden …

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Januar 2016

Premieren

Ich möchte heute Abend darüber sprechen, was am Freitag, dem 13. November, passiert ist. Was uns passiert ist, dieser Stadt, diesem Land, letztendlich der Welt, in der wir leben.“ Mit diesen Sätzen begann nur zehn Tage nach den Anschlägen in Paris eine Rede des französischen Philosophen Alain Badiou im La Commune – Centre dramatique national in Aubervilliers im Norden von Paris. Es war eine Rede, die der Angst und dem...

Editorial

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Seit der Entlassung aus der Landesträgerschaft 2012 stehen die Landesbühnen Sachsen unter einem besonderen Druck. Das Budget ist knapper geworden; zudem muss das Haus aufs Neue seine Rolle als Landeswandertheater rechtfertigen. Denn 82 Prozent der Vorstellungen werden im Stammhaus Radebeul oder im Kulturraum Meißen – Sächsische Schweiz – Osterzgebirge gespielt, nur einer von fünf ländlichen Kulturräumen in Sachsen. Da bietet ein abend-, ja nachtfüllendes Theaterprogramm von gleich neun teilweise parallel laufenden Vorstellungen ein probates Mittel, einerseits „Kundenbindung“ zu schaffen, andererseits mit den handlichen, oft nur knapp einstündigen kleineren Formaten Ergänzungsangebote an die übrigen Kulturräume zu unterbreiten. Intendant Manuel Schöbel kann sich bei solchen Spektakeln auf sein Publikum in besonderer Weise verlassen. Beim Stücke-Hopping am Freitag, dem 13. November 2015, an dem die fürchterlichen Nachrichten aus Paris das Publikum noch nicht erreichten, herrschte denn auch bis Mitternacht reges Treiben an den drei Spielorten in Radebeul. Müßig, dabei zu grübeln, ob nun alles unter das zum zweiten Mal gewählte Motto „Irrtümer“ (diesmal unter dem Schwerpunkt Utopien) passte. Seit Goethe irrt der Mensch bekanntlich, solange er strebt, und an diesem Abend wurde in Radebeul gestrebt. Zum Beispiel nach Barmherzigkeit und Großzügigkeit in der deutschen Erstaufführung von „Acts of Goodness“. Der Schwede Mattias Andersson...

Landesbühnen Sachsen: „Irrtümer II – Utopien – Ein Theaterspektakel“

Radebeul: Einsteins Deal

Rechte, keine Wohltaten

Ein wenig fühlt man sich bei Spielart immer wie beim Pilzesuchen im Herbst: Man schaut sich die Augen aus dem Kopf und trägt am Ende nur ein kleines Körbchen mit nach Hause. Bei der 11. Ausgabe des Münchner Festivals haben 420 Menschen aus 52 Ländern mehr als 200 Einzelveranstaltungen bestückt. Selbst abzüglich eines Symposiums zum Kuratieren in der globalisierten Welt und eines „Art in Resistance“-Wochenendes mit 50 Künstlern aller Sparten blieben noch allerlei vollgültige Aufführungen übrig. Sehr weit gereiste aus Mexiko, dem Kongo, Südafrika, Japan und dem Libanon im neuen Programmschwerpunkt „Außereuropäisches Theater“, aber auch allerlei längst etablierte Spielart-Dauergäste und acht ganz neue Produktionen waren zu sehen. Man schaute also und schaute – und im Körbchen landete vergleichsweise wenig. Wo doch die seit ihrer Gründung 1995 dem Experiment und dem Politischen zugeneigte Performance-Biennale früher meist eine Handvoll Produktionen abwarf, an die man sich noch Jahre später mit einem Kribbeln im Bauch erinnerte. Diesmal hatte für mich nur Simon Mayers „Sons of Sissy“ dieses Kaliber: eine Volkstanz-Variation zwischen heiligem Ernst, Präzision und Verausgabung; mit Nonsensworten, Kunstgeschichtszitaten und wohlkalkuliertem Nervpotenzial (siehe auch TdZ 10/2015). Vier Männer stampfen rhythmisch, zerdehnen Kontrabass- und Akkordeontöne und hauen sich nackte Oberschenkel und Fußsohlen rot. Mit viel...

Der bislang wohl politischsten Ausgabe des Spielart-Festivals in München wünscht man ein Trüffelschwein – und mehr durchgeknallte Alleskönner wie Simon Mayer

Sissis Söhne

Es müssen Köpfe rollen

Körper ist, was Gewicht hat. So ungefähr sieht es der französische Philosoph Jean-Luc Nancy, der sich in einem schmalen Buch einem voluminösen Thema widmet, das sich durch die europäische Geistesgeschichte zieht: der Aufhebung des Leib-Seele-Dualismus. Er geht dabei – für einen Akademiker – durchaus unorthodox zu Werke, und man ist versucht, arbeitet man sich durch die „58 Indizien für einen Körper“, sich den lästerlichen Satz von Nikolai Leskow zum Beistand zu rufen, der schrieb: „Will man von ihm erzählen, muss man Franzose sein, denn nur Angehörigen dieser Nation gelingt es, anderen etwas zu erklären, was sie selbst nicht begreifen.“ Aber das ist, genauer betrachtet, das Grundproblem aller Philosophie: das eigene Nicht-Verstehen in eine Form zu bringen, die in ihrer Stringenz wiederum Wahrheit erlangt. Aber ganz so reflexionsphilosophisch einfach macht es sich dieser an Heidegger und Derrida geschulte Kopf eben nicht, wenn er den Körper zu definieren versucht. Denn da ist noch einer, den es nicht zu vergessen gilt: Nietzsche. Der wollte die Philosophen zwecks Horizonterweiterung nicht nur auf die Schiffe schicken, er wollte sie auch tanzen lehren! Vor diesem Hintergrund versteht man es besser, wenn Nancy das Thema Körper philosophisch anhand des Weins erklärt: „Er bringt eine Schwere in den...

Jean-Luc Nancy: Ausdehnung der Seele. Texte zu Körper, Kunst und Tanz. diaphanes Verlag, Zürich/Berlin 2015 (2010), 112 S., 14,95 EUR.

Körper-Denkspiele

„Work hard, play hard?“

Der genetische Code Amerikas

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Figuren: Amal – Krankenschwester, 30 Jahre Thaiser – ihr Vater Nabila – ihre Mutter Fares – ihr Bruder Dr. Abu Khaled Jamal – Taxifahrer Saraya – seine Frau Nasrin – Kindheitsfreundin von Amal Yael – Soldatin Zachi – Soldat Leutnant Yaniv – Offizier Chemi – Mitarbeiter des Shabak (Israelischer Inlandsgeheimdienst) 1. Palästinenser 2. Palästinenser 1. Palästinenserin 2. Palästinenserin Kind Kellner Anonyme Figuren (durch Gedankenstriche angezeigt) 1. (Alle Schauspieler sind auf der Bühne, sie streiten, wer anfängt.) Jamal Eine schwangere Frau steigt in mein Taxi, möchte essen gehen! Wer hätte gedacht, dass es das ist, was sie tun wird?! Amal Kennen Sie ein gutes Restaurant in Haifa? Jamal Es gibt ein kleines Restaurant, eins von unseren, nicht weit von hier. Amal Nein, nicht von unseren. Bringen Sie mich dahin, wo sie hingehen. Chemi Dahin, wo wir hingehen, ah? Und was hat er gedacht? Dass sie Friedensgespräche führen möchte? – Also los, fang an.– Fang du an. – Ich fange an: Eins. – Eins. – Ah, du fängst an? – Nein, fang an, fang du an. – Ok. Eins – Zwei. – Drei. – Vier. – „Entschuldigung“, sagte jemand: „Könnten Sie das bitte warm machen?“ – Ja, und jemand bestellte: „Cappuccino, ohne...

Deutsch von Matthias Naumann

Gott wartet an der Haltestelle

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Es gibt Bergmenschen und es gibt Meermenschen. Nicht nur in Urlaubsfragen, sondern auch in der Psychotherapie. Wenn der Therapeut seine Patienten zur Entspannung auf eine innere Reise schickt, gibt es offenbar solche, die es auf den Gipfel zieht, und solche, die die Weite des Ozeans bevorzugen. Die Deutung, kinderleicht: Bergmenschen brauchen festen Boden unter sich, sind zielstrebig, leistungsorientiert und selbstkontrolliert. Meermenschen dagegen lassen sich lieber treiben, geben sich bereitwilliger ihrem Unterbewussten hin, neigen zu Tagträumen. Annie Ocean (Isabell Giebeler), der Name sagt alles, liegt auf der Couch. Wenn auch nicht auf der eines Psychotherapeuten, wo sie eigentlich hingehörte. Ihr Meer ist nicht still, nicht türkis, kennt keine sanfte Brise. Ihr Ozean, um beim etwas bemühten Bild zu bleiben, ist tief und dunkel. Entspannung findet sie nur in der Wohnung ihres toten Vaters, wo sie auf ebendessen Sofa liegt, alte Westernfilme guckt und sich, wie sie sagt, einigermaßen aushält in ihrer Einsamkeit. Dabei ist sie gar nicht so einsam. Verheiratet mit William „Bill“ Ocean (Lukas Graser), zwei Kinder, Reihenhaus. Und amourös verbandelt mit Jack MacCormick (Sebastian Graf), kerniger Raucher im weißen Feinrippunterhemd, mit dem sie sich aus der Eheöde heraus immer dann ins plüschige Hotelzimmer verkriecht, wenn der auf Heimaturlaub ist...

Theater Bielefeld: „Annie Ocean“ (UA) von Mario Salazar. Regie Tim Hebborn, Ausstattung Sophia Lindemann

Bielefeld: Yihaa!

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

„Ich bin der festen Überzeugung, dass gutes Handeln sich potenziert“, schreibt Konstantin Küspert zur Uraufführung seines neuen Stücks in seiner Geburtsstadt Regensburg, um sodann der eigenen Zuversicht einen gehörigen Dämpfer zu verpassen: „Leider, leider“ vermehre sich das gute nicht so stark wie das böse Handeln, das sich wie eine ansteckende Krankheit durch die Gesellschaft fresse. Wie die Pest eben. Womit der Zuschauer schon mal hinreichend eingestimmt wäre auf den düsteren Grundton von Küsperts Theatertext, dessen Handlung grundsätzlich die schlimmstmögliche Wendung nimmt. Oder besser: die Handlungen. Denngleich zu Beginn verzweigt sich der Plot in zwei Erzählstränge. Beide drehen sich um einen Nachwuchsfußballer namens Georgios, den sein ehrgeiziger Vater zur Profikarriere quälen will. In einem Fall fügt sich der Junge, im anderen widersetzt er sich. Glücklich wird er so oder so nicht. Weg eins führt in die dritte Liga, in die Alkoholsucht und sogar (weshalb, wird nicht so recht klar) in einen Krieg, in dem Georgios zum Killer mutiert. Weg zwei endet nicht minder katastrophal: Georgios wird dem eignen Wunsch gemäß Kernphysiker, verschuldet als solcher aber einen Reaktorunfall. Katrin Plötner inszeniert beide Unglücksszenarien als doppelte Instantapokalypse. Plastikfetzen vermüllen den Bühnenboden wie nuklearer Fallout oder Kriegstrümmer und sorgen im Handumdrehen für Weltuntergangsoptik. Den...

Theater Regensburg: „pest“ (UA) von Konstantin Küspert. Regie Katrin Plötner, Bühne Anneliese Neudecker, Kostüme Lili Wanner

Regensburg: Keinmal Leben

Sweet Dreams?

25 Grad. November. Was in Israel als Wintereinbruch gilt, genießt der Mitteleuropäer als Sommer. Man lässt sich von der Sonne, die auf die Haut strahlt, und von der Herzlichkeit, die die Tel Aviver ausstrahlen, wärmen. „Wir sind hier in einer Seifenblase“, sagt die Tschechin neben mir. Und sie hat recht. Wir, die wir als internationales Publikum zum Showcase für israelisches Theater angereist sind, wissen um den Gazastreifen, wir wissen um die Messerattacken in Jerusalem, wir wissen um den Krieg, der das Land umgibt, und die kriegsähnlichen Zustände, die im Land herrschen – und doch vergisst man all das, wenn man durch die Straßen geht und das Treiben beobachtet. Oder verdrängt man es? Zumindest so lange, bis man durch die Sicherheitschecks muss, an Bahnhöfen, vor Einkaufszentren, vor Kultureinrichtungen, ja, generell vor allen öffentlichen Gebäuden. Die erinnern daran, dass Tel Aviv keine so heile Welt ist. Und dann, an einem kühlen Abend, fährt uns für einen kurzen Moment der Schrecken in die Glieder: Zwei Terrorattentate in Israel, während man unbehelligt zwischen zwei Vorstellungen mit dem Bus durch die Stadt chauffiert wurde. Während im Westjordanland drei Menschen umkamen und neun verletzt wurden, starben bei einer Messerattacke während eines Gebetsgottesdienstes zwei weitere. In Tel...

Das International Exposure of Israeli Theatre 2015 zeigt Theater, das die Konflikte des Landes spiegelt

Brücken spinnen

Bettina Pommer, Ihr Bühnenbild zu Siegfried Lenz’ „Deutschstunde“ in der Regie von Johan Simons am Thalia Theater in Hamburg versetzt den Zuschauer in eine Art Trümmerlandschaft. Wie Eisschollen türmen sich scharfkantige Bruchstücke übereinander, in denen dann die Schauspieler herumklettern. Man fragt sich unwillkürlich: Was ist hier kaputtgegangen? Die „Deutschstunde“ spielt im Krieg und unmittelbar danach. Der Junge sieht die Welt der Erwachsenen in diesem Zusammenbruch. Da sind sein Vater, der Polizist, und der Maler, den dieser überwacht hat und damit auch nach dem Krieg nicht aufhören kann oder will. Die Geschichte übt auf die handelnden Personen einen starken Druck aus, den wollte ich spürbar werden lassen. Mir ging es um den Körper, der sich an etwas abarbeiten muss, sich mit aller Kraft gegen einen starken Widerstand, den Raum, stemmen muss, um nicht unterzugehen. Und dieser Raum, dieses Schiff, dessen Kiel wir anfangs zu sehen glauben, beginnt sogar noch zu kippen! Ein Balancieren zwischen Extremen. Für die Schauspieler ist es sehr kraftraubend, sich auf dem sich immer mehr auf die Seite legenden Bühnenaufbau zu halten, der Raum bietet irgendwann keinen Halt mehr und sie rutschen hinunter. Eine starke Metapher für den Menschen in der Geschichte, der immer wieder zu handeln beginnt....

Die Bühnenbildnerin Bettina Pommer schafft Räume, die kippen, schwanken oder radikal leer sind. Im Gespräch mit Gunnar Decker

Haltloser Ort

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Es geht um die Zukunft unseres Planeten.“ So haben Zeitungen Anfang Dezember in ihren Berichten über die Eröffnung der Weltklimakonferenz in Paris den französischen Präsidenten zitiert. Dieser Satz ist auf jeden Fall falsch. Vielleicht ist er aber auch noch gelogen. Es geht nicht um den Planeten. Dem geht der Klimawandel am Arsch vorbei – wenn er einen hat. Den hätten ihm dann die Kolonialmächte der vergangenen zwei bis drei Jahrhunderte und die Industrienationen der Gegenwart verpasst. Also ein und dieselben, die den Klimawandel herbeigewirtschaftet haben. Ich komme nicht umhin, mir den Planetenarsch als Afrika vorzustellen. Das muss auch an meiner Schulbildung liegen, die in den frühen fünfziger Jahren begann und die KZs noch souverän ausgeklammert, dafür aber die vom wirtschaftlichen Standpunkt her eher klägliche deutsche Kolonialgeschichte aus dem Keller geholt hat. Zur Ablenkung von den toten Juden zeigte man uns Fotos von Herero-„Negern“, fotografiert von deutschen Schutztrupplern und entsprechend kommentiert von entnazifizierten Lehrern. So bildete sich in meiner Fantasie das Bild vom Arsch des Planeten. Damit kämen wir dem falschen Satz bzw. der Unwahrheit des Präsidenten schon näher. Denn auf dem afrikanischen Kontinent wird der Klimawandel – und tut es bereits – die ersten großen Verheerungen anrichten. Die werden dem...

Am Arsch

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Das neue Elektrotheater Stanislawski in Moskau, dessen Leitung vor zwei Jahren Boris Juchananow übernahm, ein Regisseur mit dem Ruf eines Experimentators, fiel unter den Theatern in der Hauptstadt sofort dadurch auf, dass es auf Provokation und einen radikalen Repertoirewechsel setzte. Es spielt in einem Gebäude, in dem sich zuvor das der klassischen Ästhetik verpflichtete Stanislawski-Theater befand; sowieso steht das Erbe des großen Schauspiellehrers in Moskau nach wie vor hoch im Kurs. Heiner Goebbels’ Stück „Max Black oder 62 Arten, den Kopf mit der Hand zu stützen“ wurde zu einem weiteren Manifest der neuen Strategie. Dass die Uraufführung des Stücks 18 Jahre zurückliegt, ist möglicherweise auch Teil davon: Dem Theater der Klassik à la Stanislawski wird die Klassik eines anderen Theaters entgegengesetzt. Andere, später entstandene Stücke, die Goebbels beim Tschechow-Festival und beim Festival Goldene Maske zeigte – etwa „Eraritjaritjaka“, „Stifters Dinge“, „When the mountain changes its clothes“ –, waren für die Zuschauer eine größere Herausforderung als dieses. Heiner Goebbels schafft in „Max Black“ ein Stück „außerhalb der Geschichte“. Was das Sujet angeht, so gibt es keins. Auch einen Protagonisten gibt es nicht; Hauptfigur ist kein Mensch, sondern das Denken. Goebbels verzichtet in seinem Stück auf jede Entwicklung. Es ist ein düsteres...

Elektrotheater Stanislawski: „Max Black oder 62 Arten, den Kopf mit der Hand zu stützen“ von Heiner Goebbels. Regie Heiner Göbbels, Bühne Klaus Grünberg, Kostüme Jasmin Andreae

Moskau: 62 Perspektiven eines Punktes

Herr Schombert, der Kreis Wesel, der für ein Fünftel des Etats der Burghofbühne Dinslaken aufkommt, hatte angedroht, seine Zuschüsse zu streichen. Es hätte das Ende Ihrer Bühne bedeutet. Das hat die Theaterszene alarmiert. Nun wurde ein Beschluss gefasst. Ist der Kelch an Ihnen vorübergegangen? Er hat uns zumindest nicht komplett besudelt. Der Kreistag hat beschlossen, nicht zu kündigen, jedoch seinen Zuschuss von derzeit 292 000 Euro sukzessive um etwa die Hälfte auf 150 000 Euro herunterzufahren, um 100 000 praktisch sofort im Jahr 2016. Für die nächsten Schritte wäre dann eine Satzungsänderung erforderlich, da 190 000 Euro als Pflichtbeitrag festgelegt sind. Von den aktuell fehlenden 100 000 Euro kann die Bühne 30 000 selbst kompensieren, mit 70 000 springt die Stadt Dinslaken in die Bresche. Das ist jedenfalls der Stand der Dinge jetzt, vorbehaltlich der Zustimmung des Stadtrats. Das heißt, die Burghofbühne ist gerettet? Kann man aufatmen? Der Bestand der Bühne scheint von 2017 an für weitere fünf Jahre gesichert, ja. Jubeln kann man darüber noch nicht, denn der Plan sieht zum Beispiel keine Dynamisierung der wachsenden Unkosten vor, die anstehenden Tariferhöhungen sind so etwas wie ein schleichendes Gift. Aber immerhin, man kann aufatmen, ja. Sie sagen, Sie können 30...

Was macht das Theater, Mirko Schombert?

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Joël Pommerat, Ihre Inszenierung „Ça ira (1) Fin de Louis“, ein Stück über die Französische Revolution, ist in Frankreich das Stück der Stunde. Haben Sie selbst eine Erklärung für den großen Erfolg, der nach den Attentaten vom 13. November noch größer wurde? Es stimmt, die Leute sind auch nach den Attentaten gekommen und fanden darin offenbar etwas, das der Emotion, in der sie sich befanden, entsprach. Das, was passiert ist, berührt uns auf einer emotionalen, intimen Ebene – und gleichzeitig appelliert es an uns als Bürger und Gesellschaft, die das gemeinsame Leben, die Grundregeln unserer Gesellschaft neu definieren müssen. Also berührt es uns auch auf einer politischen Ebene. Diese Attentate waren Demonstrationen politischer, nicht religiöser Ordnung. Und „politisch“ heißt dabei nicht „legitim“. Die religiöse Komponente dieser Terroranschläge ist für mich eine Maske, eine falsche Fährte. „Ça ira“ spricht von diesem Ort, wo alles in der Konstruktion inbegriffen ist. Von einer Gesellschaft, die reinen Tisch gemacht hat und fast bei Null anfängt und sich fragt, wie sie in Zukunft sein will, was sie berichtigen muss. An dem Punkt befinden wir uns auch heute, auch wenn kein Staatsstreich und keine Revolution hier im Westen stattgefunden haben. Wir müssen uns...

Der Regisseur und Dramatiker Joël Pommerat über die Selbstbefragung der französischen Gesellschaft im Gespräch mit Lena Schneider

Am Nullpunkt

Radikal weiblich

Meldungen

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Festival der Besessenen

Zehn Tage nach dem Pariser Terroranschlag vom 13. November 2015 hielt der französische Philosoph Alain Badiou im Pariser Vorort Aubervilliers am Theater La Commune – Centre dramatique national eine Sondervorlesung. Darin untersucht er das Geschehen, das er als eines der zahlreichen Symptome der „ernsten Krankheit“ Kapitalismus beschreibt, an der unsere gegenwärtige Welt leide. Wir drucken die einleitenden Worte dieser Vorlesung, in der Badiou die Risiken für eine von Trauma und Affekt beherrschte Gesellschaft beschreibt, wie er sie in den unmittelbaren Reaktionen auf die Attentate beobachtet. Ich möchte heute Abend darüber sprechen, was am Freitag, dem 13. November, passiert ist. Was uns passiert ist, dieser Stadt, diesem Land, letztendlich der Welt, in der wir leben. Lassen Sie mich zunächst etwas dazu sagen, in welchem état d’esprit, in welcher inneren Disposition, man meiner Meinung nach über diese schreckliche Tragödie sprechen sollte. Denn eines ist offensichtlich, jedem bewusst und wird von den Medien und den Autoritäten auf gefährliche Weise immer wieder betont: Der Impuls des Affekts, der gefühlsbestimmten Reaktion, ist in Situationen wie dieser unvermeidbar und in gewissem Sinne auch unumgänglich. Es besteht derzeit so etwas wie ein Trauma, ein Gefühl der unzumutbaren Ausnahme von der Alltagsordnung, des Einbruchs von Tod in...

Den Massenmord denken

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Das Wiener Volkstheater, knapp 700 Meter Luftlinie vom Burgtheater an der verkehrsreichen Museumsstraße gelegen, war immer das Problemkind unter den Theaterhäusern der Stadt. Die hohe Anzahl von knapp 1000 Sitzplätzen verursachte dem schmucken Fellnerund-Helmer-Bau stets eine triste Auslastungsbilanz. Zudem hatte das zuletzt von Michael Schottenberg geleitete Haus an chronischer Unterdotierung zu leiden. Es gelang auch nie wirklich, überregional Relevanz zu erlangen. Schottenberg, der seine letzten Produktionen bei maroder Technik und undichtem Dach zu bewerkstelligen hatte, folgt nun Anna Badora nach, die Wunderintendantin aus Graz. Am dortigen Schauspielhaus hat sich die gebürtige Polin als veritabler Talentscout erwiesen. Badora hat unter anderem den ungarischen Regisseur Viktor Bodó entdeckt oder die nun in Berlin beheimatete israelische Regisseurin Yael Ronen. Am Volkstheater, wo sie in den ersten beiden Monaten ihrer Intendanz satte zehn Premieren vorstellte, ist es nun Dušan David Pařízek, der amtierende „Regisseur des Jahres“, den sie in weiser Voraussicht dem Burgtheater abspenstig machte. Nota bene lief auch die „Schauspielerin des Jahres“, Stefanie Reinsperger, von dort zu ihr über. Was will man mehr? Natürlich Geld für die Sanierung. Diese ist nun auch auf Schiene, die Stadt Wien schießt zur Gesamtsumme von 35 Millionen Euro deren zwölf bei. Der einzige Schönheitsfehler in diesem rundum...

Anna Badora holt das Volkstheater Wien aus der Bedeutungslosigkeit

Die Wunderintendantin

Maya Arad, Sie schrieben Ihr Stück im Rahmen des Projekts TERRORisms der Europäischen Theaterunion (UTE). Es beginnt mit einer rasanten Dynamik: In einer dichten Sprache und mit diversen Rück- und Vorblenden versuchen die Figuren anhand von unterschiedlichen Fragmenten, einem Selbstmordattentat nachzugehen, das eine Frau in einem israelischen Restaurant verübt hat. Sie spüren den destruktiven Spuren der Besatzungspolitik sowie patriarchalischer Familienverhältnisse nach. Wie und wo haben Sie angefangen, über diese „explosive“ Thematik zu recherchieren? Das Thema Terrorismus war von Anfang an vorgegeben. Es ist ein Thema, bei dem man sich auf einem Minenfeld bewegt. Zuerst habe ich angefangen, in einem größeren Kontext zu recherchieren. Ich dachte sogar darüber nach, die jüdische Widerstandsbewegung während der britischen Besatzung Palästinas nach dem Ersten Weltkrieg auf irgendeine Art mit dem jetzigen Terrorismus in Israel in Verbindung zu bringen. Allerdings habe ich früh erkannt, dass ein Vergleich zwischen den beiden Phasen des Terrors falsch wäre. Ich habe zeitweise an Orten gelebt, die regelmäßig von Terroranschlägen getroffen wurden. Besonders schlimm war es während der zweiten Intifada 2000 bis 2005 in Jerusalem, wo ich studiert habe. Ich hätte also selbst Opfer eines solchen Aktes werden können. Daher habe ich den Fokus zunächst auf diese Zeit gesetzt, zu der...

Die israelische Dramatikerin Maya Arad über ihr Stück „Gott wartet an der Haltestelle“ im Gespräch mit Mehdi Moradpour

Solange es Checkpoints gibt …

Tun wir einen Moment lang so, als hätten wir Zeit. Als habe es den 13. November 2015 nicht gegeben, der rechtsextreme Front National danach nicht die Regionalwahlen in Frankreich dominiert. Folgen wir Peter Handke, der in „Über die Dörfer“ schrieb: „Hab Zeit und nimm Umwege.“ Erlauben wir uns einen Umweg, über die französischen Dörfer. Spätsommer in Amboise, Region Centre – Val de Loire. Das Feriendorf „Die Veilchen“. Dauerregen. Es gehört zum Luxus dieses Ortes, dass man sich nicht wegbewegen muss. Die Kinder werden betreut, gegessen wird in der Kantine, und manchmal kommen Künstler vorbei und sorgen für Kultur. Heute auf dem Programm: „Othello. Variation für drei Schauspieler“ von Du Zieu, Paris. Die Leute kommen vom Waldspaziergang zurück oder vom Buffet, eine kleine Horde Kinder klebt an einem Betreuer. Wenig später sitzen sie, ohne Betreuer, im Saal in der ersten Reihe, die sonnenbraunen Füße in Badelatschen. Einige ohne Eltern. Das Stück ist ab 14. Ob die Vier- bis Zehnjährigen wirklich bleiben wollen, fragt die Schauspielerin Mitsou Doudeau. Sie wollen. Sie bleiben. Später schwirrt ihnen der Kopf von den Ausführungen zur Funktionsweise des Kapitalismus. Das goldene Lametta, das Jago verschießt, fisteln sie in die zu engen Hosentaschen. Desdemonas Seidentuch auch, beinahe. Jago...

In Zeiten des aufbrausenden Patriotismus fordert die Compagnie Du Zieu mit ihrer Trilogie „Spectres de l’Europe“ das Unerhörte: sich endlich aus dem Klammergriff der eigenen Identität zu lösen

Französisch, unter anderem

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Philippe Quesne, statt ein knappes Jahr nach dem Attentat auf Charlie Hebdo die Frage zu stellen, was sich seitdem politisch getan hat, müssen wir zunächst über eine neue Dimension von Attentaten reden. Ist diese neue Dimension vor allem der Einbruch des Terrors, der Angst in den Alltag der Menschen? Was am 13. November passierte, ist erschreckend. Aber eigentlich war es für mich nichts Neues. Eine Linie wurde fortgesetzt. Das wirklich Beunruhigende ist das totale Abrutschen der Demokratien, aber auch einer ganzen kapitalistisch funktionierenden Welt, die seit „Charlie Hebdo“ absolut nichts gelöst oder dazugelernt hat. Nach „Charlie“ gab es keinerlei Veränderungen, keinerlei Konsequenzen, die gezogen wurden. Weder im Bildungsbereich noch in der Kultur noch in der Integration von Kulturen und Religionen. Nur immer mehr Polizisten, die sich um die Moscheen herum aufbauen. Da bleibt einem nur, festzustellen, dass Unfälle im 21. Jahrhundert eben passieren. So konstatieren wir die Katastrophen, seit Jahrzehnten, Jahrhunderten. Aber wir ändern nichts. Die Rolle des Theaters ist im Vergleich zu „Charlie“ allerdings viel deutlicher. Anders als damals sind die Säle voll. Die Leute hatten sehr schnell nach den Attentaten wieder sehr große Lust auf Theater, zumindest im subventionierten Sektor. Woher kam das? Die Theater sind im Grunde...

Der Regisseur Philippe Quesne über den Einbruch der Angst im Gespräch mit Lena Schneider

Das ist nicht unser Krieg

Mit dem Theater die Welt verändern

„Denkmaschine Joggen“ nannte er eines seiner späten Projekte, in dem zwei Männer in einem schweißtreibenden Lauf die manipulativen Verführungen einer konsumsüchtigen Gesellschaft vorführten. Bis zuletzt hat George Froscher seine Vision einer Seh- und Denkkonventionen sprengenden Bühnensprache mit ungeheurer Energie und Konsequenz verfolgt. Lange galt der 1927 in Berlin geborene Schauspieler, Tänzer, Choreograf und Regisseur als einer der wichtigsten Theatermacher der Off-Szene, die er nie bloß als künstlerische Zwischenstation betrachtete. Als er sich vom Stadttheaterbetrieb verabschiedete und 1970 sein Freies Theater München (FTM) gründete, war das für ihn eine Lebensentscheidung. Im Gegensatz zu „so vielen Produktionen der freien Szene“, erklärte der Kritiker Michael Merschmeier nach einer Aufführung von „Macbeth“, waren die Performances des FTM gekennzeichnet durch „Präzision, Präsenz und Prägnanz der Form, Lust an Handwerk und Genauigkeit“. Froscher hatte die Folkwangschule besucht, war als Tänzer bei Kurt Joos und Jean-Louis Barrault in Paris aufgetreten und hatte als Choreograf an Stadttheatern gearbeitet, ehe er für drei Jahre nach New York ging, wo er Unterricht bei Martha Graham nahm und maßgebliche Impulse für seine Theatersprache fand. Er entwickelte ein Trainingsprogramm für Performer, das er mit dem FTM perfektionierte, zu dessen zentralem Akteur sein Lebenspartner Kurt Bildstein wurde. Froschers Interpretationen von Lenz, Handke und...

Zum Tod von George Froscher, Leiter des Freien Theaters München

Holt den Narren zurück!

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Kuba 2015. Das 16. internationale Festival de Teatro de La Habana findet Ende Oktober an einem Ort nicht nur scheinbarer, sondern inzwischen auch gelebter Aporien statt. 43 Theatergruppen aus 23 Staaten, vornehmlich aus Lateinamerika, aber auch aus Frankreich, Norwegen, Kanada, Spanien und aus Russland sowie 16 kubanische Theaterproduktionen, flankiert von einem umfangreichen Lektionen- und Theorieprogramm, verleihen dem kulturellen Havanna einen Hauch von Offenheit, der vom vornehmlich jungen kubanischen Publikum gierig aufgesogen wurde. Kuba ist für den europäischen Besucher neuerlich hochinteressant, obwohl noch immer/schon wieder vielfach von Mythen gespeist und mit Imaginationen durchsetzt. Raúl Castro trifft Barack Obama, jahrzehntelange Handelsembargos werden aufgehoben, Papst Franziskus predigt in Havanna vor 100 000 Kubanern. Noch immer/schon wieder ist die Insel eine Projektionsfläche für vom Kapitalismus enttäuschte Europäer. Eine Sichtweise, die seit der Hypothekenkrise 2008 und den neoliberalen Entwicklungen für Markt und Politik neu befeuert wird. Das liegt nicht zuletzt auch am speziellen Charme kubanisch-karibischen Lebensgefühls, das jenseits von Revolutionsssympathien emotionale Anziehung und vielfältige Projektionen hervorruft. Andererseits – das macht der Blick in den Alltag der Kubaner überdeutlich – werden auch auf Kuba ökonomische Reformen weit über das bisher praktizierte Maß privater Anreize unausweichlich. Der wirtschaftliche Druck erzeugt schon seit Jahren unübersehbare Risse im bis...

Das Theaterfestival in Havanna zeigt neben internationalen Produktionen vor allem reich wuchernde Besonderheiten kubanischen Theaters

Gelebte Aporien

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Der ungarisch-jugoslawische Choreograf und Performer Josef Nadj ist einer der angesehensten Künstler in der modernen Tanzund Tanztheaterszene Europas. 1957 als Sohn einer ungarischen Familie in der jugoslawischen Provinz Vojvodina (im heutigen Serbien) geboren, verbrachte er die meisten Jahre in Frankreich, wo er, seit dessen Gründung 1995, das Centre Chorégraphique National d’Orléans leitet. Eigentlich wollte Nadj Maler werden und studierte an der Kunsthochschule Novi Sad. Doch erst in den späten neunziger Jahren kehrte er nach langer Pause zur bildenden Kunst zurück. Zu seinen aktuellen Arbeiten zählen Fotogramme: mysteriöse, abstrakte Bilder, die ohne Kamera entstehen. Nadjs Interesse galt jedoch neben der Malerei vor allem der Schauspielerei und dem Physical Theatre. 1980 zog er nach Paris, er lernte dort bei Marcel Marceau und Étienne Decroux, fand Zugang zum zeitgenössischen Tanz und wurde von Mark Tompkins in Tai-Chi und Butoh unterrichtet. Nadj trat in Inszenierungen von Tompkins, Catherine Diverrès und François Verret auf, er entwickelte eine eigene Tanztheaterpraxis und etabliert 1986 seine eigene Compagnie, das Théâtre Jel (Jel ist das ungarische Wort für „Zeichen“). Die Kritiken waren voll des Lobes. Produktionen wie „Peking Duck“, sein Debüt 1987, „Woyzeck“ (1994) oder „Paysage inconnu“ (2014) kamen sehr gut an, und Nadj erhielt zahlreiche Auszeichnungen. Für...

Seit über dreißig Jahren zählt Josef Nadj zu den führenden Tanztheatermachern in Europa

Meister der Metaphern

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Mit „Kauza Schwejk / Der Fall Šwejk“ am Theater Bremen ist es ein bisschen so wie mit „Wallensteins Lager“: Es geht die ganze Zeit um eine Titelfigur, die nie auftritt. In Dušan David Parízeks Adaption des Romans „Die Abenteuer des braven Soldaten Schwejk“ von Jaroslav Hašek wird der dramaturgische Kniff zum Programm. Denn in der militärischen Hierarchie ist kein Platz für den Angeklagten, dessen Leben hier verhandelt wird. Das Vergehen des Soldaten Schwejk, zum Tatzeitpunkt Infanterist der österreichischungarischen Armee im Ersten Weltkrieg, ist schnell erzählt. Er wurde an der galizischen Grenze, dem östlichen Frontverlauf, in russischer Uniform aufgegriffen, die er – wie er vorgibt – aus einer Laune heraus angezogen habe, als er sie an einem Badeteich liegen sah. Das macht ihn in den Augen des Militärrichters General Fink (Martin Baum) höchst verdächtig. Der Junge ist Überläufer zu den Russen, so viel ist klar. Er möchte dem Tschechen kurzen Prozess machen. Fink hält von den Tschechen ohnehin nicht viel. „Tschuschen, Tschechen, Serben, des is ja ois aans“, erklärt er dem Kadetten Biegler (Peter Fasching), der mit vorauseilender Dienstfertigkeit und herrlich windigem Opportunismus versucht, den Erwartungen des Generals gerecht zu werden. Ein Ding der Unmöglichkeit, denn Fink hat vor allem sprachlich...

Theater Bremen: „Kauza Schwejk / Der Fall Šwejk“ nach dem Roman „Die Abenteuer des braven Soldaten Schwejk“ von Jaroslav Hašek. Text, Regie und Bühne Dušan David Parízek, Kostüme Kamila Polívková

Bremen: Das is ja ois aans

Explodierendes Dokumentartheater

Das oberfränkische Bamberg steht für vieles: für die Altstadt, die UNESCO-Weltkulturerbe ist, für seine Hexenprozesse, seine Bierkultur und Brauereiendichte. Sein Theater aber ist schon seit Jahren aus fast aller Munde verschwunden, und das, obwohl das E.T.A.-Hoffmann-Theater eine ausgezeichnete Auslastung zu verbuchen hatte. Doch die Auslastung eines Hauses sagt bekanntermaßen nur wenig darüber aus, ob das, was auf seiner Bühne gezeigt wird, außerhalb der Stadtgrenzen als interessant oder relevant wahrgenommen wird oder ob es vielleicht eher dazu dient, sein Publikum schlichtweg zu bedienen. Als 2013 bekannt wurde, dass Rainer Lewandowski, der das E.T.A.-Hoffmann-Theater seit 1989 geleitet hatte, nach geschlagenen 26 Jahren seine Intendanz niederlegen und es stattdessen Sibylle Broll-Pape vom Prinzregenttheater Bochum nach Bamberg ziehen würde, überschlugen sich in dem sonst beschaulichen Städtchen die Meldungen in den Regionalzeitungen. Lewandowski schien genauso zu Bamberg zu gehören wie Rauchbier, Dom und Erzbischof. Der regionalmediale Großeinsatz verstärkte sich Anfang des Jahres noch einmal, nachdem bekannt geworden war, dass sich Broll-Pape – wie bei Intendantenwechseln üblich – ein neues Ensemble suchen und somit auch Schauspieler entlassen würde. Das eigentlich normale Prozedere war den Bambergern unbekannt. Schauspieler schrieben Beschwerdeund Leserbriefe, und Broll-Pape konnte über sich als harte Frau ohne jegliche Moral lesen. Für die eher traditionsverbundenen...

Das E.T.A.-Hoffmann-Theater Bamberg startet unter Sibylle Broll-Pape neu

Fröhliche Fassade

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Vor genau 125 Jahren begann im fernen Japan ein junger Militärarzt eine schier unglaubliche literarische Karriere. Am Lebensende wird sein Werk 38 Bände umfassen. Der 27-jährige Mori Ogai veröffentlichte nach seiner Heimkehr aus Deutschland 1890/91 seine heute so genannte „Deutsche Trilogie“. „Die Tänzerin“, „Wellenschaum“ und „Der Bote“ spielen an den Orten, an denen er sich zum Studium aufgehalten hatte: Berlin, München und Dresden. Das Handlungsmuster ist ähnlich, fast naiv: Ein fremdländischer Mann trifft auf ein geheimnisvolles Mädchen, verliebt sich, und die Sache geht schief. Romantische Affären. Seine Geschichten sind Sittengemälde dieser Zeit. Sehr anschaulich und lebendig beschrieben mit durchaus realen Personen. Dass der Autor auch über sich selbst und seine Erlebnisse schreibt, insbesondere in „Die Tänzerin“, kann vermutet werden. Mit dieser Novelle beginnt zum einen seine eigentliche schriftstellerische Laufbahn. Zum anderen führt er die europäische Ich-Erzählweise in die japanische Literatur ein. Der Held der Geschichte, Toyotaro, trifft im abendlichen Berlin ein Mädchen auf der Straße. Dieses befindet sich in einer emotionalen und finanziellen Ausnahmesituation. Sie gehört zu den Ärmsten der Armen: Elise Weigert ist Tänzerin am Berliner Victoria-Theater in der Münzstraße und dadurch gleich mehrfacher Ausbeutung unterworfen. Zu Hause liegt der tote Vater im Bett und es fehlt das Geld...

Mori Ogai: Das Ballettmädchen. Eine Berliner Novelle. be.bra verlag, Berlin 2014, 112 S. 9,95 EUR.

Der japanische Arzt und die Berliner Tänzerin

Berliner Ensemble: Dazwischen

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

887 Murray Avenue, Québec City, ist die Adresse des Mietshauses, in dem Robert Lepage aufwuchs, sechs Personen in einer Dreizimmerwohnung. In seinem neuen Solo „887“ erzählt er davon. Anders als in früheren Soloarbeiten wie „La face cachée de la lune“ oder „The Andersen Project“ schlüpft er diesmal nicht in eine Vielzahl von Rollen, die einander ergänzen, widerlegen, verwischen, sondern spielt eine Kunstfigur namens Robert Lepage, die das Geschehen per Gadget-Click heraufbeschwört und wieder verschwinden lässt. Er ist ein bravouröser Spielemacher, schickt das Publikum zwei Stunden lang auf eine Zeitreise wie in einen sehnsuchtsvollen Traum, aus dem man nie wieder erwachen möchte. Die Autofiktion enthält nach eigener Aussage „Wahrheit und Lügen, wobei die Lügen manchmal wahrer sein können als die Wahrheit“. Lepage beginnt mit den üblichen Ansagen zu Handys und Notausgängen und gleitet dann ins Stück hinein; der Übergang ist ebenso geschmeidig wie bei den späteren Szenen – alles fließt in einen unaufhaltsamen Strom aus Erinnern und Vergessen. Ein großes Puppenhaus rollt herein, die acht Wohnungen und die Familien darin werden vorgestellt, die Anekdoten und der Klatsch mit Puppen illustriert, die auf Betten hüpfen, durch die Zimmer toben, sich handgreiflich streiten oder widerspenstig versöhnen. Die Google-Maps-Ansicht des Hauses verbreitert sich zur...

Aarhus Festival: „887“ von Robert Lepage Regie und Ausstattung Robert Lepage

Aarhus: Taxi and cigarettes

Das norwegische Tanz- und Theaterzentrum in Oslo hat ein Buch mit dem Titel „Germany ver- sus Norway: interchanging theatrical strate- gies“ herausgegeben. Es wurde im Rahmen des Nordwind-Festivals in Berlin präsentiert. Das leuchtend gelbe Buch hat 191 Seiten, davon ein Drittel mit Farbfotos, die überwiegend norwegisches Theater oder deutsche Inszenierungen von Henrik Ibsen oder Jon Fosse zeigen. Das Buch ist auf der Grundlage von vier Seminaren entstanden, bei denen das deutsch-norwegische Verhältnis in der Geschichte und im Gegenwartstheater diskutiert wurde. Mehr als 30 Praktiker, Wissenschaftler und Kritiker aus beiden Ländern trafen sich über drei Jahre an vier verschiedenen Orten – in Oslo, Bergen, Berlin und Mülheim – und erläuterten ihre Theaterstrategien. Es geht um Regietheater, Schauspielmethodik, Ausbildung und Diskurse. Die Publikation möchte in den interkulturellen Diskurs über das Gegenwartstheater eintauchen und fängt mit der Geschichte an; sehr kurz und vereinfacht werden Linien gezogen. Ibsen spielt eine große Rolle. Wird deutschsprachiges Theater als Goethe-Theater wahrgenommen? Oder Brecht-Theater als Nationaltheater? Norwegen ist eine junge Nation und kommt nicht davon weg, sich mit dem Glanz von Ibsen zu schmücken. Man spricht von der deutschen Wende im norwegischen Gegenwartstheater um das Jahr 2000, weil der damalige Chef des Nationaltheaters sich an das deutsche Regietheater...

Elisabeth Leinslie und Anette Therese Pettersen (Hg.): The Other Eye. Germany versus Norway: interchanging theatrical strategies. Performing Arts Hub Norway, Oslo 2015, 191 S., 20 EUR.

Das englische Auge

Schön sauber ist das Heute. Zu schön, um wahr zu sein. In Gestalt eines frisch gestrichenen Wirtshaussaals präsentiert es sich dem Zuschauer (Bühne Duri Bischoff). Doch schon bald öffnet sich eine Falttür in der Rückwand und gibt die Sicht frei auf eine etwas kleinere Raumkopie dahinter. Baugleich, aber baufällig. Bröckelnder Putz, abblätternde Farbe. Das schmutzige Gestern, das in der tadellos übertünchten Gegenwartsvariante zum Verschwinden gebracht worden ist. Auch der alte Seewirt verpasst seinem Leben einen neuen Anstrich. Heimgekehrt aus dem Krieg, macht er unmissverständlich klar: Von jetzt an geht der Blick nur mehr nach vorne. Erst viel später, kurz vor seinem Tod, legt er doch noch eine Lebensbeichte ab. Unsicher tastet sich Stefan Merki in die finstere Vergangenheit seiner Figur vor. So konsequent hat dieser Mann sein früheres Ich übermalt, dass die Erinnerung daran den Ausdruck sanften Erstaunens in sein Gesicht zeichnet: Dieser kleine Wehrmachtssoldat, der als Handlanger der Nazis schuldig geworden ist – das soll tatsächlich er gewesen sein? Vergessen, verdrängen, vertuschen – das sind die Mechanismen in diesem „Mittel- reich“, das nichts anderes meint als Deutschland zwischen Weltkrieg und Wirtschaftswunder. Die Schatten der Vergangenheit werden hier ebenso ignoriert wie die dunklen Flecken der Gegenwart. Als Semi, der Seewirtssohn,...

Münchner Kammerspiele: „Mittelreich“ (UA) nach dem Roman von Josef Bierbichler in einer Fassung von Anna-Sophie Mahler und Johanna Höhmann. Regie Anna-Sophie Mahler, Bühne Duri Bischoff, Kostüme Pasca

Neuerscheinungen im Verlag