türme des schweigens

Totkürzungen drohen

Die Heterotopien erhalten

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Wahrscheinlich sehen auch über Seoul die Sterne wie kleine funkelnde Staubpartikel aus – zu erkennen sind sie aber nicht, dafür leuchtet und strahlt es auf den Straßen der südkoreanischen Hauptstadt zu sehr. Alles ist hell umspielt von einem gleißenden Gemisch aus Straßenlichtern und Neonschildern, die an vielen Ecken und Häusern in Myeongdong, einem der Shopping- und Touristenviertel Seouls, zu erblicken sind. Dort, im Schatten von Lotte, einem Kaufhaus der gleichnamigen japanischen Handelskette, die zwischen Supermarkt und Freizeitpark alles vertritt, drängen sich Menschen aneinander vorbei und in die Geschäfte hinein, die Straßen werden mit lautem K-Pop („Korea-Pop“) beschallt, strahlende Neonreklame und flimmernde Videowalls, allgegenwärtig: das Handy und/oder Streetfood in der Hand – alles bunt erleuchtet, alles unterlegt mit einem wirren Klangteppich aus fremden Sprachen und Plastikpop. Aber Seoul ist weit mehr als das abendliche Treiben auf seinen Straßen, weit komplexer und weitläufiger als sein U-Bahn- System und trotz des Trubels in sich genauso ruhend wie die Statue König Sejongs, der, in Gold gegossen, mitten auf dem Gwanghwamun-Platz thront. In der Elf-Millionen-Einwohner-Stadt herrschen nach wie vor steigender Wohlstand und rasantes Wachstum. Und das in einem Land, das sich nach den Koreakriegen zuerst unter japanischer Besatzung und nach deren Ende in einer Militärdiktatur...

Nis-Momme Stockmanns universale Gesellschaftskritik „The Power“ feierte im südkoreanischen Seoul ihre Uraufführung

Götzendämmerung

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Eugen Ruge: Theaterstücke 1986 – 2008. Rowohlt Verlag, Reinbek bei Hamburg 2015, 621 S., 29,95 EUR.

Absteiger der Geschichte

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Zum Tod des Schauspielers Horst Mendroch

Knecht mit königlicher Würde

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Das Gestische, ein Zentralbegriff Bertolt Brechts, ist heute für viele eine Art Gespenst, das auf dem Müll vergangener Brecht-Dispute dahinwest. Vor dreißig Jahren sah das ganz anders aus. Was seitdem mit dem Begriff geschah, ob zu Recht oder zu Unrecht, dem geht der Gedankenaustausch zwischen Hans Martin Ritter, der 1986 in Köln das Buch „Das gestische Prinzip bei Bertolt Brecht“ veröffentlichte, und Thomas Wieck, der damals an der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“ lehrte, nach. Hans Martin Ritter: Das gestische Prinzip beschäftigt mich seit Mitte der siebziger Jahre, und zwar zunächst im Rahmen der neuen Lehrstückdiskussion (erste „graue“ Publikation 1976). Schlüsselstelle war für mich Brechts „Lied des Stückeschreibers“ mit seinen Beobachtungen auf den „Menschenmärkten“, wo „der Mensch gehandelt wird“. Auch Brechts Modell der Straßenszene stand Pate, verstanden als Sammlung und Diskussion beobachteter Ausschnitte von Vorgängen, bezogen auf einen „Fall“, oder von Momentaufnahmen einzelner Gesten und Haltungen. Beobachtung macht das gestische Moment als Ausschnitt im Handeln sichtbar und erfahrbar und verbindet sich für mich mit dem Gestalten szenischer Vorgänge in den Schritten: sozialer Gestus – Gestus der szenischen Handlung – Gestus der „öffentlichen Äußerung“. Das Buch „Das gestische Prinzip bei Bertolt Brecht“ diente letztlich der Aufschlüsselung des Brecht’schen Theaterverständnisses überhaupt vom...

Fokus Brecht: Ein „verspäteter“ west-östlicher Gedankenaustausch zwischen Hans Martin Ritter und Thomas Wieck

Das gestische Prinzip

Oktober 2015

Premieren

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

danke für Ihren Brief. Beim Lesen dachte ich, Ihr Drehbuch könnte mich interessieren. Ihren Brief an mich verstand ich als Vorwort dazu. Dass Sie den Sozialismus behalten wollten, wenn auch nicht so, wie Sie ihn in der DDR erlebt hatten, und dass Sie den Anschluss an den Weststaat nicht gebraucht hätten, weil sie trotzdem lieber das in der DDR erworbene Lebensgefühl unter neuen Voraussetzungen weiterleben wollten – so hab ich Sie zumindest verstanden –, diese Selbsteinschätzung hat mich neugierig gemacht. Den meisten ehemaligen DDR-Bürgern scheint das westliche Wertesystem willkom- men gewesen zu sein. Die ersten gemeinsam erzielten gesamtdeutschen Wahlergebnisse deuteten darauf hin. Und schnell war auch in den dann sogenannten neuen Bundesländern ein Konsens erreicht, unter dem ich mich schon in der alten BRD immer wieder auf mich selber zurückziehen musste, um atmen zu können. Das hat sich bis heut nicht geändert. Ich spreche nicht von wirtschaftlichen Problemen. Diesbezüglich war und bin ich privilegiert. Aber das haben Sie ja auch nicht getan. Sie interessiert, warum es die DDR nicht mehr gibt. Irgendwas daran scheint Ihnen erhaltenswert gewesen zu sein. Mich hat immer interessiert, warum diese BRD mir ab einem gewissen Bewusstseinsstand solch einen Mangel an Zugehörigkeitsgefühl verpasst hat, wo in...

Sehr geehrter Herr B.,

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Hamburger Marathon

Milo Rau: Althussers Hände. Essays und Kommentare. Verbrecher Verlag, Berlin 2015, 272 S., 19 EUR.

Dem Denken zusehen

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Lasst uns irgendwo anfangen“, steht als Übertitel über der leeren Bühne. „Da liegt ein toter Elefant auf der Seitenbühne.“ Und dann: „Da ist ein großes, fettes Loch im System.“ In Ivo Dimchevs Produktion „Operville“ rauschen die Übertitel nur so vorbei. Einer nach dem anderen, jeder von der Tiefe und Offenheit, dass er einen ganzen Theaterabend überschreiben könnte. Doch ergibt sich insgesamt auch ein zusammenhängender, ein geständnisartiger Monolog, der die Szene lautlos kommentiert. Dimchev selbst sagt, dass die Übertitelung eigentlich völlig irrelevant für das Bühnengeschehen sei – oder aber essenziell, je nach Sichtweise: „Ich interessiere mich für meine Liebhaber. Das ist politisch genug.“ Dem postkommunistischen bulgarischen Theater wurde lange Zeit vorgeworfen, nur das Schöne, das Erhabene und die Unterhaltung auf die Bühne zu holen und nicht das Alltägliche, das allzu deprimierend war. Und plötzlich steht da über Ivo Dimchevs Opernperformance: „Ich bin bereit, lebend zu brennen.“ Lebend zu brennen, das ist so viel mehr als nur deprimierend. In der bulgarischen Hafenstadt Varna erinnert an Plamen Goranov, der sich im Februar 2013, 36-jährig, aus Protest gegen den Altbürgermeister selbst anzündete und an den Folgen verstarb, noch immer ein kleiner Steinhaufen, der stumm vor den Treppen zum Rathaus liegt. Goranov verlangte mit diesem...

Während des Internationalen Theaterfestivals Varnaer Sommer befragt das junge, freie bulgarische Theater sich und sein Land

Das Loch im System

Der Materialergründer

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Schauspielhaus Zürich: „Ein Volksfeind“ von Henrik Ibsen in einer Bearbeitung von Dietmar Dath. Regie Stefan Pucher, Bühne Barbara Ehnes, Kostüme Annabelle Witt

Zürich: Das Arschlochergebnis

Kompositionsprinzip Collage

Gunnar Decker: Herr Latchinian, Herr Walburg, wir wollen mit Ihnen über die Frage sprechen: Wozu Theater in dürftiger Zeit, und wie sollte dieses aussehen? In Rostock lautet das Motto des Spielzeitbeginns „Toleranz“ – das klingt für mich geradezu nach einem Hilferuf. In Hannover gibt es kein Motto, aber Sie eröffnen mit Heiner Müllers „Der Auftrag“, das ist ja auch ein Fingerzeig. Sewan Latchinian: Es ist uns ein dringendes Anliegen, dass in der Stadt der Begriff der Toleranz thematisiert wird. Seit der Pegida-Bewegung, die auch versucht hat, in Mecklenburg-Vorpommern Fuß zu fassen, als Rogida und MVgida, hatten wir den Plan, unbedingt „Nathan der Weise“ zu machen. Dass wir uns dem Thema Toleranz zuwenden, hat zudem damit zu tun, dass wir als Theater, ich will nicht sagen: um Toleranz bitten, aber Toleranz fordern müssen, weil wir als Theater auch bedroht sind. Lars-Ole Walburg: Uns beschäftigt im Moment sehr stark die Frage, was für einen Auftrag wir mit unserer Kunst überhaupt haben. Wer gibt ihn uns, existiert er überhaupt? Dass wir in dieser Situation in Koproduktion mit den Ruhrfestspielen mit Heiner Müllers „Auftrag“ starten, finde ich besonders wichtig. Da wird in einem dialektischen Sinne gefragt: Wo stehen wir eigentlich? Decker: Bei Müller zeigt...

Grenzen auf, Grenzen zu – die Intendanten Sewan Latchinian (Rostock) und Lars-Ole Walburg (Hannover) über Pegida, brennende Häuser und die neuen Herausforderungen für das Theater im Gespräch mit Dorte

Der Auftrag

Zum 100. Geburtstag von Arthur Miller

Chronist des amerikanischen Albtraums

Angstlos! Heimatlos?

Seebühne Hiddensee: „Störtebeker – Der Anfang“ Regie Tatjana Bartel Bühne und Figuren Christian Werdin Kostüm Katharina Schimmel

Hiddensee: Halb Wurzel, halb Wahrsagerin

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

Meldungen

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Zum Tod von Barbara Brecht-Schall

Nicht nur Erbin

30 Jahre Tanzcompagnie Rubato

Auf der Probebühne politischen Handelns

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Welcome in der größten Eventbude des Sommers“, heißt es im Programmheft des diesjährigen Internationalen Sommerfestivals auf Kampnagel. Ein ironischer Kommentar zum meistdiskutierten Begriff dieses Frühjahrs, der frech die Stoßrichtung des Festivals karikiert. Denn einen „Eventschuppen“, wie ihn vermeintlich hellseherische Stimmen für die Volksbühne unter Castorf- Nachfolger Chris Dercon prophezeiten, findet man auf Kampnagel mit Sicherheit nicht. Die Produktionen und Installationen, die Festivalleiter András Siebold hier zu einem Programm fügte, zeugen von langjährigen Kooperationen und einer ordentlichen Portion Mut zum Wagnis. Das Festival ist Gesamterlebnis über die Genregrenzen hinweg. Die Besucher können Installationen besuchen, im Festival- Avant-Garten diskutieren und am Kanalkran schaukeln. Gleichzeitig ist Kunst auf Kampnagel weit weg von der Eventkultur, vor der Claus Peymann warnt, sondern sie ist politisch auf eine präsente, unaufdringliche, aber nicht folgenlose Art. Die Reihe „This is not Greece“ beispielsweise beleuchtet die Finanzkrise aus griechischer Perspektive in Kunst, Philosophie, Film und Diskurs. In der Migration Welcome Hall, einem Holznachbau der Walt Disney Concert Hall von Ausnahmearchitekt Frank O. Gehry, erprobt das Künstlerkollektiv Baltic Raw verschiedene Willkommenskulturen. Die Umgestaltung des Kanalspielhauses Flora, des letztjährigen Baltic-Raw-Projekts, brachte Kampnagel- Intendantin Amelie Deuflhard ein förmliches Ermittlungsverfahren ein. Sie hatte den Holznachbau der Roten Flora gemeinsam mit dem Künstlerkollektiv kurzerhand...

Das Internationale Sommerfestival auf Kampnagel in Hamburg bewegt sich virtuos und ohne Sicherheitsnetz zwischen gewagter Neuproduktion und etabliertem Programm

Am Reck

Es müssen Köpfe rollen

Was macht das Theater, Alexander Karschnia?

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Theater Münster: „Die Ereignisse“ (DEA) von David Greig Regie Frederik Tidén Ausstattung Claudia Irro

Münster: Beteiligte und Betroffene

Die performative Baustelle

„Die Hiketiden“ als Stück der Stunde

kirschs kontexte: Anmerkungen zum antiken Asyl Aischylos’

Intensität in Slow Motion

Gegen die Vereinzelung

Zehn mal zehn Prozent

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Theater ist überlebensnotwendig

In einer stillgelegten Kohlenmischanlage in Dinslaken inszeniert Ruhrtriennale-Intendant Johan Simons mit Pasolinis „Accattone“ ein vielschichtiges Requiem über das Dasein jenseits der Mitte

Wüste mit Dach

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Wolfram Lotz, Ihr Stück „Die lächerliche Finsternis“ wird auch in der Spielzeit 2015/16 mehrfach inszeniert. Wie kamen Sie von der deutschen Beteiligung in globalen Konflikten, etwa im „Dschungel von Afghanistan“, zu Ihrem Stück? Das Schreiben begann, als ich von diesem Prozess gegen somalische Piraten in Hamburg hörte. Die Presse ist damit auf eine ungute Weise umgegangen, ich habe eher im Affekt angefangen zu schreiben, habe aus einer Wut heraus diesen Prolog des somalischen Piraten geschrieben. Es ging dabei auch darum, dass da auch in meinem Namen Recht gesprochen wird über jemanden, über den wir nicht Recht sprechen können. Für den ich aber deshalb auch Verantwortung trage und mich also beim Schreiben verantwortlich fühle. In dieser Zeit der globalen Kriege, die der sogenannte Westen wie selbstverständlich führt und bei denen Deutschland potenziell mit dabei ist, stellt sich immer die Frage: Was ist das eigentlich, worum geht’s? Es gibt ein demokratisches System, das führt beispielsweise am Hindukusch Militäreinsätze durch, an einem Ort, über den wir (also die Leute, aus denen dieses System besteht) praktisch nichts wissen. Von da kommen irgendwelche Bilder zu uns, die viel zu einfach sind, irgendwelche Erzählungen von Leuten mit Bärten und Turbanen, die angeblich erzählen, wie es in...

Was macht das Theater, Wolfram Lotz?

Alles fließt

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Impressum/Vorschau

Was Julian Rauter auf die Bühne stellt, glänzt. Wie ein frisch polierter Cadillac. Oder eine gut gewachste Orange. Und immer diese Drift nach oben. So in seiner Inszenierung „Der Traum einer Sache“ (2014), die am Lofft in Leipzig, im Maschinenhaus in Essen und auf Festivals zu sehen war: Ein langer weißer Bühnenteppich und ein roter Turm, der in den dunklen Bühnenhimmel ragt, gliedern den Raum. Am Fuß des Turmes stehen drei Darsteller in Kleidern, deren farbliche Kraft und formale Reduziertheit an die Bildästhetik Kandinskys erinnern. Sie starren zu einem Fetisch hinauf, der oben am Turm schwebt. Zu einer Jacke mit der Aura eines heiligen Gewands, auf der ein goldener Greif mit der Anmutung eines Gottes seine Schwingen ausbreitet. Rauter macht Theater als bildender Künstler. 1986 in Duisburg geboren, hat er in Köln Mediale Künste studiert. Es folgte ein Artist in Residence in der Cité Internationale des Arts in Paris. Seine Arbeit „Kalvarienberg“ (2013, Westpol A.I.R. Space, Leipzig) greift das gleichnamige skulpturale Motiv der französischen Kunstgeschichte auf. Auf einem überdimensionalen Tisch bildete Rauter in Modelleisenbahnmanier eine Wiesenlandschaft nach. Ein Tableau non-vivant: Die Oberkörperattrappen vier alter Menschen ragen aus dem Idyll heraus. Tonaufnahmen ihrer Lebenserinnerungen legen sich über das Stillleben. Doch dann...

Wie der bildende Künstler auf der Schwelle zwischen Skulptur und Theater die Geschichte der Hybris erzählt

Die Julian-Rauter-Zaubershow

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Am Morgen hatte er mich vorgewarnt: Wir müssen heute noch auf dem Marktplatz von Demmin das Gerüst aufbauen! Keine Ahnung, was für ein Gerüst das sein soll, aber eins ist klar: Der Künstler bleibt selbst dann, wenn er einen so absoluten Anspruch an die ästhetische Form formuliert wie Hans-Jürgen Syberberg, immer auch Handwerker. Mittags steht ein eher schmaler grauhaariger Mann in einer weißen bayerischen Trachtenjacke und blauen Arbeitshosen auf dem Bahnhof von Demmin. Wir bauen das Gerüst heute doch nicht auf, das kommunale Chaos hat wieder einmal alle Zeitpläne durcheinandergebracht. Syberberg, von Susan Sontag der „größte deutsche Wagnerianer nach Thomas Mann“ genannt, erscheint mir wie der idealtypische Erbe eines vorpommerschen Gutsbesitzes, aber eines zum Ein-Mann-Betrieb eingeschrumpften, bei dem der Herr immer auch sein einziger Knecht ist. Wir steigen in Syberbergs blauen Kombi, der, darauf legt er großen Wert, alt und klapprig wirkt. Der Geistesadel verhält sich zu den Statussymbolen des kleinen Mannes auf demonstrative Weise herablassend. Im Dezember wird Syberberg achtzig. Dazu präsentiert man in Demmin einen Film von ihm – nicht den siebenstündigen „Hitler, ein Film aus Deutschland“, der 1977 in London uraufgeführt zur Weltsensation wurde, sondern seinen ersten Spielfilm von 1969, „Scarabea – Wieviel Erde braucht der Mensch?“....

Hans-Jürgen Syberberg will die „verwüsteten Seelenlandschaften“ der deutschen Geschichte kultivieren

Der Hitler in uns

TdZ on Tour

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Zu Beginn sieht man am linken Bühnenrand neben einem kleinen Weihnachtsbaum Bilder vom Eichmann-Prozess auf einem Fernsehbildschirm laufen, während zwei Spieler eine Marx- Engels-Gesamtausgabe aus dem wie ein Regal wirkenden Bühnenaufbau räumen. „Karl Marx: Das Kapital, Erster Band“ war vor neun Jahren ein mit dem Mülheimer Dramatikerpreis ausgezeichneter Abend von Rimini Protokoll zu einem ebenfalls bekannten und weithin – vermutlich – wenig gelesenen Buch. Das „Kapital“-Bühnenbild von Marc Jungreithmeier und Grit Schuster ist nun in der Rückansicht mit kleinen Nischen und Podesten der Ort für Hitlers „Mein Kampf“, das vor allem im zweiten Teil mit großem Geschütz gegen den Bolschewismus, auch in der Kultur, ausholt. Der Weihnachtsbaum neben Eichmann erklärt sich, wenn die Rechtshistorikerin Sibylla Flügge erzählt, dass sie mit 14 Jahren ihren Eltern ein selbst gefertigtes „Mein Kampf“-Exzerpt zum Fest schenkte. Dann kommt Christian Spremberg, der als blinder Moderator und eloquenter Experte auch schon beim „Kapital“ dabei war, mit einem Einkaufswagen voll mit sechs dicken Bänden „Mein Kampf“ in Brailleschrift. Das Ertasten eines Hakenkreuzes auf dem Buch bedeutet ihm nichts, denn für ihn ist Nazi-Kult vor allem über Stimmen und Sprechweisen definiert – er kennt nur die Audioseite der Propaganda, was hier aber auch deren visuelle Qualität in dieser...

Wie Rimini Protokoll mit „Adolf Hitler: Mein Kampf, Band 1 & 2“ beim Kunstfest Weimar die Hetzschrift entmystifizieren

Das unheimliche Buch

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ob es ein genuin so und so regional geartetes Brauchtum gebe? Simon Mayer sagt nein. Der 1984 in Andorf – das ist im Innviertel, das ist in Oberösterreich, das ist in Österreich – geborene Performer spricht dabei dem real existierenden so und so regional gearteten Brauchtum nicht die Existenz ab. Er spricht aber über Familienähnlichkeit und dass, wenn beispielsweise das Jodeln vor allem als eine bestimmte Art der Klangproduktion und Modulation verstanden wird, es nicht nur eine antiquierte Kommunikationsform im Alpenraum darstellt, sondern auch im Kaukasus, in Palästina, in China, Thailand und Kambodscha anzutreffen ist. In der Auseinandersetzung mit dem sogenannten österreichischen Brauchtum geht es ihm also vor allem um die Zusammenhänge und Analogien, die dieses im Hinblick auf regional anderswo verortete rituelle Abläufe bildet. Und eigentlich um die Effekte, die jedwedes Durchlaufen tradierter Symbole zeitigen kann. In dem Solo „SunBengSitting“ (und nein, das ist jetzt nicht Chinesisch, das meint das Sitzen auf der Bank in der Sonne) sowie in der Gruppenarbeit „Sons of Sissy“ ist der Kreis die dominierende Geste. So ein Kreis hat ja immer keinen Anfang und kein Ende, ist aber voller spiritueller Aussagekraft. Simon Mayer nennt das „menschenverbindend und lebensbejahend“. Und ohne Anfang und Ende soll...

Der Performer und Choreograf Simon Mayer vermisst Brauchtümer von Oberösterreich bis nach China

Jodeln, jauchzen und juchatzen

Theater Osnabrück: Spieltriebe 6 – Festival für zeitgenössisches Theater

Osnabrück: Unruhe im Untergrund

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Festival der Besessenen

„Accattone“ in der Regie von Johan Simons bei der Ruhrtriennale 2015

Rolf Bossart: Der Neue Realismus wird von Kritikern gerne als kurzlebige Mode bezeichnet. Wie bist du selbst zum Realismus gekommen? Oder konkreter gefragt: Wie lang ist der Weg von deinem Soziologiestudium, als du nach Chiapas zu den Zapatisten gefahren bist und während der Jugoslawienkriege Großdemonstrationen organisiert hast, bis zum „Kongo Tribunal“? Milo Rau: Ich bin ja erst mit Ende zwanzig so was wie ein „Künstler“ geworden. Zu Beginn meiner Arbeit als Regisseur in den späten Neunzigern war ich im Grunde reiner Aktivist. Wir haben Massendemonstrationen gegen die beginnenden Privatisierungen des öffentlichen Sektors und gegen die damalige Flüchtlingspolitik organisiert, zusammen mit serbischen, französischen, lateinamerikanischen und russischen Aktivisten. Die Fragen, die sich mir damals stellten, waren praktischer Art: Wie baut man einen Demonstrationszug aus 5000 Leuten? Wie organisiert man ein Meeting im Dschungel mit zapatistischen Milizionären? Wie formuliert man eine Petition oder ein Manifest, damit es Wirkung zeigt? Etwa gleichzeitig nahm, durch mein Studium bei Pierre Bourdieu in Paris und durch meine Arbeit als Reporter, eine Art Realitätssucht von mir Besitz. Ich wollte dorthin gehen, wo ich mir die Dinge anschauen, sie face to face beschreiben und bekämpfen konnte. Ich begann also, nach Afrika zu reisen, nach Südamerika, nach Russland und an...

Was ist globaler Realismus? Milo Rau im Gespräch mit Rolf Bossart

Buchenwald, Bukavu, Bochum

Disappearing Birdie Coonan

Hoffnung schaffen

Inklusive Ansätze erproben!

Schauspiel Hannover / Ruhrfestspiele Recklinghausen: „Der Auftrag. Erinnerung an eine Revolution“ von Heiner Müller. Regie Tom Kühnel und Jürgen Kuttner, Bühne Jo Schramm, Kostüme Ulrike Gutbrod

Hannover / Recklinghausen: Hölle des Revolutionstheaters

Die Moerser Aufführung ist ein Glücksfall. Seit acht Jahren trugen sich der Regisseur und langjährige Intendant Ulrich Greb und seine Dramaturgie mit dem Gedanken, das „Lehrstück ohne Lehre“ von Max Frisch, das eine Aura von Schullektüre umgibt, aufzuführen. Nun hat die Zeit sich selbst so verdichtet, dass es kein besseres Timing geben könnte. Die beiden Brandstifter tänzeln zur Musik vom „Rosaroten Panther“ – ganz wie im Bekennervideo des NSU – und wirbeln mit ihren benzingetränkten Brandtüchern wie in einer Striptease-Nummer. Aber nicht nur das Haus ihres Gastgebers wird in Brand gesteckt, sondern Kolonnen von Flüchtlingszelten gleich mit, die, ganz in Weiß, in Miniatur vor dem Kastell im Moerser Schlosspark aufgereiht stehen. Die Aufführung ist aber noch viel abgründiger als ihre offensichtlichen Analogien. Die Bühne ist mit einer riesigen Drehbühne fast zum Bersten voll. Auf ihr thront der bölkreiche Haarwasserfabrikant Biedermann (Frank Wickermann) in einem Lederfauteuil, der über einem Gully aufgestellt ist. Biedermann ist ein guter Mensch und hat für alle und jeden Verständnis, „aber mir kommt keiner ins Haus“. An seiner Seite posiert eine mit Botox aufgespritzte und durch die Hände von Schönheitschirurgen rundum optimierte Ehefrau (Marissa Möller), die ein durch und durch überflüssiges Leben führt. Schon bald machen sich...

Schlosstheater Moers: „Biedermann und die Brandstifter“ von Max Frisch. Regie Ulrich Greb, Bühne Birgit Angele, Kostüme Elisabeth Strauß

Moers: Ich bin gut – bis es knallt

Zum Tod der israelischen Schauspielerin Orna Porat

Die Theaterikone

Die Unterwelt liegt diesmal oben. In einem der hoch aufragenden Türme der Essener Zeche Zollverein, einer ehemaligen Kohlenmischanlage, die man in Gruppen zu acht vom Wiegeturm aus über eine hübsch rumpelnde, kess die Gleise wechselnde offene Standseilbahn erreicht. Wer sich dieses abenteuerliche Opening ausgedacht hat, verfügt definitiv über einen Sinn für die Magie des Hades; man schließt die Augen, herausfallen wird man nicht, und träumt, man sei gestorben und rattere in einem unheimlichen Gefährt in die Unter- oder Oberwelt – nur Mut! Orpheus hatte diesen Mut, als er in die Unterwelt stieg, um seine Eurydike zurückzuholen. Aber, so fragt sich die deutsch-niederländische Regisseurin Susanne Kennedy, wollte sie überhaupt zurückgeholt werden? Für die Inszenierung von Claudio Monteverdis Oper „Orfeo“ (Koregie Suzan Boogaerdt, Bianca van der Schoot) bzw. für deren Besuch gelten, wie für den Hades-Touristen Orpheus, strikte Regeln. Räume darf man erst betreten, wenn grünes Licht aufleuchtet. Nicht die zum Teil schwindelerregenden Schächte und Treppen der Halle dienen den Regisseurinnen als Hölle, sondern, quasi als horizontaler Gegenentwurf, eine Flucht aus kitschig tapezierten Zimmern, in denen man den Schweiß- und Kohlegeruch von einst vergisst und stattdessen einen Dunst aufzunehmen glaubt, der giftiger ist, einen stickigen Duft wie von tropischen Pflanzen (Bühne Katrin...

Zehn Minuten Ewigkeit

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Mit dem Theater die Welt verändern

Guilt-Trip durchs Vogtland

Mehdi Moradpour, in Ihrem neuen Stück schreiben Sie über den missglückten Versuch von Menschen, miteinander und mit der Welt in Verbindung zu treten – über Eltern, die daran scheitern, ihren Töchtern von früher zu erzählen. Zu Beginn des Stücks hat diese Stille eine extreme Form angenommen: Sperber, der Vater, liegt im Koma. Wie lässt sich für das Schweigen eine Sprache finden? Es gibt eine Schnittstelle zwischen dankbarem und quälendem Schweigen. Ich habe versucht, aus dieser Schnittstelle heraus eine Sprache zu finden. Ich arbeite oft mit ungewöhnlichen Metaphern, die nicht organisch sind, mit Strukturen von Sprachstörungen, mit Anakoluthen, also Satzbrüchen, oder komprimierter Sprache. Ich versuche nicht so sehr, jeder Figur eine jeweils eigene Sprache zuzuweisen. Das würde mich wahrscheinlich behindern. Als wir den Text mit Schauspielern zusammen ausprobierten, fanden wir heraus, dass er sich wie Schaum anfühlt: ein Sprachschaum, in den man mit der Hand hineingreift und den man doch nicht ganz zu fassen bekommt. Sperber und seine Frau Sepi lernten sich im Widerstand der kommunistischen Minderheitenbewegung kennen. Während Sepi mit Dana schwanger war, wurde Sperber im Gefängnis gefoltert. Er schweigt darüber, und auch Sepi verschweigt eine Gewalterfahrung. Das, wovon geschwiegen wird, scheint aber in den Körpern zur Wiederholung verdammt. Die...

Der Autor Mehdi Moradpour über sein Stück „Türme des Schweigens“ im Gespräch mit Miriam Denger

Von der Wunde leben

Was ist Theater?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

In dem „Bild und Gewalt“ überschriebenen Kapitel von „Au fond des images“ (2003) kommt Jean-Luc Nancy auf das Verhältnis von Gewalt und Rassismus zu sprechen. Nachdem er die Gewalt für „grundlegend dumm“ erklärt hat – „dumm im stärksten, dichtesten und unverbesserlichsten Sinne. Nicht als fehlende Intelligenz, sondern, mehr noch, als Hirnrissigkeit des abwesenden Denkens, mit dem Kalkül einer verkrampften Intelligenz“ –, heißt es über die rassistische Gewalt: „sie haut auf die Fresse, weil ihr – in ihrer Hirnrissigkeit – die Fresse nicht gefällt.“1 Entscheidend an dieser Bemerkung, die den vulgären Affekt rassistischer Brutalität imitiert, ist, dass sie den Rassismus, den es nur als gewalttätigen gibt, noch dann, wenn er unbewusst ist und sich, wenn man so sagen kann, auf die diskreteste Weise äußert, statt ihn nur mit der Dummheit zu assoziieren, als Problem des Denkens in Gestalt seiner Abwesenheit zu denken gibt. Rassismus ist ein Denkfehler von Leuten, die nicht denken, bevor er – mit immer hässlicher Fratze – als Meinung auftritt, in der sich die Denkverweigerung als doxologischer Irrsinn manifestiert. Wo es um die elementarste und in diesem Sinn unbedingte, wenn auch nicht freischwebende oder kontextlose und ahistorische Anerkennung des Anderen als egalitäres Subjekt geht, geht es nicht um...

Notiz zum Rassismus

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Zum Tod des Schauspielers Peter Kern

Singulär

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Zwischen Illusion und Ideologie

Der Kultur-Kahlschlag droht

Menschen auf Bahnhöfen, Fähren, Schlauchbooten, vor Schlagbäumen, Hundertschaften und neu errichteten Zäunen. Die Bilder, die Europa in der gegenwärtigen Flüchtlingskatastrophe generiert, sind verstörend. Die Herausforderungen für Staat und Gesellschaft enorm. Während hierzulande Tausende von Ehrenamtlichen das leisten, wozu staatliche Institutionen allein kaum noch in der Lage sind, kursiert im Internet und auf der Straße der Hass. Wie platziert sich in dieser Situation eine Inszenierung wie Rimini Protokolls „Adolf Hitler: Mein...

Neuerscheinungen im Verlag