Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Meldungen

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Einleitung Passkontrollbereich am Grenzübergang eines osteuropäischen Landes. Eine regnerische Nacht. Grelles Scheinwerferlicht erhellt die Luft. Eine Schlange von Menschen, die – von Osten kommend – die Grenze überqueren wollen. Auf der anderen, westlichen Seite stehen Menschen unter Schirmen und beobachten das Geschehen. Chor mit Schirmen: Sagen wir es doch jetzt gleich. Solange wir nach Regen und Straße duften. Solange uns keiner mit dem käuflichen Wort „Publikum“ tituliert. Solange wir unsere Kleider nicht mit der Mittagssoße Kultur befleckt haben. Sagen wir es doch so, als würden wir uns zum letzten Mal sehen, als müssten wir nicht morgen den Blick abwenden und unsere eigene Offenheit bereuen. Sagen wir doch, was wir von unserer Sicherheit halten. Von unserem Wunsch, im eigenen Treppenhaus nicht über Leichen steigen zu müssen. Von unseren Grenzen, die reißen wie Hemden im Straßenkampf. Von unserem Recht, die Welt mit Worten zu erklären, die wir in den Frühnachrichten gehört haben. Kultur ist die Fähigkeit, in Gegenwart der Toten über das Leben zu sprechen. Kultur ist der Versuch, sich mit denen zu verständigen, die unter dir ein Feuer entfachen. Kultur ist unsere Fähigkeit, zwischen trauriger ­Erfahrung und unguter Vorahnung zu balancieren. Sollen wir in den Theatern über Politik sprechen? Sollen wir...

Lieder von Vertreibung und Nimmerwiederkehr

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Nur eines ist schon gewiss, wenn man eine Regiearbeit von Evgeny Titov besucht: Man wird auf einen verblüffend in sich geschlossenen ästhetischen Kosmos von höchster Eigenart treffen. Und unerbittlich in den Spiegel der eigenen Emotionen blicken müssen. Alles andere ist kaum vorhersehbar. Dieses Mal entführt uns die Regie gemeinsam mit dem kongenialen Bühnen­bildner Duri Bischoff in eine anthrazitfarben getürmte Wüste aus unheimlichen Schieferplatten und dunklen Wackersteinen, bedrohlich karger Hintergrund für alles, was da kommen wird. Ein Jahr lag die fast fertig gearbeitete Inszenierung auf Corona-Eis und erwacht jetzt unter dem Brennglas des Russland-Ukrainekriegs zu geradezu hellseherischer Bildkraft, die den Zuschauer an einen dieser apokalyptisch zerstörten Orte katapultiert. Nach und nach gibt spärlich streifiges Licht seltsame Figuren frei, die sich – dank Eva Desseckers meisterlich misshandelter Stoffe und elaboriert einfachen Kostümen – seit staubigen Ewigkeiten aus Schatten in die Sichtbarkeit herausschälen. „Gier unter Ulmen“, eines der hierzulande unbekannteren Stücke von Eugene O’Neill aus dem Jahr 1924, gehört in die Reihe seiner Familiendramen, die ihr Sujet mit der Wucht und Unausweichlichkeit antiker Tragödien abhandeln: Anstatt sich aufs Altenteil zurückzuziehen, setzt der verhärtete 75-jährige Farmer Cabot mit der Heirat seiner dritten, provozierend jungen Frau seinen drei erwachsenen Söhnen die zweite Stiefmutter vor die...

Bayerisches Staatsschauspiel Residenztheater: „Gier unter Ulmen“ von Eugene O’Neill. Regie Evgeny Titov, Bühne Duri Bischoff

München: Die Klage der Steine

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Vater, Mutter, Kind. Dieses Urmodell dramatischer Figurenkonstellationen treibt die Autorin Yade Yasemin Önder um. Ihr Debütstück „Kartonage“, im Rahmen der Autorentheatertage 2017 am Deutschen Theater Berlin uraufgeführt, erzählte von Herrn Werner, seiner Frau „Wernerzwei“ und der gemeinsamen Tochter. Das Ehepaar lebt einen Biedermeier-(Alb)traum im titelgebenden Karton, Wernerzwei kocht unablässig Marillenmarmelade, die sukzessiv den Gatten vergiften soll, eines Tages fällt die totgeglaubte Tochter buchstäblich vom Himmel mitten in die Szenerie. Im Verlag Kiepenheuer &amp; Witsch erschien jetzt Önders erster Roman. Er trägt den enigmatischen Titel „Wir wissen, wir könnten, und fallen synchron“, wieder geht es um eine Tochter und ihre Eltern. Was in „Kartonage“ der Karton als surrealer Wohnort war, ist im Roman eine Wiese: „An einem Tag nach Tschernobyl wurde ich auf einer Wiese geboren. […] Auf die Wiese hat mein Vater eine Dreizimmerwohnung gebaut, und meine Mutter bestand nicht auf einer Badewanne. Die Gegenstände stellten wir auf Grashalme und Moos, und das Wetter tat sein Übriges: Ausgebleicht waren alle von der Witterung, vor allem die aus Holz. Die Füße faulten sicherlich, doch das war uns egal. Egal war aber nicht, der Herd kam zu spät, es war schon Dezember, erst dann konnte die Milch, die nicht von meiner Mutter...

Yade Yasemin Önder: Wir wissen, wir könnten, und fallen synchron Kiepenheuer & Witsch, Köln 2022, 256 Seiten, 20 Euro

Wiesenkindheit: Yade Yasemin Önders Roman über eine schrecklich nette Familie

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Der Bundesadler schrumpft zur Bordsteinschwalbe, lässt sich nieder zur Zigarettenpause. Konspirativ schleichen Polen (Barbara Krebs) und Ungarn (Hermann Große-Berg) heran. „Nervt dich das nicht?“, raunen sie. Sie meinen das Bundesverfassungsgericht, das dem Wappenvogel tatsächlich auf die Nerven geht. Darsteller Max Mehlhose-Löffler bezieht die Frage jedoch auf den stickigen Adlerkopf und das enge Kleid. Passt schon, versichert er: „Für solche Momente bin ich Schauspieler geworden!“ Das Publikum lacht auf. Szenenapplaus für einen selbstironischen und selten ehrlichen Augenblick inmitten dieses Abends. Das steht nicht im Text, wohl auch nicht in der vom Autorenduo mit dem Regisseur stark überarbeiteten Fassung für eine nachgeholte Uraufführung; es ist aber inszeniert, kommt jedenfalls aus dem Bauch und folgt der Regel, wonach eine Situation dann und nur dann komisch wird, wenn man sie ernst nimmt. Insofern ist dies zugleich eine Ausnahme von den Regeln dieser Inszenierung. Die geht betont lustig, lustig, tralalalala zu Werke und missversteht dabei den Hilferuf des Textes, szenisch aufgeladen und gebrochen zu werden. „GRNDGSTZ“ behauptet eine Revue und ist eine Montage, verfasst und zusammengestellt von Annalena und Konstantin Küspert, deren „Reichsbürger“-Monolog erfolgreich durch die Theaterlandschaft wandert (siehe TdZ 4/2018) und die nun ihre vierte gemeinsame (Zu-)Arbeit vorstellen: geplant für Puppenspielerin Suse Wächter, 2019...

Das Theater: „GRNDGSTZ“ von Annalena und Konstantin Küspert (UA) Regie Helge Schmidt Ausstatter Anika Marquardt & Lani Tran-Duc (Atelier Lanika)

Erlangen: Verfassung auf (der) Probe

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Vier Freundinnen stehen im Zentrum von Nino Haratischwilis neuem Roman „Das mangelnde Licht“: Dina, Qeto, Ira und Nene. Am Anfang sind nur drei der vier auf der Bühne, sie sind schwarz gekleidet. Dina, die vierte, lebt nicht mehr. Auf einer Retrospektive in Brüssel wird die Fotografin 2019 gefeiert: Ihre großen Porträts geistern als Video-Schatten über hohe Wände, die mit bunten Quadraten bedruckt sind, ein Pixel-Teppich. Die Lücke, die Dina hinterlässt, ist dieser Theaterabend. Ihre Bilder werden zu Fenstern in die Vergangenheit. Wie Dina starb, bleibt bis zum Schluss ein Geheimnis. Und dann eröffnen die Wände des Bühnenbilds von Florian Lösche und die ­Videos von Zaza Rusadze fast tänzerisch Räume, Säle, verwandeln sich in Küchen, Jugendzimmer, bilden schattige Kammern und düstere Straßenzüge. So entstehen fließende Übergänge zwischen Zeiten und Orten. Von 2019 tauchen wir ein in die Kindheit und Jugend der Freundinnen, ins Georgien der 90er Jahre. Wir sehen ihnen beim Älterwerden zu, verspielte Energiebündel, die durch Dick und Dünn gehen. Fritzi Haberlandt, Lisa Hagmeister, Maja Schöne und Rosa Thormeyer verkörpern grundverschiedene Temperamente: wie sie in den Hinterhöfen im georgischen Tbilissi das Leben ausprobieren, in der Schul­uniform, mit artigen Käppchen, später mit Karottenjeans und Pony-Frisur (Kostüme: ­Sibylle Wallum). Wie sie die...

Thalia Theater: „Das mangelnde Licht“ von Nino Haratischwili (UA). Regie Jette Steckel, Bühne Florian Lösche, Video Zaza Rusadze

Hamburg: Vexierspiel aus Licht und Schatten

Feuerkopf, Zweifler, Wanderer, Hymniker, Sprachschöpfer, sanfter Rebell – irgendwo dazwischen liegt das, was wir Friedrich Hölderlin nennen. Ganz groß sollte 2020 sein 250. Geburtstag gefeiert werden, mit allem Drum und Dran, mit „Pallaksch“-Nächten und Hölderlin-App, mit Schlagzeilen wie „Radikal, genial, geisteskrank“. Die Vita des Dichters, der mit Hegel und Schelling eine WG des wilden Denkens bildete und dann 36 Jahre „geistig umnachtet“, wie es damals hieß, in jenem Tübinger Turm am Neckar verbrachte, der heute Touristen-Hotspot ist – sie gilt noch immer als vermarktbares Faszinosum, garniert mit Best-of-Zitaten à la „Wo aber Gefahr ist, wächst das Rettende auch“. Verlängert bis Juni 2021, fanden trotz Pandemie bundesweit rund 500 der geplanten 700 Veranstaltungen statt, vieles freilich musste ein-, zweimal verschoben werden. Zum Beispiel die Kammeroper „Im Thurm“, die erst jetzt mit eineinhalb Jahren Verspätung am Landestheater Tübingen (LTT) zur Uraufführung kam. Hölderlin, der viel Vertonte – auf die fließende Grenze zwischen Sprache und Musik deutet auch sein Diktum „Bald sind wir aber Gesang“. Vor allem die Moderne ließ das Dunkle, das Fragmentarische seiner Texte Klang werden: Eisler, Henze, Zender oder Rihm. Das 90-Minuten-Opus „Im Thurm“, dessen Text und Musik der Münchner Tonsatzlehrer Markus Höring verfasst hat, verzichtet auf philosophisches Raunen, kommt...

Landestheater Tübingen: „Im Thurm“ von Markus Höring (UA). Musikalische Leitung Philipp Amelung. Regie Thorsten Weckherlin, Bühne Martin Fuchs, Kostüme Bernadette Weber

Tübingen: Ich heiße Scardanelli

Der Materialergründer

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Liebe liebste Gabriela, es ist mir eine besondere Ehre, heute anlässlich des Tilla-Durieux-Schmucks eine Laudatio auf dich zu halten. Eine ganz besondere Ehre, für die ich im Planungschaos dieser postpandemischen Zeit alles stehen und liegen gelassen habe, um nach Hamburg zu kommen. Es ist nicht nur eine Ehre, weil ich dein besonderes Talent loben kann: weil du die einzige Schauspielerin bist, die ich kenne, die es schafft, in ein und derselben Vorstellung, an ein und demselben Abend, dem Publikum Tränen des Lachens und auch des Schmerzes zu entlocken. Oder wie du in „Jeder stirbt für sich allein“ mit dem Abschiedsmonolog von Frau Rosenthal das Theater in eine ohrenbetäubende Stille gehüllt hast und eine halbe Stunde später mit Kriminalrat Zott das Publikum zum Lachen brachtest. Wer kann das schon? Wer verbindet so viel Ironie mit so viel Abgründigkeit? Unvergesslich ist deine Interpretation des Zerfalls der gutherzigen Gervaise zur alkoholkranken Straßenratte in Zolas „Bestie Mensch“. Ich kenne nur eine, die das kann, und das bist du. Und da habe ich noch nicht einmal dein unübertroffenes Multitalent als Sängerin, Filmschauspielerin und die unzähligen verschiedenen Rollen, die du für andere Regisseure gespielt hast, erwähnt. Aber dein begnadetes Talent ist nicht der einzige Grund, warum...

Gabriela Maria Schmeide erhält den Tilla-Durieux-Schmuck und Luk Perceval laudatiert

Die Königin

In einem Video-Poem für ihre Aufführung „_darkened by barbara“ wandert Sarah Moeschler durch einen langen schwarzen Tunnel, auf dessen Wänden ihre Hand Zeichen aus Licht hinterlässt. Ihre „Kosmische Ballade mit rauschendem Hintergrund der Wahrheit“, die irgendwo zwischen den Orkantiefs Ylenia, Zeynep und Antonia im Februar 2022 am Theater an der Ruhr Premiere hatte, ist eine Liebeserklärung an das Unsichtbare. Grundlage der Performance, die zugleich ihre Abschlussarbeit für eine Schauspielausbildung an der Hochschule der Künste in Bern ist, ist ein selbst programmierter Algorithmus. Als R_ταυ ٢.١. firmiert dieser als ihr Ko-Autor und hat sechs Gedichte beigesteuert. Vorbild für die Figur, die sie selbst spielt, ist die US-amerikanische Astrophysikerin Vera Rubin, die in den 1970er Jahren eine Pionierin in der Erforschung der Dunklen Materie wird – ihr, der unterschätzten, kämpferischen Naturwissenschaftlerin widmet sie den selbst entwickelten Abend, der in der Camera Obscura in Mülheim gezeigt wird und davon berichtet, „wie ich mich fühle in der Welt“. Feministische, queere und rassistische Themen verdichten sich zu poetischen Bildern und Texten. Denn Kunst und Wissenschaft zu verbinden, ist für Sarah Moeschler eine Herzensangelegenheit. Allzu verständlich, denn die gebürtige Schweizerin ist promovierte Virologin. Sie studierte Biologie an der Universität Neuchâtel und machte ihren Master in Biomedizin...

Die Schauspielerin Sarah Moeschler forscht nach dem Unsichtbaren im Theater

Dunkle Materie

Profanes und Heiliges Oberammergau ist ein gar nicht so kleines Dorf, das auf den ersten Blick vielen anderen in Bayern ähnelt. Eine Mischung aus Profanem und Heiligem, aus Hässlichem und Schönem, Kitsch und Kirche, Beton und Natur. Eingerahmt von durchaus schroffen Bergen wie dem Kofel, der wie ein einzelner Zahn hinter dem Ort aufragt und so wirkt, als wäre er nur aus Versehen hier. Lion Feuchtwanger, der 1910 nach Oberammergau kam, nannte ihn boshaft einen „rechten Reklameberg“. „Der Hochgebirgscharakter dieses Bergs erweist sich als Täuschung: nur die dem Dorf zugekehrte Seite ist schroff und wuchtig, der ganze Berg hat fünfhundert Meter Bodenhöhe und verschwindet sogleich, wenn man sich von Oberammergau entfernt.“ (Lion Feuchtwanger: „Oberammergau“, 1910). Erwandert hat Feuchtwanger den Kofel wohl nicht, sonst wüsste er, dass die Reklame hier durchaus hält, was sie verspricht: Trotz seiner nur 1342 Meter hat der Kofel auf dem letzten Stück bis zum Gipfel durchaus kraxelige und gebirgige Passagen vorzuweisen. Im letzten Jahrhundert hat sich einiges getan im Ort: Längst sind nicht mehr alle, die hier wohnen, oberbayerische und katholische Ureinwohnerinnen und Ureinwohner. Über die Jahrzehnte kamen eine Menge Menschen aus verschiedenen Teilen Europas und der Welt nach Oberammergau. Und seitdem die Mitgliedschaft in der...

Wie die Passionsspiele Oberammergau den Ort verändern und die Welt bewegen

Theater unser

Die Nachricht kommt wenige Tage vor der Premiere im März 2020. Eva-Lina Wenners und Paula Winteler studieren Schauspiel an der Folkwang Universität der Künste in Essen, und nach einem ersten intensiven Jahr soll es jetzt erst so richtig losgehen – der Umzug ins Theaterzentrum in Bochum steht unmittelbar bevor: „Jetzt zeigen wir’s euch allen!“ Dann der Schock: Alle Gäste müssen ausgeladen, der Campus darf nicht mehr betreten werden, die erste Vorstellung vor Publikum – abgesagt! Es heißt, da kommt ein Virus, und der wird große Auswirkungen haben – auf alles. Endzeitstimmung. Ein letzter gemeinsamer Abend der elfköpfigen Klasse in einer Kneipe, ein trauriger Abschied auf unbestimmte Zeit. Zwei quälend lange Woche ist vollkommen unklar, wie es weitergeht. Dann heißt es: Online-Unterricht. Als fassungslos, aggressiv und sauer, aber auch verzweifelt beschreiben die beiden ihren damaligen Gemütszustand. Wie soll das gehen? Alle haben Angst um ihr Studium. Paula Winteler fährt erst mal nach Hause – das ist 600 Kilometer entfernt. Sie erinnert sich: „Wir waren überzeugt, dass wir einfach schlechtere Schauspielerinnen werden.“ Henri Mertens ist damals noch in Feierlaune. Er hat sich gerade gegen Hunderte von Mitbewerber:innen durchsetzen können. Nun beginnt er sein Studium während des ersten Lockdowns. Geraubt, unterschlagen – das...

Schauspielausbildung als Achterbahnfahrt: Berichte aus Wien und Bochum

Generation Corona?

Das Ensemble hat sich Holzklötze unter die Füße geschnallt. Von der Decke des Schlosstheaters Moers baumeln Halteschlaufen, wie in der U-Bahn. Die Ausstattung spielt auf die Kothurne an, die Bühnenschuhe aus der griechischen Antike, setzt eine ­klare Verfremdung, verweist zugleich darauf, dass es ganz konkret um die Gegenwart geht. Um eine Welt, die sich im Griff einer Seuche befindet. Und um einen König, der selbstherrlich agiert und so seinen eigenen Untergang herbeiführt. Die Geschichte von Ödipus gehört zu den meisterzählten der Theatergeschichte. Im Ruhrgebiet steht sie gerade dreimal auf den Spielplänen – in Bochum, Dortmund und nun auch in Moers. Das ist kein Wunder, denn die Pest, die gelähmte Gesellschaft, der Umgang mit der eigenen Schuld sind Themen, die sich schnell auf die Gegenwart übertragen ­lassen. Doch genau diese inhaltliche Nähe zur aktuellen Situation könnte eine Falle sein. Denn ­natürlich schrieb Sophokles die Tragödie in einem völlig anderen Kontext. Der Althistoriker Egon Flaig hat zum Beispiel darauf hingewiesen, dass Orakelsprüche in der griechischen Antike keinesfalls eindeutig gesehen wurden. Nur weil Ödipus sie direkt auf sich bezieht und nicht all­gemein politisch versteht, kommt es zu Vatermord und Mutterbegattung. Ulrich Greb inszeniert „König Ödipus“ in Moers in der griffigen, rhythmischen und klaren...

Die Theater in Bochum, Dortmund und Moers zeigen verschiedene Blicke auf den Klassiker

Ödipus im Ruhrgebiet

Premieren April 2022

Kompositionsprinzip Collage

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

Spiel darf so ziemlich alles. Spiel ist eine Erlaubnis, von der Romantik ausgestellt: Mag das Leben entgeistert oder gebieterisch glotzen – wir schauen trotzdem so in die Runde, als gäbe es noch eine Welt woanders. Es gibt sie ja tatsächlich. Überall dort, wo der Mensch erfährt, was mit ihm – und unverwechselbar nur mit ihm! – gemeint sei. Dort, wo er erfährt, auf welche Weise er zu sich selbst kommen kann. Maike Knirsch sitzt mir in einer der Proberäume des Thalia Theaters Hamburg gegenüber, in der Altonaer Gaußstraße, und worüber wir auch sprechen – ihre Erzählung ist: Frage, Prüfung. Ist Suche nach jener Welt woanders; tastend wirkt sie, drängend, bei gleichzeitiger Vorsicht, sie könne bei ihren Selbst- und Berufserklärungen nur immer bei den falschen Worten landen, bei Worten, die zu forsch, zu eindeutig sind. Zugriffe mit Zögern. Besitznahme mit Bedacht. Im Dezember 2021 erhielt die gebürtige Stendalerin den Boy-Gobert-Preis der Hamburger Körber-Stiftung. Juryvorsitzender Burghart Klaußner: „Maike Knirsch bringt das Kunststück fertig, ganz im Moment zu spielen und ihrer Figur zugleich mit einem wohlwollenden Lächeln beim Spielen zuzusehen.“ Und dann stand die 26-Jährige auf der Bühne, in einer Gemütsmischung aus erkennbarer Aufregung und ebenso sichtbarer Souveränität, sie blickte lange in den...

Die Schauspielerin Maike Knirsch vom Thalia Theater Hamburg im Porträt

„Ausm Bauch – und ehrlich“

„Work hard, play hard?“

Theaterkunst trägt in sich Elemente der ­Arbeit des Sisyphos. Während sich Theaterkünstler:innen aus Kosovo und Serbien für gemeinsame Produktionen treffen und dabei die alten Kriege aufarbeiten, wirkt der Krieg in der Ukraine wie ein Spaltpilz in beiden Ländern. Kosovo drängt in die Nato, während Serbien wieder näher an das Russland des Wladimir Putin heranrückt. Es ist ein Jammer. Viel Wegstrecke ist bereits zurückgelegt auf dem Balkan. Als Beleg dafür kann das Kosovo Theatre Showcase in der Hauptstadt Pristina gelten. Zum vierten Mal fand er im letzten Herbst bereits statt. Anfangs handelte es sich bei dem Festival vor allem um eine Präsentation der freien Compagnie Qendra Multimedia. Sie hat sich seit dem Jahre 2002 um den umtriebigen Dramatiker Jeton Neziraj entwickelt und erarbeitete sich wegen ihres kritischen Blicks auf Krieg, Nachkrieg und Korruption sehr viel Respekt. Sie zog sich aber auch viel Gegnerschaft zu, vor allem vonseiten der organisierten kosovarischen Kriegsveteranen. Die störten immer mal wieder Vorstellungen. Sie schrieben allerdings auch eigene Kritiken zu seinen Stücken – und traten so in einen sehr ungewöhnlichen Diskurs ein. In späteren Jahren diente das Festival stärker der Vorstellung und Vernetzung kosovarischer und albanischer Theaterkünstler:in­nen. Die letzte Ausgabe hatte dann den ganzen Balkan sowie die...

Der Kosovo Theatre Showcase in Pristina spiegelt die Probleme der Region

West-Balkan-Blues

Was ist ein Mensch ohne Schatten? Nichts, wie Adelbert von Chamissos „Peter Schlemihl“ schmerzlich erfährt. Man kann die Frage auch umgekehrt stellen: Was ist ein Mensch mit Schatten? Viel, wie Hansueli Trüb – eine prägende Persönlichkeit des Schweizer Figurentheaters – in „Shadows“, einer Koproduktion von Das Theater-Pack und Bühne Aarau, zeigt. Trüb ist vom Schattentheater seit Jahrzehnten fasziniert. Präsentiert er nun, in der Regie von Astride Schläfli, seine „Shadows“, zieht er Bilanz über seine Versuche und Ergebnisse im Umgang mit dieser besonderen Theaterform. Die klassische, rechteckige Leinwand gilt Trüb dabei nicht mehr als das A und O; stattdessen projiziert er auf bewegliche Elemente. Der Raum spielt dabei eine entscheidende Rolle. Steht Trüb die im Herbst 2021 eröffnete Alte Reithalle in Aarau zur Verfügung, ist das ein Geschenk. Sie nimmt einerseits durch das ungeschönte Gemäuer und das Gebälk sowie andererseits durch ihre riesige Dimension für sich ein. Kein Wunder, dass der Schattenmagier darin zu verschwinden scheint. Deshalb kann man ihn zu Beginn kaum orten, wenn er die spärlich beleuchtete Halle betritt und sich an schwer identifizierbaren Gegenständen zu schaffen macht. Schon bald wird jedoch klar, dass diese Bestandteil eines Labors sind, in das Hansueli Trüb einlädt: Das Publikum soll aus nächster...

Hansueli Trübs Schattentheater in Aarau

Der Schattenmagier

Der genetische Code Amerikas

Für Manuela Infante hat Theater mehr mit Philosophie zu tun als mit Geschichtenerzählen. In ihren Stücken sind die Protagonisten Steine oder Pflanzen, die sich ständig verwandeln, auch schon mal in Menschen, wie es scheint. Ihr Kosmos ist groß und nicht immer verständlich, aber stets faszinierend. Sie gehört zu jenen Auserwählten, die alles dürfen und ergo tun. Sie ersinnt ungewöhnliche Narrative, jenseits des Anthropozäns. Die Menschen sind eh verloren, also übernehmen Bäume, die sich verbreiten und dabei sprechen, und Mineralien, die sich ihrer Lebenskunst versichern. Das hat manchmal fast märchenhafte Züge und oft auch recht brutale. Man weiß nie so recht, woran man bei ihr ist, und gerade das scheint Zuschauer wie Mitspieler zu inspirieren. Daraus ergibt sich ein politisches Theater ganz eigener Art, mit Fantasie statt Propaganda, lässiger Überlegenheit statt bitterer Abrechnung. „Was mich am Theater am meisten interessiert, ist nicht, was man damit alles machen kann, sondern, was es eigentlich ist“, sagt sie. „Dazu habe ich viele Theorien ausgebrütet. Mich ­fasziniert Theater als materielle Praxis, wie es auf verschiedene Weise funktioniert.“ An ihrem wohl berühmtesten Stück „Estado Vegetal“ (deutscher Titel „Gegen den Baum“) lässt sich das gut ablesen. Es beginnt wie eine Vorstadtkomödie. Ein Junge fährt mit dem Motorrad...

Das Theater der Chilenin Manuela Infante ist politisch im Geist des Zweifels

Steine, Pflanzen, Sounds

Der Atem des Raumes

Zu kitschig, zu altbacken, zu dröge? Keineswegs, findet Milan Peschel. „Der Kirschgarten“ des russischen Dramatikers Anton Tschechow aus dem Jahr 1903 hat den Regisseur am Theater Heidelberg inspiriert, die Tragi­komödie auf ihre Aktualität abzuklopfen. Und da geht der Regisseur, dem auch als Schauspieler die skurrilen Rollen am besten liegen, ungewöhnliche Wege. In der Rolle des „Beckenrand Sheriffs“ spielte Peschel 2021 seine ungewöhnliche Gabe vor der Filmkamera aus, die schrägen Seiten des Lebens zu zeigen. Im „Kitschgarten“ dreht er nun Tschechows düsteren, von der russischen Melancholie getränkten Text durch die Mangel seiner eigenen Perspektive. Dabei fällt er bisweilen in einen übertriebenen Aktualitätsrausch. Vor der Pandemie hatte sich das Theater Heidelberg mit Peschel verabredet, Tschechows „Kirschgarten“ auf die Bühne zu bringen. Wegen erschwerter Probenbedingungen durch die Abstands- und Hygieneregeln war eine Inszenierung mit so vielen Figuren aber nicht mehr machbar. Eine Steilvorlage für den innovativen Regisseur, seine eigene Tschechow-Collage zu erschaffen. Dabei driftet Peschel aber keineswegs ab vom Universum des großen Dramatikers. Motive aus dem „Kirschgarten“, in dem es um den Verkauf des großen Gartengrundstücks geht, um die Existenz der dekadenten Großgrundbesitzer zu retten, hat Peschel mit anderen Dramen sowie mit Einaktern und Erzählungen kombiniert. Im „Kitschgarten“ jongliert der faszinierende, auf der...

Theater und Orchester Heidelberg: „Der Kitschgarten“ nach Motiven von Anton Tschechow. Regie und Textfassung Milan Peschel, Bühne/Kostüme Nicole Timm

Heidelberg: Ein Vaudeville kluger Lebensfragen

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

1. Die Theaterräume, Opernräume, Filmräume, Ausstellungsräume und architektonischen Räume, die Richard Peduzzi gebaut hat, leben von der Spannung, welche die architektonische Operation und das poetische Fühlen miteinander erzeugen und verbindet. 2. Dass diese Räume als Malerei und Richard Peduzzi als Maler bezeichnet werden, hat mit ihrer Wirkung und der Art ihrer Entstehung zu tun. Das Zeichnen und die Zeichnung ist, was die Tätigkeiten Richard Peduzzis trägt und sammelt. Als sich der vierundzwanzigjährige Maler Richard Peduzzi und der dreiundzwanzigjährige Sohn eines Malerpaares Patrice Chéreau 1967 begegnen, entstand bis zu Chéreaus Tod 2013 eine ununterbrochene Arbeitspartnerschaft, eine einmalig zweisame Kollektivität, in der jeder der beiden das Alter Ego des anderen darstellt. Der Ausgangspunkt war eine Art Komplizenschaft von Wunderkindern auf dem Weg zum Welttheater. „Ich habe aufgehört“, antwortet 2007 Chéreau auf die Frage, ob er noch zeichne. „Ich habe aufgehört, meine Bühnenbilder selber zu machen, einfach, weil ich einen Besseren gefunden habe. Richard war besser als ich, und ich finde es immer gut, mit dem Besseren zu arbeiten.“1 „Richard ist mein Kompass, der, dem der Instinkt oder der Blick nie fehlt … Die Frage des Blicks: Was sehen die Leute? Wir sind uns nie sicher, ob sie wirklich das Gleiche sehen...

Laudatio für Richard Peduzzi

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Das Setting rückt in Zeiten des Kriegs in der Ukraine beklemmend nah. Heiner Müllers Drama „Quartett“ spielt in einem Bunker, nach dem Dritten Weltkrieg. Die Figuren aber begegnen einander in einem Salon in Zeiten des Ancien Régime, lange vor der Französischen Revolution. Im Angesicht der Apokalypse verhandeln die Verführer ihre krankhaften Beziehungsgeflechte. Leidenschaft ist ihre Waffe. Brigitte Maria Mayer, die Ehefrau des 1995 verstor­benen großen Schriftstellers Heiner Müller, wagt mit dem Stück aus dem Jahr 1981 ihr Bühnen-Regiedebüt am Landestheater Tübingen. Dabei hat sie nicht nur die vergiftete Beziehung des Paars im Blick, das der französische Dramatiker Choderlos de Laclos 1782 in seinem Briefroman „Gefährliche Liebschaften“ verewigt hat. Mit dem frischen Blick der Fotografin und Filmemacherin liest die 57-jährige Regisseurin Müllers sprachgewaltigen Theatertext, der sich tief in die Psyche der Protagonisten bohrt. Thorsten Weckherlin, Intendant der Landesbühne in der schwäbischen Universitätsstadt, hat Mayers Regiedebüt lange geplant und mit der Berlinerin vorbereitet. Wie in ihrer Film- und Fotokunst, die um Religion, sexuelle Identität und Mythos kreist, macht die ­Regisseurin auch am Theater den Anker des Glaubens fest. Im Zentrum der Bühne ihres Bruders Gustav Mayer steht ein riesiger Altar, der in blutrotes Licht getaucht ist. Das wirkt wie eine Schlachtbank. Darüber...

Brigitte Maria Mayer inszeniert Heiner Müllers „Quartett“ am Landestheater Tübingen

Krankhafte Leidenschaft in der Apokalypse

Alles fließt

Wie kann eine Theaterzeitschrift auf diesen Kriegsbeginn reagieren? Wenn man ukrainische Theaterleute, die in Kellern sitzen oder fliehen müssen, persönlich kennt? Wenn man russische Theaterleute kennt, die ebenfalls fliehen müssen, die mutig auf Demonstrationen gehen und dafür verhaftet werden oder eben mit zusammengepressten Lippen fassungslos zuschauen, wie ihre in der ganzen Welt geschätzte Theaterkultur innerhalb weniger Wochen in diesem Krieg mit untergeht? Serhij Zhadans Text „Lieder von Vertreibung und Nimmerwiederkehr“,...

Editorial

Als Andrzej Stasiuks erstes Stück 2005 in Krakau und Düsseldorf in Koproduktion uraufgeführt wurde, standen die komischen Aspekte dieser „slawo-germanisch medizinischen Tragikfarce“ im Vordergrund. Der Autor, vom literarischen Naturell her kein Dramatiker, aber ein sarkastischer Beobachter der post-sozialistischen Umbrüche und dafür ein hinreißender Reise-Essayist, hatte für „Nacht“ die originelle Idee, dass nach einem verunglückten Einbruch bei einem deutschen Juwelier diesem das Herz eines polnischen Autodiebs eingepflanzt wird. Der Schmuckhändler erschoss den ausnahmsweise mal das Fach wechselnden Einbrecher und erlitt dabei einen tödlichen Herzinfarkt, Letzterer stand nun gleich als Organspender zur Verfügung. Nach erfolgreicher Transplantation empört sich der Deutsche über die ihm unbekannte, aber durchaus verdächtige Herkunft seines neuen Herzens. Die Ärzte versuchen, ihn zu beruhigen, der Mann habe ja immerhin deutsche Literatur studiert. Es gab viel zu lachen über deutsch-polnische Klischees, obwohl Mikolaj Grabowskis Inszenierung den von Stasiuk themati­sierten Organhandel im Ost-West-Transfer keinesfalls unterschlug. Das Stück geriet in Vergessenheit, Stasiuk freilich nicht. Nun, in Schwedt, ein paar Hundert Meter von der Grenze zu Polen, wurde das Stück wiederentdeckt. Dort waren Autodiebe lange ein großes Thema, reiche Juweliere wohl eher nicht. Aber die deutsch-polnische Nachbarschaft und deren wechselseitige Wahrnehmung ist in dieser Gegend Alltag, und man durfte vermuten, dass Stasiuks geniale...

Uckermärkische Bühnen Schwedt: „Nacht“ von Andrzej Stasiuk. Regie Jan Jochymski, Ausstattung Sophie Lenglachner

Schwedt: Aller Seelen

Sie sind erstmalig allein programmverantwortlich für die Einladungen zum Schweizer Theatertreffen, das im Mai zum neunten Mal in Graubünden und Liechtenstein stattfindet. War das tatsächlich allein zu bewältigen? Das Auswahlverfahren des Schweizer Thea­tertreffens, das als Veranstalter ein mehrsprachiger Verein ist, erfindet sich gerade neu. Bei früheren Ausgaben gab es ein Kuratorium von Journalistist:innen, die im Abstimmungsverfahren die Auswahl bestimmten. Dann gab es bei der letzten, durch die Corona-Krise eingeschränkten Ausgabe ein künstlerisches Leitungsduo mit dem Theaterdirektor von Fribourg Thierry Loup und mir. Ab jetzt und für die kommenden Ausgaben bin ich die alleinige künstlerische Leiterin. In der Romandie und im Tessin bekomme ich Unterstützung von Scouts, die mich beraten, denn ich kann mir viel, aber natürlich nicht alles anschauen. Die Besonderheit des Schweizer Theatertreffens ist ja, dass es wandert. Ab jetzt soll es aber regel­mäßig in die drei Sprachregionen mit festen Partnern wiederkehren, wenn man so will als Triennale. Der Kern des Festivals ist das Anliegen, die verschiedenen Schweizer Szenen in einem jährlichen Treffen zusammenzubringen. Die Schweizer Theaterlandschaft zeichnet sich durch eine besondere Diversität aus, sprachlich, regional, mit vielen freien Gruppen neben den großen Städten mit ihren ­historisch etablierten Theatern – und eben darin auch verschiedenen Traditionen. Gerade diese Diversität...

Was macht das Theater, Julie Paucker?

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Wenn dieses Heft erscheint, ist es fünf Wochen her, dass Wladimir Putin den Krieg gegen die Ukraine angefangen hat. Seitdem sind Millionen Ukrainer:innen auf der Flucht. Andere bleiben und versuchen, vor Ort das zu bewahren, was noch zu bewahren ist, und diejenigen zu schützen, die ebenfalls bleiben (müssen). Darunter auch Künstler:innen und Theaterschaffende. Wir haben mit fünf von ihnen darüber gesprochen, wie sie den russischen Krieg in der Ukraine erleben. Protokolle von Lina Wölfel Am 24. Februar bin ich um 5.30 Uhr in meiner Wohnung in Charkiw von Explosionen aufgewacht. Ich habe sofort meine Frau und meine fünf Monate alte Tochter geweckt. Wir woll­ten in Richtung meiner Eltern flüchten. Zum Glück habe ich ein Auto. Das hat unser Leben gerettet. Als wir die Stadt um 7 Uhr verlassen wollten, war überall schon Panik. Wir haben Kropywnyzkyj, wo meine Eltern wohnen, erst um 18 Uhr erreicht, weil die Straßen komplett verstopft waren. Alle, die die Stadt verlassen konnten und wollten, haben versucht rauszukommen. Und Tausende sind in Charkiw geblieben – einer wunderschönen, multinationalen Stadt, die jetzt Tag um Tag mehr zerbombt wird. Nach zwei Tagen bei meinen Eltern haben wir in der Nähe des Flughafens Explosionen gehört – die Bomben sind...

Stimmen ukrainischer Theatermacher:innen und Protokolle

„Kunst interessiert hier grade wirklich niemanden“

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

1 AUDIOGUIDE Fangen wir also an. Gemeinsam zunächst. Wir sind froh, dass es beginnt. Ja, ein wenig aufgeregt sogar. So lange schon hatten wir gehofft. Insgeheim. Auf eine Veränderung. Denn. Gerade noch, bevor es so plötzlich still um uns herum wurde, hatten wir sie sattgehabt. Die Alltäglichkeit der wiederkehrendenden Verrichtungen. Nahrungsaufnahmen. Schlaf. Atmung. Die schambesetzte Dringlichkeit der Ausscheidung. Nun aber, mit dem Erwerb des Einzeltickets, sind wir Teil eines größeren Ganzen geworden. Teil einer gleichsam entrückten wie nahbaren Welt, die ein Ende, eine Grenze nur zur Erde hin sowie zum Himmel, nicht aber in der Unendlichkeit des Horizonts für uns bereitzuhalten scheint. Aber alles der Reihenfolge nach. Uns zu einer ersten Bewegung aufraffend durchschreiten wir die dürftig kühlende Luft des Foyers. Eilen vorläufig voran. Hinauf alsbald. Den goldenen Handlauf behutsam mit dem ausgestreckten Finger entlangfahrend. Steigen empor. Stufe um Stufe. Und sinken dann, so wollten wir es, sanft hinab. Hinab ins Panorama. Ins Bauernkriegs­panorama, das uns nun endlich, endlich dunkel leuchtend umgibt. Und wie auf ein geheimes Zeichen hin, und das ist es wohl, was wir in all unseren abgelegten Tagen stets gesucht hatten, werden wir erfasst von einem leichten, einem lauwarmen Schwindel. Das ruhige Summen und Brummen der Rotation....

Treuhandkriegspanorama

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Festival der Besessenen

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Wäre er echt, der nostalgische kleine Zirkus, in dem Julia Anna Sattler und Michael Finger von der Kompanie Cirque de Loin in der Eröffnungspremiere des jungspund Festivals als Kamel und Clown Abend für Abend die immergleiche Nummer präsentieren (bevor sie eines Tages beherzt ihrer Sehnsucht folgen) – er hätte wohl die vergangenen zwei Jahre nicht überlebt. Die Coronakrise ist an den wenigsten Theaterschaffenden im Rampenlicht und hinter den Kulissen spurlos vorbeigezogen; gerade der freien Szene haben die wochenlangen Schließungen, die wiederholten Verschiebungen und Absagen zu schaffen gemacht. Insofern ist das noch junge, alle zwei Jahre in St. Gallen stattfindende Thea­terfestival für junges Publikum als Szenetreff und Schaufenster des aktuellen Schweizerischen Kinder- und Jugendtheaters ein Glückskind. Die zweite Ausgabe war 2020 gerade noch vor dem ersten Lockdown über die Bühne gegangen. Die diesjährige dritte konnte am 17. Februar nach kurz zuvor gelockerten Schutzmaßnahmen starten: ohne Zertifikatspflicht, ohne Einschränkungen der Platzzahl und mit verschmerzbaren Ausfällen, zehn prall gefüllte Tage lang. Zwei Vorstellungen mussten kurzfristig abgesagt werden, „Die Mitte der Welt“ nach dem Roman von Andreas Steinhöfel – eine Produktion des Theaters St. Gallen, das als Festivalpartner die Lokremise als Spielstätte und attraktives Festivalforum zur Ver­fügung stellt –, war pandemiebedingt mit den Proben...

Das 3. jungspund Festival der Schweizerischen Kinder- und Jugendtheaterszene in St. Gallen

Große Fragen, nicht nur für junges Publikum

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Science-Fiction, Historie und Hexenkunst verbinden sich im Giuvlipen Theater zu einer radikalen Neuerzählung von Vergangenheit und Zukunft. Roma Futurism ist die spekulative Fabulation eines kommenden Lebens, das romane Stereotypen verkehrt und zur kraftvollen Wiederaneignung in Stellung bringt. Der Wunsch, Gemeinschaftlichkeit in einem Phenjalipen, einer Schwesternschaft, zu organisieren, steht im Zentrum des Konzepts von Mihaela Drăgan. Entwickelt während einer Residenz im Para Site Art Center in Hongkong, ist der mit Afro- und Sinofuturism verwandte Entwurf ein Hybrid aus Verwünschung, Manifest und magischem Realismus, der sich im Wirken der rumänischen Theatergruppe als Forderung artikuliert. 2015 gründeten Drăgan und Zita Moldovan das romani Kollektiv und benannten es mit einem Neologismus. Sie kombinierten das Romanes-Wort für Frau, Giuvli, mit Pen, das Schwesternschaft oder schwesterliche Solidarität bedeutet, und schufen so einen Begriff für Feminismus. Diese Neukreation bereicherte die Sprache und findet nun über die Gruppe hinaus Anwendung. Ihre gemeinsame Arbeit antwortete auf die Notwendigkeit, einen Raum für romane Schauspielerinnen und Schauspieler zu schaffen, wo sie über ihre Geschichte und Kultur, Probleme und Ideen sprechen können. Hinzu kommt der Fokus auf feministische und tabuisierte Themen, der die doppelte, also antiziganis­tische und sexistische Diskriminierung von romani Frauen sichtbar macht und zugleich eine positive Gegenerzählung, wie die der...

Netzwerk für Roma-Theatergruppen wächst in Ungarn

Cyberhexen gegen Antiziganismus

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Im Norden Sardiniens, in der Stadt Olbia, wurde vor zwei Jahren ein gigantischer Theaterbau errichtet. Der Architekt Giovanni ­Michelucci hatte am Meer drei Theaterhäuser, Laboratorien und Werkstätten sowie einen Leuchtturm geplant. Zwei Jahre nach seinem Tod wurde das Haus eröffnet, aber nie bespielt. Die Vorstellungen im Anfiteatro ­Michelucci lassen sich an einer Hand abzählen. Das Management wechselte, keiner weiß, was man mit so einem Komplex anfangen soll. Aus der Presse ist das große, weiße Haus verschwunden, im Bewusstsein der Bevölkerung war es nie angekommen, die Gelder, die von der EU zur Verfügung gestellt wurden, teilen sich Bauunternehmer und Berater. Hingegen fehlt es den Theatern Sardiniens überall am Geld. Die freie Szene ernährt sich selbst, die Künstler arbeiten in der Gastronomie. Sie sind der rechten Regionalregierung ohnehin ein Dorn im Auge und gelten als Überbleibsel des Kommunismus und der Dekadenz. Ignazio Chessa lebt seinen künstlerischen Gegenentwurf mit viel Humor. Er betreibt das kleinste Theater Sardiniens und, bevor es einen Gegenbeweis gibt, sogar der ganzen Welt. Lo Teatrí: 38 Plätze, mitten in Alghero, der schönsten Stadt auf der Westseite der Insel, neben Sardisch wird Katalanisch gesprochen. Die Kinder der alten katalanischen Eroberer sind glückliche Touristen. Chessa ist ein Tausendsassa, eine Figur, die...

Der sardische Theatermacher Ignazio Chessa

Große Träume – kleines Theater

Autorinnen und Autoren April 2022 / Vorschau

Haltung und klare Kante zeigen, das ist die künstlerische ­Philosophie von Elisabeth Schweeger. Das vermittelt die Profes­sorin auch ihren Studierenden. Acht Jahre lang hat die Kultur­managerin, Intendantin und Dramaturgin die Akademie für Darstellende Kunst in Ludwigsburg in der schwäbischen Provinz geleitet. Mit Kontakten in viele Länder, einer weltweiten Akkreditierung der Lehre und mit dem internationalen Furore Festival hat sie das P­rofil der Hochschule geschärft, die Schauspieler:innen, Regisseur:innen und Dramaturg:innen ausbildet. „Wir haben die Lehre hier gut gerockt“, schwärmt die Wienerin. Mit 68 Jahren wechselt sie nun nach Bad Ischl ins Salzkammergut. Da ist sie seit November neue Chefin der Kulturhauptstadt 2024: „In dieser Aufgabe verbinden sich alle meine Berufserfahrungen, die ich an meinen Stationen gesammelt habe.“ Solche Aufbrüche reizen die große Theaterfrau. Angefangen hat sie nach dem Studium der Vergleichenden Literatur­wissenschaft und der Philosophie in Wien als Dozentin. Wissen lustvoll zu vermitteln, das gefällt ihr. Elisabeth Schweeger unterrichtete an der Universität der Angewandten Künste und später an der Akademie für Bildende Kunst. Dann arbeitete die charisma­tische Vernetzerin als Chefdramaturgin am Residenztheater München. Von 2001 bis 2009 war sie Intendantin am Schauspiel Frankfurt. Dann baute sie von 2009 bis 2014 die KunstFestSpiele Herrenhausen in Hannover auf. Auch da wagte sie Neues,...

Nach ihrem Abschied als Chefin der Akademie für Darstellende Kunst in Ludwigsburg verantwortet Elisabeth Schweeger nun die Kulturhauptstadt 2024 im Salzkammergut

Kultur ist das neue Salz

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Von keinem Standpunkt aus zu überblicken, sowieso kaum zu durchschauen, immer nur Teile und Details vor Augen: Derart wird ein Rundbild zur Geschichte zum Sinnbild der Geschichts­betrachtung. Und derart eignet sich eine 1722 Quadratmeter ­große Leinwand als Knitterfolie für die Gegenwart. „Feindliche Übernahme der Zeit“ nennt das Thomas Freyer im „Treuhandkriegspanorama“, das er über Werner Tübkes ­Bauernkriegspanorama legt, ohne beide deckungsgleich werden lassen zu wollen. Was nicht passt, wird auch nicht passend gemacht. Freyers zweiter Versuch im poetisch verdichteten Dokumentartheater, nach „Stummes Land“ in Dresden (siehe <a href="https://beta.tdz.de/article/657ce0e2-7ffb-4335-83c1-636b93ce9369">TdZ 10/2020</a>), interessiert sich für die Inkongruenz. Tübkes 1987 vollendetes monumentales Tafelbild, mit eigenem Museumsbau in Bad Frankenhausen am Kyffhäuser, war ein Auftragswerk der DDR-Regierung: „Frühbürgerliche Revolution in Deutschland“ geheißen, entsprechend der linearen marxistischen Geschichtsschreibung, die auch Thomas Müntzer zum gesetz­mäßigen Vorkämpfer des Sozialismus erklärte. Freyers Stück ist auch ein Auftragswerk: fürs Deutsche ­Nationaltheater in der Klassikerstadt Weimar, dessen Schauspiel seit Beginn der Intendanz Hasko Webers 2013 alles in allem über vierzig Uraufführungen besorgte und dabei mit wachem Blick ­einigermaßen konsequent eine gegenwartsdramatische Linie zur Zeitgeschichte verfolgt. Freyers Text konterkariert dabei bemerkenswert zufällig und gewiss unabsichtlich auch Kathrin Rögglas „Bauernkriegs­panorama“: einen Essay der Prosa-, Theater- und Hörspielautorin von 2020, aus dem fürs Radio...

Neue Stücke von Thomas Freyer und Dirk Laucke legen am Deutschen Nationaltheater Weimar Gegenwart über die Vergangenheit

Weimarer Zeitgeschichten

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Die Phaser der Sternenflotte haben zwei Einstellungen. Man kann mit ihnen den Gegner töten oder betäuben. In „Rückkehr zu den Sternen (Weltraumoper)“ stellen Captain Jean Luc Yešilyurt und seine Mannschaft die Waffen auf „harmlos“. Bloß niemanden verletzen, lautet ihre Devise. Autor und Regisseur Bonn Park hat das „Star Trek“-Universum für eine positive Zukunftsvision geplündert, Streichelfiktion statt Science-Fiction. Theater zum Kuscheln in schweren Zeiten. Am Anfang des Stücks muss die Besatzung des Raumschiffs Wassong noch einen Angriff überstehen. Alle taumeln über die Bühne wie es Captain Kirk, Mr. Spock und die anderen Helden in der ersten „Star Trek“-Serie aus den sechziger Jahren taten. Die Bühne von Julia Nussbaumer und Jana Wassong ist wie die Kostüme von Leonie Falke eine liebevolle Hommage an die ersten beiden Fernsehreihen um die Raumschiffe, die den Namen Enterprise trugen. Die Action wird stark stilisiert, das Ensemble singt die Texte, Tänzerinnen bewegen sich im genau choreografierten Gleichschritt. Auf Spannung kommt es Bonn Park überhaupt nicht an. Ihn interessiert die Philosophie der Sternenflotte – oder im Stück der „Zauberflotte“ –, eine humanistische Welt, in der Kapitalismus und Rassismus überwunden sind. Das Raumschiff ist das Gleichnis einer aufgeklärten und toleranten Gesellschaft. Eine Mission mit Konflikten muss es natürlich geben....

Düsseldorfer Schauspielhaus: „Rückkehr zu den Sternen (Weltraumoper)“ von Bonn Park und Ben Roessler (UA). Regie Bonn Park, Bühne Julia Nussbaumer, Jana Wassong

Düsseldorf: „Star Trek“ auf Valium

Dostojewski und Putin haben sich nie kennengelernt, sich nie die Hand geschüttelt, sich nicht ausgetauscht über Politik, Kriege oder Literatur. Ein klarer Fakt, der gerade dennoch erwähnenswert erscheint. Nämlich, wenn eine Mailänder Universität überlegt, Dostojewski vom Lehrplan zu nehmen, aus dem einzigen Grund: Er ist ein Russe. Und was russisch ist, scheint dieser Tage, in ­denen Putin einen Krieg gegen die Ukraine führt, in denen ein Autokrat nicht nur ein anderes Land ­angreift, sondern auch mit aller Meinungsfreiheit zerstörenden Gesetzen um sich wirft, per se verdächtig zu sein. Der Chef­dirigent der Münchner Philhar­moniker ­Valery Gergiev wurde in einem öffentlichkeitswirksamen Prozess entlassen, der Opernsängerin Anna Netrebko wurden zahlreiche Auftritte abgesagt. Nun kann man Gergiev zu Recht vorwerfen, er habe sich schon häufig als Putin-Sympathisant gezeigt und die Krim-Annexion gutgeheißen, aber was ist mit dem russischen Pianisten ­Alexander Malofeev, der im Gegensatz dazu öffentlich den Krieg gegen die Ukraine verdammte und dessen Auftritte beim Montreal Symphony Orchestra dennoch abgesagt wurden? Beinahe scheint es einen Wettbewerb zu geben, wenn es um die Ausladung rus­sischer Künstler:innen geht; hier, seht her, wir setzen ein Zeichen, dass wir auf der ­richtigen Seite sind. Als würde man mit diesen Ausladungen tatsächlich Ukrainer:innen helfen. Als real­politische Sanktion ist...

Falsches Bekennertum

Das Luf-Boot aus Papua-Neuguinea, ein Ende des 19. Jahrhunderts aus einem einzigen Stamm gefertigtes Langboot mit zwei Segeln und einem Ausleger, ist zum Symbol der Aufarbeitung deutscher Kolonialgeschichte und ihrer unklaren Darstellung in ethnologischen Sammlungen geworden. Als Prachtstück im neu eröffneten Berliner Humboldt Forum, in das es aus den bis in die Kaiserzeit zurückreichenden Sammlungen in Berlin-Dahlem gebracht wurde, sollte es auch die hochstehende Pflege und Bewahrung des Weltkulturerbes repräsentieren. Vor der Umsetzung wurde das 15 Meter lange Holzboot „entwest“, das heißt von Ungeziefer und anderem Befall gereinigt, und anschließend durch eine eigens dafür verbliebene Öffnung in den jetzigen Ausstellungsraum geschoben. Mit der Er­öffnung des Humboldt Forums war es somit eingemauert – und die Diskussion begann. Der Historiker Götz Aly bestritt in seinem kurz vor der offiziellen Eröffnung erschienenen Buch „Das Prachtboot“ (Mai 2021) einen irgendwie rechtmäßigen Erwerb des Boots von seinen Erbauern, deren ­kleines Volk der Lufiten im kaiserlich kolonisierten Bismarck-Archipel nach Angriffen, Verschleppung zur Zwangsarbeit und Krankheiten zum Untergang verurteilt war. Entscheidend ist die Formulierung des Geschäftsführers der Handelsgesellschaft Hernsheim &amp; Co., Max Thiel, dass das Boot „in meine Hände übergegangen“ sei. Kaufbelege und dergleichen gibt es nicht, aber wie Thiel die Verschiffung des Boots nach Deutschland organisierte...

Volker Brauns Langgedicht „Luf-Passion“ in der Berliner Akademie der Künste

Text und Schlagwerk

Explodierendes Dokumentartheater

Eine Frauenleiche begründete die Römische Republik, erzählen die schreitenden Rache­priester. Nachdem die sittliche Lucretia vom Tyrannen Tarquinius vergewaltigt wurde, wählte sie den Selbstmord, obwohl Vater und Ehemann die Schuld ganz dem Täter gaben. Die geschändete Frau, die doch ohne Schande ist, wählte den Tod, gegen den Rechtsspruch des Pater familias. Ihr Opfer soll den Übertritt von der Tyrannenherrschaft in die rechtsstaatliche Republik markieren. So beginne die Geschichte der Blutrache mit ihrem Ende und wiederholt sich dennoch ständig. „Die sollen sich mal einen anderen Körper suchen, den sie rächen können“, meinen die Spielenden. Auch Maries Tod durch Woyzecks Hand steht in derselben blutigen Reihe, wie Talisa und Catelyn Starks Ende, die der Red Wedding in „Game of Thrones“ zum Opfer fallen. Amal Keller, Dirk Lange und Denis Petković steigen in grünen Samtroben über die Treppen, die an Rafaels Schule der Athener Philosophen erinnern, und rekapitulieren die rachsüchtige Historie. Ihre Überlegungen kreisen nebeneinander, ohne sich gegenseitig voranzutreiben. Die elliptischen, wiederkehrenden Sätze scheinen wie der beschriebene Mechanismus kein Ende zu nehmen. In der ersten Regiearbeit des Autors Thomas Köck steht ein Chor Leipziger Sängerinnen den drei Ensemblemitgliedern gegenüber. Sein diskursiver Text „vendetta vendetta (a bunch of opfersongs)“ reflektiert über kollektive Rache und individuelle...

Schauspiel Leipzig: „vendetta vendetta (a bunch of opfersongs)“ von Thomas Köck (UA). Regie Thomas Köck, Bühne Martin Miotk

Leipzig: Die Erinnyen kreisen

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

„Ein Buch wie eine Ausstellung“, eröffnet ­Peter Michalzik das Vorwort. Ende der 1990er Jahre, während der Arbeit an einer Biografie von Gustaf Gründgens hat er die hochbetagte Marianne Hoppe noch kennenlernen können. Sie sprach überraschend viel von Horváth, und das war wohl die Keimzelle für dieses rund zwei Jahrzehnte später entstandene Buch, das in seiner Gliederung und den einzelnen Fokussierungen tatsächlich an eine Ausstellung erinnert. Chronologisch aufgebaute Abteilungen, ausführliche Bildanalysen, das Ausstellen von Parallelen, Querverbindungen und Gegensätzlichkeiten in einem besonderen Zeitabschnitt. Drei Biografien, die jeweils auf ihrem Feld im Aufstieg begriffen sind. Die junge Marianne Hoppe, die 1928 ans Deutsche Theater von Max Reinhardt engagiert wird, dort bereits in kleinen Rollen Beachtung findet und nach 1933 als Filmstar der UFA eine große Karriere vor sich hat. Ausgewählte Porträtfotos analysiert Michalzik nicht nur als Entwicklung ihrer Biografie, sondern liest in ihnen auch den Zeitgeist als „Bild der Frau“ in den eruptiven Zwanzigerjahren und nachfolgend vor allem als Filmfigur. Ihr gegenüber der als Dramatiker erfolgreiche Ödön von ­Horváth mit seinen frühen Volksstücken über Verlorene und Verführte als Teil einer neuen Masse. Ein Begriff, den Michalzik einerseits aus der Kultur der damaligen Zeit, andererseits spezifischer von Elias Canetti her entwickelt. Und mit diesem...

Thema Ukraine: Serhij Zhadan „Lieder von Vertreibung und Nimmerwiederkehr“

Assoziationen

Theater der Zeit 10/2022

Der Untergang des russischen Theaters

Neuerscheinungen im Verlag