Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Um den großen Lutscher, den das Murmeltiermädchen in den Pfoten hält, habe sie gekämpft, sagt Nora Quest, als wir uns nach der 10-Uhr-Schülervorstellung von Jens Raschkes „Was das Nashorn sah, als es auf die andere Seite des Zaunes schaute“ in der Kantine des Weimarer Nationaltheaters treffen. Das Besondere an dem Riesenlutscher ist das Hakenkreuz in seiner Mitte. Denn dies ist ein Stück (ein großartiges!) über den Tierpark, den der erste Lagerkommandant des KZ Buchenwald, Hans Koch, direkt neben dem Elektrozaun anlegen ließ: für Familien der SS-Männer und für die Einwohner Weimars. Mit Nashorn und Bärenburg. Das Stück erzählt vom KZ aus der Perspektive der Tiere. Mehr noch, in der Tierfamilie spiegeln sich menschliche Verhaltensweisen der Herren über Leben und Tod. „Man muss sich nur anpassen, dann ist es gar nicht so schlimm“, flüstert das seinen Hakenkreuzlutscher wie eine Monstranz hochhaltende Murmeltiermädchen. Spielt sie gern Tiere?, frage ich die 25-Jährige, die vor zwei Jahren mit dem Intendanten Hasko Weber aus Stuttgart kam. Wahnsinnig gern!, sagt sie, diese elementare Form des Spiels macht nicht nur großen Spaß, sie konzentriert auch auf das Wesentliche. Auf der Bühne ist Nora Quest von vibrierender Intensität, die sich aus verborgenen Kraftquellen zu speisen scheint. Jetzt sitzt...

Die Weimarer Schauspielerin Nora Quest sucht nach widerständigen Figuren voller Fragen ans Leben

Ernste Loreley

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

double feiert Jubiläum

Der Begriff Upcycling wird vermutlich bald wieder vergessen sein. Einer der Läden, die sich dennoch dazu bekennen, findet sich in St. Leonhard, einem Grazer Gründerzeitviertel, das eben den Generationswechsel erlebt. Der Retro-/Vintage-/Shabby-Chic-Style, den der Inhaber, ein junger Fahrradmechaniker mit Vollbart, so gut bedient, ist hier gefragt. Am 21. Oktober 2015 war jedoch nichts mit Bedienung. „Heute Back to the Future“ stand auf der verschlossenen Ladentüre. Der Retrotrend allein hätte für die Wiederentdeckung von Robert Zemeckis’ filmischer Skateboard-Oper wohl nicht gereicht, doch bekanntlich reist Michael J. Fox im zweiten Teil nach 2015 – und landet dort exakt am 21. Oktober. Das brachte Hollywoods Zeitmaschinen-Story wieder zurück ins Großraumkino, und auch das Festival steirischer herbst widmete sich in diesem Jahr dem Thema „Zurück in die Zukunft“. Der aktuelle Zeitgeist wurde so wahlweise affirmativ in Szene gesetzt oder kritisch hinterfragt. Besonders produktiv mischten sich diese Intensionen in der copy &amp; waste-Performance „Knick-Knack to the Future – Ruckzuck in die Zukunft“. Mastermind und Autor Jörg Albrecht nutzt das Festivalmotto für eine popkulturelle Rückblende in den Zemeckis-Kosmos und schreibt aktuelle Diskussionen um Selbst- und Kiezoptimierung weiter. Ein Geniestreich, der allerdings seinerseits einige Striche vertragen hätte. Wohl eher unfreiwillig knüpfte die Eröffnungsproduktion „Specter of the Gardenia...

Das Grazer Festival steirischer herbst reibt sich an der Retromanie

Zurück in die Zukunft

Pilsen hat ein hektisches Jahr hinter sich. Als Kulturhauptstadt Europas 2015 gab es im fast wöchentlichen Rhythmus Festivals und Events, die Bewohnern wie Besuchern die Stadt noch schmackhafter machen sollten. Eines der Großevents war das Internationale Theaterfestival: Bereits zum 23. Mal lud das Mezinárodní Festival Divadlo ausgewählte Inszenierungen aus dem In- und Ausland ein. Und um den Titel standesgemäß zu feiern, wurde die diesjährige Edition als groß angelegter Theatermarathon veranstaltet, der eine beachtliche Bandbreite bot: kleinere, avantgardistische Inszenierungen reihten sich neben internationalen Festivalrennern wie dem von der Berliner Schaubühne kommenden „Volksfeind“ (Regie Thomas Ostermeier) ein. Während des fünftägigen Hauptprogramms pendelten die Besucher zwischen vier Theatern, der zum alternativen Hotspot umgebauten Industriehalle Depo 2015 und einem Zirkuszelt hin und her, um 18 Inszenierungen zu besuchen. Als Eröffnungsinszenierung wurde Kornél Mundruczós Bearbeitung von Johann Strauss’ „Die Fledermaus“ gewählt: keine Galastimmung, sondern Silvesterfeier im Hospiz. Keine Opernsänger, sondern ein Dirigent, der den Akteuren vom Bühnenrand aus zaghaftes Seufzen, Atmen und Röcheln vorgab, was das Motiv der Inszenierung, die Frage nach der moralischen Vertretbarkeit und Kapitalgewinnung von Sterbehilfe, noch einmal apostrophierte. Skutr forderte das Publikum gleich zweimal heraus. Martin Kukucka und Lukáš Trpišovský, die das Regieduo bilden, zeigten nicht nur ihre Inszenierung von „Eugen...

Das Mezinárodní Festival Divadlo feiert Pilsen als Kulturhauptstadt Europas 2015 – die Mobile Academy schleust eine Woche später noch die Natur ins Programm

Insel der Seligen

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Von Armin Holz sind keine Durchschnittsarbeiten zu erwarten. Der 53-jährige, nur in losen zeitlichen Abständen tätig werdende Regisseur aus Krefeld hegt einen ganz eigenen Traum vom Theater. Es solle der Festlichkeit, der Magie, dem gesteigerten Empfinden dienen. Inszenieren sei „ein zärtliches Gefühl“, wie er es in einem Essay formuliert hat, abgedruckt im Theater der Zeit-Arbeitsbuch von 1998. An den Kammerspielen des Linzer Landestheaters hat Holz nun ebenfalls etwas Außerordentliches gemacht: Er hat drei Stücke aus jeweils verschiedenen Genres ausgewählt, die das gleiche Thema verhandeln: unglückliche Familien. Die Konzeption klingt verführerisch, zumal sich in der daraus erfolgenden Gegenüberstellung verschiedene Sprachen, Tempi und Atmosphären konturenschärfend aneinander reiben können. Fast meint man, das hat sich René Pollesch ausgedacht. Armin Holz kombiniert Henrik Ibsens „Gespenster“ mit Virginia Woolfs Roman „Mrs. Dalloway“ sowie der Operette „Viktoria und ihr Husar“ von Paul Abraham. Das Triptychon mit dem Titel „Familienfeste (1+2+3)“, das auch in Einzelteilen gezeigt wird, hätte unter diesen besonderen Bedingungen ein Coup werden können. Doch der Abend verliert sich im kunstgewerblichen Getriebe, die geplante Strecke war zu lang, viele Brücken fehlten. Aber Anne Bennent, mit sämtlichen weiblichen Hauptrollen betraut, zieht mit ihrer formstrengen Art der Darstellung dennoch in den Bann. Der Gedanke, dass die...

Landestheater Linz: „Familienfeste (1+2+3). Gespenster & Mrs. Dalloway & Viktoria und ihr Husar“ von Henrik Ibsen, Virginia Woolf und Paul Abraham. Regie Armin Holz, Ausstattung Armin Holz und Michael

Linz: Leblose Welt

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

HEIMAT IMPRO (Alle Performenden unterhalten sich darüber, was für sie persönlich Heimat bedeutet, und was sie mit dem Begriff verbinden.) heimat – was ist das für dich? wo fühlst du dich zuhause? was ist das besondere an dem ort, an dem du aufgewachsen bist? was macht den aus? was hat dich da gestört? kannst du mir diesen ort beschreiben? kannst du mal deinen vater beschreiben? wo hast du dich sicher gefühlt? wenn du heute an den ort kommst, wo du groß geworden bist, fühlst du dich da immer noch wohl? ist eine beziehung eine heimat? war deine letzte beziehung deine heimat? dein zuhause? wenn du einen film drehen würdest mit dem titel DIE EHE MEINER ELTERN wie würde der film aussehen? willst du eine familie gründen? ist das dann eine heimat für dich? oder was ist das? ist heimat überhaupt an einen ort gebunden, ist es ein gefühl, eine erinnerung, ein geruch, ein geschmack, ein geräusch, ein bild, eine reihe von ereignissen, ein vages gefühl, dass alles überschaubar ist, nichts dich verwirrt, du den überblick behältst, KEINE ANGST hast ? was ist das für dich ganz persönlich: heimat? hast du das mal gehabt und jetzt ist es weggebrochen? suchst du...

FEAR

Warum Theater,

Vor ziemlich genau zwanzig Jahren starb der französische Philosoph Gilles Deleuze, und wenn sein vielfältiges Denken auch stärker Kino, Malerei und Literatur galt als dem Theater, so hat er diesem doch einen Text gewidmet, an den hier kurz erinnert sei. „Ein Manifest weniger“ heißt die kurze Schrift, die ein Porträt des italienischen Regisseurs und Schauspielers Carmelo Bene gibt und speziell dessen Shakespeare-Arbeiten als chirurgische Versuchsreihe zeichnet: Bene entfernte die organisierenden Zentren der Stücke, um zu untersuchen, was dann mit ihren Dramaturgien geschieht. Wenn man etwa „Romeo amputiert“, so Deleuze, „wird man Zeuge einer erstaunlichen Entwicklung, der Entwicklung Mercuzios, der in Shakespeares Stück nur als Möglichkeit angelegt war“. Es handelt sich also um eine Subtraktion, die zugleich „eine neue Potentialität des Theaters freisetzt, eine nicht-repräsentative Kraft, die immer im Ungleichgewicht sein wird“ – und die im Übrigen „mehr Liebe zu Shakespeare mitbringt“ als alle Gegner des seinerzeit als Zerstörer angeblich „realistischen“ Schauspielertheaters beschimpften Avantgardisten Bene. Deleuze spricht Benes Verfahren ästhetische Bedeutung zu, aber auch institutionelle und politische – schließlich geht es um die Subtraktion der zentrierenden Elemente eines Gefüges. An dieser Einschätzung aber ist nichts zurückzunehmen. Im Gegenteil: Gerade heute, da sich Stimmen mehren, die die althergebrachten Hierarchien (und Ästhetiken) der...

Nomadentum, zwanzig Jahre nach Deleuze

kirschs kontexte: Von der Kraft der Subtraktion

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Zu seinen besten Zeiten war Dialog Wrocław das aufregendste Theaterfestival in Europa. Nirgendwo sonst gab es eine so klug zusammengestellte, handverlesene Auswahl internationaler Produktionen wie alle zwei Jahre in Breslau. Nirgendwo sonst wurde so leidenschaftlich über Theater, Gesellschaft, Ästhetik und Widerstand diskutiert, nirgendwo sonst war das Publikum so sachkundig und offen, begeisterungsfähig und kritisch. Altmeister und Avantgarde verbrüderschwesterten sich, schwärmten füreinander oder schieden als Todfeinde. Es war jahrelang mein Lieblingsfestival. 2001 von Krystyna Meissner gegründet, fand das Festival insgesamt acht Mal unter ihrer Leitung statt, zuletzt etwas unausgewogen. Aber diesmal bewies die inzwischen hochbetagte „Iron Lady of Polish Theatre“ allen Freunden und Feinden noch einmal, wie gut sie es immer noch kann (2017 wird ihr Mitarbeiter Tomasz Kirenczuk die Nachfolge antreten). Zum Abschied wurde ihr unter Standing Ovations die Gloria-Artis-Medaille in Gold verliehen, Polens höchste Auszeichnung für Künstler. Schon im Jahr zuvor hatte sie in Weimar die Goethe-Medaille erhalten für ihre Verdienste beim „deutsch-polnischen Kulturtransfer“. Die elf Aufführungen aus sieben Ländern stehen unter dem Motto „Welt ohne Gott“, das fürs heutige Polen durchaus provokativ ist und deshalb vorsichtshalber mit einem Fragezeichen versehen wurde. Árpád Schilling, der furiose Theatererneuerer aus Ungarn, will angesichts des schleichenden Faschismus in seiner Heimat nicht mehr...

Das Dialog-Festival, letztmals kuratiert von Krystyna Meissner, versammelt Altmeister und Avantgarde im polnischen Wroc³aw

Gute Manieren, böse Gedanken

TdZ on Tour

Inmitten der Spielfläche wächst ein riesiger Baum in den Bühnenhimmel. Als wäre er einst als winziger Spross durch den Bretterboden getrieben. Ein Einbruch der Natur in den Kulturtempel Theater. Artus’ Tafelrittern steht dieser Baum gehörig im Weg. Der Tisch, an den sie der mythische König (und zugleich Erfinder der modernen Roundtable-Debattenkultur) gebeten hat, legt sich als Kreis einmal rund um den mächtigen Stamm, der sich damit als Kommunikationshindernis erweist: Ein Teil der Diskutanten kann sich gegenseitig weder hören noch sehen, Informationen müssen daher per Flüsterpost weitergegeben werden. Aber auch sonst kommt den Recken immer wieder die eigene Triebnatur in die Quere. Artus, Sir Lancelot und Königin Ginevra beispielsweise verlieren sich im hehren Streben nach der Wahrheit (versinnbildlicht in der Gralssuche) lust- und eifersuchtsgesteuert in einem banalen Beziehungsdreieck. Zur Eröffnung der Intendanz von Iris Laufenberg am Schauspielhaus Graz hat Jan-Christoph Gockel „Merlin oder Das wüste Land“ inszeniert, Tankred Dorsts 97 Szenen umfassendes Welttheater. Geschätzte 15 Stunden, heißt es, würde eine komplette Aufführung dauern. Eine Menge Holz. Gockel hat den Wald gelichtet, ohne die buntesten Blüten von Dorsts Phantasie zu kappen. Die Inszenierung ist ein klares Bekenntnis zum szenischen Wildwuchs. Es gibt Lautes und Leises, heiligen Ernst und heillosen Klamauk, Popsongs, Pathos...

Mit einem Fokus auf neuer Dramatik widmet sich Neu-Intendantin Iris Laufenberg am Schauspielhaus Graz dem wüsten Leben einer entwurzelten Menschheit

Artus’ Apokalypse

Meldungen

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Seltsam, dass wir uns gerade im Café Paula in der Gerhart-Hauptmann-Straße treffen. Der Straßenname klingt schon mal so, als ob die Rostocker Sinn für Kultur hätten. Aber ob das so ist, scheint im Moment gerade sehr die Frage. Ich bin mit dem Rostocker Volkstheater aufgewachsen, in der Zeit, als es vom Potentaten Hanns Anselm Perten geführt wurde. Von selbigem schrieb Heiner Müller: „Perten war ein übler Typ, ein Paranoiker und Intrigant, aber für Peter Weiss und auch für Hochhuth eine Art Vater. Sie wurden hofiert von ihm und er hatte den reichsten, den vielfältigsten Spielplan. Die Aufführungen waren das Letzte.“ Dass das so war, bestreiten nicht wenige Rostocker. Aber darüber kann ich mit Inga Wolff schon mal nicht reden. Denn sie ist zwar in Warnemünde und Rostock aufgewachsen, aber im Volkstheater ist sie nie gewesen. Oder vielleicht doch, einmal zum Weihnachtsmärchen, so genau weiß sie das nicht mehr. Schon seltsam, dass es nach kaum einer Spielzeit von Sewan Latchinian am Volkstheater fast keine Inszenierung gibt, bei der sie nicht mitspielt – und noch in Nebenrollen herausragt: „Ingrid Babendererde“, „Der Geizige“, „Wie im Himmel“, „Stella“, „Nathan der Weise“, „Szenen einer Ehe“ und seit kurzem auch in „Ein Volksfeind“. Weil es dort...

Als die Schauspielerin Inga Wolff nach Rostock kam, war klar: Dies ist der seltene Fall, da das Natürliche auf besondere Weise artistisch wirkt

Die Reifeprüfung

Kennengelernt habe ich Alexander Weigel vor über 30 Jahren. Ich war Student der Theaterwissenschaften und konnte am Deutschen Theater an der Inszenierung „Yerma“ als Assistent mitarbeiten. Weigel war der Dramaturg. Ich war fleißig, interessiert und ehrgeizig, wir mochten uns. Deshalb folgte die Mitarbeit an einer Expressionismus-Matinee, bevor 1987 bei Müllers „Lohndrücker“-Inszenierung unsere erste intensive Zusammenarbeit begann. Was mir auffiel, war die ungeheure Genauigkeit, mit der er arbeitete, die auch etwas mit dem Zeitreservoir der DDR zu tun hatte – der Wechsel auf die Zukunft war noch nicht fällig geworden. Weigel war der Archäologe, der sich geduldig durch die Archive und Bücher wühlte. Für ihn hatten alte Akten „etwas Erotisches, man konnte immer etwas Interessantes finden“. Die Arbeit hatte scheinbar etwas Zielloses – es war wie früher in einem Antiquariat –, man suchte nicht, sondern fand. Es war auch ein kriminalistischer Ehrgeiz dabei und die Suche nach einer Realität jenseits des manchmal aufgeblasenen Theaterbetriebs. Dabei war Weigel immer an den gesellschaftlichen, für ihn geschichtlichen Umständen von Theater interessiert. Er setzte die Stoffe, die Figuren in Beziehung zur jeweiligen geschichtlichen Situation. Als ich ihn in Vorbereitung einer Inszenierung von „Amphitryon“ besuchte, verwies er auf die Zeit, in der sein Lieblingsdichter Kleist das...

Der Dramaturg Alexander Weigel wird achtzig

Lob der Langsamkeit

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Brest, 13.09.2015 Die Reisevorbereitungen waren kompliziert, das Visum erhielt ich erst gestern. Mein Theaterwahlprogramm ging mit einem grauenhaften Gastspiel des Akademischen Russischen Theaters aus Tbilissi los. „Pferde“, nach einer Erzählung Lew Tolstois. Die Geschichte eines alten Hengstes kurz vor seiner Schlachtung wird in Rückblenden erzählt. Freud und Leid, Liebe und Hass unter Pferden, gespiegelt durch den alten Hengst. Die Menschen sind versoffen und korrupt. Die Akteure, stets operettenhaft auf der Rampe spazierend, interessieren sich wenig für Partnerbeziehungen. Das Schlimmste aber ist die durchgehend komponierte Musik. Viele Geigen und Posaunen, Versatzstücke für eine poetisch gemeinte Handlung. Um 21 Uhr sah ich auf der Kammerbühne Wsewolod Chubenko aus Wologda mit „Kysia – bestiary of modern times“. Er zeigt die Geschichte eines Katers im Petersburger Gangstermilieu. In rasender Sprechtechnik erzählt er von widerlichen Typen aus der neuen Oligarchenkaste, er kennt all ihre schmutzigen Geheimnisse. Eine zerfledderte Hängematte ist sein einziges Requisit. Chubenko ist ein Artist der Sprache und der blitzschnellen Aktionen. Der Monolog dauert 100 Minuten, eine an ein Wunder grenzende Schau. 15.09.2015 Gestern waren wir auf der ehemaligen Brester Festung. Ein riesiges Monument aus der Sowjetzeit. Der Betonheldenkopf eines Rotarmisten ist ca. 15 Meter hoch. Die Festung Brest hielt im Sommer 1941...

Das 20. Internationale Theaterfestival Belaja Wescha im weißrussischen Brest. Ein Reisetagebuch

Puppen der Mächtigen

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Theater ist langweilig. Performance beliebig. Und andersrum. Es geht um Mimesis, geniale Sinnstiftung, Repräsentation und (Welt-)Interpretation, meistens durch lineare Geschichten und Wahrnehmungsweisen aus der Dunkelkammer. Oder es geht um Spielarten und Projekte, die bloß authentisch sein und gleichzeitig das Authentischsein infrage stellen wollen. In den performativen Projekten sehen wir dann nur Auflösung, Distanziertheit, zu viel davon wird auch Coolness genannt, Ohnmacht und Selbstreferenz, das Ganze unter dem Diktat einer Liveness-Kultur, die ahistorisch und antiutopisch zugleich ist.“ Das sind Zitatfragmente, man hört sie oft, hier und da, so oder anders, auch im kanadischen Toronto beim Festival Summer-Works. Theater- und Performanceschaffende unterstellen sich immer wieder gegenseitige Komplizenschaft mit diesem und jenem restriktiven Denk- oder Wirkungssystem. Und sie versuchen immerfort zu beschreiben, was und wie das Theater/die darstellende Kunst sein kann oder soll: dringlich, sinnlich, poetisch, partizipatorisch, politisch, magisch, zugänglich, realitätsbezogen, kritisch, utopisch, unterhaltend und so weiter. Auch wenn solche Streitigkeiten oft fruchtbar sein können, gibt es andere, dringlichere Dinge, die viele Theaterschaffende beschäftigen: zum Beispiel die dubiosen Tendenzen, Theater als Handelsware und – die in Toronto ohnehin nicht besonders ausgeprägte – öffentliche Theaterförderung als Verhandlungsmasse zu sehen. Theater ist die Kunst des Bezugs: Es kann dabei sowohl um die Intensivierung als auch...

Das interdisziplinäre Festival SummerWorks in Toronto feiert Kunst als Raum des Miteinanders

Viele Splitter Wahrheit

Jetzt ist alles politisch

Herr Yildiz, nach Ihrem Vorwurf an Ruhrtriennale-Intendant Johan Simons, er suche mit seinem „Accattone“ in Dinslaken bloß nach dem Spektakel, hat es einige Vermittlungsversuche gegeben: Diskussionen, öffentliche Proben, ein großes Gespräch in der Welt. Sind Sie jetzt befriedet? Nein, natürlich nicht. Johan Simons hat versprochen, im dritten Jahr wiederzukommen. Aber meine Kritik an der Kunst bleibt bestehen. Sie ist die letzte Bastion der Freiheit. Nur hat sie sich im Laufe der letzten vierzig, fünfzig Jahre zur Mätresse des Systems gemacht. Ich finde das grausam, das einfach so herzugeben. Vielleicht bräuchte es tatsächlich eine Wiedergeburt der Situationistischen Internationale. Darüber denke ich ernsthaft nach. Zumindest eine Kunst mit einem grundsätzlicheren Widerstand. Haben Sie diesen Moment des Widerständigen im Theater in letzter Zeit mal erlebt? Im Grunde sind viele Theaterstücke erst mal gegen das System. Aber sie sind gefangen, wie die Ruhrtriennale: im Business. Der Kern des Problems ist, das fehlende Element zu finden, the missing link. Warum ist letztlich auch die Situationistische Internationale untergegangen? Sie machte Kunst, kritisierte das System, den Wirtschaftsliberalismus, was Simons mit „Accattone“ ja auch tut, aber es fehlte das wichtigste Element: die Brücke zum Proletariat, zu den Menschen. Man redet über sie, aber nicht mit ihnen....

Was macht das Theater, Eyüp Yildiz?

Alexander Kluge, „Kongs große Stunde. Chronik des Zusammenhangs“ lautet der Titel Ihres neuesten Buches; wie verhält sich diese Chronik zu Ihrem 2004 erschienenen Opus magnum „Chronik der Gefühle“? Die „Chronik des Zusammenhangs“ erzählt das, was mir in der „Chronik der Gefühle“ fehlte, die objektive Seite der Geschichte, weniger die subjektive. Ich bin 1932 geboren und empfinde sehr lebhaft, wie rasch doch in nicht-geologischen Zeitmaßen sehr massive Änderungen erfolgen. „Kongs große Stunde“ ist der Titel der letzten Geschichte des letzten Buches „Das Bohren harter Bretter“. Die Geschichte betrifft die Unverwüstlichkeit des Politischen und bezieht sich auf jenen Affen, der für Zirkuszwecke in einem Schiffskerker von Afrika nach Amerika transportiert wird. Das ist kein Affe für mich, sondern das ist ein spirituelles Wesen. Es verkörpert das Prinzip der „wilden Verlässlichkeit“, und das ist der Kern meines Buches. Die Existenz des blauen Planeten und von uns Menschen beruht auf so großen Unwahrscheinlichkeiten, dass wir sagen können, in einer solchen Masse von vorangegangenen Zufällen (wie der Evolution) können auch ein paar Rettungsanker versteckt sein. Es gibt nicht nur den Engel der Geschichte, den Walter Benjamin beschreibt und der mit Blick auf die Schrecken der Vergangenheit rückwärts in die Zukunft geweht wird, sondern in den...

Umwege zum Realismus. Alexander Kluge im Gespräch mit Nicole Gronemeyer

Tschukowskis Telefon

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Frank Castorfs „Die Brüder Karamasow“ sind aus der Sargfabrik bei den Wiener Festwochen nach Hause gekommen – in der noch von Bert Neumann umgestalteten Volksbühne samt Sitzsäcken auf asphaltiertem Parkett. Mit Blick auf ein dunkles russisches Holzhaus auf der Bühne und etlichen Neben- und Außenräumen, inklusive Sauna, fürs Live-Video von Andreas Deinert und Jens Crull. Die sechsstündige Inszenierung ist der siebte Dostojewski Castorfs, und der Roman selbst ist praktisch auch die Summe des russischen Erzählers mit seinen Themen zwischen Ost und West, Freiheit und Orthodoxie, Liebe und Chaos. Der erste Teil fungiert als überlange, zweieinhalb Stunden dauernde, dabei aber klare Exposition zu den Figuren und der ja an sich nicht so üppigen Handlung um einen Vatermord in der russischen Provinz. Hendrik Arnst, Castorf-Partisan schon in Anklamer Zeiten, spielt diesen Vater Fjodor Pawlowitsch als gehetzten Lebemann, der die Söhne Dmitri (Marc Hosemann), Iwan (Alexander Scheer) und den ganz untypisch, wie einen drallen Bacchus beleibten Alexej (Daniel Zillmann) sowie seinen illegitimen Sohn Smerdjakow als Diener (Sophie Rois) auf Abstand hält. Betriebsam wird das erst durch die darum gruppierten Frauen – Kathrin Angerer als begehrte Gruschenka, Lilith Stangenberg als Katerina Iwanowna und Margarita Breitkreiz als Lisweta Smerdjastschaja. Jeanne Balibar verkörpert, mit schütterem Haar...

Volksbühne: „Die Brüder Karamasow“ nach Fjodor M. Dostojewski. Regie Frank Castorf, Ausstattung Bert Neumann

Berlin: Prinzip Nadryw

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Was folgt

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Magisch und anders

Ein Dezemberabend im Jahre 2003. Im Stuttgarter Off-Theater tri-bühne trat ein freundlicher, leiser, weißhaariger Mann Mitte fünfzig vors Publikum und stellte sich in entwaffnender Kürze vor: „I’m a storyteller.“ Er sprach von ertrunkenen Flüchtlingen im Mittelmeer, von Menschenhandelsopfern in Rotterdamer Containern, vom Hass, der vielen Immigranten hier entgegenschlägt: „I don’t want this kind of Europe!“ Der Mann, der da redete, war Henning Mankell, dessen Wallander-Krimis Millionenauflagen erzielen. Er erzählte von seiner Liebe zum Theater, zu Afrika und zum Teatro Avenida in Maputo (Mosambik), das er seit 1986 gemeinsam mit der Gründerin Manuela Soeiro aufgebaut und weiterentwickelt hatte. Wallander? Die Krimis sind erst ab 1989 entstanden – großteils in Afrika. Im Oktober 2015 ist Henning Mankell, der ein Leben lang dem Theater verpflichtet blieb, mit 67 Jahren in Göteborg an Lungenkrebs gestorben. 2003, an jenem Dezemberabend, hörten viele Zuschauer zum ersten Mal, dass es neben dem allseits gehypten Bestsellerautor noch einen anderen, weniger bekannten Mankell gab, dessen Herz fürs Theater schlug. Ein afrikanisch-deutsches Ensemble bestritt damals die Uraufführung seines Stücks „Dunkles Brot und tote Blumen“. Eine knapp 90-minütige Studie, die um den Fall des 2000 in Dessau von Rechtsradikalen ermordeten Mosambikaners Alberto Adriano kreist. Kein engmaschiges Dokumentartheater, nein. Mankell weitet den...

Zum Tod von Henning Mankell

Ein Fuß im Schnee, der andere im Sand

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Aus dem Theaterstück, das er schreiben wollte, wurde nichts. Und so war er nie wieder versucht, Szenen zu skizzieren. Juan Carlos Onetti, er lebte von 1909 bis 1994, ist ein immer noch eher geheimer Star der lateinamerikanischen Literatur, ein Großerzähler mit hohem Gespür für Rhythmus, einer, dem du folgst wie hypnotisiert, wo immer er sich hinbewegt. Als er als Juror kritische Prosa auszeichnete, hatte die Diktatur in Uruguay genug von ihm und hielt ihn ein paar Wochen im Irrenhaus gefangen. 1975 ging er nach Spanien ins Exil. Hier bekam er vom König den Cervantes-Preis überreicht, ohne dass er Lust gehabt hätte, am königlichen Festessen teilzunehmen. Er stahl sich davon. An der Rehwiese in Berlin-Nikolassee, also bei Ulla Unseld-Berkéwicz, feiert der Suhrkamp Verlag Onettis „Gesammelte Werke“, alle fünf Bände. Ich schüttele der Verlegerin die Hand und sag, wer ich bin. Ich weiß, gibt sie zur Antwort. (Kann nicht sein. Ist aber nett gesagt.) Ehe sie anfangen mit ihren Onetti-Lesungen, Durs Grünbein, Lutz Seiler und Marcel Beyer, steh ich finster herum wie immer, wenn ich es mit größerer Gesellschaft zu tun bekomme. Sibylle Lewitscharoff hab ich schon gesehen und Volker Braun und Thomas Meinecke auch. Jede Minute werden es mehr. Und weil...

Der Suhrkamp Verlag feiert lateinamerikanische Literatur

Eine Nacht für Onetti (ist nicht genug)

Vor fünf Jahren starb Christoph Schlingensief. Vor kurzem erhielt er postum, vor allem für sein filmisches Schaffen, den Konrad-Wolf-Preis der Berliner Akademie der Künste. Georg Seeßlen leitete seine Laudatio mit den Worten ein, dass der Preis an einen Menschen gehe, der schon gestorben sei, dessen Werk aber lebe. Das vielleicht gerade erst anfange, richtig zu leben. – Film, Theater, Oper, Installation, das war bei Schlingensief alles irgendwie auch ineinander verschränkt. Dass neben den regulären Filmen seine vergänglichen Arbeiten für die Nachwelt als Dokumentation zugänglich bleiben, darum hat sich besonders die Filmgalerie 451 mit ihrer exzellenten DVD-Edition verdient gemacht. Rund 40 Stunden Material stecken in den jüngst erschienenen sechs Boxen. Angefangen mit dem noch dem Frühwerk zuzurechnenden Film „Mutters Maske“ (1988) bis hin zur letzten Inszenierung „Via Intolleranza II“ kurz vor dem Tod. Dazwischen liegt der als reisende Installation seinerzeit Neuland befahrende „Animatograph“ (2005), der in den Versionen aus Neuhardenberg und Reykjavík vorgestellt wird, kommentiert von Jörg von der Horst und in einem schönen Gespräch zwischen Schlingensief und Alexander Kluge noch mal beleuchtet. Das Booklet ist auch fabelhaft gemacht – und man möchte einfach nur „Danke schön!“ rufen. Besonders reichhaltig fällt das Material zur Volksbühnen-Produktion „Atta Atta – Die Kunst ist...

Christoph Schlingensief Edition (2015)

Danke schön!

Wieder beginnt ein Editorial in diesem Heft mit einem großen Unbehagen. Wieder fallen die Wörter Paris und Terror. Und wieder fühlt man sich den Ereignissen sehr nah. Bei den Attentaten am 13. November 2015 wurden Menschen getötet, die im Konzert waren, zum Sport gingen, im Café saßen, so wie man eben auch ins Theater geht, in die Oper, ins Tanzhaus. Die Auswirkungen der Anschläge lassen sich täglich aus den Medien...

Editorial

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Holger Bülow sieht, wenn er sich verbeugt, immer ein bisschen überrascht aus. Als würde er sich wundern, dass die Leute klatschen. Neulich, es war nach einer Vorstellung von „Supergute Tage“ (Regie Stefan Otteni), da wollte das Potsdamer Publikum gar nicht mehr aufhören mit dem Klatschen. Und Holger Bülow freute sich, als erlebte er es zum ersten Mal. Dabei war es die 14. Vorstellung. Seit seinem Engagement am Hans Otto Theater 2009, Holger Bülows zweite Station nach dem Auftakt in Hannover, spielt er große und ganz große Rollen. In „Der Turm“, der Inszenierung, mit der Intendant Tobias Wellemeyer sich nach einem zähen Beginn 2010 endlich das Potsdamer Publikum erwärmte, war Holger Bülow Christian. Zweifelnd, selbstzweifelnd, folgsam, ohne folgen zu wollen. Bürgersöhnchen, Soldat und Chronist. Er trägt den Abend, aus seiner Perspektive wird das epischdüstere Märchen, als das Uwe Tellkamp die DDR beschreibt, erzählt. Holger Bülow blieb in Potsdam der gute Junge (den Christian spielt er immer noch) und wurde zugleich zu dessen Kehrseite, zum mal spitzbübischen, mal abgründigen Bösewicht. Er war Volpones gehässiger Widerpart Mosca (Regie Tobias Wellemeyer), war Dennis Kellys diabolisch-banaler Gorge Mastromas und 2014 dann, konsequent, Mephisto (Regie Alexander Nerlich). Geschmeidig, verführerisch, einer unter eiskaltem Strom. Einer, der Silben...

Großer Junge und diabolischer Verführer: Der Potsdamer Schauspieler Holger Bülow

Unter eiskaltem Strom

Derman sendedir

Die Stress-Knoten auflösen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

„Hideous (wo)men“, ein Kunstwerk des digitalen Zeitalters, von Bianca van der Schoot, Suzan Boogaerdt und Susanne Kennedy

Zwischen Cyborg und Darling

Falk, deine jüngsten Theatertexte setzen sich mit Identität in der Spätmoderne auseinander – vielmehr mit Identitätskrisen. Was macht Identität so fragil? Identität wird im Moment immer komplexer, und es gibt viele Möglichkeiten, worauf man sich bei der Identitätskonstruktion beziehen kann. Klassische identitätsstiftende Kategorien wie Nation, Religion oder auch das Geschlecht geraten in eine Krise, weil sich die Nationen auflösen. Es gibt kein wirkliches Verhältnis mehr zum eigenen Nationalstaat. Wir leben in einer globalisierten Kultur. Klassische Familienbilder werden erweitert und angereichert durch neue Konzepte. Identität wird immer ausdifferenzierter und komplexer, wie die Welt auch immer komplexer wird. In deinem aktuellen Projekt „FEAR“ gehst du der Angst vor einem nationalen Identitätsverlust, wie er sich gegenwärtig an der Pegida-Bewegung, dem NSU-Terror und der AfD abzeichnet, auf den Grund. Wie hast du dich künstlerisch den neuen Gesellschaftsängsten angenähert, und was ist das überhaupt für eine Angst, die die Menschen umtreibt? Ich habe zunächst eine Recherche mit meinem Team gemacht und dann die Reden, die Art zu denken und die Rhetorik führender Personen dieser neuen rechtsnationalen Bewegungen analysiert. Man sieht, dass die Führungsköpfe regelrecht verhetzen, gezielt Fehlinformationen streuen oder mit rassistischen und homophoben Standards arbeiten. Es sind Angstbilder, die über Hass-Sprech gesät werden...

Der Autor Falk Richter über Rechtspopulismus, Gesellschaftsängste und sein aktuelles Stück „FEAR“ im Gespräch mit Daniel Richter

Psychogramm des Unbehagens

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Friedrich Engels aß gern Krabbensalat. Er mochte die Frauen, lebte in Manchester in wilder Bigamie mit zwei Schwestern, irischen Arbeitertöchtern, zusammen. Auf der einen Seite also die tolle Lebenslust, auf der anderen das große publizistische Talent, das er in die lebenslange Zusammenarbeit mit Karl Marx einbrachte. Der Trierer Journalist und der Barmer Fabrikantensohn hatten sich 1844 kennengelernt, Engels war damals 24 Jahre alt, Marx zwei Jahre älter. Den Anschauungsunterricht für seine politische Theorie genoss Engels in den Firmen des eigenen Vaters. „Die glühendsten Gläubigen“, so tönte der Baumwollfabrikant in schönster Bigotterie, „sind zugleich die erfolgreichsten Geschäftsleute.“ Die in Manchester ansässige Firma Ermen &amp; Engels, in die der Junior 1842 als junger Kaufmann eintrat, gehörte sozusagen zur Engels Group. Das soziale Elend der Arbeiter (Kinder eingeschlossen) war hier vielleicht noch ausgeprägter als im heimischen Wuppertal. Der Generationskonflikt zwischen Vater und Sohn war der übliche; der Senior verstand sich als innovativ und wollte von den politischen Aktivitäten des Juniors nichts wissen. Der aber veränderte, zusammen mit seinem Freund und Partner Marx, die halbe Welt. Das derzeitige Wuppertaler Theater liegt gleich hinterm Engels-Haus (am Engelsgarten). Es lag also mehr als nah, sich mit der Biografie des berühmtesten Sohns der Stadt auch einmal szenisch...

Theater am Engelsgarten: „Engels & Friends“ von Michael Wallner. Regie Michael Wallner, Bühne Heinz Hauser, Kostüme Tanja Liebermann

Wuppertal: Krabbensalat und Konsorten

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Open Table: All in

Autoren Dezember 2015/Vorschau

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

High Noon. Die Stunde der Wahrheit. Über der Steppe von Mülheim glimmt eine fahle Sonne. Zwei finstere Gestalten gehen im Zwielicht in Position. Gleich wird er fallen, der erste Satz dieses Abends – doch plötzlich schießt ein anderes Geräusch quer durch den Raum. Der Ruf eines Muezzins, zum Gebet, zum Gebet! Lange Gesichter, der Auftritt ist versaut. „Mathilde, meine Schwester“, hatte Adrien eigentlich rufen wollen. „Du bist also wieder zurück in unserer guten alten Stadt.“ Aber daraus wird erst mal nichts. Die „gute alte Stadt“ wird übertönt. „Hinter dieser Mauer“, wird Adrien seinem Sohn später verschwörerisch zuraunen, „beginnt der Dschungel (…) Die Welt ist hier (…) sonst gibt es nichts zu sehen.“ Hier. Das ist in Bernard-Marie Koltès’ „Rückkehr in die Wüste“ die französische Provinz. Metz vielleicht, diese ehemalige Festungsstadt im nordfranzösischen Lothringen, in der Koltès 1948 als Sohn eines Offiziers geboren wurde und in der selbst der Bahnhof wie eine Kirche aussieht, von der großen Kathedrale im Zentrum ganz zu schweigen. 2014 gewann hier trotz sozialistischer Regierung der Front National bei den Kommunalwahlen in der ersten Runde fast 21 Prozent. Hier – das könnte in Roberto Ciullis Inszenierung aber auch, ja, hier sein: Mülheim, keine Festung, dafür mit Eigenheimen,...

Das Theater an der Ruhr in Mülheim war schon immer ein Kreuzungspunkt der Kulturen – nun wird es wichtiger denn je

Stimmen der Wüste

„Is my future all in the past“

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Es gibt schnell und langsam produzierte Medien und Formate. Je schneller etwas kreiert wird, umso stärker neigt der Prozess zum Gebrauch von Formen des Typischen, Schablonenhaften und Verallgemeinernden. In der Fernsehbranche sind die Soaps das Fast Food unter den TV-Formaten – schnell und nach erprobten Standards produziert und dicht dran am Lebensjetzt der Konsumenten. Sie beruhen auf Typen, Mustern und Missverständnissen. Langsam hingegen ist ihr Erzähltempo, ihre Erzählung ist endlos: Sie laufen auf nichts zu und hören nie auf. Soaps wollen, dass wir eine Art Fernsehfreundschaft mit ihren Darstellern schließen. Es sind die kleinen Kalamitäten des Lebens, die in diesen Dauerserien, die zum Teil täglich ausgestrahlt werden, über eine lange Zeit betrachtet werden und ein seltsames Vertrautwerden mit Figuren bewirken, deren Studioheimat als künstlicher Ort immer spürbar bleibt. „Hideous (wo)men“ begreift und zeigt diese Soapfiguren als Form. Die Regisseurinnen Bianca van der Schoot, Suzan Boogaerdt und Susanne Kennedy sowie Ausstatterin Katrin Bombe schauen auf die Welt der Soaps ungefähr so wie Andy Warhol auf Campbells Suppendosen; und sie machen sie auf. Es ist schwer zu sagen, ob „Hideous (wo)men“ ein Stück oder eine Aufführung oder eine Ausstellung ist. In jedem Fall sind hier die Erzählebenen der darstellerischen Spielweise, des...

„Hideous (wo)men“

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Am Anfang stand noch die Irritation. Wer sich in der zweiten Oktoberwoche im Kreuzberger Theater im Aufbau Haus zu diesem Treffen der freien Schauspieler, Performer, Regisseure, Choreografen, Tänzer, Theatermusiker, Bühnen- und Kostümbildner sowie der theateraffinen Programmierer registrieren wollte, musste auch eine Rubrik mit der Bezeichnung „Institution“ ausfüllen. Ausgerechnet bei den freien darstellenden Künsten! Man kann dies als Indiz für deren weitere Institutionalisierung nehmen. Julian Kamphausen, Leiter des Branchentreffs, erklärt: „Wir wollten eine möglichst neutrale Bezeichnung wählen, die alle Organisationsformen einschließt.“ So landete man wieder bei diesem einstmals viel geschmähten Begriff. Pragmatisch setzten manche Teilnehmer ihren eigenen Namen als Institution ein. Andere trugen ihr Lieblingslabel oder ihren Hauptproduktionsort ein. Wieder andere ließen das Feld frei oder schrieben, ganz korrekt, „frei“ hinein. Die meisten der Teilnehmenden empfanden die drei Tage im Kreativareal des Aufbau Hauses wohl als einen Stimulus. Großen Anteil daran hatte das dieses Mal hochkarätige Seminarprogramm. Die Berliner Migrationsforscherin Naika Foroutan stellte Wahrnehmungsnarrative von Migranten und Biodeutschen vor, die kennen sollte, wer Kultur und Kunst in den Dienst von Integration stellen will. Der Hildesheimer Kulturwissenschaftler Thomas Renz machte in seinem Vortrag über „Nichtbesucherforschung“ auf die große Menge der Menschen aufmerksam, die niemals (etwa 50 % der Bevölkerung) oder nur gelegentlich...

Der Berliner LAFT – Landesverband freie darstellende Künste e.V. beweist beim 3. Branchentreff seine Qualitäten als Netzwerk

Popband oder Flashmob?

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Gern zitiert Faustin Linyekula den senegalesischen Bildhauer Ousmane Sow, der erklärte: „Ich bin Afrikaner, ich bin Künstler, aber ich bin kein afrikanischer Künstler.“ Will sagen: Nehmt uns als Künstler ernst, statt uns in der Ethno-Ecke zu hätscheln. Den wohlmeinend abschätzigen Kommentar „Pas mal – pour l’Afrique“, mit dem Festivalbesucher einst das ihnen Fremde lobten, traut sich heute keiner mehr laut auszusprechen, aber in vielen Köpfen ist er weiterhin präsent. Der Rassismus ist ja nicht verschwunden, nur weil er schweigt. Linyekula wurde 1974 in Ubundu geboren, einem Dorf im Nordosten der Demokratischen Republik Kongo, die damals auf Geheiß des Diktators Mobutu Zaire hieß. 1982 zog die Familie in die Großstadt Kisangani, wo Linyekula später Literatur und Theater studierte und in der er auch heute wieder lebt. Als Mobutu die Universitäten schließen ließ, emigrierte er nach Nairobi; dort begann er, sich für Tanz zu interessieren und gründete 1997 gemeinsam mit dem kenianischen Choreografen Opiyo Okach die erste zeitgenössische Tanzkompanie des Landes, die Compagnie Gàara. Linyekula probierte vieles aus, zog nach London, um sich mit Theater zu beschäftigen, wurde nach Kenia abgeschoben, blieb dort eine Zeit lang und ging dann nach Frankreich, wo er seine Tanzstudien fortsetzte, bei Mathilde Monnier arbeitete, bei Régine...

Was in der Realität noch warten muss, kann in der Kunst des kongolesischen Tänzers und Choreografen Faustin Linyekula schon mal erträumt werden

Mehr, mehr … Zukunft!

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Inzwischen ist Naser Ghiasi wieder im Iran. Nach 33 in Berlin verbrachten Jahren hat der sympathische weißhaarige Herr sich entschlossen, in seine alte Heimat zurückzukehren – am Tag der Premiere seiner „Taxigeschichten“ am Theater Oberhausen waren die Koffer schon gepackt. Fast die Hälfte der Berlinzeit, 14 Jahre, hat Ghiasi mit Taxifahren verbracht, er hat darüber einen Blog verfasst, auf dem wiederum der Theaterabend von Amir Reza Koohestani basiert. Ghiasi hat unter anderem auch Franz Kafka ins Persische übersetzt. Kann man sich Kafka im Taxi vorstellen? Durchaus. Weniger als Chauffeur vielleicht, eher als einen überaus höflichen Fahrgast, der beim Aussteigen seinen Koffer vergisst, was ihm später die Gelegenheit verschafft, mit dem „Heizer“, also dem Chauffeur, eine ausgiebige Unterhaltung zu führen. In Kafkas Romanfragment „Amerika“ ist Karl Roßmanns Gespräch mit dem Heizer so etwas wie die Initiationspassage in die neue Welt. Auch Naser Ghiasi, der in den Taxigeschichten unter seinem eigenen Vornamen auftritt, und viele seiner Fahrgäste erleben das Berlin der 1980er und 90er Jahre als eine neue Welt, denn sie sind Migranten: ob es sich um die polnische Prostituierte handelt, die sich in einen Kunden, einen vermeintlichen Unidozenten, verliebt hat und ihm nun verzweifelt nachstellt, um die Mazedonierin, die eigentlich nur...

Theater Oberhausen: „Taxigeschichten“ von Amir Reza Koohestani nach Naser Ghiasi. Regie Amir Reza Koohestani, Ausstattung Mitra Nadjmabadi

Oberhausen: Die Abgereisten

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Na, das ist aber mal, mit Verlaub, eine wirklich beschissene Situation: Mia, Bettie und Lore hocken auf einer Flughafentoilette, jede für sich in einem Kabuff. Da wird der Flughafen evakuiert. Terroralarm! Alle raus hier! Nur die drei Mädels sitzen in der Scheiße: Der herrenlose Koffer steht direkt vor ihren Kabinentüren. Weil sich das gefährliche Gepäckstück dann aber doch als harmlos herausstellt, kommen die drei mit heiler Haut davon. Als Erkenntnis bleibt ihnen: Angst kann ein geiles Gefühl sein. Vor allem, wenn sie sich als unbegründet erweist. Aber sollen wir Mia, Bettie und Lore, Protagonistinnen in Laura Naumanns Stück „Demut vor deinen Taten Baby“ die Geschichte überhaupt glauben, die uns Nicola Trub, Anna Schumacher und Ines Hollinger mit offensivem Unschuldslächeln und funkelnden Flunkeraugen auftischen? Haben sie sich doch schon zu Beginn des Abends mit wild zusammenfabulierten Biografien aus dem Reich der Fantasie vorgestellt. Werden wir also nicht auch mit dieser verwegenen Flughafenstory verschaukelt? Die wunderbare Bühne des Kleinen Theaters Kammerspiele Landshut (intim, aber mit ordentlicher Höhe, die jeder Aufführung Luft zum Atmen lässt) ist in Jochen Strodthoffs Inszenierung ein Kinderspielplatz. Vom Gebälk des umgebauten Stadels hängen tatsächlich drei Schaukeln herab, die den drei Schwestern im Geiste die Bewegungsfreiheit geben, ihre Begeisterung...

Kleines Theater Kammerspiele: „Demut vor deinen Taten Baby“ von Laura Naumann. Regie und Bühne Jochen Strodthoff, Kostüme Luci Hofmüller

Landshut: Die Spaßguerillas

In „Burn Out City. Or Snow in Now Huta. Eine Globe Opera“ nimmt kainkollektiv eine schwierige Herausforderung an. Sie versuchen, so die Ankündigung, „eine Diagnose der gegenwärtigen Gesellschaft zu erstellen, die durch den totalen Willen nach Kontrolle beherrscht ist“. Zugleich soll es ein Theaterprojekt über Krakaus Arbeiterstadtteil Nowa Huta sein und etwas von der Nachkriegsgeschichte Polens erzählen. Es klingt halsbrecherisch – und so ist auch, leider, das Ergebnis, das Anfang Oktober am Theater Łaznia Nowa in Krakau und Anfang November am Ringlokschuppen in Mülheim an der Ruhr gezeigt wurde. Warum hat sich Snow (inspiriert von Edward Snowden) ausgerechnet in Nowa Huta versteckt? Und warum machen wir uns zur Beantwortung der Frage nach der Zukunft der Zivilisation mithilfe von drei Macbeth-Hexen auf die Reise durch die Nachkriegsgeschichte Polens? Es erschließt sich nicht. Man kann wohl annehmen, dass wir es mit den typischen Schwierigkeiten einer Auftragsproduktion zu tun haben, in der sich das Interesse der Schöpfer nicht mit dem Projektrahmen einer deutsch-polnischen Kooperation zusammenbringen ließ. Das Problem geht aber noch tiefer – und betrifft das Bild der Zukunft und Vergangenheit in der Inszenierung. Die Zukunft, stereotyp: Die Gesellschaft ist der totalen Kontrolle unterworfen. Das Problem wird oberflächlich dargestellt, es ist keine Diagnose,...

Die Gruppe kainkollektiv nimmt es in „Burn Out City“ mit der polnischen Nachkriegsgeschichte auf – und verliert

Theatrales Sightseeing

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

In den Zaun ist eine Leiche eingenäht: „Hin- ter den Korridoren, hinter der Schwingtür und den Fahrradständern, hinter dem Schulhof, hinter dem Baseballfeld hängt der leblose Körper des Jungen. Penibel wurde seine Haut in das langweilig symmetrische Geäst des Zauns eingenäht. Nachdem Polizisten den Tatort ausgiebig fotografiert haben, lösen sie den Leichnam mit einem Teppichmesser aus den Maschen, wobei die Klinge sowohl am rechten Ellenbogen als auch an der rechten Ferse bricht. Langsam gleitet er in die Arme des Leichenbestatters, in die Enge des Sargs und den Bauch des Friedhofs.“ Die High &amp; Low Highschool in Beetaville in Neuengland, Nordamerika, ist im Jahr 1994 Schauplatz einer bizarren Mordserie. Der mutmaßliche Täter: der Vollstricker. Vor allem die Schülerin Meggy (liebt Imperative, sagt Sachen wie: „Die Menschen sind unnütz geworden, ohne es zu merken. Kinder, tot- gereift zu Erwachsenen“) übernimmt die Ermittlungen, die eigentlich der FBI-Agent Donna Jones leiten sollte, aber „Donna kann nachts nicht schlafen, also raucht er entweder Opium oder nachtwandelt. (…) Dann wird er kurz müde und schläft in 40 bis 75 Minuten seinen Tagesbedarf runter. Gestern hat es ihn auf die Randstraße gezogen, in die Vierte Welt, auf den sechsten Kontinent, in den Forst. Unter einem großen Wellblechbaum...

Jakob Nolte: „ALFF“, Matthes & Seitz, Berlin 2015, 277 S., 18 EUR.

Der Vollstricker

Die Finsternis: ein Guckkasten aus schwarzer Plastikplane, ein lichtschluckendes Loch. Durch einen Schlitz in der Rückwand schiebt die Pianistin Myunghwa Wiede einen Flügel in die Bühnenmitte und beginnt zu spielen. Beethoven. Als gälte es, diesen Unort mit Kultur aufzuhellen. Während im Folgenden der Irrwitz um Wiede herumtobt, wird sie sich weiter unverdrossen durch ihr Repertoire arbeiten, das neben Beethoven auch Puccini und Skrjabin umfasst. Nur gelegentlich weicht der Wohllaut dissonanten Tönen, wenn Wiede die Tasten mit Ellbogenstößen traktiert. Ansonsten aber ist sie eine stoische Statthalterin der Zivilisation inmitten der Finsternis, die in der Inszenierung von Michael von zur Mühlen auf mitunter peinlich berührende Weise lächerlich ist. Aber nur selten zum Lachen. Wiede teilt sich die Bühne mit vier Schauspielern, die auf High Heels staksen. In flauschigen Angorapullis und mit Seidenstrumpfhosen – nicht nur an den Beinen, sondern auch über den Köpfen – erinnern sie an halb entkleidete Schaufensterpuppen. Gemeinsam sprechen sie den Prolog des Stücks: die Verteidigungsrede eines somalischen Piraten vor einem deutschen Gericht. Bizarres mischt sich darin mit Berührendem. Die Seeräuberei, erzählt der Mann, habe er als Diplomstudium an der Hochschule von Mogadischu erlernt. Dabei habe er doch ursprünglich Fischer werden wollen. Die leer gefischten Meere aber ließen ihm...

Theater Augsburg: „Die lächerliche Finsternis“ von Wolfram Lotz. Regie Michael von zur Mühlen, Ausstattung Christoph Ernst

Augsburg: Apocalypse wow!

Blick in die Zaubermaschine

Dezember 2015

Premieren

Partitur der Geräusche

Es herrschte Winter in Kiew, Mitte der 1990er Jahre. Die Hangstraßen waren vereist, und die Autos kamen nur schlingernd voran. Im Kleinbus des Les Ukraine Theaters saßen wir, versteckt hinter blauen Vorhängen, wie eine Gruppe von Verschwörern. Plötzlich rutschte der Bus bergab, der Fahrer drehte wie wild am Steuer, rechtsrum, linksrum, uns stockte der Atem, keiner sprach, bis der Bus, ich wusste nicht, wie, zum Stehen kam. Lange Sekunden fiel kein Wort. Dann erfasste Tankred die Lage und sagte: Der Fahrer ist gut. Damals spielten sie in Kiew Tankred Dorsts 300 Seiten langes Stück „Merlin“, wie so oft bearbeitet und gekürzt, sowie sein Kammerspiel „Fernando Krapp hat mir diesen Brief geschrieben“, in dem ein reicher Geschäftsmann seine Frau, da er sie an eine Affäre zu verlieren droht, ins Irrenhaus steckt. Auch so lassen sich Probleme einer Ehe lösen. In jenen Tagen trug Tankred einen poppigen Wintermantel, der wie aufgeplustert wirkte, ebenso wie seine Frau Ursula. Ich glaube, der eine Mantel war blau, der andere rot. Sie sahen aus wie Fantasy-Figuren von der lustigen Sorte. Kurz vor dem Rückflug signierten sie mein „Merlin“-Taschenbuch. Tankred schrieb: „Zur Erinnerung an den Flughafen von Kiew und auch sonst“. Vor zwei Jahren sind sie nach...

Utopie & Ernüchterung: Am 19. Dezember 2015 feiert Tankred Dorst seinen 90. Geburtstag

Die Fragmente des Lebens

Unter Beobachtung

Daran hat der Bürger zu kauen. Das soll wohl die Botschaft von Regisseur Tim Egloff sein, der sein fünfköpfiges Ensemble in Mannheim erst einmal mit prall bestücktem Hamburger-Menü-Tablett auf die Bühne des Nationaltheaters schickt, wo im Schauspielhaus die Uraufführung von Lutz Hübners und Sarah Nemitz’ Stück „Phantom (Ein Spiel)“ ansteht. Und die drei Damen und zwei Herren haben tatsächlich ordentlich zu kauen, ein jeder auf seine Art. Auf den gängigsten Plastikstühlen der Welt sitzt hier ein Querschnitt der deutschen Gesellschaft. Geübt im Burger-Schlingen sind die einen, akademisch umständlich und sichtlich unbeholfen die anderen. Zuzusehen, wie Almut Henkel mit Zwiebelringen und Ketchup kämpft, ist allein schon höchst vergnüglich. Ein strammer Lichtwechsel (Licht von Damian Chmielarz) verwandelt diese hungrigen Konsumenten in Mitarbeiter einer Fastfoodkette. Eine Personalverwandlung, die von nun an das Format des Neunzigminüters vorgeben soll. Schichtende bei Burger King: Zwischen Pommesresten und Colabechern liegt ein Säugling, eingewickelt in ein Tuch, das nach Weichspüler riecht und, laut Hübner/Nemitz, „den Duft von Armut“ verströmt. Die Angestellten suchen nun nach einer möglichen Mutter, kommen ins Recherchieren, Vermuten – und Spielen. Die Rekonstruktion, das „Wie könnte es gewesen sein?“, das Lutz Hübner als Connaisseur deutscher Gebrauchsdramatik zum Theaterstück werden lässt, kommt als Detektivspiel nahezu im...

Nationaltheater Mannheim: „Phantom (Ein Spiel)“ (UA) von Lutz Hübner und Sarah Nemitz. Regie Tim Egloff, Ausstattung Thea Hoffmann-Axthelm

Mannheim: Der Duft von Armut

„Gegen sieben Uhr an einem recht schwülen Sommerabend in den Sionibergen …“ So fangen Bücher an, mit dem Knistern der ersten Worte. Für Guy Montag, 30 Jahre alt, ist es der erste Satz, den er an diesem Abend in der 287. Etage seines wabenförmigen Betonwohnblocks liest. Der erste Satz in seinem Leben überhaupt. Das erste Buch. Guy Montag lebt in einer Zeit, in der Bücher per Gesetz verboten sind. Wer liest, macht sich strafbar, denn er könnte ja anfangen zu denken. Montag selbst ist dafür zuständig, das Gesetz per Aktion zu manifestieren. „Die Asche der Asche zu Asche verbrennen“, lautet die flotte Devise der jungen Burschen von der Feuerwehr, die schon längst keine Brände mehr löscht – sondern legt. Ray Bradburys „Fahrenheit 451“ ist in einem System zwischen Faschismus, Volksverdummung und Fortschritt angesiedelt. Geschrieben in den 1950er Jahren, zitiert es Mechanismen totalitärer Regime, überführt jedoch in eine dunkle, ferne Dystopie, die wie in allen guten Versionen dieses Genres im Grunde nicht ganz undenkbar ist. Es ist daher eine spannungsreiche Konstellation, dass am Theater Heidelberg der ungarische Regisseur Viktor Bodó die Regie für die Bühnenversion dieses Romans übernommen hat. Berichte von zensurartigen Gesetzen in Ungarn, die sich vor allem gegen Intellektuelle,...

Theater Heidelberg: „Fahrenheit 451“ von Ray Bradbury. Regie Viktor Bodó, Bühne Juli Balázs, Kostüme Fruzsina Nagy

Heidelberg: Der Tanz um den weißen Grill

„Dass man mit Sprache Bewegungen tatsäch- lich nur unzureichend beschreiben kann, sehe ich nicht als Manko. Diese Unmöglich- keit existiert, sie ist aber wunderschön und produktiv.“ So sah es 2008 Nik Haffner, Choreograf und seit 2012 künstlerischer Direktor des Hochschulübergreifenden Zentrums Tanz Berlin, im Interview mit der Soziologin, Tanzwissenschaftlerin und Herausgeberin des „Choreografischen Baukastens“ Gabriele Klein. Haffner meinte allerdings nicht Kleins „Baukasten“, an dessen Entstehung er neben vielen anderen Tanz- und Theaterschaffenden in einer dreijährigen Forschungsphase (2008 bis 2011) beratend und als „Materiallieferant“ mitgewirkt hatte. Das vom Bundesministerium für Bildung und Forschung finanzierte Projekt sollte „basales handwerkliches Wissen über Choreografie“ bereitstellen, „unmittelbar praxisrelevant“ sein und die „choreografische Arbeit mit tanzunerfahrenen Menschen“ unterstützen. Herausgekommen war ein Pappköfferchen mit farbigen Modulheften, Praxiskarten und einem Heftlein. Das ist nun noch einmal im preiswerteren Buchformat erschienen, die Problematik jedoch bleibt: Sprache fasst Bewegung nur unzureichend; choreografisches und tänzerisches Wissen, soll es denn in eine Körperpraxis münden, kann kaum ohne diese vermittelt werden. Das Buch aber, das mit seinem Herzstück, den gutgelaunt-farbigen Modulheftseiten, zeigen will, wie zeitgenössische Choreografie heute funktioniert, setzt allein auf Text. Und der liest sich dann zum Beispiel so: Modulheft „Formgebung“, Kapitel „Form geben“, Unterkapitel „Variieren“, Abschnitt „Bewegungsparameter variieren“, Stichwort „Körper“: „Einen...

Gabriele Klein (Hg.): Choreografischer Baukasten. Das Buch. transcript Verlag, Bielefeld 2015, 280 S., 29,99 EUR

Alexander Kluge: Tschukowskis Telefon

Neuerscheinungen im Verlag