Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Frau Klepsch, am 26. September wird ein neuer Bundestag gewählt. Wie lautet Ihre Prognose? Ich habe keine. Ich schaue eher etwas ratlos auf das personelle Angebot. Inwiefern? Es liegt ja auf der Hand, dass von den drei Kanzlerkandidat:innen niemand der oder die Kandidat:in der Herzen ist. Ich gehe nach der Wahl von sehr schwierigen Koalitionsverhandlungen aus, weil es eben keine große, eineindeutige Mehrheit gibt, sondern vermutlich eher auf eine Dreierkonstellation hinausläuft. Wen hätten Sie sich denn anstelle von Armin Laschet für die CDU, Annalena Baerbock für die Grünen und Olaf Scholz für die SPD als jeweilige Spitzenkandidatinnen beziehungsweise -kandidaten gewünscht? Am Ende werden ja Parteien gewählt und nicht Personen. Aber zumindest muss man konstatieren, dass keine der Parteien und Kandidat:innen über ein wirklich umfassendes Rezept verfügt, die Zukunftsherausforderungen zu bewältigen, sei es bezüglich des Klimaschutzes oder der sozialen Fragen. Wie sieht es denn in dieser Hinsicht mit Ihrer Partei aus – der Linken, die zum Zeitpunkt unseres Gesprächs, sechs Wochen vor der Bundestagswahl, in Umfragen bei 6,6 Prozent liegt? Naturgemäß traue ich dieser natürlich viel zu, insbesondere was soziale Fragen betrifft. Dennoch: Ich glaube, die Herausforderungen, vor denen wir stehen, sind so komplex, dass es erstens keine einfachen Antworten gibt...

Die Dresdner Kulturbürgermeisterin Annekatrin Klepsch (Die Linke) über ihre Ratlosigkeit zur bevorstehenden Bundestagswahl, die drohende Atomisierung der Gesellschaft und Kultureinrichtungen als Debat

Mehr Mut zur Kontroverse!

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Ach, die Sonne, „diese gelbe Sau“. Scheint und scheint da so gnadenlos von oben herab, als wolle sie das, was auf Erden so lebt, mit kräftigen Hieben erschlagen. Voll drauf auf die Köpfe der Menschen, Materie, die auf Materie trifft, denn Licht besteht halt nicht nur aus Wellen, sondern auch aus Teilchen. Und so bewegen sich die Menschen in Ferdinand Schmalz‘ soeben erschienenem Debüt-Roman „Mein Lieblingstier heißt Winter“ seufzend und ächzend durch ihr Leben. Alles ist Körper in dieser Welt. Menschenkörper, Tierkörper, Wachkörper, Gesellschaftskörper. Selbst die Wetterphänomene, diese hundstagigen Phasen im Sommer, verklumpen sich zu einer Substanz, bilden gallertartige Strukturen, durch die sich die Bewohner dieser mittelgroßen Stadt an der Donau schieben wie durch eingedickten Quark. Ach Mensch, ach Körper. Denn wer einen hat, der kennt auch den Schmerz. Den Rückenschmerz, den Zahnschmerz, den Kopfschmerz, den selbst Tabletten und ergonomische Stühle auf Dauer nicht wirklich bekämpfen. Alles leidet, auf die ein oder andere Art, leidet am Gegenüber oder auch schlicht am Leben selbst, das, schwupps, kaum begonnen, so schnell schon endet. Das klingt ziemlich düster, ist aber in der Welt von Ferdinand Schmalz kein Grund zur Verzweiflung. Im Gegenteil: Im Reigen der hier besprochenen vier Romane, in denen Autorinnen und...

Raus aus dem Schneckenhaus des Ichs – Neue Romane von Ferdinand Schmalz, Roland Schimmelpfennig, Rebekka Kricheldorf und Michel Decar

Das Jahr des Eismanns

Das Festival von Santarcangelo ist eines der sympathischsten Italiens. Seit über fünfzig Jahren feiert die Kleinstadt in der Emilia-Romagna jeden Juli sich selbst, ihre Gäste und Neider auf so volkstümliche wie anspruchsvolle Weise. Alle drei bis fünf Jahre wird ein neues Direktorium gewählt, auf dass die Stadt und ihr Festival sich immer wieder neu erfinden mögen. Dies war die letzte Spielzeit von Daniela Nicolò und Enrico Casagrande (Teatro Motus, Rimini) – im nächsten Jahr wird Tomasz Kireńczuk vom Festival Dialog Wrocław die Leitung übernehmen. Das Motto des diesjährigen Festivals „Futuro Fantastico“ erleuchtet in Riesenlettern den Stadtpark, in dem zwei Freiluftbühnen eingerichtet sind. Auf der kleineren ist die jüngste Arbeit von Romeo Castellucci zu sehen. Zwischen den Bäumen wurde eine riesige Leinwand montiert, über die unaufhaltsam Wörter toben – laut Katalog sind es sämtliche Substantive der italienischen Sprache. Die Buchstaben rasen immer schneller, begleitet von dumpf aggressiver Musik, die ebenfalls immer lauter durch den Park dröhnt. Beides schaukelt sich aneinander hoch, eine knappe Stunde lang, immer noch lauter, noch schneller, und versteht sich als Protest gegen die Überforderungen des Internets, ist aber vor allem ein frontaler und recht sinnloser Angriff auf Augen und Ohren. Überzeugend ist es nicht, und warum das...

Das Theaterfestival im italienischen Santarcangelo erfindet sich immer wieder neu

Ein Angriff auf Augen und Ohren

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Der Materialergründer

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

<h3>Der Auftrag</h3> Ein Theaterstück von Franz Xaver Kroetz, „Das Nest“, 1974 geschrieben, handelt von Kurt, einem Berufskraftfahrer, der mit seiner Frau Martha so einigermaßen über die Runden kommt. Nun erwarten sie ihr erstes Kind. Das macht Anschaffungen erforderlich, und sie wollen nicht geizen. Der Sprössling soll es gut haben vom ersten Tag an. Auf seinen Vater ist Verlass. Der hält sich aus allem heraus, denkt nur an die Arbeit, das wird schon. Der kleine Stefan kommt zur Welt und gedeiht. Und Kurt schiebt Woche für Woche Überstunden, wird unruhig, wenn er einmal nicht an die Reihe kommt. Dann erteilt ihm sein Chef einen „Spezialauftrag“. Für eine Sonderzahlung soll er ein paar Fässer mit Flüssigkeit in einem nahe gelegenen See entsorgen. Ohne näher nachzufragen erledigt er den Job. Wenig später erscheinen Frau und Sohn am selben Ort, um baden zu gehen. Kaum im Wasser, beginnt das Kind fürchterlich zu schreien. Es wird erst krebsrot, dann bläulich am ganzen Körper, sein Zustand verschlechtert sich rapide, es muss ins Krankenhaus. Kurt hat eine giftige Lauge in den See geschüttet, das wird ihm klar, als er davon erfährt, und das sagt er Martha, seiner Frau. Die nennt ihn einen „Mörder“, kündigt ihm die Ehe....

Die andere Wahrheit

Christian Boltanski war ein Künstler, der die Spuren der Vergangenheit sichern wollte, wohl wissend, dass nichts von dem einmal Gewesenen bleibt. 1944 in Paris als Sohn eines jüdischen Vaters und einer katholischen Mutter geboren und geprägt durch das Erbe des Holocaust, malte er mit 13 Jahren seine ersten figurativen Bilder. Es folgten Filme, Bücher und vor allem raumfüllende Installationen, in denen er sich mit den großen Themen Leben, Tod und Erinnerung beschäftigte. Auch die Auseinandersetzung mit der Schoa war ein wichtiger Aspekt seines Schaffens. Das Spiel mit autobiografischem Material und das Verwischen der Grenze von Wahrheit und Fiktion prägten seinen künstlerischen Ansatz. Seine Werke wurden international ausgestellt und gehören zu den Sammlungen des Museum of Modern Art in New York, der Tate in London und des Centre Georges Pompidou in Paris. Gemeinsam mit dem Lichtdesigner Jean Kalman entstanden zudem zahlreiche Opernproduktionen. Bei der Ruhrtriennale 2005 leitete Boltanski gemeinsam mit Kalman und Andrea Breth das Projekt „Nächte unter Tage“. Am 14. Juli 2021 ist Christian Boltanski in Paris verstorben. Mit diesem Interview, geführt im Jahr 2011 in seinem Studio, erinnern wir an diesen großen Künst­ler der Erinnerung. Christian Boltanski, worauf führen Sie Ihre Lust auf eine künst­lerische Betätigung zurück? Als kleiner...

Der bildende Künstler Christian Boltanski (1944–2021) über das Spiel mit dem Verschwinden. Ein Wiederabdruck in Gedenken an einen großen Spurensucher

Mit jedem Herzschlag dem Tod ein bisschen näher

Schon die Theaterversion von Thomas Köcks „Atlas“ war bei ihrer Uraufführung am Schauspiel Leipzig 2019 ein aufsehenerregendes, ungewöhnliches Stück. In drei Generationen einer vietnamesischen Familie spiegelt sich die Geschichte zweier zerrissener Länder: Nord- und Südvietnam, Ost- und Westdeutschland. In der DDR gab es sogenannte Vertragsarbeiter mit ungewisser Zukunft nach der Vereinigung. In der BRD wurden Boat­people aufgenommen, die nach dem Fall von Saigon keine Chance mehr für sich in der Heimat sahen. Auch die Tatsache, dass ein 1986 in Österreich geborener Autor diese Geschichte erforscht und zu einem beziehungsreichen Geflecht entwickelt hat, durfte überraschen. Köck erhielt für das Stück den Mülheimer Dramatikerpreis, und als kurz da­rauf im Juni 2019 die Leipziger Inszenierung von Philipp Preuss bei den Autorentheater­tagen in Berlin noch einmal gezeigt wurde, brandete für einen Moment Aktivisten-Protest auf: Dem Abend wurde „kulturelle Aneignung“ vorgeworfen, etwa wegen der Darstellung der Vietnamesinnen und Vietnamesen durch deutsche Schauspieler. Die Hörspielproduktion des MDR in der Regie von Heike Tauch fand deutsch-vietnamesische Schauspielerinnen beziehungsweise Sprecherinnen für ihre Besetzung, was dem Ganzen im Stimmausdruck mit Akzent den überzeugenden Nachdruck verleiht, der einigen im Theater vielleicht gefehlt hat. Insbesondere Mai Duong Kieu, die 1987 nahe Hanoi geboren wurde, ab 1992 in Chemnitz aufwuchs und vor...

Thomas Köck erhält für „Atlas“ den Hörspielpreis der Kriegsblinden

Die Kunst der Montage

Wie sieht eine nichtnormative Beziehung aus? Muss Liebe immer romantisch sein? Und welche Rolle spielt Sex im Durch­einander der Beziehungsweisen?“, fragen die drei Jugendlichen aus Singapur und Australien. Ganz nah wirken ihre Stimmen am Telefon, während sie Zweifel, Ängste und Hoffnungen des ­Erwachsenwerdens teilen. Die bekannte und zugleich imperfekte mediale Vermittlung versetzt jedes geschilderte Problem mit den authentischen und authentisierenden Geräuschen in der Leitung. Leises Rascheln, Atmen oder ein Räuspern zersetzen die fiktionalen Elemente in den Erzählungen. Zwischen der Anonymität der Gesichtslosigkeit und der Eindringlichkeit der abgelösten Stimme gehen die banalen Antworten verloren. Schnell verlagert sich das Gespräch auf eine sehr persönliche Ebene, während die Teilnehmerinnen und Teilnehmer in Vereinzelung verharren. Auflegen wäre das Mittel zur Distanznahme, sonst bleibt nur, die Intimität auszuhalten, um dem Verlauf der Performance zu folgen. Telefongespräche zwischen Jugendlichen und Erwachsenen bildeten bereits in der Präsenzvariante von „Body of Knowledge“ den partizipativen Kern. Dass die Zuschauerinnen und Zuschauer sich beim diesjährigen Impulse Festival nun allein im eigenen Wohnzimmer und nicht gemeinsam im Theaterraum an die Tele­fone begeben, an denen sie mit Teenagern aus der ganzen Welt ­verbunden werden, gibt für Theatermacherin Samara Hersch den Themen eine neue Dringlichkeit. Die Angst vor körperlichem Kontakt in Pandemiezeiten und...

Das Impulse Festival in NRW arbeitet engagiert die Checkliste gesellschaftspolitischer Themen ab – im digitalen Raum wird daraus jedoch leicht konsumierbare Kritik

Fernbeziehung zum Theater

Personen: Der ALTE1 Der JUNGE2 Die NEUE3 Die OPTIMISTISCHE Der VOGEL4 Der LEICHNAM Die DIREKTORIN Erster Akt Erste Szene Der ALTE Ich mag das Theater nicht. Hat mich nie interessiert. Es ist irgendeine Dummheit. Ein Unfug. ­Urteilen Sie selbst: wozu ist das Theater gut? Soll so was etwa Unterhaltung sein? Erwachsene Leute schneiden Grimassen, zeigen ihre nackten Ärsche, lachen über irgendeinen Schwachsinn. Benimmt sich so ein vernünftiger Mensch? Dabei ist das Ganze nicht einmal wahr! Unsinn und Zeitvergeudung. Solche Visagen, solche Pranken! Die sollten besser alle in die Ernte. Setz so einen auf einen Traktor, und der pflügt dir zehn Hektar … am Tag! Oder noch mehr! Und erst die Frauen! Die sollen Kinder kriegen und Borschtsch kochen! Und der Staat unterstützt sie. Das wäre nützlicher. Geschminkte Männer, die auf der Bühne mit dem Arsch wackeln, wer braucht so was? (Pause) Schmarotzer. Was soll man da anderes sagen? ­Parasiten! Abschaum. Verräter. Zuerst füttert man sie, und dann beißen sie in die Hand, die sie füttert. An meinem Busen hab ich sie genährt, die Verräter! Deswegen gibt’s auf dem Dorf auch kein Theater. Das Dorf akzeptiert diesen Mist nicht. Ein Bauer, das ist was. Er...

Die Beleidigten. Belarus(sland)

Kompositionsprinzip Collage

„Politik ist eine viel zu ernste Sache, als dass man sie allein den Männern überlassen könnte.“ Dieser Satz stammt von der SPD-Abgeordneten Käte Strobel, geäußert zu einer Zeit, in der man Frauen im Deutschen Bundestag noch suchen musste. 16 Jahre Merkel-Regierung waren so gesehen ein echter Erfolg. Die Politikmüdigkeit jedoch konnte auch ihre Kanzlerschaft nicht beheben. Etwa ein Viertel aller Wahlberechtigten, so Schätzungen, werden am 26. September nicht zur Wahlurne...

Editorial

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

September 2021

Premieren

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

<h3>Wer deutsch ist, ist wahlberechtigt</h3> Der Vorstellung nach, dass Gemeindevolk nicht gleich Staatsvolk sei, wagten 1989 das Bundesland Schleswig-Holstein und die Hansestadt Hamburg den Versuch, das Kommunalwahlrecht für Menschen ohne deutschen Pass zu erweitern. Dieses demokratische Vorhaben wurde ihnen vom Bundesverfassungsgericht mit der Begründung untersagt, dass das Grundgesetz mit der Formulierung „alle Staatsgewalt geht vom Volke aus“ nur das deutsche Volk meine. Nehmen wir also das deutsche Volk unter die Lupe. In der Fremde Ich hatte einst ein schönes Vaterland. Der Eichenbaum Wuchs dort so hoch, die Veilchen nickten sanft. Es war ein Traum. Das küsste mich auf deutsch und sprach auf deutsch (Man glaubt es kaum, Wie gut es klang) das Wort: Ich liebe dich! Es war ein Traum. Was nach verkitschter Vaterlandsliebe klingt, wurde 1833 von Heinrich Heine geschrieben und hundert Jahre später 1933 als Titelseite der Prager GOLUS – Zeitschrift für Jüdische Emigration abgedruckt. „Golus“ bedeutet auf Hebräisch Verbannung, Exil. Wie konnte Heine trotz seiner Verbannung und seiner oftmals zynischen Beschreibungen der deutschen Verhältnisse ein solches Gedicht schreiben? Und wie konnte es sein, dass deutsche Juden und Jüdinnen sich darin widergespiegelt sahen? Es scheint absurd, Sehnsucht nach einer Heimat zu haben, die einen verstoßen hat, ja, danach...

Über die fehlenden zwölf Prozent, das unzeitgemäße Konstrukt der Staatsbürgerschaft und die Grenzen der Menschenrechte

Ein Wahlrecht für alle, überall!

Es müssen Köpfe rollen

„Work hard, play hard?“

Der genetische Code Amerikas

Der Atem des Raumes

Herr Kurejtschik, Ihr Stück „Die Beleidigten. Belarus(sland)“ kreist um die manipulierten Präsidentschaftswahlen in Belarus im August 2020, in deren Folge es zu Protesten kam, die mit aller Gewalt niedergeschlagen wurden. Wie haben Sie diese Tage persönlich erlebt? Wie viele Menschen in Belarus war ich von einer Welle der Hoffnung erfasst. Es schien, als sei Veränderung tatsächlich möglich. Ich war 14 Jahre alt, als Lukaschenko an die Macht kam. Heute bin ich 41, habe zwei Kinder, und er ist immer noch im Amt. Politische Aktivistinnen und Aktivisten, die Intelligenzija, Menschen aus dem Kulturbetrieb, aber auch ganz normale Leute fühlten, dass der Moment gekommen war, ihn loszuwerden. Ich war be­teiligt an der Wahlkampagne von Swetlana Tichanowskaja, die gegen Lukaschenko angetreten ist, und habe geholfen, ihre Auftritte vorzubereiten. Swetlana und ihre Mitstrei­terinnen Maria Kalesnikawa und Veronika Zepkalo waren ja keine Politikerinnen und hatten entsprechend keine Erfahrung mit öffentlichen Reden. Ich selbst habe auf der größten Kundgebung in Minsk vor der Wahl gesprochen – über die Zukunft, über das Land, das ich mir für meine Kinder wünsche. Die Stimmung war superoptimistisch. Nach der Wahl sah die Lage schlagartig anders aus. Auf der Straße haben sich bürgerkriegsartige Szenen abgespielt, ich hätte nie gedacht, dass so...

Der Dramatiker Andrej Kurejtschik über die Situation in Belarus, sein Leben im Exil und sein Stück „Die Beleidigten. Belarus(sland)“ im Gespräch mit Patrick Wildermann

Mein Anwalt sagte: Du solltest sofort gehen!

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

„Von kaum einem der großen Verleger unseres Jahrhunderts besitzen wir Erinnerungen“, klagte vor einigen Jahren Wolf Jobst Siedler, seinerseits selbst Verleger und Autor. Diese Anmerkung gilt bis heute, im Besonderen für eine seltene Spezies dieses Berufs, den Bühnenverleger. Mit „Herzstücke“, der 2019 erschienenen Geschichte des Verlags der Autoren von Karlheinz Braun und „gleich nebenan“, dem aktuellen Nachfolgeband der Autobiografie „alles war möglich“ (ebenfalls 2019) von Rudolf Rach, hat sich diese Lücke gefüllt. Beide Bühnenverleger lernten ihr Handwerk im Frankfurter Suhrkamp Verlag. Braun leitete seit 1959 die Theaterabteilung, Rach löste ihn 1971 ab. Learning by doing, lautete für beide die Devise, denn eine Schule oder eine Universität für dieses Gewerbe existiert nicht. Ihre Erinnerungen geben erstmalig einen aufregenden Einblick in die Tätigkeit von Theaterverlagen. Der Handel eines Buch­verlags mit Druckrechten erfreut sich eines unvergleichlich höheren Ansehens als der des Bühnenverlags mit Aufführungsrechten für Theater, Film, Funk, Fernsehen. Aber wenn auch öffentlich unsichtbar, ist der Einfluss der Theaterverlage nicht zu unterschätzen: Sie sind es, die neue, wildfremde Stücke überhaupt erst ausfindig machen und Auf­führungen initiieren, die häufig insgesamt unser intellektuelles Klima prägen, weit über die Bühne hinaus. Ohne den verborgenen künstlerischen sowie kommerziellen Einsatz für Elfriede Jelinek oder Ferdinand von Schirach,...

Rudolf Rach: gleich nebenan. Verlag der Buchhandlung Klaus Bittner, Köln 2020, 293 S., 22 EUR

Einzelkämpfer

Die performative Baustelle

Autorinnen und Autoren September 2021 / Vorschau

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Dass die Deutsche Demokratische Republik, der Drei-Buchstaben-Staat zwischen Werra und Oder, ein Opernland par excellence war, hat sich inzwischen auch im deutschen Westen herumgesprochen; wer Näheres darüber erfahren will, hat mit Eckart Kröplins Operngeschichte neuerdings eine umfassende Darstellung zur Hand. Wer es en détail wissen will, wird auf Wolfgang Lange stoßen, der in Theater der Zeit mehr als zwanzig Jahre lang berichtend, ergründend, beurteilend, befragend dem musikalischen Theater von A wie Annaberg bis Z wie Zittau auf den Grund gegangen ist. Denn bis zur Neugründung der Zeitschrift im Jahr 1993 war die Oper dort im selben Maß wie das Schauspiel vertreten, und von 1969 an (der Chefredakteur Horst Gebhardt engagierte ihn) war Lange dort der Mann für die Oper. Redakteure haben eine hinter- und eine vordergründige Seite ihrer Arbeit, sie organisieren Beiträge, und sie schreiben selbst welche; bei Lange war beides in fruchtbarer Balance. Ich schlage drei willkürlich herausgegriffene Hefte des Jahrgangs 1972 auf und stoße in jedem einzelnen auf fesselnde Texte von ihm. „Sing mir das Lied vom Mond“ ist in Heft 7 die Berliner Uraufführung von „Noch einen Löffel Gift, Liebling?“, Siegfried Matthus’ Oper auf einen Text von Peter Hacks in der Regie von Götz Friedrich, überschrieben; im...

Im Gedenken an den Theater-der-Zeit-Redakteur Wolfgang Lange

Chronist einer Opernepoche

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Der sogenannte Gustaf-Gründgens-Platz vor dem Düsseldorfer Schauspielhaus war jahre-, wenn nicht jahrzehntelang eine Brache im Herzen der Stadt. Reste einer vergangenen Tankstelle hatte man dort schlicht vergessen, eine Tiefgarageneinfahrt verschluckte hin und wieder einen Pkw, ein paar Skater vertrieben sich die Zeit. Das Theater, muss man wissen, wendet dem Stadtkern ja schnöde seine ausladende Rückseite zu; das Foyer betritt man vom Hofgarten aus. Eine eigentümliche Pointe des seinerzeitigen Architekten Bernhard Pfau, die später provisorisch korrigiert wurde, indem man auf der Stadtseite einen Windfang mit Kassenhaus anbaute. Die Hinterhofsituation des Platzes, die keinen Stadtvater, keine Stadtmutter zu stören schien, passte auf ­bedrückende Art zum verdrehten Kontext. Nun, fünfzig Jahre nach der Einweihung (und nach einer grundlegenden Renovierung), hat sich das gottlob geändert, wie man bei Open-Air-Events des Festivals Theater der Welt feststellen konnte. Auf einer Tribüne vis-à-vis dem Podex des mächtigen Kulturtempels sitzend, das kantige „Dreischeibenhochhaus“ seitlich im Blick, eine neue Shoppingmall im Rücken, einen gleichmäßigen hellen Sandsteinfußboden unter sich, genoss man hier erstmals ein Gefühl der Geborgenheit. Die auseinandermontierten Einzelteile eines Flugzeugwracks, vom Architektenkollektiv raumlaborberlin kreiert und von der letzten Ruhrtriennale übernommen, dienten als Kulisse für alles Mögliche, egal, ob sie akut bespielt wurden oder nicht. Die wunderbare Tanzperformance „Malen“...

Nach Monaten der Isolation und Selbstbezüglichkeit sendet das Festival Theater der Welt in Düsseldorf vitale Lebenszeichen aus der internationalen Theaterszene

Jenseits des Nagelstudios

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Aladin El-Mafaalani, sprechen wir über die Wahlen, eine Zeit der Richtungsentscheidungen, aber auch der Symbolpolitik. Besonders Kultur und Bildung werden gerne herangezogen, wenn es um die „Reparatur“ unserer Gesellschaft geht. Kultur und Bildung sollen bilden, integrieren, inkludieren, soziale Ungleichheiten bekämpfen, den Klimawandel aufhalten und Nazis verjagen. Was mich beeindruckt hat: In Ihrem Buch „Mythos Bildung“ weisen Sie diesen Auftrag, bezogen auf die Bildung, mit ziemlich viel Verve zurück. Bildung als Allheilmittel anzusehen, schreiben Sie, sei völlig absurd. Würden Sie einen solchen „politischen Ungehorsam“ auch Kulturschaffenden empfehlen? Ich würde zunächst bezweifeln, dass sich Bildung und Kultur in diesem Sinne so vergleichen lassen. Im Bereich der Kultur, so mein Eindruck, werden tatsächlich krasse Sonntagsreden gehalten. Bezogen auf die Bildung, meinen es Politikerinnen und Politiker, fürchte ich, ernst. Sie erwarten tatsächlich, dass man durch das, was in der Schule passiert, präventiv gegen Armut wirken, die Situation in den Stadtteilen verbessern und Rechtsextremismus bekämpfen kann. Das kann Kultur ja nicht ernsthaft leisten. Man kann es behaupten, aber glauben tut es doch keiner. Im Wahlprogramm der Linken heißt es zumindest, es sei Aufgabe einer fortschrittlichen, aufklärerischen Kultur, an der Überwindung der sozialen Ungleichheit und aller kulturellen Unterdrückung mitzuwirken. Ja, aber stellen Sie sich mal vor,...

Der Soziologe und Bildungsforscher Aladin El-Mafaalani über Irrungen und Wirrungen der Symbolpolitik, fatale Romantisierungen und die Produktivität des Streits

Lasst uns streiten!

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ein Grabstein auf dem Kirchhof im schwedischen Falun kündet noch heute davon: Um 1677 verschwand ein junger Bergmann vor seiner Hochzeit auf mysteriöse Weise. Erst 1719 wurde sein durch Kupfervitriol konservierter Leichnam im Bergwerk entdeckt und von seiner mittlerweile ergrauten Braut identifiziert. Was wie ein Schauermärchen klingt, ist eine wahre Begebenheit, noch dazu mit Tiefgangpotenzial, was denn auch eine ganze Reihe von Autoren inspirierte: Johann Peter Hebel, E. T. A. Hoffmann, Georg Trakl, Franz Fühmann. Richard Wagner schrieb dazu ein Libretto, Hans Werner Henze eine Hörspielmusik. Hugo von Hofmannsthal schuf die umfangreichste Verarbeitung, ein fünfaktiges Drama: „Das Bergwerk zu Falun“, entstanden 1899 bis 1911, allerdings erst posthum 1949 urauf­geführt. Nun, im pandemiebedingt verlängerten 100-Jahr-Jubiläum der Salzburger Festspiele, sah Schauspielchefin Bettina Hering die Zeit gekommen, um eine Wiederbegegnung mit dieser „Ausgrabung“ zu wagen. Schließlich gilt Hof­mannsthal, neben Max Reinhardt Festspiel-Mitbegründer, „Jedermann“-Autor und Opernlibrettist, als wichtiger Identitätsstifter des Festivals. Gewaltiger Donner aus dem Off, Putz bröckelt von der ­Decke, und der Vorhang gibt den Blick frei auf ein dunkles, nebliges, mit grauen Hohlziegelsteinen übersätes Trümmerfeld: Wie ein Endspiel à la Beckett lässt Regisseur Jossi Wieler das Drama beginnen. Ein Bergwerk nach einem Grubenunglück? Eine Albtraumlandschaft? Eine entlegene Höhlenregion des Unbewussten? Die Verortung...

Die Salzburger Festspiele graben mit „Das Bergwerk zu Falun“ in der Regie von Jossi Wieler ein Frühwerk Hugo von Hofmannsthals wieder aus

Endspiel unter Tage

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Zwanzig Jahre waren wir ein künstlerisches Team und Freunde. Jarg Patakis Tod war jäh, zufällig und zu früh. Eine Nähe zu Vergänglichkeit und Tod war immer zu spüren bei ihm, so wie ein Fremdsein im Leben, in dem die Mehrheit sich eingerichtet hat. Daraus speisten sich seine Kraft, seine Hellsichtigkeit und seine Poesie als Künstler. Jarg träumte irrwitzige Bilder und brachte sie auf die Bühne, er komponierte mit Sprache und mit Gesten. Als junger Erwachsener stieß er eher unvorbereitet auf die Geschichte, die Auslöschung seiner jüdischen Familie, suchte seither nach Spuren. Realismus auf der Bühne war ihm fern. Er verdich­tete, fand Metaphern. Oft erzählten seine ­Inszenierungen von großen Lebensbögen in seltsamen Kosmen, vom „Irren und Streben“ und vom Scheitern, bei dem sich etwas ­Schönes ereignen kann (wie in „Wilhelm ­Meister“ 2005 in Hannover, Kafkas „Process“ und „Peer Gynt“ 2008 oder Kiran Nagarkars „Gottes kleiner Krieger“ 2013 in Freiburg). Unsere Zusammenarbeit begann 1999 am Luzerner Theater mit Philippe Minyanas „Das Totenhaus“, einer Inszenierung für Schauspielerinnen, Schauspieler und lebensgroße Puppen. Diese Geschichte einer Putzfrau, die genau 127 Jahre alt wird und alle sozialen Deformationen in ihrem Körper internalisiert, bekam die Dimension einer klassischen Tragödie – eine wundersame Puppenstube, bei der eine unerbittliche...

Zum Tod des Regisseurs Jarg Pataki

Die Schönheit im Scheitern

Wann wird es wieder normale Zeiten geben? Gab es sie jemals? Zumindest organisatorisch lief in der Theaterwelt vor der Pandemie alles wie am Schnürchen. Der Festivalkalender schnurrte ab, Reibungsverluste aufgrund personeller Änderungen steckte man weg. Aber in Wien kam in den letzten Jahren alles zusammen. Denn für Christophe Slagmuylder sind es nun die dritten Ausnahme-Festwochen, die er verantwortet. Nach seinem kurzfristigen Einspringen für den geschassten Vor­gänger Tomas Zierhofer-Kin 2019 und dem darauffolgenden Corona-Jahr ist der belgische Festivalmacher auch 2021 von ­einem Normalbetrieb weit entfernt. Die üblicherweise knapp sechs Wochen lang im Mai und Juni die Stadt überziehenden Festwochen müssen in diesem Jahr, den wechselnden Gesundheitsrichtlinien auf den Fersen, das angestaute Programm ­abstottern, so gut es geht. Wurde im Vorjahr das pandemiebedingt nicht stattfindende Programm teilweise durch gestreamte Videobotschaften („Gesten“) der Künstlerinnen und Künstler ersetzt, so durfte in Österreich heuer immerhin ab 19. Mai vor Livepublikum gespielt ­werden. Normal ist dennoch nichts. Die international vage ­Gesundheitslage sowie die unsicheren Reise- und Spielmöglichkeiten haben nunmehr eine auf zwei Tranchen zerdehnte Fest­wochen-Edition ergeben, deren erster Teil Mitte Mai sogar noch ohne Publikum startete. Aber es ging los! Florentina Holzingers „Festzug“, ein für die üblicherweise viel Publikum anziehende Eröffnung am Rathausplatz inszenierter Autocorso, fand...

Ungeschönt und eindringlich blicken die Wiener Festwochen auf Arbeit, Armut und moderne Sklaverei in einer von Produktivitätssteigerung besessenen Welt

Menetekel einer destruktiven Gesellschaft

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Die Bezeichnung killjoy stammt aus der Feder der Theoretikerin und Aktivistin Sara Ahmed. Herzstück von „Feministisch ­leben!“, das als bislang Einziges ihrer Bücher ins Deutsche übersetzt wurde, ist das „Spaßverderber*innen-Manifest“. Es basiert auf der Überzeugung, dass die westliche, kapitalistische, patriarchale Wirklichkeit auf dominanten Narrativen von Glücksversprechen fuße. Diese Narrative – Heirat, Kleinfamilie, Heterosexualität, Erfolg oder Wachstum, die Ahmed auch als happy objects bezeichnet – bildeten die normativen Orientierungspunkte einer weißen Mehrheitsgesellschaft. Killjoys fielen aus dieser Ordnung heraus und machten (wie Ahmed selbst) die Erfahrung, zum Störenfried oder zur Querulantin zu werden, wenn sie auf Probleme wie Ausschlüsse und diskriminierende Strukturen hinwiesen. ­Ahmed erklärt killjoys zu Figuren des Widerstands, indem sie an der Dekonstruktion bestehender, ungleicher Ordnungen mitwirken. Auch Anna Mülter, die neue Künstlerische Leiterin der ­Theaterformen, könnte man als killjoy bezeichnen. Denn ihre kuratorische Praxis mit explizit feministischer Agenda weist durchaus auch aktivistisches Potenzial auf. Ihr geht es nicht nur um eine Störung, sondern um die Transformation bestehender Institutionen. Insofern ist sie die perfekte Besetzung für das Festival, das in den vergangenen Jahren unter der Leitung von Martine Dennewald in Sachen strukturellem Wandel zu einem Leuchtturmprojekt avancierte. Dennewald und ihr Team setzten sich intensiv mit Diskriminierungskritik von Arbeitsweisen auseinander und...

Anna Mülter, neue Künstlerische Leiterin der Theaterformen in Hannover, setzt auf Veränderung durch Widerstand – und blockiert sogleich eine ganze Hochstraße

Ein Festival für Killjoys

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Festival der Besessenen

Morgens um fünf Uhr brach André Nicke, Intendant der Uckermärkischen Landesbühnen in Schwedt, mit Theatermacherinnen und Theatermachern in den Nationalpark Unteres Odertal an der deutsch-polnischen Grenze auf. Im Nebel wanderte die Gruppe bei Sonnenaufgang am Fluss entlang und diskutierte, wie es nach Corona mit dem Theater weitergeht. Kunstschaffende aus ganz Deutschland tauschten sich auch darüber aus, wie sie im vergangenen Jahr dem Stillstand trotzten. Lange hatten die 19. Landesbühnentage, die diesmal in Brandenburg stattfanden, wegen des Lockdowns auf der Kippe gestanden. Nun durften André ­Nicke und sein Team Ende Juni das bundesweit erste Theaterfestival ausrichten, in dem sich Schauspieler und Zuschauer wieder real begegneten. „Die digitalen Formate ersetzen das Spiel vor Publikum nicht, denn Theater lebt vom gegenseitigen Austausch“, brachte es Nicke auf den Punkt. Lange hatte der Theaterchef aus Schwedt für das Festival gekämpft. Von den 24 Landesbühnen, die in Deutschland die Theaterkunst auch in ländlich geprägte Regionen bringen, waren 20 der Einladung gefolgt. „Der wilde Osten“ hieß das Motto. Wegen der pandemiebedingten Vorgaben für das Spiel auf der Bühne zeigten die Gasttheater auf den Spielstätten des Landestheaters kleinere Formate. Trotz aller Beschränkungen verblüfften die Vielfalt und der politische Anspruch der Auswahl. Das Theater der Altmark in Stendal etwa...

Die Landesbühnentage in Schwedt zeigen ein lebendiges Programm in voller Präsenz – Zukunftssorgen gibt es dennoch

Wanderer im Nebel

Das Aufatmen war deutlich zu spüren. Die erste Corona-Welle hatte das für 2020 geplante CircusDanceFestival in Köln unmöglich gemacht. Ein Jahr später fand es nun statt: in einem echten Zelt mit echtem Publikum, wenngleich pandemiekonform in geringerer Zahl. Bei den vorgestellten Produktionen – nicht alle waren tatsächlich live zu erleben, manche wurden in digitaler Fassung oder in der Ersatzform eines Gesprächs präsentiert – fiel die Bedeutung von Objekten auf. Hier ist der Zirkus, der traditionelle wie der klas­si­sche, dem Tanz und auch dem Theater weit voraus: Welcher Tänzer, welche Schauspielerin entwickelt zu einem Bühnenobjekt jene enge Beziehung, die ein Jongleur zu seinen Bällen und eine Seiltänzerin zu ihrem Seil findet? Objekte werden nicht gleich zu Subjekten. Aber ihre Geheimnisse gilt es zu erkunden. Wie verhalten sie sich in der Luft, wie gibt das Seil nach, wo sind die Umkehrpunkte? Eine Ode ans Objekt war daher auch die Eröffnungsproduktion des Festivals, „Circu­lar Vertigo“. Das wichtigste Bühnen­element bildete ein Halbrund aus schmalen Spiegeln in unterschiedlicher Höhe. Sie wirkten wie eine ins Vertikale gekippte Klavier­tastatur. Zu Klavierklängen bewegte sich davor die Tänzerin Mijin Kim. Sie zitierte Bewegungssequenzen von Pferden – und rief so vor dem inneren Auge plötzlich die Manege des traditionellen Zirkus...

Das CircusDanceFestival Köln versteht sich als Motor für die Entwicklung des zeitgenössischen Zirkus

Ode ans Objekt

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

Installationen

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Die Suche nach einer Wahrhaftigkeit des Spiels, nach einer Glaubwürdigkeit, die Figur und Spielerin beziehungsweise Spieler gleichermaßen betrifft, nach einem organischen Entfalten szenischer Prozesse im miteinander geteilten Bühnenraum – dies sind ästhetische Merkmale der Theaterarbeit von Jürgen Gosch und Johannes Schütz in ihrer gemeinsamen Werkphase der nuller Jahre. Bei der Anton-Tschechow-Inszenierung „Die Möwe“ am Deutschen Theater Berlin, der vorletzten Arbeit Jürgen Goschs vor seinem Tod 2009, welche der Theaterwissenschaftler Stefan Tigges als „Konzentrat und Quintessenz“ der gemeinsam entwickelten Theaterästhetik beschreibt, war ich als Regiehospitantin dabei. Zumindest ein paar Tage. Denn dann schlug Herr Gosch vor, dass ich mich in der Funktion des in der Textfassung notierten Zimmermädchens „doch mal mit zu den anderen auf die Bühne setzen“ solle. Dort blieb ich dann, mehr als siebzig Vorstellungen. Zwölf Jahre später bin auch ich ­Theaterwissenschaftlerin und hatte dank der Habilitationsschrift von Stefan Tigges „Jürgen Gosch / Johannes Schütz Theater“ die Möglichkeit, nun noch einmal mit anderen Augen auf das Werk der beiden Theaterkünstler zurückzublicken. Tigges fokussiert in seinem gut 600-­seitigen Opus das gemeinsame Schaffen von 2003 bis 2009 entlang der drei „Kosmen“ William Shakespeare, Roland Schimmel­pfennig und Anton Tschechow. Einen ersten Schwerpunkt bildet die Düsseldorfer „Mac-beth“-Inszenierung (2005), die für Tigges den Auftakt...

Stefan Tigges: Jürgen Gosch / Johannes Schütz Theater. transcript Verlag, Bielefeld 2021, 616 S., 49,99 EUR.

Wahrhaftiges Spiel

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Als Entdecker und Erkunder von großen ­Stücken abseits der Spielplanklassiker hat er zur (ost-)deutschen Theatergeschichte der 1970er und 1980er Jahre Wesentliches beigetragen: der 1936 geborene Regisseur Rolf Winkelgrund. Den polnischen Dramatiker ­Tadeusz Różewicz entdeckte er für das Theater in der DDR – zunächst mit „Die Zeugen oder Unsere kleine Stabilisierung“ 1975 in Potsdam, wo Winkelgrund auch als Oberspielleiter fungierte. Es folgten „Weiße Ehe“ 1981 am Deutschen Theater in Berlin und schließlich, als dritte bedeutende Inszenierung 1985 am dortigen Maxim Gorki Theater, „Die Falle“ nach Motiven der Biografie Franz Kafkas im Vorschein auf die spätere Nazi-Verfolgung von dessen Familie. Różewicz selbst äußerte sich höchst anerkennend zu diesen Arbeiten, die durch Klarheit und Tiefe bestachen. Neu erkundet hat Winkelgrund die Welt der Stücke Ernst Barlachs mit zwei Inszenierungen am Deutschen Theater. „Der blaue Boll“ mit Kurt Böwe in der Titelrolle ließ einen den schwierigen Barlach mit einer unvermuteten Leichtigkeit und einem erstaunlichen Humor erleben, die auf der genauesten Auslotung des Texts beruhten. In dieser Hinsicht war Winkelgrund als Regisseur ein Visionär der Textergründung, die er als Fundament des Theaters betrachtete. Drei Jahre später, 1988, folgte mit „Die echten Sedemunds“ eine weitere Barlach-Erkundung in dieser forschenden Suche nach Mehrschichtigkeit. Winkelgrund konnte indes auch...

Ein Nachruf auf den Regisseur Rolf Winkelgrund

Visionär der Textergründung

Als ich mich das erste Mal mit Frank Castorf verabredete, war er kurz davor, die Berliner Volksbühne zu eröffnen. Es war im August 1992. Durch den Bühneneingang betrat ich das Gebäude, es roch nach Farbe, und ich stellte mich so blöd an, dass ich mit einem Schritt auf einen frischen Estrich trat. Erschrocken zog ich das Bein zurück und erblickte meinen Schuhabdruck auf dem Boden. In den folgenden Jahren wollte ich immer mal wieder überprüfen, ob es diesen Abdruck noch gab, aber wahrscheinlich hatten sie ihn noch am selben Tag entfernt. Dass sie ein Warnschild aufgestellt hätten mit Vorsicht!, darauf wären sie damals nicht gekommen. Man musste halt schauen, dass man sich in diesem Theater zurechtfand. Auch das Intendantenbüro wurde renoviert, und so saß Castorf woanders. Vor seinem Zimmer hockten sechs oder sieben Leute und warteten auf Einlass. Hier setzte ich mich dazu. In jener Zeit schrieb ich an meinem Buch „Theater in der DDR“, und ich wollte mit Castorf über Anklam reden, wo ja tatsächlich ein anderes, gefährlich lustvolles Theater entstanden war. „Ich dachte, man müsste von vielen Punkten aus diesen psychischen Zustand der Gesellschaft durch­löchern“, sollte ich ihn später zitieren, „so lange, bis es kein Hirn mehr gibt,...

Frank Mario Castorf soll ja jetzt siebzig sein

Mmh, Widersprüche

Meldungen

Explodierendes Dokumentartheater

„Meinwärts“ hieß die erste choreografische Arbeit des 1949 in Wuppertal geborenen Journalisten, Buchautors und Dramaturgen Raimund Hoghe: ein Solo, mit dem Hoghe eine herausragende internationale Karriere als Tänzer und Choreograf begann. Es folgten 25 Produktionen, die von den großen Tanzfestivals Frankreichs in Montpellier, Paris und Avignon, aber auch von Partnern in New York koproduziert wurden. In Deutschland waren es vor allem das Theater im Pumpenhaus in Münster sowie das Tanzhaus NRW in Düsseldorf, die alle Stücke von Raimund Hoghe aufführten. „Viele Jahre habe ich mit Worten geschrieben. Der Körper hinter den Worten war nicht sichtbar. Jetzt schreibe ich mit Körpern – mit meinem Körper und dem Körper von Tänzern“, erklärte ­Hoghe im Vorwort einer 2013 bei Theater der Zeit erschienenen Werkschau. „Zwischen dem Schreiben mit Worten und dem ­Schreiben mit Körpern – letztlich besteht da für mich kein Unterschied. Nur dass der Körper des Autors auf der Bühne sichtbar ist und Teil des Schreibens.“ Der Übergang von der Praxis des Schreibens und der dramatur­gischen Arbeit im Tanztheater von Pina Bausch zur tänzerischen Präsenz auf der Bühne und der choreografischen Arbeit erschien aus seiner Perspektive absolut konsequent. Wie bei Jean-Luc ­Godard war es die Fortschreibung eines Denkens in einem anderen Medium....

Ein Nachruf auf den Schriftsteller, Tänzer und Choreografen Raimund Hoghe

Die Behauptung einer anderen Schönheit

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

„Enter the Collective Vision“ – das Motto des diesjährigen Transeuropa-Festivals in Hildesheim wirkt in pandemischen Zeiten fast grotesk. Und doch legt es den Finger genau auf die Schnittstelle zwischen dem eigenen Ursprungsgedanken – der transeuropäischen Idee des Austausches – und einer Prospektion auf die europaweite Theater- und Performanceszene, die sich in Folge der globalen SARS-CoV-2-Krise methodisch und inhaltlich neu aufstellen muss. Gegründet 1994, um nach dem Fall des Eisernen Vorhangs Ost-West-Verbindungen zu stärken, will das von Studierenden der Universität Hildesheim kuratierte Festival einen progressiven Austausch zwischen Kulturschaffenden ermöglichen. In Live-Streams, Theaterfilmen, Social-Media-Formaten, Installationen und interaktiven Open-Air-Performances bieten die 14 ausgewählten internationalen Künstlerinnen, Künstler und Gruppen Visionen von Gesellschaft und Zusammengehörigkeit an, die zum Teil bis ins Paranoide gehen. So greift etwa das Kollektiv Post Organic Bauplan aus Argentinien in „Der Gastgeberkörper“ das Prinzip der „Autotomie“ – die Fähigkeit einiger Tierarten, in Gefahren­situationen Körperteile abzuwerfen – auf und überträgt es auf die Beziehung zwischen Mensch und Maschine. Elektrische Prothesen, die sich scheinbar eigenständig und eigenwillig bewegen können, dienen den Performerinnen dazu, ihre eigenen Körper beliebig zu modifizieren. Da sitzt die Prothese mal als Arm auf dem Rücken, mal als drittes Bein an der Hüfte oder wie ein Fühler auf dem Kopf....

Das Hildesheimer Transeuropa-Festival zeigt sich wegweisend für die performativen Künste

Verschmelzung im Hybriden

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

How to know?“ Wieder und wieder intoniert die Künstlerin und Performerin Mariechen Danz diese drei Worte, während sie den Raum um sich herum abschreitet. In ihrem weiten, mit ebenso vielfältigen wie vielfarbigen Bildern und Symbolen übersäten Gewand schreitet sie durch einen seltsam zeit-losen Raum. Sie hat dabei zweifellos etwas von einer archaischen Priesterin oder Schamanin. Vor allem ihr gleichförmiger und doch un­geheuer ausdrucksstarker Sprechgesang verleiht der Situation einen rituellen, beschwörenden Charakter. Nur lässt sich die ­Frage, was die 1980 in Dublin geborene und mittlerweile in ­Berlin lebende Künstlerin in dieser und anderen Performances beschwört, kaum beantworten. Im Gespräch erzählt Mariechen Danz, dass sie in letzter Zeit häufig nach den rituellen und schamanistischen Aspekten ihrer Werke befragt wurde. Und ihr Tonfall deutet an, dass sie das nicht unbedingt erfreut. Eine Erklärung hat sie dafür auch: das Beuys-Jahr. Die Beschäftigung mit Beuys und seinen anthroposophischen Ideen hinterlässt gegenwärtig deutliche Spuren im Sprechen über zeitgenössische Kunst. Aber sie führt auch auf falsche Fährten. Eine davon ist der durchaus naheliegende Gedanke, Danz’ Performances erst einmal als Rituale und als persönliche Kunstriten zu lesen. Natürlich haben sie entsprechende Aspekte, deren sie sich auch bewusst ist. „Aber es gibt einen Unterschied zwischen Gesten, die wie alles...

Die Künstlerin Mariechen Danz hinterfragt bei den Ruhrfestspielen Recklinghausen akademische und gesellschaftliche Gewissheiten

Die Reise beginnt

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Es ist der Intendanzneustart der Saison: Mitte dieses Monats, am 16. September, eröffnet die Volksbühne in Berlin unter der neuen Leitung von René Pollesch. Viele Augen sind auf die Hauptstadt gerichtet, viele Theaterherzen pochen auch, denn wohl kaum ein Theater erzeugte in den letzten drei Jahrzehnten so viele Emotio­nen. Auf die Ära von Frank Castorf folgte das kurze Intermezzo von Chris Dercon. Der danach eingesetzte Interimsintendant Klaus Dörr trat im März dieses Jahres infolge von MeToo-Vorwürfen zurück. Wird nun Pollesch, der zu den prägendsten Volksbühnen-Regisseuren der Castorf-Ära gehörte, das Haus noch einmal ganz neu erfinden können, mit bewährten Arbeitsweisen, aber auch neuen Ästhetiken, wie seine Anhängerinnen und Anhänger glauben? Oder hält mit ihm – wie hingegen die Skeptikerinnen und Skeptiker meinen – einfach ein Back-to-the-Castorf-Roots, nur eben ohne den Altmeister, Einzug am Berliner Rosa-Luxemburg-Platz? Das ist die große Frage, die über diesem Neustart steht. Spannungssteigernd wirkt dabei, dass sich Pollesch und sein Team bis tief in den Sommer hinein mit konkreten Spielzeitplänen konsequent bedeckt hielten. Während die anderen Häuser auf ihren Websites bereits bis zum Jahresende prall gefüllte Premierenkalender veröffentlichten, prangte unter der Volksbühnenadresse bei Redaktionsschluss noch immer lediglich der Schriftzug: „Coming soon“. Herauszufinden war durch wiederholte Nachfrage immerhin zweierlei....

Coming soon, aber ohne Ida Müller und Vegard Vinge – Die Berliner Volksbühne gibt unmittelbar vor dem Neustart unter René Pollesch Rätsel auf

Rückwärts nimmer?

Herr Matthes, die Amazon Studios haben jüngst neue Richtlinien für Diversity ­beschlossen, unter anderem sollen jetzt nur noch Schauspielerinnen und Schauspieler engagiert werden, „deren Identität ­(Geschlecht, Geschlechtsidentität, Natio­na­lität, Ethnizität, sexuelle Orientierung, Behinderung) mit den Figuren, die sie spielen, übereinstimmt“. Ganz grundsätzlich: Was halten Sie davon? Das ist eine Mischung aus einem Witz und einer Katastrophe – weil es komplett die wunderbare, jahrtausendealte Profession der Schauspielerei infrage stellt. Das Gegenteil dessen wird damit erwirkt, was ich so berückend und auch politisch relevant an unserem Beruf finde: nämlich, dass er eine lebenslange Beschäf­tigung mit und eine Aufforderung zur Empathie ist. Diese Amazon-Richtlinie regt gerade nicht mehr dazu an, sich mit der Gedanken- und Gefühlswelt eines fremden Menschen auseinanderzusetzen, sie für sich selbst für möglich zu halten. Ganz abgesehen davon: Wie soll das praktisch umsetzbar sein? Man kann doch nicht alle Schauspielerinnen und Schauspieler einem Orwell’schen Lügen­detektortest unterziehen: Bist du wirklich queer, bist du hetero? Das erklärte Ziel der Amazon Studios ist es, authentische Geschichten zu erzählen. Ein Kommentar in der Zeit hält dagegen mit Diderots „Paradox über den Schauspieler“, das mit der Vorstellung bricht, Wahrhaftigkeit entstünde dort, wo Schauspielerinnen und Schauspieler wirklich fühlen, was sie spielen … Ich will keine Forderungen für...

Was macht das Theater, Ulrich Matthes?

Schließlich ist es so weit. Vater und Sohn ziehen ihre Revolver und schießen aufeinander. Ein Ende, das sich von Anfang an abgezeichnet hat und doch nicht unvermeidbar war. Nicht das Schicksal hat den Bauunternehmer und selbsternannten „König des Betons“ Franck und Niko, seinen Erstgeborenen, zu Todfeinden gemacht. Sie sind den Mechanismen des Kapitalismus erlegen, die alles auf Konkurrenz und Kampf reduzieren und kein friedliches Nebeneinander gegensätzlicher Ideen und Überzeugungen dulden. So sieht es zumindest der guineische Autor Hakim Bah, der die Textvorlage für Cédric Brossards im Rahmen des diesjährigen africologne Festivals uraufgeführte Theaterperformance „Traque – Treibjagd“ geschrieben hat. Es gibt zwar ein reales Vorbild für den großen, von Franck gegründeten Baukonzern und dessen geschäftliche Verbindungen zu afrikanischen Staaten. Aber Bah setzt gezielt auf Verfremdungen. Nahezu alle Szenen seines Stücks gleichen Duellen. Verhandlungen werden mit Worten geführt und nicht selten mit Schüssen aus Revolvern beendet. Das wahre Wesen des Kapitalismus spiegelt sich in den Konventionen des Western-Genres. Das erinnert an die Verfremdungstechniken eines Bertolt Brecht, dessen Lehrstück „Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui“ Zeitgeschichte als Mafia-Kolportage porträtiert hat. „Traque“, eine gemeinsame Produktion von Brossards ­Compagnie Acétés und africologne, stand im Zentrum des diesjährigen Festivals. Aufgrund der Pandemie konnte Brossards an verschiedenen...

Das africologne Festival in Köln stößt seit zehn Jahren Diskussionen über neokoloniale Verhältnisse an, um Vorurteile auf beiden Seiten abzubauen

Es ist ein Kreuz

Neuerscheinungen im Verlag