Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Tänze, Träume und Theaterglück

double feiert Jubiläum

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Ich bedeckte erst deinen Mund, dann deine Ohren, ich wucherte über dein ganzes Gesicht. Die Wangen waren eine Köstlichkeit. Es zog mich deinen Hals hinunter, erstmals nahm ich deinen Duft wahr. Deine Schultern, ich begriff wie viel Kraft von ihnen ausging. Ich kitzelte dich ein wenig, als ich in deiner Achselhöhle ein Zuhause fand. Du bebtest etwas, wachtest aber nicht auf. Ich fühlte mich dir so nahe. Als ich auf deiner Brust wucherte, erboten sich vor mir deine Weiten. Unendlich lagst du vor mir. Und ich sah nun deine unglaubliche Schönheit, ein unfassbares Schauspiel der Natur. Und fast unberührt. Es gab nur wenige fremde Pilzkulturen, die zu meinem Glück weder giftig noch besonders wehrhaft waren. Es war nur ein kurzer Kampf, jetzt herrscht auf deinem Körper Frieden. Und ich stehe dir zur Seite. Einzelne Kulturen an den Füßen leisten noch Widerstand, aber es kann nicht mehr lange dauern, dann bist du bewandert allein von mir, und ich werde alle fremden Spuren auf dir verwischen. Ich und du. Allein. Ich sah dein entsetztes Gesicht, als du in den Spiegel, und du mich dort auf dir liegen sahst. Du machtest drei Schritte und fielst über eine Kommode, stießt dir den Kopf. Du...

Mit unserer neuen Open-Call-Reihe „Schlaglichter“ laden wir Studierende und Berufseinsteiger:innen dazu ein, eigene Denkräume zu eröffnen, Wünsche und Träume zu teilen und die Zukunft des Theaters in ihrem Können und Sollen zu erkunden. Auf diesem Weg möchten wir jungen, bislang ungehörten Stimmen Gehör verschaffen und einer sowohl künstlerischen als auch diskursiven Auseinandersetzung mit gegenwärtigen Themen des Theaters einen selbstbestimmten Raum bieten.

Schlaglichter # 02

Der sprechende Pilz

„Ich werde Sie den Berlinern so lange vorsetzen, bis die Sie feiern“, versprach Brecht der jungen Regine Lutz im Dezember 1949 nach einer hämischen Kritik von Friedrich Luft für ihre Ludmilla in Gorkis „Wassa Schelesnowa“. Gefeiert wurde die 1928 in Basel geborene Professorentochter, die Brecht nach ihrer ersten Begegnung am Züricher Schauspielhaus nach Berlin gefolgt war, schon bald: für ihre Yvette in „Mutter Courage und ihre Kinder“ ebenso wie für ihr Gustchen in der „Hofmeister“-Bearbeitung am Berliner Ensemble. Sie stand mit Therese Giehse und Ernst Busch auf der Bühne und war mit Hanns Eisler ebenso befreundet wie mit Caspar Neher und John Heartfield. Welche Bedeutung die Zusammenarbeit mit Brecht und Weigel für sie hatte, lässt sich in ihrem Theater-Lehrbuch „Schauspieler – der schönste Beruf“ von 1993 auf höchst unterhaltsame Weise nachlesen. Nach Brechts Tod ging Regine Lutz 1960 ans Theater am Kurfürstendamm, danach in Engagements am Residenztheater München und ans Thalia Theater in Hamburg. Von 1979 bis 1985 war sie Ensemblemitglied am Berliner Schillertheater. Im Film spielte sie unter anderem in Volker Schlöndorffs „Die verlorene Ehre der Katharina Blum“ von 1975 und in Krzysztof Zanussis „Blaubart“ von 1984 und mit ebenso viel Witz und Leidenschaft im „Tatort“. Unvergesslich sind ihre...

Ein Nachruf auf die letzte Brecht-Schauspielerin Regine Lutz

Meisterin im Jahrhundert des Fußballs

„Hamlet“, eine sehr freie Shakespeare-Interpretation von Chela de Ferrari und der Gruppe La Plaza, hatte 2019 in Peru Premiere. Es ist eine Inszenierung, die vor Augen führt, mit welcher Kraft Theater die geistigen Horizonte der uns bekannten Welt verschieben und erweitern kann. Dem Theater steht ein komplexes Zeichensystem zur Verfügung, das ermöglicht, mit einer großen Palette an Zwischentönen und Schattierungen zu arbeiten, Emotionen auszulösen und Ideen zu entwickeln, um unsere Vorstellung von Wirklichkeit zu bereichern. De Ferrari beherrscht dieses System meisterhaft und setzt es mit außergewöhnlicher Sensibilität und handwerklichem Können ein, um die Vorurteile gegenüber Menschen mit Down-Syndrom zu untersuchen und die Diskriminierung bestimmter sozialer Gruppen durch die Historie hindurch zu hinterfragen. In der Theatergeschichte gab es immer wieder bemerkenswerte Momente, die den Blick auf die Unterschiede zwischen Menschen lenkten und erlaubten, den Schmerz und die Ungerechtigkeit bestimmter Situationen und Zustände zu erkennen. In seinem Buch „Mit der Seele hören: Die Geschichte der Taubheit“ (1989) beschreibt Harlan Lane, wie der Abt Charles-Michel de l’Epée (ein Pionier auf dem Gebiet der Bildung für Gehörlose und der Anerkennung ihrer kognitiven Fähigkeiten) bereits Ende des 18. Jahrhunderts das Theater als Medium nutzte, um die Intelligenz dieser sozialen Gruppe zu demonstrieren, die bis dahin...

Bei der peruanischen Theatergruppe La Plaza arbeiten Darsteller:innen mit Down-Syndrom

Hamlet sein

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

Über Kolumbien hören wir fast immer nur Meldungen aus der politischen Welt, wesentlich seltener jedoch erfahren wir über etwas die intensiven und vielseitigen kulturellen Aktivitäten des Landes. In der Theaterarbeit der letzten Jahre ragen Frauen heraus, die sich auf unterschiedlichen Gebieten entfalten und sich vor allem als Menschen verstehen, die Netzwerke bilden. Auf den folgenden Seiten werden lediglich einige dieser Namen erwähnt in der Hoffnung, das Interesse für eine Theaterszene anzuregen, die so vielfältig wie lebendig ist. Medellín, die Hauptstadt des Departamento Antioquia, ist mit ihren über vier Millionen Einwohner:innen ein wichtiges Zentrum für unabhängige Theatergruppen und seit Jahrzehnten auch die Wiege für innovative Impulse in der nationalen Kulturszene. Yacqueline Salazar leitet seit 2002 das Kolumbianische Theaterfestival der Stadt Medellín. Als Kulturagentin im weitesten Sinne des Wortes hat sie die Chance genutzt, die ihr die kontinuierliche Teilnahme an verschiedenen iberoamerikanischen Festivals geboten hat, um Kontakte mit der lateinamerikanischen Theaterszene zu knüpfen und zu vertiefen. Während des Kolumbianischen Theaterfestivals der Stadt Medellín werden unterschiedliche Räumlichkeiten genutzt. Darunter befindet sich auch der Saal der Corporación Porfirio Barba Jacob, in einem Viertel, in dem Sozialwohnungen in den siebziger Jahren gebaut worden sind. Salazar ist seit 1997 die Künstlerische Leiterin der Corporación Porfirio Barba...

Starke Frauen aus Kolumbien im Feld von Widerstand, Politik und Theater

Die besonderen Stimmen

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Wolfram Hölls neues Stück ist schon auf dem Papier wieder als Sprechpartitur erkennbar: Fünf Figuren sind da in Spalten angeordnet – und nicht im typischen Dialogwechsel mit Regieanweisungen. Inhaltlich dreht sich das Stück als Totenbeschwörung um eine Leerstelle zwischen vier Generationen und dem mentalen Graben zwischen der Bergtal-Schweiz und Ost-Deutschland. Katharina bzw. Käthi ist kurz vor ihrer Hochzeit bei einem Autounfall ums Leben gekommen. Nun begeben sich ihr hinterbliebener Mann und die gemeinsame kleine Tochter zusammen mit der Großmutter bzw. Uroma in das kleine Rhonetal-Dorf Niederwald im Schweizer Kanton Wallis, wo sie auf zwei alteingesessene Urgroßtanten treffen. Alice und Anna wissen so gut wie alles über Aberglaube und die Dorfgeschichte, nur eben beinahe nichts über diese Fremden, die ihre Ankunft in Käthis Heimat fast wie eine Rückkehr verhandeln. Jutta, die Uroma, kauft das Haus von Alice, das dann in der Wirkung eines schmelzenden Gletschers abrutscht von seinem jahrhundertealten Standort. Damit sind auch schon alle Motive und Themen benannt, nur nicht, wie man die Handlung in dieser Sprechpartitur auf die Bühne bringen kann. Für den relativ kleinen Bühnenraum der Disko des Schauspiel Leipzig, wo vor zehn Jahren mit der Uraufführung von „Und dann“ in der Regie von Claudia Bauer die Karriere...

„Niederwald“ von Wolfram Höll (UA) – Regie Elsa-Sophie Jach, Bühne und Kostüme Aleksandra Pavlović, Musik Max Kühn

Schauspiel Leipzig: Fortschreitender Bildverlust

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

„Tot tot tot / verlorene Generation / Tot tot tot / verlorene Generation“ – diese Worte sind es, die in Alireza Daryanavards Inszenierung „Chronik der Revolution“ am Berliner Ensemble immer wieder chorisch durch den kleinen Werkraum hallen. Gesprochen von Nina Bruns, Gabriel Schneider und Amelie Willberg erzählen sie von dem jahrzehntelang andauernden Schmerz des iranischen Widerstands. Sie erzählen von den Folterungen politisch Inhaftierter im Evin-Gefängnis, von den Kettenmorden an oppositionellen Intellektuellen und von der gewaltsamen Niederschlagung der Studierendenproteste. Doch das, was der iranisch-österreichische Regisseur und Aktivist Alireza Daryanavard hier auf die Bühne zu bringen versucht, ist größer als eine Generation: Es ist eine Chronik der Revolution – eine Chronik, die nicht nur einer düsteren Vergangenheit eine Stimme verleiht, sondern auch Hoffnung spenden will. Geteilt in neun Kapitel, wird die Geschichte des Irans seit der Konstitutionellen Revolution 1905 zum Gegenstand des Bühnengeschehens gemacht. Das Ziel: Eine historische Linie bis in unsere Gegenwart ziehen – zeigen, wie sich Schmerz in Wut kehrt, wie Angst zu Mut heranwächst. Die Islamische Revolution im Jahr 1979 – die Absetzung von Schah Mohammad Reza ­Pahlavi und die Gründung einer verfassungsgebundenen Theokratie – konstituiert sich an diesem Abend als ein historisches Drehmoment: Hoffnung und Träume, Macht und...

Mit „Chronik der Revolution“ zeigt Alireza Daryanavard am Berliner Ensemble eine Produktion über historische und gegenwärtige Proteste im Iran

Geschichte(n) auf die Bühne bringen

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Santiago de Chile: Goethe-Medaille für Carmen Romero Quero

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

Wir starten eine neue Serie: „Post-Ost“. Mit essayistischen Beiträgen von jüngeren Theatermacher:innen und Autor:innen, die ihre persönlichen und beruflichen Erfahrungen und Vorstellungen beschreiben, bevor im Herbst in Brandenburg, Sachsen und Thüringen Landtagswahlen anstehen. „Post-Ost“ ist ein sehr verschieden verwendeter Begriff mit einer aber doch erkennbaren Zusammenhangsgröße: Zum einen bezieht er sich auf nach 1990 in Ostdeutschland Sozialisierte, zum anderen bezeichnet er, wesentlich erweitert, junge Menschen, die aus ost- und südosteuropäischen Ländern stammen und meist als Kinder in den deutschsprachigen Raum kamen, mit oft oberflächlichen Zuschreibungen für ihre jeweilige Herkunft und entsprechenden Reaktionen ihrerseits. Nicht Abweichung von der Westnorm, wie es Dirk Oschmann in seinem immer noch heftig diskutierten Buch beklagt, sondern längst vorhandene Vielfaltsmöglichkeit. In der Literaturwissenschaft wiederum wird damit ein Phänomen spezifisch ostdeutscher Tradition zu erfassen versucht. Soziologisch steht die intergenerationelle Übertragung von sozialen Erfahrungen mit im politischen Raum. Was da zusammenkommt, ist nicht allein für Ostdeutschland interessant, sondern ein wesentlicher und auch die Zukunft der Kultur insgesamt bestimmender Aspekt. In diesem Zusammenhang von Post-Ost steht auch das Dossier der Friedrich-Ebert-Stiftung unter dem Motto „Zukunft erproben“ zur Theaterarbeit in Ostdeutschland. Ausgangspunkt der Materialsammlung ist eine statistische Datensichtung zur Repräsentation Ostdeutscher in den Intendanzen der Darstellenden Künste, die TdZ-Redakteur Michael...

Editorial

Zwischen kreisrund angeordneten Tribünen kreist eine Rodeo-Bullenmaschine um sich selbst. Darauf: Ann Göbel in einem rot-karierten Kleid, weißer Funkemariechen-Strumpfhose und glitzernden Cowboy-Boots. In einer Hypnose, in die sie sich von Oskar Olivo hat versetzen lassen, der als Psychiater sein Können zum Beweis stellen sollte, erzählt sie als Karl May seine erträumte Autobiografie als eine Geschichte der Hybris. Karl May wird zum selbstinszenierten Genie, zum Hochstapler, zum Kriminellen: „Diese Träume mögen ängstigen, doch ICH träume sie, ICH, von höchster Intelligenz, ICH, von tiefster Herzensbildung, ICH, von größter Fitness, ja. Vertrau mir, Mann! ICH bin Old Shatterhand. ICH bin Kara Ben Nemsi, ICH spreche zwanzig Sprachen, ICH habe einen Doktor in Philosophie, ICH habe die Jesiden gerettet …“ Das soll einer der stärksten Momente des Abends bleiben, weil ein tatsächlich szenisches Bild erzeugt wird. Karl May ist einer der erfolgreichsten deutschen Schriftsteller. Amerika besucht hat er erst nach seinen „Old Shatterhand“-Romanen. Seine Vita läuft zum Einlass der Inszenierung, die seinen Namen trägt, auf der großen, halbrunden Leinwand im Hintergrund. Sie ist verflochten mit Fakten aus der Amerikanischen Kolonialisierungsgeschichte, der deutschen Germanisierungspolitik, der Unabhängigkeitserklärung der kurdischen Republik Ararat und dem Indochinakrieg, an dem sich niemand anderes als Winnetou-Darsteller Pierre Brice als Freiwilliger beteiligte....

„Karl May“ von Enis Maci und Mazlum Nergiz (UA) – Regie Enis Maci und Mazlum Nergiz, Bühne Leonard Neumann, Kostüme Martha Lange, Live-Musik Maximilian Weber, Video und 3D-Animation Wassili Franko

Volksbühne Berlin: Das Kreisen des Bullens

Sie haben dem deutschsprachigen Theater einen Bühnenklassiker gegeben. Zwar hat Ariane Mnouchkine schon zwei Jahre vor Ihrer Verfilmung von „Mephisto“ (1981) eine erste Bühnenadaption vorgestellt, aber viele Bearbeitungen des Romans von Klaus Mann sind vor allem durch Ihren Film inspiriert und in immer wieder neuen Versionen inszeniert worden. IS: Davon weiß ich gar nichts. Sollten Teile des Drehbuchs direkt verwendet worden sein, müsste ich das wissen. Sie meinen, der Film hat die Theaterleute inspiriert? Ja, die einzelnen Adaptionen lassen sich gar nicht mehr so leicht zählen. Wahrscheinlich sind es an die vierzig Inszenierungen bis heute. Die Karriere des Schauspielers Hendrik Höfgen auf dem Gipfel des Ruhms im Dritten Reich fasziniert zum Thema Geist und Macht bis heute. IS: Solche Charaktere gibt es überall. Das interessiert auch in Polen oder in Ungarn und anderswo. Es hängt davon ab, unter welchen Umständen ihre besondere Begabung durch die Macht benutzt werden kann. Es müssen gar keine Schauspieler sein, sondern es kann sich auch um völlig andere Berufe handeln. Wie haben Sie Klaus Maria Brandauer für die Rolle des Hendrik Höfgen damals entdeckt? IS: Ich habe Brandauer in Wien am Burgtheater als „Tartuffe“ gesehen und ging hinterher zu ihm in die Garderobe, um ihm...

Im Gespräch mit Thomas Irmer

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Ich erzähle Ihnen etwas über uns, weil es vermutlich sonst niemand tut, doch es ist für mich eine Herausforderung, unsere Praxis der sogenannten „Arte Indígena“ zu theoretisieren, die indigene Kunst, die der Selbstvergewisserung, der Rückforderung von Rechten und Ansprüchen eines durch den Kolonialismus dezimierten Teils der Weltbevölkerung dient. Ich kann nicht fortfahren, ohne zuerst auf die Voraussetzung dieses Vorgangs einzugehen, das Privileg des (sich) Denkens, denn ich gehöre zu einer Bevölkerungsgruppe Argentiniens – oder dem großen Gebiet von Abya Yala1 – in der das Denken nur als Werkzeug zur Beschaffung des täglichen Lebensunterhalts dient. Hartnäckig hält sich die Vorstellung, ein indigener Künstler könne zwar ein Kunstwerk erschaffen, sei aber unfähig zu einer politischen oder gar ideologischen Analyse seiner Realität – mit der Folge, dass die Freiheit des Denkens und Handelns bis heute eingeschränkt sind, wenn es um die Peripherie geht. Indigene Repräsentation In den letzten Jahren ist die Sicht­barkeit zeitgenössischer künstlerischer Arbeit von Indigenen stark gestiegen, daher möchte ich lieber über Werke und Stücke und weniger über die Künstler sprechen, von denen sich viele immer noch nicht als solche begreifen, während die Materialität ihrer Kunst zunehmend anerkannt wird. Das hat damit zu tun, dass es lebensgefährlich sein kann, sich...

Indigenismus auf dem Kunstmarkt

Der große Widerspruch

Jetzt ist alles politisch

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Der Tanz von Fine Kwiatkowkski ist ein künstlerischer Tanz mit den Mitteln der Improvisation. In ihrer Bewegung verkörpert sie ein Spektrum einer auf ihren Körper abgestimmten Bewegungssprache, die auf einer eigenen, selbstbestimmten tänzerischen Entwicklung basiert. Durch ihre Körpersprache erschafft sie Choreografien als Ausdruck für klar lesbare Körperbilder und verbindet diese thematisch mit menschlichen Transformationszuständen. Ihre Arbeiten reflektieren ihre Auseinandersetzungen mit der conditio humana – als einen immerwährenden künstlerischen Dialog, humanistisch, existenzialistisch, der Welt zugewandt. Ihr Bewegungsreichtum ist hochgradig verdichtet, Zelle für Zelle aktiviert, gegenwärtig in glasklaren Körperlinien. Sie ist in ihrem Ansatz bedingungslos konkret und offenbart „mit ihrer außergewöhnlichen und hochdifferenzierten Körpersprache, dass die Grenzen dessen, was durch Bewegung sagbar ist, noch immer nicht festgeschrieben sind“, so der Saxofonist Urs Leimgruber, der mit Kwiatkowski zusammengearbeitet hat. Es ist ein Tanz, der aufs Tiefste berührt, irritiert, fesselt und eine politische Dimension von Tanz erschafft. Ihre Choreografien sind Ausdruck ihrer individuellen wie auch dem Menschen inhärenten Dringlichkeit, Auseinandersetzungen erfahrbar werden zu lassen. Außerhalb des konventionellen Tanzes Fine Kwiatkowskis Tanzwerke werden konsequent interdisziplinär gedacht. Durch die Einbeziehung von filmischen Elementen, Literatur, Musik und bildender Kunst entsteht eine immerwährende Zwiesprache zwischen und mit den Genres. Unbeirrt, selbstbestimmt geht es ihr darum, die Gestaltung von...

Die Tänzerin Fine Kwiatkowski im sizilianischen Gibellina

Den Narben begegnen

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Es gibt Momente, da unterbricht die Regie den Text. Die Figuren des Stücks versammeln sich dann an der Rampe und reden alle gleichzeitig durcheinander, jeweils nur mit sich selbst beschäftigt. Das geht so fast minutenlang. Soll mit diesem kollektiven Aneinandervorbei-Sprechen etwas verdrängt werden? Vielleicht, denn in Simon Stephens neuestem Stück „Ein dunkles, dunkles, dunkles Blau“, jetzt uraufgeführt im Kammertheater, geht es ums Sterben – jedes einzelnen Menschen, aber auch des ganzen Planeten. Es ist wieder ein Dialogstück, eins seiner seismografischen well-made-plays. Nach <a href="https://tdz.de/artikel/e70d193b-7555-4f34-8981-fd26a5ec852d">„Am Ende Licht“</a> (2021), einer Studie um prekäre soziale Verhältnisse in Nordengland, spielt der aktuelle Text mit dem dreifach dunklen „Blau“-Titel (im englischen Original sogar vierfach „dark“) in Stuttgart. Doch die Schauplätze sind eher randhaft. Der Text verhandelt die letzten Tage von Christof, eines Krebskranken Anfang zwanzig, der nur noch ein paar Wochen zu leben hat, und seiner Freundin Nicola, die ihn dabei begleiten will. Stephens lässt noch acht weitere Personen zu Wort kommen, jeweils in Zwiegesprächen, reißt auch deren Erfahrungen mit dem Tod an, ihre Lebensentwürfe, ihr Scheitern. Elmar Goerden inszeniert die Uraufführung in erwartbar unaufgeregtem Duktus, mit ruhiger Hand, in die Dialoge hineinhorchend. Ab und zu blendet er besagte Zwischenspiele ein, surreale Verdichtungen, in denen die...

„Ein dunkles, dunkles, dunkles Blau“ von Simon Stephens (UA) – Regie Elmar Goerden, Bühne Silvia Merlo, Ulf Stengl, Kostüme Lydia Kirchleitner

Schauspiel Stuttgart: Bin tot. Bis später

Was folgt

The merest schoolgirl, when she falls in love, has Shakespeare or Keats to speak her mind for her; but let a suffer try to describe a pain in his head to a doctor and language at once runs dry. (On being ill, Virginia Woolf, 1926) Oh weh, mein Arm! Die Flanken! Hals und Rücken! Oh Nerven! Adern! Oh des Schmerzes Wucht! Die Augen wollen sich aus meinem Schädel drücken! Amor samt Amoretten sei verflucht! Was soll man, oh, in ihrem Garten pflücken? Die Blüten stinken, bitter ist die Frucht. Oh weh, die Beine! Oh die Knie! Und immer dort hinter meinen Augen das Geflimmer (Der mit der Franzosenkrankheit geschlagene Astrologe, Margherita Costa, ca. 1640) Auftretende: Windhündin Poch Hundegehirn Hunde in Weiß / Hundeärzte: z.B. Dr. Wuff Dr. Hundehypnose Dr. Kopfhund Dr. Dr. Hundekopf Dr. Dr. Dr. Hechel Zimmerhundenachbarin Türsteher Cerebras (hat drei Köpfe) Care (aus dem Off) Höllenkatz Dieses Stück verzichtet auf jegliche medizinische Richtigkeit. Sollten Sie gesundheitliche Probleme haben, wenden Sie sich bitte an eine ärztliche Person. Das Stück wurde am Theater Basel am 18. Januar 2024 uraufgeführt. © Suhrkamp Verlag AG, Berlin, 2023. PROLOG (Pochs alter Kopf in Formaldehyd eingegossen im Foyer des Spitals hängend) Ich vermisse meine...

Das Stück wurde am Theater Basel am 18. Januar 2024 uraufgeführt. © Suhrkamp Verlag AG, Berlin, 2023.

Kranke Hunde

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Das lateinamerikanische Theater hat in den zweihundert Jahren seiner Geschichte eine Vielzahl politischer Formen entwickelt, um die komplexe Situation des Kontinents wiederzugeben. Die Begegnung mit dem Theater Bertolt Brechts erlaubte es in der zweiten Hälfte des zwanzigsten Jahrhunderts, politische Ansätze zu vertiefen und stärker theoretisch zu untermauern. Besonders in der historischen Phase des Aufkommens der lateinamerikanischen Diktaturen wandten Künstler immer raffiniertere Strategien an, um mit ihrer künstlerisch-politischen Arbeit Diktaturen und Völkermord zu überstehen. Doch nachdem die verfassungsmäßigen Rechte einmal außer Kraft gesetzt waren, nahmen die Verbrechen gegen die Menschlichkeit in der gesamten Region schnell zu, und die Zahl verschwundener Menschen (Entführungs- und Folteropfer, deren Körper man verschwinden ließ) stieg schmerzhaft an – unter ihnen auch viele Künstler:innen. Zu dieser Tragödie kam noch das Exil, ein Phänomen, das sich selbstverständlich auch auf die Kunstwelt ausgewirkt hat: Künstler:innen, die gezwungen waren, im Ausland zu leben, knüpften berufliche und persönliche Verbindungen zu Künstler:innen aus anderen Breitengraden und kamen so mit einer anderen Poetik in Berührung als in ihren Herkunftsländern. Diese Begegnungen sollten später ihren Einfluss entfalten, als die Diktaturen endeten und eine Rückkehr in die neu entstehenden Demokratien für Künstler:innen attraktiv wurde. Seinen politischen Charakter hat das Theater in der Region seitdem beibehalten,...

Neue Wege der Kulturpolitik lateinamerikanischer Länder

Milei als Fanal

Unterm Strich sieht es auf den ersten Blick gar nicht mal so schlecht aus: In der aktuellen Spielzeit sind 15,5 Prozent der 161 Intendanten an 147 deutschen Stadt- und Staatstheatern sowie Landesbühnen in der Bundesrepublik – es gibt vereinzelt Doppelspitzen oder Kollektivmodelle – ihrer Herkunft und Sozialisation nach Ostdeutsche. Die machen insgesamt rund zwanzig Prozent der Bevölkerung aus, weshalb die Friedrich-Ebert-Stiftung, die solche Daten sichten ließ, insofern nur „eine leichte Unterrepräsentation“ in den Chefetagen der Häuser feststellt. Davon lässt sich andernorts nur träumen, in Unternehmen, Universitäten oder Bundesbehörden zum Beispiel. Sobald man mehr ins Detail geht, differenziert sich das Bild aber beinahe erwartungsgemäß: Von 54 Intendanten im Osten stammen 21 aus dem Westen, von 107 im Westen nur sechs aus dem Osten (es gibt hier wie dort zudem immer noch jene mit „internationaler Herkunft“, auffallend häufig solche aus der Schweiz etwa). Zudem nimmt die ostdeutsche Repräsentation deutlich ab, je größer eine Stadt ist: In solchen mit mehr als einer halben Million Einwohnern gibt es fünfzig Intendanten, darunter fünf ostdeutsche. In der Theaterstadt Berlin ist Christina Schulz (Theater an der Parkaue) derart gerade ganz allein auf weiter Flur, selbst die Freie Szene eingerechnet, nachdem Franziska Werner die künstlerische Leitung der Sophiensaele...

Die Friedrich-Ebert-Stiftung legt ein Dossier zur Theaterarbeit in Ostdeutschland vor

Intendanten-(Er)Zählungen

Magisch und anders

Der iberoamerikanische Raum setzt sich aus verschiedensten Ländern auf der iberischen Halbinsel und Lateinamerikas zusammen. Wie ist denn die Idee zu diesem Festival, das jetzt zum dritten Mal stattfindet, entstanden? Holger Schultze: Die Gründungsidee entwickelte sich aus dem Stückemarkt, als wir Mexiko als Gastland hatten. Der Präsident von Ibero Scena, dem Zusammenschluss dieser Länder im Theater, fragte, ob man nicht ein solches Festival in Deutschland machen könnte. 2017 sind Lene Grösch und ich durch verschiedene Länder gefahren – Kolumbien, Chile, Kuba, Argentinien – und haben dort Kontakt mit den Goethe Instituten und einzelnen Theatern aufgenommen. Wir kannten diese Szenen nur peripher, aber es wurde schnell klar, dass die Theater dort inhaltlich im Diskurs aktueller als wir sind und ästhetisch sich oft am europäischen Theater orientieren. So dass es sich lohnen würde, diese Theater nach Deutschland zu holen. Es gab ja schon mal Ende der 1990er Jahre eine intensivere Berührung mit dem lateinamerikanischen Theater, insbesondere aus Argentinien und Brasilien, die aber wieder verloren ging. Diese Lücke wollten wir schließen. Lene Grösch: Wir unterschätzen natürlich, wie heterogen diese Theaterlandschaften sind. Allein auf Kuba herrschen ja ganz eigene Bedingungen. In Argentinien gibt es wieder ganz eigene Themen. Dazu noch die Verbindungen zu Portugal...

¡Adelante!, das heißt Vorwärts!, ist das einzigartige Festival des iberoamerikanischen Raums, der von Spanien und Portugal zusammen mit den lateinamerikanischen Ländern gebildet wird. In diesem Kulturraum, der auch eine Kontaktzone zwischen Lateinamerika und Europa darstellt, gibt es im Theater gerade wichtige Entwicklungen, die über die Situation in den einzelnen Ländern weit hinausweisen.

Holger Schultze und Lene Grösch über das iberoamerikanische Festival ¡Adelante! im Gespräch mit Thomas Irmer

Seismografie der Erschütterungen

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Ein großer Aufschlag. Mit der Verbindung von Henry Purcells und John Drydens Semi-Opera „King Arthur“ mit Kae Tempests Gedicht „Let them eat chaos“ bringt Aachens neue Intendantin ­Elena Tzavara in ihrer ersten Premiere direkt ein Bekenntnis auf die Bühne. Und das in mehrererlei Hinsicht. Die Geschlechterrollen sind aufgelöst, die Gesellschaft erstarrt – und dennoch ist es ein Fest, ein Abend der Hoffnung. Am Ende verteilt der Opernchor rote Luftballons im Publikum, alle vereinen sich in der Botschaft „Amor vincit omnia“ – die Liebe besiegt alles. Verbunden mit der Versicherung, dass jede:r willkommen ist im Theater Aachen. So viel Pathos erzeugt natürlich Kitschgefahr. Deshalb ist es nötig, sich durch viele düstere – und leider realistische – Welt­beschreibungen durchzuarbeiten. Das tut vor allem die Schauspielerin Stefanie Rösner als Stimme von Kae Tempest, aber auch als Zauberer Merlin, der seine Magie menschenfreundlich einsetzt. Viel wird an diesem Abend angerissen, wenig zu Ende erzählt. Arthur schleppt sein schweres Schwert Excalibur über die Bühne und streitet sich mit einem Konkurrenzkönig um die blinde Prinzessin Emmeline, die vom nicht-binären Schauspielenden Hermia Gerdes verkörpert wird. Dazu kommt der Text von Kae Tempest, der von einsamen, von Ängsten gepeinigten Menschen erzählt. Ein Sturm treibt sie auf die Straße,...

Elena Tzavara beginnt ihre Intendanz in Aachen mit spartenübergreifendem Spiel

Feste des Miteinanders

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Die Bestürzung über den Sieg des ultrarechten Kandidaten Javier Milei bei den argentinischen Präsidentschaftswahlen am 19. November 2023 war für viele Menschen groß. Theaterschaffende hatten in ihren Netzwerken noch zur Wahl des peronistischen Gegenkandidaten aufgerufen, um das verheerende Ergebnis zu verhindern, aber vergeblich: Mit der Motorsäge in der Hand feierte Milei „Es lebe die Freiheit, verdammt nochmal“ und kündigte an, es gebe „keinen Platz für Gradualismus und laue Halbherzigkeiten“. Auch nicht, was die Kultur betrifft. Als erste Amtshandlung reduzierte er mit einem Regierungserlass die Zahl der existierenden Ministerien um die Hälfte: Die Ex-Ministerien für soziale Entwicklung, Bildung, Arbeit, Frauen und Kultur sind nun im neu geschaffenen „Ministerium für Humankapital“ vereint. In seiner Antrittsrede bekräftigte der Präsident erneut, dass „kein Geld da ist“. „Die Aussichten sind nicht gut, und die einzige Gewissheit ist die Ungewissheit“, sagt Romina Coccio, Schauspielerin und Dozentin für Improvisationstheater, die vor 18 Jahren auf der Suche nach neuen Perspektiven nach Mexiko gezogen ist. Sie ist eine von vielen Argentinier:innen, die in Mexiko leben, die meisten von ihnen haben ihre Heimat vor allem wegen der wirtschaftlichen und politischen Krisen Richtung Mexiko verlassen. Mit der Präsidentschaft Mileis könnte es zu einer neuen Auswanderungswelle der kreativen Köpfe kommen. „Auf Facebook...

Das Land ist Arbeitsort kultureller Emigranten

Schönes, geliebtes Mexiko

Derman sendedir

Die Stress-Knoten auflösen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Dmitrij Gawrisch berichtet in seinem Stück „Die Dampfnudel“ aus dem grotesken Familienalltag einer Patchwork-Familie. Im Mittelpunkt steht das sechsjährige „Zentralgestirn“ Toni. Das Stück erzählt vor allem aus der Perspektive des alleinerziehenden Vaters Nils und seiner Freundin Saskia, die sich mehr Anteil an der Erziehung dessen kleiner Tochter wünscht. Sprich, sie will auch Mama genannt werden. Mit dieser Einmischung kommt die leibliche Mutter Ines so gar nicht klar. Die einzige nachhaltige Rettung dieser toxischen Dreiecksbeziehung plus Kind bietet ein Chor von Paartherapeut:innen und Großvater William, unterstützt von der K.I. Arnie. Es ist Tonis erster Schultag, den Saskia gebührend feiern will, der zum fast unüberwindbaren Konflikt führt. Fast vergisst man dabei das eigentliche Drama: wie schwer es in einer Großstadt ist, Betreuung für sein Kind zu finden, wenn man dringend zu diesem einen Termin mit der Therapeutin muss – diesem seidenen Faden, an dem gerade die ganze Beziehung hängt. <a href="https://tdz.de/artikel/9c9b3644-cf8b-42c0-8645-feacc9d6ae92">Zum Stück</a> Ariane Koch schreibt in „Kranke Hunde“ über die Rennhündin Poch. Sie ist eine der erfolgreichsten Läuferinnen auf der Rennhundebahn, bis sie umkippt. Aufgewacht, findet sie sich in einem Krankenhaus umringt von einer Schar Hundeärzte wieder. Diagnose: komplizierter Fall. Angesichts der Zerbrechlichkeit ihres Körpers sinniert die Patientin über ihre Situation nach. Das...

Stück Labor – Neue Schweizer Dramatik Es ist das einzige Förderprogramm seiner Art, das kontinuierlich jede Spielzeit Hausautor:innenschaften in Kooperation mit Schweizer Theatern ermöglicht. Während jeder Saison entstehen so im Rahmen von Residenzen zwei bis vier Uraufführungen zeitgenössischer Stücke. Die Hausautor:innen 2022/23 waren Dmitrij Gawrisch und Ariane Koch an den Bühnen Bern und am Theater Basel. Ihre Texte beschäftigen sich mit Hilflosigkeit, dem Ringen um Ermächtigung und blicken in unsere Welten voller erschöpfter Menschen, die sich aus der Perspektive beider Autor:innen in skurrile Zerrbilder unserer Realität verwandeln.

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Wir alle waren Ruinenkinder. Emine Sevgi Özdamar ZENTRALGESTIRN: TONI, 6 Jahre alt IN ÜBERLAPPENDEN UMLAUFBAHNEN: SASKIA, baut Wärmepumpen NILS, ihr Partner WILLIAM, in Rente ARNIE, seine Begleitung INES, oft am Telefon OLHA GURNIK, Therapeutin für Paare, die es auch bleiben wollen Ein ganzer CHOR VON PAARTHERAPEUT:INNEN als Unterstützung STIMME EINS bis SECHS, verschiedene Freund:innen und Bekannte, allesamt krank oder beschäftigt APOLLONIA, mit fast neunzig auf Andenexpedition FLORENTINE, hat Kontakte zu Interpol MODERATOR:IN, aber nur geträumt ORT: In einer Stadt mit grünen Flecken; Opa WILLIAM schaltet sich aus der Wärme zu. ZEIT: Vor TONIS erstem Schultag. ZEICHENSETZUNG: / bedeutet Unterbrechung oder scharfen Anschluss. Wenn ein Satzschlusszeichen fehlt, bleibt das Gesagte noch kurz in der Luft schweben. Zeilenumbrüche mitten im Satz oder Absatz markieren Pausen. Das Stück wird am 3. April 2024 an den Bühnen Bern uraufgeführt. © Verlag der Autoren, Frankfurt a. M. I Heute ist unser Abend 1. Allergisch auf Nüsse Saskia Im Supermarkt greifst du nach dem letzten Sack Kartoffeln Nils Im selben Supermarkt greifst du nach demselben Sack Kartoffeln Saskia Dabei berühren sich unsere Hände Nils Es funkt Saskia Es funkt wirklich Elektrostatisch Nils Es tut ein bisschen weh Saskia Es ist Liebe auf den ersten Blick Nils...

Eine Patchwork-Komödie

Die Dampfnudel

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Als Repräsentationspüppchen wird eine 17-Jährige in den finanziell sicheren Ehehafen genötigt, wo der mehr als doppelt so alte Ex-Liebhaber ihrer Mutter wartet. Bald schon beginnt die junge Gattin aus grenzenloser Beziehungslangeweile eine Affäre, woraufhin sich die ehrpusseligen Nebenbuhler mit Todesfolge duellieren. Das erzählt Theodor Fontane in seinem Roman über Effi Briest, die mit Scheidung, Kontaktverlust zu ihrem Kind und sozialer Ächtung bestraft wird. Zerrissen zwischen Scham, den gesellschaftlichen Erwartungen nicht entsprochen zu haben, und Scheitern an den eigenen Bedürfnissen implodiert sie. Stirbt. Geopfert vom Autor, um seine Kritik am erstickenden Verhaltenskorsett des preußisch-protestantisch antiquierten Wertekanons im Deutschen Kaiserreich empathisch deutlich zu machen. All das wird heute, 130 Jahre später, gern als überholt abgetan. Andererseits ist das Werk ein Klassiker, hat also etwas Zeitloses. Das könnte so erzählt werden: Die Protagonistin entscheidet sich, der pubertär aufgeheizten Kinderzimmerwelt zu entfliehen und in die echte Welt aufzubrechen. Den ersten Schritt in die Freiheit wagt sie mit der Heirat eines wohlhabend biederen Karrieristen. Ihr sexuelles Begehren und alle Liebesschmetterlinge im Bauch bringt aber bald ein anderes Mannsbild in Bewegung. Solche Erfahrungen könnten Ausgangspunkt sein, sich aus der Männerobhut zu lösen und einen eigenen Weg zu gehen. Um diese Empowerment-Interpretation zu betonen, ersetzt Moritz Franz...

„Effi, Ach, Effi Briest“ frei nach Theodor Fontane von Moritz Franz Beichl – Inszenierung Maike Bouschen, Bühne & Kostüme Valentina Pino Reyes, Musik Tim Thielemans

Theater Lübeck: Mit feministischem Feenstaub und antikapitalistischem Konfetti 

„Is my future all in the past“

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

Stellen Sie sich vor, Sie haben eine Bühne vor sich, auf der ständig gesprochen wird, die ganze Zeit. Die Akteur:innen dort behaupten aber andauernd, es werde in Wirklichkeit geschwiegen. Hier werde nichts als geschwiegen. Ein Pauschalvorwurf, den ich gerade höre. Was hören wir von Gaza, nichts hören wir von Gaza, wird gesagt. Der Taxifahrer: Ich schaue Al Jazeera, weil man da was erfährt, in den deutschen Medien erfährt man ja nichts. Nichts. Die Kuratorin: Zu den Gräuel in Gaza wird geschwiegen: Zwanzigtausend Menschen, darunter so und so viele Kinder sind durch das grausame Bombardement und die Aushungerungspolitik Israels gestorben. Die Studentin: Wenn ich nicht sagen kann, dass es ein faschistischer Staat ist, dann fühle ich mich gesilenced. Die andere Studentin: Und was ist mit dem Terror der Hamas, warum wird der sofort vergessen. Warum schweigt ihr schon wieder darüber? Ich höre sie alle reden, und sie reden sehr oft über ein Schweigen. Es sei ein relatives Schweigen, heißt es dann abwägend, die wichtigen Details werden nicht erwähnt, es ist eher ein Verschweigen. Man müsse eben sehr aufpassen, was man sagt. Es sei heikel. Und dann die Bundesregierung. Es wurden Veranstaltungen abgesagt. Cancel culture, sagen sie. Oder: Ihr verschweigt den Terror...

Hier schreiben unsere Kolumnist:innen, die Schriftstellerinnen Jenny Erpenbeck und Kathrin Röggla und der Schauspieler Burghart Klaußner, monatlich im Wechsel.

Es wird geschwiegen

Der neue Künstlerische Leiter der Kaserne Basel, Tobias Brenk, ist alles andere als ein unbeschriebenes Blatt: Am renommierten Mehrspartenhaus der Schweizer Off-Szene war er bereits von 2008 bis 2018 tätig – als Dramaturg. Trotz mehrjähriger Unterbrechung hat er hier sogleich wieder Anschluss gefunden: „Zwischenzeitlich war ich für die in Zürich ansässige Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia tätig, blieb jedoch in Basel wohnen und habe die Kulturszene der Stadt stets verfolgt“, so Brenkim Gespräch. Die Arbeit als „Spezialist Globale Kontakte und Initiativen“ bei Pro Helvetia hat seinen Schaffensansatz weiter ausgeprägt. Brenk ist überzeugt, dass er in zwei Richtungen empathisch zu denken aufgefordert ist: „Als Institution gestalten wir die Bedingungen für Kunstschaffende, die sich für ein oftmals prekäres Leben in der Off-Szene entschieden haben, und ich weiß zugleich um meine Aufgabe als Künstlerischer Leiter, die Neugier und die Begeisterung des Publikums zu wecken.“ Die Eröffnungsfeier der ersten Spielzeit unter seiner Leitung an der Kaserne Basel Mitte September prägte Jeremy Nedd mit „from rock to rock“. Über eine beachtliche Zeitspanne ließ der Basler Choreograf das Ensemble in einer Endlosschleife den bekannten Milly-Rock-Move tanzen und deckte damit die Ursprünge von Rhythmus auf. Der Eröffnungsmonat im vergangenen Herbst war dann insbesondere Brasilien gewidmet: In „Antigone im...

Tobias Brenk setzt als neuer Künstlerischer Leiter der Kaserne Basel die integrative Tradition des Hauses fort

Lieber Kooperation statt Labels und Prestige

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Ambiguitätstoleranz ist die Fähigkeit, mehrdeutige Situationen und widersprüchliche Handlungsweisen zu ertragen. Ambiguitätstolerante Personen sind in der Lage, Widersprüchlichkeiten oder kulturell bedingte Unterschiede wahrzunehmen, ohne darauf aggressiv zu reagieren oder diese einseitig negativ oder vorbehaltlos positiv zu bewerten. Seit Stunden sitze ich an diesem Text. Beginne zu schreiben und lösche wieder alles. Fange von vorn an. Ostdeutsche Perspektive. Spreewaldgurken beim Kanufahren. Löschen. Als Ostdeutsche studieren in Westdeutschland. Ich erkläre Kommiliton:innen die Uhrzeit mit dreiviertel und viertel. Löschen. Vom Ostdeutschen Provinztheater in die Hauptstadt. Endlose Tagebaulandschaften versus Hochhausschluchten. Löschen. Jeder Ansatz fühlt sich fehlgeleiteter an als der davor. Wenn ich über Ostdeutschland schreibe, kann ich nur über meine Heimatstadt und die Region drumherum schreiben. Cottbus in Brandenburg. Ich weiß nicht, wie es ist, in Sachsen aufzuwachsen oder in Mecklenburg-Vorpommern. Auf keinen Fall möchte ich mich als Sprecherin für Ostdeutsche Perspektiven verstanden wissen. Das hier ist meine Perspektive und die ist zufällig ostdeutsch. Cottbus also. Die Neunziger und die Nullerjahre in dieser Stadt haben mich geprägt. Man könnte meinen, dass es mir nicht an Geschichten mangeln dürfte. Ich könnte jetzt darüber schreiben, dass ich leider nur noch selten in meine Heimatstadt fahre. Aus Unbehagen. Ostdeutsch-Sein bedeutet in meinem Fall auch Tochter eines vietnamesischen...

Im Superwahljahr 2024 mit Landtagswahlen in Sachsen, Thüringen und Brandenburg (am 1. und 22. September) laufen die Diskussionen über den Osten Deutschlands auf Hochtouren. Meist geht es dabei nur um eins: Wie viel rechts geht oder darf noch? Und damit verrutscht schon der Blick.
In dieser neuen Serie meldet sich die Gene­ration Post-Ost zu Wort, also Menschen, die von der Herkunft aus Ostdeutschland, aber nicht mehr direkt durch die DDR geprägt sind, Leute aus den verschiedensten Theaterberufen sowie bereits renommierte Autor:innen und Journalist:innen.
Den Auftakt macht Mai-An Nguyen, Leiterin der Theaterpädagogik an der Berliner Schaubühne.

Gegen das eindimensionale Narrativ

Blick in die Zaubermaschine

Genervt kam das Publikum aus der Vorpremiere. Und Jürgen Flimm ging die Düse. Wenn dieses aufwändige Stück kein Erfolg würde, drohte dem Thalia Theater ein Millionendefizit. Kurz vor der Premiere des Musicals „The Black Rider“ von Tom Waits, William S. Burroughs und Robert Wilson wurden noch zwei Songs geschrieben. Die Spannung stieg, das Publikum saß im Saal. Und als die Türen schon geschlossen werden sollten, war Flimm im Foyer. Junge Leute riefen nach ihm, fragten, ob sie nicht irgendwie noch rein könnten, sie seien Fans von Tom Waits. „Ihr geht jetzt rein“, sagte der Thalia-Intendant, „und hockt euch auf die Treppen oder sonst wo, und wenn ihr nicht sofort einen enormen Radau macht, ziehe ich euch einzeln an den Ohren wieder raus.“ Die Jugend gehorchte, der „Black Rider“ wurde ein Welterfolg. Dass der im Februar 2023 verstorbene Intendant und Regisseur Jürgen Flimm voller Anekdoten steckte, wusste jeder, der ihn kannte. In seinen Erinnerungen öffnet er die Schleusen, erzählt, räsoniert, lobt und liebt Weggefährten, findet auch kritische Worte. Die Struktur ist chronologisch. Von der Kindheit, dem Puppentheater als seinem ersten Ensemble, geht es über die Stationen München, Köln, Hamburg, ­Bayreuth, Salzburg, das Ruhrgebiet nach Berlin, quer durch fünfzig Jahre Theatergeschichte. Innerhalb...

¡Adelante!

Assoziationen

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