Seelenschau in Versform

Gespräch mit der KI aus dem Internet

13. Juli bis 17. Juli 2026

Blitz, Donner, Antike

Montag, 08. Juni 2026

Einführung in die szenische Robotik

Die Ausstellung als Theater der Zukunft

Mittwoch, 24. Juni 2026

„Is my future all in the past?“

Auf neuen Wegen

Ehrlich Verbunden

Nur das Beste des Schweizer Theaters

Bregenzer Festspiele: Scherben ohne Schock

Landkulturperle im Odenwald

Salzburger Festspiele: Die Überflugkraft des Unnützen

Zu schön, um wahr zu sein?

Junges Theater in Kriegs- und Krisenzeiten

Theater des Ungehorsams

Schauspiel Stuttgart: Party mit Schlammschlacht

Theater der Welt in Chemnitz: Den Affen spielen, den Menschen sezieren

Dienstag, 26. Mai 2026

Den verschwundenen Zirkusgebäuden auf der Spur 

Ohne Not und Sachverstand

Zeitgenössisch für wen? Über Gatekeeping und Zugang im Zirkus  

Reisen. Das ist doch etwas, was Menschen tun. Fluchtgeschichten als Reisegeschichten zu missverstehen, das ist trotzdem nichts, was „Illegale Helfer“ tut. Das Hörspiel von Maxi Obexer, unter der Mitarbeit von Lars Studer in dreijähriger Recherchearbeit entstanden, 2015 in der Regie von Martin Zylka für den WDR realisiert, kommt aber immer wieder auf jenen Punkt scheinbar naiver Pragmatik zu sprechen. Scheinbar naiv, weil reisen etwas ist, das nicht Menschen tun, sondern das einige Menschen tun können. Pragmatik, weil die illegalen Helfer, mit denen Obexer und Studer die Interviews führten, auf deren Basis der Text entstand, aus einem Notstand heraus zielorientierte Handlungsweisen erfinden. Bei der Uraufführung am Schauspielhaus Salzburg stehen neun Schauspieler/-innen in einer Reihe frontal zum Publikum. Alle tragen schwarze Kapuzenpullis und werden nur dann angeleuchtet, wenn sie sprechen. Die Bühne ansonsten leer, an der Rückwand Projektionen eines Kunstprojektes von Peter Baldinger und Konrad Winter, 2015 in der zur Notunterkunft gemachten Bahnhofsgarage Salzburg entstanden. In der Inszenierung von Peter Arp ist alles auf Verständnis ausgerichtet. Nur mittels reduzierter Gesten unterstreichen die Schauspieler/-innen ihr Gesagtes und differenzieren sich so voneinander. Der Tonfall ist gleichbleibend laut. Acht der neun Schauspieler/-innen haben Sprechpositionen von real existierenden Menschen inne. Eine Studienrätin, ein Verwaltungsrichter, eine Aktivistin....

Schauspielhaus Salzburg: „Illegale Helfer“ (UA) von Maxi Obexer. Regie Peter Arp, Video Beda Percht, Kostüme Isabel Graf

Salzburg: Nicht unterlassene Hilfeleistung

Die Absicht, eine Mauer zu bauen

Krieg &/vs. Kunst

Bringt euch in Gefahr!

„Es wird eine Kultur der Veteranen geben“

Freitag, 19. Juni 2026

Festival d’Avignon: Das Böse als Barspektakel

Diversität als Festivaldramaturgie

Herr Klammer, als wir Sie fragten, ob Sie Zeit und Lust hätten, mit uns über die aktuelle Theaterkrise zu sprechen – über die Fälle von Rassismus, Sexismus und Machtmissbrauch, die gerade an vielen Häusern publik wurden – waren Sie erst einmal zögerlich: Nein, meinten Sie spontan, Lust hätten Sie eigentlich nicht. Warum nicht? Mir geht es in dieser Debatte zu sehr um einzelne Personen, um Macht und Parteilichkeiten. Die Dinge, die mich am Theater interessieren – eine gemeinschaftliche Perspektive und, vor allem, Inhalte – kommen mir gerade zu wenig vor. Was meinen Sie mit „Parteilichkeiten“? Im Theater findet zurzeit eine Art Lagerbildung statt. Auf der einen Seite haben neue Strömungen wie #MeToo oder Black Lives Matter dazu geführt, dass endlich auch Positionen jenseits der weißen Mehrheitsgesellschaft Gehör finden: Stimmen von PoC und BIPoC, aus der schwarzen Community oder von Menschen mit Migrationshintergrund, die Teil der Gesellschaft sind und in ihr sozialisiert wurden, deren Perspektiven bis jetzt aber trotzdem kaum vorkamen. Dass sich das gerade ändert, ist mehr als über­fällig! Und auf der anderen Seite gibt es diese Strukturen von meist weißen, schon etwas älteren Intendanten, die sich vielleicht in die Ecke gedrängt fühlen, weil jetzt – um es mal auf...

Der Schauspieler Michael Klammer über Rassismus, eine neue Frontenbildung am Theater, Angst vor Fehlern und das Recht auf Fauxpas

Lappen hoch, Klima – Vorhang auf, Diversität

Vielfalt ohne Versprechen

Der Wald, der nicht vergisst

Schauspiel Leipzig: Motel der Leere

Freitag, 22. Mai 2026

Theater der Welt & Humboldt-Forum: Schnaps aus Peking, Schrott aus Chemnitz

Dienstag, 23. Juni 2026

Let’s burn down the patriarchy

Hacken für das Theater

Die Schreie der Opfer in den Kriegen der Welt

Die Kunst der Widersetzlichkeit

Programmgestaltung im Ausnahmezustand – eine Bestandsaufnahme

Ins Offene der Möglichkeiten

Zwischen Gegenwartsdrang und Festivalmüdigkeit

Bayreuther Festspiele: Friedensboten als Taubenplage

Theater Magdeburg: Polyphonie des Schmerzes

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Auftritt

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

thema: intendant:innendämmerung

Klimawandel

Corona

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Musiktheater

Queeres Theater

Europa

Theater der Zeit

Politische Konfliktzonen

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Tanz

Performance

Kunstinsert

Debatte

Asien

Brandenburg

Neue Dramatik

Keine Spielstätte

Wissenschaft

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Dramaturgie

Afrika

Ukraine

Labor Kulturjournalismus

International

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Praxiswissen

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Kinder- & Jugendtheater

Recherchen

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Dramatik

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Szenen einer Ehe

Zweifel

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Der Vorname

Einen Jux will er sich machen

Endstation Sehnsucht

Rausch der Macht

Der Alptraum vom Glück

draußen tobt die dunkelziffer

Waiting Room

Was ihr wollt

Zeit im Dunkeln

Rollenspiel

Die Probe (Der brave Simon Korach)

Sakkorausch

Der Prozess

Rose und Walsh

Monsieur Ibrahim und die Blumen des Koran

Der liebe Herr Teufel (Österreichische Erstaufführung)

Der Diener zweier Herren

Andorra

Doppelt gemoppelt (Uraufführung)

 Spieltrieb (Schultheaterfestival)

Im Ausnahmezustand

Zur schönen Aussicht

Das Floß der Medusa

Gift

Glaube Liebe Hoffnung

William Shakespeare war ein englischer Dramatiker, Lyriker und Schauspieler der Renaissance. Er gilt bis heute als einer der bedeutendsten Autoren der Weltliteratur.

Schauspielhaus Salzburg

Das Schauspielhaus Salzburg ist mit ca. 70 ganzjährig beschäftigten Mitarbeitern, rund 60.000 Besuchern jährlich und 10 bis 14 Eigenproduktionen das größte freie Theater Österreichs. Der Spielplan des Salzburger Theaters spannt den Bogen von der Antike über die Klassik bis zur Gegenwart. Einen speziellen Fokus bilden Ur- und Erstaufführungen sowie Theater für junges Publikum. Generell liegt dem Haus das Interesse der jungen Generation sehr am Herzen, neben Kinder- und Jugendproduktionen fördert das Haus Jugendliche durch diverse theaterpädagogische Projekte. Neben dem Spielbetrieb unterhält das Schauspielhaus Salzburg eine eigene Schauspielschule im nahegelegenen Wals. Dort befinden sich auch die Werkstätten, der Fundus sowie die Probebühnen.1958 wurde das Theater unter dem Namen Elisabethbühne, in den Kellerräumen unter der Elisabethkirche in Salzburg von Georges Müller gegründet. Georges Ourth übernahm 1972 die künstlerische Leitung und professionalisiert das Theater, indem er Schauspieler ausbildet, sich um Subventionen bemüht und den Freundeskreis gründet. Die Umsiedlung in den Salzburger Stadtteil Nonntal erfolgte in der Saison 1995|96. Seither ist das Schauspielhaus in dem historischen Gebäude „Petersbrunnhof“ beheimatet, einem ehemaligen Gutshof des Stiftes St. Peter, am Fuße der Festung im südlichen Zentrum der Stadt. Dieses historische Gebäude, dessen Ursprünge bis ins Mittelalter zurückreichen, wurde in den 1990-er Jahren vom Land Salzburg großzügig renoviert und mit modernster Theatertechnik ausgestattet. Das klassische Gewölbe im Säulenfoyer bietet nicht nur als Pausenraum sondern vor allem auch für Lesungen, Vernissagen, Ausstellungen und stimmungsvolle Feiern aller Art ein wunderbares Ambiente. Außerdem befindet sich in den historischen Räumlichkeiten das Theaterrestaurant Mephisto.Im Jahr 1996 stieg Robert Pienz als Spielleiter in die künstlerische Leitung des Schauspielhauses Salzburg ein, seit 2003 ist er geschäftsführender Intendant am Schauspielhaus Salzburg. Mit der Saison 2004|05 erfolgte die Umbenennung von „Elisabethbühne“ in „Schauspielhaus Salzburg“.Ab der Spielzeit 2025/26 bilden Alexander Kratzer und Sophia Aurich die künstlerische Leitung.

Das Schauspielhaus Salzburg ist das größte freie Ensembletheater Österreichs.
Gebaut werden die Räume der Elisabethbühne im Jahr 1932. Geplant ist ein Kirchenkomplex, der jedoch nach Errichtung der „Unterkirche“ eingestellt wird. In dieser Unterkirche wird zunächst ein Kino installiert, das bis Anfang der 40er-Jahre in Betrieb ist. Die Kirche darüber wird dann tatsächlich in den 50er Jahren errichtet. Ins ehemalige „Plainkino“ übersiedelt der künstlerische Leiter, vormals Opernsänger der Hamburger Staatsoper, Georges Müller, mit seiner 1958 gegründeten Kolpingbühne. Die Theatergruppe gibt sich den Namen Elisabethbühne. Was sie von anderen Amateuren in der Stadt Salzburg unterscheidet: sie spielen anspruchsvolle Stücke der Weltliteratur und verfügen über eine handvoll ausgebildeter Schauspieler. Das Theater ist noch nicht organisiert, zur ersten Vereinsgründung kommt es erst im Februar 1967. (Gründungsteam: Pfarrer Wesenauer, Georges Müller, Norbert Amanshauser, Gerda de Vries, Georg Bartik, Wolfgang Mayr) Unter den Schauspielern sind auch der junge Branko Samarovski, Georges und Peter Kern, Karl Kintsberger, Raimund Kranzer, Rosemarie Landsmann, Margit Lindbichler, Eva Weißkirchner, Hans Helmut Wimmer und Ingrid Zabransky.
1973 übernimmt der Luxemburger Georges Ourth, Schauspieler und Regisseur am Salzburger Landestheater, die künstlerische Leitung.
Die Umsiedlung in den Salzburger Stadtteil Nonntal erfolgte in der Saison 1995/1996. Seither ist das Schauspielhaus in dem historischen Gebäude "Petersbrunnhof" beheimatet. 
Nach dem Tod von Georges Ourth übernahm Renate Rustler-Ourth, seit 1970 Ensemblemitglied und später auch Regisseurin, die künstlerische Leitung, 1998 wird sie die gesamtverantwortliche Direktorin. Im Jahr 1996 stieg Robert Pienz als Spielleiter in die künstlerische Leitung des Schauspielhauses Salzburg ein und realisierte zahlreiche Inszenierungen. Robert Pienz ist seit 2003 geschäftsführender Intendant am Schauspielhaus Salzburg. Mit der Saison 2004/2005 erfolgt die Umbenennung von Elisabethbühne in „Schauspielhaus Salzburg“. 
Das Schauspielhaus Salzburg ist mit ca. 70 ganzjährig beschäftigten Mitarbeitern, rund 60.000 Besuchern jährlich und 10 bis 14 Eigenproduktionen das größte freie Theater Österreichs. Der Spielplan des Salzburger Theaters spannt den Bogen von der Antike über die Klassik bis zur Gegenwart. Einen speziellen Fokus bilden Ur- und Erstaufführungen sowie Theater für junges Publikum. Generell liegt dem Haus das Interesse der jungen Generation sehr am Herzen, neben Kinder- und Jugendproduktionen, fördert das Haus Jugendliche durch diverse theaterpädagogische Projekte. Neben dem Spielbetrieb unterhält das Schauspielhaus Salzburg eine eigene Schauspielschule. Im Rahmen der Ausbildung bemüht sich das Schauspielhaus Salzburg um die Förderung junger Künstler.

Armin Petras in Stuttgart

Wo ist Wir?

Die Mobilität von Tanz- und Theaterproduktionen wächst: Festivals und Häuser zeigen vermehrt Gastspiele und entwickeln transnationale Koproduktionen. Zugleich wird diese Praxis kritisch hinterfragt. Seit der Covid-19-Pandemie haben hybride Formate zugenommen, Aufführungen verlagerten sich auf den Bildschirm, und neue Strategien entstanden, die ohne Live-Publikum vor Ort funktionieren. Auch im Hinblick auf Klimagerechtigkeit stellt sich die Frage nach verantwortungsvollen Zirkulationsformen. Behinderte Theater- und Tanzschaffende haben schon längst Erfahrungen mit erschwerter Mobilität gemacht und daraus eigene Ästhetiken und Arbeitsweisen entwickelt. Ihre Erfahrungen wurden in den bisherigen Debatten jedoch kaum mitgedacht. Der Sammelband erweitert die Diskussion um Im/Mobilität in den Darstellenden Künsten um eine Disability-Perspektive und versammelt künstlerische Beiträge, Essays und wissenschaftliche Analysen. Auditive Formate, Videos und Zusammenfassungen in Leichter Sprache eröffnen barrierearme Zugänge für ein breiteres Publikum.Der Band erscheint zugleich als MIMOS – Schweizer Jahrbuch Darstellende Künste Nr. 87–2026, herausgegeben von der Schweizerischen Gesellschaft für Theaterkultur (SGTK) mit Unterstützung der Schweizerischen Akademie der Geistes- und Sozialwissenschaften (SAGW). Ein Teil der Auflage enthält eine französischsprachige Broschüre mit Abstracts der Beiträge.

Zugänglichkeit und Verantwortung in den performativen Künsten

Im/Mobile Möglichkeiten

Einzigartige Primärquellen aus einem weitgehend undbekannten Kapitel der DDR-Ballettgeschichte
Erscheint zum 80. Jubiläum der Zeitschrift Theater der Zeit
DDR-Ballett, ostdeutsche Tanzgeschichte und selten aufgeführte Choreografien zwischen 1975 und der späten „Nachwendezeit“: Dieser Band versammelt erstmals wegweisende Rezensionen, Essays und Augenzeugenberichte aus dem Deutschen Tanzarchiv Köln, der seit 1946 bestehenden Zeitschrift Theater der Zeit und aus Tageszeitungen. Ein erfahrener Tanzredakteur, Dietmar Fritzsche, und sein damals junger, heute renommierter Autor, Volkmar Draeger, führen kenntnisreich durch vergessene Bühnenmomente – von Uraufführungen u. a. in Berlin, Dresden, Leipzig bis zu neu inszenierten Werken aus den, wie es offiziell hieß, „befreundeten sozialistischen Ländern“.
Kompakt, fundiert und spannend zeichnet das Buch die Entwicklung des DDR-Balletts nach, beleuchtet künstlerische Höhepunkte, politische Tendenzen, ästhetische Irrwege. Damit bildet das Buch ein unverzichtbares Nachschlagewerk für Tanzwissenschaft, Kulturgeschichte und alle, die ostdeutsche Bühne, Tanzkritik und Ballettgeschichte erkunden möchten.
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Tanz in der DDR von 1975 bis 1997

Die andere Seite

Die Maiausgabe von „Theater der Zeit“ widmet sich im Schwerpunkt dem Thema Teamintendanzen und fragt, wie kollektive Leitungsmodelle Theaterarbeit, Machtverteilung und Verantwortung verändern. In Interviews und Porträts kommen u. a. Thomas Bockelmann, das Leitungsteam des Nationaltheaters Weimar sowie Inka Neubert und Pascal Wieandt vom Theaterhaus G7 Mannheim zu Wort – was sind die Vorteile einer Teamintendanz? Welche Konflikte gibt es? Ist eine geteilte Intendanz wirklich Machtverteilung oder schafft sie neue Abhängigkeiten? Ergänzt wird der Schwerpunkt durch ein Gespräch mit Schauspielerinnen des Theaters Magdeburg über Probenprozesse in der Teamintendanz, das einen konkreten Blick aus der Ensembleperspektive bietet.
Ergänzt durch Beiträge zu den großen Theaterfestivals im Sommer: die Mülheimer Theatertage, das Theatertreffen, das Schweizer Theatertrffen und: Florentina Holzinger über ihren Auftritt bei der Biennale in Venedig!
Drüber hinaus erinnert die Ausgabe an Peter Zadek und Konstanze Lauterbach und würdigt den verstorbenen Autor und Regisseur Alexander Kluge. Wie immer: Stückabdruck (diesmal Robert Seethalers „Vernissage“), eine Kolumne von Max Glauner und eine Buchkritik zur ersten Biografie von Judith Malina.
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Schwerpunkt Teamintendanzen

Florentina Holzinger in Venedig

Das Juni-Heft von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Horror, das Unheimliche auf der Bühne“ und verbindet ästhetische, kulturpolitische und traumagesellschaftliche Perspektiven. Essays von Joseph Pearson und Hannah von Sass, Stefan Keim und Horrorspezialist Jörg Buttgereit untersuchen das Unheimliche in Schauspiel und Musiktheater – das auch bei den Bayerischen Theatertagen in Form von Stephen Kings „The Shining“ als Oper in Regensburg wieder auftaucht.
Das Magazin verhandelt zudem aktuelle Konflikte um Theaterbauten und Kulturpolitik – exemplarisch am Chemnitzer Schauspielhaus.
Das Stück im Juniheft: Kevin Rittbergers „Wunde Stadt“ verhandelt das Attentat von Magdeburg, flankiert von einem Stückgespräch.
Kolumnen von Mateja Meded („Habitus-Passing“) und Lina Wölfel („Wir gehen nicht rein“) reflektieren Klassenverhältnisse, Diversität und Auswahlmacht im Theaterbetrieb, während Berichte von Festivals und Ausstellungen (u. a. Heidelberger Stückemarkt, Bayerische Theatertage, Bühnenbildklasse Düsseldorf, Brecht-Journal) den Blick auf internationale Szenen und Theatergeschichte erweitern.
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Wie gewinnt ein Textvortrag, obwohl er aus wiederholbaren Zeichen besteht, Bühnenpräsenz? Was kann die heutige Sprechausbildung im Schauspielstudium leisten, um die Studierenden darin zu unterstützen?
Helmut Becker geht diesen zentralen Fragen in seiner Dissertation nach. Basierend auf aktuellen Leiblichkeitskonzepten und einem phänomenologisch orientierten Textbegriff analysiert Becker Möglichkeiten der Texterschließung und Textgestaltung an klassischen Werken von Euripides, Shakespeare, Schiller, Kleist, Kafka, Mann, Camus sowie zeitgenössischen Autoren wie Heißenbüttel, Brinkmann und Gernhardt.
Durch die gezielte Schulung von Atemqualitäten und deren Anwendung am Text entsteht ein neues, tiefgehendes Verständnis von Leiblichkeit. Das Buch zeigt, wie ein solches Leibbewusstsein die Lust am Text, an kraftvoller Bühnenpräsenz und authentischer Textperformanz nachhaltig fördert – und richtet sich an Schauspielstudierende, Bühnenprofis sowie alle, die sich für lebendige Textpräsentation, Stimmtraining und performative Literaturvermittlung begeistern.
Mit zahlreichen Hörbeispielen als Audiofiles begleitend zum Lesen.

Die Leiblichkeit der Texte

Wie demokratisch sind unsere Theater? Kulturelle Teilhabe ist die zentrale Herausforderung für Theater und Kulturpolitik – zwischen Sparzwang, Publikumsrückgang und gesellschaftlicher Verantwortung. „Demokratisches Theater“ untersucht erstmals im internationalen Vergleich, wie öffentlich geförderte Theater und Kulturpolitik in Deutschland, England und Frankreich den Auftrag kultureller Teilhabe verstehen und welche Strategien sie dafür entwickeln.Auf Grundlage von Demokratietheorien, Kulturmanagement- und Kulturvermittlungsdiskursen zeigt die empirische Studie von Maria Nesemann deutliche Unterschiede in der theater- und kulturpolitischen Praxis – und im Verständnis davon, worin der gesellschaftliche Auftrag von Theater besteht. Die Publikation macht sichtbar, dass Teilhabe ein komplexer, nicht widerspruchsfreier Begriff ist.Das Buch liefert praxisrelevante Impulse für Theaterschaffende, Kulturpolitik und Forschung und zeigt Wege auf, wie Teilhabe zwischen künstlerischer Autonomie und gesellschaftlicher Öffnung gestaltet werden kann.

Teilhabe am öffentlich geförderten Theater in Deutschland, England und Frankreich

Demokratisches Theater

25 Bühnenbilder von Katrin Brack, entstanden zwischen 2010 und 2025, inklusive ihrer Rauminstallation anlässlich der Verleihung des Goldenen Löwen in Venedig 2017: Die Bildstrecke macht signifikante Gemeinsamkeiten wie auch Brüche und Entwicklungen in diesen 15 Jahren deutlich, die durch die Zusammenarbeit mit u. a. Dimiter Gotscheff, René Pollesch, Luk Perceval, Karin Henkel geprägt ist. Ergänzt wird dieser fotografische Schwerpunkt sowohl von unveröffentlichten Zeichnungen, die Einblicke in Konzeption, Entstehung und Realisation der einzelnen Bühnenarbeiten gewähren, wie von unterschiedlichen Textbeiträgen.
Im Gespräch mit dem Herausgeber Frank M. Raddatz erläutert die Ausnahmebühnenbildnerin die Kunstprinzipien, von denen sie sich leiten lässt. Der Philosoph Robert Pfaller verortet ihre Arbeiten in der jüngeren Kunstgeschichte der Gegenwart, während Birgit Wiens die Spezifika dieser Räume aus theaterwissenschaftlicher Sicht untersucht. Josef Bairlein und Götz Leineweber geben Einblicke in Bracks Lehre an der Kunstakademie München und die kollektive Arbeitsweise ihrer Bühnenbildklasse. Statements von Birgit Minichmayr, Tabea Braun, Sybille Meier, Luk Perceval und Thomas Thieme werfen Licht auf diese lebendigen Bühnen.
<iframe style="border: none; width: 500px; height: 326px;" title="Frank M. Raddatz (Hg.): Bühne / Stage Katrin Brack" src="https://e.issuu.com/embed.html?d=frank_m._raddatz_hg._b_hne_stage_katrin_brack&amp;doAutoflipPages=true&amp;hideIssuuLogo=true&amp;showOtherPublicationsAsSuggestions=true&amp;u=theaterderzeit" sandbox="allow-top-navigation allow-top-navigation-by-user-activation allow-downloads allow-scripts allow-same-origin allow-popups allow-modals allow-popups-to-escape-sandbox allow-forms" allow="clipboard-write; autoplay; encrypted-media; fullscreen; picture-in-picture" allowfullscreen="allowfullscreen"></iframe>

Bühne / Stage Katrin Brack

„Setting the Stage, Vol. 3 – Contemporary Spaces“ versammelt Positionen zu Bühnenbild und Szenografie aus dem Kunstinsert der Zeitschrift Theater der Zeit und richtet den Blick – im Vorfeld der Prager Quadriennale 2027 – auf die produktive Kraft von Bühne, Raum und Körper für das zeitgenössische Theater. In vier thematischen Kapiteln – Körper/Raum, Politische Topografien, Mediale und digitale Räume sowie Architektur/Natur – zeigen international arbeitende Künstler:innen, wie der Bühnenraum zum aktivierenden Gestaltungsmittel wird. Ihre Arbeiten machen sichtbar, wie aus Abwesenheit Präsenz entsteht, wie Stille Bedeutung trägt und wie Räume politische und ästhetische Aussagen provozieren.Mit Beiträgen u. a. von James Turrell, Anne Imhof, Lars Ramberg, Markus Selg und Henrike Naumann. Gespräche, Porträts, Werkdokumentationen und umfangreiches Bildmaterial eröffnen unmittelbare Einblicke in künstlerische Haltungen und Arbeitsweisen. Der Band setzt die editorische Linie fort, die Theater der Zeit mit den Vorgängerbänden „Das Bild der Bühne“ (1998) und „Setting the Stage, Vol. 2“ (2015) etabliert hat.

Contemporary Spaces

Setting the Stage, Vol. 3

Mensch-Technik-Verhältnis auf der Bühne
Inszenierungspraktiken und Kooperationsmodi
Ausgehend von der Frage nach einem post-anthropozentrischen Verständnis von Theater entfaltet Marcel J. V. Kieslich in seiner Studie eine theoretisch wie praktisch fundierte Untersuchung der szenischen Robotik. Im Zentrum steht die Analyse mehr-als-menschlicher Relationen und ihrer ästhetischen wie ontologischen Implikationen für die performativen Künste. Kieslich entwickelt auf dieser Basis neue Inszenierungspraktiken, die den Roboter nicht allein als technisches Artefakt, sondern als relationales Gegenüber begreifen. Dieses Spannungsfeld zwischen algorithmischer Steuerung und emergenter Autonomie fasst er unter dem Begriff der „Informierten Unbestimmtheit“. Im Zusammenspiel von Kunst- und Wissenschaftsforschung skizziert das Buch Kooperationsmodi, die das Verhältnis von Mensch und Technik in der Theaterpraxis neu bestimmen und einen Beitrag zur aktuellen Debatte um posthumanistische Ansätze in der Theaterforschung leisten.
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Zur Robotik im Theater

Informierte Unbestimmtheit

Die sechste Ausgabe der VOICES wechselt die Blickrichtung: weg von der Bühne und hinein in den Publikumsraum. Sie schaut auf diejenigen, die Zeitgenössische Zirkusveranstaltungen besuchen und auf diejenigen, die sie nicht besuchen. Sie fragt nach Zugänglichkeit, Zirkustrends und dem Zirkuserlebnis Was passiert eigentlich zwischen Bühne und Publikumsraum? Wie erleben Zuschauer:innen eine Aufführung? Was verbirgt sich hinter der „Dramaturgie des Risikos“? Wo gibt es Feedbackschleifen und wann Gemeinschaftsgefühle? 
Das Magazin lädt dazu ein, genauer hinzuschauen – und sich selbst zu hinterfragen. Es bricht mit gängigen Zuschreibungen und eröffnet neue Denk- und Erfahrungsräume. Ganz im Sinne des Mottos „Come Closer“ vom Circus Dance Festival 2026 in Köln rücken partizipative Formate und aktuelle Trends der Zirkusproduktion ins Zentrum. VOICES VI betrachtet Möglichkeiten, Verantwortung, interaktive Strategien und Wünsche von Zirkusschaffenden, Programmverantwortlichen, Stadtplaner:innen – und natürlich vom Publikum selbst. Eine Einladung, näherzukommen.
23.05.26, 11 Uhr: Heft-Präsentation und Gespräch im Rahmen des Circus Dance Festivals 2026.
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Zirkus und Publikum (VOICES VI)

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