Berliner Ensemble: Mit Blitzeinschlag

Businessman des Living Theatre

Von der Sonne in den Swimming Pool und zurück 

Das Schicksal meint es zunächst nicht gut mit Halles neuem „Rosenkavalier“. Ausgerechnet eine Technik, die 1886 in Halle Premiere feierte, wird an diesem Abend zum Problem: Der Eiserne Vorhang, damals im „modernsten“ Opernhaus Europas erstmalig eingebaut, lässt sich nach einem Stromausfall nicht herauffahren und zwingt die Beteiligten zur konzertanten Aufführung des ersten Aktes. Was danach folgt ist umso berauschender. Walter Sutcliffe fügt einer Geschichte, die mit Text und Musik schon vollkommen ist, spielerische bis provokante Elemente hinzu. Er inszeniert mit viel Liebe zum Detail, ohne den roten Faden zu verlieren, wobei die Staatskapelle Halle unter Fabrice Bollon eine tragende und verlässliche Rolle spielt. Während einige Gäste noch am Sekt nippen, verbreitet sich Unruhe im Foyer. „Technische Störung“ raunt es durch die Menge, die Türen bleiben geschlossen. Die Feuerschutzwand zwischen Bühne und Zuschauerraum verwehrt den Blick auf das Geschehen. An diesem Abend ist der kurzzeitige Verzicht auf das Bühnenbild erträglich, umso mehr stehen nämlich die herausragenden Leistungen der Sängerinnen und Sänger im Vordergrund. Die präzise auf Hofmannsthals Worte abgestimmten Gesten und Gesichtsausdrücke unterhalten das Publikum, das zum eigenen Phantasieren angeregt wird. Der Ochs ist in seinem Element. Ki-Hyun Park präsentiert seinen fulminanten Bass und gibt sich, wie von der Figur des...

„Der Rosenkavalier“ von Richard Strauss und Hugo von Hofmannsthal – Musikalische Leitung Fabrice Bollon, Regie Walter Sutcliffe, Ausstattung Kaspar Glarner 

Oper Halle: Im Spiegel der Zeit(en)

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Liebe lässt die europäische Eiszeit schmelzen 

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Stiller Abbau?

Ruhrfestspiele Recklinghausen/Theater Münster: Ein Krieg führt immer zum nächsten

Samtener Schutzraum

Leere Bühnen  für volle Köpfe?

Schau mal einer an

Das Nest sauber halten

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Abwehr gegen nackte Nonnen

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Erst der Wald, dann der Boden

Mit der Pfeilspitze ins Herz hinein

Bewegen, Zeichnen, Überzeichnen

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

Am Ende steht alles auf Anfang in der Erfurter Inszenierung einer lang vergessenen Gluck-Oper. Musik und Handlung sind vordergründig, denn diese gilt es bei dem seltenen Werk noch zu entdecken. Stephan Witzlinger präsentiert ein stimmiges Regiekonzept und liefert gleichzeitig den Beweis dafür, dass es für einen eindrücklichen Opernabend nicht viel Kulisse braucht – lediglich ein phantasievolles Publikum. Die Anzahl der szenischen Aufführungen von „Telemaco ossia L’isola di Circe“ seit der Premiere 1765 lassen sich an einer Hand abzählen. Als Auftragswerk anlässlich der Vermählung von Joseph II. taugte der Stoff nur bedingt, und vielfach wurde dem Opernreformator Christoph Willibald Gluck die hastige Fertigstellung – er komponierte das Werk in zwei Monaten – zur Last gelegt. Tatsächlich greift Gluck auf frühere Kompositionen zurück und verarbeitet sowohl Elemente der „alten“ Opera seria als auch neue durchkomponierte Formen. So entsteht ein Zwitterwerk aus Nummern- und Reformoper. Im 21. Jahrhundert gelangt das Dramma per musica wieder auf die Opernbühnen und wird, auch an diesem Abend, dankbar angenommen. Die Geschichte um Telemaco passt natürlich in die aktuelle „Griechische Spielzeit“ am Theater Erfurt, auch wenn der Librettist Marco Coltellini den antiken Homer-Stoff über die Irrfahrten des Odysseus abwandelt: Telemaco sucht seinen Vater Ulisse, also Odysseus. Die Zauberin...

„Telemaco“ von Christoph Willibald Gluck – Musikalische Leitung Nicolas Krüger, Regie Stephan Witzlinger, Ausstattung Hank Irwin Kittel 

Theater Erfurt: Kreislauf der Geschichte 

St. Pölten:: Peter-Turrini-Dramatiker*innenstipendium für Paula van Well

Publikumserregung mit Extradimension

Es ist eine sinnige Idee: Der einprägsame Tunnel aus der Erfurter „Elektra“-Produktion kehrt als Bühnenbild am Ende der Spielzeit zurück und weist auf den Zusammenhang beider Stücke hin. Beide Erzählungen thematisieren die Geschichte um Agamemnon und seine Frau Klytaimnestra sowie deren Kinder Elektra und Orestes. Während Richard Strauss’ Oper Elektras Perspektive auf den Mord an Klytaminestra einnimmt, erzählt Weingartner auch die Vorgeschichte und Fortsetzung des Muttermordes durch Orestes. Kurz gesagt: Eine blutrünstige Trilogie um Mord, Ehebruch, Rache und Sühne. 113 Jahre musste Weingartners „Orestes“ auf seine Wiederentdeckung warten, die nun am Theater Erfurt in beeindruckender, und doch streitbarer Inszenierung über die Bühne ging. Der eher als Dirigent in Erinnerung gebliebene Felix Weingartner schuf mit seiner vierten Oper ein klanggewaltiges Werk in der Tradition Wagners – und darüber hinaus. Zusammen mit der Eröffnungspremiere „Elektra“ bildet „Orestes“ den Rahmen für diese Griechische Spielzeit. Noch einmal Mord und Totschlag zu passend dramatischer Musik. Bei einer solchen Produktion sind natürlich alle Scheinwerfer auf den Orchestergraben gerichtet. Weingartners Musik unterstützt die Handlung und begleitet mal feinfühlig, mal explosiv alle Geschehnisse auf der Bühne. Die klanglich vielfältige Dynamik und die fast schon inflationär eingesetzten Effekte werden von Alexander Prior energiegeladen umgesetzt. Gesanglich führen die Solisten mit...

  „Orestes“ von Felix Weingartner – Musikalische Leitung Alexander Prior, Regie Guy Montavon, Ausstattung Hank Irwin Kittel 

Theater Erfurt: „Dem Unheil in den Rachen“ 

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Deutsches Nationaltheater Weimar: Drei Fiktionen für dreizehn Millionen Schicksale

Der Notfall als Prinzip

Neue Dramatik trifft Figurentheater

Dober Dan, Ljubljana

RambaZamba Theater Berlin: Riesenspaß mit Hintersinn

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Lego meets Ikea

Ruhm den Kleinen!

Thüringer Befund

Bodyhorror/Tarantino

Wir befinden uns in einem Paketzentrum. Ein Fließband schlängelt sich bis in den Orchestergraben hinein, die große Videoleinwand dahinter zeigt eine Lagerhalle. Zu den Stimmgeräuschen des Orchesters schieben Maskierte in Arbeitskleidung mechanisch Pakete hin und her. Sind das noch letzte Umbauarbeiten für den Abend? Das Licht geht aus, ein Warnsignal markiert den Beginn der Musik und der eigentlichen Handlung. Am Ende werden wir mit dem Ertönen dieses Warnsignals wieder in die Lagerhalle zurückgeholt. Die Originalerzählung von der Unterdrückung zweier Menschen ohne gültige Papiere ist zu Ende und alles geht weiter wie bisher. Regisseurin Katharina Kastening schafft einen Handlungsrahmen, der zwar in das Stück eingebunden ist, jedoch nur bedingt mit dem Inhalt zu tun hat. Sie ergänzt eine andere Ebene der Ausbeutung mit Fokus auf Konsum und Kapitalismus. Die letzte Videoanimation zeigt einen Müllhaufen als Überbleibsel der im Paketzentrum versendeten Waren, noch während sich „Der Kleine“ aus dem Leben verabschiedet. Diese Miseren hängen in einer globalisierten Welt zusammen, können aber nicht in 90 Minuten Bühnengeschehen umgesetzt werden. Dennoch bleibt ein positiver Eindruck des Abends, das Stück lohnt sich allemal. Peter Eötvös bezeichnet sein 2014 entstandenes Werk ausdrücklich als „Musiktheater“. Die Grundlage dafür bildet ein Theaterstück von Roland Schimmelpfennig. Laut Eötvös hilft...

„Der goldene Drache“ von Peter Eötvös und Roland Schimmelpfennig - Regie Katharina Kastening, Ausstattung Jon Bausor, Video Tal Rosner 

Oper Halle: Moral vom Fließband 

Bilder im Takt eines Textes

R Ä U M E

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

sogar theater Zürich: Easy said, but schwer getan

Das Ährenfeld als stille Utopie

Berufsbild: Digitaldramaturg

Ja, er lebt noch – oder: Brecht is back!

Dramaturgie der Solidarität

Belgrad: Nikita Milivojević nicht als künstlerischer Leiter von BITEF verlängert

Zerbrochene Familiengeschichten

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Das Thema Hitze  wird in Zukunft  auch dazugehören

Die Rache der Königinnen

Wir gehen rein

Die Signatur unserer Zeit

Die Grenzen der Freiheit

Stück Labor 2023/24

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

München: Auswahl für Radikal jung Festival

Mit nachhaltiger Kunst  die Menschen berühren

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Schauspiel Stuttgart: Überleben in der Karaokebar

Die Unsterblichkeit des Theaters

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Was macht das Theater, Alexander Scheer?

Wenn die Unis Trauer tragen

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Das Problem mit der Apokalyptik

Kampf im Käfig

Feminismus neu ausrichten

Zug: Sélection fürs Schweizer Theatertreffen bekanntgegeben 

Das große Plus an Menschlichkeit

Zirkus

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studiert Musikwissenschaft in Halle, arbeitet neben dem Studium an ihrer Alma Mater und schreibt Reportagen und Theaterkritiken.

Ilia Papandreou als Klytaminestra in der Erfurter Inszenierung der Oper „Orestes“ von Felix Weingartner. 

Nach behobenen technischen Störungen zeigt sich das beeindruckende Bühnenbild der Hallenser Aufführung von „Der Rosenkavalier“ unter der Regie von Walter Sutcliffe. 

Szene aus „Der goldene Drache“ an der Oper Halle inszeniert von Katharina Kastening.

Ein Bühnenbild, so kreativ wie phantasieanregend: Die Erfurter Inszenierung der seltenen Gluck-Oper „Telemaco“ unter der Regie von Stephan Witzlinger.

Dieses Buch beschreibt erstmals die wechselvolle Geschichte des Schauspielhauses Chemnitz in einer transdisziplinären Betrachtung von Architektur und theater-künstlerischer Praxis. Es verfolgt gleichermaßen die Entwurfsprozesse wie die Aufführungsweisen der letzten fünfzig Jahre. Neben Darstellungen der verschiedenen Spielorte und der Architektur von Rudolf Weißer werden die Raumaneignungen befragt in Gesprächen mit Theaterleuten wie Hartwig Albiro, Hasko Weber, Carsten Knödler, Gundula Hoffmann und Raj Ullrich. Weitere Theaterkonzepte erklärt Stefan Schmidtke im Kontext der Kulturhauptstadt Europas 2025.
Vor dem Hintergrund der aktuellen Interimssituation von Schauspiel und Figurentheater („Spinnbau“) wird mit der Publikation zugleich die Bedeutung und Perspektive des Theaters als vielschichtiger Kulturort für die Stadt aufgezeigt.
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ISBN 978-3-95749-567-9 (Open Access)  DOI: <a title="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" href="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz" data-outlook-id="e526c996-5be6-478d-a074-ff6f174f4806">10.35287/9783957495679</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a title="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de" data-outlook-id="b6230f1d-8c98-42e4-bb03-0a4b291c320e">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Zwischen Zeiten und Räumen

Schauspielhaus Chemnitz

Denken wir heute an „Zirkus“, so tauchen in unseren Köpfen gemeinhin Bilder von Artistik- und Tierdressurnummern in der Manege eines Zirkuszeltes auf. Historische Quellen, die in Archiven und Bibliotheken schlummern, zeichnen jedoch ein überraschend anderes Bild der Zirkuskunst um 1900. Die in diesem Buch versammelten Fotografien, Auszüge aus Briefwechseln, Patentschriften, Presseberichte, Bauzeichnungen und vieles mehr, bieten tiefe Einblicke in die Zirkuskultur Berlins um 1900. Sichtbare Spuren der einst erfolgreichen Zirkusgesellschaften mit ihren pompösen Gebäuden mitten im Stadtzentrum finden sich heute hingegen kaum mehr. Anhand von historischen Quellen lässt das Buch Aufführungspraxis, Architekturen, Herausforderungen und Erfolge von Zirkussen, Künstler:innen und Techniker:innen auf eindrückliche Weise zutage treten.
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ISBN 978-3-95749-565-5 (Open Access)  DOI: <a title="https://doi.org/10.35287/9783957495020" href="https://doi.org/10.35287/9783957495020" data-outlook-id="c180ea25-f06b-4836-a7c2-fc4b1261b69b">10.35287/9783957495655</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Einblicke in eine vergessene Praxis

Zirkuskunst in Berlin um 1900

In den letzten Jahren wird viel über Generationenwechsel, Generationenkonflikt, Generationengerechtigkeit und -dialog gesprochen. In diesem winterheft wird genauer nachgefragt: Geht es eigentlich um einen Generationen- oder Gesellschaftskonflikt? Auch in den Darstellenden Künsten finden und fanden in den letzten Jahren viele Umbrüche durch u.a. Generationenwechsel in den Leitungen der Theaterhäuser oder Sparten sowie in diesem Jahr innerhalb des ASSITEJ-Vorstandes und der KJTZ-Leitung statt. Dem Theater für und mit jungem Publikum ist die Begegnung verschiedener Generationen quasi per se eingeschrieben. Aber was genau ist mit dem Begriff “Generation” eigentlich gemeint? Und welche Rolle spielen in diesem Zusammenhang Altersdiversität, Adultismus und Ästhetik?
Der wissenschaftliche Beitrag des winterhefts beschäftigt sich mit der sozialen Praxis des Generation-Werdens sowie Konzepten von crip time und queer time, die normativen Vorstellungen von Zeitlichkeit widersprechen. Um das Verhältnis von jungen Menschen und Erwachsenen auf, vor und hinter der Bühne geht es in Artikeln zum Publikum, zu Theaterproduktionen und einer digitalen Bühne. Wie intergenerationelle Räume gestaltet werden können, beschreiben Praxiseinblicke in ein mehrgenerationelles Stadtensemble und die Vermittlung einer Kunsthalle. Zuletzt blicken wir auf uns selbst und laden scheidende ASSITEJ-Vorstandsmitglieder und KJTZ-Leitung zum Gespräch.
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Generation what?!

Das Arbeitsbuch widmet sich dem Intendanten und Regisseur Peter Carp. Als Schauspieldirektor in Luzern (2004–2007), als Intendant des Theater Oberhausen (2008–2017) und seit 2017 als Intendant des Theater Freiburg entwickelte er ein Theaterkonzept immer stärker aus, welches auf konsequente Internationalisierung setzte, auf ein Theater als „Weltempfänger“. Kennzeichnend für seine Arbeit war eine ausgeprägte Entdeckerlust, wie er sich generell als Förderer verstand (Simon Stone, Ewelina Marciniak, Amir Reza Koohestani, Yair Sherman, Herbert Fritsch). Das reich illustrierte Arbeitsbuch gibt Auskunft zu verschiedenen Aspekten der Arbeit des Regisseurs und Intendanten Peter Carp und versammelt Zeugnisse seiner Weggefährten.
 
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Weltempfänger in Luzern, Oberhausen und in Freiburg

Peter Carp

Theater der Leere macht die Katastrophen des technowissenschaftlichen Zeitalters zum Ausgangspunkt für die Annäherung an das Theater und zeigt, dass die Leere im zeitgenössischen Theater mehr ist als ein bloßes Nichts. Im Gegenteil, sie ist das Potenzial und die Möglichkeit einer radikalen Transformation des Theaters selbst.
In der Hinwendung zur Leere verschränkt Kovacs Debatten über Transformation und Zukunft mit der Reflexion über die komplexe Beziehung zwischen Theater und den Naturwissenschaften und macht deutlich, dass die Theaterformen, die bislang unter dem Begriff des „Postdramatischen Theaters“ diskutiert wurden, eine Zukunft haben.
Kovacs bringt in ihrer Studie Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch zusammen und zeigt, was es bedeutet, wenn der Nullpunkt zum zentralen Energiefeld des Theaters wird. Die Studie entfaltet nicht nur überraschend neue Perspektiven, sondern legt auch bislang übersehene Linien frei, die die Arbeiten dieser vier Theatermacher:innen durchziehen und verbinden. Sie argumentiert, dass wir im ‚Theater der Leere‘ eine theatrale Grammatik entdecken können, die uns in der von Nukleartechnologie und Klimawandel bedrohten Gegenwart viel zu sagen hat.
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Heiner Müller, Elfriede Jelinek, Christoph Schlingensief und René Pollesch

Theater der Leere

Wir machen Theater, jedes Jahr im Sommer. Das gilt für die Burgfestspiele Jagsthausen seit 1950. Als einziges Theater im deutschsprachigen Raum wird hier seit 75 Jahren mit Goethes „Götz von Berlichingen“ Theater an seinem Originalschauplatz gespielt. Mittlerweile sind die Burgfestspiele aber viel mehr als nur „Götz“: Musicals, Kinderstücke, Schauspiele und Musiktheater im weiteren Sinne gehören zum Repertoire. Das Buch bietet Rück-, Ein- und Ausblicke. Es beleuchtet die ersten 50 Jahre im Schnelldurchlauf und konzentriert sich im Schwerpunkt auf die letzten 25 Jahre. Die vier Intendant:innen Jan Aust, Heinz Kreidl, Axel Schneider und Eva Hosemann (seit 2019) haben diese Zeit geprägt. Ihnen werden einzelne Kapitel gewidmet.
Interviews und Anekdoten beschreiben das bekannte Freilichttheater aus einer Vielzahl von Perspektiven. Auf der Bühne und hinter der Bühne sehen wir einen Organismus im ständigen Wandel. Neben einer faszinierenden Bildauswahl informiert dieser Jubiläumsband mit spannenden Inhalten rund um die Burgfestspiele sowie Zahlen und Fakten zu den Produktionen. Es ist ein Jubiläumsbuch der besonderen Art und unternimmt eine Zeitreise durch 75 Jahre Theatergeschichte.

75 Jahre Burgfestspiele Jagsthausen

WIR MACHEN THEATER ... jedes Jahr im Sommer

Die 51. Ausgabe von „double“ mit dem Schwerpunkt „Zum Verhältnis von Puppe und Text“ beleuchtet auf vielfältige Weise die komplexe und sich wandelnde Beziehung zwischen dem geschriebenen Wort und der performativen Kraft des Figurentheaters. Das Heft untersucht historische Entwicklungen, gegenwärtige Tendenzen und zukünftige Perspektiven dieser spannungsreichen Interaktion. Es kommen sowohl Theoretikerinnen als auch Praktikerinnen zu Wort, die ihre Erfahrungen und Überlegungen zu diesem zentralen Aspekt des Puppen-, Figuren- und Objekttheaters teilen.
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Zum Verhältnis von Puppe und Text

Worte formen

Das internationale figuren.theater.festival in Erlangen, Nürnberg, Fürth und Schwabach gehört zu den renommiertesten Festivals des Genres und ist bekannt für das große ästhetische Spektrum seines Programms. Gegründet 1979, entwickelte es sich rasch zu einer erstklassigen Adresse für Künstler:innen und Veranstalter:innen, ebenso zu einem internationalen wie regionalen Publikumsmagneten. Es spiegelt mit seinen Stammkompagnien, seinen performativen Experimenten, gewagten Präsentationsformaten und oft folgenreichen Begegnungen nicht nur die jeweils aktuellen Bewegungen der Szene, sondern schrieb sich auch selbst in deren Geschichte ein.
Was es bedeuten kann, wenn ein Festival bereit ist, ein Genre immer wieder neu zu (er)finden, wenn Kuratieren auch als kritische Förderung verstanden, Studierenden regelmäßig eine Plattform geboten und eine Region vom Festivalfieber erfasst wird – das beleuchten Beiträge von zahlreichen Beteiligten vor, auf und hinter den Festivalbühnen.
 
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Erlangen Nürnberg Fürth Schwabach

Offen! Das internationale figuren.theater.festival

Wie werden dekoloniale Ästhetiken in der zeitgenössischen Gegenwartsdramatik produziert? Was kennzeichnet dekoloniale Ästhetiken im Theater? Mit einem dramaturgischen Blick und einer theatertextuellen Analyse von Stücken international renommierter afro-diasporischer Künstler:innen wie Dieudonné Niangouna, Aristide Tarnagda, Hakim Bah, Marie N´Diaye u.a. argumentiert die Theaterwissenschaftlerin Grit Köppen, dass dekoloniale Ästhetiken im Theater als breites Spektrum künstlerischer Strategien zu denken sind. Diese bewegen sich aktuell zwischen einer Ästhetik des Aufruhrs gegen postkoloniale Realitäten und einer Ästhetik der Transgression.
 
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Dekoloniale Ästhetiken im zeitgenössischen Theater

Das Thema Nachhaltigkeit hat Theater der Zeit schon öfter beschäftigt. Im Arbeitsbuch „Transformers – Digitalität Inklusion Nachhaltigkeit“ aus dem Jahr 2021 wird erstmals ein Nachhaltigkeitsmanagement am Theater vorgestellt, damals an der Oper in Göteborg. Inzwischen gibt es das Phänomen in wachsender Zahl im gesamten deutschsprachigen Theater. TdZ-Redakteurin Elisabeth Maier porträtiert Anna Haas, die am Staatstheater Karlsruhe diesen Aufgabenbereich übernommen hat – Teil des umfangreichen Schwerpunkts zum Thema, dazu auch das Kunstinsert von Daniel Kötter und seinem Feld des Extraktivismus.
Auch den Neustart am Rheinischen Landestheater Neuss könnte man noch dem Thema zuordnen, denn die Intendantin Marie Johannsen hat das Foyer zu einem öffentlichen Raum zur Stadt hin gemacht – nachhaltige Nutzung von Theaterräumen.
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Nachhaltigkeit

In den vergangenen Wochen wurden die Theater in fast allen Bundesländern mit­ drastischen Einsparungsszenarios der öffentlichen Hand in nie dagewesener Weise konfrontiert. In Berlin, Sachsen und Nordrhein-Westfalen wird schon der Notstand für dieses Jahr diskutiert. Meist mit der Formel, wenn 10 Prozent gekürzt werden, ist das genau der Etat für die künstlerische Produktion, denn der große Rest dient dem Betrieb der Institutionen. Dazu kommen in diesem Moment noch so genannte Tarifaufwüchse, die garantierten Lohnangleichungen für Festangestellte.
Teilweise gibt es aber auch Abmilderungen und Umverteilungen wie in München und Berlin, wo die Kinder- und Jugendtheater weniger hart betroffen sein sollen. Planungen ändern sich wöchentlich, wenn nicht sogar täglich. Für den Schwerpunkt haben Wolfgang Schneider, einst Mitglied einer Enquete-Kommission für die weitsichtig planvolle Entwicklung der Darstellenden Künste in Deutschland, und der frühere Berliner Kultursenator Thomas Flierl, mit Blick auf die besonders verschärfte Situation in Berlin, geschrieben. Dazu NRW-Redakteur Stefan Keim zu der Frage, ob mit der fehlenden Finanzierung für Impulse auch das wichtigste Festival der Freien Szene vor dem Aus steht, und ein Gespräch mit dem Schweriner Intendanten Hans-Georg Wegner über die Herausforderungen in Mecklenburg-Vorpommern.
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Wie Einsparungen Theater bedrohen

Die Kürzungskatastrophe

Ja, es gibt sie wirklich, diese kleine, eher den schwäbischen Spaßmachern zuzurechnende Firma in Stuttgart, die mit dem Titel eines Artikels in der FAZ Sweat- und T-Shirts bedruckt. „In der Oper gewesen, gekotzt“, überschrieb Simon Strauß seinen Kommentar zu den angeblich katastrophen­artigen Notarzteinsätzen während der Auf­führung von Florentina Holzingers „Sancta“ an der Stuttgarter Oper. Baden-Württemberg-Redakteurin Elisabeth Maier schaut noch einmal auf die Geschichte von Paul Hindemiths Oper „Sancta“ in Stuttgart – während man mit Florentina Holzinger auf dem Cover dieser Ausgabe natürlich auch sagen muss: Danke, Kafka! Du hast uns nicht nur Geschichten vergeblicher Sinnsuche, sondern auch ein griffiges Modell der Theaterkurzkritik hinterlassen.
Als der Schauspieler Manuel Harder, Ensemblemitglied am Deutschen Theater Berlin, aus Chile, dem Land seiner Geburt, wieder nach Hause kam, bemerkte er mit Blick auf die Theatermacher dort: „Man muss schon dafür sterben wollen, um in Chile Theater zu machen. Es ist unglaublich – und mit hier gar nicht zu vergleichen.“ Beim Festival Teatro a Mil in Santiago hatte ihn besonders die Eröffnungsrede des Autors und Regisseurs Guillermo Calderón begeistert, in der er Theater als Ausdruck der politischen und sozialen Kämpfe unserer Zeit nannte. Und dennoch bei der Kunst blieb.
Ab dieser Ausgabe gibt es eine neue Kolumne, in der Online-Redakteurin Lina Wölfel nur scheinbar periphere Phänomene der Theaterwelt untersucht. Chris Isaaks Song „Wicked Game“, das erste Thema, in das sie vertiefend hineingeht, hat eine schon lange Appropriations­karriere hinter sich, die wohl 1990 mit David Lynchs „Wild at Heart“ begann. Man lese, höre und staune!
Mitten in der Arbeit an diesem Heft erfuhren wir am 7. März vom Tod des Schauspielers und Regisseurs Wolfgang Engel, der in den 1980er Jahren in Dresden mit großen, sensationellen Inszenierungen auf sich aufmerksam machte und von 1995 bis 2008 Intendant des Schauspiel Leipzig war. Ein Nachruf folgt im nächsten Heft.
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Performing Power

Florentina Holzinger

Thea Plath

Theater Erfurt: „Dem Unheil in den Rachen“

Theater Erfurt: Kreislauf der Geschichte

Oper Halle: Im Spiegel der Zeit(en)

Oper Halle: Moral vom Fließband

Neuerscheinungen im Verlag