Internationales Sommerfestival Kampnagel: Telling stories to survive 

Hart, aber poetisch

Businessman des Living Theatre

Staatstheater Augsburg: Die Vergartenzwergung des Bösen

Captain Hook fliegt ein

Theaterhaus Jena: Elfriede Jelinek spürt diese Leere – wir auch

Tanzende Töne im Fächermeer

Ambige Körper, klare Message?

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Dominique Horwitz?

Ruhrfestspiele Recklinghausen/Theater Münster: Ein Krieg führt immer zum nächsten

Black Box und White Cube

Gemeinsam verletzbar sein und Sprache suchen

Transformation statt Revolte

Keine Angst vor Trash und Chaos

Theaterkollektiv Pièrre.Vers: Gegen die Gleichgültigkeit

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Unterwegs mit den Formwandlern

Als Symbol des „Holocausts durch Kugeln“ stand Babyn Jar schon lange im Zentrum widerstreitender Geschichtsnarrative: Das historische Relief im Kyjiwer Nordosten wurde zur Bühne ­eines – zunächst nur rhetorischen – Kampfes um den „richtigen“ Umgang mit der Geschichte. Mit der russischen Invasion am 24. Februar gerieten die ukrainischen Bloodlands (Timothy Snyder) erneut ins Zentrum zivilisatorischer Kriegsverbrechen; am 1. März wurde die Erinnerungslandschaft von Babyn Jar indirekt von Raketen getroffen, fünf Zivilisten wurden getötet. Die Ukraine und mit ihr Europa stehen einem faschistischen Regime gegenüber, das seine Strategien der verkehrenden Simulation in den vergangenen Jahrzehnten ungestört perfektionieren konnte. Auch Ilya Khrzhanovsky, DAU-Regisseur und künstlerischer Leiter eines umstrittenen Holocaust-Museumsprojekts in Babyn Jar, bedient sich der Kunstgriffe Simulation und Immersion in die Gewalt­geschichte des 20. Jahrhunderts. Sind wir längst im von Jean Baudrillard beschriebenen hyperrealen „Zeitalter des Simulakrum“ angekommen? „War es hier? Ich gehe durch eine mit Gestrüpp bewachsene flache Landschaft. Die Menschen spazieren, reden, gestikulieren. Ich höre nichts. Die Vergangenheit schluckt alle Laute der Gegenwart. Es kommt nichts mehr hinzu. Kein Raum mehr für Neues“, schrieb Katja Petrowskaja, die ihre mit Kyjiw verknüpfte Familiengeschichte in ihren Roman „Vielleicht Esther“ hat einfließen lassen, über ihren „Spaziergang in Babij Jar“, FAZ, 2011). Viel...

Babyn Jar und Ilya Khrzhanovskys Holocaust-Museumsprojekt

Krieg in Europa – auf dem Spiegelfeld der Geschichte

Fassungslosigkeit und Hoffnung

„Ein großes Festival muss eine Dynamik entwickeln“

St. Pölten:: Peter-Turrini-Dramatiker*innenstipendium für Paula van Well

Deutsche Oper Berlin: Offene Räume

Langer Atem beim Netzwerken

Dramaturgie des Zweifels

Widerstand und Erinnerung 

Keine Rechnung ohne Restwert 

Weltall, Erde, Mensch

Herbst 2022 im Düsseldorfer Volksgarten: Ein farbenfroher ­Pavillon steht auf weitläufiger Wiese, vom Geäst alter Bäume eingerahmt. Über drei Monate hinweg – vom 8. August bis 30. Oktober 2022 – war die hölzerne Konstruktion mit polymorpher Fassade ein politischer Ausstellungsort ukrainischer Kunst abseits der tagtäglichen Kriegsrealität. Das in den ersten Wochen des russischen Angriffskriegs gegründete Kollektiv Prykarpattian Theater baute mit institutioneller Unterstützung von der Kunstkommission Düsseldorf sowie der Kunststiftung NRW eine transformative Architektur im öffentlichen Raum, in der Fragen nach der Möglichkeit von Kunst in Kriegszeiten Tag für Tag neu ausgelotet wurden. Die Kollektivmitglieder – Künstler und Filmemacher Yarema Malashchuk und Roman Khimei, Performancekünstlerin Tereza Yakovyna, Grafikdesigner Ostap Yashchuk sowie Bildender Künstler Ivan Bazak – erklärten im Austausch mit künstlerischer Leiterin Ania Kołyszko und Kurator Nikita ­Sereda den Notfall zum Prinzip. „In diesen Zeiten fühlt es sich viel angemessener an, Kunst zu machen, die sozial engagiert ist“, sagte Kołyszko in einem im Sommer 2022 geführten Interview. Sozial engagierte Kunst in Transformation Die Schöpfer:innen des „Theater of Hopes and Expectations“ entschlossen sich gegen einen fixierten Projektentwurf – zugunsten eines dynamischen, partizipatorischen Programms. Ein Schlüsselwerk politischer Konzeptkunst diente dabei als Inspiration: Mit „The Emergency Will Replace the Contemporary“ entwickelte Thierry Geoffroy/Colonel Ende...

Wie ein „Theater“ zur transformativen Kulturinstitution wurde

Der Notfall als Prinzip

Hybridgemeinschaften?

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Weltentwürfe: Modulare Schauplätze

Ruhm den Kleinen!

Der Engel vieler Geschichten

Thüringer Befund

Kunstfest Weimar: Geschichten vom Faschismus-Schock

Salzburger Festspiele: Die große Verblendung

Festival im Aufwind

Das leidenschaftliche Theatertier

Bilder im Takt eines Textes

Auf Augenhöhe

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

»Die Oper ist nicht weniger sinnlich, sondern vielfältiger geworden«

Ästhetische Übereinstimmung, strukturelle Unterschiede

Risiko: Das Salz unseres Lebens

Freiheit des Theater-Erlebens

Berufsbild: Digitaldramaturg

Swoosh Lieu – vom Kollektiv zum Netzwerk

„Den Lohnarbeitern erscheint ihre Arbeit auch nicht mehr als das, was sie ist“

Am Puls der Welt: Verarbeitetes Erbe

Gestalten in der Welt: Erweiterte Körperlichkeit

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Die Rache der Königinnen

Balkan Brass und Brüche

Sie leben noch (weiter)

Episteme, Ästhetiken und das Gedächtnis der Szenografie

Guten Appetit!

Vor Ort und exklusiv

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Die Unsterblichkeit des Theaters

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Wenn die Unis Trauer tragen

Der Sprachspieler Schiller trotzt der Macht  

Ruhrfestspiele Recklinghausen/THE OFFICE performing arts + film: Humor und Hoffnung in einer zerfallenden Welt

Warum wir Festivals brauchen

Gesamtkunstwerk Wilson

Sie kürzen, wir glänzen

Ballhaus Ost: Ein Trumm kommt selten allein

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Räume für die Zukunft

Zirkus

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Schauspiel

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Was macht das Theater...?

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Das Symposium „Nova Generatsiia: before and after“ im Ausstellungsraum, 15. Oktober 2022

Prykarpattian Theater

Das „Spiegelfeld“ in Babyn Jar.

Der in ein Wohnhaus transformierte Ausstellungspavillon im Dorf Sloboda Kuchars‘ka in der Kyjiwer Region. September 2023

Das Modell des „Theaters“ in der Ausstellung „What Cannot Be Lost“, Teil des Programms des ukrainischen Pavillons auf der 18. Architekturbiennale in Venedig (21. August bis 17. September 2023)

Obwohl immer wieder beschrieben und prognostiziert wird, dass sich politische Bewegungen weitgehend in die digitalen Medien verlagern, sind die Erwartungen an politisches Theater und Aktionskunst eher noch gestiegen: Theater soll die gesellschaftliche Wirklichkeit nicht nur widerspiegeln oder kritisieren, sondern direkt in die Wirklichkeit intervenieren. Die Grenze zwischen Kunst und Aktivismus wird durchlässiger, woraus sich für das Theater gesteigerte Wirkungsansprüche ergeben. Das Buch fragt nach den Formen und Traditionen einer solchen intervenierenden Theaterpraxis – und danach, was man sich von ihr erhoffen darf. Es geht um ein Theater, das an der Grenze zur direkten Aktion operiert, ohne die Brechungen, Umwege und Indirektheiten theatraler Aufführungen ganz hinter sich lassen zu können.
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Interventionen politischen Theaters

Die Juni-Ausgabe 2025 von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Heimat(en)“ und beleuchtet, wie Kunst und Theater Zugehörigkeit, Identität und Gemeinschaft neu verhandeln. Essays, Interviews und Berichte von Autor:innen wie Dinçer Güçyeter, Luise Voigt und Elisabeth Maier zeigen, wie vielfältig und umstritten der Heimatbegriff heute ist – von postmigrantischen Perspektiven über ostdeutsche Lebensgeschichten bis zu kulinarisch-politischen Performances.
Auf dem Titel: Sandra Hüller und Tom Schneider ­haben am neuen theater in Halle/Saale MarDis „Penthesile:a:s“ (<a href="https://tdz.de/artikel/3856c3b5-e854-4769-8eef-1533bb028485">der Stückabdruck</a>) inszeniert. Im Interview dazu betonen sie die gemeinsame Theaterarbeit, das Ensemble­schaffen – weit weg vom filmbranchenüblichen Starmodellieren eines Wunders. Ist Sandra Hüller trotzdem.
 
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Sandra Hüller und Tom Schneider

Geste des Kollektiven

Seit bald 20 Jahren produziert die aus Zypern stammende und in Düsseldorf beheimatete Choreografin Alexandra Waierstall international. Das Buch „And here we meet: Choreography at the edge of time“ bietet erstmals einen umfassenden Einblick in ihr Schaffen. Großformatige Fotostrecken und pointierte Textbeiträge erschließen ihr Werk. Mit Beiträgen von Roberto Fratini, Monica Gillette, Emily Markert, João da Silva, Melanie Suchy und Paraskevi Tektonidou.
Alexandra Waierstalls Arbeiten beeindrucken durch ihre direkte physische Bildsprache, die radikale Präsenz der Tänzer:innen. Sie basieren auf der vitalen zwischenmenschlichen Aushandlung komplexer Beziehungen, die sich in choreografischen Konstellationen, Bildern und Transformationen entfalten. Choreografie wird so zum Mittel der Ermächtigung in der Verkörperung sozialer Verantwortung und zum Ausgangspunkt für Formen von Gemeinschaftlichkeit.
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Alexandra Waierstall

And here we meet: Choreography at the edge of time

Szenografie ist Teil jeder Theaterproduktion: als ­Doing Scenography (Entwerfen von Bühne, Kostüm, Maske, Licht, Video) und als Scenography in Performance. Auch jenseits (gebauter) Bühnen tritt sie heute vielgestaltig auf: das Spektrum reicht von ­Environmental Scenography und urbaner Intervention über inszenierte Räume in Ausstellungen / Museen bis hin zu Szenografien medialer Räume. Inwiefern sie – dergestalt ‚extended‘ und mit ‚weltentwerfendem‘ Potenzial – je als Teildisziplin oder eigenständige Kunst aufzufassen ist, diskutieren die Scenography&amp;Performance Design Studies. In der deutschsprachigen Theaterwissenschaft blieb Szenografie-Forschung bisher eher außen vor.
Das Buch schafft wichtige Anschlüsse: gefragt wird nach Epistemologien ästhetischer Praktiken, weitere Aspekte sind Digitalität, Eco-Design und die soziale Dimension szenografischen Gestaltens.
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Perspektiven der Szenografie und Performance Design Studies

Bühne

„Wallenstein“ in Dresden

Frank Castorf

Wir machen Theater, jedes Jahr im Sommer. Das gilt für die Burgfestspiele Jagsthausen seit 1950. Als einziges Theater im deutschsprachigen Raum wird hier seit 75 Jahren mit Goethes „Götz von Berlichingen“ Theater an seinem Originalschauplatz gespielt. Mittlerweile sind die Burgfestspiele aber viel mehr als nur „Götz“: Musicals, Kinderstücke, Schauspiele und Musiktheater im weiteren Sinne gehören zum Repertoire. Das Buch bietet Rück-, Ein- und Ausblicke. Es beleuchtet die ersten 50 Jahre im Schnelldurchlauf und konzentriert sich im Schwerpunkt auf die letzten 25 Jahre. Die vier Intendant:innen Jan Aust, Heinz Kreidl, Axel Schneider und Eva Hosemann (seit 2019) haben diese Zeit geprägt. Ihnen werden einzelne Kapitel gewidmet.
Interviews und Anekdoten beschreiben das bekannte Freilichttheater aus einer Vielzahl von Perspektiven. Auf der Bühne und hinter der Bühne sehen wir einen Organismus im ständigen Wandel. Neben einer faszinierenden Bildauswahl informiert dieser Jubiläumsband mit spannenden Inhalten rund um die Burgfestspiele sowie Zahlen und Fakten zu den Produktionen. Es ist ein Jubiläumsbuch der besonderen Art und unternimmt eine Zeitreise durch 75 Jahre Theatergeschichte.
 
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75 Jahre Burgfestspiele Jagsthausen

WIR MACHEN THEATER ... jedes Jahr im Sommer

Das Arbeitsbuch von Theater der Zeit im Juli 2025 widmet sich der zeitgenössischen Schweizer Theaterszene. Es begreift sie als eine Art Landschaft, die es bereist und deren Diversität, Mehrsprachigkeit und Komplexität es aus verschiedenen Perspektiven beschreibt.
Der Fokus liegt auf der Schweiz als mehrsprachigem Theaterort, wo verschiedenste Theater- Ästhetiken, Traditionen und Strukturen auf kleinstem Raum aufeinandertreffen oder nebeneinander bestehen. Welche Entwicklungen zeichnen sich ab im zeitgenössischen Schauspiel, in der Performance, im Theater der Schweiz? Inwiefern bildet die Schweizer Theaterszene die europäische Theaterszene im Kleinen ab? Wie gelingt der mehrsprachige Dialog? Welche Beziehungen bestehen zu den Kulturräumen der Nachbarländer Frankreich, Italien, Deutschland, Österreich und Liechtenstein?
Neben Essays, Berichten und Dialogen kommen auch genuin künstlerische Positionen zu Wort: aus allen Landesteilen, sowohl innerhalb als auch fernab der Metropolen.
Mit freundlicher Unterstützung der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia sowie der Ernst Göhner Stiftung und der Oertli Stiftung.
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landscapes des zeitgenössischen theaters

diversité suisse

Wie werden dekoloniale Ästhetiken in der zeitgenössischen Gegenwartsdramatik produziert? Was kennzeichnet dekoloniale Ästhetiken im Theater? Mit einem dramaturgischen Blick und einer theatertextuellen Analyse von Stücken international renommierter afro-diasporischer Künstler:innen wie Dieudonné Niangouna, Aristide Tarnagda, Hakim Bah, Marie N´Diaye u.a. argumentiert die Theaterwissenschaftlerin Grit Köppen, dass dekoloniale Ästhetiken im Theater als breites Spektrum künstlerischer Strategien zu denken sind. Diese bewegen sich aktuell zwischen einer Ästhetik des Aufruhrs gegen postkoloniale Realitäten und einer Ästhetik der Transgression.
 
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Dekoloniale Ästhetiken im zeitgenössischen Theater

Die erste Anthologie des 2011 in Köln gegründeten africologneFESTIVAL gibt einen Einblick in die Vielfalt der Stimmen, Perspektiven, Themen und Ästhetiken zeitgenössischer Dramatik aus Benin, Burkina Faso, DR Kongo, Guinea, Republik Kongo, Senegal und Uganda. Die neun erstmals in deutscher Übersetzung publizierten Texte reichen von der Tragödie über die Satire, von der dramatischen Poesie bis hin zum Neo-Western. Post- oder neo-koloniale Themen sind ebenso präsent wie persönliche Reflexionen über gesellschaftspolitische Verankerungen. Viele Autor:innen hinterfragen dabei auch die Geschichte und Politik ihrer Heimatländer.  Ergänzt werden die Stücke u.a. durch ein Vorwort zur zeitgenössischen Dramatik in afrikanischen Gesellschaften und einem Essay zu ihrer Übersetzbarkeit bzw. Transformation.
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Zeitgenössische Theatertexte aus afrikanischen Ländern und der afrikanischen Diaspora

SPUREN

Klaus Zehelein hat das neue deutschsprachige Musiktheater entscheidend geprägt. Seine Arbeit als Dramaturg und Intendant kann mit Blick auf die Erfindung und Ausgestaltung einer Oper für den modernen Menschen als modellhaft gelten. Fernab von Vorstellungen eines auf „Aktualisierung“ zielenden Regietheaters gewinnen Zeheleins Ideen eines heutigen Musiktheaters durch die intensive Auseinandersetzung mit der Geschichte der Werke zukunftsträchtige Brisanz. Die Autobiographie folgt den Stationen seines Wirkens – von den Anfängen in Kiel und Oldenburg hin zu den Zeiten des Aufbruchs in Frankfurt und Stuttgart bis zu seiner Tätigkeit als Präsident der Bayerischen Theaterakademie und des Deutschen Bühnenvereins. Sie zeigt, was Musiktheater sein kann: ein Ort unerhörter Augenblicke, die die Gegenwart neu entdecken lassen.

Autobiographie

Klaus Zehelein. Unerhörte Augenblicke

Der Maler und Bühnenbildner Gero Troike geht spazieren und schaut sich um. Das ist alles: Augen auf und durch – die Stunde, den Tag. Die unmittelbare alltägliche Nähe als aufregender Kosmos, als unglaubliches Abenteuerfeld … Hans-Dieter Schütt hat die radikal naiven Weg- und Welt-Beobachtungen Troikes, die in ihrer Unverblümtheit an Robert Walser erinnern, mit autobiographischen Texten des Theatermannes verknüpft. Es fügt sich mit Porträts des Fotografen Manfred Haupthoff – Troike im Atelier – zu einem so sperrigen wie warmherzigen (Lebens-)Künstlerbuch.
„Ein wundersamer Band. Derart erpicht auf Kreuz und Quer. Eines Lebens Lauf, aber den beileibe nicht landläufig protokolliert.“ So schreibt Schütt im Vorwort. Fotos und Malerei. Bilder und Buchstaben. Die Zeiten im Buch springen, die Gedanken springen mit – nichts möge da zur falschen Ruhe kommen. Seine Texte schreibt Troike mit einer alten Schreibmaschine. Sie ist die alte Welt: Sie klappert hinterher, und der Autor ist wie der vergebliche Glückssucher, der Lotto-Verlierer: Er vertippt sich regelmäßig. Und tippt doch weiter. Troikes Manuskripte: Pflege und Schutz des individuellen Fehlers als trotziger Selbstwert in einer nervös hastenden Gesellschaft.

In unmittelbarer Nähe

Gero Troike

Theaterarbeit umfasst mehr als nur ästhetische Erfahrungen – wird sie doch von körperlichen, sozialen und politischen Praktiken geprägt. Im Gegenwartstheater der Freien Szene führt die Aufmerksamkeit für die Produktionsweisen hinter der Bühne zur Enthierarchisierung primär künstlerischer Gesichtspunkte.
Dieses Buch diskutiert das wissenschaftliche Handwerkszeug zu dieser Bedeutungsverschiebung und eröffnet neue Perspektiven auf die netzwerkartigen und losen Arbeitsweisen des Gegenwartstheaters: Wie beeinflussen kulturpolitische und theaterwissenschaftliche Erwartungen die Freie Theaterarbeit? Welche Rolle spielen unsichtbare Praktiken wie die Care-Arbeit? Ausgangspunkt der Studie sind das 11. „Politik im Freien Theater“-Festival 2022 sowie die Theater-/Arbeit der Gruppen She She Pop, The Agency und Swoosh Lieu.
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Eine kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../api/files/7c3f3abd-4e21-4dc9-87bd-14ad33ff534b/TdZ_RE175_ Theaterarbeit_OA.pdf" target="_blank">PDF-Download (8 MB)</a>
ISBN 978-3-95749-597-6 (Open Access)  DOI: <a href="https://tdz.de/shop/produkt/theaterarbeit">10.35287/9783957495976</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Praktiken der Freien Szene

Theaterarbeit

In der digitalen Welt des 21. Jahrhunderts verändert sich das Theater radikal: Neue Formsprachen gehen nicht vom klassischen Text oder seiner Dekonstruktion aus, sondern nutzen vielfältige Medien, innovative Technologien und interdisziplinäre Ansätze, um ganze Welten zu entwerfen. Die wegweisenden Inszenierungen von Susanne Kennedy, Lucia Bihler und Florentina Holzinger stehen exemplarisch für diesen formalen Wandel, der seit den 2010er-Jahren in den Darstellenden Künsten sichtbar wird.
Dieses Buch untersucht anhand fundierter theoretischer Reflexion und ausführlicher Interviews die formalen Strategien der drei Künstlerinnen und ­ ihrer Teams. Dabei zeigt es auf, wie sie die Ästhetik des postdramatischen Theaters ins 21. Jahrhundert überführen und eine zeitgemäße Bühnensprache entwickeln. Die Autorin analysiert, wie diese innovativen Produktionen Kommunikationsweisen, Wahrnehmungsmuster und emotionale Dynamiken des Web 2.0 in komplexe „Ultrawelten“ übersetzen – Theaterwelten, die am Puls der Zeit entstehen und die Gegenwart herausfordern.
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Radikale Formsprachen in den Inszenierungen von Susanne Kennedy, Lucia Bihler und Florentina Holzinger

Ultrawelten

Theater zwischen Krieg und Exil

Unsichere Haushalte, Finanzkürzungen und Personalmangel stellen Schulen, Theater und Akteur:innen der kulturellen Bildung aktuell vor große Herausforderungen. Zugleich wächst in Zeiten rechtspopulistischer und extremistischer Tendenzen die demokratische Verantwortung dieser Institutionen.
Das diesjährige sommerheft von ixypsilonzett zeigt praxisnahe Lösungsstrategien auf künstlerischer, pädagogischer und organisatorischer Ebene. Expert:innen aus Bildung, Theaterpädagogik und Kunst diskutieren, wie Schulen und Theater diskriminierungssensible Schutzräume schaffen, Haltung zeigen und demokratische Werte vermitteln können. Es untersucht, wie nachhaltige Allianzen zwischen Schule und Theater entstehen, welche Rolle kulturelle Bildung für Demokratiebildung spielt und wie Kunstfreiheit und Bildungsauftrag miteinander vereinbar sind.
Ein inspirierendes Heft für Kulturschaffende, Lehrkräfte und alle, die Schule und Theater als lebendige Orte demokratischer Kultur gestalten wollen.
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Schule und Theater: Orte der Demokratie?

Endlich Kollektivleitung, endlich Frauen an der Spitze jubelte man bei der Wahl der Co-Direktion Erdogan, Milz, Reichert am Theater Neumarkt in Zürich. Sie traten an mit einer Vision für ein Unbedingtes Theater, einem Manifest und mit der Überzeugung, ein Ort der Vielheit zu sein, für alle zu sein, die lieben, spielen und streiten wollen. Nach sechs Jahren blicken sie gemeinsam mit Dramaturg Eneas Nikolai Prawdzic zurück, auf Begegnungen mit herausragenden Künstler:innen, auf Headlines, die ihr Wirken auf die eine oder andere Weise dokumentieren, mit Stolz auf gelungene strukturelle und künstlerische Versuche und genauso liebevoll auf Produktionen, Mitarbeiter:innen, die Stadt und ihre Favorite Fails. Eine Ära für ein Unbedingtes Theater geht zu Ende, ein Mythos lebt weiter.
 
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Dein Neumarkt 2019-2025

Love Play Fight

Elisabeth Bauer

Der Notfall als Prinzip

Krieg in Europa – auf dem Spiegelfeld der Geschichte

Neuerscheinungen im Verlag