Internationales Sommerfestival Kampnagel: Telling stories to survive 

Hart, aber poetisch

Quer zu Redeverboten

Businessman des Living Theatre

Staatstheater Augsburg: Die Vergartenzwergung des Bösen

Captain Hook fliegt ein

An der Grenze zum Leben

Theaterhaus Jena: Elfriede Jelinek spürt diese Leere – wir auch

Tanzende Töne im Fächermeer

Ambige Körper, klare Message?

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Dominique Horwitz?

Ruhrfestspiele Recklinghausen/Theater Münster: Ein Krieg führt immer zum nächsten

Black Box und White Cube

Gemeinsam verletzbar sein und Sprache suchen

Transformation statt Revolte

„Das Lachen der Medusa ist ein Lachen, das aus der Zukunft kommt.“1 Und wir befinden uns im Dazwischen, in der Zwischenzeitlichkeit, in der sogenannten Gegenwart. Und für diese Gegenwart braucht es eine neue kollektive, lustvoll wabernde Figur. Die, die ich vorschlage, ist The Blob.2 Das alles verschlingende, anschwellende und nicht aufhaltbare Kunstmonster, welches Chris Kraus in einem ihrer Briefe in I love Dick (1997) porträtiert. The Blob ist der Schrecken der Furchtlosen, ein morphender Organismus der Veränderung. Eine blobbende Veränderung, die die deutschsprachigen Theaterbetriebe dringend nötig haben. Und Zeit für Veränderung ist jetzt, denn alles, was wir anfassen, bringt Veränderung oder, wie die afroamerikanische Science-Fiction-Autorin Octavia Butler schreibt: „All that you touch, you change. All that you change, changes you. The only lasting truth is change.“3 „Die Zeit ist aus den Fugen“, und unsere Gesellschaft lässt sich orientierungslos von einem Extrem ins andere schubsen. Zukunftsweisende Visionen scheinen rar, die Vergangenheit gibt keine Ruhe, kehrt in Form von vielfältigen und spaltenden Gestalten, Geistern und Möchtegernheld:innen zurück und die unübersichtliche Gegenwart ergießt sich in ein Meer von unlösbar erscheinenden Problemen. Die Welt in Dauerkrise. Das Theater auch. Alles in Auflösung. Der Ausgang: ungewiss. „Die Zeit ist aus den...

Eine Gedankenskizze über das egalitäre Gagensystem am Theater Neumarkt

The Blob und das Lachen der Medusen

Keine Angst vor Trash und Chaos

Theaterkollektiv Pièrre.Vers: Gegen die Gleichgültigkeit

Ich arbeite einfach gern

Unterwegs mit den Formwandlern

Fassungslosigkeit und Hoffnung

„Ein großes Festival muss eine Dynamik entwickeln“

St. Pölten:: Peter-Turrini-Dramatiker*innenstipendium für Paula van Well

Deutsche Oper Berlin: Offene Räume

Langer Atem beim Netzwerken

Dramaturgie des Zweifels

Widerstand und Erinnerung 

Keine Rechnung ohne Restwert 

Weltall, Erde, Mensch

Von gelenkten und ungelenken Diskursformaten

Hybridgemeinschaften?

Weltentwürfe: Modulare Schauplätze

Eneas Ihr Lieben, kaum zu glauben: Wir treffen uns, um die sechs Jahre eurer Intendanz Revue ­passieren zu lassen. Die Zeit ist schnell verflogen und doch trennen uns Welten von 2019. Als wir begonnen haben, erlebte der Klimastreik seinen Höhepunkt. Die feministische Bewegung war auf dem Vormarsch und dominierte den Diskurs. Diese Aufbruchstimmung spiegelte sich auch in eurem Guide für ein «Unbedingtes Theaters» wider: Von «neue&lt;n Narrationen» ist da die Rede, von «­Veränderung mitgestalten». Was ist von der Aufbruchsstimmung geblieben? Müde Gesichter. Es ist kurz vor Weihnachten. Noch im Tagesgeschäft vertieft, brauchen die drei eine Weile, bis die erste antwortet. Julia Eine Steilvorlagen-Frage. Ich habe eine gespaltene Antwort dazu. Wir haben durchaus einen proof of concept hingelegt. Bei all dem visionären Geist und auch der Freiheit, mit dem Gedanken zu spielen, was ein Theater sein kann, ist es ziemlich beachtlich, was sich davon alles in die Realität umsetzen liess. Wenn man das Programm anschaut, die Ensemblestruktur, die Publikumsstruktur, die Veränderungen von Arbeitsweisen, Bezahl- und Entlohnungssystemen … Und trotzdem ist die Welt natürlich eine andere. Gerade auch wenn man sich kulturpolitisch umschaut, wohin sich die Debatte um alternative Leitungsmodelle entwickelt, ist da ja ein komisches back to business as usual festzustellen....

Direktion und die Dramaturgie blicken zurück auf sechs Jahre Love Play Fight

favorite failures

Der Engel vieler Geschichten

Love Play Fight ist unser Glaubensbekenntnis und Schlachtruf, ist Einladung und Aufforderung an Stadt und Künstlerinnen. Unter diesem Motto verwandeln wir das Theater Neumarkt in Neumarkt und gestalten eine Institution, an der Überzeugungstäterinnen in unseren vier Sparten ­Playground, Theater, Akademie und Digital lieben, spielen und streiten. Wir glauben, dass das Neumarkt mit seiner bewegten Geschichte dazu einlädt und auffordert. Das Neumarkt ist eine der wenigen Institutionen, die das künstlerische Experiment und die institutionelle Selbstbefragung im Auftrag stehen hat. Dieser Ort hat sich immer wieder angreifbar gemacht und dadurch Diskussionen angestossen. Diese Qualität des Neumarkt möchten wir ausreizen und versuchen zu radikalisieren. Es geht uns darum, einen Ort zu etablieren, der liebt, kämpft, spielt, atmet, sich bewegt, streitet und Widersprüche zulässt. Wir möchten im sich beratenden Kollektiv arbeiten und eine Kultur entwickeln, in der wir Entscheidungen gemeinsam treffen und verantworten. Wir ­wissen, dass eine kollektive Leitung und flache Hierarchien grössere Dialog- und Konfliktfähigkeit und viele Diskussionen notwendig machen. Wir halten das aus. Wir glauben, dass, gerade wenn es um die Verdichtung und das Zusammenbringen von Unterschiedlichem geht, kollektive Prozesse interessantere Ergebnisse bringen als konventionelle hierarchische Leitungsstrukturen. Vision Wir wollen ein offenes Profil und Vielheit befördern und darin eine klare Haltung...

love play fight für ein unbedingtes theater

Thüringer Befund

Kunstfest Weimar: Geschichten vom Faschismus-Schock

Theater an der Ruhr Mülheim: KI auf Körpersuche

Salzburger Festspiele: Die große Verblendung

Festival im Aufwind

Das leidenschaftliche Theatertier

<blockquote> Wir sind Teil der Lösung </blockquote> Maximilian Sippenauer Im Theater beschäftigen uns gegenwärtig Themen wie Machtmissbrauch, Geschlechtergerechtigkeit, Diversität, Repräsentation, Inklusion, Abbau von sozialen Barrieren. Ich wünsche mir für unsere Diskussion, dass wir Strategien und Lösungen teilen, wie ihr in der Praxis mit diesen Herausforderungen umgeht. Welche Forderung erheben Sie oder erhebt ihr für ein zukunftsfähiges Theater? Anne Wiederhold-Daryanavard Das Ziel ist, einen radikalen Paradigmenwechsel einzuläuten, sodass das Theater und generell der Kultursektor der Diversität der Bevölkerung entspricht. Das ist bisher nicht der Fall. Ich denke da an die ganzen Ps: Personal, Programm, Publikum, Place, Publicity, Partnerschaften. Die Wiener Brunnenpassage liegt direkt am längsten Straßenmarkt Europas in einer ehemaligen Markthalle. Wir arbeiten dort interdisziplinär und mehrsprachig mit einem diversen Team. Wir nehmen keinen Eintritt und arbeiten mit strategischen Partnerschaften mit sogenannten Hochkulturinstitutionen wie dem Wiener Musikverein, dem Weltmuseum Wien unter anderem über mehrere Jahre. Es ist wirklich noch ein sehr weiter Weg, den jahrhundertelangen Kunstkanon zu öffnen. Und es geht genau darum, diese Transformation zu neuen Inhalten und zu Gleichberechtigung und Umverteilung weiterzugehen, wir sind da alle mittendrin. Was die grundsätzliche zukünftige Entwicklung angeht, glaube ich nicht, dass alles nur noch digital sein wird. Ich vermute, wir suchen im Kunstbetrieb wieder mehr...

Öffnen, flexibilisieren, lernen

Open Table: Theater zukunftsfähig machen

Auf Augenhöhe

Ästhetische Selbstreflexion

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

»Die Oper ist nicht weniger sinnlich, sondern vielfältiger geworden«

Ästhetische Übereinstimmung, strukturelle Unterschiede

Risiko: Das Salz unseres Lebens

Freiheit des Theater-Erlebens

Was macht das Theater, Yvonne Griesel?

Swoosh Lieu – vom Kollektiv zum Netzwerk

„Den Lohnarbeitern erscheint ihre Arbeit auch nicht mehr als das, was sie ist“

1. Unconditional Theatre (UT) or Keep moving.*1 Unbedingtes Theater ist ein verdichteter Ort des Experiments, Denkens und Ausdrucks. UT setzt sichtbar und hörbar ästhetische, ethische, soziale und politische Impulse. UT befragt tradiertes Wissen und Konventionen. UT setzt neue Narrationen in die Welt. UT erprobt Potentiale des Als-Ob. UT sucht neue Formen. UT ist offen für l’arrivant (Derrida). Unconditional Theatre is a condensed space of experiment, thought and expression. UT provides audible and visible aesthetical, ethical, social and political impetuses. UT questions traditional knowledge and conventions. UT brings new narrations into the world. UT challenges the potentials of the as-if. UT searches new forms. UT is open for l’arrivant (Derrida). *The market and its operations have a tendency to reinforce success. Resist it. Allow failure and migration to be part of your practice. 2. Public Declaration or Don’t be cool.* Leiten heisst sich verpflichten, indem man sich erklärt, indem man sich für etwas ausgibt und hingibt. Leading is a promise to devote and profess oneself. It is profession, is duty that anchors freedom, is duty to be response-able. Leading is public declaration, is profession of faith, is confession. It is also a performative act. * Cool...

The only constant is process and our Credo: Love Play Fight! Add it to each single point

An Incomplete Guide for Unconditional Theatre (ut) – So Far (SF)

Am Puls der Welt: Verarbeitetes Erbe

Gestalten in der Welt: Erweiterte Körperlichkeit

Das Spiel mit Algorithmen stellt sich sogar dem Tod

Die Rache der Königinnen

Für ein Theater apparativer Dämonenbeschwörung

Balkan Brass und Brüche

Sie leben noch (weiter)

Episteme, Ästhetiken und das Gedächtnis der Szenografie

Guten Appetit!

Vor Ort und exklusiv

Die Schauspielbühnen Stuttgart: Die Eiseskälte der Erben-Generation

Der Sprachspieler Schiller trotzt der Macht  

Ruhrfestspiele Recklinghausen/THE OFFICE performing arts + film: Humor und Hoffnung in einer zerfallenden Welt

Warum wir Festivals brauchen

Gesamtkunstwerk Wilson

Sie kürzen, wir glänzen

Ballhaus Ost: Ein Trumm kommt selten allein

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Räume für die Zukunft

Vom Hinterhof zur Holzinger-Performance

I) LOVE PLAY FIGHT ist Schlachtruf und Glaubensbekenntnis, Einladung und Aufforderung an Stadt und Künstler1. Unter diesem Motto verwandelt sich das Theater Neumarkt in Neumarkt und wird für die kommenden vier(+) Jahre zu einem Ort, an dem Überzeugungstäter*innen aus verschiedenen Bereichen lieben, spielen, streiten. Wir bespielen ein Netzwerk aus internationalen Theaterinstitutionen, Theaterschaffenden, AktivistInnen, Künstler_innen, der Zürcher Kunstszene und Kreativwirtschaft, sowie sozio-kulturellen Projekten. In diesen Allianzen spielen wir damit, was es heißt, ein Theater zu sein und kultivieren Mimikry als Strategie und subversive Spiegelung der Gegenwart. Das Neumarkt wird Spielplatz und Akademie: Theaterproduktionen, offene theatrale Experimente und das Haus als barrierefreie Denkanstalt sind gleichberechtigte Teile der Neumarkt-Identität und begegnen einander leidenschaftlich in Spiel- und Versuchsanordnungen. Agonistischer Pluralismus. Kein Kanon, sondern Zeitgenossenschaft. Keine Zwangsehen, sondern passionierte künstlerische Affären und Liebesgeschichten. Kein Elfenbeinturm, sondern ein Marktplatz für Ideen und Inspiration. Keine Etikettierung, sondern Handeln aus Überzeugung. Infektiös. II) WIESO WIR? Wir sind drei Dramaturginnen mit unterschiedlicher Ausrichtung und geteilter Liebe für Theater als kreativen, spielerischen, offenen und streitbaren Raum, der Ästhetik, Humor und Haltung vereint, konfrontiert und miteinander ins Spiel bringt. Wir handeln jede aus Überzeugung und bespielen verschiedene Kontexte hingebungsvoll, dabei durchaus nicht ohne Reibung und Kritik: Eine die Hochschule...

Bewerbungsdossier

Kein Leuchten, ein Glühen

Zirkus

Thüringen

Buchrezensionen

Saarland

Österreich

Theatergeschichte

Neubau & Sanierung

Arbeitsbuch

TdZ-Geschichte

Schauspiel

Mecklenburg-Vorpommern

ixypsilonzett

Ozeanien

Bremen

Theaterpädagogik

D / A / CH

Nordrhein-Westfalen

Hamburg

Niedersachsen

Inklusion

Nordamerika

Südamerika

Sachsen-Anhalt

Recht

Uraufführungen

Sparten

Rheinland-Pfalz

Polen

Musiktheater

Queeres Theater

#bigdreams

Europa

Theater der Zeit

Politische Konfliktzonen

Sachsen

Was macht das Theater...?

Bayern

Tanz

Performance

Kunstinsert

Debatte

Asien

Brandenburg

Neue Dramatik

Edition Bayerische Theaterakademie August Everding

Theater & Archiv

Spanien

Wissenschaft

Hessen

Berlin

Post-Ost(deutsch)

Dramaturgie

Afrika

Open Access

International

Praxiswissen

Digitales Theater

Kinder- & Jugendtheater

Recherchen

Akteur:innen

Dramatik

Baden-Württemberg

Puppen-, Figuren- & Objekttheater

Regie

Theaterkritiken

Schleswig-Holstein

Festivals

Schweiz

mixed feelings. oder favorite fails

Dramaturgie der Zeitenwende

Bertolt Brecht

Freie Szene

Sprechtheater

Kritiken

Stücke

Bühne & Film

Kostüm und Bühne

Georgien

3 Theater organisieren

Kulturkürzungen

Gespräch

Startseite

studierte 2015 bis 2018 Dramaturgie und seit 2017 Fine Arts an der Zürcher Hochschule der Künste. Seit der Spielzeit 2019/20 ist sie Co-Direktorin und Dramaturgin am Neumarkt.

Abendspielzettel von «red» von Brandy Butler, 2022/23

Obwohl immer wieder beschrieben und prognostiziert wird, dass sich politische Bewegungen weitgehend in die digitalen Medien verlagern, sind die Erwartungen an politisches Theater und Aktionskunst eher noch gestiegen: Theater soll die gesellschaftliche Wirklichkeit nicht nur widerspiegeln oder kritisieren, sondern direkt in die Wirklichkeit intervenieren. Die Grenze zwischen Kunst und Aktivismus wird durchlässiger, woraus sich für das Theater gesteigerte Wirkungsansprüche ergeben. Das Buch fragt nach den Formen und Traditionen einer solchen intervenierenden Theaterpraxis – und danach, was man sich von ihr erhoffen darf. Es geht um ein Theater, das an der Grenze zur direkten Aktion operiert, ohne die Brechungen, Umwege und Indirektheiten theatraler Aufführungen ganz hinter sich lassen zu können.
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Interventionen politischen Theaters

Die Juni-Ausgabe 2025 von Theater der Zeit widmet sich dem Schwerpunkt „Heimat(en)“ und beleuchtet, wie Kunst und Theater Zugehörigkeit, Identität und Gemeinschaft neu verhandeln. Essays, Interviews und Berichte von Autor:innen wie Dinçer Güçyeter, Luise Voigt und Elisabeth Maier zeigen, wie vielfältig und umstritten der Heimatbegriff heute ist – von postmigrantischen Perspektiven über ostdeutsche Lebensgeschichten bis zu kulinarisch-politischen Performances.
Auf dem Titel: Sandra Hüller und Tom Schneider ­haben am neuen theater in Halle/Saale MarDis „Penthesile:a:s“ (<a href="https://tdz.de/artikel/3856c3b5-e854-4769-8eef-1533bb028485">der Stückabdruck</a>) inszeniert. Im Interview dazu betonen sie die gemeinsame Theaterarbeit, das Ensemble­schaffen – weit weg vom filmbranchenüblichen Starmodellieren eines Wunders. Ist Sandra Hüller trotzdem.
 
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Sandra Hüller und Tom Schneider

Geste des Kollektiven

Zukunftskonferenz für die Darstellenden Künste

Learning for the Future

Seit bald 20 Jahren produziert die aus Zypern stammende und in Düsseldorf beheimatete Choreografin Alexandra Waierstall international. Das Buch „And here we meet: Choreography at the edge of time“ bietet erstmals einen umfassenden Einblick in ihr Schaffen. Großformatige Fotostrecken und pointierte Textbeiträge erschließen ihr Werk. Mit Beiträgen von Roberto Fratini, Monica Gillette, Emily Markert, João da Silva, Melanie Suchy und Paraskevi Tektonidou.
Alexandra Waierstalls Arbeiten beeindrucken durch ihre direkte physische Bildsprache, die radikale Präsenz der Tänzer:innen. Sie basieren auf der vitalen zwischenmenschlichen Aushandlung komplexer Beziehungen, die sich in choreografischen Konstellationen, Bildern und Transformationen entfalten. Choreografie wird so zum Mittel der Ermächtigung in der Verkörperung sozialer Verantwortung und zum Ausgangspunkt für Formen von Gemeinschaftlichkeit.
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Alexandra Waierstall

And here we meet: Choreography at the edge of time

Szenografie ist Teil jeder Theaterproduktion: als ­Doing Scenography (Entwerfen von Bühne, Kostüm, Maske, Licht, Video) und als Scenography in Performance. Auch jenseits (gebauter) Bühnen tritt sie heute vielgestaltig auf: das Spektrum reicht von ­Environmental Scenography und urbaner Intervention über inszenierte Räume in Ausstellungen / Museen bis hin zu Szenografien medialer Räume. Inwiefern sie – dergestalt ‚extended‘ und mit ‚weltentwerfendem‘ Potenzial – je als Teildisziplin oder eigenständige Kunst aufzufassen ist, diskutieren die Scenography&amp;Performance Design Studies. In der deutschsprachigen Theaterwissenschaft blieb Szenografie-Forschung bisher eher außen vor.
Das Buch schafft wichtige Anschlüsse: gefragt wird nach Epistemologien ästhetischer Praktiken, weitere Aspekte sind Digitalität, Eco-Design und die soziale Dimension szenografischen Gestaltens.
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Perspektiven der Szenografie und Performance Design Studies

Bühne

Wir machen Theater, jedes Jahr im Sommer. Das gilt für die Burgfestspiele Jagsthausen seit 1950. Als einziges Theater im deutschsprachigen Raum wird hier seit 75 Jahren mit Goethes „Götz von Berlichingen“ Theater an seinem Originalschauplatz gespielt. Mittlerweile sind die Burgfestspiele aber viel mehr als nur „Götz“: Musicals, Kinderstücke, Schauspiele und Musiktheater im weiteren Sinne gehören zum Repertoire. Das Buch bietet Rück-, Ein- und Ausblicke. Es beleuchtet die ersten 50 Jahre im Schnelldurchlauf und konzentriert sich im Schwerpunkt auf die letzten 25 Jahre. Die vier Intendant:innen Jan Aust, Heinz Kreidl, Axel Schneider und Eva Hosemann (seit 2019) haben diese Zeit geprägt. Ihnen werden einzelne Kapitel gewidmet.
Interviews und Anekdoten beschreiben das bekannte Freilichttheater aus einer Vielzahl von Perspektiven. Auf der Bühne und hinter der Bühne sehen wir einen Organismus im ständigen Wandel. Neben einer faszinierenden Bildauswahl informiert dieser Jubiläumsband mit spannenden Inhalten rund um die Burgfestspiele sowie Zahlen und Fakten zu den Produktionen. Es ist ein Jubiläumsbuch der besonderen Art und unternimmt eine Zeitreise durch 75 Jahre Theatergeschichte.
 
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75 Jahre Burgfestspiele Jagsthausen

WIR MACHEN THEATER ... jedes Jahr im Sommer

Das Arbeitsbuch von Theater der Zeit im Juli 2025 widmet sich der zeitgenössischen Schweizer Theaterszene. Es begreift sie als eine Art Landschaft, die es bereist und deren Diversität, Mehrsprachigkeit und Komplexität es aus verschiedenen Perspektiven beschreibt.
Der Fokus liegt auf der Schweiz als mehrsprachigem Theaterort, wo verschiedenste Theater- Ästhetiken, Traditionen und Strukturen auf kleinstem Raum aufeinandertreffen oder nebeneinander bestehen. Welche Entwicklungen zeichnen sich ab im zeitgenössischen Schauspiel, in der Performance, im Theater der Schweiz? Inwiefern bildet die Schweizer Theaterszene die europäische Theaterszene im Kleinen ab? Wie gelingt der mehrsprachige Dialog? Welche Beziehungen bestehen zu den Kulturräumen der Nachbarländer Frankreich, Italien, Deutschland, Österreich und Liechtenstein?
Neben Essays, Berichten und Dialogen kommen auch genuin künstlerische Positionen zu Wort: aus allen Landesteilen, sowohl innerhalb als auch fernab der Metropolen.
Mit freundlicher Unterstützung der Schweizer Kulturstiftung Pro Helvetia sowie der Ernst Göhner Stiftung und der Oertli Stiftung.
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landscapes des zeitgenössischen theaters

diversité suisse

Wie werden dekoloniale Ästhetiken in der zeitgenössischen Gegenwartsdramatik produziert? Was kennzeichnet dekoloniale Ästhetiken im Theater? Mit einem dramaturgischen Blick und einer theatertextuellen Analyse von Stücken international renommierter afro-diasporischer Künstler:innen wie Dieudonné Niangouna, Aristide Tarnagda, Hakim Bah, Marie N´Diaye u.a. argumentiert die Theaterwissenschaftlerin Grit Köppen, dass dekoloniale Ästhetiken im Theater als breites Spektrum künstlerischer Strategien zu denken sind. Diese bewegen sich aktuell zwischen einer Ästhetik des Aufruhrs gegen postkoloniale Realitäten und einer Ästhetik der Transgression.
 
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Dekoloniale Ästhetiken im zeitgenössischen Theater

Die erste Anthologie des 2011 in Köln gegründeten africologneFESTIVAL gibt einen Einblick in die Vielfalt der Stimmen, Perspektiven, Themen und Ästhetiken zeitgenössischer Dramatik aus Benin, Burkina Faso, DR Kongo, Guinea, Republik Kongo, Senegal und Uganda. Die neun erstmals in deutscher Übersetzung publizierten Texte reichen von der Tragödie über die Satire, von der dramatischen Poesie bis hin zum Neo-Western. Post- oder neo-koloniale Themen sind ebenso präsent wie persönliche Reflexionen über gesellschaftspolitische Verankerungen. Viele Autor:innen hinterfragen dabei auch die Geschichte und Politik ihrer Heimatländer.  Ergänzt werden die Stücke u.a. durch ein Vorwort zur zeitgenössischen Dramatik in afrikanischen Gesellschaften und einem Essay zu ihrer Übersetzbarkeit bzw. Transformation.
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Zeitgenössische Theatertexte aus afrikanischen Ländern und der afrikanischen Diaspora

SPUREN

Der Maler und Bühnenbildner Gero Troike geht spazieren und schaut sich um. Das ist alles: Augen auf und durch – die Stunde, den Tag. Die unmittelbare alltägliche Nähe als aufregender Kosmos, als unglaubliches Abenteuerfeld … Hans-Dieter Schütt hat die radikal naiven Weg- und Welt-Beobachtungen Troikes, die in ihrer Unverblümtheit an Robert Walser erinnern, mit autobiographischen Texten des Theatermannes verknüpft. Es fügt sich mit Porträts des Fotografen Manfred Haupthoff – Troike im Atelier – zu einem so sperrigen wie warmherzigen (Lebens-)Künstlerbuch.
„Ein wundersamer Band. Derart erpicht auf Kreuz und Quer. Eines Lebens Lauf, aber den beileibe nicht landläufig protokolliert.“ So schreibt Schütt im Vorwort. Fotos und Malerei. Bilder und Buchstaben. Die Zeiten im Buch springen, die Gedanken springen mit – nichts möge da zur falschen Ruhe kommen. Seine Texte schreibt Troike mit einer alten Schreibmaschine. Sie ist die alte Welt: Sie klappert hinterher, und der Autor ist wie der vergebliche Glückssucher, der Lotto-Verlierer: Er vertippt sich regelmäßig. Und tippt doch weiter. Troikes Manuskripte: Pflege und Schutz des individuellen Fehlers als trotziger Selbstwert in einer nervös hastenden Gesellschaft.

In unmittelbarer Nähe

Gero Troike

Theaterarbeit umfasst mehr als nur ästhetische Erfahrungen – wird sie doch von körperlichen, sozialen und politischen Praktiken geprägt. Im Gegenwartstheater der Freien Szene führt die Aufmerksamkeit für die Produktionsweisen hinter der Bühne zur Enthierarchisierung primär künstlerischer Gesichtspunkte.
Dieses Buch diskutiert das wissenschaftliche Handwerkszeug zu dieser Bedeutungsverschiebung und eröffnet neue Perspektiven auf die netzwerkartigen und losen Arbeitsweisen des Gegenwartstheaters: Wie beeinflussen kulturpolitische und theaterwissenschaftliche Erwartungen die Freie Theaterarbeit? Welche Rolle spielen unsichtbare Praktiken wie die Care-Arbeit? Ausgangspunkt der Studie sind das 11. „Politik im Freien Theater“-Festival 2022 sowie die Theater-/Arbeit der Gruppen She She Pop, The Agency und Swoosh Lieu.
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Eine kostenlose Open Access-Ausgabe des Buches können Sie hier herunterladen: <a href="../../api/files/7c3f3abd-4e21-4dc9-87bd-14ad33ff534b/TdZ_RE175_ Theaterarbeit_OA.pdf" target="_blank">PDF-Download (8 MB)</a>
ISBN 978-3-95749-597-6 (Open Access)  DOI: <a href="https://tdz.de/shop/produkt/theaterarbeit">10.35287/9783957495976</a>
Dieses Werk ist lizenziert unter der Creative Commons Lizenz Namensnennung, keine kommerzielle Nutzung, keine Bearbeitung (CC-BY-NC-ND 4.0). Den vollständigen Lizenztext finden Sie unter: <a href="https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de">https://creativecommons.org/licenses/by-nc-nd/4.0/deed.de</a>

Praktiken der Freien Szene

Theaterarbeit

In der digitalen Welt des 21. Jahrhunderts verändert sich das Theater radikal: Neue Formsprachen gehen nicht vom klassischen Text oder seiner Dekonstruktion aus, sondern nutzen vielfältige Medien, innovative Technologien und interdisziplinäre Ansätze, um ganze Welten zu entwerfen. Die wegweisenden Inszenierungen von Susanne Kennedy, Lucia Bihler und Florentina Holzinger stehen exemplarisch für diesen formalen Wandel, der seit den 2010er-Jahren in den Darstellenden Künsten sichtbar wird.
Dieses Buch untersucht anhand fundierter theoretischer Reflexion und ausführlicher Interviews die formalen Strategien der drei Künstlerinnen und ­ ihrer Teams. Dabei zeigt es auf, wie sie die Ästhetik des postdramatischen Theaters ins 21. Jahrhundert überführen und eine zeitgemäße Bühnensprache entwickeln. Die Autorin analysiert, wie diese innovativen Produktionen Kommunikationsweisen, Wahrnehmungsmuster und emotionale Dynamiken des Web 2.0 in komplexe „Ultrawelten“ übersetzen – Theaterwelten, die am Puls der Zeit entstehen und die Gegenwart herausfordern.
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Radikale Formsprachen in den Inszenierungen von Susanne Kennedy, Lucia Bihler und Florentina Holzinger

Ultrawelten

Tine Milz

An Incomplete Guide for Unconditional Theatre (ut) – So Far (SF)

Bewerbungsdossier

love play fight für ein unbedingtes theater

favorite failures

Open Table: Theater zukunftsfähig machen

The Blob und das Lachen der Medusen

Assoziationen

Love Play Fight

Neuerscheinungen im Verlag