Was macht das Theater, Tim Behren?

Ressource Bühnenbild

Genregrenzen hardcore überwinden

Wir sitzen dicht gedrängt im Studio des Maxim Gorki Theaters Berlin, hören den kleinen Brunnen am Eingang plätschern, atmen Kräuterduft ein und bestaunen auf zwei Leinwänden gephotoshopte Naturfotografien. Die Spielfläche ist durch einen blauen Kreis markiert, darauf blaue Küchenmöbel, steril in der Wirkung; ein halb transparenter Vorhang mit den Initialen der Gruppe Talking Straight (TS) umschließt den Raum wie die Schutzabdeckung eines Karussells. „Entertainment“ heißt der Abend und besteht aus einer Abfolge von Seminar-Sessions zum Thema Selbstoptimierung: Meditation, Chakrensensibilisierung, Makeup-Tutorial, Vorstellungsgesprächscoaching, dazwischen ein Tänzchen, ein Bach-Choral und zwei Gurken-Bananen-Minze-„Schmuschis“. Ausgestattet mit Kopfhörern, wird man hier – im Gegensatz zu anderen TS-Produktionen – nicht eingeladen, an der Schöneneue-Welt-Simulation teilzunehmen, sondern zuzuschauen, wie es sich die fünf „Elitshumen“ (mit blonden Perücken oder wasserstoffblond gefärbtem Haar) auf ihrer Wohlstandsinsel gutgehen lassen. Talking Straight – bestehend aus Daniel Cremer, Alicia Agustín und Antje Prust sowie René Michaelsen, Lina Krüger, der Musikerin houaïda und Gastperformer/-in Tucké Royale – versteht sich „als Anbieterin professioneller Dienstleistungen“ wie performativer Simulationen und immersiver Theateraufführungen. Zu ihrem Portfolio gehören zudem Museums- und Stadtführungen, Coaching-Seminare und religiöse wie säkulare Rituale. Ihr Markenzeichen und Alleinstellungsmerkmal ist die 2010 von Daniel Cremer für das Kollektiv entwickelte „Fremdsprache“. Sie klingt nach einem Potpourri verschiedener...

Das Berliner Performancekollektiv Talking Straight hält der heutigen Transparenzund Kontrollgesellschaft den Spiegel vor

Dienstleistungssimulationen

Popanz der Macht

Ich muss zugeben, ich hab Falckenbergs Biografie nicht gekannt. Erst durch Euern Brief weiß ich mehr. Und eigentlich weiß ich jetzt noch weniger. Ich meine: Wie kann man an einem Lebenswerk arbeiten, wenn man den Terror auch nur ahnt, der abgeht um einen herum. Der zitierte Satz von Falckenberg, dass er sein Lebenswerk nicht im Stich lassen wollte und es sich deshalb zur Aufgabe gemacht habe, auf seinem Posten auszuhalten, der klingt wie Eichmanns Rechtfertigung beim Prozess in Israel, dass er auf seinem Posten nur Befehle ausgeführt habe. Man kann das nicht vergleichen. Natürlich nicht. Der eine hat ein paar Millionen in den Tod hineinorganisiert, der andere hat ein Theater am Laufen gehalten. Das kann man nicht vergleichen? Natürlich nicht! Man fragt sich nur: Wie geht das, ein Theater am Laufen halten unter Ausblendung der außerhalb des Theaters herrschenden Bedingungen? Wie ignoriert man das, was da war? Irgendwann müssen es alle gewusst haben, was abging. Und die, die weggeschaut haben – oder nicht hingeschaut –, die wussten es am besten. Denn sie haben gewusst, was sie nicht sehen wollten, um weiter das Eigene am Laufen halten zu können. Diese Vorwürfe von heute aus zu denken und auszusprechen heißt, sich über...

Antwort auf eine Anfrage des 3. Jahrgangs Schauspiel an der Münchner Otto Falckenberg Schule

Endlich faire Mindestgagen, aber woher kommt das Geld?

Lichtwarktheater: Ein Haus für alle

Arbeiten bis zum Umfallen. Psychologen sprechen in diesem Zusammenhang von „interessierter Selbstgefährdung“. Das mutet wissenschaftlich an, doch so würden Arbeitende ihren Zustand in einer globalisierten, immer schneller werdenden Arbeitswelt wohl kaum beschreiben. Hört man den vier namenlosen Figuren zu, die Alexandra Badea in ihrem Stück „Zersplittert“ sprechen lässt, wird einem beklommen zumute. Zwei Frauen und zwei Männer arbeiten auf drei Kontinenten für dasselbe globale Kommunikationsunternehmen. In Bukarest hat eine Entwicklungsingenieurin das Unternehmensziel „Exzellenz“ derart verinnerlicht, dass sie auch ihr Privatleben danach ausrichtet – indem sie Kind und Babysitterin, Raumtemperatur und Mahlzeiten rund um die Uhr überwacht, um sie so optimieren zu können. In Dakar teilt ein Teamleiter neuen Arbeitskräften französische Namen zu im Glauben, ihnen so effektiver französisches Gedankengut einzutrichtern. Wer nicht mitmacht, fliegt raus. In Lyon hat der Head of Quality seinen Wohnsitz, doch taucht er dort selten auf. Die Kommunikation mit der Familie findet primär über Skype statt; der Kontakt zum Sohn erschöpft sich im Satz: „Wie geht’s dir, kleiner Räuber?“ Dass der Manager dabei in einem anderen Internetfenster mit einer außerehelichen Bekanntschaft chattet, ist bezeichnend für einen Mann, der sich immer fremder wird. In Shanghai wiederum steht eine Frau am Fließband. Ihre Arbeit ist eisern reglementiert –...

Theater Tuchlaube: „Zersplittert“ von Alexandra Badea. Regie Olivier Keller, Bühne Erik Noorlander, Kostüme Myriam Casanova

Aarau: Interessierte Selbstgefährdung

Henriette Dushe, alle Ihre Stücke sind sehr rhythmisch, sie sind nahezu musikalisch komponiert. Sind Sie auch Musikerin? Leider nicht, aber ich wäre es gerne. Ich bewundere Musikerinnen und Musiker. Spielt man ein Instrument, kann man überall hingehen, andere Musiker finden und sich auf diese Weise verständigen. Ich würde mir wünschen, dass man beim Inszenieren so an meine Texte herangeht, als Band, als Chor. Es gibt nichts Schöneres für mich als den Chor. Durch meine Texte kommt man auch gar nicht alleine, das fängt schon beim Textlernen an. Für „lupus in fabula“ haben Sie drei Schwestern erfunden, in „Von einer langen Reise auf einer heute überhaupt nicht mehr weiten Strecke“ treten fünf Frauen auf. Bei „In einem dichten Birkenwald, Nebel“ sind es paritätisch drei Frauen und drei Männer. Sie kommen aus der Theaterpraxis, haben als Dramaturgin und Theaterpädagogin gearbeitet – ist das auch theaterpolitisch, oder ergeben sich die starken Frauenrollen organisch? Nein, das denke ich nicht mit, obwohl es mich immer sehr freut, wenn sich starke Frauenrollen ergeben. Ich bitte oft darum, dass keine meiner Figuren mit Schauspielerinnen unter 40 Jahren besetzt wird, und das erweist sich immer als schwierig, nahezu unmöglich. Ab einem gewissen Alter verschwinden die Frauen aus den...

Die Autorin Henriette Dushe über ihr Stück „In einem dichten Birkenwald, Nebel“ im Gespräch mit Mirka Döring

Die Komponistin

Der Reichtum des Erinnerungsspeichers

Residenztheater München: Oh, wie schön ist Paraguay

Eine aufflackernde Erinnerung: Bei einem meiner ersten Berlin-Besuche als Abiturient bekam ich eine Karte für ein Stück am Berliner Ensemble, das mich wegen seines sperrigen Namens interessierte: „Zement“ von Heiner Müller in der Regie von Ruth Berghaus. Da sah ich Lisewski zum ersten Mal. Sein Tschumalow war gradlinig, unbeirrbar bis in die Versteinerung, fast ein proletarisches Monument, bis zu dem Moment, als die Revolution im Privaten, in seiner Ehe mit Dascha, scheitert. Da ging plötzlich ein Riss durch diesen großen, kräftigen und gutaussehenden Mann. Das Proletarische war Lisewski nicht fremd. Nach der Flucht aus seiner pommerschen Heimatstadt Dirschau, wo er 1933 geboren wurde, geriet er mit seiner Familie nach Schwerin, wo er als Statist das Theater kennenlernte. Als seine erste Bewerbung an der Schauspielschule scheiterte, wollte er Hütteningenieur werden. Deshalb ging er nach Magdeburg, wo er ein Jahr als Schmelzer arbeitete. Beim zweiten Mal klappte es an der Schauspielschule, er wurde Student in Berlin-Schöneweide. Von dort wurde er von der Weigel 1957 ans Berliner Ensemble engagiert. Er war da bis 1999 ununterbrochen engagiert, spielte als Dogsborough in Heiner Müllers „Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui“ bis zum Februar 2015 am Schiffbauerdamm. 57 Jahre, ein Leben an einem Theater, das ihn...

Zum Tod Stefan Lisewskis

Ein Star ohne Allüren

Ein Licht nicht von dieser Welt

Tom Lanoye, ich habe kürzlich Ihr Stück „Festung Europa“ wiedergelesen, das 2005 zur Uraufführung kam. Es trägt den Untertitel „Hohelied der Zersplitterung“. Damals waren Finanz-, Flüchtlings- und Europakrise in all der Deutlichkeit, wie wir sie heute erleben, noch nicht sichtbar. Wie kamen Sie zu diesem Stück? Ja, es ist erstaunlich, oder? „Hohelied der Zersplitterung“, das ist genau das, was gerade passiert. Ich wünschte, ich hätte damit nicht recht gehabt. Es ist eine große Enttäuschung zu sehen, dass Europa moralisch und politisch nicht die Größe besitzt, die Werte, die es vorgibt zu haben, auch zu leben. Das ist die zentrale Linie in „Festung Europa“ – und es bringt meine afrikanischen Freunde immer zum Lachen: Wie definiert sich ein Europäer? – Als jemand, der auf den Rest der Welt schaut und sagt: Hört zu, Leute, wir haben den Grundsatz erfunden, dass jeder Mensch gleich ist, und daher sind wir euch allen überlegen. – Dieser Widerspruch hört sich wie ein Witz an, aber er ist furchtbar wahr. Sie leben in Antwerpen und Kapstadt. Hilft Ihnen die Distanz zu Europa, um einen anderen Blick auf die Ereignisse hier zu bekommen? Ja, wobei es eher dieses Gehen und Wiederkommen ist, das mir hilft. Es ist...

Der belgische Dramatiker Tom Lanoye über seinen Dschihadisten-Monolog „Gas“ und die Zersplitterung Europas im Gespräch mit Dorte Lena Eilers

Die alte Hure Europa

Kim de l’Horizon – Michelle Steinbeck – Pablo Jakob Montefusco – Alexander Stutz

Dass das Sprechen auf der Bühne nur dort gelingt, wo es nicht aus dem Kopf kommt, sondern direkt aus den Füßen und aus dem Bauch – aus den Gedärmen, wie Dimiter Gotscheff gerne sagte –, es ist eine Theaterweisheit, die man häufiger hört und die doch zu den missverständlichsten zählen dürfte. Denn gemeint ist hier keinesfalls, dass ein guter Schauspieler jener Art Bauchgefühl folgen sollte, von dem in Ratgebern à la „Sorge dich nicht, lebe!“ die Rede ist. Eine solche Weise des Sich-selbst-Vernehmens dürfte eher der zuverlässigste Weg sein, die Bühne mit Narzissten zu bevölkern, die ausagieren, was sie für ihr Ureigenstes halten, während es doch mit tödlicher Sicherheit aus eingeübten Bilderund Zeichenreservoirs stammt, deren Verinnerlichung lediglich vergessen wurde. Nein, das aus den Gedärmen kommende Sprechen ist komplizierter – und doch viel einfacher. Es ist sogar so simpel, dass die Kinder es wissen und die Erwachsenen es vergessen: Vor einiger Zeit erzählte einmal ein Bekannter von seinem kleinen Sohn, der, als er Bauchschmerzen hatte, das Grummeln in seinem Magen mit dem Satz erklärte: „Das sind all die Wörter, die ich noch nicht sprechen kann.“ Der Junge könnte einmal ein großer Bühnenkünstler werden. Tatsächlich gibt es ein direktes theatrales Pendant zu...

Vom Sprechen, das aus den Gedärmen kommt

kirsch kontexte: Was ein Kind weiß

In „Flower’s silence in empty guns“ steht der Pianist Paulo Álvares fast bewegungslos vor einem Konzertflügel. Lange weiße Kabel ragen aus seinen Ärmeln und speisen zwei Sender, die er wie eine Taucherflasche gut sichtbar auf dem Rücken trägt. Es sind Sensoren, die seine Bewegungen und sein Spiel auf dem Instrument aufnehmen, um die Elektronik im Stück zu generieren und zu steuern. So verschmelzen die minimalistischen Bewegungen seiner Hände und die Bespielung der Stahlsaiten durch Zupfen oder Schlagen zu einem einzigen faszinierenden Klangkörper. Der „Strippenzieher“ dahinter ist der Komponist Sergej Maingardt. Geboren 1981 in Petropawlowsk in Kasachstan, zieht es ihn zunächst in Richtung Popgesang, dann schwenkt er um auf klassisches Klavier. Noch in Kasachstan beginnt er ein Studium für Musik und Gesang. Nach dem Umzug seiner deutschpolnischen Familie nach Deutschland studiert er Elektronische Komposition an der Hochschule für Musik und Tanz Köln. Zwei Master in Medien- und Kulturanalyse an der Heinrich-Heine-Universität und bei Michael Beil, dem Leiter des renommierten Studios für elektronische Musik an der Hochschule in Köln, folgen. Seine vielfältigen Werke werden mittlerweile international bei Festivals für Neue Musik und Tanz aufgeführt, zum Beispiel am ZKM in Karlsruhe, am Centre Pompidou in Paris oder bei den Donaueschinger Musiktagen. Doch immer...

In den Kompositionen von Sergej Maingardt verschmelzen Musiker und Elektronik zu faszinierenden Mensch-Musik-Maschinen

Ode an den Roboter

April 2016

„Queer sein bedeutet für mich, das Leben zu genießen. Und es anderen möglich zu machen, es genießen zu können.“

Dostojewskis Roman wird vom Theater seit langem geliebt, obwohl doch jeder um dessen gefährliche Untiefen bei einer Umsetzung auf der Bühne weiß. Der Kriminalfall „Axtmord einer Petersburger Wucherin“ mit anschließendem Duell zwischen Staatsanwalt Porfirij Petrowitsch und Student Rodion Romanowitsch Raskolnikow, dem bis zum Geständnis nichts bewiesen werden kann, läuft als dialogintensive Ermittlung mit vielen Wendungen als Hauptprogramm. Wie viel Drumherum ist noch fürs Theater wichtig? Und vor allem: Wie viel Inneres des nach allen Regeln des Gewissens philosophischen Mörders, das den Kern des Romans ausmacht, kann in einer Adaption zur Darstellung kommen? Alles geht nicht. Alexander Suckels Bühnenfassung versucht, die traumhaft überreizten Erinnerungen Raskolnikows zusammen mit den äußeren Vorgängen, vom Mordplan bis zur Verurteilung, in eins zu setzen – und dazu noch ein soziales Panorama von Figuren unterschiedlichster Couleur vorzuführen. Die Geschichte in ihrem Verlauf als einerseits verworrene, andererseits aber immer auch scharfsinnige Erinnerung zu erzählen, sie zugleich auf der Bühne als tatsächliches Drama erscheinen zu lassen, ist ambitioniert. Raskolnikow erschafft seine Geschichte – für Zuschauer, die ihn aber eher nur als Beteiligten sehen. Für diese Setzung findet der Hallenser Intendant Matthias Brenner als Regisseur in der grundsätzlichen Anlage des Bühnenraums von Nicolaus-Johannes Heyse die alles riskierende Spielfläche. Eine fast...

Neues Theater: „Schuld und Sühne“ nach Fjodor Dostojewski. Regie Matthias Brenner, Bühne Nicolaus-Johannes Heyse, Kostüme Susanne Cholet

Halle (Saale): Gedächtniswinkel

Gastspiel der Geister

Den Tanz der Welt zur Ruhe bringen

Wende und Wandel

Eine Fundgrube

Holzmarkt Berlin: Die Utopie vorurteilsfreier KI

Wiener Festwochen: Der Haimon in uns

Fair bezahlt und arbeitslos?

Wenn Künstler sich selbst und ihr Medium ironisch befragen, gilt das derzeit in Kritikerkreisen ja als sehr alter Hut, den sich vor allem mitteljunge Leute, also die Generation Facebook, also die Anfang-Mitte-Ende-Dreißigjährigen aufsetzen, Antú Romero Nunes, Christopher Rüping oder so. Sofort ziehen sie den Vorwurf auf sich, sie benützten die Ironie nur, um sich eine Positionierung zum verhandelten Stoff vom Hals zu halten. Das ist etwas, das vielleicht sogar noch akzeptabel als Unterstellung wäre. Meistens wird ihnen aber, wenn nicht gleich völliges Unvermögen, so doch zumindest eine gewisse Ignoranz zugeschrieben. Klar, Nis-Momme Stockmanns dauerzynisches, immer wieder in den Erklärbärton abdriftendes Rumnörgeln am Theaterbetrieb wie am Kapitalismus überhaupt, an dessen langem Arm die Kunst ja hängt, nervt. Im „Amerikanischen Detektivinstitut Lasso“ in Hannover denkt man sich spätestens ab Inszenierungsstunde eineinhalb (von zweieinhalb): Na, dann lass es halt, mach doch bitte etwas anderes! (Was er ja jetzt auch tatsächlich macht, wie sein jüngst erschienener und sogleich für den Leipziger Buchpreis nominierter Roman „Der Fuchs“ zeigt.) Aber Stockmanns Nölen nervt ja nicht erst seit heute, sondern eigentlich von Anfang an, und im Grunde hat ihm auch das seinen Erfolg beschert. „Kein Schiff wird kommen“ etwa trat eine Debatte über die Praxis des Verheizens...

Schauspiel Hannover: „Amerikanisches Detektivinstitut Lasso“ (UA) von Nis-Momme Stockmann. Regie Lars-Ole Walburg, Bühne Robert Schweer, Kostüme Anna Rudolph

Hannover: Am langen Arm

Was macht das Theater, Bernhard Stengele?

Psychoakustisches Raumtheater

Luzern: Siegerprojekt für das Neue Luzerner Theater gekürt

Wie weiter? Während sich Ende Februar auf Kampnagel Hamburg rund 2000 Menschen auf der Konferenz für Geflüchtete und Migranten mit dieser Frage beschäftigten, ist die westliche Welt auf der Bühne des Deutschen Schauspielhauses Hamburg schon längst kollabiert – und zwar durch sich selbst. In Michel Houellebecqs Roman „Unterwerfung“, den Karin Beier jüngst zur Uraufführung brachte, füllt im Frankreich des Jahres 2022 ein muslimischer Präsident die Lücke, die der Verfall der westlichen Werte hinterließ. Wir sprachen mit Karin Beier sowie mit Kampnagel-Chefin Amelie Deuflhard über den Zustand unseres Heute. Dorte Lena Eilers: Karin Beier, Michel Houellebecq wird ja mitunter ein prophetisches Schreiben nachgesagt. „Unterwerfung“, das Sie jüngst am Schauspielhaus mit Edgar Selge inszeniert haben, las sich nach den Attentaten vom 13. November 2015 in Paris fast wie ein Drehbuch zur Realität: Der Protagonist François ist auf einem Cocktailempfang, umgeben von Frauen in schönen Kleidern, plötzlich hört man Schüsse, Explosionen, das Handynetz wird unterbrochen. Da ist die Fiktion auf einmal ganz nah an der Realität. Gab es Momente, in denen Sie gezögert haben, „Unterwerfung“ vor diesem Hintergrund zu inszenieren? Karin Beier: Nein, gezögert habe ich ganz und gar nicht. Ich finde es wichtig, dass wir uns mit relevanten Fragen der Gegenwart befassen....

Die Intendantin des Hamburger Schauspielhauses Karin Beier und Kampnagel-Chefin Amelie Deuflhard im Gespräch mit Dorte Lena Eilers und Gunnar Decker

Kritische Masse

wann, wenn nicht jetzt?

London, nachts an einer Tankstelle. Mehrere Dutzend Menschen versammeln sich hier, alle sind ohne Auto gekommen. Das Personal an den Zapfsäulen wundert sich, sagt aber nichts. Von Zeit zu Zeit schlängelt sich jemand durch die Ansammlung und flüstert etwas. Dann lösen sich etwa ein Dutzend Personen. Wer folgen will, wird zurückgehalten. Vorerst. Alle haben das gleiche Ziel: eine Performance des Belarus Free Theatre (BFT), von der sie per SMS erfahren haben. Die kleine Schnitzeljagd, das Warten, der Weg ins Ungewisse – all das ist in London ein Spiel. Zur gleichen Zeit in Minsk hat das Spiel eine ernste Komponente. Auch hier treffen sich an einer Straßenecke Menschen, die zur Aufführung von „Zone of Silence“ wollen, einem Stück des BFT über die Enge der weißrussischen Gesellschaft. „Wir treffen uns hier in einer früheren Garage und sind per Skype mit der Vorstellung in London verbunden. Zwar vermittelt sich die Energie der Performances über Skype nicht so gut. Aber es ist schön, die Schauspieler zu sehen, die wir in Belarus nicht mehr sehen können“, erzählt Marina, eine Schauspielstudentin aus Minsk, via Skype. Die Vorsichtsmaßnahmen in Minsk sind begründet. „Alle zwei, drei Monate führt die Polizei Razzien bei uns durch. Sie notiert die Personalien...

Das weißrussische Belarus Free Theatre ist vom Londoner Exil aus politisch widerständig

Bizarres Menü

Theater schlägt Netflix

Théâtre Vidy-Lausanne: Diversity sells  

Ein Gorilla ist das Maskottchen des neuen Schauspielhauses in Wien. Mit ganz schön grimmigem Blick umklammert der Primat mit seinen langen, haarigen Armen ein großes Gebäude, das Burgtheater (!), als wäre er King Kong persönlich. Es ist etwas eigentümlich, dass sich ein Theater in seiner Werbegrafik auf ein anderes Theater in derselben Stadt bezieht. Meistens schweigt man sich gegenseitig tot. Doch Berührungsängste hat der neue Direktor Tomas Schweigen nicht. Zu Beginn der Spielzeit folgte er, der zuvor Schauspielchef am Theater Basel war, auf Andreas Beck, welcher wiederum – es sieht aus wie ein fliegender Wechsel – als Intendant ans Theater Basel ging. „King Kong ist ein Monster mit weichem Herzen. Und das sind wir auch“, sagt Schweigen. Tatsächlich spinnt sich der Burgtheater-Gag in einem lustigen Video fort, das im Foyer in Dauerschleife läuft: Der strafende Blick des Chefs trifft einen seiner sieben Schauspieler, als dieser in der Garderobe heimlich den Burgtheater-Spielplan liest. Was das wohl heißen mag? Eigentlich sollte das Burgtheater für diese PR bezahlen, doch es hat seit dem Finanzdebakel bedauerlicherweise keinen Cent frei. Das Schauspielhaus gibt sich in seinem spielerischen Gorilla-Bild jedenfalls angriffslustig und mutig. Mut hat sich das Haus auch auf die Fahnen geschrieben. Mut zum Denken,...

Tomas Schweigen startet anfangs bemüht, dann famos in seine erste Spielzeit als Intendant des Schauspielhauses Wien

Jünger der Kokosnuss

Die wirkende Erinnerung

Vorhang runter, Zelt weg

„Musik ist für mich wie das Atmen“

Programmieren auf der Probe?

Wladimir Putin – eine Figur von Dostojewski?

In seiner Abhandlung über die Geburt der Tragödie aus dem Geiste der Musik weist der 27-jährige Friedrich Nietzsche eindrücklich auf die genetische Verbundenheit der Künste, die wiederhergestellt werden soll, und er bindet sie dabei entschieden zurück an das Körperlich-Leibhafte. Es sollte eine Eloge auf Wagner sein, von dem hundert Jahre später Friedrich Kittler sagen wird, er habe das Atmen komponiert und die Nervenenden seiner Hörer direkt an die musikalische Impulsgebung angeschlossen. Doch weist dieser Text weit über seinen biografischen Anlass hinaus und wurde zur Inkunabel nachfolgender Künstlerästhetik, ähnlich wie Kleists Marionettentheateraufsatz. Oft wurde er zwar nur gelesen im Bedeutungsgefüge von Theater und Musik. Erhellend ist er aber auch, wenn wir die bildenden Künste verfolgen, die nicht erst seit der Nachkriegszeit, dann aber vernehmlich, zum dramatischen Ausdruck im Raum und zum Handeln in Echtzeit drängen. Ihre Wegwendung von der Ab- und Nachbildung, ihr Drang, durch Abstrahieren umso größere Konkretheit zu gewinnen, führte sie folgerichtig dazu,-körperliche Aktionsräume zu suchen und zugleich deren Kunsthaftigkeit zu markieren: Performance Art, Happening, Fluxus – heute werden sie in großen Retrospektiven gefeiert. Und auch die Avantgardisten in der Musik begannen, ihre Kompositionen nicht mehr in Sender-Empfänger-Direktionalität zu denken, sondern als mobile Raumkunst und den Klang darin als...

Jan-Peter E.R. Sonntags psychoakustisches Raumtheater

Präsenz statt Präsentation

Deutsches Theater Berlin: Moral und Ästhetik in Zeiten des Kriegs

Theater Bremen: Ästhetisches Manifest des Miteinanders 

Glanz oder Harnisch: Das Laboratorium

When you’re falling, you’re safe“, verspricht der Hypnotiseur und führt die Zuschauerin zu einer schwarzen Yogamatte, auf der sie innerhalb von 90 Sekunden reglos liegen und ihren Wahrnehmungen nachlauschen wird. Weihrauch, repetitive Minimalmusik, flirrender Gesang und suggestive Laserprojektionen haben das Publikum auf den Punkt vorbereitet, an dem sie in „Black Hole“ zu Komplizen werden. Komplizen des Sterbens. Komplizen in einem Trauerritual. Das Solistenensemble Kaleidoskop und der bildende Künstler und Hypnoseexperte Martin Eder haben diesen Abend in den Berliner sophiensaelen gemeinsam konzipiert. Eine temporäre Allianz – typisch für die Arbeit des Ensembles. Seit seiner Gründung vor zehn Jahren erweitert das Streicherensemble Kaleidoskop die Aufführungspraxis klassischer Musik in immer neuen Konstellationen. Regisseure, Choreografen, bildende Künstler und Komponisten sind die potenziellen Partner des in Berlin ansässigen, international agierenden Künstlerkollektivs. Das Bekenntnis zur Gemeinschaft der Solisten ist dem Namen des Kollektivs eingeschrieben. Es gilt nach außen wie nach innen und stellt nichts weniger dar als einen Angriff auf das Prinzip Elfenbeinturm. „Keine Denkverbote, was die Konzertsituation angeht“, so lautet das Motto aller Unternehmungen, erklären Tilman Kanitz und Michael Rauter bei unserem ersten Treffen in der Kokerei der Zeche Zollverein im September 2015 mit fast heiligem Ernst. Traditionen zertrümmern, Material auseinandernehmen, es mit der aktuellen...

Zehn Jahre Solistenensemble Kaleidoskop

Angriffe auf den Elfenbeinturm

Nach meiner Beobachtung versuchen sich Künstler wie Theoretiker seit einiger Zeit daran, politische Entwicklungen, philosophische Analysen und künstlerische Ausdrucksformen zusammenzudenken. Zwei Philosophen/Künstler sind dabei mit besonders markanten Positionen hervorgetreten: Der slowenische Philosoph Slavoj Žižek arbeitet seit Jahren am Projekt einer zweiten Aufklärung, und der Aktionskünstler Philipp Ruch bringt mit dem Zentrum für Politische Schönheit seit einiger Zeit die Öffentlichkeit durcheinander. In ihren neuesten Büchern wird der Philosoph zum Dramatiker und der Künstler zum Philosophen. Sind die Multitalente der Herausforderung gewachsen? I Die gute Nachricht am Anfang: Slavoj Žižek gibt seinen Kampf gegen die Postmoderne nicht auf. Sein Projekt bleibt die zweite Aufklärung einer von falschen Komplexitäten vernebelten Gegenwart. Hatte die erste Aufklärung den freien Menschen erdacht und damit eine Explosion kapitalistischen Wirtschaftens und aller Arten von Wissenschaft gezündet, so ist unsere Epoche von den Auswirkungen dieser gewaltigen Entwicklung gezeichnet. Die Spätmoderne ist ein Sammelbecken all der Zersplitterungen und Übertreibungen, die aus der ersten Aufklärung folgten, und ihre Ideologie ist das postmoderne Denken. Žižek legt dieses Denken auf die Couch seiner ganz speziellen Analysetechnik. Dabei greift er zum einen auf den dialektischen Materialismus zurück, der in der Nachfolge der Hegel’schen Dialektik das linke Denken bestimmt hat, und zum anderen zieht er...

Wie Slavoj Žižek und Philipp Ruch vom Zentrum f. Politische Schönheit in ihren neuesten Publikationen politische Entwicklungen, philosophische Analysen und künstlerische Ausdrucksformen zusammendenken

Arbeit am Heute

Die Erfindung des Theaters aus dem Geist der Malerei

Das 1952 von der Architektin Lisbeth Sachs geschaffene, 611 Plätze aufweisende Kurtheater Baden genießt nicht nur dank seines Glasfoyers einen besonderen Ruf. Den hat das Gastspielhaus auch programmlich. Über Jahrzehnte verantwortete die Theatergemeinde einen Spielplan, den die Präsidentin Regula Schweizer und die Spielplankommission erstellten. Seit 2002/03 obliegt diese Aufgabe der künstlerischen Leitung. Auf Sonja Kiefer-Blickensdorfer folgte 2007 Barbara Riecke, die zuvor lange in der Schweizer freien Szene tätig war. „Die Zeichen stehen auf Zukunft“, hatte sie verkündet – wohl wissend, dass diese kein Zuckerschlecken sein würde, denn das Haus hätte umgebaut und erweitert werden müssen. 2010 hätten die Bauarbeiten beginnen sollen, doch der Start dazu ist aufgrund einer Einsprache eines Nachbarn auch heute weiter ungewiss. Sie wolle die Wiedereröffnung des Theaters noch erleben, hatte Riecke noch vor einigen Monaten betont. Aber nun verlässt sie Ende dieser Saison die Mehrspartenbühne, um sich in ihrer Heimatstadt Hamburg neu zu orientieren. Angetreten war sie in Baden, um einerseits die Tradition mit den Sparten Schauspiel-, Musik-, Kinderund Jugendtheater sowie Tanz weiterzuführen, andererseits um das Profil eines Hauses zu schärfen, das auch auf Fremdvermietungen angewiesen ist. Schärfen ja, aber wie? Mit Gegenwartsstücken und der verstärkten Zusammenarbeit mit Bühnen aus dem deutschsprachigen Raum. Riecke liebt das...

Barbara Riecke verabschiedet sich vom Schweizer Kurtheater Baden

Ein Adieu

Der Steindamm im Hamburger Stadtteil St. Georg ist ein Houellebecq-Kiez. Keine andere Meile, titelte im Januar das Hamburger Abendblatt, ziehe so viele Flüchtlinge an – die Zahl der Menschen auf den Straßen habe sich verdoppelt, in der Al-Nour-Moschee finden die Freitagsgebete mittlerweile in zwei Schichten statt. Keine 200 Meter weiter steht auf der Bühne des Deutschen Schauspielhauses Hamburg ein Mann vor einem Kreuz und rechnet: Mehr Gehalt. Größere Wohnung. Drei...

Editorial

Seit geraumer Zeit schon ist das Werk X Austragungsort einer denkwürdigen, einmal im Jahr anberaumten Theaterpreisverleihung. Die Trophäen für die „unpolitischsten Theaterproduktionen der Stadt“ werden vergeben. Die unrühmlichen Sparten heißen „Größte Scheinheiligkeit“, „Dickste Staubschicht“ oder „Thesenfreie Positionierung“. Scheinbar ohne Müh und Not findet Initiator und Mitjuror Julius Deutschbauer stets würdige Gewinner. Das Werk X ist als Gastgeber gut gewählt, da es selbst in Bezug auf „gesellschaftliche Irrelevanz“ über jeden Zweifel erhaben ist. Mehr noch. Das Werk X ist unter den Theatern in Wien vielleicht jenes, das in seinen Strukturen am konsequentesten dem Diversity-Auftrag nachkommt und das sich mit seinem Spielplan gesellschaftspolitischen Debatten stellt, den Brennherden immerzu auf der Spur. Harald Posch und Ali M. Abdullah haben 2004 mit dem Drama X den Grundstein für das heutige Werk X gelegt. Die Produktionsplattform, wie man zu Theatern ohne feste Strukturen sagt, hat sich an wechselnden Spielorten als ein zuweilen auch kraftmeierndes Poptheater mit jungen subversiven Texten und Inszenierungen behauptet. Aus dem Drama X wurde 2009 die Garage X, mit fester Adresse in einer traditionsreichen Kellerbühne am Petersplatz im Zentrum von Wien, direkt neben dem Stephansplatz gelegen. Mit niemand Geringerem als Herbert Fritsch (kurz vor seinem Regiedurchbruch) wurde die Ära damals eröffnet. Hier...

Mit Stücken wie Michel Houellebecqs „Unterwerfung“ hat das Produktionshaus Werk X unter den Theatern Wiens am konsequentesten die kulturellen, religiösen und ökonomischen Konfliktherde im Fokus

Wiener Protokolle

Was macht das Theater, Chiaki Soma?

Serie: Blickwechsel #03

Volkstheater Wien: Oh mein Gott. Es ist komisch 

Der Anti-Katastrophenfilm

Die Geschichte von Saint-Denis beginnt mit Kopflosigkeit und unerhörtem Stehvermögen. Vor langer Zeit, als Paris noch Lutetia hieß, schlug man einem christlichen Missionar auf dem Montmartre den Kopf ab. Der aber ließ sich dadurch nicht aufhalten. Er nahm sein Haupt unter den Arm und spazierte von dannen. Ging nördlich, bis in ein Dörfchen kurz vor der Stadtgrenze. Dort fiel er tot um. So will es die Legende. Dionysos hieß der Missionar, auf Französisch Denis. Wo er hinsank, steht heute die Kathedrale von Saint-Denis. Aus dem Dorf ist eine große Stadt geworden. Dionysiens heißen die über 100 000 Einwohner hier, was einem im Theaterkontext ein gutes Zeichen scheinen will. Wer im Vorfrühling 2016 an Saint-Denis denkt, denkt aber nicht zuerst an Dionysos, nicht an die französischen Könige, die vom kopflosen Spaziergänger so beeindruckt waren, dass sie sich jahrhundertelang in Saint-Denis begraben ließen. Heute denkt man: Banlieue. Wer sich besser auskennt: nördliche Banlieue. Im Norden finden sich, anders als im wohlhabenden Süden von Paris, tatsächlich jene zusammen, die von der Metropole angezogen sind, aber in deren Kern keinen Platz haben. Menschen ohne Arbeit oder mit schlecht bezahlter Arbeit. Menschen, deren Muttersprache nicht Französisch ist. Viele Menschen mit brauner oder schwarzer Hautfarbe. 70...

Wie geht das, Theater machen in der Pariser Banlieue in Zeiten des Terrors? Jean Bellorini versucht es mit pulsierendem Volkstheater

Der Dionysos von Saint-Denis

Es war ein schöner Zufall, dass pünktlich zur Uraufführung des neuen Stückes von Felicia Zeller die Preisverleihung der diesjährigen Berlinale über die Bühne ging. Mit einem roten Teppich, viel Showbiz und nervtötendem Starrummel ums eigene Ich wartet nämlich auch Zeller auf. In der Inszenierung von Johanna Wehner, Oberspielleiterin am Theater Konstanz, bleiben davon aber nur sagenhafte Kostüme und ebensolche Selbstdarsteller übrig: Constanze Becker schleift eine ewig lange Schleppe hinter sich her und hat die Haare aufgetürmt wie eine Kaiserin, Verena Bukal ulkt als roboterhaftes Zeller-Double in schrillem Gelb umher, während Vincent Glander seine lässigen Rockstarqualitäten im Lammfellmantel ausspielt und für Martin Rentzsch sowie Till Weinheimer die Show einfach immer so weitergeht. Die herrliche Truppe bittet zum Tanz der Vampire. Um es gleich vorwegzunehmen: Ohne diese fünf herausragend über jede Unwegsamkeit des Untergrunds und des Textes stolzierenden Schauspieler wäre der Abend verloren. Kongenial bereitet Volker Hintermeier ihnen die Bühne, wuchtet ein rostiges laubenartiges Etwas dorthin, das dem Quintett zur unwirtlichen Heimstätte gerät. Drumherum liegen überschaubare apokalyptische Haufen, von denen bei Zeller die Rede ist. Die Stimmen im Stück gehören zu Voyeuren ihrer selbst gewordenen Menschen, die sich längst besser überwachen als irgendeine fremdländische Macht. Gesundheitswahn und Anti-Aging gehen bei ihnen einher...

Schauspiel Frankfurt: „Zweite allgemeine Verunsicherung“ (UA) von Felicia Zeller. Regie Johanna Wehner, Bühne Volker Hintermeier, Kostüme Ellen Hofmann

Frankfurt am Main: Iwanow reloaded

Ein Mann in allen Medien

Zwei junge Bräute auf einem seltsamen Opfergang. In weißem Satin und cremefarbener Spitze setzen sie die nackten Füße in Zeitlupe auf einen roten Holzsteg auf, der die Strecke zwischen einem Kasten aus Fenstern und einer Leinwand am anderen Ende der schlauchartigen Säulenhalle in München überbrückt. Die jeweils hintere nestelt so lange am Gewand der Voranschreitenden, bis immer mehr vom skulptural schönen Bein bis hoch zum nackten Hintern enthüllt ist. Derweil gurgelt und bollert sich allmählich eine Geräuschkulisse zusammen, die später zu einem kaum aushaltbaren Lärm aufwallt. Industrial Sounds, Geigen, ein mexikanisches Lied in Endlosschleife. Auf der Leinwand stirbt gerade ein alter Mann, während im Kasten eine splitternackte Frau mit der Handkamera Details an Körpern und Kleidung zweier weiterer Frauen einfängt, die auf gleichmäßig entlang des Steges aufgestellten Bildschirmen zu studieren sind. Dort sitzen die Zuschauer einander gegenüber und sehen Lochstickereien, eine Hand, die sich langsam der eigenen Scham nähert. Alexeij Sagerer hat seinen unheilbar kranken künstlerischen Mitstreiter, Bier- und Geistesbruder – und nebenbei einen der stoischsten „Voresser“, in den je auf offener Bühne Nahrung gestopft worden ist – an und nach seinen letzten Tagen im Herbst 2012 gefilmt. Und er hat Johannes Oppenauer verabredungsgemäß eine letzte gemeinsame Arbeit zum Abschied...

Prot: „Liebe mich! Wiederhole mich!“ (UA) von Alexeij Sagerer. Regie und Ausstattung Alexeij Sagerer

München: Das Fleisch liegt in Windeln

Berlin: Kim de l’Horizon erhält den Hermann-Sudermann-Preis 

Tschechow arrangiert lauter unglückliche Gestalten, denen im Leben nicht geholfen werden kann. Mit der Wut der Verzweiflung leben sie ein Leben, das sie nicht leben möchten, und lieben Menschen, die sie nicht lieben möchten. Das ist naturgemäß zum Lachen und zum Weinen. Schauplatz ist das von Wanja und seiner Nichte verwaltete Landgut in der Provinz. In Darmstadt erscheint es als abgewohntes Hotelfoyer mit gräulich-grünem Teppichboden im sozialistischen Retrocharme. Rechts führt eine Treppe in die oberen Etagen, ganz hinten eine nach draußen und links eine sonst wohin. Das bei Tschechow-Inszenierungen unvermeidliche Birkenwäldchen spiegelt sich auf dem Bezug des Sitzmobiliars hübsch wider. Auf einer Anrichte führen Samowar und Espressomaschine eine friedliche Koexistenz, während sonst an diesem Abend das Neue meist als Frontalangriff auf das Alte gewertet wird. Aus Onkel Wanja hätte richtig was werden können, meint dieser. In Darmstadt spielt ihn Thomas Meinhardt als überaus vitales Enfant terrible, das sich kleidet und gebärdet wie ein Clown. Wächst Wanja mal wieder alles über den Kopf, schiebt er sich eine rote Nase ins Gesicht. Solche rote Nasen schiebt auch Regisseur Moritz Schönecker dem Stück ins Gesicht. Etwa in Form von Musik, die Levi Raphael auf und neben der Bühne präsentiert. Mal tönt Elektropop herauf,...

Staatstheater Darmstadt: „Onkel Wanja“ von Anton Tschechow. Regie Moritz Schönecker, Bühne Benjamin Schönecker, Kostüme Veronika Bleffert

Darmstadt: Mit roten Nasen

Was macht das Theater, Christiane Schneider?

„Als nun aber auch jener den Himmlischen allen verhasst ward/ Irrte er einsam umher, das Herz in Kummer verzehrend/ Durch die Aleische Flur und er mied die Pfade der Menschen.“ Homer FIGUREN Drei Frauen. Die eine jung (Junge), die andere ist es schon lange nicht mehr (Wedernoch), die dritte alt und noch viel älter (Alte). Ein Männerchor von drei Stimmen: Mann 1, Mann 2, Mann 3. Der Birkenwald. Der Nebel. Dazwischen wild verwahrloste Wiesen, fast bis zu den Knien steht das Gras. Der Männerchor im Brautkleid, ein wenig später dann die drei Frauen im Ronald McDonald Kostüm. Mann 1 Es passierte an einem Dienstag, an einem Dienstag Anfang Februar, oder vielleicht Vielleicht war es auch ein Mittwoch? Mann 2 (…) Mann 3 (...) Mann 1 Ja. Ja, ganz bestimmt, Entschuldigung, es Es ist ein Mittwoch gewesen, ein Mittwoch Anfang Februar, aber ob Dienstag oder Mittwoch, das tut eigentlich überhaupt nichts zur Sache, ich Mann 2 (…) Mann 3 (…) Mann 1 In der Mittagspause bin ich los gefahren, ich Ich hatte den Wagen genommen, wollte zu einem Supermarkt fahren, um Glühbirnen zu kaufen, viele Glühbirnen, bei mir zu Hause waren alle Lichter ausgegangen, eines nach dem anderen, wie das nun...

Eine Bühnenelegie für drei Spielerinnen und einen Männerchor von drei Stimmen

In einem dichten Birkenwald, Nebel

Halle, Weimar, Hamburg, Frankfurt, München: Überall spielen sie „Schuld und Sühne“. Warum? Weil die Geschichte des begabten, bitterarmen Studenten Raskolnikow, der eine alte Wucherin und deren behinderte Schwester umbringt, in diesen Zeiten wieder extrem brisante politische und philosophische Fragen aufwirft – zu vielen Themen in der Dunkelzone zwischen Widerstand, Amok und Terror. Im Zuge dieser „Schuld und Sühne“-Welle – die Übersetzerin Swetlana Geier bevorzugt den klaren, weniger wolkigen Titel „Verbrechen und Strafe“ – bringt Regisseur Gernot Grünewald den Roman nun auch am Landestheater Tübingen auf die Bühne. Grünewald hat schon in seinem 2015 für den Faust-Preis nominierten Political „Palmer – Zur Liebe verdammt fürs Schwabenland“ über Helmut Palmer, den 2004 verstorbenen Bürgerrechtler und Vater des heutigen Tübinger Oberbürgermeisters Boris Palmer (Bündnis 90/Die Grünen), Puppen eingesetzt. Bei Dostojewski erprobt er eine weitere Variante in Sachen Distanz und Stilisierung: große, überstülpbare Maskenköpfe. Fünf Schauspieler übernehmen rund 20 Rollen – lesen Romanpassagen am Mikrofon, stellen das Gelesene per Maskenspiel dar, mischen beides und filmen das Ganze. Dies bringt einige Hektik mit sich. Verstärkt wird dies noch dadurch, dass die Darsteller gefühlte 100 Mal am Abend eine beweglich gelagerte Holzkate im Zentrum der Bühne von Szene zu Szene in eine andere Position drehen. Es...

Landestheater Tübingen: „Schuld und Sühne“ nach Fjodor Dostojewski. Regie Gernot Grünewald, Ausstattung Michael Köpke

Tübingen: Im Hirnkerker

All die schönen Menschen

Hessisches Landestheater Marburg: Ein Computerspiel auf der Bühne

„Es geht um magische Momente“

Der Theaterturm von Ludwigsburg

Meldungen

I do you!

Leonhard-Frank-Stipendium zur Förderung zeitgenössischer Dramatik geht an Elisabeth Pape

Digitales ins Theater übersetzen 

Luzerner Theater: Post-Weltschmerz-Theater für das Klima 

Sasha Marianna Salzmann, Sie leben mittlerweile zu gleichen Teilen in Berlin und in Istanbul. Die Stadt am Bosporus nennen Sie Ihre „ewige Geliebte“. Was zieht Sie so an? Sie wissen ja, wie das mit Liebe ist. Sie lässt sich nicht wirklich erklären. Die Gesichter der Menschen, die Sprache, die Kommunikation zwischen den Worten, der Bosporus, die Architektur. Es liegt eine sehr eigene Stimmung über der Stadt. In meinen Augen ist das weniger die resignative Melancholie, die Orhan Pamuk als „Hüzün“ beschreibt, sondern ein melancholischer Aktivismus auf den Straßen, vielleicht so. Beim Verliebtsein gibt es ja die Phase der Überidentifikation, in der man sich für alles begeistert, auch für die Fehler. Darüber bin ich hinaus. Ich will nichts von dem romantisieren, was in der Türkei oder in Istanbul passiert und was mit jedem Monat, den ich hier verbringe, für mich mehr sichtbare Realität wird. In den westlichen Nachrichten kommt Istanbul vor allem als Konfliktgebiet vor. Bombenattentate, Kämpfe der kurdischen Bevölkerung um ihre Rechte, dazu Syrien als Nachbarland. Ist eine nervöse Aufgeladenheit des Alltags spürbar? Natürlich. Man spürt eine pulsierende Dringlichkeit, man lebt, als habe man nicht viel Zeit. Ich gehe fünfmal die Woche über den Taksim-Platz und weiß, dass jederzeit eine...

Was macht das Theater, Sasha Marianna Salzmann?

(Fast) alles neu bei Theater der Zeit

Leidenschaftlich zeitgenössisch

Was macht das Theater, Johanna M. Keller?

Aalto-Musiktheater Essen: Der Mensch ist gar nicht gut 

Bach-Choräle aus dem Autoradio, der Gang des Autors zum nördlichsten Punkt Europas in Norwegen und als Tanz der Elemente: sprühende Lava, die scheinbar zu blauem Eis erstarrt. Der zweite Teil von Werner Fritschs „Faust Sonnengesang“ nimmt diese in betörend flimmernde Bilder getauchten Gegensätze aus den ersten drei Stunden (2010) wieder auf. Am Ende werden es acht Teile sein, die das Filmgedicht damit auf eine Länge von 24 Stunden bringen. Als Gedicht nimmt dieses experimentelle Werk praktisch fast alle anderen Gattungen und Genres der Literatur in sich auf: Lyrik, Autobiografie, Essay, Epik und natürlich Dramatik. Die Bezüge zu Fausts Reisen (in Goethes zweitem Teil) sind offenkundig: Durch Zeiten und Welten geht es – „so bleibe denn die Sonne mir im Rücken“ –, um das finale „Verweile doch!“ In diesem monumentalen Autorenfilm finden sich nun, neu montiert, allerhand Stücke und Bruchstücke aus Fritschs mittlerweile kaum noch zu überschauendem Werk aus Theaterstücken, Hörspielen, Prosa und eben auch Filmen. So entstammen die „Bach-Cho-räle aus dem Autora-dio“ einem Stück mit dem althochdeutschen Weltuntergangstitel „Muspilli“, und auch in diesem zweiten Teil hat die preisgekrönte und mittlerweile in mehrere Sprachen übersetzte Hörspiel-Popikone „Nico“ (mit der Stimme Corinna Harfouchs) ihren Auftritt als eine der Mephisto-Frauen Fritschs. Die vom...

Werner Fritsch: Faust Sonnengesang II, 180 Min., Ursendung auf ARD-alpha am 27. Dezember 2015.

Weltenreisen

Neue Perspektiven auf etwas sehr Bekanntes

Systemcheck

Sich der Gewalt zuneigen

„Mit unseren Erinnerungen versuchen wir ein missglücktes Leben zu korrigieren, nur darum erinnern wir uns“, sagt Dr. Konstantin Boggosch, der Protagonist des neuen Romans von Christoph Hein, zu einer jungen Journalistin, die ihn um ein Gespräch für ihre Lokalzeitung bittet. Diese Bitte und ein Brief des Finanzamts lösen bei ihm noch einmal die Erinnerung an das dunkle Geheimnis aus, das sein Leben fast siebzig Jahre lang überschattet hat. Geboren im Frühjahr 1945 als Sohn eines SS-Brigadeführers, der seine Gummifabrik in einer brandenburgischen Kleinstadt skrupellos zu einem kriegswichtigen Unternehmen ausbauen konnte und der für Kriegsverbrechen in der Sowjetunion und Polen hingerichtet wurde, hat ihn dieser tote Vater immer wieder eingeholt. Nachdem der 16-Jährige trotz ausgezeichneter Leistungen in der DDR weder Sportschule noch Oberschule besuchen durfte, flieht er über West-Berlin nach Marseille, um in die Fremdenlegion einzutreten. Stattdessen findet er dort Arbeit in einem Antiquariat, das von einem ehemaligen Widerstandskämpfer geführt wird. Der Antiquar und seine Freunde aus der Resistance geben dem jungen Deutschen Arbeit und helfen ihm, die französische Reifeprüfung zu bestehen. Aber Konstantin Boggosch erfährt, dass sein Vater auch an diesen Menschen schuldig geworden ist, und kann deswegen nicht in Frankreich bleiben. Wenige Tage nach dem Bau der Mauer kehrt...

Christoph Hein: Glückskind mit Vater. Roman, Suhrkamp Verlag, Berlin 2016, 527 S., 22,95 EUR.

Die Schatten der Väter

Ein Ensemble als Band

Berliner Ensemble: Unmittelbare Trägerschaft des Landes Berlin angestrebt

Die eigene Dringlichkeit

Auf den ersten Blick haben der US-amerikanische Actionfilm „Rambo“ und Heiner Müllers Revolutionsdrama „Zement“, vor allem in ästhetischer Hinsicht, nicht viel gemeinsam, im Gegenteil. Immerhin handeln beide Geschichten von Kriegsheimkehrern: John Rambo, in Ted Kotcheffs Film (1982) gespielt von Sylvester Stallone, ist ein Vietnamkriegsveteran, der sich irgendwo im Mittleren Westen in einen eskalierenden Privatkrieg mit einem Sheriff von echtem Schrot und Korn verwickeln lässt: Kriegsexpertise und Kriegstrauma stehen hier gegen die vermeintlichen alten Werte in einer scheinbar unschuldigen, von schneebedeckten Bergen geschmückten Natur. Der Schlosser Gleb Tschumalow, Müllers Protagonist, ist dagegen ein Idealist, der, aus dem russischen Bürgerkrieg heimgekehrt, dem Sozialismus auf die Sprünge helfen möchte; der sich mit seinem natürlichen Feind, dem Bourgeois Kleist, verbündet, weil er auf dessen Expertise beim Wiederaufbau eines Zementwerks angewiesen ist. Der Thriller, der effektbewusst auf den dritten Akt zusteuert, die totale Zerstörung, sucht vor allem den Nervenkitzel; Müllers Text von 1972 sucht die mehr oder weniger lösbaren Widersprüche in der Pionierzeit des Kommunismus. Lassen sich derart unterschiedliche ästhetische Entwürfe in einem sogenannten Live-Film umstandslos bündeln, indem man den amerikanischen und den russischen Helden in ein und demselben Schauspieler (Sebastian Kuschmann) zusammenspannt und die Unterschiede der Mentalitäten und Kontexte ignoriert? Ist das ein sinnvolles...

Staatstheater Dortmund:„Rambo plusminus Zement. Ein Live-Film“ von Klaus Gehre nach Heiner Müller, Sylvester Stallone und David Morrell. Regie Klaus Gehre, Ausstattung Klaus Gehre und Mai Gogishvili

Dortmund: Das Tier im Ich

TdZ on Tour

Neue Dramatik, alte Geschichten, neue Welten

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Das Cartoonartige ausloten

Erweiterung des Menschlichen

Ich gehe Tag und Nacht und weiß nicht, wohin

Ein grober gelber Keil durchschneidet brachial das realistisch gestaltete Bühnenbild, zersägt es in zwei Teile, Beton splittert, Funken sprühen, Menschen schreien – ein Anschlag auf die Kunst in den Bad Godesberger Kammerspielen? Wer steckt dahinter? Der IS? Eine Nachfolgeorganisation des NSU? Beides denkbar, aber nein, der grobe gelbe Keil, der sich hier Platz und Aufmerksamkeit verschafft, ist – ein Reclam-Heft. Aus Holz. Aufklärung. Lessing. Nathan der Weise. 1779. Eine Bühne auf der Bühne, darauf stehen Schauspieler in historischen Kostümen und sagen im Chor die Ringparabel auf. Diejenigen, die zuvor das realistische Bühnenbild von Cary Gayler bespielt haben – ein Klassenzimmer –, sind junge Bonner Muslime, sie erzählen in den Rollen von Schülern über sich selbst, über ihre vielfältigen Erfahrungen mit dem großen deutschen Aufklärungsprojekt Integration. Sie (auch sie) sprechen im Chor, und sie sprechen laut. Gern streiten sie mit ihrem Lehrer, einem typischen Vertreter des liberalen aufgeklärten Mittelstands, der, wird er in die Enge getrieben, einige nicht totzukriegende Ressentiments vom Stapel lässt. So legt der Regisseur Volker Lösch seine Lessing-Interpretation an. Der aktuelle Diskurs stört und unterbricht nicht etwa die Darbietung des klassischen Textes, eher schon stört und unterbricht der klassische Text den aktuellen Diskurs. Aber darauf kommt es vielleicht...

Volker Löschs „Nathan“ in Bonn und Nuran David Calis’ „Glaubenskämpfer“ in Köln überblenden Lessings Ringparabel mit dem aktuellen Diskurs um Religion, Toleranz und Gewalt

Wart ihr Silvester dabei?

Solche Träume haben Folgen

Rufer in der Wüste

Theater im Karton 

Was macht das Theater, Tuğsal Moğul?

Zwischen zwei Realitäten

Es ist ein großes Dilemma. Du glaubst, du stehst auf deinen eigenen Beinen, lebst dein Leben, und merkst gar nicht, wie tief du im Schlamassel drinsteckst. Nur dein Aussehen bestimmt noch, wer du bist. Spätestens seit den Ereignissen der Kölner Silvesternacht gibt es keine Unschuld mehr. Die Untäter haben ein Gesicht. Und jeder, der ihnen gleicht, ist einer von ihnen. Das Individuum wird abgeschafft. Neco Çeliks zweite Produktion in Kooperation...

„Basmala – Freund oder Feind“ – Neco Çelik und Renegade untersuchen im Schatten der Kölner Silvesternacht die Verbindung von Hip-Hop und Islam

Hamburgische Dramaturgien

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Neuerscheinungen im Verlag