Leuchten mit Dunkelheit dahinter

Vorderhaus-Chef würde auch ich gerne heißen. Was kann man im Leben mehr erreichen? Die Vorderhaus-Chefin im Theater Oberhausen führt diesen Titel mit zurückhaltender Bescheidenheit. Mit ihrem bürgerlichen Namen will sie nicht in der Zeitschrift stehen. Ist mir egal; darauf kommt es nicht an. Für alle Zeit werde ich sie als Vorderhaus-Chefin ansprechen. Ihr unterstehen nicht weniger als 16 Menschen, die für ein reibungsloses Drumherum im Theater sorgen. Im Fall von Reibung greift die Vorderhaus-Chefin ein. Das Wort unterstehen würde sie nicht gelten lassen. Eine Vorderhaus-Chefin verfügt über natürliche Autorität. Dass der Titel nirgendwo offiziell vermerkt ist, ändert nichts daran, dass alle sie so nennen. Und dass sie als Vorderhaus-Chefin zugleich Hinterhaus-Chefin ist, verwirrt allenfalls einen penetrant logischen Geist. Alle anderen Geister halten es für selbstverständlich. Im Vorderhaus liegt die große Bühne, im Hinterhaus die kleine. Einst Studiobühne, heißt die kleine seit Neuestem Saal 2. Weil die Vorderhaus-Chefin aber schon seit 22 Jahren regiert – das Wort regieren würde sie nicht gelten lassen –, behält sie die einstigen Abkürzungen bei, wenn sie Infos in die schmalen Spalten ihres Dienstplans einträgt. Das St der Studiobühne steht heute für Saal 2, das X nach wie vor für die große Bühne und das N...

Wer im Theater Oberhausen über das Drumherum regiert

Die Vorderhaus-Chefin

Meldungen

Androiden träumen nicht von elektrischen Schafen

Es ist nicht zuletzt dieses bedrückende, existenzielle Gefühl, nicht so recht zu wissen, wozu man eigentlich lebt, was Tschechows Figuren so zeitlos macht. „Ich bin siebenundvierzig“, sagt Wanja zu Astrow, „möglich, dass ich sechzig werde, dann bleiben mir noch dreizehn Jahre. Was mache ich denn so lange?“ Auf dieses die Zeiten überdauernde Lebensgefühl der Unsicherheit und inneren Unruhe fokussiert sich Jo Fabian in „Onkel Wanja“, seiner ersten Arbeit als Schauspieldirektor am Staatstheater Cottbus, in der er eine Spielweise findet, die Spieler und Figuren konsequent zwischen die Zeiten setzt. Bühne und Kostüme verweisen historisierend auf die Entstehungszeit von „Onkel Wanja“ um 1896. Im Zentrum über allen eine große Uhr, deren Zeiger, auf fünf nach eins verharrend, Stillstand symbolisieren. In das Anwesen mit hohen Decken, Samowar, Kamin und angrenzendem Ziegenstall kann das Publikum nur durch die Glastür zum auf der Vorbühne angedeuteten Wintergarten sowie durch kleinere Wanddurchbrüche blicken. Vogelgezwitscher löst einen elektronischen Klangteppich ab, Sonja (Lucie Thiede) ist mit wiederholtem „Kule, kule, kule“ auf der Suche nach irgendetwas, ein imaginäres Flugzeug kreuzt die Landschaft, Wanja (Axel Strothmann) und Telegin (Amadeus Gollner) bechern Wodka, und die alte Kinderfrau (Michaela Winterstein) brabbelt russisch vor sich hin. Sonja weist sie mit russischem Akzent zurecht: „Du...

Staatstheater Cottbus: „Onkel Wanja“ von Anton Tschechow. Regie Jo Fabian, Ausstattung Pascale Arndtz

Cottbus: Schwarze Katze, weiße Ziegen

Theater der Zeit Jahresrückblick 2023

Personen Grantler, der Präsident Sanders/General Dentz, ein Major (eine Frau) Blomberg-Pappenheim/General Wilson, ein Minister Kolschitzky, Grantlers Sekretär, „Mädchen für alles“, mit Buckel Sprecher Marylin, eine Puppe Hinweis: Grantler singt aus Paul Abrahams Operette „Die Blume von Hawaii“ (1931). PROLOG Major Sanders und Blomberg-Pappenheim beugen sich über eine Spielanlage, die den Syrisch-Libanesischen Feldzug von Juni 1941 nachstellt, der auch unter dem Namen „Operation Exporter“ bekannt ist. SANDERS Wie lange spielen wir schon? BLOMBERG-PAPPENHEIM Ich kann mich nicht erinnern. SANDERS Hauptsache, wir langweilen uns nicht. BLOMBERG-PAPPENHEIM Nicht, solang wir spielen. Sie sind an der Reihe! SANDERS Solang wir spielen, amüsieren wir uns, General Wilson. BLOMBERG-PAPPENHEIM Können wir nicht mal tauschen, General Dentz? SANDERS In all den Jahren haben Sie nie General Dentz gespielt! Ihre Chancen stehen schlecht. 45‘000 Mann gegen 34‘000 Mann. BLOMBERG-PAPPENHEIM Letzte Woche haben meine Bomber den Flugplatz zerstört. SANDERS Nichts als heiße Luft. Ihre Panzer haben Sie nach Libyen verlegt. Ihre Niederlage dort wird in die Geschichte eingehn und Sie den Kopf kosten. Was sagt das Wetter? BLOMBERG-PAPPENHEIM (würfelt) ’S regnet seit Tagen. Der Boden ist schlammig. SANDERS ’S ist der 2. Juni! BLOMBERG-PAPPENHEIM So sind nun mal die Regeln, General Dentz. 4 Augen:...

Eine Farce für drei ältere Schauspieler, eine ältere Schauspielerin und einen Sprecher

Island. Als Freunde sind wir erbarmungslos

Tänze, Träume und Theaterglück

Barbara Frey, Sie sind vor gut acht Jahren von Berlin zurück in die Schweiz gezogen. Erinnern Sie sich, wie das war – der Wechsel von der Außen- zur Innenperspektive hinsichtlich des Heimatlandes? Barbara Frey: Ja, ich erinnere mich. Der erste Eindruck nach einem Jahrzehnt Berlin: Wie seltsam aufgeräumt hier alles war, fast etwas aseptisch. Gleichzeitig gab es schöne Wiederbegegnungen mit einer ganzen Gruppe Leute, die ich von früher kannte, nicht unbedingt aus dem Theater, auch aus Musiker- und Kunstkreisen. Sonst: Der weite Blick über den See aufs Alpenpanorama, befremdend nach der Berliner Steinwüste – diese Weite hat mich beschäftigt und auch beunruhigt, weil ich immer versuchte, einen Kontext herzustellen zwischen dem idyllischen Anblick und der relativ streng gehandhabten Alltagswelt hierzulande. Nehmen Sie die Schweiz als viersprachiges Land wahr? Frey: Als mehrsprachiges Land – nicht nur in Bezug auf die vier Landessprachen, sondern auf die verschiedenen Dialekte, die für mich nichts an ihrer Faszination verloren haben. Man fährt eine Stunde Zug, und alle sprechen anders, das finde ich genial. Für mich drückt der Dialekt ganz spezifische Gefühlslagen aus, eine Verbundenheit mit dem Ort, an dem man lebt. Ich empfinde die Schweiz als ideelles Gebilde, das sehr gut „funktioniert“, hingegen bezweifle ich,...

Barbara Frey, Intendantin am Schauspielhaus Zürich, und ihr Chefdramaturg Andreas Karlaganis im Gespräch mit Barbara Villiger Heilig

Theater ist kein Wettrennen

double feiert Jubiläum

Dominik Busch, „Das Recht des Stärkeren“ basiert auf einer fiktiven Handlung. Während Ihrer Recherchen jedoch sammelten Sie zunächst dokumentarisches Material. Wie viel Wirklichkeit ist in den Text eingeflossen? Meine Recherche begann mit der Lektüre des autobiografischen Buchs „Kein Schweigen, das nicht endet“ der kolumbianisch-französischen Politikerin Ingrid Betancourt. Sie wurde 2002 von Rebellen der linksextremen Guerillabewegung FARC entführt und war sechseinhalb Jahre in Gefangenschaft. Eine Extremsituation, die mich interessiert hat. Was stellt das mit einem Menschen an? Im Rahmen der Recherche stieß ich auf eine weitere reale Figur, die Holländerin Tanja Nijmeijer. Die Romanistikstudentin kam während eines Austauschjahrs in Kolumbien in Kontakt mit der FARC und schloss sich ihr 2006 an. In Holland hatte sie das Gefühl, dass viel geredet, aber nichts getan wird. Derzeit ist sie bei den Friedensverhandlungen in Havanna dabei, als eine der führenden Diplomatinnen. Was mich an dieser Figur gereizt hat? Ich selbst war noch nie auf eine aufrührerische oder gar militante Art politisch aktiv. Dennoch sehe ich am Peng! Collective oder dem Zentrum für Politische Schönheit, dass es manchmal nötig ist, aktiv zu werden. Nijmeijer bewundere ich für ihren Mut. Zugleich denke ich aber, dass der Gang durch die Institutionen, was sie ja jetzt in Havanna...

Der Schweizer Autor Dominik Busch über sein Stück „Das Recht des Stärkeren“ im Gespräch mit Elisabeth Maier

Die Schuldfrage

„Durch die Kraft hat es eine Schönheit“

Hamlet sein

Dietrich Brüggemann, in der Box des Deutschen Theaters hat gerade Ihre erste Theaterarbeit „Vater“ Premiere gehabt. Sie haben das Stück geschrieben und selbst inszeniert. Steht das Thema in einem Zusammenhang mit Ihrem Berlinale-Erfolgsfilm „Kreuzweg“ von 2014? Gewiss, Gott ist der Vater, sogar der allmächtige Vater, da gibt es keine Verhandlungsmöglichkeit. Daher ja auch das patriarchale Prinzip. Sie kommen aus einem katholischen Elternhaus, bezeichnen sich aber als „vage atheistisch“? Der Begriff geistert umher. Als Kind war ich jedoch tatsächlich Messdiener. In „Kreuzweg“, den ich mit meiner Schwester Anna zusammen entwickelt habe, ist diese Szenerie eingeflossen. Mein Vater selbst hat den Katholizismus sehr ernst genommen, mit dem Glauben seiner Kindheit gerungen. Nun hat man ja in der Kirche nicht mit Gottvater unmittelbar zu tun, sondern mit seinen Stellvertretern, den Priestern und ihren Dogmen. Kinder und Priester, das scheint mir eine heikle Kombination! In der Kirche habe ich sehr eindrucksvolle, charismatische Männer erlebt, Priester, die ihre Berufung ernst nahmen. Aber ein Kind ist natürlich leicht zu indoktrinieren, davon erzählt „Kreuzweg“ bis zum bitteren Ende. Aber mit „Vater“ am Deutschen Theater hat diese explizite Frage nach dem Katholizismus in seiner dunklen Form nichts zu tun. Womit dann? Ich sehe das Ringen mit Vaterfiguren, Anziehung...

Was macht das Theater, Dietrich Brüggemann?

Bühnenräume

Neues Theater Halle: Gefangen im Text

Theater im Zentrum der politischen Debatte

Warum Theater,

Die Zukunft jetzt gestalten!*

Reaktion als Emanzipation

Neubeginn zur Blauen Stunde

Münster: Paula Kläy wird Hausautorin am Theater

Fotorealistische Gemälde zeigen Dienstleister, die in den steril grauen Bühnenraum lächeln. Auf dem Boden tummeln sich frohsinnige Figuren: Wir sind in „Rundum Glücklich“, wo arbeitsame Menschen die perfekte Ordnung der neuen Gesellschaft erhalten. Von der Decke beugt sich in einer Videoprojektion der riesige Kopf des Gründers dieser Gesellschaft über seine „Untergeordneten“ und hält eine Motivationsrede zu einem luftig leichten Werbesong. Er propagiert, wie perfekt schon alles ist und dass es noch perfekter werden kann. Mit „Wird schon werden“ von Dmitrij Gawrisch in der Inszenierung von Moritz Schönecker am Theaterhaus Jena wird ein Drama auf die Bühne gebracht, das ohne Konflikte auskommen möchte, um höchst absichtsvoll daran zu scheitern. Im Mittelpunkt der Geschichte steht eine der sogenannten Unterordnungen, in denen die Menschen der neuen Gesellschaft anstelle von Familien zusammenleben. Ihre Namen sind durch die Bezeichnungen ihrer funktionalen Positionen ersetzt: Die drei „Erzogenen“ bekommen von dem „Erfinder“ und der „Erzählerin“ das Hauptprinzip ihres besseren Lebens, die effiziente Arbeit, sowie in Lehrsätzen den Gründungsmythos der Gesellschaft vom Urknall bis zur Erlösung durch den messianischen Gründer eingetrichtert. Garantiert werden die reibungslosen Arbeitsabläufe, um die sich das bessere Leben dreht, durch die Negierung von Konflikten vermittels der Sprache, die nur noch den positiven Ausdruck kennt...

Theaterhaus Jena: „Wird schon werden“ (UA) von Dmitrij Gawrisch. Regie Moritz Schönecker, Ausstattung Veronika Bleffert und Benjamin Schönecker

Jena: Totale Harmonie

Gornaya, in „Island. Als Freunde sind wir erbarmungslos“ spielen Sie mit Sprachebenen, stellen die Kommunikation der Figuren generell infrage. Dabei ist Ihr Blick pessimistisch. In Ihrem Text „Sprache und Politik“ berufen Sie sich auf Thomas Bernhard: „Außerhalb des Zitierens gibt es kein Sprechen mehr.“ Gibt es im Text dennoch die Hoffnung auf Kommunikation? Nein, in „Island“ sehe ich keine Kommunikation mehr. Der Einzige, der noch spricht, ist Kolschitzky. Allein von ihm sind menschliche Äußerungen zu vernehmen. Er sagt „Ich friere“ oder „Ich habe Angst“. Das sind Regungen, die ihn als Individuum ausmachen. Bei den anderen würde ich sagen, nein. Natürlich sprechen meine Figuren nicht in Zitaten. Doch da ist nichts, was sie aus ihrer eigenen Wirklichkeit heraus generieren. Die Missverständnisse sind schon so in Stein gemeißelt, dass nichts Neues daraus entstehen kann. Die Sprache ist in diesem Stück gleich einer Partitur, die sich vom Individuum und von einer konkreten Situation losgelöst hat. Man spürt beim Lesen, dass es nicht die eigene Sprache der Figuren ist. Militärischer Befehlston ist eine Triebfeder der Kommunikation. Für das Stück haben Sie viel in historischen Quellen recherchiert. Dennoch entstehen daraus komplexe Figuren, die in einem grotesken System gefangen sind. Wie haben Sie diese Ebenen verknüpft?...

Die Schweizer Autorin Gornaya über ihr Stück „Island. Als Freunde sind wir erbarmungslos“ im Gespräch mit Elisabeth Maier

Die Behauptung einer Regierung

Schauspiel Leipzig: Liebe, Zweifel und VR

Die Erde in diesem „Woyzeck“ ist eine rotierende Scheibe, die durch ihre Schieflage die höchste Gefahr birgt, dass die Figuren über den Rand ins Nichts fallen. Es ist die jüngste Konstruktion des Theatermaschinisten Ulrich Rasche, die zusammen mit einem hervorragend aufgestellten Ensemble dem Basler Schauspielhaus einen beklemmenden und zugleich berauschenden Spielzeitbeginn beschert hat. Rasche knüpfte mit seinem soghaften Basler „Woyzeck“ an die erfolgreiche Arbeit an, mit der er sich in der vergangenen Spielzeit am Münchner Residenztheater hat feiern lassen: Schillers „Die Räuber“, die man so gerne beim Berliner Theatertreffen gezeigt hätte, was aber wegen der monströsen Walzenkonstruktionen technisch nicht machbar war. Die Basler Scheibe würde auf die Bühne des Berliner Festivalhauses passen. Aber noch sind die Einladungen nicht verschickt worden. Intendant Andreas Beck hat Rasche und seine Bühnenkonstruktionen von München nach Basel geholt. Ihm selbst steht in eineinhalb Jahren der umgekehrte Weg bevor. Mitte Dezember verkündete das Bayerische Kultusministerium, dass Beck neuer Intendant des Münchner Residenztheaters wird. „Eine späte, aber exzellente Wahl“, heißt es in der Süddeutschen Zeitung. „Die Tugend des Theaters liegt im Wechsel“, sagte Beck bei der Bilanzpressekonferenz im Dezember, als ob vier Jahre Intendanz bereits eine Ewigkeit für die Bühnennomaden wären. Aber: „Das will ich jetzt weiter...

Andreas Beck verführte das Basler Publikum mit einem literarischen Theater, jetzt hat er seinen Abschied angekündigt – und auch Carena Schlewitt von der Kaserne Basel wird die Stadt verlassen

Die Tugend liegt im Wechsel

Sophiensæle Berlin: DIY-Reise zum Mars und die Frage nach der Mission

„Theater ist kein Wettrennen“, sagt Barbara Frey. Die Intendantin des Schauspielhauses Zürich plädiert für Treue und Beständigkeit im Theater. Im Gespräch mit ihrem Chefdramaturgen Andreas Karlaganis und Barbara Villiger Heilig erzählt sie zudem, wie sie 2009 ihre Rückkehr aus Berlin in die Schweiz erlebte – und fragt sich, woher die spezifische Kälte von Zürich kommt. Der Blick über den See auf das Alpenpanorama stelle bei mancher Befremdung aber auch eine...

Editorial

Was macht das Theater, István Szabó?

„Lieber Hans-Peter!“

Mannheim: Leonie Lorena Wyss wird neue:r Hausautor:in am Nationaltheater

Er spielte mehr als fünfzig Jahre auf der Bühne, meist an den großen, gerade wichtigen Theatern. Als Sohn des Preußen-Dramatikers Hans Rehberg in Fürstenwalde geboren, war der Schulabbrecher über die Essener Folkwang-Schule ans Theater gekommen, um im Alter von nur dreißig Jahren gleich Bayerischer Staatsschauspieler zu werden. Der hagere Mann mit der hohen Stirn war prädestiniert für die strengen Charaktere, aber er konnte auch anders, leicht und komödiantisch, oder manchmal alles zugleich. Für Peter Zadek kehrte er 1983 am Münchner Residenztheater aus Solness einen wunderlich magischen Baumeister hervor. In den späten Jahren wurde Andrea Breth seine bevorzugte Regisseurin. Unvergessen die absurd-artistischen „Zwischenfälle“ 2011 am Wiener Burgtheater, in denen Rehberg neben der Komik als verzweifelter Orchesterdirigent auch den Einzelgänger als Ensembleschauspieler zeigte. Als solcher hatte ihn der polnische Gastregisseur Grzegorz Jarzyna 2003 bewusst an die Berliner Schaubühne geholt: In Brechts „Dickicht der Städte“ ging Rehberg als Shlink in der Buntheit heutiger Megacitys (in den damals neuartigen Projektionen von Julian Rosefeldt) wie ein Stoiker durchs Chaos. Diese unheimliche Ruhe, deren Zentrum für den Zuschauer schwer zu orten war und deshalb erhöhte Aufmerksamkeit einforderte, ließ auch den internationalen Film auf ihn aufmerksam werden. In Steven Spielbergs „Schindlers Liste“ verkörperte er den Auschwitz-Kommandanten Rudolf...

Zum Tod des Schauspielers Hans-Michael Rehberg

Ein Stoiker im Chaos

Woran erinnert der tiefe Klang der Glocken, die aus der Altstadt herübertönen? Natürlich, an die Markuskirche! Auch das Stadtwappen, den Löwen, hat Braunschweig mit Venedig gemeinsam. Doch während Venedigs Löwe ein in seiner Kraft ruhendes schläfriges Tier ist, scheint Braunschweigs Großkatze eher ein Haustier, das auffordernd mit seinem Schwanz wedelt. Will dieser Welfen-Löwe am Ende bloß spielen? Schön wäre es, so meint jedenfalls Dagmar Schlingmann, die neue Intendantin, die aus Saarbrücken nach Braunschweig kam, um den Welfen von heute das zu bringen, was sie offenbar vermissen: eine höhere Betriebstemperatur, nicht nur das Theater, sondern die ganze Stadt betreffend. In Saarbrücken, fast schon in Frankreich also, sitzt man oft zusammen, isst gut und trinkt gern Wein, geht dann bester Laune ins Theater. In Braunschweig muss man lange nach so einem Ort suchen, an dem sich Künstlerisches und Kulinarisches treffen. So gründete die Intendantin als eine ihrer ersten Amtshandlungen nicht nur die neue Nebenspielstätte Aquarium, wo es den Zuschauern ausdrücklich erlaubt ist, mit einem Glas Wein in der Vorstellung zu sitzen, sondern auch eine Tapas-Bar. Theater spiegelt Lebensart. Dabei geht es den Tieren offenbar wie den Menschen. Vorm Bühneneingang steht eine Ambulanz. Das ist die „Tierrettung“. Ein Notfall? Heraus kommt ein Sanitäter...

Am Staatstheater Braunschweig gelingt der neuen Intendantin Dagmar Schlingmann ein vielversprechender Auftakt

Zeiten des Übergangs

Jetzt ist alles politisch

TdZ on Tour

Kinder- und Jugendtheater als Arbeitsplatz

Junge Hoffnung

Autoren Januar 2018/Vorschau

Ein bitteres Ende. Der Alte im Rollstuhl versteht die Welt nicht mehr, und niemand versteht ihn. „Wie es ist die Pfennige zu zählen / und die Rippen / Wie es ist die Butter zu sparen / Das Brot zu lutschen / Rauch zu sehen / Zement mit Blut anzurühren / In Granit zu beißen.“ Ein Pflegefall im fremden Zimmer ist er, gekleidet in Erwachsenenwindeln, nur einmal die Woche schaut die Enkelin vorbei, „die kleine Göre“, die dem Opa früher den Stachelbeergarten leer gefressen hat und heute so gar nichts wissen will von seinem Leben. „Keine einzige Frage.“ Schon seltsam. Ein Meer der Kommunikationsmöglichkeiten tut sich vor uns auf, im Netz und in der Welt, und trotzdem zählen wir nur die Stunden, da wir nichts voneinander wussten. „Keiner braucht Antworten / In diesem Land, das wir aufgebaut haben.“ Die selbstmitleidfreie Klarheit, mit der Schauspieler Manfred Andrae (zuletzt in Andres Veiels „Himbeerreich“ am Deutschen Theater in Berlin auf der Bühne zu sehen) sein Requiem auf ein verblassendes Dasein anstimmt, besitzt eine stille Wucht. Der treffendste Moment in Anne Habermehls Stück „Outland“, das die Dramatikerin selbst in den Sophiensälen Berlin eingerichtet hat. Ein etwas ungewöhnlicher Spielort, schließlich bewegt sich Habermehl ansonsten in Stadttheaterkontexten....

Sophiensäle: „Outland“ (UA) von Anne Habermehl. Regie Anne Habermehl, Bühne Christoph Rufer, Kostüme Bettina Werner

Berlin: Requiem auf ein verblassendes Dasein

Den Narben begegnen

Wir nannten ihn „Bello“; eigentlich ein Hundename, dabei hatte er nichts Hundehaftes: kratzte nicht an Türen und bellte nicht, und nach dem Stöckchen sprang er schon gar nicht. Er war einer von den Wenig-Lauten, aber Entschiedenen, den unauffällig Unbequemen. Bello machte sich nicht viel aus guten Weinen, Bello war Biertrinker. In den Achtzigern, während der Proben zu „Diener zweier Herren“, wo er als Truffaldino besetzt war, saß er bei uns zu Hause und erzählte von einem seiner ersten West-Gastspiele: „Nach der Vorstellung saß das Ensemble in einer Kneipe, und ich hatte mir ein Bier bestellt, das kam und kam nicht. Ich rastete aus und rief: ‚Wann kommt denn endlich mein Bier?! Das dauert ja länger als in der DDR!‘ Der Wirt trat an unseren Tisch und sagte: ‚Mein Herr, ein Bier muss aufgebaut werden.‘ Ich hab’ mich so geschämt.“ An seinen Truffaldino erinnere ich mich gerne – geschminkt wie ein glückloser Clown, am Hut eine Margerite, verloren zwischen Mülltonnen. Auch als Tschumalow in Müllers „Zement“ hinterließ er bei mir einen bleibenden Eindruck – kraftvoll und zerbrechlich zugleich. Anfang der Neunziger traf ich ihn in der Innenstadt. In der Hand ein Kehrblech und einen Handfeger, an denen noch die Preisschilder klebten....

Nachruf auf den Schauspieler Dieter Bellmann

Mensch, Bello

Wie Theater ökologisch nachhaltig handeln können

Seltsam ernüchtert betritt man den Großen Saal des Festspielhauses Hellerau, seit Mitte November die „Kuschelstube“ abgebaut wurde. Die Rekonstruktion des in der Theatergeschichte bahnbrechenden Appia-Salzmann-Raumes von 1912 hatte in der Tat etwas von einem weißen Raum der Snoezelen-Therapie. Kontemplation und völlige Sinnenkonzentration auf das Geschehen zugleich. Als Beschwörung der kurzen Gründerzeit des europäischen Kunstzentrums nahe Dresden vor dem Ersten Weltkrieg intendiert, blieben die vier Wochen in diesem Herbst doch weniger ein museales als ein zeitlos-sinnliches Erlebnis. Die rund 7000 Besucher konnten nachempfinden, wie intensiv performative Kunst mit dem sie umgebenden Raum korrespondiert, ja auch kollidieren kann. Bei Original und Nachbau fließen zwei Komponenten zusammen. Zum einen kombiniert die modulare Bühne des Bühnenpioniers Adolphe Appia verschiedene kubische Elemente. Sie sind hineingesetzt in den schattenfreien Lichtraum des in Tiflis geborenen Alexander von Salzmann. Der 1862 in Genf geborene Appia war eigentlich studierter Musiker, rieb sich aber bald an den damals vorherrschenden naturalistischen Bühnenbildern und zweidimensionalen Kulissen. Gemeinsam mit dem von der Malerei kommenden Lichttechniker Alexander von Salzmann und dem Musikpädagogen Émile Jaques-Dalcroze konzipierte er ab 1910 für das entstehende Festspielhaus Hellerau unter anderem diesen legendär gewordenen Bühnenraum. Dieser brach mit dem Konzept der Guckkastenbühne, eröffnete einen sozialen Raum der Interaktion und kann...

Mit der Rekonstruktion des Appia-Raumes von 1912 spürt das Festspielhaus Hellerau in Dresden seiner Gründerzeit nach

Ein Ort der Sehnsucht – nur nicht nach Zukunft

Alle warten darauf, dass etwas passiert. Etwas anderes als der seit Jahren in Rostock kreisende Streit, wie viele Schauspieler im Ensemble sich das Volkstheater leisten darf, wie hoch die Abfindung für den – zu Unrecht, wie ein Gericht befand – gekündigten Intendanten Sewan Latchinian nun sein wird (hoch), ob man das neue Theater bauen wird oder doch nicht und ob es das Schauspiel, sollte die neue Immobilie irgendwann einmal stehen, überhaupt noch geben wird. Also nichts Neues von der Ostseeküste? Doch, ein kleines Un-Stück von Wolfram Lotz kontert den tagtäglichen Unsinn mit einem hochtourigen Mega-Unsinn, der den Nerv der Zeit nicht bloß in Rostock trifft. Und so einen Funken Licht ins dunkle All schickt. „Einige Nachrichten an das All“ hat Christoph Bornmüller inszeniert. Vor einigen Jahren fiel er als Schauspieler im Ensemble von Annett Wöhlert am Theater Neustrelitz / Neubrandenburg auf. Über Schwerin und Darmstadt kehrt er nun mit seiner ersten Regiearbeit nach Mecklenburg zurück – mit welch einem Furor! Worum es Lotz in seinem hinreißend aberwitzigen Stück geht? Um das, was neben all dem „Weltraumschrott“ noch von Bedeutung sein könnte. Worte für die Ewigkeit, mittels einer Apparatur aufgezeichnet und ins All gesendet! Ort des Geschehens ist das sogenannte Ateliertheater...

Volkstheater Rostock: „Einige Nachrichten an das All“ von Wolfram Lotz. Regie Christoph Bornmüller, Ausstattung Franziska Just

Rostock: Komm großer Wind

Was folgt

Rechnung an Theater der Zeit

Das unheimliche 13. Jahr

Theater Oberhausen: Die Familie in Paralleluniversen

Wir sind alle blind. Auch die Autorin. Ilse Ritter eröffnet den Abend als eben jene. Oder ist sie doch die Einäugige unter den Blinden? Ja? Nein. Alle blind. Schon in der nächsten Szene sind es die Schauspieler, die gerade noch um einen Tisch sitzend Elfriede Jelineks endlosmäandernden Text gesprochen haben, die mit Binden um den Kopf über die Bühne stolpern, tastend, hilflos, während Blut aus den Augenhöhlen die Gesichter herunterläuft. Hier sind wirklich alle mit Blindheit geschlagen. Man denkt an Ödipus, den Vatermörder und Mutterbeischläfer, der zunächst blind ist für seine eigene Schuld – und als er sie erkennt, sich blendet. Oder an den blinden Seher Teiresias, der zwar von Ödipus’ Verhängnis weiß, aber nur in Rätseln spricht. Vielleicht hat man auch noch José Saramagos „Stadt der Blinden“ im Gedächtnis, in dem Blindheit zur Metapher der gesellschaftlichen und nicht nur individuellen Unfähigkeit zur Erkenntnis wird. Ist Blindheit aber tatsächlich das Bild, mit dem die Gegenwart treffend beschrieben ist? Sehen wir nicht, was wir tun? Oder müsste man es zuspitzen: Wir sehen, was wir tun, aber wir ziehen keine Konsequenzen aus dem, was wir sehen? Wir wissen nicht, was wir gleichzeitig doch wissen? In Bezug auf die Natur, die Arbeit, die...

Deutsches Schauspielhaus: „Am Königsweg“ (UA) von Elfriede Jelinek Regie Falk Richter Bühne Katrin Hoffmann Kostüme Andy Besuch

Hamburg: Unter Blinden

Magisch und anders

Unterstützungsbedarf

Die Anmut des Tanzroboters

Was macht das Theater, Peter M. Boenisch?

Wo bleibt das Schöne?

Wuppertal: New Yorker Architekturbüro erhält Auftrag für das Pina Bausch Zentrum

Heidelberg: Nominierungen für den Heidelberger Stückemarkt

Nach zwei Jahren Vorbereitungszeit mit üppigem Extra-Etat und vier Monaten Programm seit der Eröffnung auf dem Tempelhofer Feld am 10. September ist eine Bilanz des Geschehens an der Berliner Volksbühne möglich. Wie hatten Chris Dercon und seine Programmdirektorin Marietta Piekenbrock in ihrem aus einem Gespräch geformten Manifest „Partikel“ im Spielzeitheft bekannt: „Angetrieben von der Vision einer offenen, kosmopolitischen Gemeinschaft fühlen wir uns der emphatischen Gründungsformel verpflichtet, mit der die Volksbühne seit Beginn des 20. Jahrhunderts den Wandel des Theaters vorantreibt: Die Kunst dem Volke.“ Das von Boris Charmatz gestaltete Eröffnungsfest „Ganz Berlin tanzt auf Tempelhof“ konnte man in diesem Sinn als eine gelungene Geste erleben. Doch was danach folgte, zeugt von Problemen, die zusammengenommen die Existenz der Volksbühne als Theater infrage stellen, da die neue Leitung die beschworene Gründungsformel offenbar weder verstanden hat noch umzusetzen gewillt war. Oder vielleicht doch anders programmiert ist. Diese Volksbühne ist kein Repertoiretheater mit laufendem Spielbetrieb mehr, und ein Ensemble existiert ebenso wenig. Natürlich haben wir inzwischen etliche Male hören müssen, wer sich alles verweigert habe und dass es nicht möglich gewesen sei, dieses oder jenen aus der Vorgänger-Volksbühne in einen regelmäßigen Spielplan aus alten und neuen Produktionen zu übernehmen. Das hat sich aber von...

Zur Situation an der Berliner Volksbühne

Was kommt nach Dercon?

Etikettenschwindel

„Emre“ is not amused

Ich arbeite gern

Derman sendedir

Gründung einer Akademie der darstellenden Künste in München

Die Stress-Knoten auflösen

Die wenigsten Menschen haben gerne eine Windkraftanlage vor ihrer Haustür. Nun hätten sicherlich auch die wenigsten gern ein Atomkraftwerk im Vorgarten. Oder ein Kohlekraftwerk hinterm Haus. Oder einen Staudamm an der Stelle, wo sich einst ein Dorf im Tal befand. Doch trotz schlechterer Alternativen hat man Windräder meist nicht gern. Allerdings werden sie benötigt, selbst wenn das Landschaftsbild dann durch die mit Blinklichtern versetzten, Baumwipfel überragenden Rotoren nachhaltig verändert wird. Um auch die letzte Shoppingmall, in Bau befindliche Flughäfen oder das mit weihnachtlichen Glitzerdekorationen überzogene Einfamilienhaus Tag und Nacht in voller Illumination erstrahlen und auch die letzte Werbung noch über einen Bildschirm flimmern zu lassen, müssen Lebenswelten zerstört werden. Wir würden allerdings nicht im Kapitalismus leben, wenn nicht jede Zerstörung auch ein lohnendes Geschäft wäre. So auch in Unterleuten. Dieses Dorf, in der brandenburgischen Ostprignitz gelegen, soll durch einen Windpark der Firma Vento Direct beglückt werden. Die lockt mit Profiten für Privatpersonen, die ihr Land zur Pacht bereitstellen, und Gewerbesteuer für die überschuldete Kommune, außerdem Investitionen in Kindergärten und Freibier für Dorffeste. Wo die öffentliche Fürsorge am Boden liegt, das Gemeinwesen verendet, beginnt die Zeit der Hyänen. An Unterleuten lässt sich exemplarisch der Zerfall der Gesellschaft zeigen. Für das Deutsche...

Deutsches Nationaltheater: „Unterleuten“ (UA) von Juli Zeh in einer Bühnenfassung von Jenke Nordalm und Beate Seidel. Regie Jenke Nordalm, Bühne Katrin Busching, Kostüme Vesna Hiltmann

Weimar: Zeit der Hyänen

Ein bisschen Dreckigkeit ist dabei

Maxim Gorki Theater: Pygmalion in Yeezys

Gegen Gewalt ohne Ende

Radikale Ästhetik der Befreiung

Wenn ein Festival 16 Tage dauert und das Ende einige Glücksfälle bereithält, neigt man dazu, über die holprigen Anfänge den Mantel des Schweigens zu breiten. Wenn das Gedächtnis alles streicht, was keinen intellektuellen, emotionalen oder ästhetischen Widerhall gefunden hat, bleibt schließlich immer noch genug übrig. Wie etwa Marta Górnickas stupend choreografierte Chorarbeit „Hymne an die Liebe“, die die hässliche Fratze des wachsenden Nationalismus in (Ost-)Europa irritierenderweise auf die diversesten Gesichter schockzaubert (siehe auch Stückabdruck TdZ 10/2017). Oder die einzigartige Melange aus Pedanterie und Anarchie, mit der der junge Belgier Louis Vanhaverbeke in „Multiverse“ mit dem, was andere auf die Müllhalde werfen, eine einzigartige Schöpfungsgeschichte erzählt, unzählige selbstgebaute Plattenteller kreisen lässt und selbst im Kreis rennt, als gelte es sein Leben. So schaurig konsequent wie die „Hymne“, so lustvoll verspielt wie „Multiverse“ war keine andere Produktion beim Münchner Spielart-Festival, das in diesem Jahr gespickt war mit unbekannten Namen und theatralen Diskursen der Selbstverortung, wobei man „theatral“ oft in Klammern setzen musste. Nicht so allerdings bei Lola Arias’ Versuch, den Irrwitz des Falklandkrieges anhand der Lebensgeschichten von sechs Veteranen zu verdeutlichen. Sie lässt in „Minefield“ ihren Experten des Alltags Zeit, sich beim gemeinsamen Erinnern bis an die ideologischen Gräben heranzuwagen, die sie...

Das Spielart-Festival in München war gespickt mit Diskursen der Selbstverortung und hatte vor allem in seinem Südafrika-Schwerpunkt ein Vermittlungsproblem

Denn wir wissen nicht, was sie tun

Dominic Huber mag Räume, die sich mit der Zeit verändern, die sich durch Bewegung erst konstituieren. Der gelernte Architekt hat dies in eigenen Performanceräumen und in Zusammenarbeit mit dem Regisseur Bernhard Mikeska entwickelt und gemeinsam mit Rimini Protokoll auf eine komplexe Höhe geführt. Gegenwärtig baut er am Schauspielhaus Zürich für „Weltzustand Davos (Staat 4)“ von Rimini Protokoll (Premiere am 12. Januar) in einem ovalen, eishockeyfeldähnlichen Raum das Weltwirtschaftsforum Davos nach, entwickelt ebenfalls in Zürich für den Regisseur Sebastian Nübling einen Catwalk mit angeschlossener Sweatshop-Arbeitswelt („Sweatshop – Deadly Fashion“, Premiere Mai 2018) und transferiert für die Produktion „No Sex“ des japanischen Regisseurs Toshiki Okada die Atmosphäre von Tokios Love Hotels und Karaokebars in die Münchner Kammerspiele (Premiere April 2018). Es sind Räume, die völlig unterschiedlich aussehen, die auch unterschiedlich bespielt werden. Mal klassischer Guckkasten („No Sex“), mal in das Zuschauerfeld hineingreifende Bühnenerweiterung („Sweatshop“), dann wieder ein offener, durch eine 360-Grad-Projektionsbande unendlich in die Welt erweiterter Raum („Weltzustand Davos“). Dennoch schafft sie der gleiche Künstler, und er schafft sie nach einer bestimmten Logik. Fragt man Stefan Kaegi von Rimini Protokoll, welches das wichtigste Tool seines Bühnenbildners Dominic Huber ist, dann platzt aus ihm heraus: „Seine Excel-Tabellen.“ Das sind „komplexe Strukturen, die aus...

Dominic Hubers begehbare Bühnen sind komplexe Gebilde, in denen hinter jeder Tür eine neue Begegnung auf den Zuschauer wartet

Raumbildner der vierten Dimension

Dmitrij Gawrisch – Ariane Koch

Premieren / Januar 2018

Open Table: All in

Den Ethos des Anderen wahren

Theater Marie: Coming of Age mit Glitzer und Karaokenight

Armin Kerber ist ein erfahrener, vielseitiger Theatermann. Doch in der Spielzeit 2017/18 wird er noch mehr als sonst zu einem Navigator, der das Theaterschiff durch anspruchsvolles Gewässer steuert. Kerber, seit 2016 Programmleiter des Kurtheaters Baden, lotst nicht nur durch das Angebot aus Sprechtheater, Oper und Tanz, sondern auch durch die Festivals Griechischer Herbst (mit sieben Theater- und Tanz-Gastspielen sowie einer eigenen Premiere) und Orientalischer Frühling (mit vier Produktionen). Längere Pausen zwischen den Vorstellungen gibt es nicht, denn in die nur von Oktober bis März dauernde Saison wird viel gepackt. Das über sechzig Jahre alte, marode Theater wird im Frühling 2018 geschlossen, um saniert und erweitert zu werden. Die Wiedereröffnung ist für Ende 2019/20 geplant. Das ist Zukunftsmusik; vorerst geht die von Armin Kerber konzipierte Kurtheater-Spielzeit über die Bühne. Im Abstand weniger Tage folgen zum Auftakt acht Inszenierungen, die sich zwischen griechischer Antike und griechischer Gegenwart bewegen – und so durchmessen wir 2500 Jahre Theater- und Kulturgeschichte im Eiltempo: von Euripides bis Nikos Kazantzakis’ Romanheld Alexis Sorbas; von den antiken Mythen bis zur Dokumentation der aktuellen Krise. Der Schweizer Burgschauspieler Roland Koch erzählt die Sorbas-Geschichte mit griechischen Musikern; der Grieche Akillas Karazissis erinnert sich an seine Jugend, als er sich dem...

Im Aargauer Baden wird der Blick vom Ursprung zur Zukunft der europäischen Idee gewagt – Die Festivals Griechischer Herbst und Zukunft Europa

Krise und Kreativität

Auf den Inseln jenseits der Zeit sei keine Zuflucht zu finden, sagte der Kritiker vor zwanzig Jahren, immer das weiße alte Hotel am Hang der Insel vor Augen, den Seeblick, die Terrasse, die lava-artigen Blütenfälle der Bougainvilleen. Alle Stunde kommt ein Schiff, das letzte legt gegen 19 Uhr ab, dann bleibt die Insel in einem beruhigten Leben zurück und kühlt ab. Etwas Ermattendes geht von ihr aus. Die Pagen lungern, die Portiers haben über den Papieren die Hände zusammengelegt. Die Erinnerung steht noch an der Schleuse, durch die sie einmal ging. Zwanzig Jahre später nimmt sich der Kritiker ein Zimmer auf der Insel und sieht seine Wünsche nur noch in der Vergangenheit erfüllt, nicht aber in der Gegenwart. Leise tritt er auf die Veranda und schaut auf das Marmarameer. „Merkwürdig, dass wir untereinander nie vom Gärtner sprachen. Wir hatten die Zeit so eingestellt, dass eine Sache nur einem von uns widerfuhr. Wir glaubten, die dunklen Gefühle, die an die Oberfläche stiegen, kaum dass der Gärtner auftauchte, stießen nur uns selbst zu, jeder wich dem Blick des anderen aus und schaute in die Ferne“, schreibt Sema Kaygusuz in ihrem Buch „Schwarze Galle“, das 2013 in der Übersetzung von Sabine Adatepe auf...

Reisebüro Rinck: Prinzeninsel vor Moloch-Tapete

Anthropozänes Theater zwischen Diskurs und Praxis

Open Table: Queering Identity and Art

Endlich eine richtig gute Wende

Das Recht des Stärkeren

„Heute wissen wir es. Heute fassen wir diesen Sommer nicht und die Heiterkeit, mit der wir ihn erleben konnten.“ Mit diesen Sätzen beginnt Hans Schweikarts Novelle „Es wird schon nicht so schlimm!“, die er 1945 kurz nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs schrieb. In der Erzählung erinnert der ehemalige Intendant der Münchner Kammerspiele an das deutsch-jüdische Schauspielerehepaar Meta und Joachim Gottschalk. Unter dem massiven Druck der Nationalsozialisten nahmen sich die beiden 1941 mit ihrem Sohn das Leben. 1947 machte Kurt Maetzig aus dem tragischen Stoff einen Filmerfolg. Dann galt der Text als verschollen, bis ihn Carsten Ramm wiederentdeckte. Auf der kleinen Bühne im Bürgerzentrum Hexagon hat der Bruchsaler Intendant das literarische Kleinod in Szene gesetzt. Im vergitterten Angstraum voller Fotografien, den Timo Schwarz geschaffen hat, träumen sich die Schauspieler in den dunklen Fluss des Erinnerns hinein. Zwischen altmodisch gerahmten Familienfotos und vergilbten Künstlerporträts hängt ein Türschild „Juden unerwünscht“. Ein normales Leben gibt es für die Menschen in Ramms Uraufführung nicht mehr. Wie in einem Albtraum verzerrt Nadine Pape Klänge auf ihrer Geige. Denn immer stärker frisst sich Angst in die Köpfe der Künstler hinein. Nach der Machtübergabe wurden jüdische Künstler an den Theatern verdrängt, die Nationalsozialisten sprachen Berufsverbote aus. Die...

Badische Landesbühne: „Es wird schon nicht so schlimm!“ (UA) von Hans Schweikart. Regie Carsten Ramm, Bühne Tilo Schwarz, Kostüme Kerstin Oelker

Bruchsal: Der dunkle Fluss des Erinnerns

Elfriede Jelineks überragender Erfolg als Bühnenautorin beruht weniger auf der literarischen Qualität ihrer Texte oder gar auf der Originalität ihrer politischen Analyse als darauf, dass ihre Partituren einen geradezu unendlichen Spielraum an Realisationsmöglichkeiten aufmachen – ausdrücklich mit Lizenz der Autorin. Diese reichen vom braven Oratorium an der Rampe über das Singspiel bis hin zum blasphemischen Gottesdienst – all das hat es schon gegeben. Jelineks Landsmann Philipp Preuss hatte nun am Theater an der Ruhr eine ganz spezielle Idee. In Jelineks jüngstem Werk „Am Königsweg“ geht es offenbar um einen vulgären Usurpator deutscher Provenienz, der in Amerika Wurzeln geschlagen und es sogar, man höre und staune, zum ersten Mann im Staat gebracht hat; seinen Namen bringt die Autorin nicht über die Lippen. Nennt er sich am Ende gar König Ubu? Der ist zwar Franzose bzw. Pole und wurde bereits vor gut hundert Jahren von einem gewissen Alfred Jarry ins Leben gerufen, doch seine Ähnlichkeit mit jenem Potentaten springt ins Auge. Noch lässt der Amerikaner seine vielen Gegner, soweit bekannt, nicht durch Falltüren in Kerker oder gleich ins Jenseits befördern, aber Lust hätte er dazu schon. Also! „König Ubu“ ist eine Paraphrase (oder Übermalung) des „Macbeth“, allerdings mit dadaistischem Furor in die...

Theater an der Ruhr: „König Ubu # Am Königsweg“ von Alfred Jarry und Elfriede Jelinek. Regie Philipp Preuss, Ausstattung Ramallah Aubrecht

Mülheim an der Ruhr: Der Könich und das heilige Ei

„Is my future all in the past“

Es ist ein verbreitetes Prinzip in der Schweiz, Situationen, Rechtslagen und insbesondere die Außenrolle der eigenen Nation zum Einzelfall zu deklarieren. Einen solchen müsse man jeweils gesondert behandeln und vor allgemeingültigen Aussagen bewahren. In diesem Sinne ist das Zürcher Theater am Neumarkt seit über fünfzig Jahren eine urschweizerische, weil ureigene Bühne. Das kleinere der beiden städtischen Sprechtheater zeigt im zweiten Geschoss eines Altstadthauses ein Repertoire, wie es nur ein kleines,...

Am Zürcher Theater Neumarkt haben Peter Kastenmüller und Ralf Fiedler erfolgreich einen dritten Weg gefunden – zwischen Sprechtheater und Aktionskunst sowie Establishment und freier Szene

Politik und Ironie

Die Industrialband Laibach ist eine Theaterinstitution: ob als Theaterband für Wilfried Minks’ „Macbeth“-Inszenierung auf der Bühne des Deutschen Schauspielhauses in Hamburg 1987, als Begründer des „NSK-Staates“, zu dessen Territorium sie unter anderem die Berliner Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz zu Beginn der epochalen Intendanz Castorf erklärte, oder als Komponisten der Bühnenmusik für „Die Macht der Finsternis“ in der Regie von Sebastian Baumgarten am Düsseldorfer Schauspielhaus 2012 – um nur einige Stationen der theatralen Vergangenheit der Gruppe zu nennen. Laibach sind eng mit dem internationalen, aber auch dem slowenischen Bühnengeschehen verknüpft. 2016 etwa stand Laibach als Teil von Matjaž Bergers Inszenierung von „Also sprach Zarathustra“ am experimentellen Anton Podbevšek Teater (APT) in Novo mesto wieder auf der Bühne. Eine Studioversion der Theatermusik liegt seit letztem Jahr vor. Laibach und Nietzsche? Das wirkt wenig überraschend. Und doch verblüfft die Musik durch eine für Laibach ungewöhnliche Ruhe und Melodik. Wenig martialisch, ja nahezu poetisch kommt die Vertonung ausgewählter Passagen aus Friedrich Nietzsches Dichtung daher. Der Minimalismus, der Verzicht auf eine donnernde musikalische Götzendämmerung, die erwartbar gewesen wäre, ist klug. Nichtsdestotrotz bleibt beim Hörer der Eindruck, es hier nur mit einem Beiwerk zu tun zu haben. Allzu gerne würde man die Deutung des Textes durch die...

Laibach: Also sprach Zarathustra. Mute Records, CD (53:10 min)

Der Mensch als Übergang und Untergang

Crip-queere Kompliz:innenschaft in Theater und Wissenschaft

Theater Münster: Selbstfindungstripp mit Hexenbegleitung

Open Table: Uncanny Valley

Einen Band voll von eigenwilligen Lektüren und brillanten Ideen gibt es jetzt endlich auf Deutsch: Freddie Rokems vor sieben Jahren erschienenes Buch „Philosophers and Thespians“ liegt unter dem Titel „TheaterDenken“ nun in der Übersetzung vor, wobei der doppelsinnige Untertitel „Thinking Performance“ zum Haupttitel geworden ist. Rokem, Professor emeritus für Theaterwissenschaft an der Universität Tel Aviv, errichtet darin Wegmarken für ein Gelände, das sowohl Theaterschaffende als auch die Philosophie für sich beanspruchen: den Bühnenraum des Denkens. Er geht diesem Interesse zunächst in einem ersten Teil mit der Untersuchung von vier „Begegnungen“ nach, die ihn von Platons „Symposion“ über Shakespeares „Hamlet“ (und dessen „Mausefalle“) zum Briefwechsel Nietzsche-Strindberg und schließlich zur Kafka-Diskussion von Walter Benjamin und Bertolt Brecht führt. Diese letzte „Begegnung“ wird dann zur Schwelle für den zweiten Teil, in dem in zwei „Konstellationen“ an einer Skizze für Denken und Theater im Deutschland des Zweiten Weltkriegs gearbeitet wird. Rokem zeichnet eine Szene von Unfällen und Katastrophen, von Drohungen, aber auch von Versprechen für eine künftige Zeit. Und dann endet sein Buch abrupt, mitten in den Erläuterungen zu Benjamins „Denkbildern“. Die drei Punkte am Ende des allerletzten Absatzes weisen darauf hin, dass es mehr zu sagen gäbe: von da, wohin sich das europäische...

Freddie Rokem: TheaterDenken. Begegnungen und Konstellationen zwischen Philosophen und Theatermachern. Neofelis Verlag, Berlin 2017, 287 S., 26 EUR.

Wegmarken des Denkens

Das Stück hat es in sich. So wie die Dramen von Simon Stephens vor einigen Jahren in ihrem angelsächsischen Selbstbewusstsein gezeigten haben, welche Konflikte in psychologisch-realistischen Dramen noch eruierbar sind, so nachhaltig wirkt das sinistere Drama von Árpád Schilling und Éva Zabezsinszkij. „Erleichterung“ ist der unmittelbaren Gegenwart abgehorcht, in der vermehrt „christliche Werte“ als Kampfansage gegen alles Mögliche, aber vor allem für die eigene Ruhe und Sicherheit heraufbeschworen werden. Schilling hat in Éva Zabezsinszkij die ideale Koautorin für seine Theaterarbeit gefunden. Im Dialog entwickeln sie Figuren und Geschichten gemeinsam. „Den Text schreibe ich zu 90 Prozent“, sagt Zabezsinszkij im Interview mit Übersetzerin und Dramaturgin Anna Lengyel. In einer österreichischen Kleinstadt wollen Bürger das bestehende Asylheim auflösen zugunsten eines neuen Sportzentrums mit Barrierefreiheit. Ein scheinheiliges Manöver von Rechtspopulisten, wie man sich denken kann. Doch noch viel tiefer und perfide versteckt sitzt diese Scheinheiligkeit auch in der linken Bürgermeisterstellvertreterin Regina, die das Asylheim selbst mit aufgebaut hat und es verteidigt, indem sie vorgibt, dass ihr die dort untergebrachten Menschen, frisch verlobte Paare und schwangere Frauen, ans Herz gewachsen sind. Das Stück geht in Thriller-Manier nahe heran an den Bobo-Haushalt der Politikerin und verortet – Schilling beruft sich da auf sein Vorbild Rainer...

Landestheater Niederösterreich: „Erleichterung“ (UA) von Árpád Schilling und Éva Zabezsinszkij. Regie und visuelles Konzept Árpád Schilling

St. Pölten: Die Scheinheiligkeit des Gutmenschentums

Detmold: Theaterautorin Henriette Seier gewinnt den Christian-Dietrich-Grabbe-Preis

Speculative Thinking: Komponieren im Metaverse

Was macht das Theater, Andrea Krauledat?

Beste Stücke

Deutsche Oper Berlin: Als Neuland ein Gewinn

1956 stirbt Brecht in Ostberlin. Im selben Jahr erscheint in Frankfurt am Main die „Theorie des modernen Dramas“: Dissertation des Mittzwanzigers Peter Szondi. Gegen seinen reaktionären Zürcher Lehrer Emil Staiger verfasst, zeichnet die Studie Dramenals Konfliktgeschichte und richtet sich so gegen die vorgeblich unpolitische, in Wahrheit tief in den Faschismus verstrickte Germanistik. Nach Szondi ist es im 19. Jahrhundert vorbei mit der „Absolutheit“ des Dramas: seiner Form als „absoluter Gegenwartsfolge“, die auf eine Zukunft gerichtet ist und dem Dialog vertraut. Ein „erzählerisches Ich“ wird entdeckt. Diese neue „Episierung“ führt das Drama in eine Krise: Ibsen lässt seine tatenlosen Figuren wie ein Romancier ihr Innerstes aussprechen und daran sterben; Tschechows Dialoge sind Parodien, weil in den Stücken die zwischenmenschliche Begegnung kein Glück mehr verspricht. In der Studie werden vor allem „Lösungsversuche“ aus dem 20. Jahrhundert untersucht. Entscheidend ist Brecht, denn anstatt neue Inhalte in alte Formen zu pressen, nimmt er es mit seiner Zeit auf und macht die Selbstentfremdung des Menschen zum Formprinzip seiner Werke. Was Brecht für Szondi ist, ist Heiner Müller für Kai Bremer. In seiner Habilitation „Postskriptum Peter Szondi. Theorie des Dramas seit 1956“ versucht Bremer die berühmte Studie fortzusetzen und zu erweitern. An Müllers Werk (und zahlreichen...

Kai Bremer: Postskriptum Peter Szondi. Theorie des Dramas seit 1956. transcript Verlag, Bielefeld 2017, 302 S., 39,99 EUR.

Wo sind meine Dialoge?

Frank Castorf, mit Victor Hugos Roman „Les Misérables“ bleiben Sie am Berliner Ensemble Ihrer Liebe zu dicken Romanen aus dem 19. Jahrhundert treu. 1862, im Erscheinungsjahr des Romans, notieren die Brüder Goncourt in ihrem Tagebuch, es sei „amüsant“, dass Hugo 200 000 Francs, ein enormes Vermögen, damit verdiene, „dass man das Elend der unteren Volksschichten bemitleidet“. Ist das zynisch oder einfach gut beobachtet, oder ist es beides? Man kann offenbar viel Geld damit verdienen, das Elend zu beschreiben und journalistisch oder in Hollywood zu verwerten. Aber deshalb nicht über die Armut zu schreiben würde auch niemandem helfen. Die Brüder Goncourt waren Bluthunde der Reaktion, man erinnere sich an ihre berühmten Sätze über die Pariser Kommune, jeden der Aufständischen müsste man einzeln durch die Straßen zu Tode schleifen. Sie waren absolut reaktionär, trotzdem waren sie in der Lage, die Attraktivität großer Literatur, ihre Widersprüche, die sich im Einzelnen widerspiegeln, sehr genau zu beschreiben. Fast zur gleichen Zeit wie Hugo verfasst Balzac seine bissigen Gesellschaftsromane, von denen Marx sagt, Balzac sei vielleicht Royalist, aber niemand beschreibe den Zustand der französischen Gesellschaft besser als er. Er schreibt so viel wie kein anderer, um all die Seide, die Schulden und die Liebe zu bezahlen....

Frank Castorf über seine Romanadaption von Victor Hugos „Les Misérables“ am Berliner Ensemble und den Abschied von der Volksbühne im Gespräch mit Peter Laudenbach

Des Kaisers neue Kleider

Was macht das Theater, Jens Neundorff?

Was macht das Theater, Ilona Schaal?

Immer lichtärmer wird der Abend zum Ende. Trübes gelbes Licht ergießt sich aus einzelnen tiefhängenden Lampen über die Bühne. Der Nebel hat sich bis in den letzten Winkel des Zuschauerraums ausgebreitet. Befinden wir uns im Morgengrauen vor der Schlacht? Oder schon nach dem Kampf? Die hölzernen Kisten des Marktstandes sind umgestürzt, Obst und Gemüse liegen auf dem Boden. Eine Zigarrenmanufaktur befindet sich in der Villa mit schmiedeeisernem Balkon in Havanna, der Putz blättert schon ein wenig, an der Ecke des Gebäudes die Leuchtschrift Casino de Cuba, im Schaufenster ein Porträt von Che Guevara, dahinter ein Wachturm aus Holz und ein Gitterzaun. Wie alle Bühnen von Aleksandar Denic ist auch diese bis ins letzte Detail stilisiert, geradezu in Geschichte versenkt. Und wie sich beim Kupfer im Kontakt mit Sauerstoff die Patina bildet, eine Ablagerung der Zeit, so wirken auch die Denic-Bühnen, als wären sie schon einmal benutzt gewesen, in einer anderen Zeit, als hätte sich in ihnen etwas abgelagert. Das ist das Gegenteil der Ästhetik des Cleanen, der sauberen spiegelnden Oberfläche, die der Gegenwart so gut gefällt, weil alle banalen Epochen auch narzisstische Epochen sind. Wie immer geht es bei Frank Castorf um Geschichte. Und wie kein anderer Regisseur hat er...

Berliner Ensemble: „Les Misérables“ nach Victor Hugo. Regie Frank Castorf, Bühne Aleksandar Denic, Kostüme Adriana Braga Peretzki

Berlin: Im Nebel der Geschichte

Polarisierung und Positionierung

Gegenzauber

Blick in die Zaubermaschine

Partitur der Geräusche

Im Rahmen des vom Theater Basel initiierten Schweizer Förderprogramms Stück Labor wurden seit 2011 bereits zwanzig Hausautorenstellen an renommierten Schweizer Theaterhäusern ermöglicht. Die dabei entstandenen Texte wurden allesamt unter professionellen Bedingungen uraufgeführt und regulär im Spielplan gespielt. Das hier abgedruckte Stück „Island. Als Freunde sind wir erbarmungslos“ von Gornaya feierte am 21. September 2017 Premiere am Konzert Theater Bern, „Das Recht des Stärkeren“ von Dominik Busch wird am 18. Januar 2018 am Theater Basel uraufgeführt. Seit der Saison 2017/18 kooperiert das Stück Labor erstmals auch mit einem Westschweizer Theater, dem POCHE / GVE in Genf unter der Direktion von Mathieu Bertholet. Aktuell arbeiten im Stück Labor am Theater Basel Joël László, am Konzert Theater Bern Anna Papst und am POCHE / GVE Marina Skalova an neuen Theatertexten. Gornaya <a href="https://tdz.de/artikel/3f5f6c01-7d55-4476-ab73-2d66579b6e00">Zum Interview</a> | <a href="https://tdz.de/artikel/11b67b5e-ba46-432a-9ed1-10f7f59ed7aa">Zum Stück</a> Dominik Busch <a href="https://tdz.de/artikel/18ff3eb1-ee54-4735-bc9c-4ec29a6a4b1b">Zum Interview</a> | Zum Stück

Gornaya – Dominik Busch

„Es war einmal … ich, ich, ich!“ Mit diesem Ausruf egozentrischer Maßlosigkeit beginnt das diesjährige Weihnachts- und Familienstück am Theater Oberhausen. In Serkan Salihoglus Adaption von Hans Christian Andersens Märchen „Die Schneekönigin“ treibt die Protagonistin, eine dürre, fast geisterhafte Puppe, deren Gesicht so bleich wie ein Totenschädel ist, nicht nur Splitter ihres Spiegels in die Augen und Herzen der Menschen. Ihr eisiges „Ich“ verbreitet ein Klima sozialer Kälte. Kein Wunder also, dass sie es ausgerechnet auf den kleinen Kay abgesehen hat. Schließlich verbindet ihn eine so enge Freundschaft mit dem Nachbarsmädchen Gerda, dass beide niemals eigene Interessen über die der anderen stellen würden. Erst als sich ein Splitter aus dem Spiegel der Schneekönigin in seinem Herzen festsetzt, wird Kay zum Egoisten und damit blind und fühllos für andere. Und so muss Gerda in Salihoglus poetischer Inszenierung, in der Schauspiel und Puppentheater Hand in Hand gehen, mehr als nur ihren Freund retten. Ihre Reise in den hohen Norden ist auch eine Mission im Namen einer Welt, in der nicht jeder nur an sich denkt. Serkan Salihoglus „Schneekönigin“ ist eine wundervolle Anomalie. Wann hat schon einmal ein Weihnachtsstück den Geist eines Theaters derart gewandt und zugleich so spielerisch-leicht gespiegelt? Das „Wir“, für...

Unter dem neuen Intendanten Florian Fiedler baut das Theater Oberhausen auf kollektive Strukturen – und setzt auf Dialog

Der Traum vom großen Wir

Unter Beobachtung

Oh my God, sie haben den Präsidenten erschossen! Der Schauplatz ist Dallas, Texas, das Datum der 22. November 1963. Ein trauriger Tag für die Nation. Ein Tag der Verwirrung für die Freundinnen Larissa, Alicia und Mimmi, die aus je eigener Perspektive auf die Geschehnisse an der Elm Street blicken. Reporterin Liv Split dagegen erlebt ihre journalistische Sternstunde – bis sie selbst ins Fadenkreuz der Ermittler gerät. „Der Tag, an dem Kennedy ermordet wurde und Mimmi Kennedy Präsidentin wurde“ heißt diese Trash-Extravaganza mit Seifenopern-Einschuss. Ausgedacht hat sie sich der Regisseur Dennis Seidel. Der hat eine geistige Behinderung und eine überbordende Fantasie, die Pedro Almodóvars kitschaffine Melodramen ebenso heranzitiert wie diverse verschlungene Film-noir-Plots. Ein wichtiger Part fällt einer kommunistischen Barbiepuppe zu. Gezeigt wird „Kennedy“ als Gastspiel im Berliner Theater Thikwa im Rahmen des Festivals No Limits. Seidel, Mitglied der Hamburger Kompanie Meine Damen und Herren, war hier schon 2015 vertreten, mit seiner Solo-Performance „Ordinary Girl“. Auch die wilderte munter durch Travestie und Soap – und forderte ein nichtbehindertes Publikum auf, die eigene Skepsis hinsichtlich der künstlerischen Autonomie von behinderten Performern zu überprüfen. Mit der Infragestellung von Ironiefähigkeit, Autorschaft und Schauspielvermögen von Menschen vor allem mit geistigen Einschränkungen hat das inklusive Theater ja...

Theater ist kein Wettrennen

Assoziationen

Theater

Schauspielhaus Zürich

Neuerscheinungen im Verlag