Ein Bett. Daran gelehnt ein Gehstock. Am Fußende des Bettes steht ein Rollator, am Kopfende ein Rollstuhl. Ein älterer Mann liegt im Bett auf dem Rücken und schaut vor sich hin. Er sagt Ja ziemlich kurze Pause ja dann na dann na dann wieder ein Tag Kurze Pause Wieder ein Tag ziemlich kurze Pause wieder ein Tag wieder ein Tag ziemlich kurze Pause ja wieder ein Tag Pause. Legt sich auf die Seite und schaut vor sich hin. Schließt die Augen, fast murmelnd Wieder ein Tag Pause Fragend Ein Tag wofür Und warum bin ich so früh aufgewacht Dabei ist schlafen so gut Schlafen ist das Schönste Und dann bricht ab. Kurze Pause. Er öffnet die Augen Schlafen einfach schlafen schlafen schlafen schlafen Pause Aber früher da hatte ich eine Hoffnung ziemlich kurze Pause ja ja hatte ich ja eine Hoffnung ziemlich kurze Pause fragend aber jetzt ja hab ich jetzt irgendwelche Hoffnungen Kurze Pause Jedenfalls hätte ich gern welche ziemlich kurze Pause ja wenigstens das ich hab nicht aufgegeben absolut nicht Fragend Aber irgendwelche Hoffnungen Ziemlich kurze Pause Hab ich Hoffnungen Ziemlich kurze Pause Nein nein vielleicht nicht oder ziemlich kurze Pause ob ich ja wenn ich eine Hoffnung...

Slik var det. Aus dem Norwegischen von Hinrich Schmidt-Henkel

„So ist das“. Monolog

Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Hamburger Marathon

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Der Materialergründer

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Ich sitze gerne in meinen eigenen Premieren. Nicht weil ich eine abgebrühte Regisseurin bin, wie mir bereits von einem Kritiker unterstellt wurde, sondern weil ich mich im Beisein des Publikums von einem Stück und einem Probenprozess, einer gemeinsam verbrachten Zeit, verabschieden möchte. Die Premiere ist gleichzeitig Anfang und Ende. Sie ist ein Schwellenmoment. Mir fällt es schwer, in großen Gesten als kollektives Wir zu sprechen. Die Frage zu beantworten, warum wir das Theater brauchen. Aus diesem Grund spreche ich lieber für mich und warum ich das Theater brauche. Also zurück zur Premiere: Genau genommen, zu meiner letzten Premiere am Schauspiel Köln, der deutschsprachigen Erstaufführung von „Kim Jiyoung, geboren 1982“ von Cho Nam-Joo, im Oktober 2023. Zu genau dem Moment, in dem ich wieder einmal gespürt habe, warum ich das mache, was ich mache, und warum ich das Theater brauche, um weiterzumachen. Der 2016 erschienene, oben genannte Roman, der in trockener, nüchterner und faktischer Sprache das gewöhnliche Leben einer durchschnittlichen Südkoreanerin beschreibt, löste eine regelrechte Kontroverse in seinem Ursprungs- sowie Nachbarland Japan aus. Mittlerweile wurde er in zahlreiche Sprachen übersetzt und weltweit millionenfach verkauft. Verdientermaßen gehört er mittlerweile zu den international bekannten südkoreanischen Bestsellern und Cho Nam-Joo zu den etablierten südkoreanischen...

In unserer TdZ-Serie schreiben Theatermacher:innen über innere Antriebe, gesell­schaftliche Bedingungen und künstlerische Motivationen

Serie: Warum wir das Theater brauchen #09

Reaktion als Emanzipation

Einzeln führen die vier Performer:innen ihr Publikum in den Saal. Man sitzt auf einem Stuhl mit Platz um sich herum, trägt einen Kopfhörer, aus dem Musik und Stimmen kommen. „Grusel“ heißt das neue Stück von Hannah Biedermann, eine Koproduktion des Dortmunder Kinder- und Jugendtheaters mit ihrem eigenen Label pulk fiktion. Wer sich traut, schließt die Augen. Dann fragt jemand: „Möchtest du einmal einer Hexe die Hand geben?“ Dann fühlt man etwas Kaltes, Glitschiges, Knochiges. Theater für alle Sinne, aber auch eine ­Reflextion der Angst. Das ist typisch für Hannah Biedermann. Sie verbindet ein – hier im wahrsten Sinne des Wortes – zupackendes Theater mit Diskursen. Wovor haben wir eigentlich Angst? Und warum? Die Fragen werden gestellt. Sogar die Nachrichten brechen kurz ein in die Aufführung. Außerdem ist „Grusel“ Theater, das sich explizit an Menschen mit Seh­beeinträchtigungen wendet. Das Stück funktioniert auch perfekt als Live-Hörspiel. Hannah Biedermann, vierzig Jahre alt, ist ausgebildete Schauspielerin. Aber bekannt wurde sie als Regisseurin im Kinder- und Jugendtheater, die keine Scheu vor komplexen Themen und Ästhetiken hat. Sie fordert ihr Publikum, gleich welchen Alters, nimmt es ernst, arbeitet für Stadt- und Staatstheater und mit ihrer Gruppe pulk fiktion in der Freien Szene. Der Tabori Förderpreis war...

Hannah Biedermann, eine der prägenden Regisseurinnen des Kinder- und Jugendtheaters, im Gespräch

Angenehm unbequem

Nach der Premiere von „Das Wintermärchen“ in Freiburg sind Sie nach Israel zurückgekehrt. Wie ist die Situation für Sie zuhause in Tel Aviv? Sind Sie unmittelbar vom Krieg betroffen? Yair Sherman: Absolut. In vielerlei Hinsicht. Hamas-Raketen werden auch auf Tel Aviv geschossen. Jeden Tag, manchmal mehr als nur einmal, gibt es einen Alarm. Egal, wo wir gerade sind, müssen wir uns dann sofort in den nächstgelegenen Bunker begeben. Können Sie unter diesen Umständen arbeiten? YS: Im Moment sind alle Theater geschlossen und wir wissen nicht, wann sie wieder öffnen. In den meisten Theatern finden noch Proben statt, aber es gibt keine Vorstellungen. Aus Sicherheitsgründen, aber nicht nur deshalb. Viele Leute sind tief verletzt und verstört – physisch, emotional und finanziell. Viele werden in die Armee einberufen und lassen ihr Zuhause, ihre Angehörigen und Tagesgeschäfte zurück. Schauspieler:innen und andere, die im Theater arbeiten, werden einberufen. Sie alle fehlen jetzt. Ich bin mir gar nicht sicher, ob Leute jetzt ins Theater gehen würden. Vielleicht später. Alle sind in einem tiefen, tiefen Trauma. Das fühlst du sofort. Als ich nach Israel zurückkam, war es nicht mehr das Land, das ich für die Arbeit in Freiburg verlassen hatte. Du fühlst das auf der Straße,...

Der israelisch-amerikanische Regisseur Yair Sherman über seine Shakespeare-Inszenierung in Freiburg und die Situation in Israel im Gespräch mit Elisabeth Maier und Thomas Irmer

Ich weiß keine Antwort

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Kompositionsprinzip Collage

Von oben bis unten ist er in Erbsenstroh eingewickelt, der Erbsbär. Manche geben ihm ein „e“ extra, damit der Name sich besser aussprechen lässt, dann ist er ein „Erbesbär“. In einer kleinen thüringischen Stadt also tritt der Erbesbär in doppelter Besetzung auf – alljährlich im Oktober zur Kirmes, „Kirmse“ heißt das hier. Die zwei jungen Männer werden ab sieben Uhr in der Frühe eingewickelt, von Fuß bis Kopf, auch das Gesicht muss verdeckt sein. Wenn das Wickeln fertig ist, sind sie zwei riesige Ungetüme in einem Pelz aus Stroh, in wilde Tiere verwandelt. Und wie wilde Tiere wird jeder von ihnen von einem Bärenführer an einer Kette durch den Ort geführt. Der Bärenführer aber schlägt, um ihre Ankunft anzuzeigen, auf einen blechernen Topfdeckel, der den Bären am Hintern festgebunden ist. Und dann öffnen sich in diesem Ort plötzlich Fenster in Häusern, die an allen anderen Tagen des Jahres verschlossen scheinen. Der Erbesbär macht die Menschen, die im Dorf leben, für die Dauer eines Blasmusikständchens sichtbar. Manche Dörfler kommen auch heraus auf die Straße und begleiten die Erbesbären und die Ortskombo ein kürzeres oder längeres Stück. Die Bärenführer sammeln in jedem Haus Geld ein, viel muss es nicht sein, Hauptsache, es...

Hier schreiben unsere Kolumnist:innen, die Schriftstellerinnen Jenny Erpenbeck und Kathrin Röggla und der Schauspieler Burghart Klaußner, monatlich im Wechsel.

Der Erbesbär

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Das größte Drama in Georgien spielt sich derzeit wohl auf der politischen Bühne ab. Die Kaukasus-Republik bezeichnet sich gern als „Balkon Europas“. Seit langem bemüht sich das Land daher um den Status eines EU-Beitrittskandidaten. Derzeit allerdings hat man – angesichts des zunehmend russlandfreundlichen Kurses der Regierung – eher den Eindruck, Georgien rücke wieder weiter weg von Europa. Diese Entwicklung war auch bestimmendes Thema beim Tbilisi International Festival of Theatre, das im Herbst in der georgischen Hauptstadt stattfand. Das machte auch Theaterregisseur Data Tavadze bei seiner Eröffnungsrede des Georgian Showcase deutlich, in dem sich die Theaterszene des Landes ausländischen Gästen präsentierte. „Georgiens Kultur ist in Gefahr!“, so Tavadze, der auch einem deutschen Publikum dank Gastinszenierungen unter anderem in Berlin und Frankfurt am Main bekannt ist. Die mit Russland sympathisierende Regierung Georgiens strebt nicht nur ein Amtsenthebungsverfahren gegen die eigene, weiterhin EU-freundliche Staatspräsidentin an. Auch unliebsame Museumschefs, Theaterintendanten und andere Kunstschaffende in leitenden Positionen wichtiger Kultureinrichtungen wurden zuletzt reihenweise durch linientreue Funktionäre ersetzt. Das Theaterfestival von Tbilisi selbst ist dem ideologischen Umbau vorerst noch entgangen. Weite Teile des Programms stellten daher so etwas wie den Versuch dar, der regierungskritischen Zivilgesellschaft eine Stimme zu geben. Ist man in Tbilisi unterwegs, sieht man an...

Ein Showcase in Tbilisi erzählt von der Zerrissenheit Georgiens

Jetzt ist alles politisch

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

Die Zeiten werden turbulenter, aber der Ideenreichtum nimmt zu. Das Theater am Rand arbeitet mittlerweile mit neuen Regisseur:innen und schickte die aktuelle Neuproduktion „Rudimentär | Die Marmeladenesser“ auch von der Oder in den ländlichen Raum Sachsen-Anhalts. „Für uns ist es wichtig, jüngere und neue Leute zu holen und neue Kooperationen einzugehen“, sagt Almut Undisz, Geschäftsführerin des Theaters am Rand. Die alten Heroen Thomas Rühmann und Tobias Morgenstern sind mit eigenen Produktionen zwar noch immer am Haus. Aber nach internen Konflikten, die sich mit dem <a href="https://tdz.de/artikel/a8cf5739-eaa9-4e88-8ed9-e3f497af3edc">Streit um die Vergabe des Bundesverdienstkreuzes</a> an die beiden entzündeten (TdZ 1/22), gehen sie künstlerisch getrennte Wege. Sich anderen Akteuren zu öffnen, macht für das Theater also Sinn. Den Anfang machte der Berliner Regisseur Benjamin Zock. Im Doppelabend „Rudimentär | Die Marmeladenesser“ erkundet er das häusliche wie das gesellschaftliche Elend und operiert mit zahlreichen Gegensatzpaaren. Schon die Autoren selbst liefern einen starken Kontrast. August Stramm war Kriegsfreiwilliger und kam 1915 in den Weiten des heutigen Belarus um. Hans Henny Jahnn ging hingegen als Kriegsdienstgegner nach Norwegen. Ihre Texte sind komplementär zueinander. Stramms „Rudimentär“ malt ­bitterböse den nicht gelingenden Suizid eines Berliner Unterschichtspärchens aus. Denn das Gas, das das Leben nehmen soll, ist wegen mangelnder Abschlagszahlungen längst...

Das Theater am Rand im Oderbruch erweitert seine Horizonte

Stabilisiert und auf Tour im ländlichen Raum

Sechs Schauspieler gleichsam als Zauberlehrlinge: Die Geister, die sie riefen … Es waren jene aus der Staatsoper Hannover, wo zu Jahresbeginn ein renommierter Choreograf und Ballettchef einer ebensolchen Tanzkritikerin Exkremente seines Dackels ins Gesicht schmierte, weil sie ihn wiederholt deutlich verrissen hatte (diesmal für eine Arbeit in Den Haag). Beider Namen sind hinlänglich bekannt und werden in der Aufführung, die nun also darauf rekurriert, niemals ausgesprochen. Dieser Abend erzählt vom Scheitern: dieses Abends. Zugleich entziehen sie sich damit gewissermaßen dem medialen Druck, den sie selbst provozierten. Das Theaterhaus Jena, wo sie ihre Stücke stets selbst entwickeln und ein Ensemblerat künstlerische Entscheidungen aushandelt, spielt den skandalösen Vorfall nicht nach. Vielmehr spielt es mit ihm und noch mehr mit dem Nachdenken darüber: und zwar auf eine – wie von diesem Haus im Grunde zu erwarten – ganz unerwartete Art und Weise. Nachdem dem Theaterhaus in thüringischer Provinz bereits vor der Premiere und erst recht mit ihr gelungen war, was, wie wir hören werden, eine Idee dahinter war – nochmal überregionale Aufmerksamkeit und Strahlkraft zu generieren – treten sie vor Publikum und Presse jetzt einfach nur zur Lesung an. Sechs Stühle, sechs Mikrofone, dahinter eine Leinwand. Von Bühnenbild keine, von Kostümen zunächst kaum...

„Die Hundekot-Attacke“ von Pina Bergemann, Nikita Buldyrski, Henrike Commichau, Linde Dercon, Leon Pfannenmüller und Anna K. Seidel sowie Hannah Baumann – Regie Walter Bart, Kostüm Carolin Pflüger, Choreografie Edoardo Cino

Theaterhaus Jena: Des Dackels Kern

Es ist eine Reise in die eigene Kindheit, es ist übergriffig, manipulativ, es ist verstörend und toxisch, aggressiv, verführerisch, sollte mit mehreren Trigger-Warnungen versehen werden, und es ist im allerbesten Sinn: Theater. Ein Theater ohne Zuschauer und Zuschauerinnen, eines, in dem die vierte Wand zu einer hauchdünnen Folie wird zwischen Ensemble und Publikum. SIGNA hat wieder zugeschlagen. Und wer schon immer Scheu vor Mitmachtheater hatte, wird hier bestätigt. Man kann das Konzept albern finden, man kann wie durch einen 3D-Horrorfilm wandern. Oder man beginnt, sich zu erinnern. Beginnt, Muster der eigenen Kindheit freizulegen, Vergessenes, Verschüttetes. Das Erstaunliche am dänisch-österreichischen Kollektiv um Signa und Arthur Köstler: Dieses ungeheuer aufwendige und akribisch durchdachte Konzept mit seiner performativen Eins-zu-Eins-Betreuung verwandelt einen. Man geht nicht als Betrachter durch eine Zauberwelt, sondern ist mit dem eigenen Körper, der eigenen Lebenserfahrung dabei. Wenn man sich einlässt. Und der Autor dieser Kritik möchte das. Damit ist es eine doppelte Position. „Das 13. Jahr“, auf einem ehemaligen Industriegelände in Hamburg. Nachdem man alle Handys und Aufnahmegeräte abgegeben hat – zwei Kritikerinnen mit Schreibblock werden verpflichtet, so zu tun, als kritzelten sie in Schulhefte –, sitzt man in einem nüchternen Warteraum. Stimmung: aufgeregt, nervös, bei SIGNA weiß man ja...

Die emotive Installation von SIGNA am Schauspielhaus Hamburg

Das unheimliche 13. Jahr

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Was für eine Art von Theater es nach dem Krieg in Israel geben könnte, haben wir den Regisseur Yair Sherman (auf dem Titel) am Ende eines längeren Video­gesprächs gefragt. Eskapistische Komödien, Stücke für Trost und Trauer oder Patriotisches und Politisches? Man müsse erstmal herausfinden, was genau die Menschen fühlen und wie das zu verarbeiten ist, so Sherman in seiner Wohnung in Tel Aviv. Noch Wochen nach dem Angriff vom 7. Oktober stehen alle unter Schock. Sherman war gleich nach der Premiere seiner Inszenierung von Shakespeares „Wintermärchen“ am Theater Freiburg nach Israel zurückgekehrt. Die Kinder- und Jugendtheater verändern sich. Sie werden offener, machen mehrsprachige Angebote und führen schon die Jüngsten in Projekte ein. Der Test für Kinderstücke, so die Regisseurin und Autorin Hannah Biedermann, die seit längerem zu den gefragten Größen der Szene gehört, sei bekanntlich, wenn sie auch für Erwachsene gut funktionieren. TdZ-Redakteur Stefan Keim hat Biedermann für den Schwerpunkt dieser Aus­gabe interviewt, zu dem ein Report über das Programm des Theaters der Jungen Welt in Leipzig gehört (übrigens eines der ältesten Kinder- und Jugendtheater Deutschlands) sowie eine Einschätzung der Arbeit des Jungen Ensembles Stuttgart nach einem Jahr unter der Leitung von Grete Pagan. Außerdem ein Gastbeitrag vom Kinder- und...

Editorial

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Auf und hinter der Bühne sind, während der Einlass läuft, gelb behelmte Blaumänner unterwegs. Einer kehrt stoisch von links nach rechts und wieder zurück. Solcher Anfang kündet vom Ende: dem einer dreijährigen Baustelle. Plötzlich: Licht aus, Spot an. Insgesamt bald drei Handwerker starren in Scheinwerfer und erstarren vor Publikum. Es sind Schauspieler, zwei Frauen darunter, die bald darauf als Tölpel und Trunkenbolde auftreten werden. „Hallo“, stottert einer. „Schön, dass Sie alle da sind im – Globe.“ Verlegenheits­pause. Dann plumpst nur noch ein Wort heraus: „Shakespeare!“ Nun also beginnt „Was ihr wollt“ – und zwar, textlich jedenfalls, mit König Lear in stürmischer Heide sowie mit Shakespeares „Der Sturm“. Der Narr, eine omnipräsent queere Randerscheinung (Nils Svenja Thomas) als Zentralfigur, die hier nicht allein der Gräfin Olivia angehört, sondern als Zeremonienmeister, Strandbarkeeper und Bühnenmusiker am Synthesizer all das kommentiert, was die Inszenierung nicht zu erspielen vermag, stellt den Schiffbruch vor Illyrien gleichmal in den Zusammenhang eines größeren Menschheitsdramas. Es wird dann aber doch „Was ihr wollt“ daraus: achtbar in der Form, um zeitgemäße Frische bemüht in den Verkleidungs- und (Geschlechter-)Rollentauschspielchen, in denen Subjekte der Liebe mit Objekten der Begierde leicht zu verwechseln sind, mit einem routinierten Ensemble, in dem niemand abfällt oder...

Das Globe Coburg eröffnet mit Shakespeare, ist aber kein Shakespeare-Theater

Etikettenschwindel

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Die Bühne ist eine riesige Rennbahn mit Kurven. In dem abschüssigen Raum bewegen sich die Spielerinnen und Spieler. Im urbanen Tanztheater „Aus der Kurve fliegen“, das Grete Pagan inszeniert hat, überwinden sie Ängste. In der Bewegung zur Techno-Musik sprengen sie eigene Grenzen. Sie bäumen sich auf gegen den Stillstand. Die Saiten der E-Gitarre vibrieren. Trommelklänge bestimmen den Takt. Das Licht bricht. Knapp ist die Sprache, die Sätze sind aufs wesentliche reduziert. Dann kämpfen zwei der Akteure miteinander, als gehe es ums Überleben. Das spannende ästhetische Konzept Grete Pagans, die seit September 2022 Intendantin des Jungen Ensembles Stuttgart ist, hat es in der Kategorie „Inszenierung für ein junges Publikum“ auf die Liste der Nominierungen für den Deutschen Theaterpreis DER FAUST geschafft. Damit setzt Pagan, die in Hamburg Musik- und Theaterregie studiert hat, die Tradition des JES fort, künstlerisch innovatives und anspruchsvolles Theater für die junge Generation zu machen. Sie hat die Stuttgarter Bühne über ein Praktikum kennengelernt. Die langjährige Intendantin Brigitte Dethier, die inzwischen als freie Regisseurin an großen Bühnen in Deutschland und der Schweiz arbeitet, ist glücklich, dass so die Kontinuität des Hauses gewahrt bleibt. Zum Abschied vom JES, das sie 2004 gegründet hat, um „eine zeitgemäße Struktur für das...

Das Junge Ensemble Stuttgart begeistert mit zukunftsweisenden ästhetischen Konzepten Kinder und Jugendliche fürs Theater

Die Stadtmusiktiere träumen vom Frieden

Pling. Das Handy klingelt: Push-Nachricht zu bevorstehenden Kürzungen im Kulturbetrieb. Kürzungen der Freiwilligendienste. Kürzungen in der Kulturellen Bildung. Pling. Politische Bildung soll im kommenden Jahr auch Kürzungen erfahren. Theater für junges Publikum findet nicht im luftleeren Raum statt: Theater und freie Produktionen sind verstärkt mit größeren Mittelkürzungen für Kunst und Kulturelle Bildung konfrontiert. Das trifft einen Bereich, der bereits zuvor unterfinanziert war, nun werden die Bedürfnisse von Kindern und Jugendlichen auch nach über drei Jahren Pandemie nicht ernst genommen. Wie positioniert sich Theater für ­junges Publikum also für die Rechte von Kindern und Jugendlichen? Wie kann es ihnen Zugänge zu künstlerischen Erfahrungen öffnen, Beteiligung ermöglichen und Impulse für gesellschaftliche und politische Diskussionen geben? Wie kann es dazu beitragen, dass Kinder und Jugendliche Diversität, Teilhabe, Identitäten und Ungleichheiten selbst- und diskriminierungskritisch, respektvoll und ohne Angst vor Fehlern miteinander verhandeln? Da haben wir gleich mal im ersten Absatz eine ganze Menge Begriffe reingeworfen. Das können wir gut: Begriffe irgendwohin werfen. Wir schreiben aus der Perspektive von weißen Personen, die im Kontext von ASSITEJ e.V. und KJTZ Netzwerkarbeit (oh, Pling Pling, das Netzwerk meldet sich) für Künstler:innen und Akteur:innen der Darstellenden Künste für und mit jungem Publikum machen. Wir möchten Menschen in...

Kurznachrichten aus der Welt für junges Publikum

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Am Ende spielen ein paar der Erinnyen „Nothing else matters“ von Metallica instrumental mit E-Gitarren. Über ihnen thront Athene und hinter ihr ist der blau schimmernde Erdball in einer riesigen Projektion zu sehen, bis er im Videotrick immer kleiner wird und schließlich ganz im Weltall verschwindet. Ein beeindruckendes Schlussbild mit emotional aufgeladener Deutungsoffenheit. Am Anfang von Aischylos’ Trilogie steht die Nachricht vom Sieg der Griechen über Troja, die vielleicht die früheste Schilderung einer Signalübertragung durch Feuerzeichen ist und daher für die Geschichte von Nachrichtenmedien von Belang. Insofern ist dieser Bogen vom Krieg in Troja hin zum Verschwinden des Planeten eine große Klammer, die Regisseur Martin Nimz für den vierstündigen Abend setzt, der mit zwei langen Pausen gegliedert ist. Maximilian Gehrlinger hat als Wächter die Signale zu empfangen und zu berichten, was danach mit der Heimkehr des Agamemnon die große Mord- und Vergeltungsgeschichte in Gang setzt oder, in Kenntnis der Vorgeschichte, fortsetzt. Hier wird sie mit großer Klarheit in der fast schmucklosen Übertragung von Walter Jens aufgeführt, was eben auch schon für das erkennbare Ziel der Inszenierung spricht: für Text und Figuren alles deutlich zu machen und mögliche Bezüge zu unserer Zeit entdecken zu lassen. Die Bühne von Emilia Schmucker ist...

„Die Orestie“ von Aischylos – Regie Martin Nimz, Bühne Emilia Schmucker, Kostüme Michaela Barth, Chöre/Musik Matthias Flake

Mecklenburgisches Staatstheater Schwerin: Demokratie oder Weltall

Sweet Dreams?

Spielräume sind, anders als der Name es suggeriert, keinesfalls Räume der Offenheit. Vielmehr sind sie – als Spiel im klassischen Sinne der Brettspiele, Sportspiele und Games mit Konsole oder Touchscreen – definiert durch Regeln. Erst diese Begrenzung wiederum schafft Raum für kreative Entscheidungen. Der Zusammenhang von Begrenzung und Kreativität war für Tim Sandweg, den Künstlerischen Leiter der Berliner Schaubude, Ausgangspunkt für das Oberthema „Spielräume“ des traditionsreichen Objekttheaterfestivals Theater der Dinge 2023. Insgesamt 14 Produktionen wurden gezeigt, darunter sieben deutsche Erstaufführungen. Die Bandbreite reichte von der skurrilen französisch-kanadischen Performance mit Klebeband, Besen und Stimme „Scoooootch“ über den Brettspielabend „Eutopia“, bei dem es um das Zusammenleben von Mensch, Tier, Pilz und Pflanze ging, bis zur vor allem aus Flammen und Objekten gestalteten Performance „Z Popela / Aus der Asche“. Bei letzterer faszinierte vor allem die entschleunigte Bewegung, die beim Verbrennen entstand. Ein Projektionslicht wurde auf kleine, brennende Objekte gehalten. Auf der Rückwand erschienen die Silhouetten dieser Objekte, die sich infolge der zehrenden Kraft des Feuers in immer neue Gestalten verwandelten. Zu denen entwarfen die Assoziationsapparate der zuschauenden Augen und Hirne ganz eigene Narrationen. „Z Popela“ hatte auch viele Längen; das Projekt der tschechischen Gruppe Erorr Cult war mehr Versuchsanordnung als abendfüllendes Ereignis....

Das Festival Theater der Dinge erobert in Berlin neue sowie in Vergessenheit geratene Räume

Vielfalt durch Begrenzung

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Der Titel liegt voll im Trend. Barbie, die superschlanke Puppe aus den USA, hat Generationen von Mädchen geprägt. 2023 kam Greta Gerwigs „Barbie“-Filmhit auf den Markt. „Barbie or not to be“ nennt der Regisseur Peter Staatsmann, Intendant des Zimmertheaters in Rottweil, seine neue Stückentwicklung, die jetzt in der kleinen Bühne im alten Kaufhaus am Friedrichsplatz Premiere hatte. Die weibliche Kultfigur aus der Spielzeugfabrik mit Shakespeares jungem Helden Hamlet zu verknüpfen, das klingt richtig spannend. Allerdings bewegt sich die Regie von Staatsmann, dessen große Stärke das politische Theater ist, diesmal zu sehr in Parallelwelten. Das Bühnenbild ist ein echter Hingucker. Mit rosa Plüsch, weißen Wolken und einer übergroßen Barbie-Imitation hat Katharina Piriwe einen Raum geschaffen, der die Schweinwelt der Puppen in eine mutige Farbkomposition übersetzt. Krass im Gegensatz dazu hat der Berliner Maler Ruprecht Dreher ein Hintergrundgemälde geschaffen, das die wirre Welt des Dänenprinzen Hamlet repräsentiert: „Die Zeit ist aus den Fugen.“ In diesem starken Setting bewegen sich drei Schauspieler:innen, die um das Interesse des Publikums buhlen. In einem Film, den das Zimmertheater in Zeiten der Pandemie in Berlin gedreht hat, spricht Schauspielstar Samuel Finzi über das Leben ohne das Theater. Was hat dieses Gedankenspiel mit Barbie zu tun? Diese Frage...

 „Barbie or not to be“ von Peter Staatsmann (UA) – Regie Peter Staatsmann, Bühne und Kostüme Katharina Piriwe, Musik Dorin Grama

Zimmertheater Rottweil: Barbie im Irrgarten der Theatergeister

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Festival der Besessenen

So geht das doch nicht, mag man noch denken. Und dann: geht es doch. Obwohl die Schießbudenfiguren selbst, die sie uns im Nürnberger Schauspielhaus vorstellen, nur sehr wenig gehen in diesen siebzig Minuten. Eher verschieben sie sich untereinander und bewegen sich ansonsten auf der Stelle. Wo sie sich befinden sollen, wird uns brühwarm zugetragen: im „Gastzimmer einer Wirtschaft“. Tatsächlich befinden sie sich aber in einer Jahrmarktsbude, die uns ein Panoptikum kahlköpfiger mechanischer (Sex-)Puppen in Reihe und in Latex präsentiert: eine Wirtin und sechs Stammgäste sowie das schöne Paar. Die Mechanik quietscht, die Gelenke knarzen, jede Bewegung federt nach. Nach Hieben fallen die Figuren nach hinten aufs Trampolin und springen zurück. Lauter Stehaufmännchen. Sie leben im Automaten, ihr Leben verläuft mithin automatisch. Da hat jemand eine Form gefunden, die eine Distanz schafft und eine Künstlichkeit. Nur, dass beide längst im Schwabischen zu Hause sind: in Werner Schwabs vielfach beschriebener singulärer Sprache als Motor aller seiner sechzehn Dramen. Es ist zum Beispiel die Distanz einer Figur, die nicht „ich“ sagen kann, sondern von „meiner Person“ spricht, die auch sonst nicht redet, wie ihr der Schnabel wuchs, sondern grotesk bildungshubernd ihre Bildungsferne überspielt oder zu kompensieren sucht. Das knüpft an Ödön von Horváths...

Rieke Süßkows Inszenierung „Übergewichtig, unwichtig: Unform“ am Staatstheater Nürnberg dreißig Jahre nach dem Tod von Werner Schwab

Die Bühne kaut und verdaut

Disappearing Birdie Coonan

Hier hängen Stoffbahnen von der Decke, dort riecht es nach Bier, wenige Räume weiter tanzt eine Wolke aus Papierfliegern sacht auf und ab. Die dazugehörige Performance, in der Pankaj Tiwaris Kindheitstraum vom Fliegen mit der Flugscham privilegierter Europäer kollidiert, habe ich dank des Starkregens am letzten Spielart-Wochenende verpasst. Dabei war die von Boyzie Cekwana zusammengestellte Reihe „Nothing to Declare“ besonders auf die Gunst des Wettergottes angewiesen, denn zwischen den Hallen auf dem Münchner Kreativquartier gibt es keinen Unterschlupf und keinen Ort, an dem man sacken lassen kann, was einem gerade streng protokollarisch über den Aufstand gegen Südafrikas Native Beer Act von 1908 erzählt oder über die (Ohn-)Macht der Bergbauarbeiter:innen im selben Land vorgetanzt worden ist. Allenfalls kann man sich im PATHOS Theater in eine „Bisetka“ setzen und mit einem Künstler der Gruppe fachbetrieb rita grechen die besondere Form der Öffentlichkeit simulieren, die in Armenien durch spontane Schachduelle entsteht. Es ist ein unfassbar kleinteiliger Irrgarten glokaler junger Kunst, der das 15. Spielart-Festival beschließt. Die bewusst skizzenhaft angelegten Lectures, Kürzestperformances und Installationen offenbaren das Spielart-Dilemma in a nutshell! Allein am letzten der 16 Festivaltage hält das Programm 21 Optionen bereit. Wer soll das alles sehen, geschweige denn verdauen, zumal der von der...

Das internationale Münchner Spielart Theaterfestival mit Produktionen, die politisch und ästhetisch herausstechen

Kongolesische Skelette und eine Holzpuppe im Identitätsdschungel

Es ist die 141. Spielzeit dieses Theaters, und die erste mit einer Intendantin. Iris Laufenberg folgt auf <a href="https://tdz.de/artikel/425dfc1e-d437-41e1-9a36-8861498bc634">Ulrich Khuon, der das Theater 14 Jahre lang</a> mit dem breitesten Spielplan aller Hauptstadttheater positioniert hatte. Nun ist die erste Premierenserie über die drei DT-Bühnen gegangen und die Eindrücke können etwas sortiert werden. Was gar nicht so leicht ist, denn die Amplitude zwischen Hochinteressant! und Was war das denn jetzt? ist verwirrend groß. Manchmal sogar innerhalb eines Abends. Eröffnet wurde mit „Weltall Erde Mensch“, laut Untertitel einer „unwahrscheinlichen Reise von Alexander Eisenach und Ensemble“. Wahrscheinlich war der Plan, hier das neu gemischte Ensemble in einer vierstündigen Uraufführung mit philosophisch diskursivem Anspruch auftreten zu lassen. Das ist gründlich schief gegangen. Schon die Anleihe des Titels bei dem DDR-Jugend­weihe-Buch, in dem die Zukunft der sozialistischen Menschheit mit populärwissenschaftlichen, für die 1950er und 60er Jahre ­typischen technikoptimistischen Artikeln ausgemalt wurde, ist in der Rückschau auf den Abend schon der erste Fehlgriff. Jedoch einer ohne große Folgen, denn das zehnköpfige Ensemble steht erstmal nur mit seltsamen Kunststoffhaarschöpfen auf dem Kopf und dem Buch in der Hand für eine Plauder-Ouvertüre an der Rampe. Dann hebt das Raumschiff Theater ab, als das der Autor-Regisseur Eisenach seinen Wirkungsort <a href="https://tdz.de/artikel/47368177-2a71-492d-b82e-ccc6c0d49c3e">auf diesen...</a>

Der Neustart am Deutschen Theater Berlin lässt noch keine Richtung erkennen

Auftakt mit Dellen

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

Ein eindrückliches Bild: Der Teufel kommt von unten, er entsteigt einer Bodenklappe auf der Bühne. Ein Malocher des Maschinenraums. Von unten auf: Das schillernd Böse hat Wurzeln im Untergrund – und ist im Gespräch mit Gott hoch oben. Dieter Franke als Mephisto im „Faust“ von Adolf Dresen und Wolfgang Heinz, 1968. Vom Himmel durch die Welt zur Hölle. Goethes Theater-Diktum darf als sinnfälliger Auftakt für dieses Buch stehen. Denn es beginnt dort, „wo das Theater die Geheimnisse verbirgt“, die sein Wesen und sein Wirken ausmachen. „Also steigen wir zunächst in die Unterbühne hinab: einen nach Staub und Arbeit riechenden Kosmos der Eisenträger, Hubvorrichtungen und Stromschaltkreise.“ So beginnt Esther Slevogt. Die Drehbühne des Deutschen Theaters: Anfang des 19. Jahrhunderts eine revolutionäre Technik, Berlin ist das „tosende Zentrum der Industrialisierung“. Das Theater wie alle Historie: Bewahrung und Bruch, Festschreibung und Richtungskampf. Slevogt erzählt in acht Kapiteln genau dieses Spannungsfeld. Die Biografie des Deutschen Theaters, von den acht­ziger Jahren des 19. Jahrhunderts bis zu den neunziger Jahren des zwanzigsten Säkulums: sehr konkret, sehr faktengesättigt, aber auch äußerst gleichniskräftig und spürsinnig für die innere Dramatik von Welt-, Landes- und Stadtgeschichte. Dieses stets besondere Haus in Berlin, Schumannstraße 13 a: Luftschloss der Träumer, Lustschloss der...

Kunst und Konflikte in sechs Staatswesen: Esther Slevogt hat eine spannende Geschichte des Deutschen Theaters Berlin geschrieben

Luftschloss und Trutzburg

Dass Jörg Jannings als Knabe hin und wieder auf dem Schoß des Generalfeldmarschalls Hermann Göring saß, davon hat er nur selten und wenigen berichtet, womöglich schauderte ihn diese Vorstellung selber sehr. Dass sein berühmter Onkel Emil Jannings, der als erster Schauspieler 1929 eine goldene Oscar-Statuette nach Deutschland brachte, ihn – seinen kleinen Neffen Jörg – ob eigener Kinderlosigkeit sehr liebte und viel Zeit mit ihm verbrachte – davon erzählte der Hörspielregisseur Jannings in reiferen Jahren bei Gelegenheit. Dann konnte die Rede auch auf Spritztouren im Automobil in die Schorfheide kommen, nach „Carinhall“ – Görings Jagdresidenz und Kunstdepot, wobei Jörg sich als Vorschulkind viel mehr von den an Görings Seite laufenden jungen Löwen begeistern ließ als von den gigantischen Modelleisenbahn-Platten, die der Reichsjägermeister in Dachgeschoss und Souterrain seines elftausend Quadratmetern Wohnfläche umfassenden Anwesens vorführte. Mit diesen Kindheitsepisoden im Nacken beginnt der im Berliner Westend 1930 geborene Jörg Jannings nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs seine künstlerische Laufbahn zunächst als Darstellereleve am Tiroler Landestheater Innsbruck, während sein Onkel am Wolfgangsee bis 1950 seine letzten trüben Lebensjahre unter einem von den Alliierten verhängten Auftrittsverbot verbringt. Nach Assistenzen bei der Bavaria in München geht Jörg Jannings 1953 nach Berlin ins DEFA-Dokumentarfilmstudio, wo er den...

Nachruf auf Jörg Jannings, Spezialist für Theatertexte im Hörspiel

Der Kind gebliebene Zweifler und Spieler

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

„Ticket gegen Kohle“ hieß es vor 77 Jahren an der Tür des Theaters der Jungen Welt (TdJW). Um das Haus während der Eröffnungsinszenierung „Emil und die Detek­tive“ zu beheizen, zahlten die Kinder ihren Eintritt mit dem wertvollen Brennstoff. Seit 1946 zog das älteste Kinder- und Jugendtheater mehrfach an neue Spielorte, Indentant:innen kamen und gingen und auch der „Emil“ verjüngte sich immer wieder. So tritt Pony Hütchen in der Neubearbeitung von Julia Brettschneider nun mutig, frech und eigenständig auf die Bühne. Zur Geschichte des Hauses gehört, dass es sich weiterentwickle und „young at heart“ bleibe, meint Winnie Karnofka. Seit der Spielzeit 2020/21 leitet die Intendantin das Theater am Lindenauer Markt in Leipzig, das seine Kraft seit jeher daraus zieht, dass es eigenständig für Kinder und Jugendliche produziert. Auf Jürgen Zielinski zu folgen, der das Haus 18 Jahre lang leitete und seine Strahlkraft über die Stadtgrenzen hinaus pflegte, war keine leichte Aufgabe. Nachdem ­Karnofka bereits sieben Jahre als Dramaturgin am TdJW gearbeitet hatte, wusste sie, was sie anders machen wollte. Mit dem Wechsel der Intendanz sollte sich das Haus von einer Hero-Führungskultur, mit leuchtendem Steuermann an der Spitze, zu einer theatralen Schwarmintelligenz entwickeln. Für diese Veränderung gab es kein Lehrbuch. Viel musste...

Wie das Theater der Jungen Welt in Leipzig mit seiner Intendantin Winnie Karnofka sein Angebot erweitert

Theatrale Schwarmintelligenz

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Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Sie sind gerade voll des Lobes für die ­politisch Verantwortlichen in Thüringen. Weshalb? JN: Wir sind hier extrem weit vorn, was die Absicherung unserer Theaterlandschaft betrifft. Sie reicht jetzt insgesamt bis Ende 2032. Das muss man erstmal so hinkriegen, mit 2,1 Millionen Einwohnern. Dass Kulturminister Benjamin-Immanuel Hoff und die Regierung das zusammen mit den kommunalen Trägern hinbekommen haben, muss man ihnen ganz hoch anrechnen. Ich weiß gar nicht, warum das überregional bislang so wenig wahrgenommen und nicht besser kommuniziert wird. Das Land gibt für zwölf Theater- und Orchesterbetriebe ab 2025 weit über hundert Millionen Euro aus. Derzeit sind es 83. Im ersten Jahr legt man drei Prozent mehr für Personalkosten drauf, in den Folgejahren jeweils 2,5 Prozent. JN: Thüringen lässt sich seine Theater etwas kosten, die Tarifsteigerungen können so anteilig aufgefangen werden. In Konstanz ging es gerade um eine vorerst abgewendete Zwanzig-Prozent-Kürzung. In Niedersachsen ist immer wieder von Sparmaßnahmen die Rede, in Sachsen schlagen Bühnen jenseits Dresdens wegen Tarifsteigerungen und Kostenexplosionen Alarm –, in Görlitz, Zittau oder Annaberg-Buchholz. Thüringen sollte beispielgebend sein für alle anderen Länder. Sie leiten zwei Extreme: In Meiningen das, neben Weimar, etwas kleinere Staatstheater mit vier Sparten, das längst Flächentarif zahlt, in Eisenach ein arg gebeuteltes...

Im Gespräch mit Michael Helbing

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Ein Mann mit Schnauzbart, Brille und Pullunder steht auf der Bühne. Er begrüßt das Publikum. „Herzlich willkommen“, sagt er mit leiser Stimme. „Mein Name ist Walter Kempowski und ich freue mich, dass Sie die Chronik meiner Familie aus dem letzten Jahrhundert mit mir teilen wollen.“ Kempowski hat sich in seinen Romanen „Aus großer Zeit“ und „Schöne Aussicht“ an der Geschichte seiner eigenen Familie orientiert. Seine „Deutsche Chronik“, veröffentlichte er zwischen 1971 und 1984, die Fernsehverfilmungen der Romane „Tadellöser &amp; Wolf“ oder „Ein Kapitel für sich“ große Publikumserfolge. Das Kleine Theater Bad Godesberg unternimmt nun einen auf vier Jahre angelegten Versuch, Kempowskis neunbändigen Romanzyklus wiederzubeleben. Als Erzähler führt Janosch Roloff als Wiedergänger des vor 16 Jahren verstorbenen Schriftstellers durch ereignisreiche Jahrzehnte, vom Beginn des Zwanzigsten Jahrhunderts bis in die Nazidiktatur. Der Großvater ist Reeder in Rostock, bis zum ersten Weltkrieg erscheint das bürgerliche Familienleben weitgehend sorgenfrei. Kempowskis Vater Carl reißt sich darum, an die Front zu gehen, obwohl er eigentlich noch zu jung ist. Die vielen verschiedenen Spielorte werden nur mit wenigen Requisiten angedeutet. Der ständige Rollenwechsel des neunköpfigen Ensembles verlangt viel Konzentration vom Publikum. Dennoch wirkt die Aufführung nicht überfordernd, wer aufpasst, kommt mit. Axel Schneider hat Kempowskis „Deutsche Chronik“...

 „Aus großer Zeit – Die Kempowski-Saga Teil 1“ von Walter Kempowski – Regie Volker Schmalöer, Bühne und Kostüme Lisa Moro

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Explodierendes Dokumentartheater

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Noch einmal Glückwunsch zum Nobelpreis an dieser Stelle. Haben Sie sich denn schon von dieser „Glückskatastrophe“ erholt, wie Sie es nannten, mit ein bisschen Abstand, aber der nun heran­nahenden Preisrede am 10. Dezember in Stockholm? Jon Fosse: Drei Wochen nach der Verkündung habe ich immer noch jeden Tag zehn Interviewanfragen, dazu Einladungen zu diesem und jenem in Norwegen und verschiedenen Ländern. Der Druck ist ziemlich groß, aber in gewisser Weise war ich all diese Anfragen und Einladungen in den Jahren gewohnt, als ich als ­Stückeschreiber auf dem Höhepunkt stand. Diese Zeit hat mich eines gelehrt, nämlich „Nein“ zu sagen. In einer Situation wie dieser ein sehr nützliches Wort. Wenn man den Monolog <a href="https://tdz.de/artikel/002d5e41-4ea1-4805-abb3-eb7c917e0a78">„So ist das“</a> liest, kommt einem ein Vergleich wieder in den Sinn, mit dem Ihre Stücke früher oft besprochen wurden. Bei diesem Text scheint jedoch der Bezug zu Beckett gerechtfertigt, insbesondere die Parallelen zwischen dem alten Maler und dem alternden Schriftsteller Krapp in „Das letzte Band“. Was beide verbindet, ist diese Rückschau auf die eigene künstlerische Arbeit, in einer Art selbstbewussten Verzweiflung. Können Sie mit solchen Parallelen etwas an­fangen? JF: Für mich ist diese Ähnlichkeit nicht offensichtlich. Es ist ein alter Mann, der auf sein Leben zurückblickt, Punkt....

Kinder- und Jugendtheater

Assoziationen

Person

Yair Sherman

Neuerscheinungen im Verlag