Wenn die angekündigten Kürzungen der Landeshauptstadt Dresden und die Einstellung der Förderung des Bündnisses der internationalen Produktionshäuser wie angekündigt ab 2025 eintreten, kann HELLERAU – Europäisches Zentrum der Künste in Dresden seine derzeitige Arbeit nicht mehr fortsetzen und das Profil des internationalen Ko- Produktions- und Gastspielhauses für zeitgenössische Musik und Performing Arts würde sich grundständig ändern. Die Arbeit des Hauses mit der regionalen Szene, mit internationalen Companies weltweit, mit Festivals und Themenschwerpunkten, mit einem international aufgestellten Residenzprogramm und mit neuen Formaten für Kinder und Jugendliche sowie verschiedene Stadtgesellschaften könnte so nicht mehr stattfinden. Auch der Fokus der Zusammenarbeit mit den Künstler:innen der mittel-osteuropäischen Nachbarländer müsste eingestellt werden. HELLERAU, wie es ist, gäbe es dann nicht mehr. Das berühmte Tischtuch, an dem man immer einen Zipfel zu einer Ecke zieht, oder der Gürtel, der (mal wieder) enger geschnallt werden muss – beides wäre dann gar nicht mehr vorhanden. Die Ursachen für diese neue Situation liegen nicht nur in den derzeitigen Krisen unserer Zeit und den schwierigen Haushaltslagen von Kommunen, Länder und Bund. Eine kurze historischstrukturelle Betrachtung. Rückblick Freie Künste in der DDR Die Freien Darstellenden Künste in Sachsen konnten sich politisch – anders als in der Bundesrepublik – erst mit dem...

Ein Lagebericht zum Produktionsund Gastspielhaus HELLERAU, eine Bühne der Landeshauptstadt Dresden

Totkürzungen drohen

Die Heterotopien erhalten

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

David ist eine stumme Rolle. Im Paratext des <a href="https://tdz.de/artikel/931d5ae7-5c13-448c-bd9f-7b6d3dfaf643">Stücks</a> steht: „In welchem Ausmaß David sich verhält (ob er sich überhaupt für uns erkennbar verhält), liegt im Ermessen der Inszenierung.“ Welcher Reiz liegt darin, die Gestaltung der zentralen Figur der Regie und dem Ensemble zu überlassen? Matthias van den Höfel: Ich glaube, was mich generell am Schreiben für die Bühne interessiert, ist, Herausforderungen zu stellen. Dilemmata aufzubauen, zu denen man sich irgendwie verhalten muss, die nicht eindeutig auflösbar sind, sondern zu denen man Positionen beziehen muss. Das ist auch in diesem Fall so. Bei der szenischen Lesung, die es von „Drinnen“ gab, wurde David nicht durch einen Menschen besetzt und auch in der Inszenierung in München wird er das wahrscheinlich nicht. Ich bin immer gespannt, welche Lösungen Leute finden. <a href="https://tdz.de/artikel/931d5ae7-5c13-448c-bd9f-7b6d3dfaf643">„Drinnen“</a> kommt in seiner Sprache nahezu alltäglich daher. Die Sprache soll bewusst „nicht groß, oft wie nebenbei“ sein. Welche Überlegungen haben den Klang des Textes geformt? MvdH: Theatertexte sind häufig voll von Figuren, die sehr offensiv für sich selbst eintreten und die alle Register der Sprache ziehen, um ihr Ziel zu erreichen. Mich interessiert in meinem Schreiben, welche Sprache Figuren zur Verfügung steht, welche Sprache sie sich erlauben, mit welcher Sprache sie...

Matthias van den Höfel über sein Stück „Drinnen“ und Sprache als Möglichkeitsraum im Gespräch mit Rebecca Preuß

Kleine Kosmen

„Aus unseren Feuern“ ist der Name einer selbstgebastelten Bombe, mit der Hobbysprengtüftler Karsten im gleichnamigen Roman das stillgelegte Leipziger Zentralstadion in die Luft jagen wollte. Um politischen Terrorismus geht es aber nicht in Domenico Müllensiefens 2022 erschienenen Debütroman, der jedoch wie eine Bombe gegen Schönrednerei über die aktuell mehr denn je beklagten Ausfälle der Wiedervereinigung zündet. Karsten und seine beiden Freunde Thomas und Heiko, im Buch die erzählende Hauptfigur, sind 1985 geboren und geraten in den Nullerjahren in den ostdeutschen Abstieg, den der Autor mit vielen Details der einzelnen Arbeitsmilieus erzählt. Der Schlachtbetrieb von Thomas’ Vater wird in die Insolvenz getrieben von einem, der nur „der Schalker“ genannt wird – die Firma Tönnies verklagt bekanntlich Kritiker. Tief taucht man in die Arbeitswelten von Heiko ein, der als Elektrikerlehrling zusammen mit seinen Ausbildern als Billigarbeiter nach Frankfurt am Main geschickt wird, dann wieder zurück in Leipzig als Pizzabote arbeitet, schließlich – wie der Autor selbst – in einem kleinen Bestattungsunternehmen anheuert, das ihn nach einem Vertrag mit einem Internetbestatter kreuz und quer durch die ganze Bundesrepublik hetzt. Leichen sind wie vorher Pizzen schnell zu erledigende Auslieferungsware, aber Heiko muss nun auch die Beerdigung seines rätselhaft verunglückten Freundes Thomas vorbereiten. Das alles,...

„Aus unseren Feuern“ von Domenico Müllensiefen, für die Bühne bearbeitet von Maik Priebe (UA) – Inszenierung Maik Priebe, Bühnen- und Kostümbild Susanne Maier-Staufen, Musik Ludwig Peter Müller, Video Daniel Wolff

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

<blockquote> Als Reaktion auf eine Recherche der Investigativ-Plattform Correctiv wurden im Frühjahr 2024 im ganzen Land Anti-Rechts-Demonstrationen veranstaltet. In Massen zieht es die deutsche Bevölkerung auf die Straßen, um Haltung gegen rechtsextreme Abschiebefantasien zu zeigen. Während aus der Recherche sogar ein Bühnenstück entsteht, geht ein Gute-Laune-Song auf TikTok viral. Die Geschwister Abena und Benjamin blicken aus Schwarzer Perspektive auf die Zeit zurück und träumen im Wahljahr von einer anderen Zukunft. </blockquote> A: Ich habe während dieser Zeit mitbekommen, dass die Demos bei von Rassismus betroffenen Menschen gemischte Gefühle ausgelöst haben. Auch wir beide sind Schwarz und in Thüringen aufgewachsen. Ich bin zum Studieren dortgeblieben, du wohnst mittlerweile in Berlin. Wie hast du die Zeit der Demos als Person of Color in der Großstadt wahrgenommen? B: Es war ermüdend. Generell haben viele Demos in Berlin die Aura einer zu groß geratenen Party oder Werbekampagne. Man kann es der Stadt nicht mal übel nehmen. Das ist der Deal, den man eingeht, wenn einen die Metropole aus der Provinz hervorlockt. Woche für Woche jagt ein Event das nächste. Das ist aufregend. D. h. aber auch, dass nach dem Klimaprotest ein Megakonzert stattfindet, und neben dem sympathischen Kunstflohmarkt hält nebenan vielleicht irgendein weißer Typ mit Dreadlocks...

Nach den Landtagswahlen und im Angesicht der aktuellen Regierungsbildung in Sachsen, Thüringen und Brandenburg laufen die Diskussionen über den Osten Deutschlands auf Hochtouren. Meist geht es dabei nur um eins: Wie viel rechts geht oder darf noch? Und damit verrutscht schon der Blick.

 In dieser Serie meldet sich die Generation Post-Ost zu Wort, also Menschen, die von der Herkunft aus Ostdeutschland, aber nicht mehr direkt durch die DDR geprägt sind, Leute aus den verschiedensten Theaterberufen sowie bereits renommierte Autor:innen und Journalist:innen.

Serie: Post-Ost

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Hamburger Marathon

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Nicolas Stemann und Andreas Karlaganis – unterschiedlicher hätten die Entscheidungen, wer die Schauspielhäuser in Bochum und Düsseldorf übernehmen soll, nicht ausfallen können. Ein profilierter Regisseur und ein Theatermanager, ein kantiger Typ und ein gut vernetzter und offener Dramaturg, der bisher überregional nicht besonders aufgefallen ist. Beide haben schwierige Jobs und treten in große Fußstapfen. Die Krise der öffentlichen Finanzen hat gerade erst begonnen, der Kampf ums Geld wird hart und heftig. Stemann folgt auf Johan Simons, der ein Jahr verlängert und nun bis 2027 in Bochum Intendant bleiben wird. Schon jetzt ist es eine Zeit der großen künstlerischen Erfolge für das Schauspielhaus mit einer Menge Einladungen zu internationalen Festspielen und auch zum Berliner Theatertreffen. Während Düsseldorf gerade vor allem beim Kartenverkauf extrem gut dasteht, einen perfekt austa- rierten Spielplan mit vielen Handschriften bietet und intellektuelles Niveau ohne abzuheben. Über 250 000 Karten wurden in der vergangenen Saison verkauft, das ist die beste Besucher:innenauslastung seit 35 Jahren. Nicolas Stemann erscheint rein künstlerisch betrachtet für Bochum eine logische Wahl. Als er Ko-Intendant in Zürich war, haben die beiden großen Häuser kooperiert und Inszenierungen ausgetauscht. Das ist eine Strategie für die Zukunft, weil es immer schwieriger wird, ein großes Publikum zu erreichen, und...

Düsseldorf und Bochum besetzen die Intendantenposten mit völlig verschiedenen Konzepten neu

Überraschende Berufungen

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Der Materialergründer

Die Nachricht von den Kürzungen durch die Stadt Dresden für HELLERAU – Europäisches Zentrum der Künste schlug wie ein Blitz ein. Gerade hatten wir in der letzten Ausgabe über die von Kulturstaatsministerin Claudia Roth verkündete Streichung der Förderung für das Bündnis internationaler Produktionshäuser berichtet, zu dem HELLERAU gehört. Intendantin Carena Schlewitt schrieb, nach einem Anruf lange nach Redaktionsschluss, eine ausführliche Darstellung dessen, was diese Doppelkürzung für ihr Haus und die Geschichte der Freien Szene insbesondere im Osten Deutschlands bedeutet. Zu lesen gleich auf den ersten Seiten dieses Heftes. Sehr viel länger geplant und vorbereitet war natürlich der Schwerpunkt zum amerikanischen Theater anlässlich der Präsidentschaftswahlen in den USA am 5. November. Was die Dramaturgin, Kuratorin und Künstlerin Theresa Buchheister in ihrem Porträt des New Yorker Performanceduos Julia Mounsey und Peter Mills Weiss nebenher erzählt, sind die geradezu aussichtslos verschärften ökonomischen Bedingungen für eine einst als New Yorker Avantgarde bewunderte Off-Off-Szene. Auch in Brooklyn, lange Zeit der Ausweichraum für die aus Manhattan verdrängten kleinen Theater mit Anspruch, geht mittlerweile nichts mehr. So ist es nicht überraschend, dass das Titelbild nicht aus einem der bekannteren Theaterorte in New York stammt, sondern aus einem Shop am Anleger der Staten Island Ferry, die bekanntlich an...

Editorial

Die Sorgen der kleinen Leute, was gehen die einen Theaterdirektor an? Es ist doch bei Weitem interessanter, darüber zu debattieren, wie Schillers Theater zu interpretieren ist, als mal genauer hinzusehen, was für ein Sozialdrama sich nebenan abspielt. So gesehen auf der Bühne des Greifswalder Theaters, genauer ­gesagt auf der Bühne des Ersatztheaters Kaisersaal, wo gerade Gerhart Hauptmanns „Die Ratten“ Premiere hatte. Der Kosmos einer ­Berliner Mietskaserne, in dem alle aneinander vorbeireden und jeder versucht, in dem sozialen Gebäude möglichst nicht noch eine ­Etage tiefer zu rasseln. Seit zwei Jahren ist das große Haus in Greifswald für eine Generalsanierung geschlossen. Nach mehr als 100 Jahren war das vielleicht wirklich mal dran, aber besser ein heruntergekommenes Theater als keins, denken jetzt auch viele, die die Schließung eigentlich wollten. Denn bis es die Interimsspielstätte Kaisersaal gab, hat es ein Jahr gar kein Theater gegeben. Schauspieldirektorin Uta Koschel aber verbietet sich und dem Ensemble weiteres Gemurre. „Wir gucken nach vorne, machen Theater, es nützt nichts, immer wieder aufzuzählen, was nicht geht“, sagt sie. Lutz Jesse aber, seit mehr als 40 Jahren hier Schauspieler – ein Auslaufmodell in der Branche –, bleibt der Abschied nicht im Kostüm stecken. Ja, sie haben gemüffelt, die Duschen im...

In Mecklenburg-Vorpommern gibt es ein UNESCO-Welterbe-Theater in der Landeshauptstadt und viele Probleme in der Peripherie

Schieflage in schöner Landschaft

Es wirkt wie eine queere Utopie: Verschlungene Gliedmaßen zwischen Seidenbettwäsche, unendliche Zärtlichkeit und Lust am Performen von Männlichkeit, Weiblichkeit und allem dazwischen. Am Ende der Inszenierung von Roland Schernikaus „Kleinstadtnovelle“ bleibt vor allem ein Gefühl hedonistischer Freiheit, das die 80er in Westberlin prägte. Dass es für den schwulen Kommunist nicht reichte sich einzurichten, ohne die Gesellschaft, in der er lebte zu verändern, verblasst an diesem sinnlichen Abend im Theater Magdeburg. Zum zweiten Mal inszeniert Florian Fischer den Text eines Magdeburger Autors am Theater der sachsen-anhaltinischen Landeshauptstadt. Während „Gas“ von Georg Kaiser in der Tradition des Expressionismus bildgewaltig auf der großen Bühne wirkte, entfalten sich die Zeilen des damals 19-jährigen Autors nun in intimer Runde. Verteilt in Sitzgruppen taucht das Publikum in die schwulenfeindliche Szenerie einer westdeutschen Kleinstadt ein, in der Protagonist b. seine ersten sexuellen Erfahrungen mit Männern macht. Der noch vor seinem Abschluss am Lehrter Gymnasium veröffentlichte Text Schernikaus erzählt eine antifaschistische Comig-Out Geschichte, in dessen Erzähler-Perspektive die Schauspieler:innen Anton Andreew, Nora Buzalka und Lorenz Krieger zu Beginn abwechselnd schlüpfen. Mit schmalem Oberlippenbart – „der pubertäre flaum, der erfolg hat“ – langem, lockigem Haar und divenhaftem Gestus soll besonders Krieger an Schernikau erinnern, dessen Figur sich immer wieder mit...

„Kleinstadtnovelle“ von Ronald M. Schernikau – Regie Florian Fischer, Bühne Sina Manthey, Kostüme, Video Cornelius Reitmayr, Musik Romain Frequency, Dramaturgie Bastian Lomsché

Theater Magdeburg: Freiheit im Schlafzimmerdunst

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Kompositionsprinzip Collage

Angstlos! Heimatlos?

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Es müssen Köpfe rollen

Was macht das Theater, Alexander Karschnia?

Das „Opfer Ophelia“, naiv liebend, unschuldig dem Wahn verfallen und im Wasser sterbend – diese Rollendeutung ist auf deutschen Bühnen längst ausgestorben. Selen Kara versucht nun am Schauspiel Essen eine Erzählung auf Augenhöhe. „Hamlet/Ophelia“ heißt ihre Inszenierung, die meist griffige Übersetzung von Angela Schanelec und Jürgen Gosch ist die Grundlage – (kleiner Einwand gegen die Textfassung „Ein Mensch sein oder nicht sein“, diese Übersetzung ist nicht nur eitler Quatsch, sondern verfälscht auch das Original, aber darum geht’s hier nicht in erster Linie) Ophelia bekommt mehr Text. Gleich zu Beginn steht die Schauspielerin Beritan Balci auf einer breiten, düsteren Treppe und erzählt die Vorgeschichte des Stücks. Dann übernimmt sie auch die Texte von Hamlets Vater, der seinem Sohn als Geist erscheint und ihn auffordert, Rache zu nehmen. Außerdem wirkt Ophelia überhaupt nicht verliebt, im Gegenteil, sie nimmt bewusst die Rollen ein, die Vater, Königin und Geliebter von ihr erwarten. Diese Frau hat ein klares Ziel: Sie will Hamlet heiraten, zum Königsmord anstacheln und selbst Queen werden. Wahrscheinlich hat sie alle Staffeln „Game of Thrones“ gesehen und gelernt, dass nur die Raffinierten überleben. Auf ihr Ende als Wasserleiche hat diese Ophelia erst recht keine Lust. Wenn es im Stück dazu kommt, verkündet...

„Hamlet/Ophelia“ nach William Shakespeare – Regie Selen Kara, Bühne Lydia Merkel, Kostüme Anna Maria Schories, Musik Thorsten Kindermann

Schauspiel Essen: Ophelia will nicht sterben

Während die Zuschauer:innen im Parkett noch ihre Plätze suchen, springt ihnen aus dem Wasser bereits ein riesiger Wal entgegen. Der Himmel hat sich pechschwarz verdunkelt, die See ist unruhig. Kontinuierlich brechen, ja krachen Wellen herunter. Darüber liegt der Schrei von Möwen. Der Wal, der hier zu Klängen von Sturm auf hoher See an die Leinwand des Schauspielhauses Düsseldorf projiziert wird, ist ein besonderer, es ist ein amerikanischer Mythos: „Moby Dick“. Der Regisseur Robert Wilson hat sich in seiner jüngsten Inszenierung den großen amerikanischen Roman von Herman Melville aus dem Jahr 1851 vorgenommen. Im Telefongespräch mit Volker Gebhart erläutert Robert Wilson vom Watermill Center in Long Island, New York, aus, wieso er sich für dieses überbordende und vielschichtige Werk entschieden hat, das eine so wichtige Rolle im amerikanischen Bewusstsein einnimmt. Der Künstler berichtet, weshalb er für seine Fassung der Geschichte um die Schiffscrew von Kapitän Ahab und seine obsessive Jagd auf den Albino-Wal die Erzählperspektive verändert hat. Wilson reflektiert, welche Rolle seine Herkunft aus Texas für die Sichtweise spielt und wieso ihn Marlene Dietrich in seiner Arbeitsweise noch immer beeinflusst. Wie hat sich die Idee entwickelt, diesen großen amerikanischen Roman zu inszenieren? RW: Nicolas Bos, ein Freund von mir, der in...

Robert Wilson über seine Inszenierung von Melvilles „Moby Dick“ als Mythos

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

90 Jahre im Leben einer Frau erzählt Noah Haidle im Stück „Birthday Candles“. Ein Stück über mehrere Generationen hinweg mit zwölf Rollen, einem Goldfisch und 90 Geburtstagskuchen. Der 45-jährige Autor aus Michigan ist ein Meister der schwarzen, philosophischen Komödien und abgründigen Pointen. Vor allem in Deutschland wird er oft gespielt, seitdem er 2009 mit „Mr. Marmalade“ großen Erfolg hatte. Am Deutschen Theater in Berlin spielt Corinna Harfouch die Hauptrolle in „Birthday Candles“, am Hans Otto Theater Potsdam hatte gerade sein Stück „Die beste aller möglichen Welten“ Premiere. Haidles Stücke sind meist nicht offen politisch, ­haben jedoch oft satirische Untertöne. Noah Haidle, ich habe Sie vor zehn Jahren einmal gefragt, wie politisch Ihre Stücke sind. Sie haben geantwortet, dass Sie sich überhaupt nicht mit Politik beschäftigen. Hat sich das geändert? Noah Haidle: Was? Ist das schon zehn Jahre her? Ugh! Ich glaube Ihnen mal, dass ich das gesagt habe. Im Augenblick kann ich mich kaum daran erinnern, was ich gestern zum Mittagessen hatte. Ich glaube, es war ein Sandwich, aber ich bin mir nicht sicher. Sagen wir mal zur Politik in meinen Stücken: Die Dinge haben sich nicht radikal geändert, aber sie ändern sich. Ich versuche, die sich von Tag zu...

Der amerikanische Dramatiker Noah Haidle, Autor philosophischer Stücke mit abgründigem Humor, im Gespräch mit Stefan Keim

Von Spülbecken und unbekannten Universen

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

„Wenn Lacaton &amp; Vassal für etwas Spezialist:innen sind, dann eben dafür, Räume zu schaffen, die möglichst viel Freiheit garantieren, und das passt natürlich perfekt zu Kampnagel“, sagt Kampnagel-Intendantin Amelie Deuflhard. Freiheit, das sind auch die quietschenden Tribünen und abblätternden Fassaden, die rostigen Kranen, die Graffiti und wuchernden Büsche im Garten. Das Architekturduo Anne Lacaton und Jean-Philippe Vassal aus Paris wird die Hamburger Kulturfabrik Kampnagel ab 2026 so grundlegend verwandeln, dass diese Freiheit der Räume erhalten bleibt. Als in den achtziger Jahren die leeren Fabrikhallen – die Fabrik Nagel &amp; Kaemp hatte seit Mitte des 19. Jahrhunderts Schiffs- und Hafenkrane gebaut – zunächst vom Deutschen Schauspielhaus als Interimsspielstätte genutzt, später von freien Künstler:innen besetzt und performativ erobert wurden, galt die Devise: raus aus den bürgerlichen Kulturtempeln, rein ins Undefinierte, Freie, Offene. Und dieses Luftig-Spontane wird jetzt neu gedacht. Die Intendantin formuliert es so: „Wie bringt man das jetzt von den 40 Jahren Provisorium in die nächsten 40 Jahre, aber ohne zuzubauen?“ Prozess der Umwandlung Kampnagel soll ab 2026 in einen Prozess der Umwandlung gehen. Lacaton &amp; Vassal, die 2021 mit dem Pritzker-Preis ausgezeichnet wurden, sind spezialisiert darauf, vorhandene Strukturen subtil neu zu erfinden. Ohne Abrissbirne, dafür mit einem Höchstmaß an Sensibilität...

Wie die Pritzker-Preis-Architekten Lacaton & Vassal Kampnagel in Hamburg verwandeln

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Gegen die Vereinzelung

Zehn mal zehn Prozent

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Sprache und Melodie liegen für den Regisseur FX Mayr nah beieinander. Die Musikalität von Elfriede Jelineks Poesie fasziniert ihn ebenso wie die Sprachkunst, die er in der neuen Dramatik immer wieder entdeckt. Dafür große, farbgewaltige Bilder zu finden, ist die Stärke des 38-Jährigen. Viele seiner Arbeiten hat er mit seinem Lebenspartner, dem Bühnen- und Kostümbildner Korbinian Schmidt realisiert. Dieser eindrucksvolle, vom Bild her gedachte Ansatz hebt FX Mayr, der sich kurz „FX“ nennt, von den Kolleg:innen seiner Regiegeneration ab. Die Faszination seiner Arbeiten liegt in der ­Radikalität, mit der er Sprache und Bildende Kunst verbindet. Da habe ihn die dramatische Kunst von Elfriede Jelinek und Thomas Bernhard geprägt, sagt der gebürtige Österreicher, der in St. Johann im Pongau aufgewachsen ist. Diese Bergwelt ist eng und von riesigen Felswänden umgeben. Erinnerungen an den ­harten Alltag der Salzbergwerkarbeiter kleben in den Gassen. Wenige offene Menschen hat Mayr damals in seinem Umfeld erlebt. Der engen Welt seines Heimatdorfs ist er mit dem Studium der Angewandten Theaterwissenschaften in Gießen und dem ­Regiestudium an der Züricher Hochschule der Künste (ZHdK) entflohen. Heute genießt es der Regisseur, dessen Arbeiten an vielen großen Häusern in Deutschland zu sehen sind, dann und wann heimzukommen und einen selbst gebackenen...

Der Regisseur FX Mayr übersetzt die Sprachkunst von Gegenwartsstücken in farbgewaltige Theaterwelten

Sprachmusik in fieberträumenden Bildern

Theater ist überlebensnotwendig

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Sechs Personen, fünf Frauen und ein trans Mann, stehen auf der Bühne in Galakleidung. Sie zählen „Los Días Afuera“, die Tage, die sie draußen sind. Denn alle waren in Argentinien im Gefängnis wegen Drogen, Diebstahl und anderen mit Armut verbundenen Delikten. Nun zählen sie nach den Tagen im Knast in die andere Richtung: wie lange sie es draußen geschafft haben, ohne wieder straffällig zu werden. Denn das ist, obwohl sie nun hier wie vorher schon in ­Avignon, Barcelona und Hamburg viele Tage damit sogar auf Bühnen vorangekommen sind, doch nicht ganz auszuschließen. Mit dem Erzählen der einzelnen Schicksale – eine junge Mutter, die ihr Kind nicht mehr sieht, Delfino mit seinem Fortkommen von der Straße – entsteht eine kraftvolle musikalische Revue, live gesungen von den Protagonist:innen und begleitet von der mit Arias schon lange verbundenen Multi-Instrumentalistin und Komponistin Inés Copertino: Musik als Befreiungstraum und ­befreites Leben. „life pieces“ „Los Días Afuera“, das im Rahmen der Preisverleihung im Nationaltheater Oslo gezeigt wurde, war für Arias die bislang schwierigste Produktion einer Reihe von Arbeiten, in denen Menschen mit ihren eigenen Geschichten auf der Bühne stehen. Das sei ja kein Theater, weil sie nicht mit echten Schauspieler:innen arbeite, hatte sie sich im Laufe...

Die argentinische Autor-Regisseurin Lola Arias erhielt den International Ibsen Award 2024 in Oslo

Befreites Leben

Alles fließt

Vor 200 Jahren ließ sich der Jude Heinrich Heine protestantisch taufen, um so eine Eintrittskarte in die europäische Kultur zu erhalten. Heute ist es die „sogenannte Israelkritik“, schreibt Esther Slevogt, die jüdischen und israelischen Künstler:innen Einlass in den Kunstbetrieb gewähren soll. In chronologischer Reihenfolge zeichnet die Chefredakteurin von nachtkritik das antisemitische Versagen der deutschsprachigen Theaterszene nach dem 7. Oktober auf. Öffentliche Stellungnahmen kamen nur zögerlich, wie die vom deutschen Bühnenverein, der seine Solidarität mit der deutschen Staatsräson begründete. Aber überschwängliche Zeichen, wie das Heraushängen einer Ukraine-Fahne nach dem Einfall Russlands, vermisste Slevogt schmerzlich. Dass die Theaterszene der Gewalt der Hamas gegen die größte jüdische Gemeinde der Welt wenig Aufmerksamkeit schenkte – ja, sie sogar zum antikolonialen Widerstand verklärte –, war bei Weitem kein Einzelfall. Im von Matthias Naumann herausgegebenen Sammelband „Judenhass im Kunstbetrieb“ eröffnet sich eine aufschlussreiche Chronik des Antisemitismus in allen Sparten der Kunst. Wann das alles angefangen hat, können die zehn Autor:innen, die in ihren Texten über Literatur, bildende Kunst oder Comics schreiben, nicht sagen. Nicht erst seit der documenta 15, nicht erst seit der Initiative GG 5.3 Weltoffenheit, die Antisemitismus zu einer Frage der Kunstfreiheit machte, und auch nicht seit dem NS, denn davor stellte Richard Wagner...

Ein Sammelband untersucht Antisemitismus im Kunstbetrieb

Wie hältst du’s mit Israel?

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Anne Fritsch: Die Idee klingt durchaus verlockend. Einfach mal Winterschlaf halten, sich für ein paar Monate der Außenwelt komplett entziehen, all den schlechten Nachrichten, den beruflichen und privaten Anforderungen, dem Stress. Stattdessen: durchschlafen. Die namenlose Protagonistin in Ottessa Moshfeghs Roman „Mein Jahr der Ruhe und Entspannung“ aus dem Jahr 2018 tut im New York um die Jahrtausendwende genau das. Zunächst versucht sie, aus freien Stücken möglichst viel von Tag und Nacht zu verschlafen, doch weil der Mensch für gewöhnlich eben keinen Winterschlaf hält, befriedigt sie ihr natürlicher Schlaf-Wach-Rhythmus nicht. Sie wendet sich an die obskure Psychiaterin Dr. Tuttle, die ihre Aufgabe darin sieht, möglichst großzügig Psychopharmaka an ihre Patientin zu verteilen. Eine erste Adaption fürs Theater gab es schon 2020 in der Regie von Yana Ross am Schauspielhaus Zürich – wie steigt Ewelina ­Marciniak in der österreichischen Erstaufführung in Graz in die Geschichte ein? Hermann Götz: Ein erotischer Hundetraum eröffnet Marciniaks Inszenierung in Graz. In tiefes Rot getaucht wälzt sich Luiza Monteiro als „Sie“ in einem Bodentanz des Begehrens mit einem von Dominik Puhl hingebungsvoll gespielten Hund über die Bühne. Die Szene erzählt von Lust, aber auch von albtraumhafter Halluzination. Und sie verschränkt verschiedene über das Buch verteilte Absätze zu...

Zwei Adaptionen von Ottessa Moshfeghs Roman „Mein Jahr der Ruhe und Entspannung“ stehen zum Saisonauftakt auf den Spielplänen deutschsprachiger Theater: Am Münchner Volkstheater hat Katharina Stoll inszeniert, Ewelina Marciniak am Schauspielhaus Graz. Ein Dialog

Sweet Dreams?

Uraufführung 23.11.2024 an den Münchner Kammerspielen © DREI MASKEN VERLAG, München Figuren Figuren David (35) Regina (58), seine Mutter Lena (20), eine FSJlerin Michael (55), Reginas Freund Olli (28), Davids Pfleger vielleicht ein Chor Anmerkungen Die kursiv gesetzten Passagen in den Draußen-Szenen verwenden den /, um die Weitergabe des Sprechens zwischen mehreren Sprecher:innen anzuzeigen. Wie bei einer Wechselpsalmodie: freier Rhythmus innerhalb des Verses, schneller Anschluss beim Verswechsel. David ist eine stumme Rolle. In welchem Ausmaß David sich darüber hinaus verhält (ob er sich überhaupt für uns erkennbar verhält), liegt im Ermessen der Inszenierung. Draußen bezeichnet nicht unbedingt einen Ort unter freiem Himmel. Die Sprache: nicht groß, oft wie nebenbei. ©2023 DREI MASKEN VERLAG GmbH München Abdruck gefördert mit Mitteln des Deutschen Literaturfonds. Szene 1 Draußen David Regina schau mal wie schön sich das alles bewegt da lachst du ich seh doch, wie du lachst brauchst gar nicht so zu schauen die gucken alle so ernst, die leute wie die da rumsitzen wie die hier rumlaufen so als dürften die sich bloß nicht freuen wirklich gut, dass wir hergefahren sind, oder? dass wir jetzt hier sitzen können guck dir das an die bäume im wind die ähren na gut, die leute...

Drinnen

Peter setzt sich Ohrstöpsel ein und lässt einen sehr leisen Partyknaller platzen. Er liest seine Grabrede von einem Blatt Papier vor: PETER Ich möchte über Nostalgie sprechen. Nostalgie ist eine Droge. Sie macht die Vergangenheit leichter erträglich. Du nimmst die Vergangenheit, du schleifst sie ab. Du machst daraus Möbel. Du machst daraus etwas, das du an die Wand hängen kannst. Ich möchte über Performance sprechen. Performance ist eine Droge. Sie macht Menschen leichter erträglich. Du nimmst das Selbst, du schleifst Teile davon ab. Und du wirst real. Du wirst es wert, in Erinnerung zu bleiben. Und ich möchte über Trauer sprechen. Aber Trauer ist schwer zu besprechen. Das ist eine Grabrede. Jede Aufführung ist sowohl eine Hochzeit ALS AUCH eine Beerdigung. Ein Zusammenkommen. Ein Hineingleiten in die Erinnerung. Vor Freund:innen und einigen seltsamen Fremden und Menschen, die vielleicht denken, sie kennen sich. Wie das Theater werden die Unternehmen für Hochzeiten und Beerdigungen wahrscheinlich ewig bestehen, tief verwurzelt in Traditionen, aber doch sich mit der Zeit verändernd, wenn auch langsamer, als es eigentlich logisch wäre. Z. B.: Warum sprechen Priester immer noch über Frauen als Eigentum? Warum sind queere Hochzeiten so geschlechtergeprägt? Warum trägt man Schwarz auf einer Beerdigung, wenn man...

Das gefeierte Performanceduo Peter Mills Weiss und Julia Mounsey spielt mit Clowns und Comedians gegen den Druck von Kommerz und starren Budgets

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Festival der Besessenen

Disappearing Birdie Coonan

Zeitenwende. Der Duden sagt: das Ende einer Epoche oder Ära und der Beginn einer neuen Zeit. Befinden wir uns in einer neuen Zeit? Wann macht man eine Zeitenwende, die ein anderes Denken hervorgebracht haben könnte, fest? Gibt es hier in diesem Land überhaupt ein anderes Denken nach dem 7. Oktober 2023, nach dem 24. Februar 2022, nach der Gewalt in Belarus 2020, nach dem Beginn des Krieges in Syrien, nach … nach … Ich sehe es nicht wirklich. Was sich permanent verändert, sind die Opferzahlen in den andauernden Kriegen. Sie steigen und steigen. Man möchte verzweifeln. Und trotzdem beschäftigen uns die neuen und alten Bruchlinien, die sich durch unser Land, Europa und die Welt ziehen. Wir setzen uns mit der sich immer schneller verändernden Wirklichkeit auseinander, versuchen mal analytisch, mal eher intuitiv zu sein, arbeiten an und mit neuen Texten, suchen in alten eine Verbindung ins Heute. Immer geht es darum, Theater in einer Stadt für diese Stadt und all ihre Menschen zu machen, ihnen Geschichten über die Welt zu erzählen, sie zum Nachdenken, zum Lachen und zum Weinen zu bringen. Oft lässt dieses gemeinsame Tun uns ein Stück besser die Welt verstehen, auch wenn vieles unverständlich bleibt. Und oft...

Neue Serie: Dramaturgie der Zeitenwende #02

Das Berliner Maxim Gorki Theater arbeitet an den Bruchlinien verschiedener Zeitenwenden

Hoffnung schaffen

Inklusive Ansätze erproben!

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Das deutsche Wort „Nachruf“ existiert in meiner Muttersprache nicht. Auf Hebräisch gibt es „Grabrede“ und „Traueranzeige“ – „Nachruf“ lässt sich aber nicht adäquat übersetzen. Was bedeutet es, einer geliebten Person nachzurufen? Geht es darum, die Biografie einer verstorbenen Person in der Öffentlichkeit zu würdigen, oder geht es darum, ihr wortwörtlich nachzurufen und vergeblich zu versuchen, sie nach ihrem Abgang verbal und laut wieder zu erreichen? Meine gute Freundin, die Künstlerin Aviva Ronnefeld, starb viel zu früh im Alter von 66 Jahren an einem schönen Sommertag im August. Vor einem Jahr erhielt sie die Diagnose Glioblastom. Als ich auf Wikipedia recherchierte, was das genau bedeutet, musste ich mit Erschrecken feststellen: Hirntumor, bei dem die Überlebenszeit bei wenigen Monaten bis zu einem Jahr liege. „Aviva“, habe ich sofort zu ihr gesagt, „du darfst nicht vor April sterben – Pessach sollen wir noch zusammen feiern!“ Auch, wenn wir es nicht wahrhaben wollten, wussten wir alle, die Aviva liebten, dass die Zeit mit ihr knapp ist. Von nun an galt es, ihr schöne Momente zu schenken, an die wir uns später selbst erinnern können, und alles von ihr festzuhalten, was noch festzuhalten war. Aviva war eine begabte Gärtnerin und sie nannte ihren Schrebergarten...

Hier schreiben unsere Kolumnist:innen, die Regisseurin Marie Schleef, die Übersetzerin und Dramaturgin Iwona Nowacka und der Regisseur und Hörspielmacher Noam Brusilovsky, monatlich im Wechsel.

Mein Nachruf auf Aviva Ronnefeld

Mit dem Theater die Welt verändern

Guilt-Trip durchs Vogtland

Erwartungsgemäß taucht Donald Trump – neben seinem britischen Cousin Boris Johnson – schon auf der ersten Seite auf. Sie sind „geschickte Darsteller“, deren „bösartige Darbietungen“ als Trigger in Richard Sennetts Vorwort von „Der darstellende Mensch. Kunst, Leben, Politik“ kurz angesprochen werden. Wer sich nun eine Analyse dieser Demagogen mit dem Instrumentarium der Theaterwissenschaft erhofft hat, kann das Buch gleich wieder zuklappen. Und es dann noch einmal mit einem anderen Interesse aufschlagen. Wie haben sich Formen der Darstellung von Gesellschaft entwickelt und wie wurden die konkreten Räume dafür geschaffen und organisiert? Was steht hinter ihren Veränderungen? Richard Sennett, der wohl bekannteste Soziologe der USA, ist ein Experte für die Stadt als konzentriertes gesellschaftliches Gebilde, für das Leben und die Arbeit in ihr, und wie sich das alles im Wandel der Zeiten in der Architektur manifestiert. Öffentlichkeit als Raum der Gesellschaft, „Der flexible Mensch“ (1998) über die neuen Arbeitswelten und „Die Kultur des neuen Kapitalismus“ (2005), in der auch Politik zur Ware wird, waren und sind seine Themen. Seine Sachbuchbestseller brachten akademische Forschung in aktuelle Debatten, wurden damit Öffentlichkeit. Das Theater im engeren Sinn, also Schauspiel und Musiktheater in entsprechend organisierten Institutionen, gehörte bislang nicht zum Feld von Sennetts Untersuchungen. In einem...

Richard Sennetts mäandernder Großessay „Der darstellende Mensch“ verbindet Urbanistik und Theaterarchitektur mit Performance-Theorien und politischen Problemen von Öffentlichkeit

Was ist Theater?

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Wie sind Sie praktisch gleich nach Ihrer Ankunft in Bochum Ensemblesprecherin geworden? Danau Chatzipetrou: Einige Kolleg:innen haben mich vorgeschlagen. Mein erster Impuls war: Ich muss mich zwingen, nein zu sagen. Ich engagiere mich einfach gern, hatte mich aber schon gemeldet, um bei einer Gruppe mitzumachen, in der es um die Einstellung einer Antidiskriminierungsbeauftragten geht. Außerdem arbeite ich privat in einem Verein von migrantischen, jüdischen und BIPoC Kunstschaffenden. Aber die Kolleg:innen haben mir erklärt, warum sie sich mich in dieser Position gut vorstellen können, und dann hab ich ziemlich schnell nachgegeben. Wie viel zusätzliche Arbeit bedeutet der Job als Ensemblesprecherin eigentlich? DC: Das ist unterschiedlich. Das Wesentliche ist die Organisation der Ensembleversammlungen mit vielen Themen, die wir in eine Ordnung bringen müssen. Außerdem sind wir das Kommunikationsrohr zwischen Leitung und Ensemble. Wenn wir in den Pausen mitbekommen, dass die Kolleg:innen irgendetwas stört, sehen wir das auch als unsere Aufgabe, rauszufinden, woran es liegt und eine Lösung zu finden. Oft gibt es Gerüchte im Theater, irgendjemand hat irgendwas gehört, und dann entsteht Unruhe. Die gab es wahrscheinlich, als die Stadt Bochum einen Nachfolger von Johan Simons, einen neuen Intendanten gesucht hat und Sie gerade dazu kamen? Können Sie als junge Frau mit...

Im Gespräch mit Stefan Keim

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Wie sehen 80 Jahre deutscher Geschichte aus, betrachtet durch die Linse von Zufall und Glück? Was bedeutet Schicksal in den langen Jahren des zerrütteten 20. Jahrhunderts? Robert Lepage hat erstmals in Deutschland inszeniert und an der Schaubühne einen Abend entwickelt, in dem jede Szene aus dem Dunkeln aufsteigt und dahin wieder verschwindet. „Glaube, Geld, Krieg und Liebe“ heißt der Abend in vier Akten. Jeder Akt ist mit dem Trumpf eines Kartenspiels verknüpft. Einen Text gab es nicht, Grundlage waren Improvisationen über diese Themen anhand des Kartenspiels. Über der Bühne schwebt ein Gerüst mit vier Bildschirmen, die zu Beginn klassische, blaue Rückseiten eben jenes Kartenspiels zeigen, darüber ebenfalls vier Lautsprecher. Der Rest der Bühne ist leer und wird es oft – bis auf etwas Mobiliar – bleiben. Mit dieser Bühne (Robert Lepage, Ulla Willis) präsentiert der kanadische Regisseur das Theater als eine Zauberkiste und zeigt das Magische im Minimalismus. Zu Beginn wird ein Baby in einem Nonnenkloster abgegeben, und um das entstehen zu lassen, bedarf es nicht mehr als ein paar Nonnen, die Stäben, Besen, Gewächs, Kiepe und Gitter in einer Drehtür sein können. Diese wird wie von Zauberhand aus dem Dunkel der Hinterbühne hereingefahren. Die Nonnen beschließen, das verwaiste Baby,...

„Glaube, Geld, Krieg und Liebe“ von Robert Lepage  – Regie Robert Lepage, Bühne Robert Lepage, Ulla Willis, Kostüme: Vanessa Sampaio Borgmann, Video Félix Fradet-Faguy, Sound Stefan Pinkernell

Amerikanisches Theater

Neuerscheinungen im Verlag