Münchner Kammerspiele: Der Gott lacht über die sterbenden Demokratien

Als der französische Choreograf Jérôme Bel im Herbst 2010 gefragt wurde, ob er sich vorstellen könne, ein Stück mit Schauspielerinnen und Schauspielern vom Zürcher Theater HORA zu inszenieren, hatte er gerade eine Reihe von Arbeiten mit ausgesucht virtuosen Vertretern der Tanzwelt hinter sich. Die Ensemblemitglieder des Theaters HORA hingegen verband, dass sie allesamt „geistig behindert“ sind – sozial wie künstlerisch ein Stigma, das einem in der Regel, wenn überhaupt, allenfalls Zugang zur Sub- oder Soziokultur ermöglicht. Gewiss: Bereits Bels „The show must go on“ (2000) war eine Liebeserklärung an das Nichtvirtuose im Tanz, und in seiner Virtuosenserie interessierte er sich immer wieder auch für die Schwachstellen in den tänzerischen Erfolgsbiografien. Und doch lag es nicht gerade nahe, die Serie ausgerechnet mit den Mitgliedern der Zürcher Behindertentheaterwerkstatt fortzuführen. Mit Leuten also, die mehr durch ihre Abweichungen von schauspielerischen Standards, unverstellte Emotionalität und Präsenz als durch eine ausgefeilte Technik glänzen und die die maßgeblichen Techniken und Konventionen des zeitgenössischen Theaters, wenn überhaupt, nur in rudimentärer Form verinnerlicht haben. Doch genau dies schien es gewesen zu sein, was Bel an den HORA-Schauspielern besonders interessierte. „Die Art und Weise, wie sie Theater machen, bewirkt so etwas wie eine Kritik der Kritik, mit der ich...

Theater und Behinderung – Eine Spurensuche zwischen Integration und künstlerischer Autonomie

Auftreten und leuchten

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Der Autor Mehdi Moradpour begab sich Ende Januar im Rahmen zweier Theaterprojekte auf die Spuren heutiger Krisen und Kriege. „Berlin calling Lampedusa“ hieß eine szenische Lesung, Filmvorführung, Konferenz im STUDIO des Maxim Gorki Theaters, der eine Woche zuvor, ausgehend von den Berliner Sophiensælen, die operative Expedition „Im Apparat der Kriege“ von matthaei &amp; konsorten vorangegangen war. Projekte, die so eindringlich waren, dass unser Autor selbst zu einer künstlerischen Form griff, um seine Eindrücke zu schildern – ja, schließlich selbst zum Apparat wurde: zum Apparat der Krisen und Kriege, der zu uns spricht. Donnerstag, 20:50 Uhr. Stage reading im STUDIO auf Portoceleste (nicht Lampedusa). In der typischen Idylle eines Stadttheaterstudios, am kleinen Mittelmeerhafen, auf Maxi Obexers „Geisterschiff“. Journalistin: Was schlagen Sie vor? Bürger-meister: Boote sollten nicht untergehen. Schiffe auch nicht. Journalistin: Menschen? Bürgermeister: Menschen auch nicht. Journalist: Die Not? Bürgermeister: (…) Die Not kann untergehen. Journalist: Die Kriege? Bürgermeister: Die Kriege sollten auch untergehen. Journalist: Die Sehnsucht? Bürgermeister: Die Sehnsucht? Journalist: Sollte die Sehnsucht auch untergehen? Bürgermeister: Die Sehnsucht kann bleiben. Journalist: Die Sehnsucht kann bleiben. Bürgermeister: Die Sehnsucht kann bleiben, wo sie ist. Gedankenprotokoll I: Longing in my heart. Flying like a dart. Süßer Traum des Meeres...

„Berlin calling Lampedusa“ im STUDIO des Maxim Gorki Theaters und „Im Apparat der Kriege“ von matthaei & konsorten in Berlin

Der Geruch verbrannter Leichen

Elf Buchsbäume à 50 Zentimeter, jeweils einen Fuß voneinander entfernt. Rechts ein Haus, links ein Haus, darin rechts die Tür, ein Fenster links. Reihen, Reihen, Reihen. Katastrophal, wenn da mal was durcheinandergerät. My home is my castle. Daher also diese Hecke, akkurat in Formation wie eine Armee. Gute Zäune machen gute Nachbarn. Diesen Satz von Robert Frost, Lieblingsfloskel Ariel Scharons zum Bau der israelischen Mauer, erklären auch die Protagonisten in Philipp Löhles neuestem Stück „Wir sind keine Barbaren!“ zum Maßstab. Einziger Rechenfehler: Der Zaun ist zu klein. So dass man eben doch sieht, was beim Nachbarn so vor sich und vor allem: ein und aus geht. Linda: „Die haben den reingelassen?“ Allgemeines Entsetzen. Paul deshalb zu Mario, im Sinne der Zauntheorie: „Guck mal.“ Gewichtige Pause. „Es gibt 500 Millionen Europäer und zwei Milliarden Afrikaner. In zehn Jahren“ – wieder Pause – „gibt es 700 Millionen Europäer und fünf Milliarden Afrikaner. Verstehst du?“ In der Schweiz wird derzeit viel über Zahlen geredet. Zahlen, die zu Zäunen werden. Zur Einwanderungsquote. Einen Tag nach Philipp Löhles Uraufführung am Konzert Theater Bern stimmten 50,3 Prozent der Schweizer für die Initiative „Gegen Masseneinwanderung“ der national-konservativen Schweizerischen Volkspartei (SVP). Ein Ergebnis, das viele überraschte – vor...

Konzert Theater Bern: „Wir sind keine Barbaren!“ (UA) von Ph. Löhle. Regie V. Hesse, Ausstattung E. Alessi; „Maria Stuart“ von F. Schiller. Regie St. Rottkamp, Bühne R. Schweer, Kostüme H. Kastler

Bern: Alles meins

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Die Praxis der Gemeinsamkeit

Früher habe ich immer heftig bestritten, dass meine beiden Berufe etwas miteinander zu tun haben, denn es sind ja zwei verschiedene Welten. Aber es stimmt schon: Meine Motivation war in beiden Fällen die gleiche. Und wenn ich von „perversem Interesse“ spreche, dann ist das provokativ gemeint, denn ich bin überzeugt, dass jeder das in sich hat. Jeder! Die Provokation soll helfen, das zu akzeptieren. Ich habe schon in meiner Zeit als Heilpädagoge fasziniert die Bewegungen der Jugendlichen beobachtet. Die haben mich sehr verwirrt, ich habe aber auch eine gewisse Schönheit darin entdeckt. Die Jugendlichen sagten mir dann, dass ihnen mein aufrichtiger beobachtender Blick sehr gefällt, denn das Demütigendste für sie sei, wenn jemand ihren Blick streift und sofort wieder wegsieht. Das tat ich eben nicht und tue es bis heute nicht. Inzwischen bin ich eine Art „professioneller Voyeur“, aber ich bin, wie gesagt, davon überzeugt, dass jeder Mensch ein Voyeur ist, ob nun professionell oder nicht. Ja, das glaube ich auch, allerdings hat jeder seinen eigenen Fokus für diese Neugier. Das stimmt. Bei uns ist es so, dass die Themen, mit denen wir arbeiten, und die Leute, mit denen ich es tue, durchaus einen Bezug zu dem haben, was sie...

Was heißt schon „normal“? Der Choreograf Alain Platel über eine Grenze, die in Wahrheit keine ist, im Gespräch mit Renate Klett

Geteilte Einsamkeit

Frühlingstheater

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Die Wiener Theatergeschichte wird seit Raimunds Zeiten von periodischen Eklats begleitet, die das eigentliche Bühnengeschehen umranken wie Jugendstilornamente die Fenster eines Otto-Wagner-Baus. Doch die seit Anfang des Jahres publik gewordenen „dolosen Handlungen“ in der Finanzverwaltung des Wiener Burgtheaters, die schließlich in die fristlose Entlassung des Intendanten Matthias Hartmann gemündet sind, haben eine solche Fülle an Aufregungen mit sich gebracht, dass selbst das so theater- wie skandalversessene Wien am Ende nur noch staunen konnte: Bühnenbilder aus Sperrholz und Pappe, die auf Jahre als Abschreibungsobjekte deklariert wurden. Überweisungen an die Burg, die Christoph Schlingensief nach seinem Tod ausgestellt haben soll. Zusätzliche Regiehonorare, mit denen Hartmann sein Jahresgehalt von 220 000 Euro auf rund 450 000 Euro emporschraubte. Das Misstrauensvotum, das das Burgtheaterensemble gegen den Intendanten aussprach. Und schließlich die jämmerliche Gestalt, die der frisch Gekündigte mit dem Satz „Das Ensemble ist schuld an meiner Entlassung“ abgab. Wochenlang wurde all das bis in die kostenlosen Wiener Straßenbahnzeitungen hinein verhandelt wie eine Staatsaffäre; insofern scheint die Begründung, die Kulturminister Josef Ostermayer für Hartmanns Kündigung gab – „Um weiteren Schaden für die Republik und das Burgtheater abzuwenden, musste dieser Schritt gesetzt werden“ –, nicht einmal übertrieben (auch wenn man sich nicht ausmalen will, wie Karl...

Matthias Hartmann und das Burgtheater

Sie wollen das Beste, und sie kriegen es auch

Alles total anders

Künstlerinsert „Pitié!“

Von der Staatsoper zum Supermarkt: Warum kulturelle Vielfalt die Basis für gesellschaftliche Relevanz ist!

Berliner Chaos-Tage

Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz: Pollesch ohne Pollesch

Autoren Joseph Bierbichler, Schauspieler und Autor, Ambach Marcel Bugiel, Dramaturg, Berlin Otto Paul Burkhardt, Kritiker, Tübingen Matt Cornish, Theaterwissenschaftler, Hampton, Connecticut Gerwig Epkes, Hörfunkredakteur, Baden-Baden Susanne Fernandes Silva, Theater-, Film- und Medienwissenschaftlerin, Wien Ralph Hammerthaler, Schriftsteller, Berlin Christian Horn, Theaterkritiker, Leipzig Renate Klett, Theater- und Tanzkritikerin, Berlin Martin Krumbholz, freier Autor und Theaterkritiker, Düsseldorf Chistoph Leibold, freier Hörfunkredakteur und Kritiker, München Martin Linzer, Kritiker, Berlin Mehi Moradpour, freier Autor und Übersetzer, Berlin Ute Müller-Tischler, Kunstwissenschaftlerin und Kuratorin, Berlin Ulrike Rechel, Musikjournalistin, Berlin Ralf Schenk, Filmpublizist und Autor, Berlin Maria Schorpp, freie Journalistin, Konstanz Shirin Sojitrawalla, Theaterkritikerin, Wiesbaden Wolfgang Storch, Dramaturg, Kurator und Autor, Volterra, Italien Stephan Suschke, Regisseur, Berlin Holger Teschke, Schriftsteller und Regisseur, Berlin Thomas Thieme, Schauspieler, Berlin und Weimar Thomas Wieck, Dramaturg, Berlin IMPRESSUM Theater der Zeit Die Zeitschrift für Theater und Politik Redaktionsanschrift Im Podewil, Klosterstraße 68, 10179 Berlin, Tel (030)24722414 / Fax (030)24722415 Redaktionsleitung Harald Müller (V.i.S.d.P.), Dr. Frank Raddatz Redaktion Dorte Lena Eilers, Chefin vom Dienst (030)24722414, <a href="mailto:d.eilers@theaterderzeit.de">d.eilers@theaterderzeit.de</a>, Mirka Döring (030)24630950, <a href="mailto:m.doering@theaterderzeit.de">m.doering@theaterderzeit.de</a>, Dr. Gunnar Decker, Sebastian Kirsch (Wien) Mitarbeit Jana...

Impressum

Schauspiel Stuttgart: Allgemeine Gereiztheit

Hamburger Marathon

Fünf Personen in cremefarbenen, schleierlosen Brautkleidern, kniend, hockend, sitzend, auf den Ohren riesige Kopfhörer, deren Kabel in den Bühnenboden ragen; es sieht aus, als hängen die Bräute wie Marionetten an ihren Fäden – vermutlich wird den fünfen die Ringparabel eingetrichtert, während sie sich um einen Berg aus Lehm versammelt haben, Rohmasse für den zu knetenden neuen Menschen in einer künftigen humanen Welt. Im Hintergrund der hell getäfelten Bühne sieht man schon den Ofen, in dem die Lehm- zu Tonfiguren gebrannt werden, der aber (wie sich später zeigen wird) auch andere, schlimme Assoziationen weckt. Die fünf sind gelehrige Schüler, man hört sie beim Kneten Bruchstücke aus der Ringparabel andächtig murmeln – „ein reicher Mann aus dem Os- ten“, „drei Söhne“, „ans Sterben“ –, die sich dann als leitendes Narrativ wie ein roter Faden durch den Abend zieht. Ulrich Grebs Inszenierung des „Nathan“ weist sich zwar bescheiden „nach Lessing“ aus, aber es handelt sich um alles andere als eine grobe oder gar willkürliche Dekonstruktion des Textes, der zwar fragmentiert und umgestellt, in seiner Substanz aber durchaus nicht beschädigt wird. Der folgenreichste Eingriff ist die Tatsache, dass Nathan als einzelner Handelnder ausfällt. Traditionell wird die Titelfigur ja vom altehrwürdigsten und volltönendsten Ensemblemitglied verkörpert,...

Schlosstheater Moers: „Nathan der Weise“ nach Gotthold Ephraim Lessing. Regie Ulrich Greb, Bühne Birgit Angele Kostüme Elisabeth Strauß

Moers: Freunde sein in Jerusalem

Im Möglichkeitsraum

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Dunkelphase, Wunde und Metamorphose

Nationalsozial-charaktermasken

1976 feierte „Einstein on the Beach“, eine Oper von Philip Glas und Robert Wilson, in Avignon eine sensationelle Premiere. 38 Jahre später lädt das Haus der Berliner Festspiele zu einer, wie sich zeigen soll, frenetisch bejubelten Neuauflage. Dieser visuelle Trip ohne Handlung und narrative Struktur wird heute als theatergeschichtliches Paradigma akklamiert. Ich bin fest entschlossen, mich von dem Magier Wilson hypnotisieren und in Trance versetzen zu lassen, um wachen Auges durch ästhetische Räume zu treiben, in denen die Zeit mittels unendlicher Wiederholungen aufgehoben scheint. Nur will es leider nicht gelingen. Zu viele Tagesreste wandern durch mein Hirn. Ein Gespräch mit dem Schriftsteller Clemens J. Setz am Vormittag, der mich mit einem Modell bekannt machte, wo der menschliche Körper als eine Art Welle betrachtet wird, in der sich permanent Zellen aufbauen und andere vergehen. Erst mit dem Tod eines Körpers ende diese Bewegung. Danach studierte ich im Archiv der Berliner Volksbühne Dokumente der Ära Besson und Rödel. Parteiarbeit der SED, wo Beschlüsse oder Gespräche mit Genossen festgehalten wurden und neben allen Regulierungen und Disziplinierungen ernsthaft über die Frage nachgedacht wurde, wie die Arbeiter stärker ins Theaterleben eingebunden werden könnten. Kaum noch vorstellbar, dass es sich dabei einmal um eine festgefügte Realität...

Gedanken zur Neuauflage von Robert Wilsons „Einstein on the Beach“

Reine Präsenz

Editorial

Während des Spektakels der Olympischen Sommerspiele 2012 in London war die Wooster Group bei der Royal Shakespeare Company (RSC) zu Gast. Englands Meisterensemble des klassischen Theaters hatte die berüchtigten „Klassikzertrümmerer“ aus Amerika zu einer Koproduktion eingeladen. Die gemeinsame Wahl fiel auf das bekanntermaßen schwierige Stück „Troilus und Cressida“, das sich eingezwängt zwischen den Tragödien und den Historiendramen im „First Folio“ befindet und doch auch zu den Komödien gehört. Angeführt von Mark Ravenhill, übernahmen die Engländer die Rolle der Griechen, dieser ungehobelten Schläger, die fern der Heimat nichts zu verlieren hatten. Die Amerikaner, unter ihrer Generaldirektorin Elizabeth LeCompte, spielten die Trojaner: tragische, edle Liebhaber, die ihre Festungstürme ebenso zotig wie ritterlich verteidigten. Das groteske Drama setzte einen spannenden Kontrapunkt gegen das grandios nationalistische Abfeiern der Olympischen Spiele. Doch die englische Kritik konnte mit der kruden Kollision der Stile in „Cry, Trojans!“ wenig anfangen. Ihnen blieb die Wooster Group ein Rätsel: Verkleidet in Indianerkostüme, hielten die Schauspieler Lacrosseschläger in den Händen, trugen labbrige Plastikabdrücke griechischer Statuen auf dem Rücken und quetschten die Sprache Shakespeares durch ein Medley von Akzenten. Nun sind Wooster-Group-Stücke fast immer „in process“; LeCompte arbeitet oft noch lange nach der Premiere weiter an ihren Produktionen. Und so hat sich...

Warum sich die bei der Sommerolympiade in London gezeigte Produktion „Cry, Trojans!“ der Wooster Group erst in New York zu einem irren Ritt durch die Kulturgeschichte entwickelt

Mit Pfeil und Lacrosseschläger

Wer ist der Mensch dort mit der tief ins Gesicht gezogenen Mütze und den drei Pullovern übereinander, der sich durch die Zuschauerreihen des Berliner Ensembles hin zu seinem Platz schiebt? Jemand, der offenbar nicht gern erkannt wird. So betont unauffällig, dass er in seiner Verkleidung schon wieder auffällt. Ein scheuer Mensch? Offenkundig wäre es für ihn peinvoll, sprächen Unbekannte ihn an. Sich mit Klaus Maria Brandauer zum Interview zu verabreden, war das eine Mal sehr leicht, das andere Mal sehr schwer, geradezu unmöglich. Einmal war er der freundlichcharmante Moderator des kleinen, aber wichtigen Films „Der Fall Wilhelm Reich“, der im letzten Herbst ins Kino kam (den ganzen Tag über gab er in einem Berliner Hotel klaglos Interviews), das andere Mal der unwillig-unerreichbare, sich in Regionen des Hochmuts verbarrikadierende Burgtheater-Schauspieler. Aber so simpel ist das dann doch wieder nicht. Denn Klaus Maria Brandauer hat alle meine Fragen schriftlich beantwortet,das dauerte gewiss mindestens dreimal so lange, wie am Telefon darüber zu reden. Der Mensch gilt als schwierig, dabei lebt er nur nach bestimmten Regeln. Vor allem: Präzision, keine Konversation, erst recht kein Smalltalk über wichtige Dinge. Wichtig ist, was mit Kunst zu tun hat. Die verlangt Konzentration, ein Wort zu viel kann...

Klaus Maria Brandauer zeigt in Peter Steins „König Lear“ die Qual des Gestürzten – als Andeutung einer Versöhnung im blutigen Geschehen?

Die Kunst des Verstummens

Vom Barhocker aus in hohem Bogen über den Tresen direkt in den Mülleimer. Was die zwei Flaschen Wodka im Magen angerichtet haben, das strebt wieder dahin, wo es herkam, in die Außenwelt. Das Kunststückchen hat jedenfalls Aufmerksamkeit erregt, wenn auch nur die des Barkeepers. Die am Vorabend an der Bar abgestürzten Performer ziehen ein Reenactment auf einer Bühne ernstlich in Erwägung. Um der Authentizität willen selbstredend mit echtem Wodka. Wäre mal was anderes. „Mal was Afrika“, wie Dmitrij Gawrisch sein Stück überschrieben hat, ist aus dem Exposé entstanden, mit dem der Autor im Juni vergangenen Jahres den 2. Autorenwettbewerb der Theater Konstanz und St. Gallen gewann und das im Februar als Teil der Prämierung in der Lokremise des Theaters St. Gallen uraufgeführt wurde. Afrika – seit Schlingensief steht es für „mal was ganz an- deres“, das die feuilletonistische Erregungsindustrie zu bedienen vermag. Obwohl sich Gawrischs Text um Abgeklärtheit bemüht, ist ihm deutlich anzumerken, wie sehr sich der Autor über den Stand der Dinge im laufenden Theaterbetrieb aufregt. Das verleitete ihn wohl zuweilen dazu, überdeutlich zu werden und sperrangelweit offen stehende Türen einzurennen. Seine drei „Performer“ sind etwas zu leichtgewichtig angelegt, als dass sie solch eine Debatte um Kunst und Kommerz...

Theater St. Gallen: „Mal was Afrika“ (UA) von Dmitrij Gawrisch. Regie Tim Kramer, Ausstattung Michael S. Kraus

St. Gallen: Unter Ausschluss des Lebens

Samtener Schutzraum

Darwin-Theater

Liebe, das erklärte schon Johannes Mario Simmel, ist nur ein Wort. Aber eben eines, das die Menschen so häufig im Munde führen wie kaum ein zweites. Auch die 27 Frauen und 24 Männer, die das Personenverzeichnis von Joël Pommerats jüngstem Stück ausweist, gebrauchen es oft – wobei jeder etwas anderes darunter zu verstehen scheint: Zuneigung, Sex, Freundschaft, Eigen- oder Vaterlandsliebe. Über alle Unterschiede hinweg verbindet sämtliche Figuren jedoch eine unerfüllte Sehnsucht nach Nähe, der Wunsch, die Grenzen zum anderen zu überwinden. Da erfindet sich ein kinderloses Ehepaar Nachwuchs, weil beide sonst nichts aneinander bindet; da fleht eine Sekretärin ihren Chef beinahe an, er möge sie missbraucht haben, nachdem sie in seinem Hotelzimmer eingeschlafen war; oder da wirft sich eine junge Frau dem Arzt an den Hals, der ihren Vater bis zu dessen Tod versorgt hat, und hält ihn so fest, dass er sich nur unter mühsamem Gerangel aus der Umklammerung befreien kann. In Gerhard Willerts Linzer Inszenierung ist Liebe denn auch ein Kampfschauplatz. In der Studiobühne BlackBox wird die Spielfläche von zwei Banden flankiert, das Publikum nimmt dahinter auf ansteigenden Tribünen zu beiden Seiten Platz. In der Mitte dieser kleinen, meist leeren Arena, auf der nur gelegentlich Stühle oder Tische...

Landestheater Linz: „Die Wiedervereinigung der beiden Koreas“ (DSE) von Joël Pommerat. Regie Gerhard Willert, Bühne Florian Parbs, Kostüme Silke Fischer

Linz: Mehr als ein Wort

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Protagonisten. Ihre „Worte fallen wie Schnee“, schrieb Peter Kammerer über Valery Tscheplanowa. Ob in Inszenierungen von Dimiter Gotscheff oder Jürgen Gosch, ob am Deutschen Theater Berlin, dem Schauspiel Frankfurt oder dem Residenztheater München – auf den großen deutschsprachigen Bühnen überzeugt die Schauspielerin stets aufs Neue mit Eleganz, Reduktion und Magie. Beim diesjährigen Theatertreffen der Berliner Festspiele ist sie in „Zement“ zu erleben. Für uns Anlass, die Künstlerin zu porträtieren. Die Systemfrage. So radikal wie spielerisch hinterfragen Rimini Protokoll unsere alltägliche Lebenswelt; seit ihrer Gründung im Jahr 2000 tun sie das überaus erfolgreich. Mit ihren Produktionen – etwa dem zum Theatertreffen eingeladenen „Situation Rooms“, einem „Multi Player Video-Stück“ zwischen „multiplem Simultan-Kino“ und „Augmented Reality“ – suchen sie kontinuierlich nach neuen Mitteln des Theaters. Ob sie auch an dessen Strukturen schrauben und wo sie ihre eigene Position als Quasi-Institution der freien Szene verorten, erfragen wir in einem Gespräch mit Helgard Haug, Stefan Kaegi und Daniel Wetzel. Die nächste Ausgabe von Theater der Zeit erscheint am 1. Mai 2014

Vorschau

Frau Kunzendorf, Sie sind dem Theater verloren gegangen. Sehr bedauerlich! Wie konnte es so weit kommen? Na ja, ich war ja sehr lange fest in Ensembles. Direkt von der Schauspielschule bin ich nach Mannheim engagiert worden, dann ans Hamburger Schauspielhaus, und mit einem Zwischenstopp in Berlin ging’s an die Münchner Kammerspiele. Das war eine glückvolle Zeit, aber doch so, dass ich mir nach einer Weile dachte, mir würde es guttun, Luft zu schnappen. Ich war sehr gerne festes Ensemblemitglied, das liegt mir grundsätzlich auch, aber man ist schon sehr gebunden. Das fängt damit an, dass man einen Urlaubsschein ausfüllen muss, wenn man die Stadt verlassen will. Ich hab mich tatsächlich danach gesehnt, eigenverantwortlich entscheiden zu können, was ich machen will. Außerdem habe ich große Freude am Drehen, nicht zuletzt, weil es meinem lampenfiebrigen Naturell entgegenkommt. Eine Rolle Abend für Abend aufs Neue wieder hochholen und neu finden zu müssen, kann zwar ganz toll sein, ist aber eben auch anstrengend, wenn man vor Vorstellungen so aufgeregt ist, wie ich es oftmals war. Beim Drehen genieße ich es, dass ich abends „erlöst“ bin von dem, was am Tag stattgefunden hat. Selbst dann, wenn ich manchmal unzufrieden bin und mir denke: O Gott,...

Was macht das Theater, Nina Kunzendorf?

Anfang der 1980er Jahre fiel es dem ZK-Sekretär Kurt Hager, später als Tapeten-Kurt bekannt, auf, dass Kunst und Kultur anders funktionieren als Politik und Propaganda. Dies auch den staatlichen Organen im Lande mitteilend, führte das in der Folge zu einem entspannteren Verhältnis mit den mit der Kulturpolitik zunehmend wenig zufriedenen Kulturschaffenden. Da auch beobachtet worden war – durch die allgegenwärtigen Horch-undguck-Organe –, dass es die Jugend der Republik am nötigen Elan beim Aufbau des Sozialismus fehlen ließ und auch vom „Kampf um den Frieden“ eine andere Vorstellung hatte als die führenden Genossen („Schwerter zu Pflugscharen“), ließ man der Jugend ihren Lauf (ein bisschen jedenfalls), und Genosse Hager befand, sie dürfe auch (ein bisschen jedenfalls) „unvernünftig“ sein. Vor diesem Hintergrund hatten der Zentralrat der FDJ und der Theaterverband beschlossen, „Jugendtheaterwerkstätten“ durchzuführen, mit Gastspielen, Lesungen, Diskussionsforen, frohes Jugendleben inklusive. Die erste fand 1985 in Schwerin statt, es folgten 1987 Potsdam und 1989 Gera. Da Theaterverband wie auch FDJ unterhalb ihrer politischen Spitzen eine Reihe von intelligenten und kritisch denkenden Mitarbeitern hatten, wurden auch kritische Künstler eingeladen, fanden die Veranstaltungen in einer bemerkenswert offenen Atmosphäre statt, in Gera – es waren gewitterschwühle Junitage – rumorte es schon ziemlich. In Diskussionsrunden mit der prominent...

Stasi-Aktionen in Gera liefen zum Teil ins Leere

Linzers Eck: Thüringer Scharmützel

Angstlos! Heimatlos?

Thtr Rmpe – so nennt sich Stuttgarts wichtigstes Off-Theater jetzt. Selbst an der Filderstraße prangt und funkelt groß in blauen Neonlettern der Schriftzug Rmpe. Wer hat das a geklaut? Natürlich niemand, doch das neue Leitungsduo – Marie Bues und Martina Grohmann – will den liebgewonnenen Namen ein bisschen infrage stellen, will mit ihm spielen: Vor allem das Prinzip Rampe – oben die aktiven Schauspieler, unten das passive Publikum – soll jetzt erst mal ausgedient haben. Statt der alten „Erhabenheit“, betonen beide Intendantinnen unisono, strebe ihr Team eine „neue, andere Zuschauersituation“ an – eine Begegnung auf „Augenhöhe“, kurz: „Wir beanspruchen zwar Deutungsmacht, aber keine Deutungshoheit.“ Die alten Schemata – Autor, Stück, Premiere – werden zielbewusst aufgeweicht, denn Bues und Grohmann begreifen „Theater als Prozess“, als eine Art gemeinsame, von Schauspielern und Zuschauern getragene Recherche. Die blaue Leuchtschrift Rmpe draußen an der Straße ist, so gesehen, ein programmatischer Stolperstein, ein Eyecatcher mit Hintersinn. Sagen wir es so: Marie Bues und Martina Grohmann versuchen ganz einfach, die Rampe (und das Theater darin) mal neu zu buchstabieren. Risikofreudig, mutig und konsequent: So begannen Marie Bues und Martina Grohmann ihre erste Spielzeit. Klar, dass ihr radikaler Schnitt – statt eines herkömmlichen Stücke-Spielplans boten sie im...

Unter dem neuen Leitungsduo Marie Bues und Martina Grohmann soll sich am Theater Rampe in Stuttgart eine utopische Gemeinschaft aus Künstlern, Wissenschaftlern und Bürgern ansiedeln

Kuhle Rampe

Ran ans Märchen! 

Schauspiel Erlangen: Im Theater der Transzendenz

- 10.4. Buchpremiere „Recherchen 108. Horst Hawemann – Leben üben“, Theater an der Parkaue, Berlin N 25.4. Buchpremiere und Lesung „Eisbilder – Neue Theaterstücke aus Finnland“, Heidelberger Stückemarkt - 26.4. Buchpremiere „TdZ Spezial – Finnland“ und Podiumsdiskussion „Das Theater als Volkssauna?“, Heidelberger Stückemarkt - 28.4. Büchertisch „MÜLLER-MONTAG“: Politisches Theater heute – nach Heiner Müller, Literaturforum im Brecht-Haus, Berlin N 29.4. Buchpräsentation „Bernd Stegemann: Kritik des Theaters“, Schauspiel Leipzig - 17.5. Büchertisch Tag der offenen Tür, Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“, Berlin N 24.5. Podiumsdiskussion „Gipfeltreffen. Erstes Schweizer Theatertreffen“, Theater Winterthur (CH) - 19.6. Buchpremiere „Recherchen 112. Parallele Leben“, Staatsschauspiel Dresden N 25.6. Buchpräsentation „Recherchen 108. Horst Hawemann – Leben üben“, Spurensuche-Festival, Fundustheater Hamburg Der Verlag Theater der Zeit war in den vergangenen Wochen in Berlin, Leipzig und Köln unterwegs. Im Berliner Maxim Gorki Theater feierte am 21. und am 22. Februar der 16. Band der Reihe Scène – Neue französische Theaterstücke unter dem Titel „Frankophone Realitäten“ mit szenischen Lesungen seine Premiere. Während der Leipziger Buchmesse wurde am 13. März ein neuer Recherchenband vorgestellt: Reenacting History: Theater &amp; Geschichte rückt das Reenactment als populärkulturelle und künstlerische Praxis in seinen Fokus. Einen Tag später wurde...

TdZ on Tour

Aachen Theater P. Schindler: Zirkus Furioso (M. Tavassoli, 05.04.) Aalen Theater K. Hensel: Ja, Brigitte! Ja! Ja! Ja! (K. L. Leinenweber, 05.04., UA) Annaberg-Buchholz Eduard-von-Winterstein-Theater W. Russell: Shirley Valentine oder: Die heilige Johanna der Einbauküche (T. Korber, 21.04.) Augsburg Theater W. Shakespeare: Hamlet, Prinz von Dänemark (M. Trabusch, 04.04.); J. Hillje/N. Erpulat: Verrücktes Blut (U. Goerke, 12.04.) Bamberg E. T. A.-Hoffmann-Theater D. Kelly: Die Opferung von Gorge Mastromas (F. Behnke, 26.04.) Basel Kaserne K. Hadjiioannou: Oder wem gehört die Welt (K. Hadjiioannou, 16.04., UA); The bianca Story: Gilgamesh must die! (D. Pfluger, 23.04., SEA) Theater W. Shakespeare: Ein Sommernachtstraum (M. Heinzelmann, 03.04.) Bautzen Deutsch-Sorbisches Volkstheater M. Frisch: Biedermann und die Brandstifter (T. Thomaschke, 11.04.); E. Zschornack/U. Pogoda: Chodzic po rukomaj (Auf Händen gehen) (L. Hillmann, 12.04., UA) Berlin Deutsches Theater F. Abt: Geschichten von hier IV: Was uns bleibt (F. Abt, 12.04.); F. Dürrenmatt: Der Besuch der alten Dame (B. Kraft, 17.04.) Maxim Gorki Theater G. Büchner: Woyzeck III (M. Borscht, 04.04.) Renaissance-Theater M. Rinke: Wir lieben und wissen nichts (T. Fischer, 10.04.) Schaubühne am Lehniner Platz T. B. Nilsson: Meat (T. B. Nilsson, 03.04.); R. Bolaño: 2666 (A. Rigola, 03.04.); B. Srbljanovic: Dieses Grab ist mir zu klein (M....

April 2014

Premieren

Theater der Zeit Jahresrückblick 2024

Helden braucht das Land. Tote Helden tun es allerdings auch, wie wir nicht erst seit Heiner Müllers „Philoktet“ wissen. Wir sind in der Sowjetunion Anfang der 1930er Jahre. Der Fleischwolf der Geschichte drapiert sich mit Pathos. Es ist die Zeit, da Michail Scholochow sein „Neuland unter den Pflug“ nimmt. Aber was wird aus denen, die sich eben noch zu Helden des Aufbaus berufen fühlten? Sie werden Ja sagende Funktionäre oder landen im Gulag. Wladimir Majakowski hat sich bereits das Leben genommen, als Nikolai Erdman seinen „Selbstmörder“ schreibt. Sein „Schwitzbad“ und „Die Wanze“ passen nicht mehr in eine Zeit, die mit Nikolai Ostrowski nun darüber räsoniert, „wie der Stahl gehärtet wurde“. Wer andere Meinungen darüber hat, wie man den Sozialismus in einem Land aufbauen soll (so etwa Bucharin), der wird zum Feind erklärt. Sklavenarbeit in Gulags sichert die Planerfüllung. Wenige Jahre später beginnt der große Massenmord. Erdman hat Glück, dass sein „Selbstmörder“ nie aufgeführt wurde, er überlebt in der Verbannung. Weniger Glück hat sein Freund Wsewolod Meyerhold, für dessen Theater Erdman schreibt. Meyerholds Symbolismus wird für formalistisch und also volksfeindlich erklärt – solch ein Urteil überlebt man unter Stalin nicht. Erst 1969 kam Erdmans „Der Selbstmörder“ zur Uraufführung. Es ist also...

Mittelsächsisches Theater: „Der Selbstmörder“ von Nikolai Erdman. Regie Annett Wöhlert, Ausstattung Hans Ellerfeld

Freiberg/Döbeln: Zirkus der Antihelden

Figurationen im Film

In Deutschland werden pro Jahr geschätzte 73 Milliarden Euro im Wellness-Bereich umgesetzt. Ein florierendes Geschäft mit dem menschlichen Körper, das es zu hinterfragen gilt, suggeriert es doch in seinen Werbestrategien ein verlogenes Bild von ewiger Schönheit und ganzheitlichem Wohlbefinden. Aber wie können wir, ohne schön, fit und entspannt zu sein, das alles schaffen, was wir in unserer Leistungsgesellschaft zu absolvieren haben? Dies sind die Fragen, mit denen sich das junge Performanceduo Holzinger &amp; Riebeek im letzten Teil seiner Trilogie „Wellness“ auseinandersetzte (die österreichische Erstaufführung war im Januar 2014 im Wiener brut im Rahmen des Themenschwerpunkts „Funny Feelings“ zu sehen). Für „Wellness“ verlassen die Künstler erstmals ihre intime Zweisamkeit und nehmen noch drei andere Darsteller (Christian Bakalov, Renée Copraij, Andrius Mulokas) mit auf die Bühne, als Möglichkeit, sich selbst als Künstler im Kontext gruppendynamischer Konfliktzonen zu erfinden. Als Orientierungspunkt dient ihnen in dieser Produktion das Schaffen der US-amerikanischen Pionierin des modernen Tanzes Martha Graham. Wie schon in „Kein Applaus für Scheiße“ und „Spirit“ stellen die Künstler ihre eigenen Körper als radikales und schonungsloses Mittel zur performativen Disposition. Die Frage, scheint es, lautet: An welchen Guru glauben wir? Ihre dramaturgische Wegbegleiterin Renée Copraij, bekannt als Ensemblemitglied des belgischen Starchoreografen Jan Fabre, tritt...

Das Wiener Performanceduo Holzinger & Riebeek übt Kritik am medial kaputtgetrimmten Körper

An welchen Guru glauben wir?

Der Notfall als Prinzip

Die digitale Masse

Das Theater mit den Finanzen

Der Schauspielerin Atina Tabé geht es bei der Schauspielkunst um die Dialektik von Schein und Sein, von Spiel und Spielen: „Im Vollzug des Spiels darf das Spielen nicht verloren gehen.“ Das Spiel ist für sie Aufmerksamkeit und Präsenz, nicht bloßes (Sich-)Darstellen. Es soll Schöpferisches und Neues schaffen. Beim Spielen erneuern sich ihre Bewegungen und schaffen dadurch unbekannte Möglichkeiten der Interpretation von Zeichen. Wenn sie gefragt wird, ob sie die Gefühle der Figuren fühlt oder sie kühl vorbringt, antwortet sie: „Ich lasse die Konzepte stehen und suche nach dem Körperduft der Figur. Ich nehme ihre Gerüche durch meine Nase wahr und spiele die Figur mit meinem Handwerk.“ Atina Tabé wurde 1984 in Teheran geboren. Im Alter von zwei Jahren kommt sie nach Berlin. Als Kind spielt sie immer wieder den Weihnachtsmann. Bei einer Schulaufführung, bei der jeder frei nach Belieben etwas vorführen darf, stellt die Drittklässlerin zwei Figuren in einer Person dar: die linke Seite als Frau mit blonder Perücke, die rechte als Mann verkleidet. In der Oberschule schließt sie sich einer Kabarettgruppe an. Nach dem Schulabschluss studiert sie Schauspiel und Gesang an der Filmschauspielschule Berlin. Vor und während ihrer Ausbildung wirkt sie bei mehreren Fernsehund Theaterproduktionen mit, unter anderem 2008...

Die Schauspielerin und Sängerin Atina Tabé fordert die Poetik der Werke heraus

Der Duft der Figur

Die performative Baustelle

Dass das Theater für Behinderte in letzter Zeit an medialem Interesse gewonnen hat, liegt möglicherweise am erfolgreichen Theatertreffen-Gastspiel des Zürcher Theaters HORA (nach Expertenmeinung eher ein Triumph des Choreografen Jérôme Bel als eine künstlerische Visitenkarte der Gruppe), auch an programmatischen Coups wie der Inszenierung von Anne Tismer am Berliner Theater Thikwa, die mit Behinderten eine Bühnenversion des Buñuel-Films „Der diskrete Charme der Bourgeoisie“ präsentierte. Die Arbeit des Berliner Theaters RambaZamba, 1991 von Gisela Höhne und Klaus Erforth gegründet und auf Festivals wie No Limits oder Grenzenlos gefeiert, hat mit all dem, vor allem mit dem Modeschlagwort Inklusion wenig zu tun. „Inklusion – was ’n ditte? Ein Wort, das die Realität überflügelt“, schreiben sie im Programmzettel zu „Am liebsten zu dritt“. Inklusion setzt voraus, dass da etwas Fremdes in eine bestehende Struktur inkludiert, eingeschlossen wird. Bei RambaZamba aber sind die Spieler die Hauptpersonen, die sich ihre eigenen Strukturen schaffen, nach ihren Bedürfnissen und nach ihren Fähigkeiten. Sie sind es, die Behinderten, die fähig und willens sind, offenen Herzens uns „Normale“ einzuschließen. Einerseits funktioniert RambaZamba wie ein ganz „normales“ Stadttheater, es basiert auf dem Ensemblegedanken und hält ein Repertoire vor (der Plan des ersten Halbjahrs 2014 nennt neun Inszenierungen), und dass es...

Vor über zwanzig Jahren gründete Gisela Höhne das Berliner Theater RambaZamba – jetzt wird sie mit dem Caroline-Neuber-Preis ausgezeichnet

Inklusion – was’n ditte?

Staatstheater Nürnberg: Globaler Zelluntergang

Nothing To Declare¹ ist eine forschungsbasierte Lecture Performance, die mit der Erkundung der Grenzen innerhalb des Libanon, jener des Libanon zu seinen Nachbarländern und den Grenzen in der arabischen Welt begann. Wir folgten den Bahngleisen im Libanon mit dem Ziel, eine Tour durch die arabische Welt zu machen, unsere Erfahrungen mit den Grenzübergängen zu dokumentieren und Visaverfahren aufzudecken. Die erste Reise sollte uns ausgehend von Beirut an die Grenzen des Libanon führen. Dabei machten wir frustrierende Erfahrungen mit den inneren Grenzen des Landes. Unsere Reisen wurden häufig von der libanesischen Armee, von Bahnhofswärtern und den Bewohnern der verschiedenen Regionen unterbrochen. Das Projekt entwickelte sich zu einer Reise, die den Bahnrouten durch den Libanon folgte, um eine Geschichte – oder vielmehr vielfältige Geschichten – von Kontrolle, Vertreibung, Unterbringung und manchmal auch Hoffnung zu erzählen. Auf unseren Reisen dokumentierten wir die unterschiedliche Nutzung der Schienenwege Jahre nach ihrer Stilllegung. Wir sammelten auch Geschichten, um die inneren Grenzen, die uns auferlegt wurden, zu hinterfragen. Nach und nach bemerkten wir, dass unsere Reise die Dringlichkeit der Diskussion über die Geschichte der Bahn und die unterschiedliche Nutzung der aufgegebenen Schienenwege deutlich machte. Das Projekt zielt heute darauf ab, unser Verständnis von gemeinsam genutztem Raum...

Die Eisenbahn im Libanon: Überlegungen zu einer Reise von Niederlagen und Möglichkeiten

Zehn mal zehn Prozent

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Es gibt ein Witzbild, vielleicht von F. K. Waechter, da sitzen im Hintergrund auf einer Stange fünf Hühner. Im Vordergrund gockelt ein Hahn vorbei. Die Hühner skandieren: Hühnerficker! Hühnerficker! Klar: Die Hühner ernten den uneingeschränkten Beifall der Bildbetrachter. Ähnlich hockt die SPD-Führung gerade auf der Stange der öffentlichen Empörung über Edathy und buhlt um Beifall, indem sie rigoros Position bezieht – die der eingeschworenen breiten Öffentlichkeit. Dafür haben sie ein Parteiausschlussverfahren gegen Edathy eingeleitet. Es geht ihnen vor allem darum, nicht in einen Sog zu geraten, in dem Edathy mit SPD gleichgesetzt werden könnte. Sie fürchten, die Kinderfickerpartei genannt zu werden. Sie gehen nicht um mit dem Thema Pädophilie, sie gehen nur um mit ihrer Angst vor Parteischädigung. Dafür gehen sie dem Thema aus dem Weg und distanzieren sich gnadenlos von einem ihrer besten (und womöglich glaubwürdigsten) Abgeordneten. Das Wahlvolk und die Presse brauchen was Handfestes. Was für eine Scheiß-Parteiführung! Aber sie sind nicht allein. Ohne vergleichbarer SPD-Not ausgesetzt zu sein, hat sich auch der Kommunist Gysi einen widerlichen Populismus zugelegt und distanziert sich vehement von dieser sexuellen Veranlagung. Es gibt offensichtlich im Moment keinen einigermaßen linken Politiker, der sich traut, das Thema zu diskutieren. Das Dilemma, das in graugrüner...

Über den Fall Sebastian Edathy

Der Aufstand der Hundertprozentigen

Theater ist überlebensnotwendig

Brennender Schatten

Staatstheater Mainz: Apfelstrudel aus der Tube

Diesmal bestimmen sie, was passiert. Drei Downies übernehmen das Kommando, nicht irgendwo, nein, im Theater. Also, nehmt euch in Acht. Drei Regisseure: zwei Männer, eine Frau. Das Sitzen im Regiestuhl macht sie mächtig. Einer, gespielt von Oliver Rincke, sieht aus wie Fassbinder. Hut, Sonnenbrille, Schal, Lederjacke. Bärtig ist er sowieso. Er spricht leise, manchmal verstehst du ihn kaum. Du musst dich bücken, um zu hören, was er von dir verlangt. Ein Machtmensch, klar. Noch mächtiger ist höchstens die Regiefrau, die später Anweisungen erteilt. Sie hält es nicht auf dem Stuhl, sie springt auf und treibt die Schauspieler zur Eile an. Vorsprechen okay, aber bitte zack, zack. Denn natürlich hat sie nicht ewig Zeit. Diese Regiefrau will ich kennenlernen. Sie heißt Sabrina Braemer. Bin auf der Probe für „Regie“. Wie „Dschingis Khan – eine Völkerschau“, der Theaterschlager mit unzähligen Gastspielen, ist auch „Regie“ ein Projekt von Monster Truck und Thikwa in Berlin. Mitte April kommt es in den Sophiensælen heraus. Zu sehen ist hier auch ein Film, in dem ein Gelehrter erwartungsgemäß kompliziert den Beruf des Regisseurs erklärt. Die Behinderten sitzen da und hören zu, ganz so, als gebiete es die Höflichkeit. Was aber nützt alle Theorie, jetzt, da sie ohnehin...

Wenn die Freaks vom Theater Thikwa Regie führen

Was soll ich dazu sagen?

Goethe lässt sein Epos „Wilhelm Meisters Wanderjahre“ im weiten Dunkel des Weltalls verklingen. In „Makariens Archiv“, dem letzten Kapitel des Werkes, sind 182 Aphorismen und Weisheiten versammelt, die im Kern besagen: Endgültige Einsicht in die Logik des Kosmos bleibt uns auf Erden verwehrt. Mensch und Welt, Natur und Kunst, Leben und Wissenschaft – auf dem Weg der Erkenntnissuche werden zahlreiche Antipoden formuliert. Ob das heute noch zeitgemäß ist, sei dahingestellt. Indes enthält es einen Funken Wahrheit, wenn das Verstehen von Welt als etwas ewig Unabschließbares erscheint. Wir fremdeln, ob wir wollen oder nicht, immer. Das ist nicht gut und nicht schlecht. Es ist schlicht der Gang der Dinge. Dass sich dieses Textes nun eine deutsch-russische Kooperation zwischen dem Figurentheater Wilde &amp; Vogel und dem Sankt Petersburger Ingenieurtheater AKHE angenommen hat, ist sinnfällig. Denn natürlich sind die kulturellen Praktiken von Künstlern diesseits und jenseits der Oder, der Düna oder der Wolga – oder wo immer sich auch die kulturellen Identitäten verschieben – unterschiedlich. Das Vorhaben war für den „Szenenwechsel“ der Robert Bosch Stiftung und des ITI, ein Förderprogramm internationaler Koproduktionen, geradezu prädestiniert. Der Leipziger Lindenfels Westflügel und das Stuttgarter FITZ! Zentrum für Figurentheater realisierten gemeinsam „Makariens Archiv“. Auf der Bühne agieren...

Die deutsch-russische Koproduktion „Makariens Archiv“ bewegt sich am Leipziger Lindenfels Westflügel suchend durch Goethes Aphorismenmeer

Vom andern Stern

Ende der Exception Culturelle

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sticky Fragments: Die Audiodeskription als Kunstform

Um unsere Träume ein Bauzaun

Peter Gente, 1936 in Halberstadt geboren, hatte 1970, herausgefordert durch den Pariser Mai 1968, in seinem Ungenügen an der Diskussion in Berlin mit seiner Frau Merve Lowien und Freunden den Merve Verlag gegründet, um die Erfahrungen französischer und italienischer Marxisten einzubringen. Das Programm: IMD – Internationale Marxistische Diskussion, Taschenbücher im Schulheftformat. 1975 kam die 25-jährige Heidi Paris und präsentierte, was in Paris Foucault, Deleuze, Guattari, Irigaray schrieben. Das Verlagskollektiv las den „Anti- Ödipus“ und löste sich auf; Peter Gente und Heidi Paris leiteten den Verlag nun allein. 1977 erschien „Rhizom“ von Deleuze/Guattari als Nr. 67: „Das Buch ist kein Wurzel-Baum, sondern Teil eines Rhizoms, Plateau eines Rhizoms für den Leser, zu dem es passt“, heißt es darin. Ein freies, erfahrungshungriges Denken brach sich Bahn. 15 000 Exemplare wurden verkauft. Nr. 68: „Der Faden ist gerissen“ von Deleuze und Foucault – im kleineren Format, 17 x 12 cm, zwischen Schulheft und Reclam auf kräftigem Papier, und IMD hieß nun Internationaler Merve Diskurs –, ein anderes 68 begann. Über das, was der „deutsche Herbst“ 1977 bewirkt hatte – Desorientierung und Rückzug –, führten Gente und Paris hinaus. Ohne Hegel, Marx, Freud. Alles war Anfang und ein Sprung mitten hinein. Kein Vorwort, kein...

Zum Tode des Merve-Verlegers Peter Gente

Der Sprung mitten hinein

Eine Wette auf die Zukunft

Es mutet heute wie ein Geniestreich an, dass Volker Schlöndorff die Rolle des Dichters Baal in der gleichnamigen Verfilmung von Brechts frühem Stück mit Rainer Werner Fassbinder besetzte. Baal und Fassbinder schienen wie füreinander geschaffen: in der ruppigen Distanz zur bürgerliche Gesellschaft; in der Negierung moralischer Regeln; in der unbändigen Lebensgier, so als gelte es, dem Tod jeden Tag aufs Neue ein Schnippchen zu schlagen. Fassbinder, der damals gerade begann, sich im Kinometier zu etablieren, ergriff die Chance, bei den Arbeiten zu Baal zu lernen, was es heißt, einen großen Spielfilm zu drehen. Schlöndorff nutzte Fassbinders Naturtalent, um Baal als versoffenen, Zigaretten fressenden, Frauen und Männer verschlingenden Künstler zu porträtieren: „Man muss das Tier herauslassen.“ 44 Jahre war dieser Film nicht mehr zu sehen, weil Helene Weigel ihr Veto eingelegt hatte. Sie argumentierte, Brechts Idee sei nicht mehr erkennbar, die „Reaktion eines ungebrochenen Ich auf die Zumutungen und Entmutigungen einer Welt“ zu zeigen, „die selbst asozial ist“. Das klingt einigermaßen absurd, denn schon in den ersten Szenen des Films, in einem bürgerlich-literarischen Salon, kommt diese Asozialität sehr wohl zum Vorschein. Was auch immer also den Zorn von Brechts Witwe hervorgerufen haben mag – wir wissen es nicht genau. Ihre Tochter...

Film: Das herausgelassene Tier

Mit Berlin verbindet man nicht nur eine experimentelle Clubkultur, sondern auch eine florierende Elektro-Avantgarde im Grenzbereich zwischen House, Ambiente und Neuer Klassik. Daniel Brandt, Jan Brauer und Paul Frick – kurz Brandt Brauer Frick – gelten mit ihrer Verbindung aus präzisen Techno-Strukturen und warmen, analogen Instrumenten als Stars der Szene. Auch international sind die Berliner längst viel gefragt; Grund dafür ist ihr mit großem Ensemble eingespieltes Album „Mr. Machine“ von 2011: ein junger Klassiker. 2013 legte die Formation um den einstigen Friedrich-Goldmann-Studenten Paul Frick ihr drittes Album vor. Der harte Lebensrhythmus aus ständigem Aufbrechen und Ankommen, dem sich die viel herumreisenden Musiker seit ein paar Jahren verschreiben, hat sich als Thema eingeschrieben. „Miami“ heißt die Platte verlockend, doch die Stimmung ist eher schattig und nachtwach statt ausgeruht. Neu ist, dass erstmals Gastsänger zu hören sind, etwa Underground-Grande-Dame Gudrun Gut oder Neosoul-Sänger Jamie Lidell. Statt der Akribie der vorigen Alben ist diesmal der Drang zur Spontaneität spürbar. Aus Jam-Sessions schälten sich Songs heraus. Für Reibungen im Klangbild sorgt die gewohnte Elektronik-Infusion um programmierte Bass-Drums, Handclaps oder krachige Störmanöver. Um den Badeort in Florida dreht sich das so betitelte Werk im Übrigen nicht. „Es geht nicht wirklich um Miami, sondern um einen...

Musik: Schattiges Miami

Florian Vaßen, emeritierter Professor für neuere deutsche Literatur in Hannover, hat die Heiner-Müller-Gemeinde mit einem Mammutwerk beschenkt. Eine Bibliografie, die auf fast 1800 Seiten alle Quellen auflistet, die sich auf den Autor beziehen. Ganz gleich, ob Drama, Lyrik, Prosa, Briefe, Schriften oder Theateraufführungen. Ganz gleich, ob auf Deutsch, Italienisch, Polnisch oder in welcher Weltsprache auch immer verfasst. Allein die Welle des Sekundären, die Müller verursachte, veranschaulicht, in welchem hohen Maß dieser deutsche Dramatiker die Kommentatoren und akademischen Einrichtungen bislang beschäftigte. Natürlich weiß jeder diesen Index zu schätzen, der sich einmal veranlasst oder gezwungen sah, im Kontext der Universität zu arbeiten. Wie viel wertvolle Zeit geht Tag für Tag bei der Suche nach Sekundärliteratur verloren? Die monströse Auflistung zeigt zugleich an, dass offenbar im Werk Müllers noch immer ein schwer zu kartografierendes Dunkel existiert, das die Forschung bislang nicht durchdrungen hat und das gelichtet werden will. In Florian Vaßens unglaublicher Recherche manifestiert sich jener Müller, der ein immer noch nicht abgeschlossener Fall für die Wissenschaft ist. Momentan ist die Frage, ob Müllers Werk die Epoche, aus der es stammt, überdauert, nicht entschieden. Auch nicht, wie viel Wert den zahllosen Facetten, die es spiegeln, noch innewohnt, nachdem die digitale Revolution das Industriezeitalter...

Florian Vaßen: Bibliographie Heiner Müller. Aisthesis Verlag, Bielefeld 2013, 3 Bände, 1786 S., 188,00 EUR.

Datenbank für Enthusiasten

Dieser Abend bunkert strapaziöse, peinliche und langwierige Momente, mit Betonung auf Momente. Daneben gelingt dem bilderstürmenden Regisseur Robert Borgmann nämlich eine ungeheuerliche Deutschland-Austreibung, die den „Urfaust“ zum Ausgangspunkt einer nationalen Selbsterkundung nimmt. Dabei kommt alles auf den Prüfstand: Kultur, Politik, Menschenbild, Geschichte. Zu Anfang äußert sich das in einem wilden Potpourri, das den Faust-Monolog mit deutschen Volksliedern, Schlagern der Neuen Deutschen Welle und Positionen der Roten Armee Fraktion kreuzt, bis endgültig klar ist, wo wir uns befinden: im deutschen Untergrund. Fußball, ein bisschen Frieden und Holocaust schneidet der Abend unverfroren zu einer einzigen Grimasse, dazu ertönt live eingespielte Gespenstermusik. Die Bühne gleicht einer Wunderkammer, links eine schäbige Wand mit grüner Tür ins Nirgendwo, dahinter ein paar mickrige Birkenstämme, vorne eine Sitzgruppe, rechts weiteres Mobiliar und romantisch gemeinte Kreidefelsen. Hier und dort brennen Kerzen in sakralem Ambiente. Anfangs sind die Figuren schwarz angezogen und tragen etwas zu Grabe, das durchaus Deutschland sein könnte. Ein Requiem ist dieser Abend nämlich auch, eine Messe für eine Nation und den Mythos vom alten Manne, dem die Jugend zum Verhängnis werden möchte. Faust tritt in Mainz in der schön rauschhaft kaspernden Gestalt von Stefan Graf auf, zuerst junger agiler Triebtäter, später traurig starrender Greis, dem...

Staatstheater Mainz: „Urfaust“ nach Johann Wolfgang von Goethe. Regie Robert Borgmann, Bühne Rocco Peuker, Kostüme Zarah Lili Gutsch

Mainz: Fuck us, Goethe!

Eine Stunde null gibt es nicht. Alles hat seine Vorgeschichte, auch die Entstehung der Widerstandsgruppe Antikominform 1949 in Altenburg. Es sind Schüler der Erweiterten Oberschule „Karl Marx“, die mit Flugblatt- und Störsenderaktionen gegen die stalinistische Ausrichtung der gerade gegründeten DDR protestieren. Sollte nicht nach dem Untergang des Dritten Reiches alles anders werden? Weg mit der Untertanenmentalität, kein Führerkult mehr und endlich eine demokratische Gesellschaft, in der der Einzelne mehr sein darf als ein ideologisches Funktionselement von Staat und Partei? Nicht alles noch einmal von vorn, wir müssen uns wehren! So lautete die Absprache in jener Widerstandsgruppe, in der sich gut ein Dutzend Altenburger Lehrer und Schüler zusammenfanden. „Die im Dunkeln“ ist ein Lehrstück über Diktatur und individuellen Protest, aber auch über die ideologische Funktionalisierung derartiger Aktivitäten in Zeiten des Kalten Krieges, wie durch jene obskure von der CIA gesteuerte „Kampfgruppe gegen Unmenschlichkeit“ (KgU), von der man sich in Altenburg fernzuhalten versuchte. Eine Geschichtsstunde vor Ort, eine Ermittlung (Inszenierung Bernhard Stengele). Das Stück hat die Autorin Mona Becker für das Theater Altenburg/Gera geschrieben – Zeitgeschichte und Familiengeschichte durchdringen sich dabei. Vielleicht könnten derartige speziell auf eine Region zugeschnittene Dokumentarstücke für das Stadttheater ein Weg aus der Krise sein? Das große Interesse...

Landestheater Altenburg/Bühnen der Stadt Gera: „Die im Dunkeln“ (UA) von Mona Becker. Regie Bernhard Stengele, Ausstattung Gesine Pitzer

Altenburg/Gera: Ermittlung vor Ort

Zum Schluss leuchtet nur noch der gekrümmte Zeigefinger des Dirigenten in die Dunkelheit und sieht dabei aus, als vollführe er einen göttlichen Fingerzeig. In „Vortex Temporum“ bewegen sich sieben Tänzer der belgischen Kompanie Rosas in einer Choreografie Anne Teresa De Keersmaekers zu den wunderschön widersprüchlich vielschichtigen Klängen des 1998 verstorbenen Komponisten Gérard Grisey. Gemeinsam mit sechs Musikern des Ensembles Ictus setzen sie ihre Körper im Raum aus und erkunden die Dimensionen des Saals und des Seins. Während die Tänzer sich den Klängen hingeben wie kosmischen Ziehkräften, beginnen auch die Musiker zu tanzen, bis die Grenzen zwischen den Künsten flirren und sich in immer neuen Formationen auflösen. Uraufgeführt wurde „Vortex Temporum“ im vergangenen Jahr bei der Ruhrtriennale; im Frankfurt LAB war es jetzt auf Einladung des Frankfurter Künstlerhaus Mousonturm wieder zu bestaunen. Eines der Geschenke, die sich das Künstlerhaus zum 25. Geburtstag selbst machte. Zum Ende des Jahres 1988 wurde es von Dieter Buroch ins Leben gerufen und danach 23 Jahre lang geleitet; heute ist der Mousonturm aus dem Kulturleben nicht mehr wegzudenken. Das Jubiläumsprogramm eint prominente Stammgäste wie Philippe Quesne, She She Pop, Tim Etchells, Antony Rizzi, Gob Squad, Rimini Protokoll und viele andere. In Ausstattung und Zielsetzung vergleichbar mit...

Mit Projekten aus Ländern außerhalb Europas will uns Matthias Pees, neuer künstlerischer Leiter des Frankfurter Künstlerhaus Mousonturm, zur Selbsterneuerung aufrufen

Bleibt wach!

R Ä U M E

Bei Rilke gibt es den apodiktischen Satz: „Du musst dein Leben ändern.“ Ihr Stück heißt „ändere den aggregatzustand deiner trauer“. Das scheint mir recht fatalistisch in dieser Stilisierung, schon jenseits einer Wirklichkeit, in der das Leben sich überhaupt ändern ließe. In welcher Form der Realität ist der Text angesiedelt? Der Gestus ist der des Untoten. Gemeint ist damit das Individuum in der Gemeinschaft, die es zwar gibt, jedoch kommt es in dieser „Feigheit der Gruppe“ auch wieder nicht vor. Es dominieren glasklare Flächen, die alle Widerstände wegätzen. Ein moderner Totentanz also? Eine szenische Meditation über die Tatsache, dass dem Natürlichen der Raum genommen wird. Auf der inhaltlichen Ebene: eine Anordnung der Geschehnisse und Umstände um den frühen Freitod eines Jungen. Es ist für alle zur Sprache Kommenden – Kernfamilie, die dörfliche Gemeinschaft, die sich im Wesentlichen bedroht fühlt durch diese Ballung an Autoaggression – wie ein Sprechen aus der Depression heraus. Im Text ist selbst der Tod zur Ich-AG verkommen, die Larven und ihre Maden sind hungernde Tierchen, bald auf der Liste der bedrohten Tierarten zu suchen, da Sterbevorgänge derart marginalisiert wurden. Die Form des Textes ist ungewöhnlich. Es gibt keine Handlung, keine Dialoge, dafür einen einzigen Monolog, der fragmentarisch...

Katja Brunner über ihr Stück „ändere den aggregatzustand deiner trauer“ im Gespräch mit Gunnar Decker

Die Selbstentfesselungskünstlerin

Die Angst hat ihren Ort im Gehirn in der Amygdala. Wenn dort ein Tumor wächst, muss man sich entscheiden zwischen operieren – was bedeuten kann, dass man zukünftig ein gefühlstotes, betäubtes Leben führt – und nicht operieren, was den Tod zur Folge hat. Im Endeffekt ist das eine Entscheidung, die von der Angst diktiert wird. In Markus Orths’ Stück Die Entfernung der Amygdala steckt die Protagonistin Nina Krohn in diesem Wahnsinnsdilemma. Dazu kommt, dass Nina Angst hat, ihrem Mann von dem Tumorbefund zu erzählen. Die Ärztin, die ihr dabei helfen soll, entpuppt sich als unfähig, weil sie mit Ninas Mann einen One-Night-Stand hatte. Und was macht Nina? Sie will alles über den Tod herausfinden und steigt dazu sogar in einen Sarg. Markus Orths hat eine außerordentlich komische Tragödie über den Tod geschrieben, die in der Spielzeit 2013/14 am Theater Baden-Baden uraufgeführt wurde. Wenn durch Werksschließungen Arbeitsplätze oder womöglich ganze Berufsstände „verschwinden“, dann hat das nicht nur negative Folgen für die Beschäftigten, sondern auch für deren Familien und ortsansässige Geschäfte. Der Kohlebergbau ist seit Langem in einem Niedergang begriffen. Wie gehen Jugendliche damit um, wenn Regionen deshalb kaum noch Perspektiven bieten? Ginette, Tochter eines frühpensionierten Grubenarbeiters, will beim Tanzwettbewerb der Majorettengarde...

Hörspiel: Eine Entscheidung der Angst

für Maximilian R. womögliche Zielsetzung den aggregatzustand der eigenen trauer zu ändern. ist er fest, ist er ein stein im bauch, der vom herzen her in den bauch hängt, das herz schwer macht und lang zieht, länger als es gerne sein möchte. ist er flüssig, wohnt er im blut und verteilt sich überall hin, haltlos durchdringt er kapillaren, venen, usw bis in die hinterste und dürftigst durchblutete ecke des körpers. ist er gasförmig, ist die trauer zwar aus dem körper draussen, dafür in der luft. zur Sprache gehen eine alt Gewordene ein Kindwesen der Fuchs Mama Maden und ihre Larven der Tod Schwester(n) Grundsätzlich gilt: Es könnte auch jedes gesprochene Wort aus demselben sich dem Tod Überantworteten strömen. Sowie: Kommt darauf an, von wo man schaut, aber es ist strittig, ob und dass die Toten tatsächlich tot sind. BESTATTUNGSSZENAR – ALLE – Triumphal hat er Dinge in Gang gesetzt – mit seinem Ableben – Ja, schau genau, sein Ableben versöhnt Familiengehängsel, die normalerweise so tun, als könnten sie sich nicht mal beim Vornamen rufen – Siehst du das auch, da, wie Risse, die traditionell innerfamiliär derartige Schlünde aufgetan hatten, ja, wie diese Risse jetzt zusammengenäht werden, sich Naht an Naht...

ändere den aggregatzustand deiner trauer

■ Elisabeth Schweeger wird im September in der Nachfolge von Hans-Jürgen Drescher die Leitung der Akademie für Darstellende Kunst im baden-württembergischen Ludwigsburg übernehmen. Staatssekretär Jürgen Walter betonte ihre umfassende Theatererfahrung in verschiedensten Positionen sowie ihre langjährige Lehrerfahrung im In- und Ausland. Derzeit ist die gebürtige Wienerin noch Intendantin der KunstFestSpiele Herrenhausen in Hannover. ■ Nach 22 Jahren übergibt Udo Balzer aus gesundheitlichen Gründen die Leitung der Mülheimer Theatertage an Stephanie Steinberg, die bereits seit vielen Jahren für die Organisation des Festivals zuständig ist. In diesem Jahr sind folgende Stücke für den Dramatikerpreis nominiert: „Archiv des Unvollständi- gen“ von Laura de Weck, „Und dann“ von Wolfram Höll, „Alltag &amp; Ekstase“ von Rebekka Kricheldorf, „Du (Normen)“ von Philipp Löhle, „Gasoline Bill“ von René Pollesch, „Qualitätskontrolle“ von Rimini Protokoll und „am beispiel der butter“ von Ferdinand Schmalz. Die nominierten Kinderstücke finden Sie unter <a href="http://www.kinderst%C3%BCcke.de" target="_blank">www.kinderstücke.de</a> ■ Frie Leysen, Schauspieldirektorin der Wiener Festwochen, wird ihren Posten Ende Juni verlassen. Der Abschied der international renommierten Festivalmacherin erfolge „im besten beiderseitigen Einvernehmen“. Das Schauspielprogramm der Festwochen wird 2015 von Stefan Schmidtke und 2016 von Marina Davydova kuratiert werden. ■ Tim Renner wird neuer Kulturstaatssekretär in Berlin und tritt damit Ende April die Nachfolge von André...

Meldungen

Das Ährenfeld als stille Utopie

Schauspiel Essen: Unnachgiebig behutsam

Zwei junge Regisseure – beide auf Festivals entdeckt, beide inszenieren erstmals in Deutschland –, zwei starke Bühnenbilder. Simon Stone, Jahrgang 1984, ist Australier, Bram Jansen, Jahrgang 1988, Niederländer. Alice Babidge hat für die „Orestie“ einen Boxring geschaffen, über den sich für die zahllosen Short Cuts von Stones Bearbeitung der „Orestie“ eine schwarze „Box“ stülpt – die dann jeweils ein verändertes Setting freigibt. Guus van Geffen hat einen Teil der Szene für Schnitzlers melancholische Fin-de-Siècle-Komödie „Anatol“ unsichtbar gemacht: Eine Garderobe, in der „die Frau“ sich umzieht und auf ihre Auftritte wartet, versperrt die Sicht; was sich dahinter abspielt, sieht der Zuschauer in einer Suite von sich teilweise rundenden (Zerr-)Spiegeln. In beiden Fällen – vor allem bei der „Orestie“ – ist dies allerdings schon das Interessanteste, was man über die Inszenierungen sagen kann. Stone erzählt die „Orestie“ völlig neu, ins Hier und Heute versetzt, was kaum funktioniert, da sich das Pathos der Geschichte nicht beliebig in die Banalität einer Daily Soap transformieren lässt, ohne das Wesentliche daran zu beschädigen. Stones Kammerspiel spult sich rückwärts ab. Es beginnt also mit der Tat des Orest, der seine Mutter abknallt. Klytaimnestra hat sich verraten, indem sie in geistiger Verwirrung ihren Sohn mit ihrem Gatten verwechselte....

Theater Oberhausen: „Die Orestie“ nach Aischylos von S. Stone. Regie S. Stone, Ausstattung A. Babidge; „Anatol“ von A. Schnitzler. Regie B. Jansen, Bühne G. v. Geffen, Kostüme N. Turlings

Oberhausen: Versperrte Sicht

HOKO, der berühmte Kriegstanz der Rapa Nui bildet – neben anderen auf der Osterinsel rekonstruierten polynesischen Tanzformen – das choreografische Ausgangsmaterial für WAR. In einem von Tourismus geprägten Umfeld sind diese traditionellen Tanzformen zugleich identitätsstiftend und Überlebensstrategie. WAR thematisiert die Teilung von Kunst in zeitgenössisch vs. folklorisch als eine Fortsetzung kolonialistischer Verhältnisse und benutzt das Rapa-Nui-Repertoire, um das Motiv des Krieges auf eine globale Ebene zu übertragen. WAR ist ein getanztes Manifest gegen die fortschreitende Homogenisierung von Kunst und Welt, den zahlreichen unterdrückten, veränderten und verlorenen Perspektiven gewidmet. Traditional art and folklore are always thought of as being something static, that doesn’t change or evolve, and as something that must be »original« in the sense of being authentic. While doing a research on war dances we discovered HOKO, a war dance from Rapa Nui, very popular on the island. While conducting interviews with the dancers and choreographers working on the island, it became clear to us that HOKO was not an old form of dance. When asking more detailed questions we found out that the dance had been created to satisfy the expectations of tourists that visited the island during the touristic boom. HOKO had emerged on Easter Island...

WAR. Ein Kriegstanz

Dramaturgie der Solidarität

Entwurfsprozesse und Akteure: Ein Theaterhaus für Karl-Marx-Stadt

1 Der Einstieg in das komplexe Thema, an dem ich mich hier als ausgewiesener Nichtfachmann beteiligen soll, gelingt mir am besten über Julia Häusermann. Ich hatte bis zu dem Tag, an dem ich Julia Häusermann und HORA beim Berliner Theatertreffen sah, praktisch nichts über das Theater der Behinderten (oder wie auch immer man es nennt, nennen darf, nicht nennen darf, nennen soll – das ist, wie bei vielen Begriffen, die uns in tiefe Unsicherheit stürzen, ein heikles Terrain) gewusst. Ich hatte auch nur ein-, zweimal etwas gesehen (als in Berlin Wohnender natürlich RambaZamba). Ich war – wie wohl jede fühlende Brust – berührt und voller Anerkennung. Bei HORA sollte ich nun eine Meinung, gar ein Urteil äußern. Das Besondere an der konkreten Aufgabenstellung war, dass die Produktion von HORA zusammen mit neun deutschsprachigen Aufführungen von Stadt- und Staatstheatern zur Wahl stand. Die Aufforderung lautete, aus dem Gesamtensemble der Schauspieler und Schauspielerinnen des Theatertreffens 2013 einen auffälligen Nachwuchskünstler zu benennen. Es gab von niemandem einen begleitenden Kommentar zum Auftritt von HORA. Wenn es Nachwuchs heißt, sollte es Nachwuchs sein: Ich habe mir bei ungefähr Anfang dreißig selbst ein Limit gesetzt. Diese albernen Nachwuchsprämien für Leute um die vierzig wollte ich nicht....

Theater mit Behinderten

Kunst ist Kunst

Disappearing Birdie Coonan

Der Tod holte Fritz Marquardt im März, nicht auf einem schneebedeckten Feld, wie er gehofft hatte, sondern im Bett. Damit verschwand einer der ungewöhnlichsten Regisseure seiner Zeit aus dem Leben. Einer, der stets zu signalisieren wusste, dass seine Heimat unten ist. „Wie Fritz aus dem Auto ausstieg, von Zadek an der Tür begrüßt wurde und ihn dessen Blick traf: ‚Der Blick des Großbauern auf den Kleinbauern‘“, so erinnert sich Stephan...

Hoffnung schaffen

Ist das politisch oder machen wir Urlaub?

Kultur-Kahlschlag und seine Folgen 

Anfangszeiten der Inklusion

Mauricio Dias (geb. 1964) und Walter Riedweg (geb. 1955) sind ein bemerkenswertes Künstlerpaar. Ihre Begegnung vor 20 Jahren in Basel war folgenreich für die Zusammenarbeit des aus Rio de Janeiro stammenden Künstlers und des Musikers aus Luzern. In ihrer ersten gemeinsamen Aktion in Rio de Janeiro nahmen sie Wachsabgüsse von Händen und Füßen von tausenden Straßenkindern und arrangierten sie wie Devotionalien in den Favelas. Das Projekt erwies sich als ein Meilenstein der New Public Art der 1990er Jahre. Es spaltete die Gemüter, weil nie vorher so unverblümt die Scheinheiligkeit des südamerikanischen Katholizismus kritisiert wurde. Als Roger M. Buergel sie dann zu einer Videoarbeit für seine documenta 12 der „Migration der Form“ (2007) ermunterte, verblüfften sie die Kunstwelt mit einer spektakulären Nacherzählung der Lebensgeschichte von Hans Staden, der während einer Brasilienexpedition vor 500 Jahren in Gefangenschaft geriet, mit dem Leben davonkam und einen Reisebericht über die Tupinambá-Indianer verfasste, die ihre Feinde verzehrten, um sich deren Kultur anzueignen. Zu einem solchen Horrortrip ist die von Fanni Fetzer kuratierte Retrospektive mit dem Titel Kleine Geschichten von Bescheidenheit und Zweifel im Kunstmuseum Luzern nicht geraten. Vielmehr liefert die Schau einen ersten Überblick über all das, was den beiden in den vergangenen Jahren wichtige Anliegen...

Kunst: Das Leben ist eine rebellische Tat

Der Regisseur Herbert König (1944 – 1999) hat in der DDR, der Bundesrepublik und im wiedervereinigten Deutschland unter sehr verschiedenen gesellschaftlichen und sozialen Umständen inszeniert. Allein seine Arbeit von 1973 bis 1982/83 in der DDR kann ich hier im Umriss andeuten. Herbert Königs Regiearbeit war für eine kleine, aber wesentliche Gruppe von Schauspielern und Regisseuren in der DDR wegweisend. Symptomatisch für die Theaterpolitik der DDR war, dass er unnachgiebig von der Stasi-dirigierten Kulturbürokratie in seiner Arbeit behindert wurde. König war seit 1976 neben dem ihm ästhetisch-methodisch nahestehenden Jürgen Gosch wohl der einzige bedeutende dissidente Schauspielregisseur in der DDR. Seine Inszenierungen wurden von vielen unangepassten, widerständigen Schauspielkollegen aus der Republik gesehen, während sie vom jeweils ortsansässigen Publikum teilweise ignoriert, auch angegriffen und nur von der Minderheit verstanden und freudig akzeptiert wurden. Dissidenz stand nicht hoch in der Publikumsgunst; opportunistisches Lavieren war viel beliebter … König vermochte, entgegen allen Fährnissen, ein gesellschaftskritisches, radikal existenziell-anthropologisch gerichtetes Schauspieltheater unter den ganz abträglichen Bedingungen eines staatlich sanktionierten, ihm fremden theaterästhetischen Diktats samt einer ihm reserviert bis feindlich gegenüberstehenden theaterpolitischen Kritik / Aufsicht / Zensur zu realisieren. König wurde von der veröffentlichten affirmativen Theaterkritik entweder – und das kann durchaus beschützend gemeint gewesen sein – verschwiegen,...

Eine Erinnerung an den Regisseur Herbert König

Die verschwundenen Inszenierungen

Nationaltheater Mannheim  Aus der Sprache kriecht die Angst

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

Herr Stegemann, mit Ihrem Buch „Kritik des Theaters“ plädieren Sie dafür, dass Theater wieder zu einer kritischen Instanz in einer spätkapitalistischen Öffentlichkeit wird. Das ist sicherlich kein einfaches Unterfangen in einer Gesellschaft, die sich im Grunde vor der Zukunft fürchtet. Intellektuelle Kritik, wie sie mit den großen Namen von Kant bis Adorno verbunden ist, besagt, dass es die primäre Aufgabe des Intellektuellen ist, ein kritisches Denken öffentlich zu machen. Publizität war immer elementarer Bestandteil von Kritik. In diesem öffentlichen Vorgang der Kritik spielte das Theater eine fundamentale Rolle, denn Theater ist eine spezifische Form der Veröffentlichung wie der Kreation von Öffentlichkeit. Wenn man heute Theater macht, stellt sich die Frage: Welchen Weg muss man in einer Probenarbeit beschreiten, damit das, was am Ende auf der Bühne den Abend strukturiert, mehr ist als die Bestätigung der ästhetischen Intelligenz der Zuschauer? Denn das wäre eine zutiefst affirmative Geste, die allein ein bestimmtes Selbstbild feiert. Dieses Selbstbild ist das des Eigentümers. Eines Eigentümers an seinen eigenen seelischen Fertigkeiten, seiner eigenen Bildungsgeschichte, also seiner Stellung in der Gesellschaft und seiner Stellung innerhalb des Regimes des Kapitalismus. Diesem Narzissmus gegenüber dem eigenen symbolischen und realen Kapital wird gehuldigt, wenn auf der Bühne Ereignisse produziert...

Schuld, Schmerz und Widersprüche sicht- und fühlbar zu machen ist die Zukunftsaufgabe des Theaters. Ein Gespräch mit dem Theaterdenker Bernd Stegemann von Frank Raddatz

#6 Das Ende der Versöhnung

Guilt-Trip durchs Vogtland

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Staatstheater Kassel: Alles ist doppelt

Irgendwann habe ich mich mit Fritz Marquardt über das Sterben unterhalten: Meine Hoffnung auf einen lauen Sommertag mit sich vom Wind leicht bewegenden Leinenvorhängen konterte er sehr unromantisch: „Bei Kälte im Schnee auf dem Feld.“ Und „verrecken“ hat er gesagt, „verrecken“ – das K hat er knallen lassen, man wusste sofort, dass das ein kreatürlicher, nicht unbedingt schöner Vorgang ist. Am 4. März ist er gestorben, im Bett im Krankenhaus in Pasewalk. Er wird mir fehlen und nicht nur mir, weil er ein außergewöhnlicher Mensch war. Man liebte ihn, auch wenn man mit ihm nicht einer Meinung war. Zum ersten Mal bin ich Fritz Marquardt 1987 in der Kantine des Deutschen Theaters nach einer Probe zu Heiner Müllers Inszenierung „Der Lohndrücker“ begegnet. Müller wollte Marquardts Meinung wissen; der holte in seiner etwas stockenden, beinahe drucksenden Art aus und beschrieb mit großer Genauigkeit, was er gesehen, was ihm missfallen hatte, und machte vorsichtig Vorschläge zur Veränderung. Die gipfelten in dem Satz: „Einfach die Wand agitieren.“ – Mir gefiel Fritz Marquardt, ich lernte ihn im Kontext Müllers schnell kennen. Zehn Jahre zuvor hatte ich zum ersten Mal „Die Bauern“ und „Der Menschenhasser“ gesehen, Inszenierungen Marquardts in der ersten „goldenen Zeit“ der Volksbühne....

Zum Tod des Regisseurs und Schauspielers Fritz Marquardt

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„Shakespeare ist ein Spiegel durch die Zei- ten, unsere Hoffnung eine Welt, die er nicht mehr reflektiert. Wir sind bei uns nicht ange- kommen, solange Shakespeare unsere Stücke schreibt“, konstatierte Heiner Müller 1988, kurz bevor die DDR unterging und die Geister von Hamlet, Macbeth und Lear aus den Theatern auf die Straßen und Rednertribünen stiegen. Das ist über 25 Jahre her und noch immer schreibt Shakespeare unsere Stücke. Zu seinem 450. Geburtstag hat der Audio Verlag nun vier Hörspielproduktionen von sehr unterschiedlicher Qualität herausgebracht. Die Koproduktion „Macbeth“ von Schweizer und Bayerischem Rundfunk von 1968 mit der Musik von John Buckland klingt heute wie eine Hörspielvariante der Royal Shakespeare Company, hat aber mit Siegfried Wischnewski und Marlene Riphahn zwei überzeugende Sprecher in den Titelrollen. Ein Tondokument ersten Ranges ist der „Othello“ vom Rundfunk der DDR aus dem Jahr 1970 mit Reimar Johannes Baur als Othello, Fred Düren als Brabantio und Petra Hinze als Desdemona. Das halbe Ensemble des damaligen Deutschen Theaters ist in dieser Produktion unter der Regie von Gert Andreae zu hören und vermittelt einen Eindruck, mit wie viel Phantasie und Präzision seinerzeit in der Schumannstraße Shakespeare gespielt wurde. Ebenso beeindruckend der „König Lear“ von SFB und SWR von 1982...

Auftreten und leuchten

Assoziationen

Theater

RambaZamba Theater

Theater HORA

Recherchen 94

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