Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Es ist schon erstaunlich, wie sich das Interesse an Brigitte Reimann in den letzten Jahren immer weiter gesteigert hat. Was genau dahinter steckt, ist schwer auszuloten, denn die von ihr beschriebenen Lebenswelten erscheinen heute aus einer fernen, vergangenen Zeit. Die Zahl der postumen Veröffentlichungen übersteigt mittlerweile die der zu Lebzeiten (1933–73) erschienenen Werke Reimanns. Die Biografie des Literaturwissenschaftlers Carsten Gansel mit dem Titel „Ich bin so gierig nach Leben“ ergründet den Werdegang der Autorin, die Kontexte ihrer Erzählungen, Hörspiele und auch eines ungewöhnlichen Filmfeuilletons, dazu die Krankheitsgeschichte bis zu ihrem frühen Krebstod, aber diese Frage nach der heutigen Bedeutung Brigitte Reimanns wird auch auf diesen 700 Seiten nicht beantwortet. „Franziska Linkerhand“, die Geschichte einer jungen Architektin in den Mühlen der frühen DDR, bleibt als unbeendetes Hauptwerk der Autorin unbestritten und wird inzwischen – eher retrospektiv – als „Kultbuch“ gehandelt. Auch im Theater hat „Franziska Linkerhand“ schon eine ausgewachsene Biografie. Sie beginnt 1978, damals waren Romanadaptionen noch etwas sehr Seltenes, in Schwerin mit Christoph Schroths Inszenierung einer von Bärbel Jaksch und Heiner Maaß geschriebenen Fassung. Vor fünf Jahren inszenierte Daniela Löffner das Buch am Deutschen Theater Berlin als Hauptakt zum Spielzeitmotto „30 nach 89“ und somit als Beitrag für eine vertiefende...

Brigitte Reimanns Roman „Franziska Linkerhand“ in zwei konträren Auffassungen am Staatstheater Cottbus und am Berliner Maxim Gorki Theater

Bauend scheitern

Nichts ist ok. Alles ist anders. Klammes Gefühl im Bauch. Angst? Wirklichkeit, die einsickert ins Bewusstsein. 80 Jahre Frieden und steigender Wohlstand, kein Normalzustand. Das „Normale“ kommt nicht zurück, auch wenn wir es uns so gewünscht haben, nach dieser wahnsinnigen Zeit mit Corona, auch wenn wir uns suggerieren, unsere „alte Normalität“ funktioniere weiter mit neuen Geräten. Die Komfortzone ist vorbei, natürlich auch in den Theatern, jetzt geht es um alles. Und keiner weiß, wie es ausgeht. „Zeitenwende“ ist so ein Wort, das suggeriert, irgendwo wären die Voraussetzungen unserer Welt um 180 Grad gedreht worden, und jetzt müsste man einfach eine beherzte Wendung hinlegen, um wieder auf dem richtigen Kurs zu sein. Viel übler, viel bitterer das Eingeständnis, dass sämtliche unserer großen Erzählungen nicht stimmten, und zwar schon lange nicht mehr. Die Zeitenwende ist das Ergebnis ausgeblendeter Wirklichkeiten und Widersprüche. Die wirtschaftliche Erzählung („Wachstum kommt allen zugute, Wohlstand = Konsum = Demokratie“) beißt sich aufs Schärfste mit der wissenschaftlichen Erzählung („Die Beschleunigung unseres Ressourcenverbrauchs ist mörderisch, die Erde ist dabei, kaputtzugehen.“). Alles, was uns Zuversicht und Stolz gegeben hat, weil wir uns gern als Teil des Fortschritts gesehen haben, engagiert für eine weniger ungerechte Welt, dreht sich um, spricht gegen uns....

Neue Serie: Dramaturgie der Zeitenwende #03 – Die Wirklichkeit nicht in Ruhe lassen!

Warum wir neue Demokratieerzählungen brauchen

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Frühlingstheater

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Die Emanzipation der Produzenten und ihre Grenzen: racialization als Instrument der Warenkritik

Amerika will es also wirklich noch mal wissen mit diesem Präsidenten. In Deutschland will der Chef der Grünen Partei an die Macht, an der „kabbeligen“ Ostsee herrscht Nebel, in Güstrow wird ein neuer Bürgermeister gewählt und im Theater mit großem Orchester „Don Quixote“ von Richard Strauss aufgeführt – am Cello ein Weltstar: David Geringas. So hätte Uwe Johnson vielleicht diesen Tag dokumentiert. Und am Ende seine mecklenburgische Heldin auf die Fähre gesetzt, mit der New York Times unterm Arm, vorbei an der Freiheitsstatue, die den Kopf gerade ein bisschen hängen lässt. In New York hat Johnson ein paar Jahre gelebt und mit den Jahrestagen einen Weltbestseller gelandet. Der Mittelpunkt seiner Welt als Jugendlicher aber war bis zu seinem Abitur 1952 die Kleinstadt Güstrow in Mecklenburg. Es gibt keine Auskünfte darüber, doch man kann davon ausgehen, dass er als Jugendlicher dort auch im Theater war. Noch im Mai 1945 war in dem kleinen klassizistischen Schauspielhaus nämlich der erste Vorhang wieder hochgezogen worden. Als erstes Theater weit und breit überhaupt, sagt Johanna Sandberg, seit drei Jahren hier Intendantin. Die Güstrower:innen, sagt sie, lieben ihr Theater, das seit 1957 Ernst-Barlach-Theater heißt – nach dem anderen berühmten Sohn der Stadt, der damals populärer war...

Der Theaterpreis des Bundes und 100.000 Spenden-Euro für das Ernst-Barlach-Theater im mecklenburgischen Güstrow

Stolz der Bürger:innen

Mit neuem Namen startete das Fringify – Independent Arts Festival Hamburg (vormals Hauptsache Frei Festival) in seine zehnte Ausgabe und setzt dabei ein klares Zeichen für die kulturelle Vielfalt der Stadtgesellschaft und einen internationalen Austausch. Unter der neuen Leitung von Ksenia Ravvina und Alexandar Hadjiev umfasste das Programm im vergangenen Sommer sowohl Beiträge aus Hamburg als auch überregionale und internationale Performances. Aus einer regionalen Leistungsschau wird damit eine Plattform für Künstler:innen, die innovative Impulse setzen. Sichtbar bleibt die hohe Qualität, in der die Hamburger Freie Szene trotz prekärer Förderstrukturen seit Jahren produziert – in einer Diversität und Formenvielfalt, die keinen internationalen Vergleich zu scheuen braucht. Als inhaltlicher Schwerpunkt ist ein Fokus auf Arbeiten erkennbar, die sich auf vielfältige Weise mit der Erzählung marginalisierter Gemeinschaften, Körper und Identitäten im Wandel auseinandersetzen. Eine der wohl eindrücklichsten Arbeiten war „The Garden of Falling Sands“ der in Hamburg lebenden, mexikanischen Choreografin Yolanda Morales im LICHTHOF Theater – eine virtuos gebaute Tanzshow in einem magisch-entrückten Raum. Dem technisch hochpräzisen sechsköpfigen Ensemble gelingt in diesem soghaften performativen Ritual das Kunststück, über kleinste Gesten einen mehrjährigen Rechercheprozess zum mexikanischen Cumbia-Colombiana-Tanz nachzuzeichnen – und damit Themen wie Ausgrenzung sozial Benachteiligter, Selbstermächtigung, race und Gender ganz selbstverständlich und fast...

Das internationale Fringify Festival behandelte Identitäten im Wandel

Hamburger Marathon

© rua. Kooperative für Text und Regie I lost two cities, lovely ones. And, vaster, some realms I owned, two rivers, a continent. I miss them, but it wasn’t a disaster. Elizabeth Bishop Te quiero ride como a mí bike ROSALÍA Ich bin am Leben. Sivan Ben Yishai I: Der Chor spricht jetzt und immer. II: Dan (≈ 45 Jahre) und Christopher (≈ 55 Jahre) sprechen 1975. III: Christopher spricht 1990. Die Zeit ist immer jetzt. I Wir sind am Wasser Und erzählen was wir sehen Hier am Fluss Wir stehen am Wasser Und sehen wer sich sucht Hier am Fluss Wir folgen dem Wasser Und suchen wer sich verliert Hier am Fluss Baute man einst Kriegsschiffe die jetzt friedlich verrotten Hier am Fluss Ist es ganz still Obwohl so viel passiert Hier am Fluss Besuchen jetzt Männer den verlassenen Hafen Pompeji Wie einige das Gebiet hier liebevoll nennen Zu Fuß spazieren sie in jenen Teil der Stadt Der abgeschottet ist vom Rest Eine eingestürzte Autobahnbrücke hat hier eine Lücke hinterlassen Jetzt bildet sie eine Schranke die zu passieren sich nur die trauen Die etwas suchen Sex Die Gegenwart die uns hier umgibt – die uns hält – ist ein...

„Am Fluss“

Das Theater für junges Publikum hat sich in den vergangenen Jahrzehnten stark verändert. Wie würden Sie die ästhetische und inhaltliche Entwicklung beschreiben? Jutta Maria Stark: Hin zu einer größeren Bandbreite an Genres und Formen. Junges Musiktheater und Tanztheater sind wichtiger geworden, das Schauspiel hat sein Repertoire an Formen und Stoffen enorm erweitert, das Figurentheater ist auch hier experimenteller geworden. Das Junge Theater ist auch Vorreiter in Bezug auf Inklusion und Diversität, eine natürliche Folge davon, dass eine Kunstform ihr Publikum kennt und die gesamte Gesellschaft im Blick hat, über alle sozialen und Herkunftsgrenzen weg. Die jüngste Entwicklung – mit partizipativen Modellen auch das Publikum stärker einzubinden – ist ein wichtiger weiterer Schritt, der erstaunliche Ergebnisse hervorbringt. Hier bekommen junge Menschen auf der Bühne eine Stimme, die sie anderswo in der Gesellschaft auch schon seit einiger Zeit erheben. Das Ganze begleitet und unterstützt von den Profis. Das Jugendtheater hat es in dieser Zeit geschafft, mehr als Kunstform wahrgenommen zu werden, nicht nur als Einstieg für die Kleinen. Wie weit seid ihr – an der COMEDIA, aber auch darüber hinaus – gekommen? JMS: Professionell produziertes Theater ist Kunst. Egal, für wen, egal, mit wem auf der Bühne. Auch die Schauspiel- und Regieschulen...

Im Gespräch mit Stefan Keim

Was macht das Theater, Jutta Maria Staerk?

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Nationalsozial-charaktermasken

Der Materialergründer

Sicher, man hätte auch mit „Hamlet“ anfangen können. Aber Oliver Brunner hat sich für eine andere Setzung entschieden. Zur Eröffnung seiner Intendanz am Stadttheater Ingolstadt inszenierte Oberspielleiterin Mirja Biel, ebenfalls neu am Haus, „Opening Night“ nach dem gleichnamigen Film von John Cassavetes. Im Zentrum: Myrtle Gordon, einstmals gefeierte Schauspielerin, die – nunmehr mittleren Alters – nur noch Klischeerollen angeboten bekommt: frustrierte Frauen, die sich allein über die Beziehungen zu Männern oder ihren Kindern definieren. Aus Protest sabotiert Myrtle die Proben des Stückes, in dem sie aktuell besetzt ist. Dorothea Arnold spielt das mit der Widerständigkeit einer Frau, die nicht sicher ist, wie es weitergehen soll im Leben, nur eins steht für sie fest: so wie jetzt ganz bestimmt nicht! Biel inszeniert die Geschichte souverän als Theater im Theater – mit dem Publikum verteilt auf zwei gegenüberliegenden Seiten des Geschehens, wobei die eine Hälfte der Zuschauenden auf die Bühne auf der Bühne schaut, die andere in deren Backstage­bereich. Die Kulissen werden immer wieder gedreht, die Perspektiven damit geswitcht. Videoprojektionen ergänzen das Ganze um Einblicke in die Garderobe und Traumsequenzen. Anders als im Stück, das Myrtle spielt und das überkommene Geschlechterbilder reproduziert, geht es bei Cassavetes um deren Dekonstruktion. Indem Biel die...

Mit dem Neustart will das Stadttheater Ingolstadt am Puls der Stadtgesellschaft fühlen und erfindet dafür eine Stadtdramaturgin

Coffee to stay

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Agnieszka Kubicka-Dzieduszycka: Das ist in dem Fall die Frage, wie man die Größe definiert. Es ist aber wahrscheinlich das schrägste und zugleich unscheinbarste Projekt, das ganz viele Dinge, Ereignisse und Themen verbindet, die nicht so offensichtlich sind. Das Thema Garagen entstand in der ersten Phase der Überlegungen für die Bewerbung als Kulturhauptstadt. In Chemnitz gibt es etwa 30.000 Garagen in den verschiedensten Stadtlagen, oft in der Anlage großer Garagenhöfe. Man kann allein daran etwas von der Geschichte der Stadt erkennen, denn sie entstanden vor allem in den Brachen, die von den Bomben des Zweiten Weltkriegs in die Stadt gerissen wurden. Das ist nur ein äußerer Aspekt, denn wenn man hinter die Garagentore schaut, erkennt man noch viel mehr. Dort entstand eine eigene Welt, die viel mit den Lebens- und Arbeitsbedingungen zu tun hat in der Zeit, als Chemnitz Karl-Marx-Stadt hieß. In dem Projekt wird eine bestimmte Mentalität erkundet, ein Tüftlertum, in dem der Ingenieursgeist des in dieser Region verbreiteten Fahrzeugbaus deutlich wird, zusammen mit einer Lebenspraxis in der Mangelwirtschaft. Einer der Slogans der Kulturhauptstadt behauptet sogar, dass Chemnitz eine osteuropäische Stadt in einem westeuropäischen Land sei. Bringt „#3000Garagen“ das zum Ausdruck? AK-D: Von der Geschichte her, vor allem jener der...

„#3000Garagen“ scheint mit seinen über viele Orte verästelten Veranstaltungen das größte Projekt von „C the Unseen“ der Kultur­hauptstadt Chemnitz zu sein.

Die Kuratorin Agnieszka Kubicka-Dzieduszycka über „#3000Garagen“ der Kulturhauptstadt Chemnitz im Gespräch mit Thomas Irmer

Kunstinsert: Modelle von Gesellschaft

<a href="https://tdz.de/artikel/25ee6884-a27e-41d3-94af-d2dfacbce252">Zum Stück</a> „Am Fluss“ oder besser im Fluss verschwimmen 50 Jahre miteinander. „Die Zeit ist immer jetzt.“ So werden die Geschichten des Psychoanalytikers Wilhelm Reich, der Künstlerin Ana Mendieta, des Architekten Gordon Matta-Clark sowie die Aids-Epidemie in New York und die Konzentrationslager der Nazis in ein grenzenloses Kontinuum gebracht. Welche Funktion erfüllt der Fluss? Mazlum Nergiz: Der Fluss lenkt hier wie eine Kamera unsere Wahrnehmung. Er filmt die Landkarte einer verschwundenen Zeit. Wie jede Karte, wie jedes Bild handelt es sich auch hier um einen Ausschnitt, der immer darauf hinweist, was wir alles nicht sehen, welche Geschichten noch im Wasser enthalten sind, die möglicherweise auch bald wieder hochkommen könnten wie Ertrunkene. Eine zweite Funktion besteht darin, dass die formale Struktur des Flusses – alles fließt – eine sich ständig in Bewegung befindliche Konstellation ermöglicht. Diese entsteht vor allem durch die Zusammenführung der von dir erwähnten Stimmen, Positionen und historischen Ereignisse. Alle hier Aufgerufenen wirkten ob gewollt oder ungewollt um die Hafengebiete Manhattans. Gegen seinen Willen z. B. Wilhelm Reich, dessen Bücher hier 1956, ein Jahr vor dessen Tod, verbrannt wurden. Einige Ideen dieses exzentrischen Denkers und Erfinders, die hier zerstört wurden, verwebe ich mit anderen Geschichten, die ich hier auf...

Mazlum Nergiz über sein Stück „Am Fluss“, das New York der 1980er Jahre und den Körper als Ausgangspunkt im Gespräch mit Nathalie Eckstein

Verschwinden bedeutet nicht vergessen

Kompositionsprinzip Collage

Georg Genoux ist ein Regisseur und Künstler, der Geduld kultiviert und dem klar ist, dass das, was er tut, nur zum Preis einer völligen Erschöpfung zu haben ist. Diese Erschöpfung schreckt ihn aber nicht, denn sie ist meistens ein Zeichen für eine Pause, aus der sich auf seinem Weg immer wieder die Möglichkeit ergeben hat, ganz woanders neu anzufangen und sich selbst trotzdem treu zu bleiben. Diese Kraft und „Beharrungsresistenz“ ist schon ziemlich außergewöhnlich. Aktuell ist Georg Genoux künstlerischer Leiter des soziotheatralen Thespis Zentrums am Deutsch-Sorbischen Volkstheater in Bautzen und kuratierte dort von 2022 bis 2024 zusammen mit der Bühnenbildnerin Anastasia Tarkhanova das Festival Willkommen Anderswo. Im Januar 2025 wird ihm der Lessing-Förderpreis des Freistaats Sachsen verliehen. Gleichzeitig werden mit an Sicherheit grenzender Wahrscheinlichkeit zum Jahresende seine kompletten künstlerischen Mittel für das Thespis Zentrum nicht weiter bewilligt, sodass diese modellhafte und existenziell wichtige Arbeit in Bautzen nicht fortgesetzt werden kann. Anerkennung und Kahlschlag in einem Atemzug! Eigentlich wollte Genoux die Leitung des Thespis Zentrums an drei Frauen (eine Ukrainerin, eine Kurdin aus dem Libanon und eine Rentnerin aus Bautzen) übergeben und sich selbst in die zweite Reihe des Teams zurückziehen, nachdem er rund zehn Inszenierungen verantwortet hat. Wenig sichtbaren Perspektiven...

Der Dokumentartheatermacher Georg Genoux erhält den Lessing-Förderpreis des Landes Sachsen bei gleichzeitiger Streichung der Mittel für seine Arbeit

Angstlos! Heimatlos?

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Zwischen Innen und Außen, Geborgenheit und Gefahr verläuft eine klare Grenze. Ein Wall aus Wellblechen soll die Behausung vor Müll, Gewalt und giftigem Regen schützen. Dabei bröckelt der Frieden im Inneren längst, den die elternlosen Geschwister gegen die unwegbare Welt aufrichten wollen. Das postapokalyptische Szenario von „Zwischen den Dingen sind wir sicher“ spielt Konflikte zwischen Kindern durch, die über Nacht groß werden mussten. Gerade weil die Geschwister Bandito und Sascha in die Elternrolle für ihren kleinsten Bruder Techno schlüpfen und Erziehungsberechtigte mehr nachahmen als sind, wiederholen sie auch die Grausamkeiten der Erwachsenen. Die Schauspielstudierenden Kevin Bianco, Luis Huayna, Dana Koganova und Hubert Chojniak probieren sich am Schauspiel Chemnitz in einer bedrückenden „Herr der Fliegen“-Variation. Nur sind die Kinder nicht auf einer paradiesischen Insel auf sich selbst gestellt, wie im Roman von William Golding, sondern hausen in einer Ruinenstadt. Zwischen Wellblech und Autoreifen ergibt sich ein tristes Zukunftsszenario, für das Stella Brauer die Bühne und Tabea Jorcke die Kostüme gestaltete. Mit Regenjacken, Cargohosen und futuristischen Helmen weckt die Szenerie Assoziationen zu Science-Fiction Filmen wie „Mad Max“ oder „Blade Runner“. Allerdings versucht sich die Inszenierung von Ulrike Euen nicht an einem gesellschaftskritischen Blick auf die Gegenwart, wie es im Genre üblich wäre,...

„Zwischen den Dingen sind wir sicher“ von Laura Naumann – Inszenierung Ulrike Euen, Bühne Stella Brauer, Kostüme Tabea Jorcke

Theater Chemnitz: Romeo und Julia auf dem Schrotthaufen

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Am 15. November wollten die Ampelfraktionen im Bundestag den Haushaltsplan 2025 abschließend beraten. Der hätte auch Posten veränderter Kultur­finanzierung vor­gesehen, beispielsweise die Streichung der Förderung internationaler Produktionshäuser. In der sogenannten Dominotheorie wäre das ein Signal an Länder und Kommunen, bei den Kulturkürzungen nachzuziehen. Der SPD-Bundestagsabgeordnete Helge Lindh spricht im Interview mit TdZ-Redakteur Stefan Keim in diesem Zusammenhang von „der Gewalt der Zahlen“. (S. 4) Wir verschoben deshalb den geplanten Schwerpunkt zu den kommenden Problemen der Theaterfinanzierung, denn ­genau an diesem 15. November, an dem die abschließende Haushaltssitzung aus den bekannten Gründen dann nicht stattfand, wurde das vorliegende Heft abgeschlossen. Wie es heißt, wird vor Mitte nächsten Jahres kein Staatshaushalt beschlussfähig sein – den Schwerpunkt kündigen wir hier trotzdem für Januar 2025 an. Stattdessen etwas viel Vitaleres: Chemnitz – Kulturhauptstadt Europas. Was man dort als Programm geplant hat, entsteht vor allem aus der Stadt selbst heraus. Ein ganzes Jahr lang andauerndes Experiment für eine traditionell auf magne­tische Internationalität angewiesene Großveranstaltung. Programmgeschäftsführer Stefan Schmidtke, selbst im nahen Döbeln aufgewachsen, erklärt die Philo­sophie hinter Chemnitz 2025. Wie sie konkret aussieht, kann man im Kunstinsert „#3000Garagen“ erfahren, für das übrigens Eiskunstlaufweltstar Katarina Witt das Nummernschild ihres ersten ­Autos beisteuerte: TKW 1-11. T war damals...

Editorial

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

Der genetische Code Amerikas

Figurationen im Film

Die digitale Masse

Der Atem des Raumes

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Stefan Schmidtke: Die Chem­nitzer haben den Titel bekommen, weil sie wirklich radikal gesagt haben, wir wollen, dass es für unsere Stadt einen Beteiligungsprozess gibt. Das hat in den letzten 20 Jahren zwar verbal jede Bewerberstadt behauptet, doch einen wirklichen Beteiligungsprozess in Gang zu setzen, also nicht nur irgendwie ein kleines Projekt mit 25 Ausgesuchten zu machen, sondern auch einen stadtoffenen Prozess in Gang zu setzen, das war die Idee von Chemnitz, die in dem Auswahlverfahren im Bewerbungsbuch 2 auch sehr deutlich abgebildet ist. Mit dem Bewerbungsbuch 2 wurden 72 Projektideen nach Brüssel geschickt, die alle in Chemnitz und Umgebung verankert sind. Die wichtigste Information, die man immer dabei geben muss: Kulturhauptstädte sind maßgeschneidert. Chemnitz, das ist zunächst mal Abwanderung, Niedergang einer Industrielandschaft, aber trotzdem großes tradiertes Potenzial. Es geht um die Belebung der Macher:innen und des Machergeists. Nicht der Wettbewerb der kuratorischen Truppenteile zählt, wer kauft die schönsten und teuersten Dinge ein, sondern es geht darum, welche Initiativen kommen aus der Region und der Stadtgesellschaft und wie sind sie selbst, mit Unterstützung, in der Lage, diese umzusetzen. Die Formel von Chemnitz heißt also, es geht nicht darum, „was wir uns leisten können“, sondern darum, „was wir leisten können“. Wichtig ist:...

Seit 1985 gibt es das Projekt der europäischen Kulturhauptstädte. Die historische Entwicklung von Wett­bewerb und Auswahl der Kulturhauptstädte kann man sich in der Ausrichtung des Programms der jeweiligen Kulturhauptstadt in drei Etappen vorstellen. Auf die erste Etappe mit historisch gegebenen Kulturhauptstädten wie Athen, Florenz, Amsterdam und Paris folgte mit Glasgow 1990 erstmals ein Projekt der Stadterneuerung, das für viele folgende Städte mit diesem Titel der Kulturhauptstadt bestimmend blieb. Später, das wäre die dritte Phase, traten noch die Fragen der Nachhaltigkeit und der regionalen Einbeziehung für die Programmentwicklung hinzu, die häufig eine Mischung aus internationalen Superstar-Magneten und lokalen Akteur:innen darstellte. Bei Chemnitz 2025 ist es radikal anders, alles kommt aus der Stadt und der sie umgebenden Region des Erzgebirges selbst.

Stefan Schmidtke, Geschäftsführer Programm der Kulturhauptstadt Chemnitz 2025, über Chancen und Risiken eines Events ohne Stars im Gespräch mit Thomas Irmer

C the Unseen

Gegen die Vereinzelung

1. Etwa die Hälfte unseres Blutes besteht aus Plasma. Es ist eine gelbliche, lebenswichtige Flüssigkeit, die als Transportmittel für Sauerstoff, Hormone oder Kohlendioxid in unserem Blut dient. Und dieses wertvolle Plasma besteht zu etwa 90 Prozent aus Wasser. Die restlichen zehn Prozent setzen sich aus einem Gemisch von Nährstoffen, Hormonen, Mineralien und über 120 verschiedenen Eiweißstoffen (Proteinen) zusammen.1 2. Die Entwicklungsorganisation Oxfam hat eine Studie zum Beitrag zum Klimawandel veröffentlicht, nach der die reichsten zehn Prozent in Deutschland für 28 Prozent der bundesweiten CO2-Emissionen verantwortlich sind. Weltweit gesehen sind die reichsten zehn Prozent sogar für die Hälfte der globalen Treibhausgasemissionen verantwortlich. Damit ist auch die These widerlegt, die globale Mittelschicht trage den Großteil der verursachten Emissionen.2 3. Ein ebenfalls von Oxfam veröffentlichter Bericht zur globalen Ungerechtigkeit zeigt, dass die reichsten zehn Prozent zusammen 85 Prozent des heutigen Weltvermögens besitzen, während die ärmsten 50 Prozent zusammen nur ein Prozent besitzen. Umgerechnet entspricht die Ungleichheit also einer Situation, in der von 100 Personen eine Person 90 Prozent besitzt, während sich die restlichen 99 Personen zehn Prozent teilen.3 4. Nach Angaben des Statistischen Bundesamts beträgt der Anteil der europäischen Bevölkerung an der Weltbevölkerung von derzeit über 8 Milliarden Menschen zehn...

Hier schreiben unsere Kolumnist:innen, die Regisseurin Marie Schleef, die Übersetzerin und Dramaturgin Iwona Nowacka und der Regisseur und Hörspielmacher Noam Brusilovsky, monatlich im Wechsel.

Eine Meditation über Zahlen und Fakten

Zehn mal zehn Prozent

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Tout Paris war im November ins Théatre de l’Odéon gekommen, um die Abschiedsinszenierung eines Theatermannes zu erleben, der das Haus seit 2016 sehr erfolgreich geführt hat. Stéphane Braunschweig inszeniert Tschechows „La Mouette“ (Die Möwe) als einen Abgesang auf Tschechows Welt der ländlichen Idyllen. Auf einem engen Streifen vor dem eisernen Vorhang spielen die ersten Szenen: das übliche Warmlaufen der Gelangweilten, der Künstler:innen und derer, die es gern werden würden, der Etablierten und des Nachwuchses. Eine Gesellschaft auf Landpartie, die sich herzlich auf die Nerven geht. Erst des jungen Treplevs avantgardistisches Stücklein öffnet den Bühnenraum. Dieser apokalyptische Monolog, den das genervte Gutshofspublikum unterbricht und über den es sich lustig macht, ist eine dystopische Zukunftsvision, die man in „Möwe“-Inszenierungen selten ernst nimmt. Sie ist dann immer nur Auslöser für Streit und Drama. Aber diese dramaturgische Nebensache macht Regisseur Stéphane Braunschweig nun zum Kern seiner Inszenierung. Der eiserne Vorhang geht also hoch und gibt den Blick frei auf eine große postapokalyptische Landschaft. In dieser „Möwe“ ist die Welt nach der Umweltkatastrophe wirklich schon verspielt. Das Reden über Kunst und Welt wird zum tristen Abgesang. Stéphane Braunschweig inszeniert eine pessimistische „Möwe“ als nicht durchgängig aufregendes Schauspielertheater, das das Publikum im Théâtre de l’Odéon mit...

Die französischen Nationaltheater arbeiten nur noch im Krisenmodus

Ende der Exception Culturelle

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Endlich am Ziel: Ende November 1989 im Rathaus Salzgitter. Die Fahrt war lang. Bevor wir ankamen, luden uns ein paar Nonnen zum Essen in ihr Kloster ein. Nun sitze ich in einem Vorraum auf einer Bank, die Beine überschlagen. Um mir die Zeit zu vertreiben, tu ich so, als lese ich eine Westzeitung. Ich war gerade fünf Jahre alt. Meine Eltern standen an. Es gab Westgeld. Endlich! (Einige Tage vorher hatten wir es bereits versucht, doch der endlose Stau auf den Straßen zwang uns zur Umkehr. Alle wollten sie nach „drüben“, ihr Begrüßungsgeld abholen.) Wir übernachteten bei einer netten Familie, die Ankömmlinge beherbergte. Dafür bekamen sie Geld von der BRD. Am nächsten Tag setzten wir uns wieder in den Trabi und fuhren nach Hause. Das ist er also, der Westn? Weihnachten 1989: Ich bekam eine Carrera-Autobahn, wow! Ich wusste gar nicht, dass es so etwas gibt. Mit zwei Autos, Kabel-Fernbedienungen und sogar mit einer Brücke. Das ist er also, der Westn? Karneval 1990: Wir waren bei Verwandten in Köln. (Irgendwer von denen war vor einigen Jahren in den Westen abgehauen.) Der Karnevalszug war endlos. Überall Menschen in Kostümen. ­Lachend. Tanzend. Spendabel. Unaufhörlich flogen Süßigkeiten und kleine Spielzeuge von den Wagen....

Nach den Landtagswahlen und im Angesicht der aktuellen Regierungsbildung in Sachsen, Thüringen und Brandenburg laufen die Diskussionen über den Osten Deutschlands auf Hochtouren. Meist geht es dabei nur um eins: Wie viel rechts geht oder darf noch? Und damit verrutscht schon der Blick.
In dieser Serie meldet sich die Generation Post-Ost zu Wort, also Menschen, die von der Herkunft aus Ostdeutschland, aber nicht mehr direkt durch die DDR geprägt sind, Leute aus den verschiedensten Theaterberufen sowie bereits renommierte Autor:innen und Journalist:innen.

Seri:e Post-Ost

Die „hohe“ Kunst, Freiheit und Sicherheit gegeneinander aufzubringen

Sweet Dreams?

Das früh gereifte Kind spricht mit Geistern und denkt ich in seine eigene Welt hinein. Die Anthroposophie verortet das britische Theaterkollektiv Dead Centre in einem Niemandsland zwischen dem ganzheitlichen Menschenbild und seltsam verirrten Ideen. In ihrer Stückentwicklung „Die Erziehung des Rudolf Steiner“ überblenden die Regisseure Ben Kidd und Bush Moukarzel die Jugend des Reformpädagogen und Schriftstellers Rudolf Steiner mit der Lebenswirklichkeit eines heutigen Waldorf-Kindes. In der Uraufführung m Staatstheater Stuttgart überschreiten die Künstler gleich in mehrfacher Hinsicht ästhetische Grenzen. Dass mit Levin Raser ein Kind in der Hauptrolle zu sehen ist, verblüfft das Publikum. Diese Setzung ist stark. Mit einer Souffleurin meistern die drei Kinderstatisten, die sich bei den Aufführungen im Schauspielhaus abwechseln, den komplexen Text souverän. Levin Rasers schauspielerisches Talent überzeugt. Und die Textmengen sind immens. Wenn er von Steiners Erweckungserlebnis mit einem Kräutersammler erzählt, kommt das ebenso spannend an wie der Umgang eines Kindes im 21. Jahrhundert vor den schrägen Waldorf-Theorien. Ziemlich cool zündet sich der Schüler eine Zigarette an und spricht. „Ihr seht, wenn man ein Kind auf die Bühne holt, stellen wir uns Fragen. Draußen in der Welt ist er einfach nur ein Junge. Aber wenn man etwas auf die Bühne holt, sieht man es wie...

„Die Erziehung des Rudolf Steiner“ von Dead Centre (UA) – Regie Dead Centre (Ben Kidd und Bush Moukarzel), Bühne Jeremy Herbert, Kostüme Mirjam Alom Pleines, Musik Kevin Gleeson, Video Sébastien Dupouey

Staatstheater Stuttgart: Wenn Erwachsene ihre Namen tanzen

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Chemnitz ist erst die zweite ostdeutsche Kulturhauptstadt nach Weimar 1999 und wird mit seinen historischen, kulturellen und städtebaulichen Besonderheiten eine ganz andere Kulturhauptstadterzählung bieten als viele ihrer Vorgänger quer durch Europa. Dem kommenden Titeljahr ging ein engagierter, längerer Prozess voraus mit einer Zustandsaufnahme, Revision der Situation sowie Entwicklung einer neuen Kulturstrategie und dem ersten Bid Book unter Einbeziehung verschiedener städtischer Akteur:innen aus Verwaltung, Institutionen, Kulturszene und Gesellschaft. Während dieses Bewerbungsprozesses kam es 2018 zu rechtsradikalen Aufmärschen, die die Stadt in der Innen- und Außenwirkung beeinträchtigten. Die Stadtgesellschaft reagierte unmittelbar darauf mit gemeinschaftsstärkenden Aktionen und das finale Bid Book begegnete der Situation offensiv mit dem Motto „C the Unseen – European Makers of Democracy Chemnitz“. Teilhabe der Gesellschaft ist eine der zentralen Handlungsstrategien und das Angebot verschiedener Kulturformate adressiert Menschen unterschiedlichster Interessen. Stefan Schmidtke, der Ende 2021 als Programm-Geschäftsführer nach Chemnitz berufen wurde, beschäftigte sich mit den im Bid Book vorgeschlagenen Projekten, diskutierte, akzentuierte und strukturierte sie in fünf Programmfeldern. Da mit der Kulturhauptstadt zugleich die Verknüpfung von Kunst, Kultur und Stadtentwicklung explizit formuliert ist, sind auch städtische Ämter für die Entwicklung von Interventionsorten als Räume für Kunst und Kultur eingebunden. Anders als ihr Name suggeriert, findet die Kulturhauptstadt nicht nur...

Bei Chemnitz 2025 Kulturhauptstadt Europas werden mit Theater und Performances Geschichten aus der ganzen Region zu erleben sein

Ein Bergwerk der vielen Orte

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Nigerias Theaterlandschaft stand immer für kulturelle Ausdruckskraft und politischen Diskurs. Nun läuft sie Gefahr, in die Bedeutungslosigkeit abzugleiten. Der ehemals maßgebliche, ja strahlende Bestandteil der nigerianischen Kulturlandschaft sieht sich mittlerweile belastet von zahlreichen Widrigkeiten. Dennoch gibt eine kleine, aber entschlossene Gemeinschaft von Theaterschaffenden nicht auf und kämpft hartnäckig weiter für das Fortbe­stehen dieser lebendigen Kunstgattung. Mit diesem Artikel möchte ich die vielseitigen Probleme beleuchten, die das Theater und die Darstellenden Künste Nigerias im Allgemeinen bedrohen: mangelnde strukturelle Unterstützung seitens der Regierung, politische Instabilität, Inflation und ökonomischer Niedergang, hohe Abwanderung, schlechtes Marketing sowie der Einfluss von Film, TV und Technologie. Außerdem betone ich hier die Widerstands- und Innovationskraft ihrer Künstler:innen und einer neuen Generation, die allen Problemen zum Trotz Veränderungen bewirken. Während der Pandemie, als weltweit die Theater ihre Pforten geschlossen hatten, habe ich gemeinsam mit meiner Firma Kininso Koncepts nach Möglichkeiten gesucht, wie wir weiterarbeiten können. Von den Techniken, die wir uns damals angeeignet haben, profitieren wir heute noch. Vor allem habe ich auf Zusammenarbeit und Unternehmergeist gesetzt, und beim Kampf gegen die Hindernisse, denen sich die Branche gegenübersieht, kann beides nicht hoch genug geschätzt werden. Ob mithilfe digitaler Innovation, des Laientheaters oder internationaler Partnerschaften – immer ist es mir...

Die früher als Kulturmotor Afrikas blühende Theaterszene Nigerias ist im Niedergang

Drohender Blackout

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Festival der Besessenen

Disappearing Birdie Coonan

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

Bernarda Alba (Julia Wieninger) sperrt das Gatter zum Hof zu. Kontrolliert die Türschlösser. Geht von Zimmer zu Zimmer und knipst das Licht aus: Die Hausherrin, ganz in Schwarz, schwarzer Rock, schwarze Bluse, flache Schuhe, klimpert mit den Schlüsseln. Es scheint, als gehe sie durch Wände. Kein Lächeln, kein Wort. Nur das Grillenzirpen, mal bellt ein Hund. Ihr Haus ist ein Gefängnis für alle, die darin wohnen. Auch für sie selbst. Und anschließend? Kommen die Bewohnerinnen wie in Zeitlupe an den Esstisch. Bernarda Albas Mann ist gestorben, und die Witwe hat verfügt, dass ihre fünf Töchter acht Jahre Trauer halten müssen. Kein Mann, keine Abwechslung – sondern Isolation. Plötzlich bricht das Licht aus dem Halbdämmer wie von einem unsichtbaren Schalter betätigt ins Taghelle, fällt die Szene in Normalzeit: Alltag. Zwar freudlos, aber Alltag. Junge Frauen im Gespräch, plaudernd. Diese Rhythmuswechsel sind bezeichnend für die hochpräzise Regie von Katie Mitchell: Sie inszeniert eine Partitur aus Worten und Gesten, spielt mit der Zeit, mit Beschleunigung und Stillstand, konstruiert ein Uhrwerk der Verzweiflung. Alles gedrosselt. Eine Ohrfeige der Mutter, das Verbrühen der Hände durch kochendes Wasser: Das sind eruptive, seltene, umso brutalere Momente. Man spürt in jeder Sekunde, dass sich hier eine Katastrophe anbahnt....

„Bernarda Albas Haus“ von Alice Birch nach Federico García Lorca – Regie Katie Mitchell, Bühne Alex Eales, Kostüme Sussie Juhlin-Wallen, Komposition Paul Clark, Melanie Wilson, Original-Sounddesign Melanie Wilson

Deutsches Schauspielhaus Hamburg: Partitur des Patriarchats

Stefan Schnabel lässt in „Volkstheater der Zukunft: Die Gruppe Volker Lösch und der Dresdner Bürgerchor“ die Praxis des Bürger­chors Revue passieren. Theater möge die Welt verändern, ist die Hoffnung immer neuer Generationen von Theatermacher:innen. Die Gruppe um den Regisseur Volker Lösch, die 2003 den Dresdner Bürgerchor aus der Taufe hob, kann zumindest für sich in Anspruch nehmen, Theater neu akzentuiert, Skandale ausgelöst und Bewusstseinsprozesse bei den Beteiligten in Gang gesetzt zu haben. Stefan Schnabel, als Dramaturg an vielen Bürgerchorinszenierungen – nicht nur in Dresden – beteiligt, gibt in „Volkstheater der Zukunft“ Einblicke in die Produktionsweise dieses Großkollektivs mithilfe von Essays, Stücktexten und Kritiken. Stark wird das Buch, wenn die Protagonist:innen zu Wort kommen. Als die 33 Chormitglieder im Kontext der ersten Produktion „Orestie“ (2003) nach ihrer Vorstellung von Demokratie befragt wurden, ist das Panorama der Antworten enorm. Demokratie sei „nur ein Wort, eine nette Idee, nur leider nicht realisierbar“. Andere feiern sie als „Maximum an persönlicher Freiheit“, auch das Mehr an Freiheitsgraden gegenüber der DDR-Gesellschaft wird betont. Wieder andere sehen in Demokratie nur eine „freundliche Benutzeroberfläche für das Kapital“. Schon damals konnte man also eine fundamentale Desillusionierung bemerken. Rauer wurde der Ton bei der Folgeinszenierung „Die Weber“ (2004). Auch die...

Ein Materialbuch dokumentiert Volker Löschs Dresdner Bürgerchortheater

Modell der Zukunft oder nur Versuch?

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Guilt-Trip durchs Vogtland

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Augsburg: Neue Leitung fürs Brechtfestival: Sahar Rahimi und Mark Schröppel

„Es ist an der Zeit, dass wir uns hinsetzen und miteinander reden.“ Ganz leise spricht Mohammad-Ali Behboudi den letzten Satz des ­Stückes „Ich werde nicht hassen“. Absolut still ist es im Saal. Die Aufforderung zum Dialog wird nicht sofort aufgenommen. Das Publikum hat zu viel erlebt in dem 90-minütigen Monolog. Behboudi hat einen palästinensischen Arzt verkörpert, der in einem Flüchtlingslager im Gazastreifen geboren wurde. Drei Töchter und eine Nichte wurden bei einem Angriff der israelischen Armee getötet. Die Geschichte ist wahr, das Stück basiert auf der Autobiografie von Dr. Izzeldin Abuelaish. „Ich werde nicht hassen“ – diese Worte berühren zutiefst. Weil nur der Verzicht auf Rache den Kreislauf der Gewalt durchbrechen kann. Mohammad-Ali Behboudi zeigt dieses Stück seit vielen Jahren in ganz Deutschland. Allein im Aachener DAS DA Theater hat er gerade 13 ausverkaufte Vorstellungen gespielt, innerhalb weniger Wochen. Mit nie nachlassender Intensität. „Ich versuche, die Geschichte jedes Mal neu zu erzählen“, sagt der Schauspieler, der fast genauso alt ist wie Izzeldin Abouelaish. „Ich schaffe erst mal Distanz und nähere mich dann wieder dem Charakter.“ An jedem Abend nimmt er das Publikum mit auf eine höchst emotionale Reise, lässt tiefe Trauer und Verzweiflung entstehen, findet die Kraft zur menschlichen Botschaft....

Der iranische Schauspieler Mohammad-Ali Behboudi steht seit 40 Jahren auf deutschen Bühnen

Die Geduld der Veränderung

Münchner Kammerspiele: Plüschbezug und Kunstrasen

Explodierendes Dokumentartheater

Entspannte Klaviermusik, ein aufgeräumter Schreibtisch – von Szene zu Szene mit mehr und mehr luxuriösen Alkoholika zugestellt – und: ein hohes Bücherregal, so ein richtig großes. „Zwei Meter mal zwei Meter vierzig. […] Denn wer viele Bücher hat, der liest auch viel, wer viel liest, weiß viel und wer viel weiß, der kann alles auf der Welt schaffen“, erklärt Fatima Çalışkan dem Premierenpublikum ihrer Inszenierung „Faserland-Boys und Ich“ im Ballhaus Ost in Berlin. In Koproduktion mit dem TATWERK | Performative Forschung bringt die Künstlerin hier eine monologische Performance auf die Bühne, in der feministisches Empowerment zum Lachen einlädt – zum Labern über Männerliteratur. Bevor es losgeht, erscheint ein Vorwort auf der Gaze: „Alle Personen, die in dieser Geschichte auftreten, alle Handlungen, die stattfinden, alle Nachrichten und Texte, die präsentiert werden, sind frei erfunden, jede Ähnlichkeit mit lebenden Personen und realen Ereignissen ist rein zufällig.“ Christian Krachts 1995 erschienener Roman „Faserland“ ist mit einem ähnlichen Epigraph versehen; eingeleitet wird dort jedoch die Geschichte eines jungen Mannes aus reichem Hause, der von Sylt nach Zürich reist – trinkt, raucht, feiert und von einer Stadt zur nächsten fährt, unterfüttert mit autofiktionalen, historischen und popkulturellen Referenzen. Krachts Roman gilt als bekanntestes Beispiel einer männlichen...

„Faserland-Boys und Ich – Labern über Männerliteratur“ von Fatima Çalışkan – Dramaturgie und Ko-Konzeption Felizitas Stilleke, Szenische Umsetzung und Ko-Regie Aurora Kellermann, Szenografie und Lichtdesign Raquel Rosildete, Kostüm Andreína Vieira dos Santos

Ballhaus Ost Berlin: Einfach auch mal labern

The Ghost, The Voice, The Faceless

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Berliner Ensemble: Dazwischen

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Als im Sommer die Kürzungspläne bekannt wurden, reagierten viele schockiert. Niemand hatte damit gerechnet, im Gegenteil, das Bündnis der internationalen Produktionshäuser galt zuvor als Paradebeispiel für gelungene Kulturförderung. Und plötzlich wird es in die Tonne gekloppt. Wissen Sie, wie es zu dieser Entscheidung gekommen ist? Helge Lindh: Mythenbildung und Legenden ranken diesen Weg. Es wäre nicht absurd, in so einem Fall wenigstens die Sprecherinnen und Sprecher der Koalitionsfraktionen vorzuwarnen. Ich hatte aber keine Informationen. Ich war genauso getroffen wie diejenigen, die unmittelbar betroffen sind. Das hat mich ziemlich sprachlos hinterlassen. Dass es Kürzungen im Haushalt geben würde, war schon vorauszuahnen, oder? HL: Sicher, doch bei den Förderungen der Freien Künste geht es ja nicht um üppige Töpfe, sondern um sehr überschaubare Mittel, die dennoch unverzichtbar sind. Im Jahr zuvor waren noch die Förderungen durch die Bundeskulturfonds – nachdem wir im Parlament lange dafür hamsterradmäßig gekämpft haben – erstmalig auf ein vernünftiges Level gebracht worden. Wir dachten, das werde nun verstetigt. Nun ist es zurückgefallen auf den Stand vor der Coronazeit. Das war völlig unvorhersehbar und überraschend, ehrlich gesagt auch ärgerlich und enttäuschend. Da geht es ja nicht nur ums Theater, sondern z. B. auch um die Förderung von Festivals und...

Die geplanten Kürzungen beim Bündnis der internationalen Produktionshäuser erregen die Gemüter. Im Haushaltsentwurf 2025 plant die Bundesregierung, an dieser Stelle fünf Millionen Euro einzusparen – und damit die gesamte Förderung. Parallel bereiten die heftigen Einschnitte in den Kulturetats der Metropolen Berlin und München den Stadttheatern große Sorgen. Der SPD-Bundestagsabgeordnete Helge Lindh, kultur- und medienpolitischer Sprecher der SPD-Bundestagsfraktion, selbst im Wahlkreis Wuppertal, ist der Einzige aus dem Kulturausschuss, der sich auf öffentlichen Veranstaltungen gegen die Kürzungen ausspricht und den Dialog mit der Freien Szene sucht.

Helge Lindh (SPD) kämpft im Bundestag gegen die drohenden Kürzungen und schaut mit Sorge auf die Entwicklung der kommunalen Haushalte. Im Gespräch mit Stefan Keim

Der Kultur-Kahlschlag droht

Albanien, das kleine Land in Südosteuropa boomt. Allein in den letzten beiden Jahren wurden in der Hauptstadt Tirana zahlreiche Bauprojekte mit internationaler Förderung gestartet, der Tourismus floriert, verstärkt seit Beginn der EU-Beitrittsverhandlungen 2022. Kein Wunder also, dass sich auch die Theaterszene des Balkanstaats einem internationalen Publikum präsentieren möchte. So findet der Kosovo-Albania-Theatre-Showcase, eine Art Leistungsschau des Theaters dieser Balkanregion, in diesem Jahr erstmalig in Tirana statt – und nicht, wie die Jahre zuvor im kosovarischen Pristina. „Die Mauern zwischen Ost und West, der Eiserne Vorhang an der ungarischen Grenze, die Berliner Mauer, die Mauer in Albanien sind gefallen, aber sind die Mauern in den Köpfen der Menschen auch gefallen?“, fragt Ema Andrea. Das albanische Theater ist nach Nordmazedonien die unterfinanzierteste Theaterszene Europas. Lange hat man versucht, mit dem Fernsehen mitzuhalten, das Publikum mit Komödienadaptionen und Unterhaltungsformaten überhaupt in die Theater zu locken. Theater als kommerzialisiertes Unterhaltungsmedium, das sich gut verkauft. Die Entwicklung dahingehend, Theater als Diskurs- und Verhandlungsinstanz zu begreifen, ist noch neu. Was auch am System an sich liegt: Altin Basha, Generalintendant des Albanischen Nationaltheaters, spricht mit dem Kulturminister Albaniens aktuell über einen Systemwechsel. „Die Theater funktionieren wie Inseln, sie sind nicht miteinander verbunden. Agieren solitär. Selbst innerhalb Albaniens...

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