Wie kann Inklusion an einer Schauspielschule gelingen?

Komplizierte Schwangerschaften, Nacht- und-Nebel-Aktionen und andere Redaktionsfälle 

Theater Orchester Neubrandenburg Neustrelitz: Wendeblues in Rückblenden

Volkstheater Wien: Szenen einer Ehe

Theater wird digitaler, das hat die Pandemie bewirkt. Einen umfangreichen Überblick über seine entsprechenden Ausweichbewegungen und Erkundungsritte im letzten Sommer und Herbst gewährt der Band 14 der Schriften­reihe zu Bildung und Kultur der Heinrich-Böll-Stiftung mit dem Titel „Netztheater. ­Positionen, Praxis, Produktionen“. In dem gemeinsam mit dem Portal <a title="nachtkritik" href="http://www.nachtkritik.de" target="_blank">nacht­kritik</a> herausgegebenen Band sind die geläufigsten Beispiele von Theater im und mit dem Internet sowie mithilfe des Mobilfunknetzes versammelt. Dieser Dokumentationsteil ist verdienst­voll. Denn ein Manko der ­früheren Digitalisierungsexperimente darstellender Künst­lerin­nen und Künstler bestand in der fehlenden Weitergabe von Erkenntnissen und Irrtümern. Etwas irritierend ist allerdings manch theoretisch-philosophischer Beitrag. Dort mischen sich individuelle Erfahrungen mit Wünschen und groß tönenden Behauptungen. Noch aus den 1990er Jahren scheinen die Aufforderungen zu stammen, das Theater in einen Hackspace zu verwandeln. Spätestens seitdem Donald Trump vor vier Jahren das Weiße Haus „hackte“ und als Reaktion darauf das Bewahren alter Werte als hohes kulturelles Gut gehandelt wurde, sollte die mindestens zweischneidige Natur des kreativen Ausnutzens von Sicherheitslücken erkannt und eben nicht gedankenlos heroisiert werden. Auch der an mehreren Stellen hochschießende Jubel bezüglich angeblicher partizipativer Netz-Praktiken muss mit Vorsicht genossen werden. Partizipation und Inter­aktion sind meist nur innerhalb der vorgegebenen Spielräume und Narrationsarchitekturen möglich. Sehr hilfreich für die künftige...

Netztheater. Positionen, Praxis, Produktionen. Heinrich Böll Stiftung, Schriften zu Bildung und Kultur Band 14, Berlin 2020, 128 S., kostenlos.

Nebenbeimedium im Wischbetrieb?

Ende Oktober kündigten die Vereinten Nationen ein Waffenembargo gegen mehrere europäische Staaten an, darunter Deutschland. Grund waren massive Verstöße gegen die Pekinger Erklärung, eines der umfassendsten Konzepte zur Förderung der Gleichstellung der Geschlechter, das bereits 1995 von 189 UN-Mitgliedstaaten verabschiedet worden war. In Europa indes, so Bizimungu Jean-Pierre, herrsche völliger Stillstand. In Ruanda etwa sitzen derzeit 61 Prozent Frauen im nationalen Parlament. 31 Prozent sind es im deutschen Bundestag. „Wie kann das sein?“, ruft Bizimungu Jean-Pierre alias Wesley Ruzibiza, unechter UN-Abgeordneter und einziger Mann in dieser feministischen Performance. „Wie kann das sein im Jahr 2020?“ Blickt man auf die Geschichte der freien Theater- und Performance-Szene, scheint das Schuldpotenzial zunächst gering. Vom Druck eines für das Abonnement zu spielenden Stücke-Kanons befreit und in kleine, agile, mehr oder weniger hierarchielose Produktionskollektive unterteilt, gab es in den vergangenen Jahrzehnten kaum eine Emanzipationsbewegung, kaum eine Minderheit, die in der freien Szene nicht performativ und diskursiv auf die Bühne gebracht wurde. Wer hier Frau sagt, gerät automatisch ins Stottern, geht es doch längst nicht mehr nur um das binäre Geschlecht. Mit Fokus auf kulturelle, ethnische, soziale und sexuelle Differenzen wird entschieden Identitätspolitik betrieben. Alles bestens also? Nicht so ganz. Steckt in diesem Programm doch eine...

Die freie Szene ist „schlechter“ als ihr Ruf. Etwas Besseres kann ihr derzeit kaum passieren: Über das anarchofeministische Potenzial in den performativen Künsten

Auf sie mit Gebrüll

Salzburger Festspiele: In der Leichtigkeit Schweres erzählen

Herr Brandt, erst kürzlich wurde entschieden, dass der Generalintendant des Staatstheaters Karlsruhe, Peter Spuhler, im Herbst 2021 sein Amt aufgeben soll. Die Konflikte mit ihm schwelen seit Langem. 2015 gab es bereits eine Mediation. Sie selbst waren als Schauspieler seit 2014 im Personalrat. Gab es denn keine Möglichkeit, die für die Künstlerinnen und Künstler so schwierige Situation früher gemeinsam mit dem Intendanten zu lösen oder, wie nun geschehen, durch einen öffentlichen Protest zu beenden? Es hätte Möglichkeiten gegeben, wesentlich früher einzugreifen. Das Problem ist, dass wir beim Verwaltungsrat immer auf taube Ohren gestoßen sind. Bis zum Schluss gab es für Peter ­Spuhler eine große politische Rücken­deckung. Zunehmend hat sich am Haus Verzweiflung breitgemacht, weil sich die Mitarbeiterinnen und Mitarbeiter nicht gehört fühlten – und weil auch der Protest, den es ja 2015 schon gab, im Sande ver­laufen ist. Die Vereinbarung, die man damals über eine Mediation traf, hat gar nichts an der Situation der Beschäftigten geändert. Umso erstaunlicher ist es, dass Karlsruhes Oberbürgermeister Frank Mentrup bis jetzt behauptet, er habe von den Vorwürfen nichts gewusst. Das ist falsch. Als er 2016 bei uns im Personalrat zu Gast war, haben wir ihm die Lage sehr deutlich geschildert. Wir haben ­sogar Stundenzettel...

Was macht das Theater, Michel Brandt?

Streng wie Kati Witt

„Antigone“ in Leichter Sprache

Frau Kricheldorf, Ihr neues Stück „Der goldene Schwanz“ ist eine Aschenputtel-Variante. Was interessiert Sie am Märchen vom armen, innerfamiliär gemobbten Mädchen, das in der Küche beim Aschekübel schlafen muss und am Schluss den Prinzen bekommt? Was mir ins Auge sprang, war diese ungeheure Aufstiegssehnsucht. Die finde ich in den Bearbeitungen, die es von diesem Märchen gibt, bisher verhältnismäßig wenig thematisiert. Deshalb haben mich auch Aschenputtels Stiefschwestern sehr interessiert. Die heißen bei Ihnen die Sistas und bekommen von ihrer Mutter folgenden Merksatz mit auf den Lebensweg: „Greift nach dem goldenen Schwanz! Gebt euch nicht ab mit einem silbernen oder gar bronzenen oder gar blechernen. Nein! Der goldene ist gerade gut genug für euch!“ Rechnen Sie im Zuschauerraum des ­Theaters Kassel, wo das Stück herauskommen wird, mit feministischen Protesten? (Lacht.) Nö. Zumindest wüsste ich nicht, wogegen sich diese Proteste richten sollten, weil es nun einfach mal so ist, dass wir in einer Welt leben, in der die Praxis des Hochheiratens nach wie vor breite Anwendung findet. Das trifft natürlich umso stärker zu, je mehr Armut herrscht. Bei uns, heißt es gern, gibt’s das nicht mehr. Aber selbst wenn man sich in der eigenen linksliberalen Blase umschaut, wie viele Frauen dort...

Die Dramatikerin Rebekka Kricheldorf über ihr Stück „Der goldene Schwanz“ im Gespräch mit Christine Wahl

Dem Kuschelmuschelwohlfühlzeug glaube ich nicht

Auffallend oft ist in diesem Band von Vul­nerabilität, zu Deutsch Verwundbarkeit, die Rede. Der Schweizer Autor und Regisseur ­Boris Nikitin beschreibt den Akt der Selbstveröffentlichung, das „Outing“, als gemeinsamen Kern jeder öffentlichen Äußerung, egal ob persönlich oder künstlerisch. „Es ist eine Wette mit der Zukunft, ein Schritt ins Leere.“ Eine Wette mit der Zukunft – so ließen sich auch die Erfahrungen bezeichnen, die Kulturinstitute in aller Welt im Pandemiejahr 2020 gemacht haben. Der vom Impulse-­Festival edierte Sammelband „Lernen aus dem Lockdown?“ versammelt entsprechende Beiträge freier Theatermacher und ­-exper- ten. Wird beispielsweise das Theater nach der Besiegung des Virus irgendwann wieder das alte sein? Wird man diesen Albtraum ver­gessen haben? Oder handelt es sich um eine Zäsur, die das Theater komplett verändert, etwa dergestalt, dass man künftig nur noch ausnahmsweise eine Spielstätte persönlich aufsucht, weil man die herdenmäßige Zusammenballung von Körpern in einem Raum als unzeitgemäß empfindet, sich ansonsten die Produktionen auf den eigenen Rechner ­servieren lässt? Wird das Theater umfassend digitalisiert werden, und ist der Lockdown der Probelauf dafür? Diese Vorstellung erscheint (noch) ­absurd. Vor der Pandemie wäre niemand auf die Idee gekommen, die physische Präsenz in einem Theater infrage zu stellen. Die Foto­grafien, die den Band illustrieren, unterstreichen die...

Lernen aus dem Lockdown? Nachdenken über Freies Theater. Hg. für das NRW-Kultursekretariat von Haiko Pfost, Wilma Renfordt und Falk Schreiber, Alexander Verlag, Berlin 2020, 229 S., 14 Euro.

(Post-)Pandemische Impulse

Venedig hat sich mit seinen Kulturaktionen recht schlau durch den Corona-Sumpf ge- schlängelt. Das Filmfestival fand statt, die Architektur- und die nächste Kunstbiennale wurden verschoben, aber einige der Festivals und Veranstaltungen drum herum trösteten darüber hinweg. So auch die Biennale Danza, für die zum letzten Mal die kanadische ­Choreografin Marie Chouinard verantwortlich zeichnete. Die Programmdirektoren für Theater, Tanz, Musik, ­Architektur etc. werden jeweils für vier Jahre ernannt – Chouinards Nachfolger ist Wayne McGregor. Die Aufführungen, die ich sah, fanden alle im Arsenale statt. Nachts über das riesige leere Gelände zu gehen, ist ein gruselig schönes Erlebnis. Und wenn dann kurz vor dem Ziel die gigantische Lichtinstallation „Building Bridges“ von Lorenzo Quinn übers Wasser grüßt, dann ist man nicht mehr von dieser Welt. Nach einem solchen Auftritt draußen haben es die Vorstellungen drinnen nicht leicht. Aber die Aufführung „The Time Takes The Time Time Takes“ des Choreografenduos Guy Nader und Maria Campos aus Barcelona schlug sich glänzend. Das Stück mäandert wie sein Titel und erfindet dabei eine ganz eigene Formensprache aus Hebe-, Roll-, Streck- und Drehbewegungen, die sich unaufhaltsam aneinanderreihen. Das ist sehr ästhetisch, sehr kraftvoll und wird mit lässiger Eleganz zelebriert wie ein Trip. Die fünf fantastischen Tänzer verschaffen dem...

Die Tanz-Biennale in Venedig trotzt Corona

Nasen, Pässe und Klagen tauschen

PERSONEN: Aschenputtel Mom Dad Sis Sista Prinz Taube &amp; Taube INTRO TAUBE &amp; TAUBE Es war einmal, vor langer, langer, nicht allzu langer Zeit, uns war‘s, als sei‘s gestern erst gewesen, also tausend Jahre her, als das Wünschen Voodoo Beten Investieren noch geholfen hat, da begab es sich, dass / Oh. Wir vergaßen, uns vorzustellen. Taube &amp; Taube. Pause. Nein, nicht Taube. Taube &amp; Taube. Pause. Ja, wir sind zwei Tauben. Pause. Wenn Sie jetzt schon alles besser wissen, wie wollen Sie das ganze Märchen überstehen? Sie müssen sich auch mal fallen­lassen in so eine Geschichte. Den Erzählerinnen, in dem Fall uns, vertrauen. Was, glauben Sie, ist der Grund, warum so eine Geschichte jahrhunderte­lang erzählt wird? Weil sie so falsch, dumm und nichtssagend ist? Also: Es war einmal, vor langer, langer Zeit, da verkauften Frauen ihre Körper. Da bezeichneten wütende amerikanische Feministinnen die Ehe als Prostitution auf Zeit. Da schrieben russische Autorinnen Ratgeber mit Titeln wie WIE ANGLE ICH MIR EINEN MILLIONÄR? Da zerschlugen Koreanische Youtuberinnen vor laufender Kamera aus Protest gegen den Schönheitswahn ihre Kosmetika mit Hämmern. In dieser düsteren, grauen Zeit, die göttinseidank längst hinter uns liegt, also begab es sich, dass ein alleinerziehender Dad...

Eine Aschenputtel-Variante nach den Brüdern Grimm

Der goldene Schwanz

Als die junge Frau schlurfenden Schrittes auf die leere schwarze Bühne kommt, führt sie erst einmal ein paar Handlangerarbeiten aus. So muss etwa ein riesiges Rolltor im Hintergrund geöffnet werden. Danach kommt sie an die Rampe und sucht sich eine Person in der ersten Reihe aus. Der Blick, mit dem sie die erwählte Zuschauerin oder den Zuschauer ­fixiert, ist durchdringend und taxierend. Schließlich macht sie wortlos einige kurze Bewegungen, die als Anweisungen gedacht sind. Wer von ihr begutachtet wird, soll den Arm heben, aufstehen, sich selbst präsentieren. Reagiert der oder die Betrachtete nicht, wählt sie jemand anderes aus. Am Ende dieser Begutachtung steht auf jeden Fall ein letzter, geschäftsmäßiger Blick, der zu verstehen gibt, dass man gerade so bestanden hat. Dieses kurze Vorspiel ist der einzige Moment in Christian Schäfers Uraufführung von Nora Gomringers Stück „Oinkonomy“, in dem jemand aus dem Publikum tatsächlich mitspielen soll. Aber er wirkt nach. Denn in diesem stummen Austausch zwischen Bühne und erster Reihe offenbart sich der Kern von Schäfers Inszenierung, die aufgrund der geltenden Hygienebestimmungen auf der großen Bühne des Gütersloher Theaters gespielt wird. Es gibt keine Barriere zwischen Bühne und Parkett, keine vierte Wand, die einen in Sicherheit wiegen könnte. Das Publikum ist...

Theater Gütersloh: „Oinkonomy“ (UA) von Nora Gomringer. Regie und Bühne Christian Schäfer, Kostüme Anna Sun Barthold-Torpai

Gütersloh: Life Is a Pigsty

Schauspielhaus Bochum: Sanft zerfledderte Welt

Der Materialergründer

Die wahre Größe einer Schauspielerin zeigt sich nicht unbedingt nur auf der Bühne. Sondern, zum Beispiel, auch bei einer Preisverleihung. Lob aushalten – eine echte Königsdisziplin. Jutta Lampe hat sie beherrscht, glänzend sogar, was an einem unvergesslichen Abend in der Berliner Akademie der Künste nachhaltig sichtbar wurde. Auf dem Programm stand damals, 2010, die Verleihung des Joana-Maria-Gorvin-Preises an die Künstlerin. Nacheinander paradierten Weggefährtinnen und Weggefährten über die Bühne, um eine längst versunkene Theaterepoche zu beschwören. Und selbstredend, um Lob und Anekdoten über Lampe auszuschütten. „Du bist die personifizierte Anmut und als solche ein ewiges Versprechen“, schwärmte Ernst Stötzner, der Moderator der Zeremonie, in Lampes Richtung. Nicht ohne vielsagend hinterherzuschicken, dass Versprechen naturgemäß unerfüllt bleiben müssten. „Es ist relativ einfach“, verkündete der Grand Monsieur Peter Stein, „sie ist ein Futter für jeden Regisseur.“ Schließlich lasse sie einen spüren, dass sie unbedingt angesehen werden ­wolle. Und wer hätte das besser wissen können als Stein, bei dem Lampe erstmals 1967 in Bremen gespielt hatte, als Lady Milford in „Kabale und Liebe“, mit dem zusammen sie die Schaubühne am Halleschen Ufer in Berlin gründete und drei Jahrzehnte lang prägte, für eine Weile auch als privates Paar. „Wie wunderbar du dich verwandeln konntest, auch mit...

Die Schauspielerin Jutta Lampe – eine kurze Erinnerung aus traurigem Anlass

Wandlerin im Birkenwäldchen

Bayreuther Festspiele: Geretteter Wagner

Autorinnen und Autoren Januar 2021 / Vorschau

Kompositionsprinzip Collage

In der Redaktion des progressiven Magazins Cult Weekly werden von Mansplaining bis Cancel Culture alle Schlüsselbegriffe der Debatten um Diskriminierung und Privilegien einmal durchgespielt. Auslöser der Diskus­sion ist eine vermeintlich rassistische Darstellung auf dem aktuellen Cover. Illustratorin Lesley wollte damit eigentlich eine „Ode an die schwarze Frau“ schaffen. Redakteur Tom, gespielt von Erik Born, erinnert die Darstellung eher an eine Karikatur von Sarah Baartmann, die als „Hottentotten-Venus“ in London zu Beginn des 19. Jahrhunderts auftrat. Weil sie ein ausladendes Gesäß hatte, wurde sie dort als „exotische Schönheit“ in Shows gezeigt. Diesen Bezug zur britischen Kolonial­geschichte hatte Lesley nicht im Sinn. So sei halt ihr Stil. Außerdem liest die schwarze Frau sogar ein Buch. Das müsse doch vor Rassismusvorwürfen schützen. Im Shitstorm, der sich in den sozialen Medien formiert, wird das anders gesehen. Um dem Schlimmsten zuvorzukommen, versucht das Kollektiv gemeinsam mit Redakteurin Inga, die von Nora Schulte mit perfekter „Girl-Boss“-Attitüde dargestellt wird, eine Pressemitteilung zu formulieren. Bei dem Versuch driften sie in Sektlaune in überdrehte Streitgespräche über strukturelle Diskriminierung und individuelle Kränkungen ab. Schon der Auftakt der Aufführung macht klar, dass es sich hier nicht um eine triste Zurschaustellung von Betroffenheit handelt. Die Schauspielerinnen treten mit Gerte und Reitoutfits auf...

Neues Theater Halle: „Geht das schon wieder los – White Male Privilege“ von Annelies Verbeke. Regie, Ausstattung und Video Niko Eleftheriadis

Halle: Diskurs-Karaoke

Schauspiel Leipzig: Weltangst und Ulk

This cake didn’t rise. I’ll make another cake

Was macht das Theater, Raphaela Bardutzky?

Es gibt noch Überraschungen im kontaktgebremsten Pandemieherbst. Beim Festival der Dinge, dem Objekttheaterfestival der Berliner Schaubude, entsteht tatsächlich eine Art ­Begegnungsraum. Jedenfalls dann, wenn man sich die App „Nur für einen Tag“ auf Smartphone oder Tablet herunterlädt und von der Schaubude aus eine GPS-geleitete Suche nach Skulpturen im Stadtraum beginnt. Die Bilder des Kameraauges werden auf dem Bildschirm mit abstrakten Zeichen und Symbolen überlagert. Unter die Auf­nahmen real entgegenkommender Passanten mischen sich bald auch Silhouetten digitaler Figuren. Man ist plötzlich inmitten einer ­digital erweiterten Gemeinschaft. „Nur für ­einen Tag“ lenkt den Weg dann zu Denk­mälern im öffentlichen Raum. An den antifaschistischen Widerstandskämpfer Anton Saefkow wird erinnert – und diese Erinnerung mit der Frage an die Heldinnen und Helden unserer Zeit verknüpft. Natürlich fallen einem die ­offiziell auserkorenen Pandemiehelden an Supermarktkassen und auf Intensivstationen ein. Zu Heldinnen und Helden wurden sie, weil sie ihr gewöhnliches Tagwerk in ungewöhnlichen Zeiten weiter verrichteten; der Kontext sorgt hier für Heldentum, nicht die Tat selbst – womöglich schlummert hier ein neuer Ansatz für Dramatik. Die App führt dann aber auch die Stimme von Carola ­Rackete ein, der Kapitänin, die auf dem ­Mittelmeer Leben rettet. Als Heldin ist sie mit den Pandemieheldinnen verwandt, weil sie tut,...

Die Berliner Schaubude veranstaltet eine gelungene Hybridversion ihres Festivals der Dinge

Von Thälmann bis Rackete

Fenster für bewegtes Licht

Theater Orchester Biel Solothurn: Kollektives Glitzern einer Biografie

Rechte, keine Wohltaten

Es müssen Köpfe rollen

Markus Selgs Theaterräume sind opulent. In vielen Bildschichten verbinden sie Motive von untergegangenen Zivilisationen, Traumbilder, religiöse Artefakte, Zitate aus der Kunstgeschichte und Computerspiel­elemente. Zuletzt tummelten sich gar künstliche Intelligenzen in Selgs immersiven Bühnenräumen. Für seine Arbeit erhielt er Ende 2020 den Theaterpreis Der Faust. Aktuell schließt sich für Selg, der im Theater vor allem Räume für seine künstlerische Partnerin Susanne Kennedy ent­wickelt, ein Kreis: Für das Commons Festival in Tokio baut er sein erstes Theater in der virtuellen Realität, die Produktion heißt „I AM (VR)“. Markus Selg, für Sie muss die Produktion „I AM (VR)“, ein Theater in der virtuellen Realität, doch wie ein Nachhausekommen sein. Ihre Bühnenräume setzen sich oft aus verschiedenen Schichten von Projektionsflächen zusammen, im Grunde genommen sind sie auf die Bühne gebrachte Installationen von VR-Räumen. Wie heimisch fühlen Sie sich jetzt in der VR? Für mich fühlt es sich tatsächlich an, als würde sich damit ein Kreis schließen. Ich baue ja schon immer die Räume zunächst in 3-D im Computer. Bei der Übertragung auf die Bühne geht es dann darum, die virtuelle Welt in die reale zu transferieren, ohne das virtuelle Gefühl zu verlieren. In der Virtual Reality nun kann ich alles eins zu eins...

Der bildende Künstler Markus Selg über Höhlenmalerei, virtuelle Welten und seine Zusammenarbeit mit Susanne Kennedy im Gespräch mit Tom Mustroph

Wie ein Einstieg in den eigenen Kopf

„Work hard, play hard?“

Der genetische Code Amerikas

Faust redet darüber, was die Welt im Innersten zusammenhält – und Gretchen über Faust. Hamlet sinniert über Sein oder Nichtsein, Ophelia über ihren Beziehungsstatus mit Hamlet. Karl Moor hebt in den böhmischen Wäldern die Welt aus den Angeln, ­ Amalia wartet zu Hause auf Karl: Kaum eine Frauenfigur in der Theatergeschichte, die unter feministischen Gesichtspunkten nicht schwer zu wünschen übrig ließe. Entsprechend stark ist der dramatische Kanon im Stadttheaterbetrieb unter Beschuss geraten. Neue Frauen braucht die Bühne, lautet der Branchentenor. Vor diesem Hintergrund erscheint es umso bemerkenswerter, dass sich in dieser Spielzeit gleich reihenweise junge Regisseurinnen – allesamt zwischen dreißig und vierzig – auf kanonische Protagonistinnen beziehen; und zwar auf die ältesten der Dramengeschichte. Zum Beispiel auf Iphigenie, die auf der Liste der verhasstesten Frauenfiguren seit jeher einen Spitzenplatz belegt, weil sie klaglos bereit ist, sich von ihrem Vater Agamemnon – dem Anführer der Griechen im Trojanischen Krieg – fürs Vaterland opfern zu lassen. Konjunktur hat aber auch Iphigenies Schwester Elektra, die – durchaus weniger handzahm – im Verbund mit Bruder Orestes ihre Mutter Klytämnestra nebst deren Lover umbringt. Oder Medea, die sogar die eigenen Kinder tötet. Alles Patriarchatsopfer, die da die Bühne von Berlin über Kassel bis nach Zürich...

Antike Frauenfiguren sind en vogue bei jungen Regisseurinnen – doch wieso trägt ihr Bühnen-Feminismus so oft Behauptungen vor sich her, statt sie performativ einzulösen?

Meine Hobbys sind Lasagne und Cordon bleu

Der Atem des Raumes

Sonntagabend. Totensonntag. Das Internet scheint etwas instabil, zu viele Leute gucken im Homeoffice „Tatort“. Das Theater an der Ruhr hat sich etwas Besonderes einfallen lassen: die Adaption eines Lars-von-Trier-Films als Livestream, gefilmt mit vier Kameras. ­Titel: „Europa oder die Träume des Dritten Reichs“. Der Monitor zeigt einen größeren Screen und drei kleinere. Unten links sieht man die Maskenbildnerei. Unten rechts kocht der Schauspieler Rupert J. Seidl ­Kartoffeln. Es gibt Gnocchi mit Trüffeln, aber das stellt sich erst nach und nach heraus. Auch die ­Zubereitung einer Mahlzeit unterliegt einer ausgefeilten Spannungs­dramaturgie. „Europa“ ist ein Werk des jungen Lars von Trier aus dem Jahr 1991. Es spielt 1945 in Deutschland, in der unmittelbaren Nachkriegszeit. Der Deutschamerikaner Leopold Kessler kommt in das zerbombte Land, um auf Vermittlung seines Onkels Schlafwagenschaffner zu werden. Es handelt sich erkennbar um eine Umkehrung der Situation aus Franz Kafkas „Amerika“-Roman: Vielleicht hat ja auch Kessler daheim in Virginia oder wo auch immer ein Dienstmädchen geschwängert. Albert Bork stattet den Protagonisten jedenfalls durchaus mit kafkaesken Zügen aus, einfältig und widerborstig zugleich. Aber vor allem einfältig. Er verliebt sich in die Tochter des Eisenbahn-Magnaten Hartmann, die sich später, gespielt von Dagmar Geppert, als Werwolf entpuppt. Kessler gerät zwischen die Fronten...

Theater an der Ruhr: „Europa oder die Träume des Dritten Reichs“ von Lars von Trier und Charlotte Beradt als Livestream. Regie Philipp Preuss, Bühne Ramallah Aubrecht, Kostüme Eva Karobath

Mülheim: Trüffel-Gnocchi an Lars-von-Trier-Klößchen

Plattenstufen-Festspiele für die Vielen

Die performative Baustelle

Intensität in Slow Motion

Köln: GDBA und BFFS kündigen NV Bühne

Was macht das Theater, Simone Sterr?

Gegen die Vereinzelung

Meine Ossi-Werdung und was sie heute bedeutet

Nicht nur leidende Natur

Theater sammeln

Meldungen

Alles fließt

Die Frage nach den Wörtern

Nibelungenfestspiele Worms: Gemetzel um Etzel

Was für ein Mischmasch, klagt der Schauspieler, er steht im Hintergrund der Bühne, weiß geschminkt, in einem Rüschenkleid, wirft ab und zu einen Blick hinüber in den erleuchteten ­Zuschauerraum, wo in ziemlich großer Entfernung der Regisseur steckt. Er wartet auf sein Stichwort, wie er das gewohnt ist im klassischen Theaterbetrieb. Der Mischmasch ist zum großen Teil pandemisch bedingt, aber nicht nur. Mit der Reinheit der Kunst ist es schon seit Langem vorbei, nicht nur im Theater, den ganzen Kulturbetrieb wirbelt es kräftig durcheinander, alle Medien und Genres. Nun sind dem Theater seine Räume verwehrt, dem Kino die Abspielstätten, Kunst wird nur noch direkt eingespeist in die digitalen Kanäle. Unreine neue Formen sind gefragt. Man hat ersatzweise Performances abgefilmt und dokumentiert, spontan, als Ersatz, viel Kleinkunst oder große Oper, alles sekundär. Nun versucht man eine neue Mischung, eine Inszenierung im Theater, hybrid konzipiert auf eine digitale Übertragung hin. Das erfordert und ermöglicht Anpassungen und Grenzüberschreitungen vor allem zwischen zwei Medien, die sich sonst diametral gegenüberstehen: Versuche, dem Kino sich anzu­nähern und doch Theater zu bleiben, das Kino zu nutzen, um echtes Theater zu machen … Der Mischmasch soll produktiv werden. Das Schauspielhaus in Zürich hat seine Inszenierung von „Der Mensch erscheint...

Wenn Theater auf Kino trifft: Über die Hybridkunst des Bühnenfilms

Das unsichtbare Dritte

Berlin: Verband für Theaterautor:innen veröffentlicht erstmalig Broschüre für Honorarstandards für Theaterautor:innen

Sweet Dreams?

Nachrufe lese ich gern. Ich mag das milde Licht, in das die Spanne eines ganzen Lebens getaucht wird, ganz so, als hätte es nie Streit, keine Gemeinheit und keine Enttäuschung gegeben, obwohl es von allem mehr als genug gab. Ich mag den leisen Ton, der unter dem Eindruck eines erlittenen Verlusts angeschlagen wird, vor allem, wenn der Verfasser dem Verstorbenen und seinem Werk nahesteht. Und ich mag die vielen kleinen Details, die eine solche Würdigung auszeichnen. Ein guter Nachruf ist keine schlechte Kunst. Nicht leicht haben es Rundfunksender und Tageszeitungen, weil sie schnell reagieren müssen, noch schneller, wenn jemand zeitlich so unkooperativ stirbt, dass der Redaktionsschluss kurz bevorsteht. Darum sind einige Medien darauf verfallen, Nachrufe im Voraus schreiben zu lassen, besonders auf betagte oder schwer erkrankte Persönlichkeiten. Von den beiden großen Tageszeitungen, der Frankfurter Allgemeinen und der Süddeutschen Zeitung, steht die eine im Ruf, Nachrufe zu lagern, während der anderen nachgesagt wird, sie produziere sie erst am Tag der Meldung. Tendenziell bekommt man bei der einen einen ausgereiften Artikel zu lesen, der genauso gut in einem Lexikon stehen könnte, während man bei der anderen die unmittel­bare Empfindung spürt, es ist ja gerade erst passiert. So war es lange. Wie...

Verpatztes Timing von Nachrufen

Leben lassen

Das Ende des Theaters, wie es auch in New York nie vorbei ist

Bühnenräume

Ans Theater glauben

Notizen zu Piscator

Staatstheater Darmstadt: I am a butchposition

Zufluchtsort vor der Welt

Ein Riesenrad so groß wie das Herz einer Stadt

Einmal begegnete Valie Export, Ikone der feministischen Performancekunst, kurz nach ihrer ­Aktion mit dem Tapp- und Tastkino – einer vor den Bauch geschnallten Box mit Löchern, durch die Passanten ihre nackten Brüste ertasten konnten –, auf der Straße einem Kollegen aus der Szene der Wiener Aktionisten. „Mei, Valie“, habe dieser abfällig gesagt, „was du so alles treibst!“ Dann habe er gelacht und sei weitergegangen. Das war Ende der sechziger Jahre....

Editorial

Radikal weiblich

Wiesbaden: Kristina Malyseva gewinnt „OPEN-PORT-PREIS für junge Regie“ beim Festival PAD 03

Von der polnischen Tradition zur weltweiten Avantgarde und darüber hinaus – Jerzy Grotowski

Bad Hersfelder Festspiele: Bloß nicht schmutzig werden

Festival der Besessenen

It-Girl, Busenwunder, Opfer des männlichen Blicks? Die US-Amerikanerin Anna Nicole Smith, geboren als Vickie Lynn Hogan in Houston, Texas, wurde Zeit ihres medialen Lebens nur selten freundlich apostrophiert. Als unauthentisches Zerrbild von Weiblichkeit beschimpft, geriet sie schnell zur verspotteten und verhassten Medienfigur. Dieser Vorgang, erklärt ­Patsy l’Amour laLove in der fünften Folge unserer Reihe Theater und Moral, ist bezeichnend für eine Gesellschaft, die unter dem Banner von Vielfalt und Toleranz das Subjekt ­ignoriert. Anstatt das It-Girl als Marionette eines grassierenden Selbstoptimierungs­anspruchs abzu­urteilen, so die Geschlechterforscherin, gehöre Smith als Subjekt wahr- und ernst ­genommen. Ein Plädoyer für einen anderen Umgang mit Geschlecht, Körper und Sexualität, der auch das homo- wie transsexuelle Subjekt vor der Verflüssigung bewahrt. Der Frage nach dem Geschlecht auf der Theaterbühne folgt jener nach Authentizität und Progression. Ist diese und jene Darstellung emanzipatorisch, altbacken, irgendwie Klischees reproduzierend, fluide genug und damit bekömmlich? Ich möchte für den Widerspruch des Reality-It-Girls auf der Bühne plädieren, für die schwule oder transsexuelle Lebensgeschichte mitsamt ihrer Konflikte: weg vom als nichtssagend inszenierten Fluiden – hin zum Körper im Ringen mit dem, was man als Identität versteht und nicht einlösen kann. Ich möchte ein Beispiel – eine Ikone vielmehr – für die Inszenierung von...

Warum das It-Girl Anna Nicole Smith nicht nur Antworten auf eine bigotte Schönheitsmoral gibt, sondern auch das homo- wie transsexuelle Subjekt vor der Verflüssigung schützt

Schlicht Anna Nicole

Verantwortung jenseits der Bühnenkante

Inklusive Ansätze erproben!

Dresden/Berlin: Staatsschauspiel Dresden und Deutsches Theater Berlin erhalten als erste Theater in Deutschland das neue europäische Nachhaltigkeitszertifikat

The Case of Digital Arts

„Auf dem Podium fühle ich mich wirklich wohl!“

Die Erinnerung an ausgelassene Urlaubs­reisen mit den Freunden ist verblasst. Unbeschwerte Momente gibt es nicht mehr. In Peer Mia Ripbergers Text „Wie ein zarter Schillerfalter“ tanzt die Hauptfigur Sarah in den Suizid. Wie feiner Sand zerrinnt ihre Sprache in einer Wirklichkeit, die sie nicht begreift: „Verwundet im Konversationskrieg. Argumenta­tionssplittergranate. Leere Worthülsen überall.“ Sprachgewaltig zeigt der ­Regisseur und Autor die Zerrissenheit einer jungen Frau, die er in multiple Persönlich­keiten zerlegt. Immer wieder kratzt er die ­poetische Textfläche mit dramatischen Dialogen auf. Das klingt unruhig, manchmal auch ungestüm. Im historischen Kino Löwen ließ die Stadtverwaltung Tübingen eine große Bühne bauen. Am neuen Spielort gelingt dem Institut für theatrale Zukunftsforschung (ITZ), wie das junge Leitungsteam das Zimmertheater in der Bursagasse inzwischen nennt, ein betörend schöner Totentanz. Zart und verletzlich wie Schmetterlinge zeichnet der Autor die Menschen. Mit der Uraufführung feierte das ­Theater die Neueröffnung der Spielstätte gerade noch rechtzeitig vor dem Lockdown im ­November. Auf der neuen Bühne haben die Spieler deutlich mehr Platz als im Gewölbekeller des Zimmertheaters. Das bot Peer Mia Ripberger nicht nur die Chance, in Zeiten der Corona-Pandemie mit dem geforderten Abstand zu inszenieren. Der Co-Intendant, der das Haus mit seinem Mann Dieter Ripberger leitet, schöpfte vor allem die...

INSTITUT FÜR THEATRALE ZUKUNFTSFORSCHUNG / ZIMMERTHEATER TÜBINGEN: „Wie ein zarter Schillerfalter“ von Peer Mia Ripberger. Regie Peer Mia Ripberger, Ausstattung Raissa Kankelfitz

Tübingen: Argumentationssplittergranaten

Inklusion an den Münchner Kammerspielen

Schaubühne am Lehniner Platz: Im Paranoia-Paradox

Kriegstraumatisches Theater

Mit dem Theater die Welt verändern

Die Botschaft verbreiten“ hat Pfarrer Ludwig Waldmüller, katholischer Dekan in Memmingen, mit dickem Filzstift auf ein Pappschild gekritzelt, welches er fröhlich in die Kamera hält. Das Foto hat er an das Landestheater Schwaben geschickt, das diesen und andere Beiträge auf seiner Facebook-Seite veröffentlicht. „Theater kann das“ heißt die kunterbunte Aktion, mit der die Bühne in den sozialen Medien und auf öffentlichen Plätzen auch während des Lockdowns auf sich aufmerksam macht. Mit Plakaten in Regenbogenfarben wirbt das Landestheater für die Kunst. „Gerade jetzt müssen wir als Theater sichtbar bleiben“, findet Kathrin Mädler, die Intendantin der bayerischen Landesbühne. Dass so viele Bürgerinnen und Bürger dem Aufruf gefolgt sind, sich mit Selfies für ihr Haus stark zu machen, zeigt der Chefin, „wie wichtig das Theater für die Gesellschaft ist“. Nicht nur in der Stadt Memmingen im Allgäu, auch auf dem Land spielt die Bühne. „Wir tragen die Kultur in die Dörfer“, verweist Mädler auf den wichtigen Auftrag, den die 24 Landes­bühnen in Deutschland haben. Doch gerade die Abstecherbühnen haben es in Zeiten der Corona-Pandemie schwer. Oft seien es kleinste Kulturvereine oder „einfach nur ein kulturbegeistertes Ehepaar“, die die Gastspiele des Landestheaters Schwaben organisieren. In jahrzehntealten Hallen oder an kleineren Spielorten im Hinterzimmer sei...

Die Ungewissheit in der Corona-Pandemie trifft die 24 deutschen Landesbühnen hart – dennoch versuchen sie sichtbar zu bleiben mit fantasievollen Aktionen

Marktplatztheater bei Minusgraden

Neue Horizonte überwinden die Sprachlosigkeit

Bregenzer Festspiele: Hat der Teufel das letzte Wort?

Die Taylor Swift unter den Theatern

Was ist Theater?

Köln: Der deutsche Bühnenverein schlägt Arbeitszeitenmodell für Solist:innen vor

Berlin: Das Deutsche Theater gibt die neuen Atelier-Autor:innen für die Spielzeit 2024/25 bekannt

Explodierendes Dokumentartheater

„Brigitte Bardot wurde nicht wegen ihrer Intelligenz besetzt, sondern wegen anderer Qualitäten. Und auch ich werde nicht besetzt, weil ich ein netter Kerl bin, sondern wegen meiner Körperlichkeit. Damit muss ich leben.“ Klingt in Zeiten hoher Sprachsensibilität ein bisschen anrüchig. Aber die Aussage stammt von Peter Radtke. 1943 mit Glas­knochenkrankheit geboren, Schauspieler, ­Regisseur, Autor, Rollstuhlfahrer, Aktivist zu Zeiten, als es das Wort noch gar nicht gab. Da kriegen die Sätze eine andere Dimension. 1995 diktierte er sie mir in den Block. Ich habe sie später oft zitiert – als Theatermacher beim inklusiven Berliner Theater Thikwa, wenn Publikumsdiskussionen mal wieder in ­mitfühlend nivellierende Groß­umarmungen mündeten mit dem Tenor, dass wir doch alle ein bisschen behindert seien. Peter Radtke war nicht provokativ, er war klar. Was manchmal dasselbe sein kann. Er lebte Selbstbestimmung vor, als Menschen mit Behinderung außerhalb der TV-­Lotterieshows der ­„Aktion Sorgenkind“ (so hieß die „Aktion Mensch“ noch bis ins Jahr 2000) im öffent­lichen Leben nicht vorkamen. Nicht als ernst zu nehmende Diskurspartner und noch viel weniger als Künst­lerinnen und Künstler. Peter Radtke hat beides geändert. Kämpferisch und beharrlich. Er studierte Romanistik und Germanistik, beileibe keine Selbstverständlichkeit für einen schwerbehinderten Menschen in den 1970ern. Immer unterstützt von seinen Eltern –...

Zum Tod von Peter Radtke – Schauspieler und Aktivist avant la lettre

Ich werde nicht besetzt, weil ich ein netter Kerl bin

Frau Vinken, viele Schauspielerinnen, zumal in den auf den Kanon fixierten Stadttheatern, sind es leid, immer wieder die ­gleichen Frauenrollen zu spielen: zu klischeebeladen, zu gestrig, zu wenig emanzipiert, heißt es. Teilen Sie als Zuschauerin diese Kritik? Oder gab es in der letzten Zeit kanonische Frauenfiguren im Theater, von denen Sie fasziniert waren? Zuletzt war ich in Stuttgart in der Oper, in dem Doppelabend ­„Cavalleria rusticana / Luci mie traditrici“ von Pietro Mascagni und Salvatore Sciarrino. In der „Cavalleria rusticana“ fand ich die Figur der betrogenen und ihren Bräutigam verratenden Santuzza faszinierend. Das ist eine Judasfigur, die aus verratener Liebe verrät; Barbara Frey hat das in Stuttgart trostlos brillant inszeniert. Santuzza liebt Turiddu. Dieser aber ist Hals über Kopf in die schöne Lola verliebt, eine verheiratete Frau. „Reize mich nicht, denn ich bin nicht dein Sklave“, beschimpft Turiddu die verletzte Santuzza. Diese erwidert: „Töte mich! Ich will es dir danken.“ Nun ja, wenn das nicht kitschigste Männerfantasie ist … Hier geht es nicht um Männerfantasien, sondern – die Szene spielt Ostern vor der Kirche – um die Pervertierung des unsere Gesellschaften begründenden und befriedenden Opfers. Genau. Die Frau ist wieder einmal das Opfer. Und das beklagen Schauspielerinnen. Nein, nein! Hier...

Die Literaturwissenschaftlerin Barbara Vinken im Gespräch über starke Frauenfiguren und besseren Sex

Das Lachen der Medusa

Lausitz Festival: Ein Abend der großen Schauspielerinnen

Im Angesicht rechter Bedrohung

Was macht das Theater, Danai Chatzipetrou?

Im Prolog seines neuen Buches erinnert ­Gunnar Decker daran, dass auch Jürgen ­Habermas im November 1991 in einem Brief an Christa Wolf in die Fanfare der Sieger der Geschichte stieß und behauptete, die Zerstörung der Idee des Sozialismus durch den real existierenden Sozialismus sei „für die geis­tige Hygiene Deutschlands fataler gewesen als das Erbe des Nationalsozialismus“. Daraus konnte nur folgen, dass die Einwohner dieses Landes sich in Quarantäne zu begeben hatten, bis ihre geistige Gesundung wiederher­gestellt war. „Folgt man dieser Logik heute“, schreibt Decker, „dann muss man den aufgeklärten Westen nur immer weiter in den Osten ausdehnen – derzeit ist er bis an die Ostgrenze der Ukraine gekommen.“ Dieser Kommentar macht deutlich, dass es sich bei der „Zeitreise durch die späten Jahre der DDR“ nicht nur um ein Erinnerungsbuch handelt, sondern um Erinnerungen an die Zukunft. Denn die Konflikte, die sich heute in ganz Europa zuspitzen, wurzeln auch in den ungelösten Widersprüchen und Fehlentscheidungen jener Jahre. Deckers Zeitreise führt von der Ausbürgerung Wolf Biermanns im November 1976 bis zur Veröffentlichung des letzten Teils von Heiner Müllers „Wolokolamsker Chaussee“ im Januar 1988. In kurzen und erhellenden ­Kapiteln zeichnet der Autor die wichtigsten Entwicklungen in Literatur, Theater, Film und Politik in der...

Gunnar Decker: Zwischen den Zeiten: Die späten Jahre der DDR. Aufbau Verlag, Berlin 2020, 432 S., 28,80 EUR.

Erinnerungen an die Zukunft

Berliner Ensemble: Dazwischen

Es scheint auf dieser Welt nichts zu geben, was Vidina ­Popov zurückhalten kann. Vor allem auf der Bühne ist das ­unverkennbar. Ob als hyperventilierender Clown in Heiner ­Müllers „Herzstück“, als Hauptfigur in Simon Stephens’ „Maria“ oder grau in grau integriert in ein ­polyfones, einheitliches Schauspielerinnenquartett in „Und sicher ist mit mir die Welt verschwunden“ von Sibylle Berg. Popov versprüht eine derart unterhaltsame Energie, die zweifelsohne im Gedächtnis bleibt. Die 28-jährige Schauspielerin ist nicht nur kraftvoll und euphorisch, ihr fallen am laufenden Band Dinge ein, die sie in ihrem Leben noch tun oder von denen sie noch erzählen will. Ihre künstlerische Laufbahn lässt vermuten, sie hätte schon dreimal gelebt oder hat mindestens eine Doppelgängerin. Popovs Schauspielkarriere beginnt früh: Als Tochter bulgarischer Eltern wird sie in Wien geboren und besucht dort eine bulgarische Schule. Da sie schon als Kind keine Scheu an den Tag legt, auf andere zuzu­gehen und diese schnell von ­ihren ­Unterhaltungskünsten überzeugen kann, wird sie als Moderatorin für Schulfeste eingesetzt. Eine Regieassistentin des Wiener Volkstheaters wird dabei auf die damals Achtjährige aufmerksam und schlägt sie für die ­Rolle der Tochter in Federico García Lorcas „Mariana Pineda“ vor. Danach geht es zum Fernsehen, als Moderatorin des Kindersenders Confetti TiVi....

Die Berliner Schauspielerin Vidina Popov kann über furchtbare Dinge lachen und wirft sich mit Wucht ins Unbekannte

Leben, nicht verzweifeln!

Faszinierend, dieser Vorgang: Eine Spielzeit beginnt, junge, noch unbekannte Schauspieler machen neugierig. Sie bringen frischen Schwung und ein anderes, oft jugendlicheres Sozialverhalten in die Bühnenfamilie. Erst einmal dienen sie ganz dem Ensemble, beleben und stärken es von den Rändern, den Neben­rollen her. Bis einer eigene Konturen annimmt, so wie Philippe Thelen am Theater Osnabrück. Der 31-jährige Luxemburger wollte schon früh Schauspieler werden, nahm aber erst den Umweg über einen Master of Arts. Dann ließ er sich im amerika­nischen Amherst und in Stuttgart doch noch zum Schauspieler aus­bilden. Jetzt, nach seinem ersten Fest­engagement und drei Spielzeiten in Osnabrück sowie einigen Rollen in Kurz- und Kinofilmen, zieht es ihn als Freiberufler zu Film und Fern­sehen. Dem Theater will er aber treu bleiben, wie er sagt. Auf der Bühne ist Philippe Thelen eigentlich ständig in Bewegung. Nicht hektisch oder nervös, sondern eher in der athletischen Grundspannung eines Boxers, der ganz leicht und locker seinen Kampfplatz umtrippelt. Seine wohltönende Baritonstimme, seine lebhafte, gern ausladende Gestik: Dieser Spieler füllt mühelos auch einen großen Raum. Wenn er das als Rupert in „Die Familie Schroffenstein“ mit nacktem Oberkörper und kraftgeblähtem Imponiergehabe macht, wirkt er in seiner Körpersprache ein bisschen wie der junge, noch schlanke Gerard Depardieu. Mal...

Der Osnabrücker Schauspieler Philippe Thelen verwandelt sich mühelos vom Wirbelwind zum Nervenbündel

Die Wendigkeit eines Boxers

Harztheater Halberstadt: Sodomiterey unterm Kirchendach

Ein wütender, politischer Text ist Joël Lászlós Überschreibung des Parzival-Epos. Im Zentrum der künstlerischen und sehr kritischen Auseinandersetzung steht der Wirtschafts­liberalismus. Ihn gehen der Autor sowie das Regieteam um Olivier Keller frontal an. Stephanie Gräve, Intendantin des Vorarlberger Landestheaters, verweist in einem Telefongespräch zur Bregenzer Uraufführung nicht zu Unrecht auf die Bedeutung der Schweiz als Herkunftsort von „Geld, Parzival“. In Lázlós moderner Adaption des mittelalterlichen Epos trifft die Finanzwelt der Aventiure auf Ausbeutung. Wer Missstände anprangert und die Welt verändern möchte, der kommt nicht umhin zu erläutern. Das tut Joël László, ­bevor auch nur ein Wort gesprochen wird. Lázlós Vorspann zum Drama parallelisiert die Artuswelt mit dem Kapitalismus. Dort steht: „Wenn wir uns unter fahrenden Rittern etwas historisch Konkretes vorstellen wollen, so müssen wir sie uns als Händler denken. In anderen Worten: als eine Vorform von Kapitalisten.“ Parzivals kindliche Sehnsucht nach der glänzenden Ritterwelt setzt Lázló mit einer naiven, aber äußerst wirkmächtigen Faszination für Reichtum und Macht gleich. Mein Pferd, meine Rüstung, meine Potenz – mein Geld. Hilflos wie bei Wolfram von Eschenbach erscheinen die Bemühungen der Mutter Herzeloyde, ihren Sohn vor den Verheißungen des Neoliberalismus zu bewahren. Noch geht es dem kindlichen Parzival in Lázlós Bear­beitung um den machtvollen...

Theater Marie/Vorarlberger Landestheater: „Geld, Parzival“ (UA) von Joël László. Regie Olivier Keller, Bühne Dominik Steinmann, Kostüme Tatjana Kautsch

Das Lachen der Medusa

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