Was macht das Theater, Tim Behren?

Vier junge Frauen steigen, eingekleidet in zweckmäßig legere Trainingsklamotten, auf vier Fahrräder auf der Bühne. Eigentlich sind es ja Standräder, denn so sehr die Frauen auch in die Pedale treten, sie kommen nicht vom Fleck. Dafür kann die Tretkraft als Antrieb für Früchtemixer genutzt werden, die sich auf die dafür vorgesehenen Sockel setzen lassen. Eine ausgesprochen originelle und praktische Konstruktion (Bühne Erik Noorlander). Zu Beginn des Abends aber wissen wir noch nichts von diesen Früchtemixern mit Muskelantrieb. Dafür beginnen die vier Frauen zu erzählen. Sie erzählen im flinken Wechsel untereinander die Geschichte, „wie unser Fahrradmechaniker Harry Widmer Junior ein ziemlich guter Mensch wurde, er, der stets ein Prachtkerl von einem Schweinehund gewesen war, ein Lügner, Betrüger und Schläger von Kindesbeinen an, ein Faulenzer und Aufschneider“. Sie erzählen die Geschichte des unflätigen Hallodris und Schweizer Kleinstadt-Casanovas, der sich das Fahrradgeschäft von Harry Widmer senior unter den Nagel reißt, und dann vor dem drohenden Konkurs des Geschäfts und vor der schwangeren Freundin nach Mexiko flüchtet, wo er als „Haroldo“ das Mackerdasein erfolgreicher ausleben kann als in der tristen und beengenden Schweizer Kleinstadt. Sie erzählen die Geschichte, die der Schweizer Bestsellerautor Alex Capus in seinem vor mittlerweile zehn Jahren erschienenen Roman mit dem...

Theater Marie: „Harry Widmer Junior“ (UA) nach dem Roman „Glaubst du, dass es Liebe war?“ von Alex Capus. Regie Olivier und Patric Bachmann, Bühne Erik Noorlander, Kostüme Myriam Casanova

Aarau: Vier Frauen und ein Schweinehund

Ressource Bühnenbild

„Immer, wenn er gestorben war, kam er wieder zurück.“ So beginnt Charles Lewinskys 750-Seiten-Roman „Melnitz“. Darin begleitet Onkel Melnitz die jüdische Familie Meijer in der Schweiz zwischen 1871 und 1945. Wer den Roman in Angriff nimmt, bleibt an diesem Satz hängen, verweist er doch auf die Schicksale jener, die geächtet, verfolgt und getötet wurden. Damit keiner von ihnen vergessen geht, ist Melnitz zur Stelle; selbst dann, wenn ihn die Protagonisten des Romans bisweilen weit weg wünschen. Am Eingangssatz entzündet sich auch die Phantasie von Adriana Altaras, die mit Wolfgang Böhmer eine Stückfassung destilliert und diese gleich selbst im Kurtheater Baden inszeniert hat – noch vor dem Schauspielhaus Zürich, das ebenfalls einen Bühnen-„ Melnitz“ auf seiner Wunschliste hatte. Das Gastspielhaus bekam aber den Vortritt – aus gutem Grund. Denn: Wo anders hätte die Uraufführung stattfinden können als in Baden, das unweit der Aargauer Gemeinden Lengnau und Endingen liegt, Dreh- und Angelpunkte von Lewinskys Geschichte? Jüdische Familien durften sich seit Beginn des 17. Jahrhunderts in der ganzen Schweiz nur in diesen beiden Orten dauerhaft niederlassen; die Niederlassungsfreiheit wurde den Schweizer Juden dann erst in der Revision der Bundesverfassung von 1866 garantiert. Lengnau und Endingen sowie die nahen Städte Baden und Zürich sind...

WK Kulturwerk und Kurtheater Baden: „Melnitz“ (UA) nach Charles Lewinsky. Regie Adriana Altaras, Bühne Jörg Reinhard Zielinski, Kostüme Yashi Tabassomi

Baden: Immer, wenn er gestorben war ...

Wenn Daniel Kahn nach Berlin gefragt wird, nennt er die Hauptstadt „Heimat“. Seit acht Jahren lebt der Amerikaner in Berlin, nach Stationen in New York, New Orleans und Detroit, wo er 1978 als Spross einer musikbegeisterten jüdischen Familie zur Welt kam. Aus einem Impuls heraus zog er 2005 nach Berlin, wo ein paar seiner Helden zu Hause waren: Bertolt Brecht, Kurt Weill, Karl Marx. Von allen dreien sind die Songs inspiriert, die Kahn auf bisher vier Alben aufgenommen hat. Seine Adaption des Brecht-Liedes „Denn wovon lebt der Mensch“ etwa zählt zum Repertoire; nicht das einzige Stück aus fremder Feder, das Kahn und seine Band The Painted Bird in ihren musikalischen Kosmos aus Klezmer-Folk, Cabaret-Rock à la Tom Waits und Nick Cave samt dem agitatorischen Feuer eines Polit-Punks übertragen. Immer wieder fördert der studierte Theaterschauspieler und Regisseur zeitlose Schätze aus jiddischen Liedersammlungen zutage, darunter der „Arbetloze Marsh“, eine alte Gewerkschaftshymne, die er als aktuellen Kommentar versteht zu einer wieder aufkeimenden Zweiklassengesellschaft. Der 34-Jährige hat das Jiddische verinnerlicht – jene tausend Jahre alte Sprache, die er einst durch die Lieder Michael Alperts oder Adrienne Coopers für sich entdeckte. Auch auf seinem jüngsten Album „Bad Old Songs“ begegnet einem Kahns eigenwilliges Mischungsverhältnis aus...

Musik: Böse alte Lieder

Genregrenzen hardcore überwinden

Jeton, du bist für deine scharfe Ironie bekannt. Und zum Teil wirst du dafür auch gefürchtet. Vor ein paar Monaten hat sich die Starke Partei im Kosovo gegründet, mit dem Ziel, Politik zu veräppeln. Warum hast du nicht für den Vorsitz kandidiert? Weil ich mich schnell gelangweilt und innerhalb der Partei die Starke starke Partei gegründet hätte. Aber ich glaube, dass ich mit meiner Ironie die Gründung der Starken Partei inspiriert habe. Nicht nur mit Dramen, sondern auch mit Texten und künstlerischen Interventionen in den Medien bin ich weiter gegangen, als es sich gehört. Das hat mich viel gekostet. Aber zum Glück nicht das Leben. Es ist mir wirklich so schlecht ergangen, dass ich vor Traurigkeit nicht aufhören kann, Dramen zu schreiben. Nur ein Schriftsteller versteht meine Traurigkeit. Jeden Abend, wenn ich mich hinlege, weine ich, dann schreibe ich eine Szene von meinem Drama, dann verfluche ich die Regierung, dass sie mich in so eine üble Lage gebracht hat, und dann schlafe ich ein. Jeden Abend dasselbe. Ist das nicht furchtbar? Ja, auch mir kommen schon die Tränen. Nach Kierkegaard ist Ironie ein Mittel, um Widersprüche zu versöhnen, auf dem höheren Level der Narrheit. Was ist Ironie für dich? Ist...

Der Dramatiker Jeton Neziraj im Gespräch mit Ralph Hammerthaler

Wie viel Ironie verträgt der Kosovo?

Popanz der Macht

Was bleibt am Ende von Dimiter Gotscheffs Theaterträumen, die immer auch Albträume waren? Seine archaische Wucht, mit der er einen Anfang machte, als gelte es, einen neuen Kontinent zu erobern. Es gilt, einen Kontinent zu erobern – immer wieder neu. Mit Heiner Müller beschwor er die Toten, schließlich brauchen wir bei unserem langsamen Dem-Ende-Zusterben ein paar Freunde, um uns angemessen zu unterhalten. Müller hatte 1986 im Gespräch mit dem Ost-Berliner Philosophen Wolfgang Heise ausgesprochen, worum es in aller künftigen Kunstausübung gehen müsse: „Der Dialog mit den Toten darf nicht abreißen, bis sie herausgeben, was an Zukunft mit ihnen begraben worden ist.“ Das ist noch vor dem großen Sieg des „freien Westens“ über den „unfreien Osten“ gesprochen, der für Müller wie für Gotscheff ein großer Pyrrhussieg war. Alle Kultur aber kommt aus dem Scheitern; allein die Besiegten haben Erfahrungen, die es weiterzugeben lohnt, während die Sieger in ihrer Hybris nicht ahnen, wie lange Geschichte an ihren Korrekturen zu arbeiten vermag. Darum ging es in Gotscheffs Theater: lauter Totentänze einer frivolen Gegenwart, die nicht daran glaubt, dass auch sie nur ein Staubkorn im Sturm der Geschichte ist. „Immer noch Sturm“ heißt das Stück von Peter Handke, das Gotscheff 2011 in Salzburg inszenierte:...

Mit Dimiter Gotscheffs Tod endet ein besonderer ostwestlicher Blick auf europäische Geschichte

Spielen und Sterben

Endlich faire Mindestgagen, aber woher kommt das Geld?

Wer lebenslang sucht, dessen Aufbruch verheißt Spannung. Parsifals Abschied von seiner Mutter Herzeleide gleicht in Jo Fabians Inszenierung einer emotionalen Abnabelung: Hier der groß gewachsene, entschlossene, strahlende Parsifal (Jonas Pätzold). Er ist sich seines Weggehens ins Ungewisse ganz sicher. Dort die vorahnende, klammernde Mutter (Franziska Geyer). Schnell setzt sie nach ihren vergeblichen sprachlichen Verhinderungsversuchen ihr letztes Mittel ein, um den Sohn zu halten – emotionale Nähe. Der Abgang als Theaterprobe, mehrfach wiederholt, als Wechselspiel von eingeübter Abschiedsumklammerung, verzögertem Weggehen, durchdringendem mütterlichen Rufen und gehorsamer Rückkehr des Kindes. Die zunächst ungläubige, dann zunehmend missmutigere Reaktion Parsifals, weil er erkennt, dass das Rufen der Mutter eines besonderen, beachtenswerten Grundes jedes Mal entbehrt. Distanz und Trennung als Ausbleiben der Rückkehr. Jo Fabians Mythenreigen kann beginnen. Fabian betont in seinen klar gesetzten Stationen der Suche das Existenzielle des Stoffes: Unwissenheit, Neugierde, Unschuld und Schuld, Nutzen und Sinnlosigkeit individuellen Lernens. Zudem die Wirkungsmächtigkeit eingefahrener Verhaltensmuster. Das klassische Entwicklungsschema, im höfischen Aventiure-Roman als doppelter Kursus mit pädagogischem Zeigefinger gesetzt, bricht Fabian dabei schnell. Fabians Parsifal verhält sich am Ende der Inszenierung nicht viel anders als zu deren Beginn. Sein kindlich anmutender Optimismus, seine nie versiegende Unmittelbarkeit, seine oft unbegründete Willensstärke bleiben trotz erschütternder Erfahrungen konstant. Es...

Theater Konstanz : „Parsifal“ (UA) von Jo Fabian. Regie und Ausstattung Jo Fabian

Konstanz: Der himmlische Regisseur

Reisen war kein Volkssport in der DDR, dazu waren die Grenzen zu undurchlässig, in bestimmten Richtungen nur für Privilegierte passierbar. In östlicher Richtung war es einfacher, und für Theaterleute gab es da viel zu entdecken, auch Unbekanntes und Überraschendes. Und für eine Woche Moskau (zu Ljubimow) oder Krakau (zu Wajda und Kantor) konnte man glatt das Theatertreffen vergessen, das nebenan, aber hinter der Mauer stattfand. Wolfgang Kröplin, promovierter und habilitierter Theaterwissenschaftler in Leipzig, konnte relativ viel reisen – und es hat sich gelohnt. Seine zweibändigen Untersuchungen über das mittelosteuropäische Theater basieren auf seinen hauptsächlich in den 1970er und 1980er Jahren durchgeführten Reisen nach Russland, Polen, in die Tschechoslowakei, nach Ungarn und Bulgarien. Also kreuz und quer durch die sozialistischen Bruderländer. Nach Rumänien, ins Baltikum und in die jugoslawischen Teilstaaten hatte er es nicht geschafft, aber auf die eigene Anschauung als Grundlage seiner Arbeit mochte er redlicherweise nicht verzichten. Ausgangspunkt ist immer das konkrete Theatererlebnis – das macht das Werk zu einem spannenden Reisetagebuch –, später vertieft und verallgemeinert im historischen Rückblick – das macht es zu einem wissenschaftlichen Standardwerk. Den mittelosteuropäischen Raum definiert Kröplin als geopolitische Zone zwischen Elbe und Ural, zwischen Baltikum und Balkan, über Jahrhunderte von Kriegen, Unterdrückung,...

Wolfgang Kröplin: Auf der Suche nach dem unbekannten Theater. Bilder und Befunde vom mittelosteuropäischen Theater. 2 Bände, Verlag Königshausen & Neumann, Würzburg 2013, 854 S., 98 Euro.

Zwischen Elbe und Ural

Lichtwarktheater: Ein Haus für alle

Der Reichtum des Erinnerungsspeichers

Drei Frauen aus drei unterschiedlichen Filmen von Aki Kaurismäki, den Gebrüdern Dardenne und Amos Kollek. Drei Figuren, ein Schicksal: Sie alle sind arbeitslos. Ilona wird gekündigt, als das Restaurant, in dem sie kellnert, pleitegeht; Rosetta findet allenfalls Gelegenheitsjobs; Sue ist ebenfalls auf Stellensuche, vor allem aber sucht sie nach Männern für die Nacht, um ihre Einsamkeit zu vertreiben. Sebastian Nübling hat die Geschichten der drei ineinander verschränkt und dazu Schauspieler von drei europäischen Theatern zu einem Ensemble vereint. Es ist sein zweites Dreiländerprojekt nach dem fulminanten Erfolg mit „Three Kingdoms“ vor zwei Jahren. Das Stück des englischen Dramatikers Simon Stephens führte anhand eines Krimiplots um internationalen Frauenhandel eine Ermittlergruppe von London über Hamburg ins estnische Tallinn – und in den Irrsinn eines babylonischen Verwirrspiels über die Unmöglichkeit, in einem zusammenrückenden Europa zu einer gemeinsamen Sprache zu finden. Die verbalen Verständigungsschwierigkeiten waren dabei nur Oberflächenausdruck der tieferen kulturellen Gräben, die sich bei solchen Begegnungen unweigerlich auftun. Auch in „Ilona. Rosetta. Sue.“ herrscht wieder Sprachvielfalt. Neben den Münchner Kammerspielen, die das Projekt initiiert haben, sind die Koninklijke Vlaamse Schouwburg aus Brüssel beteiligt sowie das Theater N099 Tallinn, das schon bei „Three Kingdoms“ mit von der Partie war. Doch geht es diesmal nicht...

Münchner Kammerspiele: „Ilona. Rosetta. Sue.“ nach Aki Kaurismäki, Luc und Jean-Pierre Dardenne, Amos Kollek. Regie Sebastian Nübling, Ausstattung Ene-Liis Semper

München: Bitte eine Nummer ziehen!

Residenztheater München: Oh, wie schön ist Paraguay

Leipzig: In der Musikstadt steht das Theater seit jeher unter Emanzipationsdruck – für die freie Szene eine doppelt schwierige Situation Stolze Bürgerstadt mit anspruchsvoller Kulturszene“, übertitelt der jüngste Leipziger Wirtschaftsbericht die Rubrik Kultur. Richard Wagner, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Gewandhaus, Thomanerchor – das sind die Botschafter der Musikstadt Leipzig. Theater hat es indes traditionell schwer. Legendär das Testament des Leipziger Verlegers und Mäzens Carl Christoph Traugott Tauchnitz: Er vermachte nach seinem Tod im Jahr 1884 sein Vermögen sozialen Projekten, ausgenommen davon „specifisch kirchliche Zwecke, Luxusbauten und das Theater“. Theater steht in Leipzig bis heute unter Emanzipationsdruck. In der freien Szene formulierten zuletzt die Kampagne „Fünf für Leipzig“ und das Projekt eines neuen gemeinsamen Theaterhauses Meilensteine. „Fünf für Leipzig“ fordert die Umsetzung des Stadtratsbeschlusses aus dem Jahr 2008, nach dem fünf Prozent des Kulturhaushaltes an die freie Szene gehen. Die vollständige Umsetzung, ursprünglich bis ins Jahr 2013 angestrebt, ist inzwischen ins Jahr 2015 aufgeschoben. Letztes Jahr machte die freie Szene gegen diese Verschleppung öffentlichkeitswirksam mobil. Auch erklärte sie auf ihrer Website www.leipzigpluskultur. de: „Wahlweise wird der städtische Kulturetat nach unten interpretiert oder es werden Kultureinrichtungen in unseren Förderbereich hineingewidmet, die 2008 eine eigene Haushaltsstelle bei der Stadt hatten und somit von dem Ratsbeschluss...

Zwischen Impulsgebern und Nischenbesetzern, Prekariat und stabiler Förderung – Schlaglichter aus den freien Szenen in Leipzig, NRW und München

Natural Born Performers

Ein Licht nicht von dieser Welt

Kim de l’Horizon – Michelle Steinbeck – Pablo Jakob Montefusco – Alexander Stutz

"Atlas wirft die Welt ab“ – so hübsch allegorisch kommt er daher, der Radikalindividualismus im Dienste des Turbokapitalismus. Doch der Titel freilich trügt. Ayn Rands 1957 erschienener Roman – auf Deutsch mit „Der Streik“ übersetzt – erzählt eine Geschichte, die uramerikanischer nicht sein könnte: den Traum vom Triumph des intelligenten Einzelnen über die Trägheit und Larmoyanz der Masse. „Dass Atlas die Welt abwerfen könnte“, schreibt unser Autor Martin Krumbholz, „ist...

Editorial

„Queer sein bedeutet für mich, das Leben zu genießen. Und es anderen möglich zu machen, es genießen zu können.“

Gastspiel der Geister

1,63 Meter groß, quecksilbrig, rote Locken, Sommersprossen: Vom Erscheinungsbild her ist Marie Bauer der Inbegriff des süßen Mädels. Tatsächlich bedient sie das Rollenfach aber nicht einfach nur so – sie stattet es mit Fallstricken und doppelten Böden aus. Gleich in der ersten Szene ihres Demotapes führt sie das vor. Da schockiert ihre Figur die Mutter mit einer angeblichen Mesalliance – und gaukelt ihr dazu alle Gesichter eines mal prustend übermütigen, dann still vergnügten Turteltäubchens vor. Hinter dem verliebten Theater aber brodelt sie vor Zorn. Pointiert erkennt man hier einen Trick, den Bauer perfektioniert hat: den gut platzierten Widerspruch von Wirkung und Wesen ihrer Figuren. Süß sein gern, aber bitte nur als Maske! Geboren wurde Marie Bauer ein Jahr vor der Wende in Thüringen. Im Staatstheater Meiningen steht sie zum ersten Mal auf der Bühne, in Hannover schließt sie 2011 das Schauspielstudium ab. Nach Stippvisiten in Göttingen, Bremen und Gießen kommt sie nach Osnabrück. Als Gast wirkt sie hier in Hauptmanns „Ratten“ mit; bei der Uraufführung von Sidney Corbetts Romanvertonung „Das große Heft“ ist sie die Sprecherin; im Weihnachtsmärchen das Dschungelkind Mogli. Festes Ensemblemitglied wird Bauer erst mit der aktuellen Spielzeit. Die wird vom Festival Spieltriebe eröffnet – und spätestens nun...

Die Osnabrücker Schauspielerin Marie Bauer jongliert mal charmant, mal zornig mit Schein und Sein ihrer Figuren

Der gut platzierte Widerspruch

Den Tanz der Welt zur Ruhe bringen

Katja: Was sind die Fernsehmedien scheiße. Oder? Die Fernsehmedien sind doch scheiße, Brodi? Brodi: Ja, oh ja, die Fernsehmedien sind zum Lachen, Katja. Fernsehmedienmonopolära ist Gott sei Dank vorbei. Katja: Trotzdem: Die geben ein völlig falsches Bild. So sind wir nicht. Prinzip „Liebe“. Nee, da lassen wir uns nicht reinstecken. Pfui Spinne. Dieser ganze Pärchenscheiß. Nee, nee. Nach Sylt zusammen. Im Rollkragenpulli Kekse backen. Über die Kindheit sprechen. Drei Kilo zunehmen. Brodi: Nee, nee. Katja: Das sind doch nur hilflose Korrekturmanöver für Menschen, die eine Krücke brauchen. Das soll einen kybernetisch auf Kurs bringen. Man soll vor lauter Zukunftplanen und Horoskopechecken und Filmekucken nicht merken, an was man da das eigene Leben verschenkt. Brodi: Nein – wir denken Verbundenheit abseits von Vertragsabschlüssen und als Alternative für soziale Degeneration. Verbundenheit ist mehr als nicht mehr alleine fernsehn müssen. „Video rein – Alltag raus“? Fuck you! Katja: Du hast so recht. Brodi: Und du bist so witzig. Katja: Und du bist so … Fühl mich dir … Äh … Brodi: Würd dich gern öfter … Katja: „Ich liebe dich“. Kotz gleich. Brodi: Echt! Katja: Darum geht’s doch gar nicht. Brodi: Was sind die Fernsehmedien scheiße. Katja: Was sind Fernsehmedien scheiße und fragwürdig...

Ein Versuch zur neuen deutschen Volkstümlichkeit

Langsam erklimmen Heiner und ich die Treppe, die zu seiner Wohnung am Kissingenplatz 12 hinaufführt. Er erzählt mir den antiken Witz über den Frosch und den Skorpion. Der Frosch hat sich überreden lassen, den Skorpion über den Fluss mitzunehmen. Mitten im Fluss sticht ihn der Skorpion. Beide sterben; der Skorpion kann nicht schwimmen. Mit letztem Atem fragt der Frosch: „Warum tötest du mich? Du wirst selber sterben.“ „Charakter!“, antwortet der Skorpion. Plötzlich erschreckt uns ein verzweifelter Schrei – ein Urschrei. In der Wohnung wohnte noch Bernd, der Sohn von Inge Müller. „Bedroht ihn ein Verbrecher oder gar die Staatsmacht?“, fragen wir uns. Leise macht Heiner die Tür auf. Wir treten in das Zimmer. Nur Mitko und Bernd sind da. Erlöst lachen wir über uns selbst. Mitko erzählt uns, dass er mit Bernd für dessen Aufnahmeprüfung an der Schauspielschule Philoktet probiert. Mitko, ein Student der Theaterwissenschaft, träumte schon damals, Regisseur zu werden, um Heiner Müller zu inszenieren. In diesem Schrei haben sich Heiner und Mitko getroffen. Mitko ist ihm treu geblieben. //

Der Schrei

Personen: Jose Habib, Maler Garib, Junger Osman Aishe/Maria, Schauspielerin, Obdachlose/Entehrte Frau Dieses Drama kann von vier Schauspielern gespielt werden, von drei Männern und einer Frau (wie oben vorgeschlagen). Aber, wenn möglich, wird empfohlen, mehr Schauspieler zu besetzen. Die weiteren Personen – außer den vier Hauptpersonen Garib, Habib, Aishe und Jose – sollen leicht zu identifizieren sein. Z. B. kann der männliche Garib-Darsteller einen langen Schnurrbart, einen türkischen Turban und eine tiefe Stimme haben und riesige, grotesk anmutende Schritte machen, wenn er den Jungen Osman spielt. 1. DIE SÖHNE DES SULTANS ABDÜLHAMED Der junge Osman, beladen mit Schleiern. Marschgeräusch. Türkische Trommeln und orientalische Oboen, Rufe „Allah ist groß” … Der junge Osman: Ich / Osman / Soldat des Sultans Abdülhamed / Unseres ruhmreichen Sultans / Breche auf in einer wichtigen Mission / Auf einen langen Weg / In jeden Winkel des Reiches / Um das Licht unseres Glaubens zu verbreiten / Das Licht des gesegneten Herrn / Der bewölkt und aufklart / Der den Tag zum Tag macht / Und die Nacht zur Nacht Ich, der Soldat unseres Sultans / Breche auf / Heute / An diesem glückseligen Tag / Um Licht zu bringen / Dorthin, wo bis gestern Dunkel war...

Absurde Komödie für vier Schauspieler. Aus dem Albanischen von Zuzana Finger

Die Zerstörung des Eiffelturms

Wende und Wandel

„Was viele Kollegen meiner Generation verbindet, ist die Liebe zum Film und zur Filmgeschichte.“ Dass Pablo Berger, der 1961 in Bilbao geborene Regisseur, mit diesem Satz nicht nur ein schnödes Lippenbekenntnis lieferte, beweist er auf wunderschöne Weise mit seiner zweiten großen Kinoarbeit: Blancanieves – Ein Märchen von Schwarz und Weiß. Die Handlung spielt in den 1920er Jahren, der Spätzeit des Stummfilms, und so entschloss sich Berger, den Stil und die Atmosphäre des stummen Kinos wieder aufleben zu lassen. Die Entscheidung, seinen Film in Schwarz-Weiß zu drehen, mit Zwischentiteln statt gesprochenen Dialogen und mit einem üppigen Orchesterteppich zu versehen, fiel bereits 2005. Niemand konnte damals ahnen, dass es in Frankreich ganz ähnliche Überlegungen gab. Als dort vor zwei Jahren „The Artist“ herauskam, der ebenfalls den Geist des Stummfilms beschwor und für seine Konsequenz und Eleganz sogar einen Oscar erhielt, war „Blancanieves“ also längst in Arbeit. Jetzt ist Bergers Hommage an vergangene Kinotage endlich auch bei uns zu sehen und muss sich vor ihrem französischen Pendant keineswegs verstecken – im Gegenteil. „Blancanieves“ ist eine spanische Variante von „Schneewittchen“. Die Hauptfigur Carmencita, Tochter eines an den Rollstuhl gefesselten ehemaligen Toreros und einer verstorbenen Flamencotänzerin, wird von ihrer bösen Stiefmutter gequält und mit dem...

Film: Das spanische Schneewittchen

Wie lässt sich heute Brechts „Fatzer“ begegnen, jenem gut 400 Seiten umfassenden Textkonvolut, an dem Brecht – so sein berühmter Kommentar – nach der Einsicht in eine inhärente Unmöglichkeit „zur Selbstverständigung“ weiterarbeitete? Der Ringlokschuppen in Mülheim an der Ruhr hat vor geraumer Zeit eine kontinuierliche und vielfältige Beschäftigung mit „Fatzer“ initiiert, die sich mittlerweile auch in einem jährlichen Symposion mit eigener Buchreihe niederschlägt. Und wie das erste „Mülheimer Fatzerbuch“ versammelt auch die jüngst herausgekommene Dokumentation der zweiten Fatzer-Tage (2012) eine Reihe lesenswerter Aufsätze und Berichte zur und aus der Arbeit an Brechts Fragment. So suchen etwa Ralph Fischer, Eva Heubach und Frank Ruda sowie Michael Wehren (neue) theoretische Zugänge zu „Fatzer“, und Tim Schuster analysiert höchst luzide Polleschs Brecht-Übermalung „Kill your Darlings!“ (dessen Text im Band abgedruckt ist). Besonders hervorhebenswert scheinen mir an dieser zweiten Ausgabe indes jene Texte, die eigene Erfahrungen aus einer wie auch immer auf „Fatzer“ bezogenen Theaterarbeit reflektieren: So vor allem Christine Standfests sogenannte „Territorialisierung“ des Materials, die nach Räumen und Orten in „Fatzer“ fragt und dies mit dem Problem der Verortung in heutigen politischen Zusammenhängen verbindet, etwa den „Occupy“-Aufständen oder den arabischen Revolten – ein Text, der sehr überzeugend dem Umstand begegnet, dass Brechts „Jahrhunderttext“...

Matthias Naumann / Michael Wehren (Hg.): Räume, Orte, Kollektive. Mülheimer Fatzerbücher 2, Neofelis Verlag, Berlin 2013, 222 S., 18 EUR.

Gespenster aus der Zukunft

Eine Fundgrube

Holzmarkt Berlin: Die Utopie vorurteilsfreier KI

Wiener Festwochen: Der Haimon in uns

Martin Luther selbst griff, wie man weiß, in den 1530er Jahren erst mit einem flammenden Friedensappell an Kohlhaas, dann durch Aushandlung einer Amnestie für ihn in das Geschehen um die Rappen ein, die dem Titelhelden beim Grenzübertritt willkürlich abgeknöpft und durch Feldarbeit ruiniert worden waren. Kleist hatte die Geschichte um den Rosshändler, der eher gegen Fürst und Reich zieht, als ein Unrecht zu dulden, „aus einer alten Chronik“, deren Überlieferung er um einen romantischen Schluss mit weissagender Zigeunerin und drohendem Unheil für den Kurfürsten erweiterte. Regisseur Faltz gibt der Handlung ein modernes Gewand. Stefanie Linigers Ausstattung füllt die Spielfläche mit einer Anzahl leichter, papierbespannter Wände, die, angewinkelt und auch besteigbar, zwischen Auftritten und Lichtwechseln immer mal verrückt werden, um für Haus, Palast, Zinnen oder Landschaft zu stehen. Die verflixten Rappen sind als Gesangschor mit Pferdekopfmasken aus demselben papierartigen Material unentwegt präsent. Die Darstellerkostüme deuten teils historisches Flair an, wenn der Junker Wenzel von Tronka etwa zu pinkfarbenen Hosen ein Lederwams trägt oder der Kurfürst einen blassgrauen Gehrock späterer Zeiten. Kohlhaas steht, geht und ballt die Fäuste in einem braunen Anzug und Schuhen nebst olivfarbenem Hemd von heute, derweil seine Frau Lisbeth ihr eidotterfarbenes Kleidchen zu Damenschuhen in Pink aufträgt und...

Hessisches Landestheater: Marburg: „Michael Kohlhaas“ nach Heinrich von Kleist in einer Bühnenfassung von Matthias Faltz und Alexander Leiffheidt. Regie Matthias Faltz, Ausstattung Stefanie Liniger

Marburg: Verflixte Rappen

Fair bezahlt und arbeitslos?

Was macht das Theater, Bernhard Stengele?

Es gibt diese Theaterstoffe, die einfach funktionieren. Die einmal klappen – und dann nicht mehr aufhören gut zu laufen. „Tschick“ ist so einer, nach dem Roman des kürzlich verstorbenen Autors Wolfgang Herrndorf. Im November 2011 kam er zum ersten Mal auf eine Theaterbühne, auf die kleinste Spielstätte des Dresdner Staatsschauspiels, ganz oben unterm Dach. Der junge Regisseur Jan Gehler inszenierte den von Robert Koall für die Bühne bearbeiteten Text, mit unfassbarem Erfolg: „Tschick“ lief rauf und runter, wurde auf eine größere Bühne verlegt, lief bis in die Theaterferien hinein mit fast 100 Prozent Auslastung. Und auf einmal wollten so ziemlich alle deutschen Theater dieses Stück machen. Jan Gehler selbst beschreibt die Arbeit an „Tschick“ wie einen Rausch. Ein Teamspiel mit den Schauspielern Sebastian Wendelin und Benjamin Pauquet sei das gewesen, „wir haben uns einfach gefunden“, sagt er. Die Aufträge folgten auf dem Fuß, Gehler inszenierte in Berlin und München, wieder in Dresden. Der Theaterbetrieb ist eine Krake, die nach jungen Talenten giert. „Ich habe sehr schnell gemerkt: Stopp, das geht zu schnell, das halte ich keine dreißig Jahre durch“, sagt er. Vielleicht war es sein Glück, dass der Intendant Wilfried Schulz ihn fragte, ob er Hausregisseur am Staatsschauspiel Dresden werden...

Der Regisseur Jan Gehler vermisst Stücke, als wären sie Landkarten

Der Textwanderer

Descartes und Brecht, Empedokles am Vulkanschlot und falsche Gemeinschaften, der sohnesmörderische Laios-Komplex und Wagner- Hacking jenseits von Israel – so lauteten nur einige der Impressionen, die den Besuchern der Theaterkonferenz vom 26. bis zum 29. September 2013 im Mousonturm blühen mochten. Veranstalter waren die Theaterwissenschaftler der Goethe-Universität in Kooperation mit der Universität Tel Aviv, der Forsythe Company und dem Mousonturm als Gastgeber und Mitorganisator. Was also hatte es auf sich mit dem Denken auf der Bühne über die Bühne? Vier Aufführungen waren Teil des Programms, zwei davon in Studioräumen am Hause. Die Lecture- Performance „Meine drei Großmütter“ von Meret Kiderlen etwa, über Erinnerung, NS- und Familiengeschichte und Alzheimer, scheiterte kalkuliert an der Klippe eines Problems mit der Videokamera, die erst ein, dann zwei, dann ein drittes Mal aus ihrer Lage auf dem Stativ kippte und Kiderlen jedes Mal vermeintlich dazu zwang, noch einmal von vorne anzufangen, nicht ohne die erzählte Geschichte je zu variieren: verschrobene Wirklichkeitseffekte aus Persiflage und Zwangsverhalten. Für die akademische Reflexion der beiden professionellen Tanzperformances, Laurent Chétouanes „Sacré Sacre du Printemps“ und William Forsythes „Clouds after Cranach“, sorgten u. a. Sebastian Kirsch (Theater der Zeit) und Gerald Siegmund (Gießen), der Forsythes Praxis kategorisch als Denken auf der...

thinking on/of the stage – Eine Konferenz am Frankfurter Mousonturm

Von einem Denken zum anderen

Luzern: Siegerprojekt für das Neue Luzerner Theater gekürt

Was bleibt, ist der unaufhaltsame Verfall. Die DDR-Gesellschaft und die Familie Powileit- Umnitzer – der Virus des Zweifels hat beide befallen. Macht er krank, führt er gar unaufhaltsam zum Tode, oder ist doch Heilung möglich? Mit Eugen Ruges „In Zeiten des abnehmenden Lichts“ blicken wir auf drei Generationen einer Familie und gleichzeitig tief hinein in die Dunkelecken des 20. Jahrhunderts. Was man dort erblickt? Moralische und geistige Verwüstung im Namen höchster Ideale. Wie ist das möglich? Die Sonne war schuld! Die pathetisch gefeierte „neue Zeit“ glaubte sich, so das FDJ-Symbol der aufgehenden Sonne, ganz auf der Seite des anbrechenden Tages. Aber die Schatten werden immer länger. Es gibt einen erschütternden russisch-französischen Spielfilm von Nikita Michalkow, den man eigentlich vor jeder Aufführung von „In Zeiten des abnehmenden Lichts“ zeigen sollte: „Die Sonne, die uns täuscht“. Stalin lässt in den 1930er Jahren viele Tausend Revolutionäre der ersten Stunde ermorden. Spätestens ab jetzt ist das Wort Kommunist mit schweren Verbrechen beladen, die Genossen sind Mörder und deren erste Opfer zugleich. Offensichtlich sind nach dem plötzlichen Zuziehen des Vorhangs vor der DDR auf welthistorischer Bühne dann doch allzu viele Frage offengeblieben – bis heute. Anders sind der große Erfolg des Romans (das gleiche Phänomen...

Theater der Altmark : „In Zeiten des abnehmenden Lichts“ von Eugen Ruge. Regie Alexander Netschajew, Bühne Mark Späth, Kostüme Sofia Mazzoni

Stendal: Die Schuld bleibt

wann, wenn nicht jetzt?

Eigentlich wollte er noch das Ludwigsburger Schloss anzünden und im Ehebett der Herzogin sein Leben aushauchen. Doch bevor es dazu kam, wurde er gefasst. Bis dahin hatte Ernst August Wagner, Hauptlehrer in Degerloch bei Stuttgart, 14 Menschen getötet. Am 4. September 1913 ermordete er dort seine Frau und seine vier Kinder, fuhr dann nach Mühlhausen bei Vaihingen, wo er mehrere Gebäude in Brand steckte und weitere neun Menschen mit zwei Mauser-Repetier-Pistolen erschoss. Ein spektakulärer Fall: Wagner wurde aufgrund eines Gutachtens des Tübinger Psychiaters Robert Gaupp, eines späteren Verfechters „rassenhygienischer“ Zwangssterilisierungen, nicht zum Tode verurteilt, sondern als psychisch krank eingestuft. Den Rest seines Lebens bis zum Tod 1938 verbrachte er in der Heilanstalt Winnenthal. Der Amoklauf des schwäbischen Hauptlehrers und dilettierenden Dramendichters wurde auch zum Medienereignis. „Die Bluttat des Lehrers Wagner – Das letzte Verhör mit dem Mörder“, titelte Die Neue Zeitung 1913. Heute, 100 Jahre später, wird wieder daran erinnert, mit Schlagzeilen wie „Schwaben- Amok“ oder „Ich bin Sodomit“. Auch das Zimmertheater Tübingen nimmt sich des Falls Wagner an: „Morgen spricht von mir die ganze Welt“ heißt eine 90-Minuten-Collage, die der Intendant Axel Krauße und der Wagner-Experte Peter Sindlinger aus dokumentarischem Material zusammengestellt haben (Hermann Hesse hatte den Fall in...

Zimmertheater Tübingen: „Morgen spricht von mir die ganze Welt“ (UA) von Axel Krauße und Peter Sindlinger. Regie und Textfassung Axel Krauße, Ausstattung Odilia Baldszun

Tübingen: Wir kannten ihn nur als die Güte selbst

Performative Fotografie

Theater schlägt Netflix

Herr Ostermeier, das Verhältnis von freier Szene und Stadttheater wird oft konflikthaft dargestellt, als Kampf zwischen Arm und Reich. Thomas Ostermeier: Im Herzen der Auseinandersetzung steht der Streit um Mittel. Oft mit sehr vereinfachten Argumenten, nämlich: Institutionen sind innovationsfeindlich, verkrustet, staatstragend, kunstfeindlich, lahm, DDR-ähnlich etc. Diesem üblichen Vorwurf wird das Bild einer freien Szene entgegengestellt, die neu, innovativ, kreativ ist und schlecht bezahlt wird. Vor diesem Horizont wird gefragt: Warum kriegt die freie Szene nicht mehr Geld, wenn sie die ästhetischen Innovationen der letzten zwanzig Jahre geleistet hat? Der wichtigste Punkt ist für mich, dem ganz ehrlich zuzustimmen: Ja, es ist ungerecht, dass die freie Theaterszene so wenig Geld bekommt. Das ist ein echter Kampfpunkt; das muss sich unbedingt ändern. Aber hinter den Schluss „Dann sollen die Stadttheater etwas abgeben!“ setze ich ein großes Fragezeichen. Aus zwei Gründen: Erstens streben auch jene, die von der Projektförderung abhängen, nach Institutionalisierung. Das sagt jemand, der mit der Schaubühne ein Theater leitet, das 1962 von fünf Studenten der Freien Universität Berlin als Studententheater gegründet wurde. Dieses freie Theater wird mittlerweile maßgeblich von der Stadt unterstützt, so wie sich das jedes Theater wünscht, um Möglichkeiten zu haben, besser zu produzieren, die Mitarbeiter angemessen zu...

Der Berliner Schaubühnen-Chef Thomas Ostermeier und Thomas Oberender, Intendant der Berliner Festspiele, im Gespräch

Die Systemfrage

Théâtre Vidy-Lausanne: Diversity sells  

Die wirkende Erinnerung

Vorhang runter, Zelt weg

Meldungen

„Musik ist für mich wie das Atmen“

Programmieren auf der Probe?

Wladimir Putin – eine Figur von Dostojewski?

Deutsches Theater Berlin: Moral und Ästhetik in Zeiten des Kriegs

Theater Bremen: Ästhetisches Manifest des Miteinanders 

Glanz oder Harnisch: Das Laboratorium

Herr Zwieback, ist der Horizont eine Kugel? Für mich unbedingt, ja. Ich gehe gern auf den Horizont zu. Aber wenn ich mich entferne, krümmt er sich und wird eine Kugel. Deshalb habe ich damals auch den Titel meines Buches so genannt. Mittlerweile bezeichnen Sie Ihre Arbeiten als sinnlichen Surrealismus. Was muss man sich darunter vorstellen? Mehr als diese zwei Worte braucht man kaum zu sagen. Es geht nicht nur um ein surreales Prinzip, das alles auf den Kopf stellt, nicht nur auseinandernimmt und neu zusammensetzt. Für mich ist es mehr eine unendliche Sehnsucht, Hand in Hand mit Sprache und Bildern zu inszenieren. Sehnsucht trifft und verliert sich in Landschaften. „Der Horizont ist ein Kugel“ handelt von der Suche nach idealen Landschaften. Landschaften des Denkens, Fühlens. Ich öffne die Tür zum Universum … Es zieht … und die Luft steht. Früher, als die Erde noch eine Scheibe war, da konnte man tagelang sehen, wie jemand auf einen zukommt, und seitdem die Scheibe eine Kugel ist, kann es schon sein, dass man am Horizont einen Schornstein entdeckt und nicht weiß, ob das eine Fabrik oder ein Schiff ist. Worum es immer wieder geht, ist der besondere Moment. Muss man dafür auf der...

Die Arbeiten des Dichters und Vortragskünstlers Wolfgang Krause Zwieback schweben zwischen Start und Landung. Der Künstler im Gespräch mit Ute Müller-Tischler

Auf der Kippe zur Wirklichkeit

Sieben Tage hat Silvia Brendenal, Chefin der Schaubude, Rosen verteilt, gelbe, an die Mitwirkenden des Geburtstagsfestivals. Am Schlussabend – die Technik hatte Edith Piaf eingespielt, die davon singt, dass sie nichts zu bedauern hat („Je ne regrette rien“) – brachten sie Rosen zurück, rote, und mit diesen ihre Verehrung und Liebe für eine Kämpferin, die sich leidenschaftlich und grenzüberschreitend für die Figurentheaterszene einsetzt. Es war ihr letztes großes internationales Festival – 2014/15 wird sie die Leitung der Schaubude abgeben –, und bedauern muss auch sie nichts. Noch vor fünf Jahren hatte Silvia Brendenal in einem Interview erklärt, dass sie ihr Theater eigentlich „Theater der Dinge“ nennen wolle, die Zeit sei aber noch nicht reif dafür. Nun lud sie zum Festival „Theater der Dinge“, und Freunde kamen aus den Niederlanden, aus Belgien und Frankreich, aus der Schweiz, Italien, Spanien und Großbritannien, aus Polen, Dänemark und Norwegen, aus Israel und den USA, und sie kamen aus Magdeburg, Stuttgart, Tübingen. Silvia Brendenal hat altgediente Puppenspieler eingeladen und ganz junge, die den Staffelstab weitertragen sollen. Sie wollte an möglichst vielen Beispielen zeigen, was ihr Theater der Dinge alles (schon) kann, und sie wollte den Trend bestätigen: Zum Puppen-, Figuren- und Objekttheater kommt längst das...

Die Schaubude Berlin feiert ihr 20-jähriges Bestehen mit dem Festival „Theater der Dinge“

Ausflüge nach Dingsda

Die Erfindung des Theaters aus dem Geist der Malerei

Martin Kippenberger war kein Kölner. In Dortmund geboren, in Essen-Frillendorf aufgewachsen (der Vater war Bergmann), in Wien nach zu viel Alkoholgenuss frühzeitig verstorben (mit 44 Jahren), war dieser Maler, Bildhauer, Selbstdarsteller überall und nirgends zu Hause. „Kippi“, wie seine Freunde ihn nennen durften, war ein Künstler auf der Suche nach Unterkunft. Diese gewährt ihm postum das Schauspiel Köln unter seinem neuen Intendanten Stefan Bachmann. Mit einem „Kippenberger!“ betitelten Abend in eine Saison und eine Ära zu starten, das bedeutet nicht so sehr eine Reverenz an die Stadt Köln (wo der Künstler in den Achtzigern vorübergehend logierte), es signalisiert vor allem die Absicht, Künstlertum und Künstlerwahn offensiv zu thematisieren, ähnlich, nur in einem anderen Genre, wie es auch Michael Frayns Kassenschlager „Der nackte Wahnsinn“ betreibt – jene verblüffend gut gemachte Backstage-Komödie, die vorführt, wie die unbeholfene Produktion eines Schwanks an den privaten Querelen der Produzenten nach und nach zuschanden geht. Martin Kippenberger hat in seinem kurzen intensiven Leben mit unerschöpflicher Energie ermittelt und erprobt, was Professionalität heißt (während Michael Frayn mit beißendem Witz dokumentiert, wie Nichtprofessionalität schnurstracks in den Abgrund führt). Nicht darum geht es, der beste lebende Maler zu sein – das wäre illusorisch, denn malen können viele –, sondern...

Unter Intendant Stefan Bachmann startet das Schauspiel Köln neu – und deckt gruselige Parallelen zwischen Kapitalismus und Sozialismus auf

Ich, ich und ich

Was macht das Theater, Chiaki Soma?

Serie: Blickwechsel #03

Volkstheater Wien: Oh mein Gott. Es ist komisch 

Der Anti-Katastrophenfilm

Dass Dramaturgen Adorno zitieren, ist schon lange aus der Mode gekommen. Unlängst hielt ich einen Programmtext in Händen und habe nirgends das Wort „Kulturindustrie“ gesehen. „Avantgarde“ ist sowieso eine Vokabel aus dem Begriffsinventar der Kunsthistorie. Doch Distinktionsmechanismen funktionieren auch ohne theoretischen Überbau. Niemand will Kommerz sein. Und weit und breit keine schlimmere Kritik als „Das haben wir schon mal gesehen“ – dachte ich. Als der steirische herbst 1968 gegründet wurde, war er ein Avantgardefestival. Inzwischen nennt er sich Festival für Neue Kunst, zuletzt auch Festival für neue Kunst. Der kleine orthografische Unterschied ist übrigens entscheidend. Die „Avantgarde-Tradition“ wird in Graz mit dem Verweis darauf hochgehalten, dass man Produktionsund Brutstätte ist, ein Labor. Dort wird neue Kunst gemacht, die aber immer seltener den Anspruch stellt, Neue Kunst zu sein. Aber: Muss sie das? 2013 war der Anteil an Ko- und Eigenproduktionen im szenischen herbst-Programm tatsächlich besonders hoch, ästhetisch wurde das Neue noch nie so oft kleingeschrieben. Vielleicht hat das auch mit dem diesjährigen Motto zu tun: „Liaisons dangereuses: Alliancen, Mesalliancen und falsche Freunde“. Da kann man diverse Berührungsängste auch mal beiseitelassen. Zum Beispiel jene zu etablierten, gefälligen Ausdrucksformen. Dann wäre die nostalgische Ästhetik, mit der A Two Dogs Company und Kris...

Beim steirischen herbst wird viel neue Kunst gezeigt – die jedoch immer weniger den Anspruch hat, Neue Kunst zu sein

Nacktbaden ohne Adorno

Gern nennt sie sich Ingeborg Bachmanns Seelenschwester. Diese schrieb über Maria Callas: Was ihr keiner nachmache, sei ihre Art, beim Singen zu atmen. Alles Kreatürliche hat seine Spur im Atem, durch ihn erst entsteht Intimität. Der Atem macht unvergleichlich. Mal geht er schwer gegen die Außenwelt an, mal gibt er sich ihr hin. Aber nie unkontrolliert, immer ein Mittel zur Ausdruckssteigerung, eingesetzt mit aller Unbedingtheit jenes „Vissi d’arte“ Toscas („Nur der Kunst weiht’ ich mein Leben“), das die Callas aus aller Leidenstiefe in den Himmel hinaufhebt. Manchen glaubt man einen derartigen Kunstwillen, manchen nicht. Wenn Inge Keller spricht, dann trägt ihr Atem den hohen Ton über alle Zweifel hinweg. Sie hat seit jeher viele Bewunderer (vor allem Männer) und rief zahlreiche Skeptiker (vor allem Frauen) auf den Plan. Es waren Frauen, oft Kolleginnen, die klagten: Was finden die bloß alle an dieser spröden Preußin, ich bin doch viel schöner und viel weiblicher! Inge Kellers Verhältnis zur Erotik scheint allzeit kriegerisch. Sie ist bevorzugt hart und sachlich, niemals weich, schon gar nicht mütterlich. Sie erzwingt sich Zugang, bricht jeden Widerstand durch offenkundig zur Schau gestellte Gleichgültigkeit an den Gefühlslagen ihres Gegenübers. Und dennoch ist die Liebe, die ihr entgegengebracht wird, ganz...

Die Schauspielerin Inge Keller wird neunzig

Atem der Größe

Ein Mann in allen Medien

Freundlich empfängt uns Nordirland nicht. Alle Cafés im Flughafen Belfast sind geschlossen, der nächste und letzte Bus nach Derry geht in einer Dreiviertelstunde. Kurz nach Abfahrt des Busses fordert die erste Wandmalerei auf, die politischen Gefangenen nicht zu vergessen. Knapp anderthalb Stunden später wehen britische Flaggen an den Straßenbeleuchtungsmasten einer Ausfallstraße von Derry. Ich bin mit einer Gruppe junger Künstler und Kuratoren im Rahmen des Netzwerks „Festivals in Transition“ und auf Einladung des Londoner LIFT-Festivals (London International Festival of Theatre) zu einem „City Lab“ in der Stadt, einer von neun Research-Wochen zwischen Derry und Maribor, München und Riga. Derry ist 2013 die Kulturhauptstadt des United Kingdom, die erste Stadt, die diesen Titel tragen darf. Offiziell heißt es „Derry-Londonderry UK City of Culture“. Die Programmbroschüre trägt den Titel „Derry-Londonderry 2013“. Das dazugehörige Logo sagt „Derry-Londonderry cityofculture2013.com“, manchmal auch nur „2013 Derry-Londonderry“ oder auch „2013 Derry-Londonderry City of Culture“. Die Webadresse heißt www.cityofculture2013.com. Die Veranstaltungsorganisation nennt sich Culture Company 2013 Ltd. Was nach einer Mischung aus Identitätsproblem und Marketingkatastrophe klingt, erfährt unglaubliche Unterstützung durch die Bevölkerung der Stadt, die etwa 110 000 Einwohner hat. 30 000 von ihnen wurden Facebook-Follower im Wettkampf um den Titel, der gegen Newcastle, Birmingham und Liverpool gewonnen...

Derry-Londonderry versucht als Kulturhauptstadt des United Kingdom in Nordirland das Narrativ der Vergangenheit umzuschreiben

Mit Bürgerkriegsimage

Im Realschülercafé in Weilheim schaue ich direkt in die Arschfurche einer vielleicht 18-Jährigen auf einem Barhocker, die mit dem Rücken zu mir sitzt und sich aufgedreht unterhält. Keine geschätzten fünf Zentimeter dürften es höchstens noch sein vom Jeanshosengürtel bis zum verdeckten Anuslöchlein, mehr nicht, und ich könnte zwar wegschauen und schau doch immer wieder hin. Mich interessiert unter anderem aber vor allem das Hosengefühl des Mädchens. Wie das wohl ist, wenn alles immer kurz vorm Rutschen ist und dann doch gerade noch hält. Ich komme zwar nicht mehr aus der Hosenträgergeneration, aber eben schon noch aus der Hosenhochzieh- und Gürtelengschnallaltersgruppe. Da war dieses Gefühl, das einem sagte: Jetzt hängt der Arsch im Freien, die letzte Aufforderung zum sofortigen, meist schon panikartigen Handeln. Die 18-Jährige aber trägt eine Hose, die exakt so geschnitten ist, dass nichts von dem, was ich seh, ungewollt oder einer Nachlässigkeit geschuldet wäre. Es dürfte sich bei dieser Mode weniger um Provokation handeln als um die zivilisatorische Weiterentwicklung des Körpergefühls, um die sexuelle Selbstwahrnehmung auf dem jeweiligen Modeniveau. Es mag wie an den Haaren herbeigezogen klingen: Aber lief nicht die gesamte noch amtierende Bundesregierung mit solchen Hosen herum, einsehbar bis knapp über das Arschlochlöchlein, bevor die Papiere...

Josef Bierbichler über Edward Snowden und Merkels Handy

Onanisten im Dienst der Weltpolizei

Berlin: Kim de l’Horizon erhält den Hermann-Sudermann-Preis 

Was macht das Theater, Christiane Schneider?

All die schönen Menschen

Zu den fatalsten Aspekten dessen, was man einmal die „deutsche Misere“ nannte, gehört die Tatsache, dass in Deutschland die Pfaffengegner oder, wie man heute vielleicht sagen würde, die „Kirchenkritiker“ noch immer die schlimmsten Pfaffen gewesen sind. Wie unfähig man hierzulande jedenfalls noch immer zu einer wahrhaft „materialistischen“ Kritik des Christentums und seiner irdischen Vertreter ist – es hat sich gerade wieder aufs Schönste gezeigt: in der Aufregung um Franz-Peter Tebartz-van Elst, den „Prunk-Bischof“ von Limburg, und seine 15 000-Euro-Badewanne. „Ich hab einmal einen Pfaffen mit einem Pfaffengegner herumstreiten hören. Der Pfaffengegner hat dem Pfaffen vorgeworfen, er denkt nur ans Fressen, und der Pfaff hat geantwortet, der Herr Gegenredner denkt nur an ihn. Sie haben beide recht gehabt.“ So spöttisch machte Bertolt Brecht sich 1943 in den „Flüchtlingsgesprächen“ über die „schwache Begabung der Deutschen für den Materialismus“ her. Und es ist höchst entmutigend, dass dieses Bild offenbar nach wie vor zutrifft. Man muss kein Parteigänger des Limburger Klerikers sein, um die Vehemenz, mit der jetzt alle Welt – und sogar der Papst selbst – von der Kirche „Armut“, „Bescheidenheit“ und „Demut“ fordert, suspekt zu finden. Es ist das alte Lied: Die traurige Vorstellung, die man sich in Deutschland seit je von...

kirschs kontexte: Es gibt ein Recht auf vergoldete Türklinken oder Über die schwache materialistische Begabung der Deutschen

Herr Kuttner, haben Sie schon die „Wer war Willy Brandt?“-Plakate zu seinem hundertsten Geburtstag gesehen, darauf ein Mandoline spielender Bundeskanzler samt lässig zwischen die Lippen geklemmter Zigarette? Willy Brandt ist schon ein besonderer Fall in dieser Generation, in der ja alle ein Leben hatten vor ihren Ämtern in der Politik. Im Nachkriegsdeutschland war er als Emigrant eine tief beargwöhnte Figur. Übrigens hatte nicht nur die DDR Günter Guillaume auf ihn angesetzt, auch die CDU brachte, wie man heute weiß, einen ganzen Spitzelapparat um ihn herum in Stellung. Außerdem war er ein Mann mit Eigenschaften, ein Dandy in der Politik, der seine Lebenslust nicht verbarg. Egon Bahr schrieb in seinen Erinnerungen, Brandt habe sofort einen persönlichen Draht zu Kremlchef Breschnew gehabt, weil sie die Liebe zu „Wein, Weib und Gesang“ verband. Und hinzugefügt, dass sie, wenn sie auf eines hätten verzichten müssen, als Erstes das Singen aufgegeben hätten. In gewisser Weise besaß Brandt Popstarqualitäten. Er war eine Projektionsfläche für andere. Eine Art deutscher Kennedy. Man sollte ihn nicht glorifizieren, aber die Konservativen haben ihm weder sein „Mehr Demokratie wagen“ noch seine Aussöhnung mit dem Osten je verziehen. Beide Ziele waren zu der Zeit alles andere als Wohlfühlthemen zum Sichselbst- Feiern, sondern...

Was macht das Theater, Jürgen Kuttner?

Hessisches Landestheater Marburg: Ein Computerspiel auf der Bühne

„Es geht um magische Momente“

Der Theaterturm von Ludwigsburg

I do you!

Leonhard-Frank-Stipendium zur Förderung zeitgenössischer Dramatik geht an Elisabeth Pape

Anfangs gab es niemanden, der unter seiner Regie arbeiten wollte. Also begann John Bock, sich selbst zu inszenieren, erfand wilde Theorievortragsmöglichkeiten aus dem Koffer, drehte Filme und baute schon mal ein eigenes Schauspielhaus für die documenta 11 in Kassel. Wer vor einigen Jahren „Die malträtierte Fregatte“ im Magazin der Berliner Staatsoper gesehen hat, wird sich an ein traumatisches Ereignis mit Anne Tismer in einem hängenden Bus erinnern. Damals inszenierte er ein Hölleninferno und versetzte unsere Theatergewohnheiten ganz schön ins Schleudern. Berühmt wurde der 48-jährige Berliner mit seinen „Quasi- Mes“ (Quasi-Ichs). Das sind abgefahrene, äußerst skurrile Körperobjekte, hergestellt aus alten Strickpullovern und Secondhand-Klamotten. Wenn er sich und anderen diese „Quasi-Mes“ als zweite Haut überstülpt und miteinander verkabelt, entstehen Nähe und Form mit dem Publikum – zwei seiner künstlerischen Hauptanliegen. Noch vor Jahren brachten seine „Quasi-Mes“ als wandelnde Alter Egos aus Rasierschaum und Gurkenscheiben Museumsbesucher im MOMA zum Grübeln. Georg Baselitz jedoch war überzeugt davon, dass die höchst seltsamen Körperskulpturen eine bemerkenswerte Anziehungskraft auch für die Bühne besaßen. Und so lud er ihn ein, das Kostümbild zu György Ligetis Kunstoper Le Grand Macabre an der Chemnitzer Oper auszustatten. Das musikalisch schwer zu spielende Werk ist ein Szenario des Weltuntergangs und spielt in...

Kunst: Quasi-Mes

Loslassen können. Es nicht können, kann tödlich sein. Im wahrsten Sinne des Wortes, aber auch im übertragenen Sinn. Im Jahr 1913 jedenfalls kann der Industrielle Christian Maske von Buchow, obwohl er schon 70 Jahre alt ist, die Führung des Konzerns nicht abgeben. Er fühlt sich nicht nur auf der Höhe seiner Macht, er sieht auch, dass keins seiner drei Kinder geeignet ist, den Konzern zu übernehmen. Vielleicht am ehesten noch Sofie, seine älteste Tochter. Die hat zwar den berechnenden Geschäftssinn von Vati, doch das allein reicht nicht. Es gehört auch Weitblick dazu, den Sofie nicht hat. Als der Alte krank ist, fädelt sie einen Deal ein, den sie als sehr vorteilhaft zu erkennen meint. Der Vater jedoch sieht sofort: Dieser Deal birgt die Gefahr, dass der Konzern in Stücke geschlagen wird. Von Buchow setzt all seine Macht zur Rettung ein und triumphiert – in diesem Moment trifft Christian Maske von Buchow der Schlag … Im Januar 1919 wurde Carl Sternheims Theaterstück „1913“ in Frankfurt am Main uraufgeführt. Eine Kritik am hemmungslosen Kapitalismus, die nichts von ihrer Aktualität verloren hat – seit der Globalisierung erst recht nicht. 1913. Hörspiel nach dem gleichnamigen Theaterstück von Carl Sternheim, Hörspielbearbeitung und Regie Rudolf Noelte....

Hörspiel: Männer, Macht und Mäharbeit

(Fast) alles neu bei Theater der Zeit

Leidenschaftlich zeitgenössisch

Was macht das Theater, Johanna M. Keller?

Beim Versuch, sich aus den Schwingungen entlang der horizontalen Achse zu befreien und wieder in die vertikale Ruhelage zu gelangen, durchläuft ein Pendel mehrere Stationen. Die Ruheposition, in der Dynamik als „kritischer Punkt“ bezeichnet, ist ein Zustand, den das System eigentlich nicht verlässt, solange keine Störungen auftauchen. Auf dem diesjährigen Unidram-Festival in Potsdam fühlte man sich mitunter wie ein Schwerkraftpendel. Man hatte den Wunsch, den Ruhezustand zu verlassen, weil einem vieles trist vorkam, aber auch zu ihm zurückzukehren, wenn es kunterbunt wurde. Versuchte man, sich nur auf die künstlerischen Ausdrucksformen zu konzentrieren, geriet man in ein Samsara des ästhetischen Experimentierens. Es gab visuelles, Musikund Objekttheater, Schauspiel, Tanz bis hin zur Performance, Figurentheater und allerlei Mischformen. Wer also Lust auf Momente der Verführung und auf ungewöhnliche theatrale Formen und Formate hatte, wurde schnell fündig. Es gab aber nicht nur ästhetizistische Tendenzen: Auch diejenigen, die ein gewisses Maß an Erleuchtung in der suggestiven Wirkung des Theaterrauschs oder im Spiel mit den Möglichkeiten um Illusion und Wirklichkeit suchten, wurden nicht enttäuscht. Exemplarisch dafür war „Die weiße Kabine“ der russischen Künstlergruppe Akhe, die ein puzzlespielartiges Traumtheater präsentierte. Besessen formalistisch zeigt sich „Ulysses’ Living Room“ des ungarischen Ensembles Artus. In einem Raum, ausstaffiert mit Sofas,...

In seinem 20. Jahr pendelt das Unidram-Festival in Potsdam auf der Suche nach einer klaren Richtung zwischen magischem Kunstraum und sozialem Forum

Ticktack

Aalto-Musiktheater Essen: Der Mensch ist gar nicht gut 

Neue Perspektiven auf etwas sehr Bekanntes

Systemcheck

Sich der Gewalt zuneigen

Freundlich, aber bestimmt gebeten, in meinem Arbeitszimmer ein bisschen Ordnung zu schaffen, stelle ich fest: Der Tisch mit den Büchern ist nicht nur nicht aufgeräumt, er ist schlicht nicht abgearbeitet. Da liegen also noch die zwei Ihering- Bände (siehe TdZ-Ecke 10/2013). Über die Erinnerung an einen der großen Theaterkritiker des 20. Jahrhunderts hatte ich mich gefreut, ein bisschen Restärger hatte ich verdrängt, nun kommt er wieder hoch. Der Teufel liegt im Detail, sagt man, hier liegt die Dummheit in den Anmerkungen. Warum, zum Beispiel, glauben die Leipziger Jungakademiker, Erich Engel hätte ab 1949 in der DDR gelebt? Weil er am Berliner Ensemble inszenierte? Ich habe ihn jedenfalls zusammen mit Fritz Marquardt noch kurz vor dem Mauerbau in seiner Charlottenburger Wohnung besucht. Und wieso glauben sie, Kurt Böwe hätte 1959 Tollers „Entfesselten Wotan“ an der Studentenbühne inszeniert, wo er doch lediglich eine Rolle (den Schleim) spielte, damals noch Assistent am Institut für Theaterwissenschaft war und erst durch den Wotan-Erfolg ermutigt am Maxim Gorki Theater seine professionelle Karriere begann (Regisseur war der Brecht-Eleve Carl M. Weber). Aber viel schlimmer ist, wie Wolfgang Langhoffs Entlassung als Intendant des Deutschen Theaters Berlin und das Verbot von Hacks’ „Die Sorgen und die Macht“, einer der...

Verstreute Bemerkungen zu herumliegenden Theaterbüchern

Linzers Eck: Endlich aufgeräumt

Ein Ensemble als Band

Premieren: Dezember 2013

Berliner Ensemble: Unmittelbare Trägerschaft des Landes Berlin angestrebt

Die eigene Dringlichkeit

Neue Dramatik, alte Geschichten, neue Welten

Bildet Allianzen!

2003 verfasste Slavoj Žižek einen Essay mit dem schmissigen Lenin-Titel „Was tun?“, der ihm den Vorwurf einbrachte, Referent einer gescheiterten Ideologie zu sein. Der Attackierte fühlte sich missverstanden, da „ich ausführlich nachweise, dass Stalin nicht eine zufällige Abweichung von der leninistischen Phase der Oktoberrevolution war, aber eine ihr innewohnende Konsequenz“. Auch Milo Rau zitiert mit „Was tun? Kritik der postmodernen Vernunft“ Lenins Klassiker. Der Untertitel bezieht sich auf Peter Sloterdijks 1983 erschienene „Kritik der zynischen Vernunft“. Raus amüsanter Sound spart sich die enervierenden philosophischen Ausführungen des schnauzbärtigen deutschen TV-Philosophen und fragt sich, „wie wir aus der Sache wieder rauskommen“. Vor dem Horizont des Kommunismus „als ein zwar gewaltiges, tragischerweise aber gescheitertes Experiment“ triumphiert eine mittlerweile zur Postmoderne mutierte zynische Vernunft in Form des Posthistoire als zukunftsloser Zustand unendlicher Gegenwart. Wer jetzt in freudiger Erwartung die Ohren spitzt, wird allerdings von den Handlungswegen enttäuscht. Außer „Hau drauf mit Lenin“ kennt Rau keinen Ausweg aus der Sackgasse, in der nach Adorno und in dessen Spur Žižek die politische Praxis verfangen ist. Für Rau veranschaulicht sich diese kritische Impotenz im Bild eines Geschichtslehrers, der einerseits die Ungerechtigkeit des Systems an den Pranger stellt und andererseits scheinbar keine Konsequenzen daraus zieht. Die Politik der...

Thomas Ostermeier und Thomas Oberender: Die Systemfrage

Assoziationen

Theater

Schaubühne am Lehniner Platz

Theater

Berliner Festspiele

Neuerscheinungen im Verlag